Las expectativas de un nuevo trabajo eran altas, pero Diamante Eléctrico acaba de lanzar el que podría ser el disco más importante de su carreras (sí, incluso más que el que les dio el Grammy) "Queríamos hacer un disco que nos representara, ahora estamos pasando por una época totalmente distinta a la de hace dos años" , dijo Juan Galeano hace algún tiempo cuando lanzaban el primer sencillo de este disco. Placebo fue la primera pista que hace unos meses escuchamos. La prueba de que lo se venían tenía toda la identidad eléctrica, pero al mismo tiempo le daba la vuelta. Y hoy a la medianoche lanzaron sin previo aviso La gran oscilación, porque como uno de sus integrantes escribió en las redes “el grito se da solo”. La estrategía fue mejor, dejaron copias escondidas en lugares claves de diferentes ciudades de Colombia, que volaron en poco tiempo. Para algunos, este nuevo álbum podrá ser percibido como más experimental y conceptual, saltando por tiempos y ritmos, como en su momento lo hicieron sus héroes Led Zeppelin, Black Sabbath y algunos otros. Unas horas previas al lanzamiento del disco, Billboard lanzó en exclusiva Déjala Rodar, otro de los sencillos del disco, un track con infusiones de blues listo para destrozar en una buena pista de baile. Sí señores, porque el rock también se baila. Después de ganarse un Grammy, de abrir los conciertos de Foo Fighters y los Rolling Stones, las ganas de que un nuevo disco de Diamante viera la luz eran muchas. Sin duda podemos decir que nos dieron lo que queríamos; una dosis evolucionada de Diamante Eléctrico, un nuevo universo musical, nuevos elementos, experimentos, ritmos y poder. Seguros de que esta nueva grabación totalmente análoga realizada en Bogotá con el ingeniero de Third Man Records Joshua Smith -conocido por su trabajo con Jack White, Beck y The Dead Weather- va a dar mucho de qué hablar. Le damos la bienvenida a la Gran Oscilación del Diamante Eléctrico. Foto: Gustavo Martínez
¿Qué sonaría en la recepción de un viejo hotel japonés que no recibe huéspedes desde hace décadas? Devendra Banhart se sintió atraído por ese concepto estético y comenzó a forjar las canciones de su noveno disco, al que, sin aviso ni previa invitación, se asomó la sombra de la muerte insistentemente. "Fui a demasiados funerales en los últimos dos años... Ese sufrimiento es una experiencia muy específica", reconoce en una charla con Efe en Madrid este músico y artista plástico, que en el proceso de componer y grabar "Ape in pink marble", su nuevo álbum, padeció las muertes de su amigo y colega Asa Ferry y la de su padre biológico. Sin embargo, para Banhart este este un disco sobre la muerte. "No es un álbum que procesa la pérdida, pero la muerte inevitablemente informó las canciones", afirma sobre sus más recientes composiciones. Explica en ese sentido que "Middle names", el sencillo que anticipó y que abre este trabajo, es en efecto un tema sobre Ferry, pero que empezó a componerlo antes de que le sobreviniera la parca. Sobre "Mourner's dance" (el baile del doliente, en español), aparentemente más obvio en su relación con la muerte, cuenta que lo que lo motivó fue su relación con la esposa coreógrafa de su amigo el músico brasileño Rodrigo Amarante y la curiosidad en torno a esta disciplina, a su capacidad para conmover. "¿Cuál sería la música en un funeral?", se preguntó a la hora de crearlo. Reconoce a su vez que, de la misma manera que la muerte, también California y el barrio predominantemente mexicano en el que se grabó el disco lo maleó de alguna manera no explícita. Desde su debut con "The Charles C. Leary" (2002), Banhart -hijo de estadounidense y venezolana- es uno de los grandes representantes del nuevo folk anglosajón. Con "Ape in pink marble" (Warner Music) cierra tres años de silencio musical desde su predecesor, "Mala". El título del nuevo álbum, por ejemplo, bebe tanto de la imagen que evoca (un mono de mármol rosa) como de la metáfora que encierra, una doble alusión al mundo masculino ("el mono, muy impulsivo y físico") y al femenino ("el mármol, sofisticado, a la vez muy bello y muy fuerte"). "La dirección de los discos ahora tiene mucho que ver con lo que intento evocar. No me planteo las canciones en función de los instrumentos, sino más bien del tipo de película que quiero proyectar", revela. En este caso, el escenario era "un hotel imaginario en una parte de Japón que nadie visita, en un Oriente imaginario y desvencijado que hace 20 años que no recibe ninguna visita, pero que sigue siendo muy misterioso". A partir de esa premisa, decidió incluir un koto (instrumento tradicional japonés), pero también sintetizadores que, como el papel rasgado que imaginaba en las paredes de ese hotel, agonizaran. Para ello recurrió a teclados de pequeño tamaño, casi de juguete, y con las baterías a punto de agotarse. "Creo que voy hacia un tipo de música en el que no hay agresión ni ataque", valora sobre sus últimos pasos en la música, que le encaminan en una dirección opuesta a aquella canción de Daft Punk, "Harder, better, faster, stronger". Por: EFE // Foto: Gettyimages
Hoy, 20 de septiembre, a las 4 de la mañana Gorillaz posteó la primera foto en su cuenta oficial de Instagram. Por supuesto sus seguidores entraron en una euforia colectiva porque esta puede ser la pintada definitiva de que pronto estaremos ante nuevo material de una de las bandas más poderosas de los últimos tiempos. Las fotos son una especie de travesía cronológica a través de la historia de la banda y la conclusión de esta seguidilla de post puede ser precisamente el material sonoro fresquito. Aunque desde hace mucho tiempo hay varios comunicaciones que apuntan a que la banda está dentro de estudio, hace mucho no sentíamos tan cerca este momento. Véalo por sus propios ojos: Instagram.com/Gorillaz
Justo cuando están por comenzar una nueva gira por escenarios europeos, nos damos a la tarea de escuchar lo que Systema Solar nos ofrece como su tercer golpe sonoro. Por:José "Pepe" Plata // @owai Imaginemos que al mundo cae un meteorito cuyo impacto no está ligado al fatalismo, la destrucción o la extinción de la raza humana. Más bien imaginemos que ha llegado para esparcir la buena onda y hacer que en todo el orbe haya felicidad y se tenga la posibilidad de bailar, pero también la noción de lo que sigue es tomar partido sobre aquello que pasa en este planeta que llamamos tierra. Imaginemos además que ese impacto vendría acompañado de una banda sonora. Y es hecha con entrañas de felicidad que sale de los barrios de Barranquilla, Cartagena, Medellín, Cali o Bogotá a los escenarios del mundo. Es una expresión sonora que tiene amigos en Argentina con la cumbia villera, en Perú con los tecnohuaynos, en Venezuela con la Changa Tuki, en México con las cumbias sonideras, en Brasil con la technobrega, en República Dominicana con el mambo o en Panamá con el reggaetón. Se trata justamente de una música que no deja a nadie quieto. Y que no puede ser mejor manera de mostrarnos cómo se puede llevar un mensaje de esperanza y gozo sin ser doctrinario. Así es como llegamos a la tercera producción de Systema Solar que va justo Rumbo a Tierra. Un golpe de gracia y alegría que nos confirma cómo tras diez años de existencia, ellos se quedaron dentro de nuestros corazones. Y además dentro de nuestras necesidades sonoras y humanas para sobrevivir. En esta tercera placa, hay una obra completa que se ha dado a la tarea de invitarnos al mundo fantástico de la Berbenautika, pero también de darnos necesarias muestras de reflexión. Y es hora de desmenuzar un disco que nos tenía ansiosos. Las dudas han sido resueltas y así es como suenan sus once canciones: Tumbamurallas: Un himno directo, una llamada a la tribu para que se levante y combata. Un himno a la llavería, a la libertad y a todo lo que significa soñar. Rumbera: Su clásico grito de “Este es el Systema pa´que sepa” es una invitación champetera a bailar y a estar en la verbena. Y el que no acuda a ese llamado, no sabrá qué es el gozo. Aguzaero (Con Pedro Ramaya): Una plegaria, un llamado a la lluvia y al agua que bien necesitamos. Y si además le añadimos unos scratches, tenemos bien formada la plegaria para que nos caiga el agua. “El aguacero me tiene loco….” con unas gaitas de fondo, nos hacen sentirnos en casa. ¿Qué pasó?: Esa es la gran pregunta de estos tiempos. Y es la que Systema nos invita a reflexionar entre referencias a los sonidos balcánicos y toques jamaiquinos… Aló? (Con Abelardo Carbonó): Una canción que nos llama a la acción. Con un sonido hipnótico mezclado además con una llamada telefónica de aquellas que enamoran o decepcionan. Pa´Sembrar: Sin la agricultura no somos nada. Sin semillas mucho menos..y el que se las quiere llevar pone en duda el futuro de la humanidad. Una trópico-reflexión divertida con un flow que justamente nos habla de esa base necesaria para la vida y la alimentación. ¿Nacimos o no pa´semilla? Somos la tierra: Un acordeón vallenatero nos introduce a una de las canciones más poderosas disco. La misma que nos invita a reflexionar acerca de la destrucción que se ha generado con la minería, la extracción o otras formas de explotación que ponen en vilo a la humanidad. Y además con un coro de niños que si en el futuro sobreviven, de seguro estarán en la capacidad de esparcir el mensaje. Mi Caribe: De nada sirve tener raíces si no se siente ser parte del mundo. De nada sirve ser alguien del mundo si no se tienen raíces. Y el caribe es la base de este combo galáctico sonoro. El que come pescado, saluda con el dedo gordo, dice bacano, usa sombrero y baila sin par pedir perdón. Champe Tablúo: Una sofisticada manera de decir que el barrio es el que manda la parada. Lo ha hecho por años y Systema bien lo sabe. ¿Es house, es disco, es un blues de estos tiempos? Mejor escuchar y gozar. La Plata (Con La 33): Nunca está demás colaborar con la gente que se aprecia. Aquí el juego de palabras es justo un llamado de atención sobre el dinero, el billete, las lucas, la plata como se le quiera dar el nombre a los billetes y las monedas. La plata hace de las suyas en este tiempo; pero se puede salir airoso de ese conflicto. El Wuere: Revisar este lanzamiento previo no está demás. Una canción fiestera y divertida que tiene bases champeteras que llaman a la pista de baile. Sea en la discoteca o en el suelo. Se baila porque se baila. La invitación está hecha. ¡A gozarrr! Lea además: Los regalos de Systema Solar antes de su lanzamiento
El próximo 15 de julio, Systema Solar lanzará su nuevo disco Rumbo a Tierra. Desde ya nos preparamos para uno de los discos nacionales más esperados del 2016.Esta constelación de genios musicales lleva desde el 2007 surfeando la cima de aquella ola de nueva música colombiana que está invadiendo al mundo; ya nos han envuelto en su universo con dos discos: uno homónimo y el otro, más reciente, La Revancha del Burro. Mañana la nave del Systema Solar despega nuevamente con Rumbo a Tierra y lo hace para llevarnos a uno de esos viajes que ya nos tienen acostumbrados. Lleno de misticismo, magnetismo y sin duda de mucho ritmo.Rumbera, fue el nombre del primer sencillo y el primer bocado de lo que se nos viene pierna arriba con un nuevo disco. Una canción con una invitación directa a dejarlo todo en la verbena, como para bailar en una sola baldosa, con mucha melodía, movimiento y ese toquecito vacilado al que nos tiene acostumbrados el Systema.Partiendo de ahí, no podemos esperar más del nuevo disco de esta constelación que una pieza construida para el exorcismo bailable. Y mientras llega el momento de poder escuchar/bailar esta nueva placa discográfica, nos regalan tres sorpresas: la carátula del disco, una playlist curada por ellos mismos para echarle gasolina a la hoguera y el disco y la preventa del disco en Itunes a precio ganga.Como lo prometido es deuda, aquí va. 1. La Portada2. El link para comprar Rumbo a tierra a precio especial: ¡Clic aquí para comprarlo!
Después de una joya sonora como Móntate en el viaje, el Cero regresa con un trabajo palpitante y listo para dejarlo todo en el baile.Dicen que a los 16 años este productor de herencia costeña tuvo su encuentro con una guitarra y desde ahí decidió invocar a la música por el resto de sus días, amén. Y aunque se ha fortalecido gracias al consejo de maestros como “Teto” Ocampo o Edgardo “El Mono” Moscote, su aprendizaje ha sido empírico y su código sonoro, nutrido tanto de la mística tropical del Caribe colombiano como de la electrónica experimental, es la conjura entre el pasado y el futuro. La sangre fría y la sangre caliente. Entre el caminar sin rumbo y el carnavalear a muerte. Ya hace algunos años que los remixes firmados con el pseudónimo Cero39 (el más popular es uno de Fuego de Bomba Estéreo, aunque también ha remezclado a artistas como Lido Pimienta o los argentinos del sello ZZK: Tremor o El Remolón) o temas propios como Estate cumbia se toman los playlists de los más fervientes neocumbieros del globo, articulando ese sonido que él mismo ha bautizado como “chucu chucu advance”. Nómada por naturaleza, el Cero es un alma que ha vagado por Europa y por México, que ha realizado expediciones musicales por el Magdalena Medio, investigaciones en las profundidades psicodélicas de Barranquilla y producciones monstruosas en Cali, Medellín y Bogotá. Hace varios años estuvimos presentes en el lanzamiento de Móntate en el viaje (una joyita musical a la que aún seguimos dándole play) y por eso esta vez no nos podíamos bajar del bus de un nuevo lanzamiento. Esta vez conformado por Yei Dari, Fredo, Victor y Yu Hee, el proyecto presenta su nuevo trabajo Moni, Moni, El próximo 7 de julio lanzará oficialmente su disco en el Teatro Lumiere. Acá toda la información
Adele confirmó a través de Facebook que '25' saldrá al mercado el mismo día en el que llegará a las salas de cine 'Los Juegos del Hambre: Sinsajo - Parte 2'.Los seguidores de Adele han esperado cuatro años para escuchar lo nuevo de esta artista británica que irónicamente nos enamoró con sus canciones de desamor. Este jueves, la autora de temas como ‘One and Only’, ‘Rolling in the Deep’ y ‘Don’t You Remember’ explicó en un comunicado publicado en Facebook y Twitter que su nueva placa discográfica explora a la perfección su nueva yo y deja al descubierto la madurez que ha adquirido con los años. (LEA TAMBIÉN: Adele reveló un corto adelanto de su nueva canción)Así mismo, la cantante reveló que el próximo 20 de noviembre es el día que escogió para publicar su nuevo disco y admitió que ‘21’ fue un disco dedicado a la ruptura, pero que ‘25’ “es más un álbum de reconciliación”. Hello es el video del primer sencillo del álbum '25' que nos presenta Adele. El clip recrea los momentos pretusa de una relación.
'Adiós' fue el sencillo con The Mills abrió la puerta de "De cierto", el nuevo álbum que presentaron ayer en Bogotá. Ante un Theatron lleno de todos esos seguidores que han sido sus fieles acompañantes y otros que que se han ido sumando, expusieron un repertorio de esas canciones que componen la nueva placa discográfica y esas otras que se han convertido en clásicos para quienes los escuchan.Acompañados de amigos como Pedrina y Río, Armandito, Jack N' Brothas y djs de Radioactiva, The Mills supo cómo hacer un show poderoso. Aquí las mejores fotos de su presentación.
Por: Jenny Cifuentes @Jenny_CifuDesde hace más de una década Chocquibtown viene enganchando al público. Acudiendo a la riqueza musical del pacífico y aliándola con sonidos del hip hop despegaron, ascendiendo a punta de trabajo y garra, llegando a ser en la actualidad una de las agrupaciones nacionales más relevantes. Pasaron de independientes a estar bajo una discográfica grande, han contagiado escenarios fuera del país con su estilo, son apetitoso plato bajo los focos para audiencias locales y han reclutado miles de adeptos que en la actualidad hacen parte de una gigante comunidad: la Chocquibnation. El grupo, ganador de varios Premios Shock y del Grammy Latino en 2010, tras el éxito obtenido con su anterior placa Behind The Machine (2013), hoy viene con toda y lanza su quinto álbum titulado El Mismo, bajo la producción Andrés Castro y Slow Mike, y la coproducción de Goyo y Tostao. El grupo nos reveló todos los detalles de su nuevo trabajo.¿Qué es lo que más destacan de este nuevo disco?Es un álbum que tiene mucho de Behind The Machine, por su sonido puro y por todo lo que aprendimos en ese trabajo anterior. Reincorpora elementos de Behind The Machine, como los arreglos de los vientos, de las percusiones, pero tiene muchísima más exploración que todos los discos pasados. Tocamos ritmos que nunca habíamos tocado e hicimos cosas que nunca habíamos hecho.¿Como cuáles?Por ejemplo, es la primera vez que hacemos una electrónica neta, la armamos con toda su base de levanta polvo y la bautizamos Nadie Dijo. Hace rato estábamos en mora de realizarlo, tiene beats hechos por nosotros. Nos cocinamos ahí algo bien chévere. También incluimos una canción titulada Una Raza Llamada sabor en la que grabamos un clarinete. Nunca habíamos usado este instrumento en nuestra música. El clarinete es algo que pertenece mucho a la chirimía, es como el rey de la chirimía y estuvimos muy contentos de hacerlo. Esa canción habla sobre lo que somos nosotros: una raza a la que tildan de sabor. Entonces la desarrollamos por ese lado con un beat de hip hop, que no tiene nada de tropical, ni nada de bailable al estilo convencional, sino que es más cercana al rap. Tiene un traqueteo de hip hop y guitarras típicas, una mezcla muy bonita.Otra innovación en nuestro nuevo trabajo es que hicimos un tema cercano a la salsa choque, y es que el álbum también tiene sonidos latinos. Siempre nos ha gustado mucho la salsa y en el pacífico es muy fuerte. En general para la gente afro latina, la salsa es el pilar de todo.Entonces quisimos hacer una canción muy pegada a la salsa choque en el sonido, se llama Salsa y Choque. Para ella invitamos a Ñejo, un artista urbano, que viene de los más calle pero siente lo latino. Para este tema lo sacamos un poco de lo que estaba acostumbrado a hacer, aunque él también ha realizado colaboraciones con Andy Montañez y varias figuras de ese tipo. Nos encanta el ritmo de la salsa choque. Nos parece que es un gran paso para el movimiento de la salsa urbana, y chévere que haya existido porque nos inspiró para hacer esa canción para el disco. Supe que también hicieron una canción corta venas…Sí. Este es el primer álbum en el que escribimos una canción de desamor, corta venas. Se llama Desde el día en que te fuiste. Es un tema como alterno con algo de rock. Baladoso. Batería, bajo, guitarra y marimba. Es una canción súper pop de esas que suenan en España y México todo el día, pero con guitarras roqueras. La letra es algo como: se fue este man, ¿y no tuvo ni cómo llamar o qué? ¿No le alcanzó la plata? ¿No tenía minutos? Cuando te veo también marca diferencias con su anterior material, cuéntennosClaro. Cuando te veo (que es el tema que abre el álbum), muestra la parte romántica del grupo. La parte más melódica. Es una canción 90 % cantada. Quedaron muy presentes en ella las voces de Slow y Goyo. Es una composición muy bonita y nos gusta hablar de ella porque la gente que no conoce bien la música del pacífico, no sabe que desde el principio, el sonido del bombo suena mucho al aguabajo y al bambazú chocoano. Un dato muy importante es que la percusión fue grabada por Kae un amigo y familiar nuestro. Lo que es algo bonito e innovador de este trabajo. Siempre tuvimos el sueño de coger lo típico del Chocó y plasmarlo en un disco. Nunca lo habíamos hecho, y ahora lo traemos a él, que es uno de los salvajes de la chirimía en el Chocó, pupilo de Alexis Lozano. Kae “La Malandraye” se hace llamar y es de los precursores de la chirimía callejera. Tiene algo muy particular y es que él mismo creó su set que es completamente callejero, tiene redoblante, jam block y muchas cosas como típicas pero que suena diferente. Es algo a lo que le llaman jazz palo en el Chocó. El toque es típico-callejero.Lo que hicimos con este músico fue ponerle todos los temas para que tocara encima, y eso da un color, porque rellena las esquinas. Es como yo tener un disco listo y decir: “Hey, Carlinhos Brown, vení”, y él coge todo su set de percusión y mete esto y lo otro. Kae le dio mucha riqueza al material. Le dio el cuero, le dio roots, esa raíz. Como que se trajo ese pedacito de San Pacho y lo puso en el disco. Eso nos tiene muy emocionados. ¿Qué otro tipo de exploración con ritmos colombianos hicieron?Recurrimos a la champeta. Hay una canción llamada El Arriendo que tiene champeta, souk, marimba y un pedazo de dubsteap. Es una mezcla, porque en la música no hay reglas, no hay limitaciones. Todo depende de cómo la vea uno en su cabeza y eso lo tiene Andrés Castro, nuestro productor. Él no se limita, hubo mucha libertad de creación en este disco. Hablando de no tener límites grabando, un artista también se hace en el estudio de grabación. A través de todos estos años ¿cómo ha sido su desarrollo y aprendizaje en estudio? A nosotros nos pasó que vivimos el proceso desde lo específico hasta lo general. Antes grabábamos en computador, con micrófono de computador y luego vimos cómo los espacios iban cambiando. Primero trabajábamos en un espacio súper pequeño, más adelante en uno más grande y después éramos asombrados porque llegamos a otro el doble de grade. Y luego uno aquí, más el otro allá. Pero después pudimos romper ese mito que teníamos en la mente sobre el tamaño del estudio o la cantidad de aparatos y aterrizamos en que el problema no es la cantidad de máquinas que hay sino quién las esté manejando y quién puede llevar el material de uno a un mejor sonido. Por ejemplo, antes pensábamos que todo era L y R y resulta que eso era multitrack. Fuimos rompiendo mitos.Es que hay que considerar que venimos del Chocó, y eso es una medio contradicción. Porque somos de zonas rurales y hacíamos música urbana en su máxima expresión pero con historias que no eran de edificios altos ni de avenidas grandes, sino historias que tenían otra dinámica, otra temperatura, por así decirlo. Y eso de andar en los estudios a nosotros nos calibró casi que para saber ya cómo suena en la música pop la marimba de chonta. El proceso es relacionarse uno mismo, con los sonidos de uno, y después de saber a qué suena cada cosa. Poner todo en su lugar sin temor. Porque no tuvimos miedo. Nosotros logramos traer el Chocó a Bogotá, de Bogotá lo sacamos a Paris, Londres, Nueva York, y ahora podemos decir que lo enmarcamos con la música electrónica, con el pop, con el hip hop, el reggae. Sentimos que estamos más tranquilos en cuanto a que ya conocemos los ingenieros que tienen nuestro sonido. Además, ya sabemos los textos que queremos poner, no sólo para que se entienda en Colombia, sino que se entienda en un contexto global. Claro que siempre va a pasar que uno escribe una letra y se la muestra a una persona de otra parte y le preguntan ¿qué es esto? Eso está bien porque quiere decir que aún sigue siendo una cuestión exótica en medio de un lenguaje plural."Nosotros logramos traer el Chocó a Bogotá, de Bogotá lo sacamos a Paris, Londres, Nueva York"¿Hubo alguna vez hubo miedo a que los etiquetaran como pop?No. Cuando por ejemplo preguntábamos por qué nos querían rotular como pop en pasados Premios Shock era más por temor a con quién nos iba a tocar competir. Fue hace mucho tiempo y había nombres muy grandes. Ahora que nos pongan con el que quieran. Háblennos sobre su trabajo con el productor Andrés CastroAndrés nos aporta mucho y nosotros a él. Él ya había trabajado en nuestro disco Behind The Machine (donde viene Calentura que hicimos con Tego Calderón). Andrés nos da mucho en el tema de las melodías y las armonías, y también nos ayuda a ver la música de forma global. Es de resaltar su tranquilidad cuando está en acción. Lo que hacemos con él es complementarnos. Por ejemplo, le llevamos Cuando te Veo, que es una canción compuesta por nosotros de cabo a rabo.Le llegó de una forma y luego del trabajo conjunto, salió de otra. Pero hay cortes que no tienen su mano porque no fue necesario. Esa también es su virtud: soltar. Como la frase que dice que el productor sabio no es el que interviene sino el que sabe qué no quitarle a la obra. Otro aspecto del trabajo de producción fue que ninguna canción salió del estudio hasta que todos estuvimos de acuerdo. La construcción de cada tema fue muy en conjunto. ¿Quiénes son los invitados en su nuevo disco?Ramón Benítez en el trombón, Dante, un peruano en la trompeta, Robert Vilera que es un timbalero tremendo, “Junito” en los pianos, Larry, nuestro habitual percusionista estuvo en las marimbas, Richard Bravo (que es percusionista de Juanes), Ñejo y Alexis Play quien tocó con Chocquibtown en los inicios, cuando éramos cuatro. ¿Tienen alguna entre sus favoritas del álbum?Para este disco pensamos: ahora que tenemos la oportunidad de estar en estudios más grandes, pues aprovechemos y metamos elementos de toda nuestra carrera en un álbum, y así fue. Hay una canción que tiene mucho de lo que hemos hecho: El Mismo, que da título al trabajo y que es funky jazz con folclor y rap. ¡Como para película de Hollywood! Es de nuestras favoritas. Habla sobre la discriminación como si fuera una película. Hay una parte que dice: “dale un poco de agua a los muchachitos, pa que no se atranquen con el plátano frito. Que prueben un poco de otros sabores pa que no se asusten cuando vean otros colores. Sírvale sancocho a los pelaítos….” O sea, habla como que la gente no conoce tanto de nosotros o tanto de uno, que empieza a discriminarlo. Algo así como: al que habla mal del Chocó, sírvale sancocho pa que sepa, pa que se vaya impregnando, dele plátano frito con queso, para que sepa cómo es la cosa. ¿Cuánto tiempo duraron trabajando en el álbum?Desde que terminamos Behind The Machine. Ese lo sacamos el 7 de diciembre de 2013 y el 7 de enero de 2014 ya estábamos dándole a este nuevo. En esas estuvimos como hasta hace un par de meses. ¿En dónde grabaron?En Los Ángeles, Miami, Las Vegas, Nueva York, en Slow Records, en Quibdó, en Medellín en el estudio de Juancho Valencia etc. Como se hacen los discos de verdad, donde vaya saliendo la idea ahí se hace. Mira que en Las Vegas estábamos en los Grammy y pensamos: ah, la melodía debería ser así. Nos buscaron un estudio y grabamos.Esa es la ventaja de estar en una compañía grande. Una disquera te aporta en eso, que cuando se tiene la necesidad de hacer la música se puede hacer realidad. O sea, el recurso, y decimos una disquera ahora, en este momento, porque ellos en la actualidad entienden que lo más importante es la música. Y casi que te están diciendo: mijito si usted nos trae unas buenas canciones, nosotros hacemos el resto. Una de las ventajas de estar en una discográfica grande es poder decir: búsqueme por favor un estudio que necesitamos grabar esto."Una disquera te aporta en eso, que cuando se tiene la necesidad de hacer la música se puede hacer realidad"¿Es un privilegio ante la independencia?Sí. Antes tenías que acomodar una idea a un presupuesto, ahora la situación es: saca tu idea y ellos consideran el presupuesto. Por ejemplo el sueño de hacer Behind The Machine se nos cumplió. Nosotros con ese álbum habíamos pensado: un momento, ¿vamos a hacer un disco de catálogo o un disco nuevo? Y luego dijimos: hagamos un disco nuevo, porque un álbum de catálogo…. eso es de Los Beatles o de gente así súper pesada. Después fue como, ¿vamos a hacer un disco de catálogo de nosotros? Bueno. Hagámoslo que esos manes tienen cómo respaldarnos. Te lo decimos aquí, hablándolo sinceramente, porque ellos saben que eso es lo que opinamos. Siendo independiente no vas a hacer un video con Simón Brand ni por imaginación. Y eso que él y nosotros veníamos con esa idea hace rato. Desde antes de 2012. El plan era que él hiciera el video de Tu Canción. Y hablamos, fuimos y charlamos con compañías de celulares, de iniciativa nuestra con Simón, no había disqueras ahí. Y no se logró.Esta vez fue plantear a la disquera: bueno, vamos a hacer un video, tenemos una ideíta trazada de hacerlo son Simón Brand. Y nos dijeron háganlo. Estamos muy agradecidos, porque hemos trabajado. Es gratificante saber que con lo que hemos hecho en los discos anteriores podamos generar confianza en lo que estamos haciendo. Ustedes han tenido oportunidad de tocar con músicos grandes ligas como John Paul Jones o Carlos Santana. CuéntennosSí. En 2010 estuvimos en Africa Express, un proyecto de improvisación colectiva con los músicos más duros del momento. Donde se juntan africanos y músicos de diferentes países. Ese año invitaron al guitarrista de The Clash, a Amadou & Mariam, a John Paul Jones (el bajista de Led Zeppelin), Eliades Ochoa, Femi Kuti, The Noisettes entre otros, y a nosotros. Tostao salió a rapear con Slow, Mick Jones (guitarrista de The Clash) y Amadou & Mariam. También tocamos con John Paul Jones. Justo hace poco Tostao puso una foto en Instagram de John Paul Jones con nosotros tocando currulao. ¡El bajista de Led Zeppelin tocando currulao con nosotros! Tocamos una canción que se llama San Antonio. Gran experiencia. A eso súmale una vivencia más reciente con Carlos Santana. La esposa de Santana es baterista de Lenny Kravitz…. ¡y nosotros parchados en la casa de esa gente! La historia fue que Santana estaba haciendo su nuevo trabajo y dijo que quería poner algo de rap en ese material, pero diferente. Entonces le mostraron varias bandas, entre esas Chocquibtown con De dónde vengo yo, y nos escogió. Nos invitó a su casa, a su estudio y grabamos. Después de eso, nos hemos encontrado por ahí un par de veces más y logramos estrechar un vínculo importante con él y su familia.Digamos que es importante para nosotros contar con 10 minutos a solas con Carlos Santana porque son cosas que van más allá de la música. Fue muy enriquecedor. La experiencia con Santana nos llenó de mucha fuerza y de más confianza de la que traíamos y nos dio más conciencia de que es importante seguir inspirando a la gente. Eso es muy relevante para nosotros. Poder decirle a la gente y al mundo que Chocquibtown es más que coca, marihuana y café, y más que muchas cosas. Por eso los sorprendemos cuando sacamos canciones como Cuando te Veo, y seguimos sorprendiendo, porque nos seguimos inventando. Es que pensar: esta es la fórmula y vamos a hacerla, sería un error. "Digamos que es importante para nosotros contar con 10 minutos a solas con Carlos Santana porque son cosas que van más allá de la música"Hacer en este momento Somos Pacífico…. que lo haga otro grupo está cool. Pero si nosotros nos devolvemos 15 años a hacer el plin plum plin plum de esa canción, sería como: ¿Y estos qué están haciendo? Creemos que todo en el momento, y el ejemplo más claro son los raperos de Estados Unidos. Ves al rapero Nas diez años atrás, y lo ves ahora y lo desconocés. Pero es que los tiempos cambian. Por ejemplo - dice Slow -, yo hace 10 años no estaba cantando lo mismo. A mí hace 10 años, ni el sonido de la batería me gustaba. Hace 10 años trabajábamos en un estudio tan pequeño que por alguna razón especial, no cuadraba el sonido de la batería con el beat. Uno decía: Bro, quita la batería. Nos tocó llevar varias veces a Richard Blair al estudio y a las pruebas de sonido para que nos dijera: “Yo casi no sé, pero podemos bajarle aquí”. Es algo que ni el mismo Richard tenía claro y que después aprendió.Era una experimentación. Subíamos algo, bajábamos lo otro. Cuadrar eso fue como un secreto que nadie supo (risas). Pero lo aprendimos en el disco Oro. Correr toda la máquina a la batería, y quedó con un sonido más humano. Ese fue uno de los aprendizajes en Oro, en este disco ¿qué aprendieron?En los dos discos pasados aprendimos muchísimo de composición, pero en este hubo algo importante y es que nosotros no habíamos grabado a Kae porque como grabábamos los discos por fuera pensábamos: Ay, ¿cómo lo grabamos acá? En este álbum aprendimos que uno puede estar en Manhattan, en la China, donde sea, el otro, en un estudio en otro lugar y uno lo puede estar grabando en simultánea.Porque una cosa es pedirle a un tercero que grabe un músico y luego darse cuenta de que lo hizo mal. Otra cosa es estar uno ahí en el estudio y poderle decir: no, así no, toca diferente. Pues esta vez lo hicimos. A Kae lo veíamos por Skype pero le estábamos hablando por una consola y él, entre su asombro nos decía: “ahí les metí una malandraya”, que es su expresión para decir que metió un tumbao diferente. Eso fue enriquecedor, divertido y hasta chistoso. Estamos muy contentos con El Mismo, y esperamos que a la gente le guste y que se lo goce tanto como nosotros.
Rihanna dio inicio a un nuevo mes revelando a sus seguidores un pequeño adelanto del video de su más reciente sencillo ‘American Oxygen’.La canción que hará parte del próximo trabajo discográfico de la artista barbadense musicalizó un comercial publicitario y se une a la campaña de expectativa de su nuevo álbum – del que ya se han escuchado cortes de la canción ‘Higher’.
Viene la Met Gala 2024 y aunque es un evento clave para los fanáticos de la moda, gracias a las redes sociales en los últimos años se ha convertido en un fenómeno de Internet. Aquí todo lo que hay que saber de la Met Gala 2024: ¿Qué es la Met Gala?La Met Gala es un evento benéfico que busca recaudar fondos para el Instituto de vestuario del Museo Metropolitano de Arte. Al evento asisten importantes figuras de la moda, la música, el cine y la cultura. El evento marca la inauguración de la exposición anual de moda del Instituto. ¿Cuándo es la Met Gala 2024? Este evento suele ocurrir el primer lunes de mayo y este año no será la excepción. La Met Gala 2024 se llevará a cabo el lunes 6 de mayo en la ciudad de Nueva York, en el Museo Metropolitano de Arte. ¿Cuál es el tema de la Met Gala 2024?La Met Gala 2024 celebrará la exposición del Instituto de vestuario llamada Bellezas durmientes: el despertar de la moda, y el código de vestuario oficial es El jardín del tiempo. Si bien no es obligatorio, se espera que los invitados sigan el código con propuestas arriesgadas y vanguardistas. El código de vestuario está inspirado por un cuento del mismo nombre escrito por el autor J.G. Ballard en 1962. Puede interpretarse de innumerables maneras. Es probable que veamos muchos looks florales y botánicos. La exhibición contará con aproximadamente 250 artículos raros extraídos de la colección permanente del Instituto. Las piezas, que abarcan más de 400 años de historia de la moda, incluirán diseños de Schiaparelli, Dior, Givenchy y más.Algunas prendas que son demasiado frágiles para volver a usarlas, como un vestido de fiesta de Charles Frederick Worth de 1877, también se mostrarán mediante animación de video, proyección de luz, IA, CGI y otras formas de estimulación sensorial.¿Dónde ver la Met Gala 2024?Lo que ocurre dentro de la gala es de carácter privado, pero lo que todos queremos ver (la alfombra roja) suele transmitirse via streaming a través de Vogue.com.Seguro no se van a perder ninguna pinta luego de verlas todas en los innumerables memes que circularán en redes. ¿Quién será el anfitrión de la Met Gala 2024?Los presentadores de la Met Gala 2024 son Zendaya, Jennifer Lopez, Bad Bunny y Chris Hemsworth. ¿Quién está invitado a la Met Gala?Hasta la noche anterior al evento, la lista de invitados es ultrasecreta. Pero algunos de los nombres más importantes del negocio asisten regularmente, desde Beyoncé y Gigi Hadid hasta Madonna y Rihanna. La mayoría de las veces, los diseñadores asisten con sus musas: piense en Marc Jacobs y Kate Moss, o Nicolas Ghesquière y Emma Stone. ¿Por qué se visten tan raro en la Met Gala? Dado que, a diferencia de otros eventos como los Oscar o los Grammy, el foco en la MET Gala es la moda, se espera que los invitados asistan con sus atuendos más arriesgados. No está bien visto que usen pintas "seguras": la idea es tomar riesgos y hacer verdaderas declaraciones con su vestuario."La MET Gala le da la oportunidad a las celebridades de experimentar y hacer cosas que normalmente no harían en otras alfombras rojas. Eso es lo que la hace tan especial", nos contó en 2019 Brad Goreski, asesor de imagen y co presentador de Fashion Police, de E! Entertainment.A diferencia de las alfombras rojas tradicionales en Hollywood, ésta es una en la que más que pensar en qué les luce, los famosos deben pensar en cómo pueden ser el mejor complemento para el traje del diseñador. Mientras otras galas sirven para celebrar sus logros, aquí la moda es protagonista. Igualmente, aquí los diseñadores pueden dar rienda suelta a su creatividad a un nivel que no permiten otros eventos.“(La MET Gala) se trata exclusivamente de la moda. Es la culminación de la imaginación de un diseñador, la artesanía de su respectiva casa de modas y el desafío de interpretar el tema, sin dejar de conservar la estética y la integridad del diseñador. Es un escaparate de la moda en su forma de arte más pura ", declaró la estilista de celebridades Rebecca Corbin-Murray en Harper's Bazaar.
Kendrick Lamar está de regreso con otra canción dirigida a Drake titulada Not Like Us. "Intentaste tocar una nota y probablemente sea La menor", rapea Lamar en la canción en la que afirma que al canadiense le gustan las menores de edad."Drake, escuché que te gustan jóvenes. Será mejor que nunca vayas al bloque de celdas uno. A cualquier perra que hable con él y lo ame, solo asegúrate de esconder a tu hermana pequeña. [...} Amante certificado... pedófilo certificado". La portada del sencillo muestra la mansión de Drake en Toronto con varios marcadores de aplicaciones de delincuentes sexuales puestas en la parte superior de la casa. Kendrick que afirma que Drake y varios miembros de su séquiro han cometido delitos sexuales.Kendrick también criticó a Drake por colaborar con numerosos artistas de Atlanta a lo largo de su carrera, como Future, 21 Savage, Lil Baby y más. Según Lamar, todas esas colaboraciones no son más que Drake usando a los raperos antes mencionados para obtener "falsa credibilidad callejera". También dice que Drake no es "un colega" sino más bien "un maldito colonizador".Not Like Us llega inmediatamente después de otro "diss track" de Lamar: Meet the Grahams, en donde acusa de Drake de negligencia parental y explotación sexual. Apenas unos minutos antes de este lanzamiento, Drake lanzó una canción llamada Family Matters, en la que critica a Lamar y su supuesta relación fracturada con su prometida Whitney Alford, que, según él, está llena de infidelidad“Tú, el mesías negro, preparas una reina mixta. Y le das crema de vainilla para ayudarte con tu autoestima. En algo de Bobby, quiero saber qué necesita Whitney”, dice el canadiense. Antes de eso, Kendrick lanzó Euphoria y 6:16 in LA, mientras que Drake compartió Push Ups y Taylor Made. Después de responder con 7 Minute Freestyle, Cole se retiró del conflicto cada vez más intenso y se disculpó con Kendrick durante el Festival Dreamville en Carolina del Norte.
Caifanes se presentó en Bogotá en un show sumamente poderoso donde la agrupación recordó algunos de los éxitos de su álbum El nervio del volcán, que celebra sus 30 años este 2024. Un momento de la presentación fue sumamente emotivo: el homenaje de la banda mexicana a Natalia Jiménez y Rodrigo Monsalve, 2 ambientalistas colombianos asesinados en 2019. La agrupación cantó su canción Antes de que nos olviden, lanzada originalmente en 1990 e invitó al escenario a Ximena Cáceres, madre de Natalia. "Antes de que nos olviden, haremos historia, no andaremos de rodillas el alma no tiene la culpa", dice la letra de la canción. De acuerdo con Monterrey Rock, la canción tiene origen en la Matanza de Tlatelolco, ocurrida el 2 octubre de 1968.¿Quiénes eran Natalia Jiménez y Rodrigo Monsalve?En 2019, Natalia Jiménez y Rodrigo Monsalve, recién casados que llevaban 15 años viviendo juntos, fueron encontrados trágicamente muertos luego de emprender un viaje para celebrar su luna de miel. La pareja trabajaba en investigación ambiental. Interceptados por desconocidos mientras se dirigían al departamento de La Guajira, sus cuerpos fueron descubiertos posteriormente con la cabeza cubierta, las manos atadas y evidencias de heridas de bala. El evento provocó indignación en redes sociales y miles de usuarios pidieron justicia por la pareja con el HT #NataliayRodrigo. El crimen fue una alerta a situación de seguridad que enfrentan los trabajadores sociales e investigadores ambientales en zonas de conflicto en toda Colombia. Si bien a finales de 2019, un hombre conectado al caso se habría entregado, de momento no hay justicia por este crimen. "Sigo insistiendo que Natalia hacía labores con comunidades de Cauca y Magdalena, eso no le gustó a las personas que manejan la Costa Caribe", dijo Cáceres, en entrevista con Caracol Radio.
El 3 de agosto será la primera edición de La Eterna, un evento que debutará en el marco de la Feria de las Flores 2024 en Medellín. Les contamos de qué se trata este nuevo festival. ¿Qué es La Eterna?“La Eterna es una experiencia tipo festival nunca antes vista en el marco de la Feria de las Flores. Para los fanáticos de la gozadera tendremos capacidad de más de 42.000 personas en el Estadio Atanasio Girardot con dos zonas alternas del estadio con experiencias diferenciales, dos escenarios -uno de ellas en tarima 360º- e infinitas experiencias que nos permitirán realizar una eterna fiesta en la ciudad”, explica en un comunicado Henry Cárdenas, CEO de CMN.“El Festival de las Flores nace para celebrar con orgullo nuestra antioqueñidad, nuestra música y nuestra cultura. Medellín es una tierra abundante, de personas pujantes y que no tienen freno a la hora de gozar. Sin duda es la capital eterna de la música. Por eso presentaremos ritmos desde el reggaetón, la salsa, rancheras, merengue y mucho más”, agregó Carlos Franco, CEO de Breakfast Club.¿Qué artistas estarán en la primera edición de La Eterna?De momento no se conoce el cartel de La Eterna. Los artistas se anunciarán el próximo 10 de mayo, al mismo tiempo que salen a la venta las entradas del evento. ¿Dónde comprar entradas para La Eterna?Los interesados en asistir pueden adquirir sus boletas con precio especial desde el viernes 10 de mayo a las 10:00 a.m. en la página web Taquilla Live.
Hay casi un 40% menos de contenido sexual en las grandes películas que a principios del milenio. Esa fue la conclusión principal de un informe encargado por The Economist al analista de datos Stephen Follows. El informe recopiló datos sobre las 250 películas más taquilleras cada año desde 2000, y encontró que las películas estrenadas en 2023 tenían poco más del 60% del contenido erótico que normalmente se encontraba entre las 250 principales en 2000. Es decir, el contenido sexual en las películas se ha reducido en un 405. Por género cinematográfico, la caída fue más pronunciada en las películas de acción (una caída de aproximadamente el 70% durante el mismo período), mientras que las películas románticas registraron muchos menos cambios, con una caída de poco menos del 20%.Al mismo tiempo, el porcentaje de películas más taquilleras sin ningún contenido sexual aumentó significativamente, de aproximadamente el 18% en 2000 al 46% en 2023. "No sólo hay menos actos sexuales en la pantalla, sino que se concentran proporcionalmente en menos películas", dice Follows. ¿Por qué cada vez hay menos escenas de sexo en el cine?Follows sugiere una serie de posibles razones detrás del declive de la cantidad de escenas sexuales, incluidos cambios en los gustos de la audiencia con una "preferencia por contenido que evita los temas sexuales por completo o los maneja con más sutileza"; la preocupación de que las escenas de sexo puedan afectar el estreno mundial “dando lugar a clasificaciones de edad o censura más restrictivas, reduciendo así el alcance potencial de una película”; y la creciente influencia de los “coordinadores de intimidad”, que toman protagonismo después del #MeToo y la importancia de espacios ¿Qué son los coordinadores de intimidad?La coordinación de la intimidad es un campo relativamente nuevo y en crecimiento, de acuerdo con CBS News. La primera producción en contratar y acreditar a un coordinador de intimidad designado fue "he Deuce de HBO, protagonizada por James Franco y Maggie Gyllenhaal, que se estrenó en 2017 y describió la industria del porno en la ciudad de Nueva York de los años 70.Hoy hay más de 100 coordinadores de intimidad certificados que trabajan en sets de cine y televisión. Su salario está más o menos en línea con el de los coordinadores de especialistas, cuyas tarifas mínimas fija el sindicato son alrededor de 1.500 dólares por día. Ganan, en promedio, entre 60.000 y 90.000 dólares al año.