Desde hace mucho tiempo, los Premios Oscar han sido sinónimo del glamur de Hollywood. Sin embargo, en ocasiones ha habido chance para declaraciones políticas. Sin ir muy lejos, en los Premios Oscar 2024, el director de Zone of Interest, Jonathan Glazer, se refirió al conflicto entre Israel y Hamás. Aunque el comentario del director generó controversia en redes sociales, no fue nada cercano a los Óscar de 2003, cuando el director Michael Moore ganó en mejor largometraje documental por Bowling For Columbine. La película de Moore era una de las favoritas al llegar a la noche de los Oscar. The Hollywood Reporter lo calificó como “un brillante ensayo cinematográfico sobre el tema de las armas y la violencia en la sociedad estadounidense”. El documental estuvo en competencia en Cannes y recibió una ovación de pie de 13 minutos, pero no recibió premio. La película de cuatro millones de dólares continuó para convertirse en el documental más exitoso de la historia, recaudando 58 millones de dólares en todo el mundo. (Ese récord se batió cuando Fahrenheit 9/11, también de Moore, recaudó 222 millones de dólares en 2004.)Moore utilizó su discurso de aceptación de dos minutos para protestar por la invasión de Irak que había comenzado cuatro días antes (“Estamos en contra de esta guerra, señor Bush. Qué vergüenza, señor Bush, qué vergüenza”). Cuando atacó las elecciones Bush-Gore de 2000 (“Vivimos en una época en la que tenemos resultados electorales ficticios que eligen a un presidente ficticio”), la reacción se transformó en una mezcla de abucheos y vítores. Se hicieron aún más fuertes en su última línea, mientras la orquesta lo tocaba fuera del escenario: “Y cada vez que tienes al Papa y a las Dixie Chicks en tu contra, se te acaba el tiempo. Muchas gracias."De acuerdo con The Hollywood Reporter, en el análisis posterior al programa, hubo sugerencias de que la reacción negativa fue una combinación de quienes no estaban de acuerdo con él sobre la guerra y quienes sentían que había introducido una opinión política en un evento al que no pertenecía.Michael Moore completó su discurso 15 años después Moore recibió el premio Lifetime Achievement Award en los Critics' Choice Documentary Awards en 2018, y aprovechó para desenterrar su discurso de aceptación de los Oscar de 2003. Moore explicó que el evento se celebró pocos días después de que Estados Unidos invadiera Irak, y aunque sus solicitudes iniciales de cancelar la ceremonia fueron ignoradas, al menos pudo llevar al escenario a todos sus compañeros nominados al documental. El discurso compelto aquí
John Cena recordó en los Premios Oscar 2024 un momento que dejó huella en los galardones del cine: cuando Robert Opel corrió desnudo en la gala de 1974 durante la premiación a la Mejor Película.Todo iba bien en la ceremonia de los Oscar 2024 cuando el actor David Niven invitó al escenario a la actriz Elizabeth Taylor para revelar al ganador en la categoría de mejor película.“El premio a la mejor película nunca es probable, y ahora para difundir el contenido del sobre más importante de este año es una persona muy importante para el mundo del espectáculo...”, dijo Niven - La Pantera Rosa 1963, Casino Royale 1967 o Los Cañones de Navarone". Justo en ese momento se vio en el escenario a un hombre corriendo completamente desnudo apareció a espaldas del actor, sonriendo mientras la cámara grababa su micro maratón para ser reconocido. El hombre, posteriormente identificado como Robert Opel, levantó los dedos haciendo el signo de la victoria mientras el público lanzaba un grito unánime de sorpresa.Este personaje, que luego sería conocido como fotógrafo y artista, se ganó un poco de fama e incluso la admiración de millones de fanáticos de la gala, al haber logrado colarse sin vergüenza e intimidad en una fiesta que parecía muy exclusivo y con todas las medidas de seguridad. Luego la orquesta en vivo tocó algo de música para intentar no darle tanta importancia a la situación. Actores, productores y otras personas del mundo del cine aplaudieron sin cesar. "Se me ocurrió que podría ser algo educativo", dijo Opel a los periodistas. “Sabes, la gente no debería avergonzarse de estar desnuda en público. Además, es una excelente manera de iniciar una carrera”.Años después surgieron pruebas que sugerían que la aparición de Opel fue facilitada por el productor del programa, Jack Haley, Jr., como un truco. Robert Metzler, director comercial del programa, creía que el incidente había sido planeado de alguna manera. Dijo que, durante el ensayo general, Niven le había pedido prestado un bolígrafo a la esposa de Metzler para poder escribir la famosa improvisación. Al parecer, Opel tuvo que atravesar un costoso telón de fondo para llegar al escenario.¿Qué pasó con Robert Opel? Después de su aparición en los Oscar de 1974, se desnudó en una reunión del Concejo Municipal de Los Ángeles para protestar por la prohibición de la desnudez pública. Fue arrestado y cumplió cuatro meses de cárcel.Anunció una campaña finalmente infructuosa para la Presidenica tras la dimisión de Richard Nixon. "No tengo nada que ocultar y quiero darles a todos la oportunidad de revisar mis calificaciones", dij odesnudo en una reuda de prensa Opel fue asesinado la noche del 7 de julio de 1979, durante un intento de robo en su estudio de San Francisco por parte de Robert E. Kelly y Maurice Keenan. Tenía 39 años. Kelly fue sentenciado a entre 25 años y cadena perpetua. Keenan fue condenado a muerte, pero posteriormente la sentencia fue conmutada por cadena perpetua.El documental biográfico de 2010, Uncle Bob, fue producido y dirigido por el sobrino de Opel, Robert Oppel. ALa película incluye entrevistas con John Waters, Divine, Daniel Nicoletta, Mark Thompson, Jack Fritscher entre otros.
Comenzaron los Premios Oscar 2024 y un objeto en particular en los atuendos de varios actores llamó la atención: un pin con el que piden cese al fuego en Gaza. Mientras los nominados llegan al Teatro Dolby, el número de muertos en Gaza llega a 30.960, según Al Jazeera, y el de heridos a más de 72.524. Algunos invitados utilizaron la plataforma que se les brindó esta noche para tomar postura y pedir un alto el fuego entre Israel y Hamás. Estrellas como Ramy Youssef, Billie Eillish y Finneas O'Connell, Mahershala Ali, los directores Ava Duvernay y Daniel Schienert (del dúo Everything Everywhere All At Once, The Daniels) y Swann Arlaud (abogado atractivo de Anatomy of a Fall!), Riz Ahmed y Mark Ruffalo lucieron pines de Artists4Ceasefire en sus atuendos de alfombra roja (sí, los mismos que vimos en los Grammy también). ¿Qué es Artists4Ceasefire?Según el sitio web de la organización, Artists4Ceasefire es un “grupo de artistas y defensores que se han unido en respuesta a la crisis humanitaria que se desarrolla en Israel y Palestina”, cuyo objetivo es prestar sus “plataformas para amplificar el llamado global a un alto el fuego inmediato y permanente”, el regreso seguro de todos los rehenes y la entrega inmediata de ayuda humanitaria a los civiles en Gaza”. Youssef dijo a Variety: “Pedimos un alto el fuego inmediato y permanente en Gaza. Estamos pidiendo paz y justicia duradera para el pueblo de Palestina”.Según un comunicado de prensa de Artists4Ceasefire, el pin “simboliza el apoyo colectivo a un alto el fuego inmediato y permanente, la liberación de todos los rehenes y la entrega urgente de ayuda humanitaria a los civiles en Gaza”.La campaña Artists4Ceasefire se lanzó en octubre de 2023 con una carta abierta al presidente Joe Biden exigiendo que él y el Congreso pidan “una reducción inmediata de las tensiones y un alto el fuego en Gaza e Israel antes de que se pierda otra vida”. Cientos de actores, músicos y otros trabajadores culturales han firmado la carta.
Por fin llegó la noche más importante del cine. Oppenheimer fue la gran ganadora de los Premios Oscar 2024 con 7 galardones entre ellos Mejor actor, Mejor director y Mejor película. Poor Things se llevó 4 premios, entre ellos, Mejor actriz, con Emma Stone, quien se llevó el segundo Oscar de su carrera. Premios Oscar 2024 : Lista completa de ganadoresMejor actor en papel secundarioSterling K. Brown (“American Fiction”)Robert De Niro (“Killers of the Flower Moon”)Robert Downey Jr. (“Oppenheimer”) (Ganador)Ryan Gosling (“Barbie”)Mark Ruffalo (“Poor Things”)Mejor diseño de vestuario“Barbie”“Killers of the Flower Moon”“Napoleon”“Oppenheimer”“Poor Things” (Ganador)Mejor maquillaje y peinado“Golda”“Maestro”“Oppenheimer”“Poor Things” (Ganador)“Society of the Snow”Mejor corto en live- action“The After”“Invincible”“Knight of Fortune”“Red, White and Blue”“The Wonderful Story of Henry Sugar” (Ganador)Mejor corto animado“Letter to a Pig”“Ninety-Five Senses”“Our Uniform”“Pachyderme”“War Is Over! Inspired by the Music of John & Yoko” (Ganador)Mejor guion adaptado“American Fiction” — Cord Jefferson (Ganador)“Barbie” — Greta Gerwig, Noah Baumbach“Oppenheimer” — Christopher Nolan“Poor Things” — Tony McNamara“The Zone of Interest” — Jonathan GlazerMejor guion original“Anatomy of a Fall” — Justin Triet, Arthur Harari (Ganador)“The Holdovers” — David Hemingson“Maestro” — Bradley Cooper, Josh Singer“May December” — Samy Burch, Alex Mechanik“Past Lives” — Celine SongMejor actriz en papel secundarioEmily Blunt (“Oppenheimer”)Danielle Brooks (“The Color Purple”)America Ferrera (“Barbie”)Jodie Foster (“Nyad”)Da’Vine Joy Randolph (“The Holdovers”) (Ganador)Mejor canción original“The Fire Inside” from “Flamin’ Hot”“I’m Just Ken” from “Barbie”“It Never Went Away” from “American Symphony”“Wahzhazhe (A Song For My People)” from “Killers of the Flower Moon”“What Was I Made For?” from “Barbie” (Ganador)Mejor banda sonora“American Fiction”“Indiana Jones and the Dial of Destiny”“Killers of the Flower Moon”“Oppenheimer” (Ganador)“Poor Things”Mejor documental“Bobi Wine: The People’s President”“The Eternal Memory”“Four Daughters”“To Kill a Tiger”“20 Days in Mariupol” (Ganador)Mejor corto documental“The ABCs of Book Banning”“The Barber of Little Rock”“Island in Between”“The Last Repair Shop” (Ganador)“Nǎi Nai & Wài Pó”Mejor película internacional“Io Capitano,” Italia“Perfect Days,” Japón“Society of the Snow,” España“The Teachers’ Lounge,” Alemania“The Zone of Interest,” Reino Unido (Ganador)Mejor película animada“The Boy and the Heron” (Ganador)“Elemental”“Nimona”“Robot Dreams”“Spider-Man: Across the Spider-Verse”Mejor diseño de producción“Barbie”“Killers of the Flower Moon”“Napoleon”“Oppenheimer”“Poor Things” (Ganador)Mejor edición“Anatomy of a Fall”“The Holdovers”“Killers of the Flower Moon”“Oppenheimer” (Ganador)“Poor Things”Mejor sonido“The Creator”“Maestro”“Mission: Impossible – Dead Reckoning Part One”“Oppenheimer”“The Zone of Interest” (Ganador)Mejores efectos visuales“The Creator”“Godzilla Minus One” (Ganador)“Guardians of the Galaxy Vol. 3”“Mission: Impossible – Dead Reckoning Part One”“Napoleon”Mejor cinematografía“El Conde”“Killers of the Flower Moon”“Maestro”“Oppenheimer” (Ganador)“Poor Things”Mejor actor en rol protagónicoBradley Cooper (“Maestro”)Colman Domingo (“Rustin”)Paul Giamatti (“The Holdovers”)Cillian Murphy (“Oppenheimer”) (Ganador)Jeffrey Wright (“American Fiction”)Mejor actriz en rol protagónicoAnnette Bening (“Nyad”)Lily Gladstone (“Killers of the Flower Moon”)Sandra Hüller (“Anatomy of a Fall”)Carey Mulligan (“Maestro”)Emma Stone (“Poor Things”) (Ganador)Mejor directorJonathan Glazer (“The Zone of Interest”)Yorgos Lanthimos (“Poor Things”)Christopher Nolan (“Oppenheimer”) (Ganador)Martin Scorsese (“Killers of the Flower Moon”)Justine Triet (“Anatomy of a Fall”)Mejor película“American Fiction”“Anatomy of a Fall”“Barbie”“The Holdovers”“Killers of the Flower Moon”“Maestro”“Oppenheimer” (Ganador)“Past Lives”“Poor Things”“The Zone of Interest”
Basada en el libro 'American Prometheus' de Kai Bird y Martin J. Sherwin, está protagonizada por Cillian Murphy como Oppenheimer, Emily Blunt como su esposa Kitty, Matt Damon como el general Leslie Groves, Robert Downey Jr. como el político Lewis Strauss y Florence Pugh como la psiquiatra Jean Tatlock.Nolan nos lleva de la mano a través del Proyecto Manhattan, retratando la tensión y la incertidumbre que rodeaba el desarrollo de la bomba atómica. La película no solo se centra en los hechos históricos, sino que nos invita a reflexionar sobre la ética científica, la responsabilidad individual y el poder destructor de algunos avances de la tecnología.Cillian Murphy ofrece una actuación impresionante (por algo está nominado al Oscar a Mejor Actor) capturando la complejidad de Robert Oppenheimer: su intelecto, su ambición y su angustia ante el potencial devastador de su invento. Las actuaciones de Emily Blunt (nominada), Matt Damon y Robert Downey Jr. (nominado), hacen que la narración se sienta con el mismo peso durante toda la película. Aunque sí hay momentos con más tensión que otros, todo el tiempo se ve atravesada por dualidades morales, éticas y sociales.'Oppenheimer' se distingue por su enfoque en el lado humano de la historia. Nolan nos muestra las dudas del científico, su lucha interna con la culpa y el remordimiento. La película no busca convertirlo en un héroe o un villano, sino en un ser humano complejo que tomó decisiones con las consecuencias que ya conocemos.Nolan, los efectos especiales y el diseño sonoroChristopher Nolan es un director conocido por no tomar ninguna decisión creativa a la ligera y la música no es la excepción. Aunque hay excepciones como la vez que Travis Scott firmó para que ‘The Plan’ saliera en la ‘Tenet’ (2020) protagonizada por Robert Pattinson y John David Washington, la mayoría de bandas sonoras de los largometrajes de Nolan son creaciones orquestales.Ludwig Goransson, ganador del Premio Oscar a mejor banda sonora por 'Black Panther' y el Globo de Oro por 'Oppenheimer', compuso más de dos horas de música para el largometraje. El compositor tardó cinco días en terminar la banda sonora.Nolan es reconocido por prescindir, en lo posible, de la pantalla verde y los efectos especiales generados por computadora, sin embargo, generó diferentes reacciones cuando en una reciente entrevista con Collider afirmó que recreó una explosión nuclear sin usar CGI."Creo que recrear la prueba Trinity sin el uso de CGI fue un gran desafío. Andrew Jackson, mi supervisor de efectos visuales, a quien incorporé desde el principio, estaba viendo cómo podíamos hacer muchos de los elementos visuales de la película de manera práctica. Desde representar la dinámica cuántica y la física cuántica, hasta la prueba Trinity en sí misma".La Prueba Trinity se realizó el 16 de julio de 1945 y cambió la historia de las guerras al ser la primera detonación exitosa de una bomba atómica. La bomba 'Gadget' liberó aproximadamente 20mil toneladas de TNT.Así como el evento histórico, que ocurrió en Nuevo México, la grabación también ocurrió allí y las condiciones climáticas del lugar hicieron (aún) más complicado la recreación de la explosión, así lo afirmó Nolan. La escena se rodó usando efectos especiales prácticos, que son aquellos que se hacen con elementos reales.Dentro de la misma entrevista confirmó que en ninguna escena de 'Oppenheimer' se utilizó CGI. Esta no sería la primera vez que Nolan prescinde del CGI para crear efectos visuales impactantes. En 'Batman: El Caballero de La Noche' (2008) hicieron uso de los efectos prácticos en la escena donde el Joker explota el hospital explotando un edificio a escala.El director ha comentado en varias ocasiones que este tipo de rodajes en los que se privilegian estos efectos hace que el equipo de producción, los actores y el director fortalezcan la conexión creativa entre ellos.El "desarrollo" de personajes femeninos de NolanNo es sorpresa el problema que tiene el director en la escritura y el desarrollo de personajes femeninos en la mayoría, por no decir todas, de sus películas. En la mayoría de ellas las mujeres son "la esposa de" o un adorno narrativo para darle fuerza a los personajes masculinos, los protagonistas.En el caso de 'Oppenheimer' fue la minimización de personajes históricos en el campo de la ciencia como Jean Tatlock, a quien Nolan reduce a una amante "loca". Tatlock fue una psiquiatra, médica, reportera y miembro del Partido Comunista de Estados Unidos.Katherine, la esposa del científico, no era simplemente eso. Era una bióloga y botánica que se vio reducida a una voz que, de vez en cuando, lo aconsejaba.A pesar de que los defensores del director alegan que la película se llama 'Oppenheimer' y por eso es "normal" que las mujeres dentro de la película esté mal escrita, hay muchísimos directores que pueden construir personajes secundarios fuertes, en vez de simples accesorios en la trama.
¡Todo listo para los Premios Oscar 2024! La noche más importante del cine será el próximo domingo 10 de marzo en el Teatro Dolby de Los Ángeles. Les contamos todo lo que necesitan saber de esta gala que premia a las mejores películas del año. ¿Dónde ver los Premios Oscar 2024?La ceremonia se transmitirá en vivo desde el canal de cable TNT y también la plataforma de streaming Max.¿A qué hora son los Premios Oscar 2024?La ceremonia oficial de los Premios Óscar 2024 comienza a las 19:00hs, pero desde antes habrá un pre-show desde la alfombra roja. ¿Quién será el presentador de los Premios Oscar 2024?Jimmy Kimmel, el presentador y productor ganador del Premio Emmy, será el anfitrión de los Premios Oscar 2024. Es la cuarta vez que es host de la ceremonia. Además están confirmados, Mahershala Ali, Emily Blunt, Bad Bunny, Nicolas Cage, Jamie Lee Curtis, Cynthia Erivo, America Ferrera, Sally Field, Brendan Fraser, Ryan Gosling, Ariana Grande, Chris Hemsworth, Dwayne Johnson, Michael Keaton, Regina King, Ben Kingsley, Jessica Lange, Jennifer Lawrence, Melissa McCarthy, Matthew McConaughey, Kate McKinnon, Rita Moreno, John Mulaney, Lupita Nyong’o, Catherine O’Hara, Al Pacino, Michelle Pfeiffer, Ke Huy Quan, Issa Rae, Tim Robbins, Sam Rockwell, Octavia Spencer, Steven Spielberg, Mary Steenburgen, Anya Taylor-Joy, Charlize Theron, Christoph Waltz, Forest WhitakerMichelle Yeoh, Ramy Youssef, Zendaya, entre otros, ¿Qué artistas se presentarán en los Premios Oscar 2024?Jon Batiste, Becky G, Billie Eilish y Finneas O’Connell, Scott George y los Osage Singers, y Ryan Gosling y Mark Ronson interpretarán las canciones originales nominadas de este año:The Fire Inside” de “Flamin’ Hot” – interpretada por Becky G, con música y letras de Diane Warren. “I’m Just Ken” de “Barbie”, interpretada por Ryan Gosling y Mark Ronson, con música y letras de Mark Ronson y Andrew Wyatt. “It Never Went Away”, de “American Symphony”, interpretada por Jon Batiste, con música y letra de Jon Batiste y Dan Wilson. “Wahzhazhe (A Song For My People)” de “Killers of the Flower Moon”, interpretada por Scott George y los Osage Singers, música y letra de Scott George. “What Was I Made For?” de “Barbie”, interpretada por Billie Eilish y Finneas O’Connell, con música y letra de Billie Eilish y Finneas O’Connell. ¿Quiénes están nominados a los Premios Oscar 2024?Oppenheimer, de Christopher Nolan, es la película con más opción, pues cuenta con 13 nominaciones. Le sigue Poor Things con 11, Killers of The Flower Moon con 10, Barbie con 8, y Maestro con 7. Pueden ver la lista completa de nominados aquí.
Una conocida me contó una historia que hasta el día de hoy recuerdo. Cuando ella tenía 13 años la diagnosticaron con cáncer de hueso. Tuvo quimioterapias, radioterapias, cirugías y un montón de complicaciones.El día que hablamos de eso, más de 10 años después de su diagnóstico, me explicó que los pacientes de cáncer “tienen que estar perfectos” para tener quimioterapia.No pueden tener fiebre, tienen que tener las defensas en un número específico, el hígado y los riñones tienen que funcionar perfecto... Todo esto para que el organismo pueda recibir fuerte los medicamentos.Por eso, cuando alguien tiene cáncer, entre sus muchas preocupaciones, además de que el tratamiento no esté funcionando, está el hecho de que sus órganos fallen porque, de ser así, dejan de ser aptos para la cura.Cuando ella llevaba unos meses de quimioterapia, sus niveles de creatinina empezaron salir alterados y tuvieron que posponer la ronda de quimioterapia mientras se estabilizaba.Durante esta hospitalización, su doctora abrió la puerta y, sin saludar, ni esperar que estuviera un adulto presente (algo que debía hacer porque ella era menor de edad), le dijo que sus riñones estaban fallando, que no había ninguna solución y que tenía que empezar diálisis.Soltó la noticia sin ningún tacto. Se dio media vuelta, abrió la puerta y se fue.La doctora no solo le estaba diciendo que había perdido sus riñones y que tenía que empezar otro tratamiento, sino que ya no era apta para seguir con las quimioterapias y, por lo tanto, tarde o temprano, el cáncer la mataría.El día que hablamos de eso, en una cafetería, me contó la desesperanza y la rabia que sintió en ese momento. También me dijo que la doctora se había apresurado y la noticia no era cierta. Sus riñones se recuperaron y pudo seguir con las quimioterapias.Hay algo que ella entendió con esa experiencia y que nunca olvidó.Cuando los seres humanos ven tragedias y extremo dolor muy seguido, terminan perdiendo la empatía. Se convierten en robots: pasan por alto el sufrimiento de las personas a su alrededor.Esa historia es una muestra de un mecanismo de defensa egoísta. Probablemente, después de perder paciente tras paciente, ignoró el dolor y lo volvió parte de su día a día. Tanto, que perdió la empatía y olvidó el propósito de su trabajo.Esto no es algo que pasa solo en los pasillos de un hospital. En un mundo donde todos los días están asesinando a personas, violan niñas y las personas mueren de hambre, el mecanismo de defensa de la humanidad es la ceguera ante el dolor.Estamos viviendo un ejemplo perfecto de esto.Desde que comenzó la guerra entre Israel y Palestina, el 7 de octubre del 2023 con un ataque a Hamás, han muerto más de 25.105 palestinos (alrededor de dos terceras partes de esta cifra eran niños y mujeres) y 62.681 han resultado heridos en los crueles e inhumanos ataques de Israel.Escuchamos sobre la guerra y sí, aunque no haya mucho que podamos hacer, preferimos no leer las noticias sobre el dolor de los demás e ignorar que al otro lado del mundo la guerra sigue matando a miles de personas.Por historias comunes como estas, en las que prima el dicho “a oídos sordos, palabras necias”, es que The Zone of Interest, la película de Jonathan Glazer, es el mejor ejemplo de nuestra crueldad.¿De qué trata The Zone of Interest? The Zone of Interest, protagonizada por Christian Friedel y Sandra Hüller, cuenta la historia de una familia.Este es un guión adaptado del libro homónimo escrito por Martin Amis.Rudolf Höss, el comandante del campo de concentración Auschwitz, y su esposa, Hedwig, quieren crear una vida de ensueño para sus cinco hijos en la casa del lado del campo donde asesinaron a más de 1,1 millones de personas durante la Segunda Guerra Mundial.De hecho, “the zone of interest” era la forma en la que los nazis se referían a las áreas que rodeaban los campos de concentración.En la hora y 46 minutos que dura, la película nos muestra la cotidianidad de esta familia: las comidas, las peleas, las visitas de otros familiares y amigos, la celebraciones de cumpleaños, salir y volver a la casa después del trabajo, leerle cuentos a los hijos por la noche y fijarse, antes de dormir, que todas las luces estén apagadas…Pero si prestamos mucha atención, porque al final el enfoque de la película está en la cotidianidad y no en la crueldad, empezamos a notar otras cosas.Vemos a un par de hombres uniformados discutiendo por la eficiencia, por cómo implementar las nuevas cámaras de gas para matar a más gente al mismo tiempo. Escuchamos los gritos en la noche. Vemos el humo salir de las cámaras de gas…Sin embargo, nunca vemos lo que pasa detrás de la pared que divide la cotidianidad de esta familia alemana y la lucha de las miles de personas al otro lado.El director nos demuestra su intención abordando las cosas desde otra perspectiva. Los protagonistas, los que viven en la casa al lado de Auschwitz, no notan nada de lo que allí pasa porque lo ignoran, es su paisaje. Por eso ustedes, nosotros, los espectadores, nos quedamos del lado de ellos. Si reflexionamos más a fondo, esta también es una forma de puntualizar que estamos del lado del “caso omiso”, no solo en la sala de cine y en esta película, sino con todo lo que pasa a nuestro alrededor.En una entrevista con The Guardian, el director Jonathan Glazer afirma que “La película trata sobre la proximidad del horror y la felicidad, sobre cómo el paraíso de una persona es el infierno de otra”.¿Qué hay detrás de The Zone of Interest?El director y guionista británico Jonathan Glazer se demoró 10 años en hacer The Zone of Interest. Después de tener el permiso de quienes dirigían el museo de Auschwitz, Glazer recreó, a través de fotos de archivo y testimonios de sobrevivientes, la casa en donde vivieron Rudolf y Hedwig Höss con sus hijos durante la guerra.A diferencia de la mayoría de películas que existen sobre el Holocausto, el director decidió pararse, no del lado de las victimas, sino del lado de los victimarios.“La razón por la que hice esta película es para intentar reafirmar nuestra proximidad a este terrible evento que consideramos pasado. Para mí esto nunca ha sido cosa del pasado (...)”.Probablemente, muchas personas piensan que no existe un punto de comparación entre el exterminio de judíos a manos de los nazis durante la Segunda Guerra Mundial con lo que ha vivido la humanidad recientemente.Pero la preocupación no recae en si un evento cruel es comparable con el otro, sino en la creencia de que ya pasamos esa página, que aprendimos de nuestros errores y que no los volveremos a cometer. Esa creencia es una mentira.Volvamos a los primeros ejemplos: la deshumanización de una doctora diciéndole a la paciente que ya no tendría cura y la ignorancia del mundo frente a lo que está sucediendo en Palestina.Primo Levi, el autor italiano que sobrevivió a Auschwitz, escribió:“Los monstruos existen, pero son demasiado pocos para ser realmente peligrosos. Más peligrosos son los hombres comunes, los funcionarios dispuestos a creer y actuar sin hacer preguntas”.La realidad es que nos hemos vuelto victimarios, porque los “malos” de la historia no son solo los que cometen los actos, sino los que voluntariamente deciden mirar hacia otro lado.**Les recomendamos: The Zone of Interest: ¿qué sabemos de la película nominada a los Oscar?
A finales de 2023 vimos Killers of the Flower Moon, el más reciente trabajo de Martin Scorsese que compite en varias categorías de los Premios Óscar 2024, entre ellas a Mejor película.Killers of The Flower Moon ocurre en la década de 1920, cuando los miembros de la tribu de nativos americanos del condado de Osage, en Oklahoma, son asesinados cuando se encuentra petróleo en sus tierras. Está basada en el libro Los asesinos de la luna de las flores: los crímenes en la nación Osage y el nacimiento del FBI de David Grann.En sus más de 3 horas de duración, la película no se queda corta en hacer una denuncia anticolonialista de lo que vivió el pueblo Osage y cómo la codicia les arrebató a varios de sus miembros. Aunque el crimen no es un tema nuevo en la filmografía de Scorsese, sí hay un cambio drástico en la manera de presentarlo.En lugar de su habitual estilo exagerado y algo frenético de películas como Los infiltrados o Goodfellas, en Killers of The Flower Moon adopta un tono más realista y aterrizado.Algunas de sus películas han sido criticadas por glorificar el crimen. Del El lobo de Wall Street se dijo ”Son tres horas de dinero en efectivo, drogas y prostitutas... sin consecuencias reales”. Pero nadie puede decir lo mismo de Killers of the Flower Moon, que muestra cómo la ambición es capaz de acabar con familias y pueblos enteros.En Mollie Burkhart vemos un tipo de protagonista distinto al que estamos acostumbrados a ver de Scorsese. Aquí a la víctima se le da un lugar de integridad y orgullo. En ella recae el peso dramático y por eso el reconocimiento a Lily Gladstone en la temporada de premios es tan importante Scorsese hablaba a menudo de “dejar la cámara quieta” durante la producción, recuerda Marianne Bower, investigadora y productora de Scorsese desde hace mucho tiempo, en The Washington Post. Esa elección estilística, añade, significa que “posiblemente no sientas esas mismas sacudidas que vas a tener en Mean Streets o Taxi Driver, que te llevan a través de esta energía de esos personajes. … Tiene un tipo diferente de pensamiento detrás, esa quietud”.Aquí no disfrutamos de anti-héroes vengar el sistema: aquí vemos a la comunidad que fue víctima de la ambición y de la negligencia de las autoridades federales que permitió que fueran despojados de su riqueza.La representación en Killers of the Flower MoonEn momentos en los que el debate de la representación en Hollywood está más vivo que nunca, Killers of The Flower Moon hace la tarea, con un equipo nativo Osage frente y detrás de cámarasEs un logro innegable que esta película haya sido realizada por un director de la talla de Scorsese. El cineasta se ganó la confianza de la tribu Osage y reescribió el guión para centrarse menos en la investigación del FBI y más. sobre la difícil situación de los Osage."La película deja al descubierto la verdad y las injusticias que se nos cometen, al mismo tiempo que desafía a que la historia no se repita", dijo en un comunicado el jefe principal de Osage, Geoffrey Standing Bear. "Honramos a nuestros antepasados que soportaron este tiempo continuando sobreviviendo y asegurando nuestro futuro".A menudo se dice que la filmografía de Scorsese es sobre todo lo que implica ser estadounidense. De ser así, faltaba esta pieza en su filmografía, pues como lo afirma Lily Gladstone: "La historia estadounidense no es historia sin la historia nativa.
Por primera vez, en los 96 años en los que se han celebrado los premios Oscar, tres películas dirigidas por mujeres fueron nominadas a Mejor Película: Barbie, escrita y dirigida por Greta Gerwig, Anatomy of a Fall, escrita y dirigida por Justine Triet y Past Lives, historia con guión original y dirección de Celine Song. Pongamos en evidencia los números. En los años pasados, en los que la Academia ha entregado los premios más codiciados en la industria cinematográfica, solo 22 películas, de las 601 que han sido nominadas a Mejor Película, son dirigidas por mujeres. En esta edición de los Oscar no solo se hace historia por las tres nominaciones —número que igual evidencia que estamos muy lejos de la igualdad en la industria cinematográfica—, sino también porque siete de las diez películas nominadas fueron producidas por mujeres. Emma Thomas (Oppenheimer), Emma Stone (Poor Things), Margot Robbie (Barbie), Marie-Ange Luciani (Anatomy of a Fall), Pamela Koffler y Christine Vachon (Past Lives), Ewa Puszczynska (The Zone of Interest) y Amy Durning y Kristie Macosko Krieger (Maestro) fueron quienes movieron los engranajes para que, al final, el resultado de estas siete películas fuera excelente. Reconociendo el talento de mujeres y su trabajo en la industria del cine, estas son las 22 películas nominadas a Mejor Película en los Oscar que fueron dirigidas por mujeres. Children of a Lesser God (1986)RANDA HAINESLa historia de amor en una escuela para sordos entre James Leeds, un profesor, y su inteligente alumna Sarah Norman, fue el debut de Randa Haines en la dirección. En la edición 59 de los Oscar, Children of a Lesser God recibió cinco nominaciones. Marlee Matlin se llevó el galardón a Mejor Actriz principal, convirtiéndose en la primera mujer sorda y la más joven (21 años) en recibir el premio. Awakenings (1990)PENNY MARSHALLLa actriz, productora y directora estadounidense, Penny Marshall, dirigió Awakenings, película basada en hechos reales. La historia es una adaptación de la autobiografía del neurólogo Oliver Sacks en donde cuenta su descubrimiento en 1969 con el que ayudó a pacientes catatónicos. Dentro del elenco de esta película están Robin Williams, John Heard y Robert De Niro, quien fue nominado a Mejor Actor. A pesar de no llevarse ningún premio, Awakenings tuvo otras dos nominaciones: a Mejor Guión Adaptado y Mejor Película. The Prince of Tides (1991)BARBARA STREISANDBarbara Streisand consiguió la tercera nominación de una mujer en la categoría a Mejor Película. The Prince of Tides cuenta la historia de un hombre en problemas que decide hablar con una psiquiatra y termina enamorándose de ella en el proceso. No se llevó ningún galardón, pero obtuvo siete nominaciones en los Oscar: a Mejor Actor (Nick Nolte), Mejor Actriz de Reparto (Kate Nelligan), Mejor Guión Adaptado, Mejor Cinematografía, Mejor Diseño de producción, Mejor Banda Sonora y Mejor Película. The Piano (1993)JANE CAMPIONJane Campion escribió y dirigió The Piano, película con la que se convirtió en la segunda mujer nominada a Mejor Directora. La historia, desarrollada a mediados del siglo XIX, sigue a una mujer muda que es enviada a Nueva Zelanda, con su hija y su piano, para un matrimonio arreglado. Al poco tiempo de llegar, un trabajador local se fija en ella. La película obtuvo siete nominaciones y se llevó tres premios: a Mejor Actriz (Holly Hunter), Mejor Actriz de Reparto (Anna Paquin) y Mejor Guión Original. Lost in Translation (2003)SOFIA COPPOLAEn los Oscar del 2004, Sofia Coppola hizo historia. Por un lado, fue la primera mujer en ser nominada por guión, producción y dirección —de hecho, la primera mujer americana en lograr esto —, todo el mismo año. Por otro lado, hace parte de las únicas cinco mujeres que han ganado a Mejor Guión Original, premio que obtuvo por Lost in Translation. La famosa película cuenta la historia de una estrella de cine (Bill Murray) y una joven (Scarlett Johansson) que forman un vínculo particular después de cruzarse en un bar en Tokio. Ese año Bill Murray recibió su primera y única nominación en los premios de la Academia a Mejor Actor. Little Miss Sunshine (2006)VALERIE FARIS Little Miss Sunshine es una comedia dramática que sigue la historia de una familia que emprenden un viaje por el país para llevar a Olive, la menor, a la final de un concurso de belleza. La película tiene un elenco icónico conformado por Abigail Breslin, Alan Arkin, Steve Carell, Toni Collette, Paul Dano y Greg Kinnear. Este fue el debut de dirección en largometraje del equipo de esposos Jonathan Dayton y Valerie Faris. Obtuvo cuatro nominaciones y ganó a Mejor Actor de Reparto (Alan Arkin) y a Mejor Guión Original. The Hurt Locker (2009)KATHRYN BIGELOWDe nueve nominaciones, The Hurt Locker se llevó seis Oscars: Mejor Guión Original, Mejor Edición, Mejor Mezcla de Sonido, Mejor Edición de Sonido, Mejor Película y Mejor Directora. Con este último premio, Kathryn Bigelow hizo historia al ser la primera mujer en llevarse este galardón. Además, fue la primera película dirigida por una mujer en encabezar las nominaciones de la ceremonia. The Hurt Locker cuenta la historia de un sargento recientemente asignado a un escuadrón, durante la guerra de Irak, que se enfrenta a sus compañeros por su forma de manejar el cargo. An Education (2009)LONE SCHERFIG En los suburbios de Londres en la década de 1960, la película sigue la historia de una adolescente y cómo su vida cambia cuando conoce a Brit, un seductor hombre de 35 años. Carrey Mulligan, la actriz que interpretó a Jenny, la adolescente protagonista, fue nominada a Mejor Actriz. Once años después obtuvo su segunda nominación por Promising Young Woman. Su tercera nominación en la misma categoría es por Felicia, en Maestro, nominada a Mejor Película en la última edición de los Oscar (2024). The Kids Are All Right (2010)LISA CHOLODENKOProtagonizada por Annette Bening, Julianne Moore, Mark Ruffalo, Josh Hutcherson y Mia Wasikowska, la película cuenta la historia de dos hermanos concebidos por inseminación artificial deciden buscan a su papá y hacerlo parte de su vida y la de sus mamás. Estuvo nominada a Mejor Película, Mejor Actriz (Annette Bening), Mejor Actor de Reparto (Mark Ruffalo) y Mejor Guión Original. Winter's Bone (2010)DEBRA GRANICKRee Dolly (Jennifer Lawrence) tiene 17 años y está encargada de su familia. Por temas de dinero, Ree se ve obligada a buscar a su padre (John Hawkes), un conocido fabricante de metanfetaminas, a través de una red de crimen local. Esta película le trajo su primera nominación a los Oscar a Mejor Actriz a Jennifer Lawrence. Dos años después, por su papel en Silver Linings Playbook se llevó el galardón. Además de esa nominación y a Mejor Película, Winter's Bone tuvo dos más: Mejor Guión Adaptado y Mejor Actor de Reparto (John Hawkes). Zero Dark Thirty (2012)KATHRYN BIGELOWDespués de su nominación y galardón a Mejor Película por The Hurt Locker, Bigelow vuelve a ser nominada, esta vez por Zero Dark Thirty, la historia de la cacería del líder mundial terrorista Osama Bin Laden, después de los ataques del 11 de septiembre 2001. La película está protagonizada por Jessica Chastain, que interpreta a Maya, una agente de la CIA. Este papel le consiguió la primera y única nominación a Mejor Actriz. Al final, Zero Dark Thirty se llevó un Oscar a Mejor Edición de Sonido. Selma (2014)AVA DUVERNAYSelma fue la primera película dirigida por una mujer negra en ser nominada a Mejor Película en los Oscar. Esta es la historia de Matin Luther King que libra una batalla peligrosa para asegurar la igualdad del derecho al voto para todos. Una campaña que culmina en una marcha épica desde Selma hasta Montgomery, Alabama. La película ganó un Oscar a Mejor Canción Original por Glory, escrita por Common y John Legend. Lady Bird (2017)GRETA GERWIGLady Bird, protagonizada por Saoirse Ronan, Lucas Hedges y Timothée Chalamet, fue la primera película de Greta Gerwig en estar nominada a Mejor Película en los premios de la Academia. Asimismo, fue su primera y única vez nominada a Mejor Directora. A pesar de que no ganó ningún galardón, Lady Bird tuvo tres nominaciones más: Mejor Guión Original, Mejor Actriz —la segunda nominación de Saoirse Ronan en esta categoría— y a Mejor Actriz de Reparto (Laurie Metcalf). Christine "Lady Bird" McPherson tiene 17 años y es estudiante de una secundaria católica en Sacramento, California. Gracias a su amiga Julie, decide unirse al grupo de teatro donde conoce a Danny O'Neill, su próxima pareja. Little Women (2019)GRETA GERWIGDos años después, Greta Gerwig obtiene su segunda nominación a Mejor Película, esta vez con la adaptación de Mujercitas a la pantalla grande. La historia de las hermanas March obtiene seis nominaciones: a Mejor Actriz (Saoirse Ronan), Mejor Actriz de Reparto (Florence Pugh), Mejor Guión Adaptado, Mejor Película, Mejor Banda Sonora y Mejor Diseño de Vestuario. El Oscar se lo llevan solo por esta última nominación. Nomadland (2020)CHLOÉ ZHAODespués de perder todo en la Gran Regresión, Fern decide emprender un viaje por el oeste americano y vivir como nómada en su furgoneta. Chloé Zhao rompe un nuevo record y en los Oscar del 2021 se convierte en la primera mujer en tener cuatro nominaciones: Mejor Película, Mejor Directora, Mejor Guión Adaptado y Mejor Edición. Además, después de ganar a Mejor Directora, Zhao es la segunda mujer en obtener ese galardón y la primera mujer asiática en ser nominada y ganar. Normadland se llevó también el Oscar a Mejor Película—segunda película dirigida por una mujer en ganarse esta categoría— y a Mejor Actriz (Frances McDormand). De hecho, McDormand fue la primera mujer en ser nominada el mismo año por producir y actuar. Promising Young Woman (2020)EMERALD FENNELLa película sigue la historia de una mujer que, traumatizada por su pasado, decide vengarse de todas las personas que se interpusieron en su camino. Fennel se convirtió en la tercera mujer en ser nominada por dirección, película y guión original. Al ganar en este última categoría, se convirtió en una de las cinco escritoras que han ganado por Mejor Guión Original. Esta es la segunda vez que Carey Mulligan es nominada a Mejor Actriz por actuar en una película dirigida por una mujer. En el elenco de Promising Young Woman se le unen Emerald Fennell, Bo Burnham y Alison Brie. CODA (2021)SIAN HEDERCoda es la adaptación en inglés de la película francesa La familia Belier. Es la historia de Ruby, una adolescente que está encargada de su familia porque es la única que puede oír. Cuando el canto llega a su vida, sus sueños pueden interponerse en quedarse con su mamá, papá y hermano para siempre. En la edición de los Oscar 2022, Coda ganó a Mejor Película, Mejor Actor de Reparto (Troy Kotsur) y a Mejor Guión Adaptado (Siân Heder). The Power of the Dog (2021)JANE CAMPION Jane Campion es la tercera mujer en ganar a Mejor Director en los Oscar. Ese mismo año, se convirtió en la primera mujer en ser nominada dos veces en esa categoría. The Power of the Dog obtuvo 12 nominaciones. Phil Burbank es un hombre que causa miedo en todos los que lo rodean. Cuando se entera que su hermano, George Burbank, se casa en secreto con una viuda del pueblo, les hace el camino posible. En el elenco de esta película están Benedict Cumberbatch, quien obtuvo su segunda nominación a Mejor Actor ese año, y Jesse Plemons y Kirsten Dunst, ambos nominados a Mejor Actor/Actriz de Reparto. Women Talking (2022)SARAH POLLEYWomen Talking convirtió a Sarah Polley en la cuarta mujer en ganar el Oscar a Mejor Guión Adaptado. La película, basada en la novela homónima de Miriam Toews, sigue la historia de ocho mujeres de una colonia menonita que luchas por recuperar su fe después de enterarse que varios hombres de la colonia drogaron y violaron a diferentes mujeres durante varios años. Anatomy of a Fall (2023)JUSTINE TRIETUna mujer se convierte en la sospechosa número uno de la muerte de su esposo. Anatomy of a Fall tiene cinco nominaciones en los Oscar 2024: Mejor Película, Mejor Directora (Justine Triet), Mejor Actriz (Sandra Hüller), Mejor Guión Original y Mejor Edición. Justine Triet es la segunda mujer en ser nominada en la categoría de Mejor Película con una película de habla no inglesa y la número siete en ser nominada por la dirección y el guión el mismo año. Barbie (2023)GRETA GERWIGGreta Gerwig es la primera persona en la historia en tener tres largometrajes de dirección en solitario nominados a Mejor Película. La historia de la famosa muñeca de Mattel—con importantes giros feministas, como el discurso de America Ferrara— convirtió a Gerwig en ser la primera directora en tener tres nominaciones a Mejor Película. Después de ser el fenómeno cultural y cinematográfico del 2023, Barbie llega con siete nominaciones a los Oscar 2024. Past Lives (2023)CELINE SONGCeline Song es la primera mujer de color en ser nominada a Mejor Película en su debut como directora. La historia, que cuenta cómo dos primeros amores se reencuentran después de 24 años, también está nominada a Mejor Guión Original.
Luego de que 'I'm Just Ken' ganara el premio de los Critics Choice a mejor canción y Ryan Gosling nos regalara una de las mejores reacciones (y fuente de memes) que ha tenido Twitter este año, el actor confirmó su participación en los Premios Oscar 2024.Y estará presente, en la tarima, nada más y nada menos que cantando la canción que le ha valido tanto movimiento en el mundo digital desde que 'Barbie' se estrenó.A principios de febrero, en una entrevista con Variety, el actor afirmaba que la Academia no le había presentado aún la idea de cantar: "Aún no me lo han preguntado. Puede que sea un riesgo muy grande que lo haga. No sé como saldría eso, pero estoy abierto a ello".Ahora está confirmado.En la categoría a mejor canción también se encuentra otras canciones de la cinta: 'What Was I Made For?', de Billie Eillish y Finneas, y 'Dance the Night', interpretada por Dua LipaJunto a él estará Zendaya, en furor ahorita por el estreno de la segunda parte de 'Dune', presentando. Aunque la canción interpretada por Gosling ha sido de las que más movimiento, comentarios, memes y gifs ha tenido. 'Barbie' tiene un soundtrack increíble:Barbie soundtrack: lista completa de canciones ‘Choose Your Fighter’ by Ava MaxWhat Was I Made For?’ by Billie Eilish‘Speed Drive’ by Charli XCX‘Hey Blondie’ by Dominic Fike‘Dance The Night’ by Dua Lipa‘Barbie Dreams’ by Fifty Fifty featuring Kali‘Butterflies’ by Gayle‘Home’ by Haim‘WATITI’ by Karol G featuring Aldo Ranks‘Silver Platter’ by Khalid‘Pink’ by Lizzo‘Barbie World’ Nicki Minaj & Ice Spice (with Aqua)‘Angel’ by PinkPantheress‘I’m Just Ken’ by Ryan Gosling‘Journey To The Real World’ by Tame Impala‘Forever & Again’ by The Kid LaroiLa gala se llevará a cabo el 10 de marzo en el Dolby Theatre, Hollywood de Los Angeles.**Desde siempre Barbie ha sido un icono de cultura pop y la película, por supuesto, hace justicia a eso.Desde literatura hasta clásicos de Hollywood y conversaciones actuales, Barbie es un cúmulo de referencias pop. Aquí las repasamos (sin spoilers).
Este 12 de julio regresa al Estadio El Campin el Concierto de conciertos, un evento que se convirtió en emblema para Bogotá. En su edición 2024, el Concierto de conciertos contará con la participación de Elefante y Aleks Syntek de México, La Mosca y Enanitos Verdes de Argentina, Juan Fernando Velasco de Ecuador, GIPSY Kings, Rosario y Cómplices de España, Prisioneros de Chile, con Claudio Narea y Aterciopelados. Las entradas están disponibles en Tuticket.com. Los precios oscilan entre 125.000 y 16.700.000 en palco para 10 personas. En 2023, el concierto contó con la participación de Poligamia, Yordano, Comapñía ilimitada, Ekhymosis, Duncan Dhu, Toreros muertos, entre otros. La primera edición de este evento ocurrió en 1988 y marcó una era para la música en vivo en Bogotá. Alrededor de 70.000 personas estuvieron en el Estadio el Campín para ver a bandas como Los prisioneros, Miguel Mateos, Timbiriche, Toreros muertos, José Feliciano, Timbiriche, entre otros.¿Por qué fue tan importante el concierto de conciertos?Tras más de 3 décadas, el evento sigue celebrándose y llamando la atención de los fans. ¿Por qué fue tan importante? Para Elsa Riveros, de la banda Pasabordo, que estuvo en el concierto de 1988: "Nunca antes se había dado un concierto así. Se habían dado otras cosas, pero en Bogotá no pasaban muchas cosas de música.Había bandas que estaban haciendo música en sus casas y en los bares, pero cuando sucede esto fue como "wow en Colombia sí se puede hacer algo así. Hay bandas colombianas que pueden participar, no es solo para bandas internacionales".Eso inspiró a muchas personas a dedicarse a la musica y verla como una opción viable en sus vidas: "Alguna vez alguien me dijo: "yo le pude decir a mi mamá y a mi papá que me dejaran ser músico, gracias a ese concierto", agrega Elsa.El concierto de conciertos se ha convertido en una excusa para la nostalgia y para celebrar la música latinoamericana d elos 70 y 80.
El retrato es un tipo de fotografía en donde buscamos destacar un aspecto de alguien, ya sea algún rasg ode su rostro, su personalidad, sus intereses, entre mucho más. Para lograr una foto de esas "para poner hasta en la cédula", aquí les damos algunos consejos, con el celular. Lente Limpio Un detalle sencillo, pero que puede alterar el resultado de la foto. Varios intentos Tomen varias fotografías de la misma escena y luego elijan la mejor. El modo ráfaga del teléfono es muy bueno para eso. Para los retratos sirven muy bien, ya que cuando el sujeto no es consciente de que es fotografiado se obtiene un resultado más espontáneo. Elijan una buena fuente de luz Una fuente de luz desde arriba, abajo o detrás crea sombras que pueden resultar poco favorecedoras. Una fuente de luz difusa que utiliza luz reflejada en una superficie blanca o a través de una ventana con cortinas ligeras crea una luz sutil. Siempre aprovechen la luz natural. Eliminen las distracciones Tomen nota del entorno y de posibles distractores que puedan quitar atención del protagonista de la foto. Traten de que en la compisición no existan otros detalles que quiten protagonismo al fotografiado. Intenten capturar algo del personaje ¿El personaje es divertido, serio, tímido, extrovertido? No importa, busquemos destacar esos aspectos qur lo hacen único. Válido dirigirlo para que haga alguna pose representativa. Hay que tomarnos el tiempo para lograr una buena imagen ¿Cuál es un buen teléfono para esto?OPPO anunció que ya está globalmente disponible su nuevo smartphone: OPPO Reno11 5G. Este equipo tiene un sistema de cámara para retratos ultranítidos, con una cámara principal de 50 MP con estabilización óptica de imágenes (OIS). Este es un celular El Reno11 5G captura retratos de calidad de estudio con la cámara de retratos con teleobjetivo de 32 MP que posee un zoom 2X equivalente a 47 mm, para capturar retratos de forma parecida a la perspectiva del ojo humano. El sensor Sony IMX709 detrás de esta experiencia 2X no solo captura fotos nítidas y detalladas, también cuenta con una disposición de píxeles RGBW para una fotosensibilidad 60% mayor y ruido 35% menor que los sensores tradicionales.Con unacámara principal ultranítida de 50 MP con OIS, un rápido objetivo f/1.8 y el nuevo sensor LYT600 de Sony, la cámara es versátil. Y para paisajes amplios, la cámara ultra gran angular de 8 MP del Reno11 5G cubre un campo de visión de 112º.Este es un equipo perfecto para retratos, así que si eso es lo que buscan, el OPPO Reno11 5 G es una gran opción.
Nuestra reina del amor, del despecho y de las canciones que algún día soñamos con dedicar, saca álbum después de siete años. Shakira, la misma que escribió Día de Enero, Antología e Inevitable, tituló ese álbum ‘Las mujeres ya no lloran’.Aquí somos creyentes de que cada una vive la tusa como quiere, pero decir que las figuras pop no influyen en cómo musicalizamos al menos los días en los que tenemos el corazón roto sería mentirnos.Shakira le escribió este álbum a Piqué y cogió la fórmula que le funcionó en el BZRP Session y la convirtió en disco. Bien, si queremos escribirle 100 canciones a nuestros ex pues lo hacemos.¿Cuál es el problema entonces?Que la tristeza y la productividad se consideren excluyentes.Yo crecí como la adolescente que fingía que nada le importaba cuando en el bus lloraba escuchando ‘Pienso en ti’ recordando al peladito o peladita que no me paraba bolas. También crecí siendo la única mujer en una familia de hombres. Toda emoción era limitada por frases como “por eso no me caen bien las niñas, lloran mucho”.Recuerdo escuchar los primeros discos de Shakira y pensar “yo nunca podría ser así de vulnerable”, alimentando la idea de que la sensibilidad, la ternura, la emoción eran sinónimos de fragilidad.Las diferentes corrientes del feminismo llevan peleando por años por esclarecer que el movimiento no busca que las mujeres seamos iguales a los hombres, que no se trata de llegar a ser como ellos porque los hombres no son una meta que añoremos alcanzar.Durante años, la sociedad se ha esforzado en fiscalizar nuestros sentires y las formas de expresarlos. El patriarcado y el capitalismo, que al final tienen como consecuencia la alienación de nuestras emociones, han reproducido la idea de que la emoción nos hace débiles.Sarah Amed, teórica feminista australiana, explica en su texto ‘La política cultural de las emociones’ (2004) que estas se utilizan por diferentes estructuras dentro de la sociedad para regular los cuerpos y las relaciones sociales. Las emociones son a menudo usadas para legitimar o deslegitimar ciertas formas de comportamiento.El punto acá es que la forma en la que expresamos nuestras emociones no sólo influye sobre los estados internos.Las figuras pop marcan el ritmo de consumo, pero también van marcando el ritmo de cómo se gestan las emociones. Estemos de acuerdo o no, así parezca una afirmación exagerada, es un hecho.Actuamos por imitación y nuestras emociones no están exentas de eso. Uno de los ejemplos más claros de eso es el hippismo de la década de los 60 y 70: figuras como Jimi Hendrix, John Lennon y Joni Mitchell personificaron el deseo del amor libre, la revolución sexual y el rechazo al materialismo que se vivió en la época.Artistas como Taylor Swift y Olivia Rodrigo priorizan la tristeza y la rabia en sus canciones. Son emociones que, además de ser completamente naturales, han sido históricamente motores de creación de obras artísticas de todo tipo.Negarnos la capacidad de sentir tristeza bajo el discurso del empoderamiento, como el de Shakira, sólo sirve para meternos, nosotras mismas, nuevamente en esa cajita en la que nos metieron los hombres cuando intentaron convencernos que la emoción y la razón son conceptos excluyentes.La filósofa mexicana Rocío Castillo explica que la razón patriarcal ha construido una dicotomía que separa la razón de las emociones, asociando la primera a lo masculino y la segunda a lo femenino. Una dicotomía que ha sido utilizada para subordinar a las mujeres y negar su capacidad intelectual.Uno de los (muchos) problemas del “empoderamiento”, además de ser una palabra maluquísima, está en que lo que se considera empoderante es imitar el modelo masculino; es decir, desprendernos de lo que se ha considerado algo exclusivamente de mujeres: la sensibilidad y la emoción, entendida como algo irracional y carente de razón.Poner en extremos opuestos monetizar la tusa y llorar es caer en el modelo masculino que niega a la emoción por “absurda” e “improductiva”. Ganar plata cuando se tiene el corazón roto no le cae mal a nadie, pero la emoción (incluída la tristeza) hace parte de la experiencia de vivir.Como una mujer que intentó por años ocultar su sensibilidad por crecer bajo el ideal masculino, extraño las letras desgarradoras de Shakira, las que me hacen sentir entusada sin estarlo.A los hombres que llegaron hasta acá: a ustedes también les han negado por mucho tiempo la capacidad de abrazar su sensibilidad. Lloren con sus amigos, canten abrazados, que en este mundo, que cada vez pierde más el sentido, la ternura es lo único que nos queda.A Shak: ojalá vuelvas a escribir canciones con el corazón, o con el bolsillo, pero mientras te permites llorar.Igual te amo.
A la mitad de la entrevista, El Kalvo detiene por un momento sus reflexiones sobre la xenofobia que persiste al interior del hip-hop colombiano y el valor de hablarle a los trabajadores para buscar alitas de pollo a domicilio. Los ensayos para su presentación en el Festival Estéreo Picnic copan su tiempo, por eso llega tarde la entrevista, anda de afán y el tiempo para almorzar se escapa. Pero si hablamos del Kalvo no solo hablamos de un man que lleva veinte años en el rap, un joven veterano que a codazos y paciencia se ha abierto un espacio como un MC único en el país; hablamos también de alguien conocido por su apetito generoso, capaz de hazañas culinarias y connoisseur de la gastronomía callejera bogotana.Así que cuando es hora de comer, todo puede esperar.Después de Algarabías (2022), El Kalvo se dedicó a encontrar territorios comunes con otros artistas. De esta búsqueda colaborativa resultaron temas como “Agencia de viajes”, con La Radio Bembé Orquesta, y la enternecedora “Lero lero”, con La Muchacha. Cuando empezó el 2023, El Kalvo entró en modo álbum y tomó esas canciones para agruparlas y darles un sentido. Así nació Los tres golpes, el disco con mayor número de colaboraciones en su carrera: Kiño, Penyair, Jam Block Jr, Turek Hem y Horus conforman la polifonía. Un secuaz de confianza como Hi-Kymon se encarga de casi toda la producción, que desde el boom bap se extiende en todas las direcciones.Al principio, El Kalvo pensaba llamar a este nuevo trabajo Kalvokalez, para marcarlo como un proyecto más personal, que reflejaba quién era. Sin embargo, Saga Uno —su aliado para crear el extravagante kit de ocio para el trabajador contemporáneo que acompaña al disco e incluye un recipiente para la comida, un cancionero al estilo de los almanaques Bristol, un rascador, un parqués y una riñonera— lo convenció de que Los tres golpes, el nombre de un tema en el que describe al detalle y con apetito jugoso qué se puede degustar en la capital en distintos momentos del día, era un título mucho mejor. Luego de debatirlo, El Kalvo le dio la razón. En todas las canciones del disco hablaba, aunque fuera por un momento, de comida: “Ordinaria elegancia” no solo define bien su encanto, sino que muestra su ojo meticuloso para describir un buen guiso que, a la vez, es una buena letra de rap.A pesar de que no le puso su nombre, El Kalvo sí vuelca en este disco las distintas inquietudes que caracterizan su rap. Ahí están su pasión por contar historias (“Jesucristo de Maracay” o “Radio Casa Grande”), su perspectiva heterodoxa del rap (“Marquillas”) y su gusto por la bareta (“Préndalo). Están las preguntas incómodas y punzantes que suele hacer, como la que le plantea a los raperos colombiano sobre el trato que le dan a los migrantes venezolanos. Y, finalmente, canciones como “Elías”, un homenaje a su abuelo que puede ser la mejor canción del disco; “He sido”, en la que traza sus memorias a través de todos los trabajos en los que se ha rebuscado el salario; o “El rapado”, como pararse frente al espejo y rapear lo que se ve, profundizan en su biografía.Sobre esto y más hablamos con El Kalvo.***¿Cómo llegó al concepto de Los tres golpes?Yo lo quería llamar Kalvokalez, así como los artistas les ponen sus nombres a sus discos más personales, los que los definen. Pero a Saga le pareció que ese título era muy suave, que Los tres golpes tenía una carga conceptual mucho mayor. Luego de reuniones y llamadas que duraban horas y horas, me convenció, porque además de lo del desayuno, almuerzo y comida, en todas las canciones hablo de comida en algún punto, más inconsciente que conscientemente, güevón. Pero al final es más amplio que eso, tiene muchas historias. Ya he hablado mucho de lo social, de lo político, ese tema me había saturado, entonces me pregunté de qué quería hablar. Los tres golpes es mi manera de definirme como MC, cuál es mi tipo de rap. Y es el comienzo de una búsqueda, de otras temáticas a las que me quise como acercar, otras maneras de decir las cosas. Pero no sé si logré definirme completamente, creo que no, todavía le falta. Menos mal no le puse Kalvokalez.Usted ha explorado llevar los álbumes más allá de las plataformas digitales y más allá del CD, ¿cómo ha sido ese aprendizaje? A mí me gusta insistir en formatos físicos porque me permite innovar, entregar la música de manera distinta. Hoy es más fácil escuchar un vinilo que un CD, güevón. Mucha gente compra un CD para tenerlo, pero no lo puede escuchar. Entonces qué lindo tener otra cosa que sí sirva pa’ algo: qué güevonada comprar algo que uno no va a usar. Tenía que ser algo útil. Ya había hecho un libro, que es útil, pero si lo leíste ya queda ahí, ya fue. Pero al final nos dimos garra con Saga, fue un proceso pesado con muchos problemas técnicos. Le dimos rienda suelta a la imaginación y nos montamos en la película de hacer algo absolutamente novedoso. Y Saga sí me dijo que él lo diseñaba, pero yo me ocupaba de hacerlo. Hágale, le dije. ¿Un cancionero? ¡Hágale! ¿Un diorama? ¡Hágale! ¿Un parqués? ¡Hágale! Fue demasiado.Ahora me decía que está un poco cansado de hablar de temáticas sociales, ¿cómo ha sido para usted existir como rapero en el gobierno de Petro?Cuando quedó Petro yo sí sentí alivio: habíamos ganado algo. Por eso me relajé y dije como bueno, ya, me voy a dedicar a hablar de otras cosas y voy a darle la oportunidad a este man para que haga lo suyo, ¿sí me entiende? La inflación va bajando, el desempleo va bajando, el dólar se mantiene bajito. Esas cosas demuestran que se está haciendo bien la vuelta, mejor de lo que estaríamos con Rodolfo Hernández o Federico Gutiérrez, presunto paramilitar. Pero los medios han vendido la idea de que el cambio no es el cambio porque las transformaciones no han sido instantáneas. Y los de siempre, con mucho cinismo, han dicho que todo sigue igual, pero ellos son los responsables de que las cosas estuvieran así. Igual hay muchas cosas que están mal. Hay mucha gente que se coló, como Agmeth Escaf, Benedetti o la vieja esa que tienen paseando por todos los cargos importantes, quién sabe qué sabe de Petro, güevón. La esposa del man tiene una actitud como toda corrupta y se ha gastado un poco de plata viajando y tiene gente ahí enchufada. Feo, feo, güevón. Son cosas que no deberían pasar.Igual ahora que acabé este proyecto sí estoy sintiendo que otra vez necesito hablar de esos temas. Hace falta análisis. No quiero decir que yo soy el único que pueda analizar la mierda, pero sí siento que como hip-hoppers tomamos la misma actitud al tiempo, como listo, ganó Petro, chao, hablemos de otra mierda, a mí no me jodan. Incluso hay unos que se desconectaron tanto que están diciendo que la mala pa’ Petro, repiten el discurso que les dan las noticias. Es el juego de manipulación. Por eso otra vez siento un impulso muy fuerte por analizar y comentar.Vamos ahora sí con los temas más serios: una encuesta rápida sobre comida colombiana. ¿Mejor frito?Yo diría que la arepaehuevo con carne mechada. Es una obra maestra de la comida sumergida en aceite.¿Postre favorito?Quizás el de tres leches o el de natas. O, no sé si es tan colombiano, pero las islas flotantes de Endulza tu Paseo, gonorrea: esa es la misión.¿Sopa favorita?El ajiaco.¿Algo que le guste que nadie espere que le guste?La comida vegana.¿Cómo surgió la idea de “Jesucristo de Maracay”? ¿Tiene que ver con plantear una postura clara frente a la migración desde la comunidad del rap?Hay mucha xenofobia en el rap. He tenido que ver a parceros raperos que hablan despectivamente de los venezolanos como ratas o chirosos. La mala pa’ las ratas, sí, que nadie robe, pero la estigmatización que vive la población migrante venezolana es muy injusta, porque los que hacen cosas malas es una fracción muy pequeña. Es más fácil ver la paja en el ojo ajeno, pero el problema no son los migrantes, sino la pobreza, la falta de oportunidades, la ignorancia, la mala educación, la corrupción que se roba la plata que debería ser para el bienestar de la gente. Por eso cuando canto “Bacatá” el mensaje es que Bogotá es para el que esté en Bogotá, esta ciudad es pa’ muchos tipos de gentes y hay espacio pa’ todo el mundo. Entonces construí esta historia para cagarme en la xenofobia, pero también en la moral católica de los que son xenófobos y aporofóbicos. ¡Mientras tanto en Palestina están bombardeando el pueblo de Cristo! La gente que está sufriendo en todos lados representa eso. Cristo era un desplazado de la violencia. Y pues es de Maracay y no de Barquisimeto porque me rimaba, y me quedaba re bien para homenajear a los raperos de allá, que son de los más ásperos del hip-hop venezolano. De hecho las historias que me inspiraron fueron las del Topo y Vampi, de Piso Ocho, que nos contaron lo duro que les tocó, pero ellos son de Puerto La Cruz, y así quedaba raro.¿Por qué le dedica este kit de ocio al trabajador contemporáneo? A veces me parece que el rap está montado en una burbuja rara, no se tiene en cuenta el diario vivir, como si todos viviéramos en un videoclip de rap, güevón, y solo hubiera ocio y placer. Quería que el álbum fuera para el descanso, está pensado para disfrutarse después de una larga jornada de trabajo. Para una persona normal la música es un escape de la realidad, una anestesia que escucha en el Transmilenio, caminando, lavando loza o haciendo ejercicio. Por eso tampoco quería hablar de temas pesados, sino más bien como toma, disfrútate esta historia de cosas asquerosas que nos inventamos con Penyair, o esta otra de Jesucristo como un migrante venezolano. Pensaba que qué chimba que el rap que yo haga sea óptimo para el que está saliendo de su camello y se quiera relajar. El disco es para dignificar el esfuerzo, como dice el intro, un tributo al esfuerzo.A propósito de “Protagonista estelar”, ¿cómo ha sido para usted rapear sobre el amor? ¿Y cómo ha cambiado con los años?No es mi temática fuerte, pero en cada trabajo discográfico trato de incluir al menos una canción que hable del tema. Siempre es difícil hacer algo tan personal, ¿no? No puedo hablar del amor como hablo de otras cosas, con esa forma arquetípica de tomar los temas, porque el amor es el amor, ¿sí me entiendes? Yo a mi novia no le puedo cantar cualquier cosa, es cuando más real tengo que ser. Me siento vulnerable. Hay gente que puede estar re parchada y escribe una canción re tusa cortavenas, y la novia está al lado, cagada de la risa. Para mí debe ser algo muy personal, y como con mi novia compartimos las artes audiovisuales, “Protagonista estelar” fue una oda a lo que hacemos juntos. Ella me ayuda a hacer los videos, yo edito cosas para ella. Disfrutamos y creamos juntos. De ahí salió lo de “Hagamos ficción y documental”, porque de verdad lo hemos hecho. Es chimba. Cuando más sincero he sido es en las canciones de amorcito.¿Cuál es su tema favorito de rap romántico?“Querer querernos” de Canserbero. La escuché antes de que saliera, porque el man la tocó una vez que vino a Bogotá como en 2011, re caleto. A toda la banda de pirobos se le salió el aire con el último ponche. Fue como mucho malparido, qué gonorrea.***Hace un tiempo invitamos al Kalvo a parodiar una elección rapeando junto a Neck Talese y El mismoperro, este fue el resultado:
Uno de los headliners del Estéreo Picnic 2024 es una de las figuras más destacadas del reggaetón mundial: Feid. Pero no es la primera vez que hay un reggaetonero en el line-up. En 2022, J Balvin fue el primer artista de este género en el festival. Aunque su presentación fue sumamente comentada (por las razones equivocadas) sin duda hizo historia al abrir espacio a un género que durante mucho tiempo fue inesperado en el Picnic. Aunque hoy sean muy normales los actos de reggaetón en Estéreo Picnic, la cosa no siempre fue así. En sus inicios, el festival tenía la fama de ser un evento solo para "hipsters" y efectivamente, estaba dirigido a un público alternativo. El festival tuvo un arranque exitoso con Matisyahuy 2 Many DJS en 2010 y con Calle 13, Bag Raiders y The Presets en 2011, en 2012, con Caifantes, MGMT y TV on the Radio los resultados no fueron los esperados. Reggaetón: el último recurso para salvar en Estéreo Picnic "El tercer Estéreo Picnic, el del 2012, en el que tocaron Caifanes y MGMT. Esa mierda fue básicamente “apague y vámonos", dijo Sergio Pabón, empresario de Páramo Presenta (en ese entonces T310), en entrevista con Vice en 2024. Pabón continúa: "de verdad no habían señales que indicaran que esto podía llegar a funcionar. Todo era paupérrimo. El apoyo del sector privado era pésimo. El de la gente, peor, no vendíamos nada de boletas. En un punto hicimos una votación y se acordó unánimemente, aunque sin mí, porque yo era el único que estaba en contra de la decisión, de nunca volver a hacer Estéreo Picnic. Ya no resistíamos más. Pero lo volvimos a hacer al año siguiente con The Killers como headliner". "Fue justo en ese momento en el que no le encontrábamos la vuelta, incluso con Balvin se habló y teníamos hasta un negocio acordado. Ahí dijimos como “Armemos una tarima con Balvin, Fonseca, Carlos Vives y toda esa gente para ver si vendemos boletas”, porque es que no podíamos desaparecer por seguir obstinados en una movida musical que no nos estaba devolviendo. Pero al final nos echamos pa’ atrás y dijimos “No, seamos fieles a lo que hemos construido”.Al final Balvin sí llegaría a presentarse en el festival, aunque en circunstancias muy diferentes. En ese momento, era difícil predecir cómo el reggaetón iba a irrumpir en la industria musical mundial, al punto de convertirse en protagonista en los festivales de Colombia y todo el mundo.