Dave Grohl es un baterista, guitarrista y uno de los musicos que pasará de generación en generación. Su banda Foo Fighters con más de 20 años de trayectoria se ha consilodado como una de las más influyentes y esenciales para comprender el rock del siglo XXI. Sin dudarlo y después del abrupto y trágico fin de la banda Nirvana, Dave Grohl bajo su propio olfato musical decidió navegar su nave: Foo Fighters, una banda que es actualmente catalogada como una de las agrupaciones de rock más importantes de la historia. Dave celebra hoy 14 de enero su cumpleaños y vale la pena recordar su legado y su música. Y si usted cree que es un fanático del rock y de esta banda mídalo respondiendo el siguiente quiz: .
Lo que el mundo esperó con ansias como disco que fuera el reemplazo de Nevermind, resultó ser uno con vida propia y de paso el último que Kurt Cobain, Dave Grohl y Krist Novoselic grabaron en pleno. Por José “Pepe” Plata // @owai Justo en la efervescencia del grunge, Nirvana presentó una producción musical que además reflejó las tensiones de la banda, su proceso creativo, la presión de su sello Geffen y un conflicto con el productor Steve Albini. In Utero confirmó la solidez de la banda, pero también desató el camino que luego se convirtió en dolor. Tan solo dos años antes Nirvana le daría al mundo Nevermind, un disco que se convirtió en el reflejo de una identidad sonora y generacional que dejó atrás los sonidos de aquel heavy rock que provino de Los Ángeles con bandas como Guns and Roses, Motley Crue o Poison. Toda esa reminiscencia del glam rock se desvaneció y una búsqueda sonora y estética basada en el rock, folk, punk y más sonidos fuertes vino así con el llamado “Sonido de Seattle”. Pero Nirvana no era una banda de esa ciudad; era de Aberdeen. Y la etiqueta grunge no fue algo que sintiera se acomodara a su propuesta. Tampoco buscaron ser una voz generacional, aunque lo fueran. Cuando llegó la hora de presentar su tercer disco, la banda optó por aislarse y grabar en un lugar alejado como lo fueron los estudios Pachyderm de la ciudad de Canon Falls. El llamado a manejar las perillas y producir a la banda fue Steve Albini. Albini estaba en la mente de Cobain porque dos de sus discos preferidos tuvieron el sello de trabajo de este personaje. Fueron Surfer Rosa de Pixies y Pod de The Breeders. El de Pixies fue un disco de 1988 que disparó las alarmas musicales por desafiar las reglas. Y The Breeders ofreció un disco de sencilla y visceral aproximación al rock hecho por cuatro mujeres y un hombre. Dos discos que además fueron presentados por el legendario sello británico 4AD. Cobain sintió que esos discos reflejaron un momento y que su banda estaba lista para tener a Albini. Pero no era tan simple como llamar y decirle que viniera a producirlos. Albini siempre tuvo reservas y críticas frente a la industria musical. Su ética de trabajo cuestiona frecuentemente las prácticas de ella y producir a Nirvana fue no un reto, sino una confrontación. Sí, porque Albini dijo que para que su trabajo no se equiparara al de otras bandas del común del rock, el trabajo debía ser aislado y la banda debería pagar el uso de los equipos y salas de un estudio; no el sello discográfico. Con esta carta de navegación, se dieron un plazo de dos semanas para hacer todo el trabajo de grabación en febrero de 1993. Antes de comenzar, Albini le envió a Cobain una copia del disco Rid of Me de Pj Harvey, en el cual él trabajó. De esa manera se tuvo una pauta de trabajo. En pleno invierno, los tres integrantes de la banda, junto a Albini y al técnico Bob Weston tuvieron jornadas de grabación que fueron pocas veces interrumpidas. Una sorpresiva visita de Courtney Love se convirtió en una disputa con Albini por romper el pacto. Las grabaciones y el trabajo con Albini se completaron, pero quedó un sabor amargo posterior. Cuando se entregó el disco por parte de la banda al sello Geffen, este lo rechazó. No encontró un motivo que fuera hacerlo agradable o radiable y se propuso hacer una regrabación. La banda en pleno descartó esto. Cobain defendió el entonces tercer disco sin título como un disco que él mismo quisiera encontrar en su casa y escuchar. Aun así, el sello insistió en mejorar la mezcla y si bien la opción natural era Albini, este se opuso diciendo que había un acuerdo para no modificar las grabaciones. De hecho, se negó a entregar las cintas. Pero todo terminó con un trabajo en mayo que hicieron Scott Litt y Andy Wallace en los Bad Animals Studio de Seattle. Con este trabajo finalizado hubo entonces que crear un concepto de disco. Se manejaron nombres como Verse Chorus Verse y I Hate Myself and I Want to Die, pero In Utero se lanzó como respuesta a una necesidad de introspección y porque la anatomía y los procesos biológicos fueron una constante inspiración. Si bien la banda entregó el disco en mayo, tuvieron que pasar varias semanas para escuchar noticias de él, porque tuvieron que disiparse las dudas de sonido y diseño, que, si bien Estados Unidos e Inglaterra conocieron el 13 y 14 de septiembre, el mundo conoció en pleno el 21. Aquel 21, In Utero salió al mundo dejando un disco sólido que sonó así. 1. Serve the servants. Una preciosa melodía que Cobain desgarra y en donde la batería se destaca frente a todo lo demás. 2. Scentless apprentice: Cual grito que asusta, esta canción es una punzante e intensa composición que de seguro es un pogo. 3. Heart-Shaped Box: Uno de los recordados sencillos del disco, con el cual se hacía una declaración de amor a través de referencias a órganos. 4. Rape me: Se pensaría que fuera un segundo himno generacional, pero fue una declaración de Cobain sobre su soledad y tristeza. 5. Frances Farmer Will Have Her Revenge On Seattle. Una canción basada en un libro y sobre la cual Cobain tuvo un gran aprecio por ser parte de un libro que lo impactó. 6. Dumb: Con los arreglos de cuerdas, esta es una pieza elaborada bajo una tensión única. 7. Very Ape: Un riff fuerte abre una canción que estalla para convertirse en la atomizadora de un sentimiento único de animalidad y rabia. 8. Milk It: Con un golpe de batería prominente y una guitarra que le sigue, se siente el grito del Cobain herido. 9. Pennyroyal Tea: Un camión de canción. Una aplanadora que además tiene coros que se sienten vitales. 10. Radio Friendly Unit Shifter: Si el nombre hace referencia a algo que en la radio tendría cabida, claramente no lo fue acá. Una canción frenética y furiosa. 11. Tourette's: Una canción que pareciera estar hecha como un desgaste; un golpe de 95 segundos que parece una descarga eléctrica. 12. All Apologies: La más lenta de todas; pero no por ello menos intensa. Una canción emotiva y única que además se conoció luego en la voz de Sinead O´connor. Suprema y única. Luego del lanzamiento de In Utero, el trabajo de promoción incluyó además la grabación del famoso Unplugged de Mtv el 18 de noviembre en Nueva York. La gira mundial que la banda comenzó, supuso un desgaste tan intenso que en 1994 no hubo más Cobain. In Utero ya había hecho lo suyo; Cobain tenía más para dar. Pero ya esa es otra historia. Y hubo también espacio para ver ese disco en vivo así:
Guns N’ Roses acaba de anotarse un nuevo record en su carrera musical con la canción November Rain. Resulta que este tema lanzado en 1991 se convirtió en el primer video del siglo pasado en alcanzar 1.000 millones de views en Youtube, esta cifra lo convierte en la canción más popular de los 90 y de las pocas que siguen vigentes en la nueva era del streaming. Las cifras ahora lo son todo y estas son las 10 canciones estrenadas entre 1975 y 1999 que más popularidad tienen en la plataforma de videos de Youtube. El hard rock y el pop de la época lideran los views. De los siguientes diez videos, ¿cuál es su favorito? 1) Guns N' Roses - November Rain de 1991 2) Nirvana - Smells Like Teen Spirit de 1991 3) The Cranberries – Zombie de 1994 4) Guns N' Roses - Sweet Child O' Mine de 1987 5) Scorpions - Wind Of Change de 1990 6) Cyndi Lauper - Girls Just Want To Have Fun de 1983 7) Queen - Bohemian Rhapsody de 1975 8) No Doubt - Don't Speak de 1995 9) Michael Jackson - They Don’t Care About Us (Brazil Version) de 1996 10) Europe - The Final Countdown de 1986 Recomendado: El ocaso y fracaso de la nueva Christina Aguilera
Con la recuperación del vinilo han resucitado las portadas; esas maravillosas tarjetas de visita que invitan al viaje que se esconde dentro de un disco. Dan forma a algo tan imposible de definir como lo es la música y cuando son buenas nace el mito. Por Mr.Trance* / Foto: The Get Down En mi anterior artículo (7 éxitos de la música que se convirtieron en grandes documentales) hablé de la religión del rock n´roll y su santa trinidad formada por directos (o en su defecto documentales), discos y portadas. Si las religiones tienen santos o dioses a los que poner velas, el rock tiene portadas pero no sólo el rock, todos los géneros que se han impreso en vinilo en la segunda mitad del siglo XX hasta ahora han creado mitos o santos que han dado la vuelta al mundo. Es muy difícil hacer una lista de mejores portadas musicales, hay muchas y algunas vacas sagradas que nunca cambian pero voy a hacer la mía, la de Mr.Trance. Delimitemos a soul, pop, rock y jazz. Los criterios: diseño, originalidad y sobretodo, que la imagen sintetize a la perfección el contenido del disco. Un top 10 ordenado por fecha publicación porque me sería imposible elegir entre una u otra. Veamos mi santuario: Chet (1959) Chet Baker Fue uno de los más brillantes trompetistas pero también personificó en vida los clichés de un músico de jazz. Adicto a la heroína desde muy joven, sus días terminaron trágicamente en la ciudad de Ámsterdam en 1988. Lejos de ser pretenciosa, esta portada, simboliza muy bien a Baker: un extraño lugar entre la melancolía, la delicadeza y la soledad. In the court of the Crimson King (1969) King Crimson Realizada por Barry Gogber, la portada explica a la perfección la música de la banda británica liderada por Robert Fripp. Una mezcla de psicodelia, rock progresivo y profunda melancolía. La portada lo deja bien claro; el grito existencial del hombre esquizoide. Todo un símbolo de la época. Abbey road (1969) The Beatles El diseñador John Kosh fue el ideólogo de la archiconocida imagen. Pude haber escogido Sgt Pepper’s, la gran vaca sagrada de las portadas, pero ésta siempre me gustó más. Y sobre todo la leyenda urbana sobre la muerte de Paul McCartney. Según la historia el bueno de Paul falleció en noviembre de 1966 y tiene un doble desde entonces. A pesar de editar Let it be después, éste fue el último disco grabado por los Beatles y ellos mismos se encargaron de dejar pistas a los fans sobre el pertubador secreto. Por eso, en esta portada, Paul (o su doble) tiene los ojos cerrados, un cigarro en su mano derecha (a pesar de que era zurdo) no lleva zapatos y es el único Beatle que tiene el pie derecho por delante, símbolo de difunto en las culturas orientales. También está la matrícula del Volkswagen escarabajo que se ve detrás…”28 IF”, que puede dar a entender “28 años si estuviese vivo”. Verdad, mito, leyenda… perfecto para mi santuario. Bitches Brew (1970) Miles Davis Mati Klarwein fue el autor (también de la famosa Abraxas de Santana). Pura energía negra que simboliza la ruptura y sinergias a las que apuntaba Davis con éste álbum: el nacimiento del jazz-rock. Let´s get in on. (1973) Marvin Gaye Es difícil elegir entre ésta y la de What´s going on. A pesar de que su vida privada comenzaba a desmoronarse por las drogas y la ruptura con su esposa, Marvin Gaye disfrutaba de su mejor momento artístico. La foto de la portada y las imágenes del interior fueron tomadas en las sesiones de grabación del álbum por el fotógrafo Barry Moeller. Marvin estaba reinventando el soul y la portada refleja bien su lucha creativa y la batalla contra sus demonios particulares. Led Zeppelin IV (1971) Led Zeppelin Este famoso álbum sin título tuvo su inspiración en una vieja lámina de un anciano cargando leña que había comprado Robert Plant en una chatarrería de Reading, Inglaterra. En esa lámina Plant vio los tintes folk y esotéricos que tanto gustaban al grupo. A la imagen del viejo con leña le añadieron un moderno edificio. La mezcla de lo viejo y lo nuevo. En el interior del álbum, el ermitaño iluminando con su candil y por primera vez los símbolos que definían a cada miembro del grupo. Esoterismo, misterio y viejas leyendas celtas. La carcasa perfecta para alojar una joya que se convertiría en un tótem del rock n´roll. Animals (1977) Pink Floyd Hipgnosis fue un estudio de diseño británico creado en 1968 por un colectivo de diseñadores gráficos y son los responsables de algunas las más emblemáticas portadas del rock. Entre ellas ésta. La central eléctrica londinense Batthersea Station fue la protagonista de la portada inspirada en la fábula de George Orwell, Animal Farm. Para la sesión de fotos inflaron un globo gigante de helio en forma de cerdo que hicieron flotar enfrente de la fábrica. Una fabulosa metáfora que ilustraba a la perfección el concepto del disco. Al igual que en la fábula política de Orwell, las castas de la sociedad están representadas por animales: perros, como representantes de la ley, cerdos como mandatarios y obejas como peones. Un brillante ataque a la sociedad de consumo. Sticky fingers (1981) Rolling Stones Poco más se puede decir de esta portada. Una bragueta que incluía una cremallera real. Sexy, transgresora, original. Diseñada por Andy Warhol con los Rolling Stones en su interior. La ecuación perfecta. Thriller (1982) Michael Jackson La foto es simple: Michael Jackson acostado con traje blanco y en el interior del vinilo posa con un cachorro de tigre. Nunca está en ninguna lista de mejores portadas pero ha sido la más impresa de la historia. A mí me encanta. La quinta esencia de los años 80. Nevermind (1991) Nirvana Los talentosos Hipgnosis y en concreto el diseñador Storm Thorgenson fue el responsable de esta imagen que dio la vuelta al mundo. Todo un ejercicio de poesía y cinismo. La inocencia de un bebé sumergido en el agua contrasta con el dólar que persigue y se convierte en una imagen perturbadora. Una sociedad materialista que se descompone. Punk en la portada y un nuevo punk, llamado grunge, en la música de Nirvana. Simple, coherente, redonda. Un 10. … *Además de ser colaborador en Shock, Mr.Trance es el protagonista de una serie de animación del mismo nombre que emite Cartoon Network Latinoamérica y Señal Colombia. www.mrtrance.com
El Mtv Unplugged de Nirvana es sin duda uno de los mejores, 23 años después hacemos un sentido homenaje. Hace 23 años Mtv lanzó el Unplugged de Nirvana, un episodio que sin duda se quedó en la memoria histórica - y no solo del rock - sino de la música. Grabado en New York, este disco se convirtió en el álbum póstumo de la banda después de la muerte de Kurt Cobain, su vocalista. La banda demostró que eran más que una banda de grounge y que tenían todo para trascender en el tiempo. De los 14 temas que componen el disco, seis son covers, dos no se incluyeron en la transmisión del programa y muchas de las conversaciones que pasaban después de cada canción entre Dave Grohl, Krist Novoselic y Kurt Cobain no salieron al aire porque según dicen había tensión entre los músicos. Pero más allá de los mitos que se han tejido alrededor de la banda, quisimos hacer un homenaje a uno de los episodios más importantes de la músic recordandoson los covers que tocó nirvana en su desconectado. Larga vida a Nirvana
El líder de Foo Fighters y Kelsey Rohr compartieron una foto juntos en Instagram celebrando el reencuentro.De nuestra aclamada sección de 'Así luce' y sin tener que rebuscar alguna imagen de los niños caídos en desgracia con la llegada a la adultez, hoy les traemos una historia bonita. Hace tan solo unos días Dave Grohl le hizo un homenaje al video de Heart-Shaped Box, publicado en 1993 como parte del álbum 'In Utero', disco en el que temas como 'Rape Me', 'Pennyroyal Tea' y 'All Apologies' marcaron a todo una generación. Este ágape reunió al músico con Kelsey Rohr, la niña de seis años que aparecía en el video en varias escenas como disfrazada de Ku Klux Klan, junto al cristo famélico y un árbol lleno de bebes abortados corriendo por los campos.La niña que hoy tiene 29 años describió la experiencia del reencuentro como un "momento histórico y divertido".Si es de los que no tiene memoria o simplemente privilegió más otros detalles del video que el de la niña en una oscura propuesta, lo invitamos a recordar también el videoclip.
En el mundo de la moda todo es posible, por eso esta camiseta se viralizó esta semana entre otras cosas porque Buzzfeed la hizo visible en este lado del planeta.Aunque seguramente en el pasado ya la había visto en algún mercado de las pulgas, es imposible no sorprenderse y reírse un buen rato al verla rondar por todos lados en las redes sociales.La prenda, chamarra, playera o como quiera llamarla, que haría que Kurt Cobain resucitara de la piedra, la comercializa de forma online una marca llamada Invertid Triangl3.Cuando visitamos la página nos encontramos con que esta agotada. ¿Usted la compraría? Si su respuesta es afirmativa tampoco le pasara inadvertida la camiseta de Bob Marley con el rostro de Jimmy Hendrix.13 Dólares es el precio de esta obra de arte, que encontró la manera en la que podrían convivir los fanáticos de Hanson y Nirvana.Lo bueno es que la empresa ubicada en Monterrey se la envía por correo. O mejor, de pronto la consigue en San Andresito.¿Será que en un futuro harán la de Mandela y Morgan Freeman?
A través de los años la música ha servido como canal de protesta frente a temas políticos, económicos, sociales y, desde luego, religiosos. Controvertidos e icónicos artistas de la industria musical han sabido darle un empujón de más a sus carreras desarrollando estas temáticas de forma irreverente en los videos promocionales de sus sencillos.Es así como Madonna, Marilyn Manson, Lady Gaga, Nine Inch Nails y David Bowie, entre otros, se han ganado más de un “jalón de orejas” por parte de la comunidad religiosa, desde finales de los años 80, al irrespetar a la Iglesia; utilizar la imagen de Dios, la Virgen y otras deidades; o simplemente profanar las escrituras de la Biblia.Para recordar esos videos salidos de “mentes endemoniadas”, les dejamos este conteo en el que el Anticristo de la música hace su aparición por partida doble – y cómo no si todos sus audiovisuales son sacados del más allá –.#1. Lady Gaga - JudasEn 2011 la “madre monstruo” encendió la ira de La Liga Católica por los Derechos Religiosos y Civiles en Estados Unidos al caracterizar a María Magdalena en el video de su canción ‘Judas’.
Un 20 de febrero de 1967 nació en Aberdeen (Washington - Estados Unidos) uno de los íconos noventeros más importantes en la escena musical: Kurt Cobain. Hijo de Donald Lenald Cobain y Wendy Elizabeth Fradenburg, el líder de la banda de grunge Nirvana creció en dentro de un núcleo familiar cristiano, desde los cuatro años dejó al descubierto su amor por la música al interesarse en tocar el piano, componer canciones y cantarlas para su familia. En el colegio fue víctima de bullying por ser amigo de un niño homosexual e hizo parte del grupo de lucha de la escuela para complacer a sus padres – pese a que su verdadera pasión estaba en el arte –. Cuando cumplió nueve años tuvo que atravesar el proceso de separación de su familia, un momento que le causó vergüenza y que lo llevó a sentir odio por sus padres, según lo explicó él mismo en una entrevista de 1993. Fue un fiel admirador de The Ramnoes, fundó su primera banda - Fecal Matter - junto a Krist Novoselic en 1985 y le dio vida a Nirvana en 1987. A Kurt Cobain le tocó dormir en la sala de espera del hospital donde nació, el Harbour Community Hospital de Washington (EE.UU), durante un tiempo. Después de interpretar ‘Territorial pissings’ en Satuday Night Live, Cobain y Krist Novoselic, se besaron y, desde luego, el programa de televisión se negó a emitir esas imágenes. El 28 de septiembre de 1991 fue la primera vez que Kurt Cobain se vio en televisión. "Nunca he tomado partido ni por ti ni por mi madre, porque cuando era pequeño los despreciaba a los dos por igual", escribió Kurt en una carta a su padre. Kurt Cobain tenía un amigo imaginario de nombre Boddah cuando era pequeño. La primera banda de Kurt Cobain se llamaba Fecal Matter, se formó en 1985 con el baterista 'Greg Hokanson' y Dale Crover de 'The Melvins'. Kurt Cobain tenía el hobby de pintar, solía crear sus lienzos con juegos de mesa y cajas de discos. Una vez llegó a pintar con sus propios fluidos corporales...
El dúo croata 2CELLOS que se hizo popular con la interpretación en chelo del tema 'Smooth Criminal', vuelve a ser noticia en Youtube gracias a su interpretación de 'Smells Like Teen Spirit' para Mashable, canción que inmortalizó Nirvana.Este par de amigos, Luka Sulic y Stjepan Hauser, han lanzado tres álbumes y presentado en series como Glee y los shows de Ellen DeGeneres, The Tonight Show y Jay Leno.En tan solo cuatro días ya alcanzan casi 200 mil reproducciones en Youtube.
Furiosa, la película protagonizada por la actriz Anya Taylor-Joy, tuvo su preestreno durante el Festival de Cine de Cannes y causó una gran ovación. Esta entrega hace parte Mad Max, la franquicia del cineasta australiano George Miller, que vuelve a la pantalla grande después de nueve años de su última película, Mad Max: Fury Road. Este mundo distópico se creó en 1983 y desde entonces ha sido muy característico con sus dunas de arena, los camiones monstruo, los carros avanzados, los mutantes merodeadores y los nombres peculiares de este universo. En Colombia, la película (de 168 millones de dólares de presupuesto) llegará a cines el 23 de mayo. Se podría decir que Furiosa tiene un gran peso encima por las expectativas que caen sobre la película. Esto debido a que Mad Max: Fury Road fue un completo éxito: obtuvo 10 nominaciones en los Oscar 2016 y se llevó 6 de estos, de 350.000 dólares, recaudó en taquilla a nivel mundial más de 379.000 millones de dólares y obtuvo una calificación del 97% en Rotten Tomatoes. Sin embargo, después de la ovación de pie durante siete minutos el día de su estreno, parece ser que la película protagonizada por Anya Taylor-Joy y Chris Hemsworth, entre otros, recibirá muchas críticas positivas. Ahora nos queda por preguntarnos: ¿superará a su antecesora? Trailer oficial de 'Furiosa'¿De qué trata 'Furiosa'? La película se sitúa en un mundo postapocalíptico en donde todo ha perdido su valor y los que dictaminan las leyes son, de los que quedan, los más fuertes. La protagonista, Furiosa (Anya Taylor-Joy), es arrebatada del Lugar Verde de Muchas Madres. Por esto, termina con un grupo de motociclistas liderados por el Señor de la Guerra Dementus (Chris Hemsworth). Todos recorren Wasteland hasta dar con la Ciudadela dirigida por el Inmmortan Joe (Lachy Hulme). Mientras los dos titanes se destruyen y luchan por el poder, Furiosa deberá pelear con muchos más obstáculos para volver a casa. **Les recomendamos leer: Las mejores películas post-apocalípticas de la historia
La Eterna, festival que se realizará el próximo 3 de agosto en el marco de la Feria de las Flores 2024, anunció su cartel oficial con ocho artistas de estarán en el Estadio Atanasio Girardot de Medellín.Los encargados de La Eterna fiesta en la ciudad serán: el ícono mundial de la salsa Marc Anthony; La Luna de América, Ana Gabriel; uno de los pioneros y máximos exponentes del reggaetón en el mundo, Nicky Jam; la revelación del Regional Mexicano, Xavi; el cantautor colombiano, Fonseca; el cantante de música vallenata, Elder Dayán Diaz; los merengueros de Proyecto Uno; y la artista urbana Nath.Marc Anthony también estará en Bogotá el próximo 1 de agosto en el Coliseo Live. Proyecto Uno estuvo en Colombia en marzo pasado como parte del cartel de Estéreo Picnic. Sin duda, los artistas más importantes de la música latina que seguirán consolidando a Medellín como la capital eterna de la música con ritmos que van desde la salsa, rancheras, reggaetón, merengue, urbano y vallenato, los cuales pondrán a bailar a más de 42.000 asistentes.La Eterna, Festival de las Flores, se realizará por primera vez en el 2024 y es organizado por CMN Breakfast Club (Creadores del Festival La Solar) y La Industria INC (Una de las más importantes agencias de managenent y booking en Colombia).En su primera edición contarán con zonas alternas del estadio con experiencias diferenciales, dos escenarios, e infinitas actividades para todos los asistentes.Las entradas estarán a la venta con precio especial desde el miércoles 22 de mayo a las 10:00 a.m. en la página web oficial de la tiquetera: www.taquillalive.com. Para más información puede estar atento a las redes sociales @laeterna.mde, @cmnevents, @breakfastclub y @laindustriainc.
Para quienes no sabían quién es Sabrina Carpenter, el anonimato duró poco debido a dos eventos gigantes en los que participó a finales del 2023 y a principios 2024. Por un lado, la artista estadounidense de 25 años fue la telonera de varios de los conciertos de The Eras Tour, la gira mundial de Taylor Swift. Por el otro, Sabrina Carpenter se presentó en el Coachella 2024, un macrofestival al que asisten alrededor de 125.000 personas por día. Por el mismo tiempo del festival, Sabrina estrenaba su canción Espresso que se volvió tendencia en redes sociales tan rápido que muchos aseguraron que podría ser la canción del 2024. ¿Quién es Sabrina Carpenter? Sabrina Carpenter nació el 11 de mayo de 1999 en Quakertown, Pensilvania, Estados Unidos. Se crió junto a sus tres hermanas mayores Sarah, Shannon y Cayla. Carpenter fue educada en casa. Su papá, David, le construyó un estudio de grabación para que practicara y cultivara su pasión por la música. Sus apariciones al público empezaron en el 2011 cuando, por un lado, quedó de tercer lugar en un concurso de canto dirigido por Miley Cyrus, The Next Miley Cyrus Project, y debutó en televisión como actriz en Law & Order: Special Victims Unit. Dos años después, en el 2013, consiguió un papel recurrente en la serie The Goodwin Games. Su primer protagónico fue en Girls Meets World en el 2014 y su primera película Adventures in Babysitting en el 2016, ambas producciones de Disney Channel. Su carrera musical empezó en el 2014. Ese año, Sabrina Carpenter lanzó su primer sencillo Can't Blame a Girl for Trying y un EP homónimo. La música de Sabrina Carpenter Un año después de lanzar su primer sencillo y su primer EP bajo el mismo nombre, en el 2015, Sabrina Carpenter publicó su álbum debut Eyes Wide Open. El disco tiene 12 canciones entre las que están The Middle of Staring Over, Two Young Hearts, Darling I’m a Mess y Best Thing I Got. En el 2016, Carpenter sacó su segundo disco de estudio EVOLution, seguido por Singular Act I (2018) y Singular Act II (2019). Su quinto álbum es emails i can't send y el sexto emails i can't send fwd:, lanzados en el 2022 y en el 2023 respectivamente. Su primer sencillo del 2024 fue Espresso. El video oficial de la canción consiguió más de 26 millones de vistas en un mes. En Spotify la artista norteamericana tiene 56.6 millones de escuchas. En el top cinco de las canciones más reproducidas están: Espresso, Feather, Nonsense, because i like a boy y Looking at Me. ***Les recomendamos: La película de la gira de Taylor Swift, 'The Eras Tour', llega a Disney
Siete años después de que Pretty Little Liars se acabara (con 160 capítulos), Tammin Sursok (quien interpretaba a Jenna Marshall) y Lindsey Shaw (Paige McCullers) crearon el podcast Pretty Little Liars: True Crime. Este es un programa en el que los fanáticos de la serie podrán revivir los momentos más tensionantes e interesantes de la serie con historias sobre el detrás de cámaras nunca antes revelados por parte de las actrices. Además, al final de cada episodio, el especialista forense e investigador de muertes, Joseph Scott, analiza con las host los giros y los crímenes de Pretty Little Liars. Aunque hasta el momento solo se han estrenado tres episodios, las actrices ya demostraron que este será un podcast que contará con invitados, ya que en el segundo episodio estuvo la actriz y una de las protagonistas de la serie, Sasha Pieterse (Alison Dilaurentis). "Desde descifrar los mensajes crípticos de "A", hasta cuestionar cuántos hermanos secretos puede tener una ciudad, no dejamos piedra sin remover en nuestra búsqueda de respuestas. ¡Así que toma tu sudadera con capucha negra, tu bebida favorita y prepárate para reír, jadear y estremecerte junto con nosotros mientras desentrañamos los misterios de Pretty Little Liars como nunca antes!", se lee en la descripción del podcast. ¿De qué trataba 'Pretty Little Liars'? Basada en las novelas de Sara Shepard, la productora Marlene King desarrolló la serie Pretty Little Liars. Un drama adolescente de misterio que duró siete temporadas y un total de 160 episodios. Alison DiLaurentis, Aria Montgomery, Emily Fields, Hanna Marin y Spencer Hastings eran muy amigas hasta la desaparición de su líder, Alison. Después de un tiempo, las cuatro jóvenes empiezan a recibir mensajes anónimos de "A", alguien que por alguna razón sabe todos sus secretos y sus mentiras. En el elenco estaban Troian Bellisario, Shay Mitchell, Ashley Benson, Lucy Hale, Sasha Pieterse, Ian Harding, Janel Parrish y Keegan Allen, entre otros. Desde el 2010 al 2015, la serie recibió varias nominaciones y premios por parte de Teen Choice Awards, People's Choice Awards, GLAAD Media Awards, Gracie Allen Awards y Young Hollywood Awards, entre otros.
Kool and The Gang es una de las agrupaciones más representativas del funk. La banda estará junto a Village People en Boogie Nights, este 15 d emay oen el Movistar Arena. Tras 50 décadas de carrera, Kool and The Gang sigue siendo recordado gracias a hits como Celebration, Ladies Night, Cherish, Jungle Boogie, entre muchas otras. Recientemente se anunció que la icónica banda se unirá al Salón de la Fama del Rock, en noviembre próximo.Kool & the Gang llevó el funk hasta lo más alto con una mezcla de composiciones pop, voces fantásticas y una sección de viento espectacular. Formados en Jersey City, Nueva Jersey, en 1964, los hermanos Robert “Kool” y Ronald Bell comenzaron en clubes, dominando un repertorio de estándares de jazz y versiones de Motown. En 1969, firmaron con la recién formada De-Lite Records y lanzaron el instrumental dinámico "Kool & the Gang". Su gran oportunidad llegó en 1973 con el álbum Wild and Peaceful, que se inclinó profundamente hacia ritmos funky, arreglos de trompeta y voces coreadas en las canciones “Funky Stuff”, “Jungle Boogie” y “Hollywood Swinging”, tres clásicos instantáneos de la pista de baile. En la década de 1980, Kool & the Gang incorporó al vocalista principal James "J.T." Taylor y lanzó dos grandes éxitos: Ladies Night y Too Hot. Con esto, lograron algo poco común en la industria de la música: mantener a los fanáticos que amaban sus raíces funky, mientras llegaban a una audiencia completamente nueva sintonizada con su creciente sensibilidad pop. En 1980, volaron el techo con el éxito internacional "Celebration" y produjeron diecinueve sencillos en las listas de éxitos durante la década.El impacto de Kool & the Gang no puede subestimarse: desde los ritmos retro de Mark Ronson y Bruno Mars hasta la inclusión de las canciones del grupo en casi todas las listas de reproducción de fiestas. Su música las bases para algunos de los mayores éxitos del hip-hop de artistas como Eric B. & Rakim, Tupac, Lil’ Kim y JAY-Z.¿Cómo nació Celebration?"Celebration realmente nació por Ladies Night", nos contó Robert Bell cofundador de la banda (. La premisa de Ladies Night es "esta noche es tu noche vamos a celebrar". Acabábamos de ganar 2 American Music Awards, y a mi hermano se le ocurrió otra idea, dijo "Vamos a celebrar. Esa es otra canción. Así que juntó un track y varias ideas. Cuando llegamos a Nueva Jersey me dice "escucha esto" y yo "WOW". Eso suena bien porque tiene algo de country, algo de rock, algo de una canción básica. ¿Sabes? Hay otras Celebrations, la de Madonna, por ejemplo. Pero hemos sido bendecidos por tener la Celebration de 1980 que incluso sonó en la estación espacial". En 2011, la NASA incluyó Celebration en una playlist especial para despertar a los astronautas.