Dave Grohl es un baterista, guitarrista y uno de los musicos que pasará de generación en generación. Su banda Foo Fighters con más de 20 años de trayectoria se ha consilodado como una de las más influyentes y esenciales para comprender el rock del siglo XXI. Sin dudarlo y después del abrupto y trágico fin de la banda Nirvana, Dave Grohl bajo su propio olfato musical decidió navegar su nave: Foo Fighters, una banda que es actualmente catalogada como una de las agrupaciones de rock más importantes de la historia. Dave celebra hoy 14 de enero su cumpleaños y vale la pena recordar su legado y su música. Y si usted cree que es un fanático del rock y de esta banda mídalo respondiendo el siguiente quiz: .
Lo que el mundo esperó con ansias como disco que fuera el reemplazo de Nevermind, resultó ser uno con vida propia y de paso el último que Kurt Cobain, Dave Grohl y Krist Novoselic grabaron en pleno. Por José “Pepe” Plata // @owai Justo en la efervescencia del grunge, Nirvana presentó una producción musical que además reflejó las tensiones de la banda, su proceso creativo, la presión de su sello Geffen y un conflicto con el productor Steve Albini. In Utero confirmó la solidez de la banda, pero también desató el camino que luego se convirtió en dolor. Tan solo dos años antes Nirvana le daría al mundo Nevermind, un disco que se convirtió en el reflejo de una identidad sonora y generacional que dejó atrás los sonidos de aquel heavy rock que provino de Los Ángeles con bandas como Guns and Roses, Motley Crue o Poison. Toda esa reminiscencia del glam rock se desvaneció y una búsqueda sonora y estética basada en el rock, folk, punk y más sonidos fuertes vino así con el llamado “Sonido de Seattle”. Pero Nirvana no era una banda de esa ciudad; era de Aberdeen. Y la etiqueta grunge no fue algo que sintiera se acomodara a su propuesta. Tampoco buscaron ser una voz generacional, aunque lo fueran. Cuando llegó la hora de presentar su tercer disco, la banda optó por aislarse y grabar en un lugar alejado como lo fueron los estudios Pachyderm de la ciudad de Canon Falls. El llamado a manejar las perillas y producir a la banda fue Steve Albini. Albini estaba en la mente de Cobain porque dos de sus discos preferidos tuvieron el sello de trabajo de este personaje. Fueron Surfer Rosa de Pixies y Pod de The Breeders. El de Pixies fue un disco de 1988 que disparó las alarmas musicales por desafiar las reglas. Y The Breeders ofreció un disco de sencilla y visceral aproximación al rock hecho por cuatro mujeres y un hombre. Dos discos que además fueron presentados por el legendario sello británico 4AD. Cobain sintió que esos discos reflejaron un momento y que su banda estaba lista para tener a Albini. Pero no era tan simple como llamar y decirle que viniera a producirlos. Albini siempre tuvo reservas y críticas frente a la industria musical. Su ética de trabajo cuestiona frecuentemente las prácticas de ella y producir a Nirvana fue no un reto, sino una confrontación. Sí, porque Albini dijo que para que su trabajo no se equiparara al de otras bandas del común del rock, el trabajo debía ser aislado y la banda debería pagar el uso de los equipos y salas de un estudio; no el sello discográfico. Con esta carta de navegación, se dieron un plazo de dos semanas para hacer todo el trabajo de grabación en febrero de 1993. Antes de comenzar, Albini le envió a Cobain una copia del disco Rid of Me de Pj Harvey, en el cual él trabajó. De esa manera se tuvo una pauta de trabajo. En pleno invierno, los tres integrantes de la banda, junto a Albini y al técnico Bob Weston tuvieron jornadas de grabación que fueron pocas veces interrumpidas. Una sorpresiva visita de Courtney Love se convirtió en una disputa con Albini por romper el pacto. Las grabaciones y el trabajo con Albini se completaron, pero quedó un sabor amargo posterior. Cuando se entregó el disco por parte de la banda al sello Geffen, este lo rechazó. No encontró un motivo que fuera hacerlo agradable o radiable y se propuso hacer una regrabación. La banda en pleno descartó esto. Cobain defendió el entonces tercer disco sin título como un disco que él mismo quisiera encontrar en su casa y escuchar. Aun así, el sello insistió en mejorar la mezcla y si bien la opción natural era Albini, este se opuso diciendo que había un acuerdo para no modificar las grabaciones. De hecho, se negó a entregar las cintas. Pero todo terminó con un trabajo en mayo que hicieron Scott Litt y Andy Wallace en los Bad Animals Studio de Seattle. Con este trabajo finalizado hubo entonces que crear un concepto de disco. Se manejaron nombres como Verse Chorus Verse y I Hate Myself and I Want to Die, pero In Utero se lanzó como respuesta a una necesidad de introspección y porque la anatomía y los procesos biológicos fueron una constante inspiración. Si bien la banda entregó el disco en mayo, tuvieron que pasar varias semanas para escuchar noticias de él, porque tuvieron que disiparse las dudas de sonido y diseño, que, si bien Estados Unidos e Inglaterra conocieron el 13 y 14 de septiembre, el mundo conoció en pleno el 21. Aquel 21, In Utero salió al mundo dejando un disco sólido que sonó así. 1. Serve the servants. Una preciosa melodía que Cobain desgarra y en donde la batería se destaca frente a todo lo demás. 2. Scentless apprentice: Cual grito que asusta, esta canción es una punzante e intensa composición que de seguro es un pogo. 3. Heart-Shaped Box: Uno de los recordados sencillos del disco, con el cual se hacía una declaración de amor a través de referencias a órganos. 4. Rape me: Se pensaría que fuera un segundo himno generacional, pero fue una declaración de Cobain sobre su soledad y tristeza. 5. Frances Farmer Will Have Her Revenge On Seattle. Una canción basada en un libro y sobre la cual Cobain tuvo un gran aprecio por ser parte de un libro que lo impactó. 6. Dumb: Con los arreglos de cuerdas, esta es una pieza elaborada bajo una tensión única. 7. Very Ape: Un riff fuerte abre una canción que estalla para convertirse en la atomizadora de un sentimiento único de animalidad y rabia. 8. Milk It: Con un golpe de batería prominente y una guitarra que le sigue, se siente el grito del Cobain herido. 9. Pennyroyal Tea: Un camión de canción. Una aplanadora que además tiene coros que se sienten vitales. 10. Radio Friendly Unit Shifter: Si el nombre hace referencia a algo que en la radio tendría cabida, claramente no lo fue acá. Una canción frenética y furiosa. 11. Tourette's: Una canción que pareciera estar hecha como un desgaste; un golpe de 95 segundos que parece una descarga eléctrica. 12. All Apologies: La más lenta de todas; pero no por ello menos intensa. Una canción emotiva y única que además se conoció luego en la voz de Sinead O´connor. Suprema y única. Luego del lanzamiento de In Utero, el trabajo de promoción incluyó además la grabación del famoso Unplugged de Mtv el 18 de noviembre en Nueva York. La gira mundial que la banda comenzó, supuso un desgaste tan intenso que en 1994 no hubo más Cobain. In Utero ya había hecho lo suyo; Cobain tenía más para dar. Pero ya esa es otra historia. Y hubo también espacio para ver ese disco en vivo así:
Guns N’ Roses acaba de anotarse un nuevo record en su carrera musical con la canción November Rain. Resulta que este tema lanzado en 1991 se convirtió en el primer video del siglo pasado en alcanzar 1.000 millones de views en Youtube, esta cifra lo convierte en la canción más popular de los 90 y de las pocas que siguen vigentes en la nueva era del streaming. Las cifras ahora lo son todo y estas son las 10 canciones estrenadas entre 1975 y 1999 que más popularidad tienen en la plataforma de videos de Youtube. El hard rock y el pop de la época lideran los views. De los siguientes diez videos, ¿cuál es su favorito? 1) Guns N' Roses - November Rain de 1991 2) Nirvana - Smells Like Teen Spirit de 1991 3) The Cranberries – Zombie de 1994 4) Guns N' Roses - Sweet Child O' Mine de 1987 5) Scorpions - Wind Of Change de 1990 6) Cyndi Lauper - Girls Just Want To Have Fun de 1983 7) Queen - Bohemian Rhapsody de 1975 8) No Doubt - Don't Speak de 1995 9) Michael Jackson - They Don’t Care About Us (Brazil Version) de 1996 10) Europe - The Final Countdown de 1986 Recomendado: El ocaso y fracaso de la nueva Christina Aguilera
Con la recuperación del vinilo han resucitado las portadas; esas maravillosas tarjetas de visita que invitan al viaje que se esconde dentro de un disco. Dan forma a algo tan imposible de definir como lo es la música y cuando son buenas nace el mito. Por Mr.Trance* / Foto: The Get Down En mi anterior artículo (7 éxitos de la música que se convirtieron en grandes documentales) hablé de la religión del rock n´roll y su santa trinidad formada por directos (o en su defecto documentales), discos y portadas. Si las religiones tienen santos o dioses a los que poner velas, el rock tiene portadas pero no sólo el rock, todos los géneros que se han impreso en vinilo en la segunda mitad del siglo XX hasta ahora han creado mitos o santos que han dado la vuelta al mundo. Es muy difícil hacer una lista de mejores portadas musicales, hay muchas y algunas vacas sagradas que nunca cambian pero voy a hacer la mía, la de Mr.Trance. Delimitemos a soul, pop, rock y jazz. Los criterios: diseño, originalidad y sobretodo, que la imagen sintetize a la perfección el contenido del disco. Un top 10 ordenado por fecha publicación porque me sería imposible elegir entre una u otra. Veamos mi santuario: Chet (1959) Chet Baker Fue uno de los más brillantes trompetistas pero también personificó en vida los clichés de un músico de jazz. Adicto a la heroína desde muy joven, sus días terminaron trágicamente en la ciudad de Ámsterdam en 1988. Lejos de ser pretenciosa, esta portada, simboliza muy bien a Baker: un extraño lugar entre la melancolía, la delicadeza y la soledad. In the court of the Crimson King (1969) King Crimson Realizada por Barry Gogber, la portada explica a la perfección la música de la banda británica liderada por Robert Fripp. Una mezcla de psicodelia, rock progresivo y profunda melancolía. La portada lo deja bien claro; el grito existencial del hombre esquizoide. Todo un símbolo de la época. Abbey road (1969) The Beatles El diseñador John Kosh fue el ideólogo de la archiconocida imagen. Pude haber escogido Sgt Pepper’s, la gran vaca sagrada de las portadas, pero ésta siempre me gustó más. Y sobre todo la leyenda urbana sobre la muerte de Paul McCartney. Según la historia el bueno de Paul falleció en noviembre de 1966 y tiene un doble desde entonces. A pesar de editar Let it be después, éste fue el último disco grabado por los Beatles y ellos mismos se encargaron de dejar pistas a los fans sobre el pertubador secreto. Por eso, en esta portada, Paul (o su doble) tiene los ojos cerrados, un cigarro en su mano derecha (a pesar de que era zurdo) no lleva zapatos y es el único Beatle que tiene el pie derecho por delante, símbolo de difunto en las culturas orientales. También está la matrícula del Volkswagen escarabajo que se ve detrás…”28 IF”, que puede dar a entender “28 años si estuviese vivo”. Verdad, mito, leyenda… perfecto para mi santuario. Bitches Brew (1970) Miles Davis Mati Klarwein fue el autor (también de la famosa Abraxas de Santana). Pura energía negra que simboliza la ruptura y sinergias a las que apuntaba Davis con éste álbum: el nacimiento del jazz-rock. Let´s get in on. (1973) Marvin Gaye Es difícil elegir entre ésta y la de What´s going on. A pesar de que su vida privada comenzaba a desmoronarse por las drogas y la ruptura con su esposa, Marvin Gaye disfrutaba de su mejor momento artístico. La foto de la portada y las imágenes del interior fueron tomadas en las sesiones de grabación del álbum por el fotógrafo Barry Moeller. Marvin estaba reinventando el soul y la portada refleja bien su lucha creativa y la batalla contra sus demonios particulares. Led Zeppelin IV (1971) Led Zeppelin Este famoso álbum sin título tuvo su inspiración en una vieja lámina de un anciano cargando leña que había comprado Robert Plant en una chatarrería de Reading, Inglaterra. En esa lámina Plant vio los tintes folk y esotéricos que tanto gustaban al grupo. A la imagen del viejo con leña le añadieron un moderno edificio. La mezcla de lo viejo y lo nuevo. En el interior del álbum, el ermitaño iluminando con su candil y por primera vez los símbolos que definían a cada miembro del grupo. Esoterismo, misterio y viejas leyendas celtas. La carcasa perfecta para alojar una joya que se convertiría en un tótem del rock n´roll. Animals (1977) Pink Floyd Hipgnosis fue un estudio de diseño británico creado en 1968 por un colectivo de diseñadores gráficos y son los responsables de algunas las más emblemáticas portadas del rock. Entre ellas ésta. La central eléctrica londinense Batthersea Station fue la protagonista de la portada inspirada en la fábula de George Orwell, Animal Farm. Para la sesión de fotos inflaron un globo gigante de helio en forma de cerdo que hicieron flotar enfrente de la fábrica. Una fabulosa metáfora que ilustraba a la perfección el concepto del disco. Al igual que en la fábula política de Orwell, las castas de la sociedad están representadas por animales: perros, como representantes de la ley, cerdos como mandatarios y obejas como peones. Un brillante ataque a la sociedad de consumo. Sticky fingers (1981) Rolling Stones Poco más se puede decir de esta portada. Una bragueta que incluía una cremallera real. Sexy, transgresora, original. Diseñada por Andy Warhol con los Rolling Stones en su interior. La ecuación perfecta. Thriller (1982) Michael Jackson La foto es simple: Michael Jackson acostado con traje blanco y en el interior del vinilo posa con un cachorro de tigre. Nunca está en ninguna lista de mejores portadas pero ha sido la más impresa de la historia. A mí me encanta. La quinta esencia de los años 80. Nevermind (1991) Nirvana Los talentosos Hipgnosis y en concreto el diseñador Storm Thorgenson fue el responsable de esta imagen que dio la vuelta al mundo. Todo un ejercicio de poesía y cinismo. La inocencia de un bebé sumergido en el agua contrasta con el dólar que persigue y se convierte en una imagen perturbadora. Una sociedad materialista que se descompone. Punk en la portada y un nuevo punk, llamado grunge, en la música de Nirvana. Simple, coherente, redonda. Un 10. … *Además de ser colaborador en Shock, Mr.Trance es el protagonista de una serie de animación del mismo nombre que emite Cartoon Network Latinoamérica y Señal Colombia. www.mrtrance.com
El Mtv Unplugged de Nirvana es sin duda uno de los mejores, 23 años después hacemos un sentido homenaje. Hace 23 años Mtv lanzó el Unplugged de Nirvana, un episodio que sin duda se quedó en la memoria histórica - y no solo del rock - sino de la música. Grabado en New York, este disco se convirtió en el álbum póstumo de la banda después de la muerte de Kurt Cobain, su vocalista. La banda demostró que eran más que una banda de grounge y que tenían todo para trascender en el tiempo. De los 14 temas que componen el disco, seis son covers, dos no se incluyeron en la transmisión del programa y muchas de las conversaciones que pasaban después de cada canción entre Dave Grohl, Krist Novoselic y Kurt Cobain no salieron al aire porque según dicen había tensión entre los músicos. Pero más allá de los mitos que se han tejido alrededor de la banda, quisimos hacer un homenaje a uno de los episodios más importantes de la músic recordandoson los covers que tocó nirvana en su desconectado. Larga vida a Nirvana
El líder de Foo Fighters y Kelsey Rohr compartieron una foto juntos en Instagram celebrando el reencuentro.De nuestra aclamada sección de 'Así luce' y sin tener que rebuscar alguna imagen de los niños caídos en desgracia con la llegada a la adultez, hoy les traemos una historia bonita. Hace tan solo unos días Dave Grohl le hizo un homenaje al video de Heart-Shaped Box, publicado en 1993 como parte del álbum 'In Utero', disco en el que temas como 'Rape Me', 'Pennyroyal Tea' y 'All Apologies' marcaron a todo una generación. Este ágape reunió al músico con Kelsey Rohr, la niña de seis años que aparecía en el video en varias escenas como disfrazada de Ku Klux Klan, junto al cristo famélico y un árbol lleno de bebes abortados corriendo por los campos.La niña que hoy tiene 29 años describió la experiencia del reencuentro como un "momento histórico y divertido".Si es de los que no tiene memoria o simplemente privilegió más otros detalles del video que el de la niña en una oscura propuesta, lo invitamos a recordar también el videoclip.
En el mundo de la moda todo es posible, por eso esta camiseta se viralizó esta semana entre otras cosas porque Buzzfeed la hizo visible en este lado del planeta.Aunque seguramente en el pasado ya la había visto en algún mercado de las pulgas, es imposible no sorprenderse y reírse un buen rato al verla rondar por todos lados en las redes sociales.La prenda, chamarra, playera o como quiera llamarla, que haría que Kurt Cobain resucitara de la piedra, la comercializa de forma online una marca llamada Invertid Triangl3.Cuando visitamos la página nos encontramos con que esta agotada. ¿Usted la compraría? Si su respuesta es afirmativa tampoco le pasara inadvertida la camiseta de Bob Marley con el rostro de Jimmy Hendrix.13 Dólares es el precio de esta obra de arte, que encontró la manera en la que podrían convivir los fanáticos de Hanson y Nirvana.Lo bueno es que la empresa ubicada en Monterrey se la envía por correo. O mejor, de pronto la consigue en San Andresito.¿Será que en un futuro harán la de Mandela y Morgan Freeman?
A través de los años la música ha servido como canal de protesta frente a temas políticos, económicos, sociales y, desde luego, religiosos. Controvertidos e icónicos artistas de la industria musical han sabido darle un empujón de más a sus carreras desarrollando estas temáticas de forma irreverente en los videos promocionales de sus sencillos.Es así como Madonna, Marilyn Manson, Lady Gaga, Nine Inch Nails y David Bowie, entre otros, se han ganado más de un “jalón de orejas” por parte de la comunidad religiosa, desde finales de los años 80, al irrespetar a la Iglesia; utilizar la imagen de Dios, la Virgen y otras deidades; o simplemente profanar las escrituras de la Biblia.Para recordar esos videos salidos de “mentes endemoniadas”, les dejamos este conteo en el que el Anticristo de la música hace su aparición por partida doble – y cómo no si todos sus audiovisuales son sacados del más allá –.#1. Lady Gaga - JudasEn 2011 la “madre monstruo” encendió la ira de La Liga Católica por los Derechos Religiosos y Civiles en Estados Unidos al caracterizar a María Magdalena en el video de su canción ‘Judas’.
Un 20 de febrero de 1967 nació en Aberdeen (Washington - Estados Unidos) uno de los íconos noventeros más importantes en la escena musical: Kurt Cobain. Hijo de Donald Lenald Cobain y Wendy Elizabeth Fradenburg, el líder de la banda de grunge Nirvana creció en dentro de un núcleo familiar cristiano, desde los cuatro años dejó al descubierto su amor por la música al interesarse en tocar el piano, componer canciones y cantarlas para su familia. En el colegio fue víctima de bullying por ser amigo de un niño homosexual e hizo parte del grupo de lucha de la escuela para complacer a sus padres – pese a que su verdadera pasión estaba en el arte –. Cuando cumplió nueve años tuvo que atravesar el proceso de separación de su familia, un momento que le causó vergüenza y que lo llevó a sentir odio por sus padres, según lo explicó él mismo en una entrevista de 1993. Fue un fiel admirador de The Ramnoes, fundó su primera banda - Fecal Matter - junto a Krist Novoselic en 1985 y le dio vida a Nirvana en 1987. A Kurt Cobain le tocó dormir en la sala de espera del hospital donde nació, el Harbour Community Hospital de Washington (EE.UU), durante un tiempo. Después de interpretar ‘Territorial pissings’ en Satuday Night Live, Cobain y Krist Novoselic, se besaron y, desde luego, el programa de televisión se negó a emitir esas imágenes. El 28 de septiembre de 1991 fue la primera vez que Kurt Cobain se vio en televisión. "Nunca he tomado partido ni por ti ni por mi madre, porque cuando era pequeño los despreciaba a los dos por igual", escribió Kurt en una carta a su padre. Kurt Cobain tenía un amigo imaginario de nombre Boddah cuando era pequeño. La primera banda de Kurt Cobain se llamaba Fecal Matter, se formó en 1985 con el baterista 'Greg Hokanson' y Dale Crover de 'The Melvins'. Kurt Cobain tenía el hobby de pintar, solía crear sus lienzos con juegos de mesa y cajas de discos. Una vez llegó a pintar con sus propios fluidos corporales...
El dúo croata 2CELLOS que se hizo popular con la interpretación en chelo del tema 'Smooth Criminal', vuelve a ser noticia en Youtube gracias a su interpretación de 'Smells Like Teen Spirit' para Mashable, canción que inmortalizó Nirvana.Este par de amigos, Luka Sulic y Stjepan Hauser, han lanzado tres álbumes y presentado en series como Glee y los shows de Ellen DeGeneres, The Tonight Show y Jay Leno.En tan solo cuatro días ya alcanzan casi 200 mil reproducciones en Youtube.
No hay duda de que Baby Reindeer o Bebé Reno es una de las mejores miniseries de Netflix en los últimos años. Richard Gadd, un comediante escocés, creó, escribió y protagonizó la serie basándose en dos experiencias de abuso y acoso que vivió en sus veinte. Es una historia emocionalmente desgarradora e importante porque retrata fielmente lo que muchas personas pueden sentir cuando atraviesan este tipo de situaciones. No he leído ni una sola crítica negativa de la serie (más que un comentario en TikTok que dice que está "sobrevalorada") y por el contrario, sé que tiene un 7,9 y un 98% en IMDb y en Rotten Tomatoes, respectivamente. ¿Por qué Baby Reindeer es un caso particular? Baby Reindeer es un caso particular porque, a pesar de que se estrenó a principios de abril, sigue siendo noticia y tendencia. Esto debido a que las personas en internet se dedicaron a buscar las identidades reales de las personajes que salen en la serie, como Martha, Darrien e incluso Teri. Asimismo, un medio de comunicación llegó a entrevistar a la real acosadora de Richard Gadd en televisión. Posiblemente, las ganas de descubrir quiénes son realmente estos personajes tienen mucho que ver con el morbo que causó la serie. Sin embargo, las cosas se estaban poniendo intensas y Richard Gadd tuvo que intervenir pidiendo que dejaran de suponer quiénes eran esas personas. Acá les cuento lo que ha causado este "fenómeno". ¿Quién es Darrien en la vida real? Poco tiempo después de que se estrenó la serie, TikTok se llenó con videos en los que explicaban por qué Sean Foley, escritor, director y comediante británico, era el verdadero Darren. Argumentaban que tanto el actor, Tom Goodman-Hill, y el comediante Sean Foley se parecían mucho y los hechos en la serie cuadraban en sus suposiciones. Debido a las acusaciones, Sean Foley no tardó en manifestarse en su cuenta personal de X (antes Twitter). "La policía ha sido informada y están investigando todos los post difamatorios, abusivos y amenazantes hacia mí", escribió. Por su lado, Richard Gadd publicó una historia en su Instagram defendiendo a Foley. A pesar de esto, muchas personas siguen pensando que Sean Foley es el verdadero Darren. “Estoy convencido de que fue Sean Foley, hay muchos rumores desagradables sobre él en escena”. ¿Quién es Martha en la vida real?Posiblemente antes de que la misma Fiona Harvey se manifestara sobre la serie, TikTok y X ya estaban anunciando que ella era Martha en la vida real. Incluso, el Daily Mail escribió y publicó la identidad de este personaje. Además de publicar sus fotos, encontraron su cuenta personal de Facebook en donde empezó a comentar la serie. En efecto, la mujer sí tiene muchas similitudes con el personaje de la serie: no solo por su aspecto, sino la forma en la que escribe. Así como en la serie, Fiona Harvey es una abogada de 58 años. Harvey aseguró que sí conocía a Richard Gadd y sí habían compartido un poco de tiempo juntos pero que "su historia es una burda intromisión en mi intimidad. No le he visto en 12 años". Además, aseguró que lo iba a denunciar por difamación. “Llamaré a la Policía si alguna vez te acercas a mí. Te voy a demandar a vos, a ese diario y a la tonta que escribió el artículo con vos. Espero que eso te quede claro, incluso para un imbécil como vos. Exigiré que el diario te despida. No me gustas ni nunca me gustaste”.Después de sus declaraciones, Fiona Harvey fue entrevistada por Piers Morgan, el editor, periodista y presentador de televisión británico. Durante el programa, Harvey aseguró que lo que Gadd contaba en la serie de Netflix era una mentira. ¿Quién era Teri en la vida real?Según las búsquedas de las personas en Internet y sus suposiciones, Teri, quien interpreta a la novia trans de Donny, es en realidad Anna de Simone. Esto debido a su parecido físico y porque ambas comparten la misma profesión, psicología. Quienes aseguran que esta es la verdadera identidad de Teri incluso compararon contextos y ubicaciones de la vida del personaje con Anna de Simone para demostrar que sí es cierto. ***Si les gustó la serie, les recomendamos ver: Baby Reindeer: análisis psicológico del 4cos0 en la serie con María Elisa Dávila #35mm | Shock
Después de que Yorgos Lanthimos lograra un fenómeno con Poor Things, una película aclamada por los críticos y muy premiada en los Oscar 2024, llega su nueva producción Kinds of Kidness. El largometraje tuvo la premier mundial en el Festival de Cannes. Emma Stone y Willem Dafoe, protagonistas de Poor Things, también hacen parte del elenco de esta nueva película del director griego. Asimismo, actores como Joe Alwyn (La favorita), Margaret Qualley (Había una vez en Hollywood), Hunter Schafer (Euphoria) y Jesse Plemons (Amor y Muerte), entre otros, componen esta historia contemporánea. Yorgos Lanthimos trabajó con el guionista Tony McNamara en Poor Things y La favorita, pero para Kind of Kidness dirigió el guión de Efthimis Filippou, conocido por escribir Lobster y El sacrificio de un ciervo sagrado. Teaser oficial de 'Kinds of Kidness'¿De qué trata 'Kinds of Kidness'?Aunque no se ha publicado el trailer oficial de la película, Yorgos Lanthimos afirmó que: “Es una película contemporánea, ambientada en Estados Unidos: tres historias diferentes, con cuatro o cinco actores que interpretan un papel en cada historia, por lo que todos interpretan tres papeles diferentes. En realidad, fue casi como hacer tres películas”.Después de su estreno en el Festival de Cannes, se ha calificado como una historia de "canibalismo, cultos sexuales y libertinaje". Además, la desnudez es una parte clave de la trama. Las primeras críticas de 'Kinds of Kidness'A pesar de que en el Festival de Cannes la película tuvo una ovación de cuatro minutos, varios medios ya han publicado críticas en las que se demuestran su decepción frente al largometraje. El periodista especializado en cine, Javier Zurro, escribió una reseña en elDiario.es donde afirma que Kinds of Kindness es un elogio a la crueldad. "No lo es [una comedia graciosa] porque Lanthimos está constantemente preocupado por provocar y epatar. Por ser incómodo y retorcido. Tanto que se pasa de vueltas todo el rato. Disfruta torturando a sus personajes hasta los límites más insospechados. Nunca les da una salida ni una oportunidad". Por otro lado, Nicholas Barber escribe en la BBC: "Por más oscura que siempre haya sido la comedia de Lanthimos, hay momentos en que la crueldad se vuelve casi insoportable". Además, afirma: "Ciertamente, aquellos de nosotros que argumentamos que el sexo y la desnudez en Poor Things eran importantes para la historia de liberación y confianza en sí misma de Bella puede resultarnos más difícil defender Kinds of Kindness". Sin embargo, y dejando de lado estas críticas negativas, las primeras votaciones en Rotten Tomatoes le han dado a la película una puntuación del 95%. Tendremos que esperar a que la película se estrene, el 21 de julio del 2024, para tomar una decisión sobre lo que pensamos sobre Kinds of Kindness, la nueva película del director griego. ***Si les gustó Poor Things, les recomendamos leer: Poor Things: el fastidio que nos genera la libertad - Análisis y significado de la película
Nick y Aaron Carter: ídolos caídos es una docuserie en dos partes de Investigation Discovery que explora las vidas de los hermanos Nick y Aaron Carter, el primero conocido por su participación en lso Backstreet Boys. La serie se estrenará en Max con su primera parte el 27 de mayo y la segunda el 28 de mayo. Además, estará disponible en Discovery a partir del 7 de junio a las 22:00 hs (Colombia) en un formato de cuatro episodios de una hora, con el estreno de un capítulo cada semana.¿De qué trata Nick y Aaron Carter: ídolos caídos?Desde su meteórica fama a finales de los años 90 y principios de los 2000 hasta los conflictos que los llevaron a los titulares en años recientes, la docuserie revela la tensa dinámica familiar de los Carter y un lado no tan conocido de su ascenso a la fama. Nick y Aaron Carter: ídolos caídos examina las acusaciones de abuso sexual contra Nick Carter, realizadas por tres mujeres, mientras aborda las luchas de Aaron Carter con la salud mental, el abuso de sustancias y la ruptura entre los hermanos tras el apoyo de Aaron a las denunciantes de Nick.En 2017, Nick Carter fue acusado de abuso sexual por Melissa Schuman, ex miembro del grupo musical femenino DREAM, mientras él y los Backstreet Boys estaban en la cúspide de su fama. En los años siguientes, otras mujeres, Ashley Repp y Shay Ruth, presentaron acusaciones similares. Durante este tiempo, Aaron Carter apoyó a quienes denunicaron a Nick, mientras lidiaba con sus propios problemas de adicción y salud mental, lo que llevó a una disputa pública entre los hermanos antes de la trágica muerte de Aaron en 2022. La serie profundiza en las acusaciones contra Nick y cómo se entrelazaron con la volátil relación entre los hermanos.La serie cuenta con entrevistas exclusivas a Melissa Schuman, Ashley Repp y Shay Ruth, quienes ofrecen perspectivas emotivas e impactantes sobre sus acusaciones contra Nick. Nick y Aaron Carter: ídolos caídos busca ofrecer una comprensión más profunda de las denuncias, y narrar la intensa reacción que las denunciantes han enfrentado desde que decidieron hablar públicamente, y el impacto duradero en sus vidas. La docuserie también incluye testimonios de un miembro de la familia Carter y amigos cercanos, como la ex novia de Nick, Kaya Jones, y la ex prometida de Aaron, Melanie Martin, brindando una mirada íntima a cómo la intensa fama y los conflictos provocaron una ruptura entre los hermanos.
Desde hace años en algunos conciertos en Colombia se vienen implementando los palcos, es decir, espacios delimitados frente al escenario destinados a grupos más grandes, normalmente de 10 personas . Es una modalidad usada principalmente en conciertos de reggaetón o música popular. Recientemente, Nicky Jam se pronunció al respecto. Nicky Jam dio una entrevista al canal de video 'Mario VI TV' y habló sobre la organización de conciertos en el país. Según el puertorriqueño, la forma en que se organiza al público en los escenarios en Colombia. a menudo dificulta la conexión con los artistas. Por eso dijo que "los conciertos de Colombia son los más difíciles", en un fragmento de la entrevista que se viralizó en X (Twitter). "El promotor pone palcos donde están los ricos, mientras que la masa que realmente canta las canciones está en las zonas generales. No sientes al público, porque los que están al frente no gritan ni hacen nada", comentó el cantante.Los palcos suelen tener costos más elevados que la taquilla general: recientemente para el concierto de Karol G, los costos del palco superaban los 24 millones de pesos. Además, Nicky Jam señaló que en algunos conciertos combinan artistas urbanos con intérpretes de vallenato y música popular, lo cual provoca que los fans del reguetón terminen en las zonas generales, mientras que aquellos que prefieren otros géneros ocupan los palcos. El cantante no está de acuerdo con esta forma de organización, ya que considera que el espectáculo debería ser para todos."Yo soy de energía. Si estoy en el escenario y no siento a la gente gritando, me desanimo inmediatamente", complementó el artista. Nicky Jam destacó al estadio Atanasio Girardot en Medellín como un buen escenario: "Me gusta cómo prepararon el Atanasio. Es sin palcos, por eso se siente como un verdadero concierto con el pueblo. Me encanta cantar y estar cerca de la gente, sentir que puedo chocar los cinco con alguien. Pero eso es lo que hacen los promotores de allá, y mis respetos para ellos por seguir contratándome", concluyó.Nicki Jam forma parte del cartel de La Eterna, evento que se celebrará el próximo 3 de agosto, precisamente en el Estadio Atanasio Girardot.
Pimpinela, el dúo argentino compuesto por los hermanos Lucía y Joaquín Galán, fue un éxito a finales de los 80 y principios de los 90, gracias a asus cancioens dramáticas con diálogos cantados. Canciones como A esa, Olvídame y pega la vuelta, Ahora decide y Ese estúpido que llama. En uno de los videos de Pimpinela hay un cameo que aún hoy, más de 30 años después de su estreno, sigue llamado la atención: eld el actor Christopher Reeve, conocido por interpretar a Superman. El video musical de Heroína Solitaria"debutó en 1993 como parte del álbum Pimpinela 92. El vídeo retrataba una fantasía romántica que involucraba a una joven secretaria que trabajaba para un poderoso hombre de negocios. A lo largo del vídeo, la trama se desarrolla con deseos reprimidos entre la "heroína solitaria" y su misterioso jefe, que inteligentemente nunca aparece del cuello para arriba, manteniendo un aire de misterio como el objeto secreto de su afecto.La interacción entre Lucía y Joaquín en la canción refleja una lucha constante entre mantener la profesionalidad y ceder ante los sentimientos. El título se refiere a su gran esfuerzo para mantenerse profesional en una situación que claramente la afecta emocionalmente. Mientras el dúo argentino interpreta su sentida canción ante un público cautivado, la trama se complica cuando el jefe olvida sus billetes de avión para un viaje crucial. En una carrera desesperada por entregarlos, la secretaria lo alcanza y le revela que no es otro que el propio Superman, interpretado por el querido actor Christopher Reeve. Reeve reconoce gentilmente su esfuerzo y queda cautivado por la joven.El video fue filmado justo antes del trágico accidente de Christopher Reeve en 1995, que resultó en una lesión en la médula espinal que lo dejó paralizado. A pesar de sus desafíos posteriores, Reeve, quien inmortalizó al superhéroe Superman, continuó inspirando a muchos hasta su fallecimiento, el 10 de octubre de 2004.