Falta poco para uno de los eventos más esperados del año y ahora, por fin, conocimos los horarios del Festival Estéreo Picnic 2024. La cita será del 21 al 24 de marzo en el Parque Simón Bolívar de Bogotá, que abrirá sus puertas hasta las 3:00 a.m. Este año, los headliners son Kings of Leon y Limp Bizkit el jueves 21; SZA y Sam Smith el viernes 22; Feid y Placebo el sábado 23; y Blink-182 y Arcade Fire el domingo 24. Otros de los artistas más esperados son Hozier, 30 Seconds To Mars, Greta Van Fleet, Phoenix, Black Coffee, M.I.A, Grupo Frontera, The Offspring y The Blaze. Festival Estéreo Picnic 2024: horarios completos por díaPor fin se revelaron los horarios de cada uno de los días del festival para programarnos y esperar a que no se crucen los artistas que más queremos ver. Programación Festival Estéreo Picnic 2024 día 1: jueves 21 de marzoProgramación Festival Estéreo Picnic 2024 día 2: viernes 22 de marzoProgramación Festival Estéreo Picnic 2024 día 3: sábado 23 de marzoProgramación Festival Estéreo Picnic 2024 día 4: domingo 24 de marzo¿Cuánto vale la boleta para Estéreo Picnic 2024?Los precios de las entradas para el combo de 4 días están en 1.879.000 para los 4 días en general, y en VIP $3.699.000. Para el día individual, el precio está en $ 799.000, con servicio incluido. Las entradas están disponibles en el portal eticket.com. ¿Qué es la zona de confort del Estéreo Picnic 2024? La Zona Confort es un nuevo espacio dentro del Festival, ubicado entre los escenarios 1 y 2, diseñada para ofrecer una experiencia de comodidad. Se ofrecen servicios exclusivos y todos los artistas, sin que se afecten las experiencias de los asistentes de las otras localidades.¿Qué tantos artistas nacionales hay en el Festival Estéreo Picnic?Esta nueva edición tiene en 75 actos en total, de los cuales 30 son talento local y 45 son artistas de otros países. Para 2024 el 40% del cartel será colombiano.A pesar de no estar en los primeros nombres del cartel, una de las leyendas de la salsa estará presentándose para ponernos a bailar a todas y todos: Fruko y sus tesos.La cuota de rap colombiano, en ausencia del internacional, va por cuenta de Oblivion's Mighty Trash (Apuesta Shock 2023), La Etnnia, El Kalvo, Penyair, Ruzto, Homie! y Selene.Las artistas femeninas nacionales también se tomaron este cartel. Tendremos a Laura Pérez (Apuesta Shock 2023), Laurél, Mariscos y la flautista clásica Anamaría Oramas desde Bogotá; Verito Asprilla (Apuesta Shock 2023) desde Tumaco y More desde Cali. Sin embargo, pasa otro año donde anhelamos ver a más mujeres en los carteles de los festivales.En agrupaciones tenemos Búha 2030, Mala Bengala, Volcán, Afro Legends (Artista ROMPE 2023), Divino Niño y Maca & Gero.Más sobre los artistas nacionales del Festival Estéreo Picnic 2024 aquí.
El público de la música pop siempre ha exigido héroes e íconos. Quizá más que en cualquier otro género. Sin embargo, Solána Imani Rowe, conocida como SZA, es de un tipo diferente de estrella e ícono pop.Su música se trata de algo mucho más intenso que las simples y fácilmente digeribles canciones de ruptura al estilo Miley Cyrus o Taylor Swift.Su sonido rescata el fatalismo, el exceso, la rabia y el odio del hip-hop de los 80 y 90, así como recupera la idea del amor hacia sí mismo del movimiento “Black is Beautiful” de los 60 en una versión que expresa la importancia de la apreciación tanto de la cultura como de la propia identidad.La historia de SZASolána Imani Rowe creció en un hogar musulmán ortodoxo de clase media-alta en los suburbios de New Jersey.Su infancia no solo fue diversa por este tipo de conformaciones sociales y culturales —podía seguir a líderes religiosos como Elijah Muhammad, pensar al estilo de Malcolm X, soñar con Martin Luther King Jr. e impacientarse por ver mayor estabilidad en la economía—, sino que además fue compleja.A Solána le resultaba difícil encajar y seguir los flujos sociales que el sistema diseña para que las personas (y las mujeres en particular) circulen con una sonrisa mientras la precariedad se expande en todo el planeta.En la época de colegio, por ejemplo, fue acosada después del 11 de septiembre por llevar su hiyab.Eso le mostró, por primera vez, que las diferencias culturales y raciales son consideradas una amenaza y un delito en la Norteamérica democrática.Situaciones como esta le permitieron crear sus propias ideas sobre cómo (sobre)vivir en un país como Estados Unidos.¿Por qué se hace llamar SZA? Un primer acto de afirmación de su identidad como mujer negra y musulmana fue la construcción de su nombre artístico, SZA, el cual tomó del Alfabeto Supremo de la Nación del Islam: “Sovereign Zig-Zag Allah” o “Savior Zig-Zag Allah”.Lo que siguió a este proceso de identificación con el mundo musulmán fue la autoedición y el lanzamiento de los EP SEE·SZA·RUN (2012); S (2013); y Z (2014), material que llamó la atención de la prensa especializada y de un grupo de nuevos seguidores, y que le permitió unirse a la compañía discográfica independiente Top Dawg Entertainment (TDE), sello que contaba dentro de sus filas con artistas como Kendrick Lamar y Jay Rock.CtrlSu álbum debut, Ctrl, lanzado en junio del 2017, la situó a la vanguardia del R&B contemporáneo.El disco combina la expresividad del soul clásico con una atmósfera cargada de sintetizadores sombríos, una voz ronca pero dulce, ráfagas radiantes de percusión y energizantes dosis de guitarra que se acompañan con poderosas líneas de bajo.Ctrl refleja dos cosas.Primero, la idea de que el control es una ilusión, pero como sugiere el eco de la voz de la madre de SZA al principio de Supermodel (“Ese es mi mayor miedo / Si perdiera el control / O no tuviera el control / Las cosas simplemente, ya sabes / Yo sería fatal”) y al final de la canción Something (“Y si es una ilusión no quiero despertar / voy a aferrarme a ello / Porque la alternativa es un abismo, es sólo un agujero, una oscuridad, una nada / ¿Quién quiere eso?”), existe cierto poder y tranquilidad al aferrarse a la ilusión, incluso, cuando la reconocemos como tal.Lo que sale a relucir en este álbum es la contradicción que existe entre ser la “dueña” de la narrativa de la propia vida (“eres libre”, “todo lo que quieras lo puedes lograr”) y la recuperación del control de la vida cuando se está dispuesta a renunciar a esas tristes y banales ideas de que somos dueños de nuestro propio destino (solo hay ciertas cosas que controlamos).El mensaje es claro: debemos jugar con lo que existe para poder interpretar el papel que nos permite competir en el show de talentos.Pero, por supuesto, esto no implica que se piense que las cosas están bien tal como están, sino que la oportunidad de transformar las cosas solo existe dentro de lo que brinda el sistema.El segundo punto que expone SZA en el disco es el viaje que realiza hacia la búsqueda del amor propio y la aceptación. En la canción Supermodel, por ejemplo, muestra por medio de una carta la ira que siente hacia su novio luego de enterarse que ha sido engañada, para, posteriormente, confesarle su propia traición y, finalmente, exponer su estado de vulnerabilidad y dependencia en la relación.SOSEste vínculo entre el (des)amor, el sexo, la autoprotección, las fantasías de venganza, la lucha contra la inseguridad, la aceptación y el empoderamiento de la belleza negra tienen un aspecto curiosamente existencial que se hace más visible en su segundo álbum, SOS.El disco sostiene un sonido emocionalmente intenso y escabroso, una combinación rítmica que va desde el trap-soul, el lo-fi hasta pasar por el Neo-soul, el grunge y el punk.En la conmovedora y descarnada canción que tiene por nombre el mismo título del álbum, SOS, SZA se propone abandonar una relación conflictiva y dejar atrás los enredos de un supuesto amor seguro; pero primero debe dejar claro lo que piensa y reclamar por todo lo que dio en una transacción amorosa de la cual recibió muy poco.El álbum, en general, esboza los flujos de las emociones, los contrastes que existen en esos momentos de fuerza, determinación, ánimo y que, prontamente, se transforman en tristeza, soledad e inseguridad.Kill Bill, por ejemplo, la tarjeta de presentación del disco, es una balada en la que la artista fantasea con el asesinato de su exnovio para que ninguna otra mujer pueda tenerlo y, aunque, reconoce que es un sueño siniestro no puede dejar de imaginarlo.No obstante, la fantasía de venganza de Kill Bill no proporciona una recompensa emocional real; su narrativa es un grito de puro de dolor y fatalismo que representa la otra cara de la imagen de la mujer que “no siente el engaño”, la que se “recompone rápidamente”, la que se “alegra” con su grupo de amigas simplemente yendo de compras y comiendo enormes cantidades de helado o la que compensa la situación con otro tipo de placeres apósitos.En canciones como Smoking on My Ex Pack, Far, Conceited” y Forgiveless, al igual que en todo el álbum, SZA se enfrenta tanto a sí misma como a sus parejas, evidenciando el cansancio y el desgaste que le producen las relaciones.En ocasiones los sonidos reflejan momentos de paz que se encuentran incrustados en un mundo caótico y vislumbran la inercia en el aparente cambio en la vida de las personas.Sin embargo, no todas las canciones del disco tratan de seguir adelante y dejar atrás sus relaciones pasadas; SZA sigue teniendo la tendencia a tomar decisiones “equivocadas” que pueden no acabar bien para ella (Too Late y F2F) y se cuestiona su valía en algunos casos (Special).La honestidad que evoca el proyecto musical de SZA y la fe depositada en exponer su vulnerabilidad y sus inseguridades como terapia permiten iluminar los rincones más siniestros del yo.Es ahí, en su interior, el lugar oscuro de la ira, donde su auténtico espíritu oculto crece y se alza de forma sólida y hermosa para hacerle frente a sus pesadillas, debilidades e impotenciasPero no para salir a la conquista del “hombre elegido” o para culminar en una especie de trascendencia de todo su destino romántico, sino, justamente, para exponer que no es una mujer unidimensional; una mujer “bendecida” por la seguridad del modelo de empoderamiento que niega la rabia y el sufrimiento femenino y lo sustituye por el júbilo, el entusiasmo y el optimismo emancipador.La música de Solána Imani Rowede no aspira a conquistar al mercado feminista joven (y negro) con emocionantes intentos de construcción de confianza al mejor estilo de los libros de autoayuda. Su propuesta pretende aprender a convivir con esa intimidad siniestra y el escrutinio de sí misma para fortalecer su existencia, los miedos que rigen su vida y, primordialmente, hacerle frente a los silencios que dominan los cuerpos de las mujeres negras.***SZA comparte tarima de Festival Estéreo Picnic con artistas como Phoenix o Hozier. A propósito, les recomendamos leer: Phoenix: ¿qué nos dice la banda sobre el amor, la libertad y la nostalgia?Hozier y las cosas hermosas que nos dejan ver el cielo
Rina Sawayama, Jaden Smith, Dove Cameron cancelan su show en Estéreo Picnic 2024. Los artistas estaban anunciados para el jueves 21, domingo 24 y viernes 22 de marzo respectivamente. Estos artistas se unen a la lista de cancelaciones de Estéreo Picnic 2024 en la que está Paramore, banda que canceló hace algunas semanas y fue reemplazada por Kings of Leon. El Festival Estéreo Picnic será del 21 al 24 de marzo en el Parque Simón Bolívar de Bogotá. ¿Quiénes son los artistas que cancelaron?Rina Sawayama nació en Niigata, Japón y emigró a Londres con sus padres a la edad de cinco años. En 2017, lanzó su EP debut, Rina. Después de firmar con Dirty Hit en 2020, lanzó su álbum de estudio debut, Sawayama. Su segundo álbum de estudio, Hold the Girl, se lanzó en 022. En 2023, Dove Cameron lanzó su álbum debut Alchemical: Vol 1, que fue precedido por el sencillo Boyfriend. Smith comenzó su carrera musical junto a Justin Bieber, cuando apareció en el sencillo de 2010 Never Say Never de The Karate Kid. Smith ha lanzado los álbumes de estudio Erys (2019) y CTV3: Cool Tape Vol. 3 (2020). En 2022, recibió una nominación al premio Grammy por Álbum del año como artista destacado en el álbum Justice de Bieber.Estéreo Picnic 2024 ¿Quiénes reemplazarán a Rina Sawayama, Jaden Smith, Dove Cameron?The Vaccines, Leisure y Saiko reemplazarán a Rina Sawayama, Jaden Smith y Dove Cameron. The Vaccines estará el próximo 24 de marzo, Leizure el próximo 21 de marzo y Saiko el sábado 23. The Vaccines es una banda británica de indie rock formada en Londres el año 2010. Leisure es un proyecto de música electrónica neozelandés de Auckland, formado en Muriwai en 2015. Miguel Cantos Gómez, más conocido como Saiko, es un cantante español de reguetón, pop y trap. Comenzó a rapear a los catorce años, formando en 2019 un dúo junto con su hermano, conocido como Wido y Saiko. En 2020 comenzó su carrera en solitario
“Eternas y míticas” son etiquetas que se le pueden achacar a bandas como The Beatles, The Doors, The Rolling Stones, Led Zeppelin, entre otras que vivieron su apogeo antes de los 80. Además de su música, el tiempo los ha consagrado. Pero en este milenio el indie pop de Phoenix no solo se ha adjudicado el derecho a cargar con estos dos adjetivos, sino que lleva con honor los calificativos de la fabulosa ave de la cual toma su nombre.La banda surgió a finales de los años 90 en Versalles, Francia, como un brillante faro de placer pop repleto de guitarras alegres y vibrantes, una voz dulce y melancólica, una batería energizante y un bajo simple y pegadizo que irrumpió para hacerle frente a la aparente mentalidad seria del rock alternativo de la época.Phoenix se presentará en el Festival Estéreo Picnic 2024. Aquí encuentran el cartel por días. De hecho, el grupo siempre ha tenido mucho menos parentesco con sus contemporáneos del grunge, el punk o el garage que con grupos pop de vanguardia de los 70 como Electric Light Orchestra y 10cc.¿Quiénes son los integrantes de Phoenix?Durante más de 25 años los cuatro integrantes de la banda —Thomas Mars (voz), Deck d'Arcy (bajo), Laurent Brancowitz (guitarra) y Christian Mazzalai (teclados)— han ofrecido un sonido que nos seduce y nos atrapa pero al mismo tiempo nos alerta y nos pone en guardia.La frescura y la energía juvenil de sus primeros temas, como Too Young y If I Ever Feel Better de su álbum debut, United, apuntaban a mostrar el periodo donde se pasa de pensar, de imaginar y de soñar la vida a vivir la vida con todas sus contradicciones.“Oh los tiempos difíciles llegaron // Y no me dejan esta noche // Desearía saber qué es lo que hacía // Solo deja que este espíritu sobreviva… Esta noche ha terminado // Y me siento muy joven”, canta Mars con su voz acaramelada para recordarnos que la etapa de inocencia ha terminado.¿Qué nos dicen las canciones de Phoenix sobre el amor y la libertad?Pero si Too Young habla de los cambios radicales de la vida, el paso de un umbral a otro o la muerte de una etapa, If I Ever Feel Better expresa algo mucho más perturbador sobre el mundo: la sensación de que los sueños de juventud se desvanecen junto a la idea que la libertad no es más que una simple ilusión para el alma de los ingenuos.United es un álbum efervescente, chispeante e intoxicante con dosis mínimas de ironía y sexo pervertido, en el que se recupera la frescura del indie rock de New York de principios de los noventa para, posteriormente, ser transportado a Francia.Los picos del disco se encuentran tanto en la fórmula de urgencia que describe la banda en varias de sus letras y melodías forjadas en un húmedo y oscuro garaje de París, como en la advertencia que nos hace sobre el secuestro de nuestra existencia y la fragmentación de nuestras relaciones sociales por parte del poder económico y político del actual sistema.¿Estamos condenados a vivir en un mundo donde la libertad es meramente una fantasía o podemos escapar a los límites del control?La respuesta que ofrece la banda a esta pregunta se encuentra en su segundo disco, Alphabetical, lanzado en marzo del 2004.Luego de llamar la atención con su primer álbum y alcanzar un relativo éxito al otro lado del Atlántico, Phoenix retoma en Alphabetical un sonido más suave, más sutil y más audaz, hasta el punto de recrear ritmos del pop de los 80 para decirnos que las cosas van a cambiar, pero no precisamente para mejorar ni para el bien de todos.El negativismo crítico de la banda se hace evidente en canciones como Everything is Everything y Run, Run, Run, las cuales evidencian que vivimos en un mundo donde todo lo que creamos queda hipotecado a otros y a los intereses de otros. “Las cosas van a cambiar // Y no para mejorar // No sé lo que significa para mí // Pero no tiene remedio, no tiene remedio… // Todo, es todo // Cuanto más hablo de ello, menos lo controlo // Todo, significa todo // No puedes entender ni una palabra, ni la mitad de lo que digo // Las cosas que poseo // A veces también me poseen // Lo que me van a hacer // Creo que no hay remedio, no hay remedio”.El mensaje es claro en Everything is Everything: no somos dueños de nosotros mismos de la misma forma que no poseemos lo que producimos; lo que producimos nos posee a nosotros, somos sus esclavos.Lisztomania, la nostalgia y la vida en pareja desencantadaReconociendo su inconfundible existencia como grupo, como programadores de nuevas formas de contar (y cantar) la experiencia del mundo actual, Phoenix, además de cautivar al mundo entero en el 2009 con el álbum Wolfgang Amadeus Phoenix, también se declara en un estado de nostalgia psicológica y soledad depresiva causada por la intensidad, la precariedad de la cultura del trabajo y la sobreestimulación digital que deja absolutamente exhaustas a las personas.En la popular Lisztomania, por ejemplo, la banda expone la agonizante voz de una persona que le ruega a su pareja apartarse de los intereses que desgastan y asfixian la vida para ir más despacio a pesar del desánimo que eso pueda causar en la relación.La insistencia de uno de los dos involucrados es por detener el frenesí de ese estilo de vida que consiste en hacer de todo —y a todo momento— para luego mostrar cada experiencia en una especie de show que solo es puesto en escena para despertar la envidia de los otros y para saciar su intriga. Lo que está implícito en el disco es que en ese estado insomne y sofocante todo se vuelve algo deserotizado; desesperadamente cansados, tristes, deprimidos, cortos de tiempo, energía y atención, la pareja cada vez más demandan soluciones rápidas y efectivas para seguir con el show.Ya convertidos en “superestrellas” en diferentes partes del mundo, la banda de amigos ha dado forma a su leyenda a través de lanzamientos hostiles pero enmascarados con tonos de desenfado. En su último álbum, Alpha Zulu, Phoenix demuestra que no han perdido nada de su soberbia ofreciendo canciones que tienen tanto de atemporales y divertidas como de críticas e irreverentes.No se trata de un típico álbum de indie pop elegante, triste y sin calorías, por el contrario, hay pasajes y sonidos oscuros que llevan a la introspección.Esto, por supuesto, se logró gracias al ambiente experimental y artístico que brindó el lugar de grabación: El Museo de Artes Decorativas de Louvre.El hecho de grabar en un lugar tan lleno de historias le proporcionó a la banda la oportunidad de retomar diferentes recursos culturales, así como la inspiración necesaria para combinar la efervescencia del synth pop, el EDM y toda la energía del indie rock, pero, sobre todo, los llevó a entender que todo el arte expuesto en el museo marca perfectamente bien nuestra distancia con la utopía por un mundo de otras formas.La banda describe el álbum como una mezcla de sonidos que recrean el “espíritu extraño de Frankenstein, pero con una vivacidad irresistible y embriagadora.La canción que da título al disco, Alpha Zulu, tiene un brillo enceguecedor y conmovedor que nos recuerda que el paso del tiempo es diferente al pasado, donde el segundo —y sus promesas— aún no ha ocurrido mientras que el primero, el paso del tiempo, evidencia las fracturas tanto en las relaciones íntimas como en las ruinas del mundo.El mundo en ruinas se evoca con nitidez en la canción Winter Solstice, una de las piezas centrales y más dolorosas del disco, donde una discusión deja una estela de fragmentos difíciles de volver a unir.“Ahora es difícil conectarse // Es muy difícil permanecer // Manteniendo las luces encendidas // Obligado al pasado // Gracias a Dios conoces tus caminos // Si esta vez es verdad // ¿Por qué molestarse en sorprenderte? // Estoy tratando de ganarme la vida // ¿Es eso algo que no te importa? // Bien // ¿Alguna vez pensaste que podría haber sido en nuestra vida?”.El mundo en transformación es lo que ha intentado capturar Phoenix en cada uno de sus discos.Su preocupación central se enmarca en cómo el tiempo cambia nuestras vidas, pero además cómo el tiempo nos acecha precisamente porque hay factores irrecuperables e irrepetibles.Cada álbum se enlaza hasta formar una red de emociones que consigue frenar —o al menos disipar— el efecto destructor del tiempo y recuperar la “felicidad” del pasado a través de la memoria.Al final, y mediante una visión muy proustiana, Phoenix nos confirma que los verdaderos paraísos siempre son los paraísos perdidos.***Si quieren leer más análisis de grupos de rock, acá escarbamos en el discurso de The Cure.
El drag ha sido para muchos refugio, expresión artística, y entretenimiento. ¿Qué signifca para los asistentes de Estéreo Picnic 2023? Esa fue la pregunta de Lola Mento, la drag del momento en el festival.
Los outfits se han convertido en un elemento clave en los festivales de música, y por supuesto, Estéreo Picnic 2023 no es la excepción. ¿Cuánto gastaron en su outfit? Eso le preguntó Lola Mento a lo asistentes.
La moda es clave en el Estéreo Picnic y en cada edición del festival vemos pintas sorprendentes. Lola Mento, la diva del momento, les preguntó a los asistentes qué tendencias de moda les gustaría cancelar. ¿Cuál agregarían?
Nacido en 1990 en la pequeña localidad irlandesa de Bray, Andrew John Hozier-Byrne -más conocido como Hozier- empezó a sonar en compañía de la renombrada Trinity Orchestra de Irlanda y el grupo coral de Anúna.Sumergido en la tradición musical de su país e imbuido por las contradicciones sociales de Irlanda, Hozier debutó como solista de manera decidida en el 2014 con la canción Take Me to Church: un lúgubre sermón antigospel que evidenciaba las humillaciones y la hipocresía de la iglesia católica por medio de una voz coral corrupta e impregnada de gracia y dramatismo gótico.La canción se convirtió en un nuevo evangelio que expresaba tanto un lamento como un aullido contra la opresión institucional que viven las personas LGBTQ+.Esto le valió no solo obtener cinco álbumes platino en Estados Unidos o encabezar las listas de éxitos de docenas de países, sino que además le permitió ser reconocido como una de las voces que le canta directamente a los poderes institucionales.La rabia y romanticismoDesde entonces, la música de Hozier ha estado inspirada por la dicotomía entre la rabia y el romanticismo; la rabia que provoca el cinismo de una clase dominante que vive absolutamente cómoda mientras otros sufren; y por otro, el romanticismo que invita a expandir la mirada y a pensar en las posibilidades de concebir la vida de otras maneras.El álbum debut —homónimo— de Hozier está compuesto por una conciencia retro de sonidos del rock & roll, guitarras bluesy y melodías evocadoras del folk que resultan conmovedoras en ciertos pasajesPero lo más llamativo es su narración: sincera en cada una de las canciones que se combinan con la nostalgia del sonido del pasado y la negatividad del presente.En Angel Of Small Death & The Codeine Scene, por ejemplo, el cantautor irlandés se niega a comprar la felicidad colectiva que se vende en los centros comerciales y las sesiones de coaching que insensatamente promueven “que lo que uno piensa de la realidad es más importante que la realidad misma”.Hozier se niega a esto y, como dice en la canción a modo de lamento:Se negó a convertirse en un artista obediente que tiene que ajustar su termómetro emocional para responder a las expectativas de la industria.Su rabia y la imposibilidad de acomodarse al estado de precariedad e inseguridad que ofrece el mundo actual solo se pronunciaría más en Wasteland Baby del 2019.El álbum está compuesto por el sonido del soul oscuro, el folk discreto, las melodías espectrales del blues-rock y lo sombrío de las baladas que rozan entre la furia y la destrucción.El lenguaje de las canciones es explosivo, estremecedor, contradictorio, dramático y convulsivo. Nos muestra que es necesario que el mundo —tal cual como lo conocemos hoy— debe colapsar si queremos una nueva y mejor sociedad.En una de las canciones más fascinantes del álbum, Nina Cried Power, Hozier retorna a las figuras de James Brown, Joni Mitchell, Woody Guthrie y Nina Simone para crear un himno de protesta y recuperar el espíritu de la acción colectiva de la música.Junto a Mavis Staples —quien encarna ese espíritu de la acción— cantan con furia justiciera y agradecimiento:¡Pero no teman!No es un álbum pesimista, a pesar de que el tema se desvíe ocasionalmente hacia el fin de los tiempos, se trata de un álbum que sacude el campanario de las instituciones para llamar la atención sobre el brillo de las cosas que se proyecta en la retina de las personas sin dejarlas ver.No es sorpresa, entonces, que el artista irlandés intentara ir más allá de esa luz que brilla y enceguece buscando afectar el cambio.En su último álbum, Unreal Unerearth (2023), Hozier se apoya en algunas fuentes literarias clásicas como La Divina Comedia de Dante y The Third Policeman de Flann O’Brien para hacer un viaje extraordinario que muestra la devastación del mundo causada por el colonialismo y la locura que generó el encierro durante la pandemia.No es un “álbum pandémico”, es un disco que atraviesa los nueve círculos del infierno de la epopeya de Dante para demostrarnos que a pesar de la existencia de corporaciones, gobiernos y políticos que intentan llevar a la sociedad a la puerta del infierno siempre está la posibilidad de encontrar esas grietas que dejan ver algunas de las cosas más hermosas que lleva el cielo.***Hozier es uno de las cabezas del cartel del Festival Estéreo Picnic 2024. Acá les dejamos TODO lo que tienen que saber sobre el festival.
El Festival Estéreo Picnic, uno de los eventos musicales más esperados en Colombia, anunció un cambio significativo para el año 2024. Se trasladará, desde el campo de golf Briceño 18, al corazón de la ciudad: el Parque Metropolitano Simón Bolívar. Este cambio marca un hito en la historia del festival y promete una experiencia renovada para sus asistentes.Tras varias ediciones celebradas en el pintoresco campo de golf de Briceño 18, el Festival Estéreo Picnic busca explorar atraer a un público aún más diverso. Este parque ha sido sede de eventos emblemáticos como Rock al Parque y, desde 2022, el festival Cordillera, que culmina a la 1 am.La decisión de cambiar la locación ha sido recibida con entusiasmo por parte de los asistentes, ya que elimina las largas travesías hasta Briceño, que solían llevar entre 2 y 5 horas en el peor de los casos. El anuncio promete hacer el festival más accesible, reducir la fatiga del viaje y aprovechar la importancia del Parque Simón Bolívar, siguiendo la línea de accesibilidad que avanzaron con éxito en el festival Cordillera.La noticia ha generado expectativas positivas, pero también algunas preocupaciones. Los asistentes esperan que la Alcaldía de Bogotá garantice soluciones de transporte para una experiencia óptima en la llegada y la salida. ***Como es costumbre cada año, nos vamos de cabeza al Festival Estéreo Picnic y hacemos un especial de contenidos. Acá lo pueden visitar.
En una revelación que podría cambiar por completo la dinámica del Festival Estéreo Picnic, el alcalde electo de Bogotá, Carlos Fernando Galán, publicó un video la noche del jueves 23 de noviembre, sugiriendo que la icónica celebración musical podría mudarse al Parque Simón Bolívar en el 2024. A pesar de la falta de confirmación oficial, la noticia ha encendido la expectativa entre los fanáticos del festival.Si bien la noticia aún no se ha confirmado, la posibilidad de que el Festival Estéreo Picnic abandone su ubicación tradicional en el campo de golf de Briceño y se traslade al corazón de Bogotá ha desatado una ola de especulaciones y emoción entre los seguidores del evento musical más esperado en Colombia.La expectativa está en aumento, y , la atención se centra en Páramo, empresa organizadora del festival, y en cómo responderá ante esta propuesta de cambio de locación. La posibilidad de que el Festival Estéreo Picnic encuentre su nuevo hogar en el Parque Simón Bolívar ha resonado fuertemente entre los fanáticos, y muchos ven esto como un paso audaz y acertado.Sin embargo, no todos están de acuerdo con la idea. Un comentario en Twitter mencionó que parte de la experiencia del festival radicaba en la travesía hasta Briceño. Aunque este punto de vista representa una minoría, refleja la diversidad de opiniones sobre un posible cambio de esta magnitud.De momento, el festival no ha anunciado su ubicación para 2024, así que muchos esperan que una locación dentro de la ciudad se haga realidad.
Directamente desde la Tierra Media, llega a Comic Con Colombia Elijah Wood, quien protagonizó la saga de películas 'El Señor de los Anillos' (The Lord of the Rings), basada en la obra maestra del escritor J. R.R. Tolkien.Elijah Wood, quien interpreta a Frodo, es un actor estadounidense conocido por sus diversos roles en cine y televisión. Siendo un niño su madre decidió llevarlo a una agencia de modelos infantiles, a partir de entonces empieza a aparecer en numerosos anuncios publicitarios y a realizar pequeños papeles en televisión.Su debut en la gran pantalla tiene lugar en 1989 en la segunda película de la exitosa saga 'Regreso al Futuro'; luego participó en películas como 'El Buen Hijo' y 'Flipper'. Alcanzó la fama o reconocimiento mundial por su rol en la trilogía 'El Señor de los Anillos'.A lo largo de su carrera, ha mostrado su versatilidad en proyectos como 'Eterno resplandor', 'Sin City' y 'Wilfred'. Elijah también ha prestado su voz a personajes animados en películas como 'Happy Feet' y 'Over the Garden Wall'. Además de actuar, ha incursionado en la producción y ha estado involucrado en varios proyectos cinematográficos independientes.Alejandro Caballero- Director de Comic Con Colombia mencionó que: “es un privilegio contar con la presencia en la convención del protagonista de la saga de películas más galardonada en la historia de los Premios Oscar con 17 estatuillas y una de las mejores producciones del séptimo arte de todos los tiempos.”Además, esta es la primera vez que el actor participa en un evento en Sudamérica, donde habrá panel, sesiones de fotos y firma de autógrafos para sus seguidores.En cuanto a la participación de la estrella internacional, Catalina Chávez, jefe de proyecto de Comic Con en Corferias, resaltó que: "una de las razones por las que su participación es tan valorada es su accesibilidad y amabilidad con los fanáticos. Wood se destaca por ser muy cercano y genuino, lo que crea una conexión especial con quienes asisten a estos eventos. Su trabajo en "El Señor de los Anillos" sigue siendo muy relevante y querido por una amplia audiencia, lo que añade un valor nostálgico y emocionante a su presencia".Elijah Wood (The Lord of the Rings) se suma al actor Tom Welling (Smallville), Steven John Ward (One Piece) y Patricia Azan (South Park - Padrinos Mágicos) fortaleciendo el cartel de celebridades internacionales invitadas a la décimo quinta edición de Comic Con Colombia.La cita es en Corferias del 28 de junio al 1 de julio de 2024.
Si me preguntan que hice el fin de semana, tengo ser honesta. Me vi una película con mi mamá y las dos lloramos a moco tendido. ¿Cómo es posible que nunca antes nos hubiéramos visto Seven Pounds o Siete Almas con Will Smith? No sé. Pero sí tengo claro que fue un error garrafal (como diría mi mamá) porque es una película preciosa. A raíz de eso pensé que así como hay momentos en los que una quiere reírse y busca una comedia, hay momentos en los que prefiere un drama bien potente para llorar todo el tiempo que dure la película. Incluso después, bajo el pretexto de quedar "muy afectada con la trama". Por eso, decidí empezar una pequeña lista (que espero me ayuden a complementar el los comentarios del video) con películas perfectas para llorar que creo que algunos y algunas pueden no conocer. Acá les dejo para el fin de semana que las necesiten: cinco películas para llorar. SEVEN POUNDSEsta película cuenta la historia de Tim, un hombre que sufrió una gran tragedia y, debido a eso, decide dedicar su vida a ayudar a un cierto grupo de personas. De lo que nos enteramos al final es que su vida se terminaría en este proceso. Protagonizada por Will Smith, Rosario Dawson y Woody Harrelson, Seven Pounds se estrenó en el 2008 y es una historia de drama, suspenso y romance. Pueden ver la película en Prime Video. CLOSE Close es una de las películas más conmovedoras de A24. Fue nominada a Mejor Película Extranjera en los Oscars y, aunque no se llevó el galardón, es una historia que difícilmente se olvida. Léo (Eden Dambrine) y Rémi (Gustav De Waele) son dos mejores amigos y siempre están juntos. Cuando entran al colegio y los comienzan a molestar por su cercanía, Léo decide alejarse. Una decisión que termina desembocando en un suceso muy doloroso. La película está disponible en Netflix. I AM SAM Definitivamente, una de las películas con las que más he llorado y sigo llorando cada vez que vuelvo a verla. Sam vive con su hija pequeña Lucy. Sin embargo, un día lo contactan del estado para decirle que no tiene las capacidades para cuidar de ella por su discapacidad mental. Sam no se rinde y busca una abogada que pueda ayudarle a recuperar a Lucy. La película está disponible en Prime Video. STEPMOMUna película sobre la muerte y el amor de una mamá, protagonizada por Julia Roberts y Susan Sarandon. Jackie es una mamá soltera. Se separó de Luke, quien tiempo después empezó a salir con Isabel. Aunque a Jackie no le cae bien la nueva pareja de su ex marido, cuando descubre que tiene una enfermedad terminal entiende que debe hacer las paces y dejar a sus hijos en las manos de Isabel. La película está disponible en Netflix. PAY IT FORWARDComo propuesta para una tarea de la clase del profesor Eugene, Trevor se inventa una cadena de favores. Él ayudará a tres personas y estas personas, a su vez, ayudarán a otras tres y así sucesivamente. Gracias a esta iniciativa, la vida de muchas personas cambia. Como la de su mamá, Arlene, y la de su profesor. Sin embargo, el desenlace de la película los puede hacer llorar por horas. Pay It Forward está protagonizada por Haley Joel Osment, Kevin Spacey y Helen Hunt. Pueden verla en MAX. ***Les recomendamos ver: Las 30 mejores películas del 2023 según Shock
La agrupación mexicana, que se volvió conocida por su serie a comienzos de los 2000, anunció una gira que nadie esperaba y los fanáticos enloquecieron. RBD presentó el 'Soy Rebelde Tour' en 2023 y pasó por diferentes países como Colombia, México, Brasil y Estados Unidos. La gira se ubicó entre las 20 más lucrativas del mundo al registrar 4.436.678 dólares en costo promedio por boleto, de acuerdo con la publicación especializada Pollstar, reseñada en APAunque el regreso de Anahí, Dulce María, Maité Perroni, Christian Chávez y Christopher Uckermann logró reunir a miles de fanáticos, el final del 'Soy Rebelde Tour' estuvo marcado por acusaciones bastante agridulces.Según distintos medios mexicanos, desde hace un tiempo se está adelantando una investigación por un aparente desfalco con los conciertos. Así mismo, Guillermo Rosas fue despedido como mánager de la agrupación y todo parece apuntar a un posible fraude.Hace unas semanas el esposo de Maite Perroni, Andrés Tovar, confirmó que se estaba llevando una auditoria de las cuentas de todos los miembros de RBD. “Hay un faltante en lo que se dice que entró o lo que el tour generó de ganancias a lo que ellos han recibido”, afirmó Tovar al programa mexicano 'Ventaneando'.“Hay una auditoría en curso. Están revisando todo el tema interno del out y también están considerando hablar con las empresas involucradas para ver el asunto de los recursos, ¿dónde están?, ¿cuánto es?”, agregó.De igual forma, el programa 'Acércate Roció' aseguró que todos los integrantes están llevando a cabo el proceso con el mismo abogado y que, para llegar a la solución de este, deberán esperar varios meses por la magnitud del caso.“Cada uno de los RBD tiene abogados independientes... pero hay un abogado estadounidense que se contrató para revisar, ya que el tour -la compañía, de hecho- que ellos formaron está en Estados Unidos y bueno, él está haciendo las gestiones necesarias para revisar que todos los números estén en orden; revisar todos los contratos y todo lo que haya que hacer”, dijo el conductor del programa.Por otro lado, la relación de los integrantes se ha visto perjudicada. Muchos fanáticos notaron la ruptura en la amistad de los RBD luego de que ninguno felicitara a Anahí por su cumpleaños. Las teorías sobre lo ocurrido aumentaron luego de que Anahí felicitara a Rosas, señalado de desfalcar milenariamente al grupo, por su cumpleaños. Sin embargo, Manuel Velasco, esposo de la cantante y actriz, salió a desmentir cualquier relación entre ella y el ex mánager.También confirmó que los primeros resultados de la auditoría han arrojado algunas inconsistencias. ¿Qué dice Guillermo Rosas del desfalco a RBD?Por su parte, Guillermo Rosas se pronunció ante las acusaciones, luego de que Dulce María saliera a confirmar en televisión nacional las inconsistencias financieras de la gira, y afirmó que ni él, ni su empresa, T6H Entertainment, tienen que ver con el supuesto defalco.Mediante un comunicado en su cuenta de Instagram, Rosas señaló: “Puntualmente aclaramos por este medio, que de ninguna manera y en ningún momento, ni T6H Entertainment, ni Guillermo Rosas, ni ningún empleado de la empresa, desvió ningún tipo de dinero de ‘Soy Rebelde Tour’. Tampoco participó en ningún tipo de desfalco de ninguna índole, como algunos medios han sugerido”.El comunicado también aseveraba que T6H Entertainment sólo manejaba menos del 10% de los ingresos totales del tour, los cuales usaron “principalmente durante la etapa de pre-producción para la realización” de los conciertos.Fue Souls Productions Inc., compañía de los integrantes de RBD, la encargada de administrar el resto de ingresos de la gira. Finalmente, confirmó que se realizó una primera auditoría en Nueva York en la que, supuestamente, se confirma su inocencia. Sin embargo, ambas partes han aceptado una segunda auditoría para confirmar la información encontrada.
Francis Ford Coppola intentó besar a varios extras en el set de 'Megalópolis', según afirma un nuevo informe de una de las varias acusaciones formuladas contra el director de 85 años antes del debut de la película en el Festival de Cine de Cannes el pasado 17 de mayo.Según el informe de The Guardian, Coppola era conocido por atraer mujeres a su regazo durante la producción de la película, entre otros comportamientos. El apartado del informe dice: "Varias fuentes también sintieron que Coppola podría ser de la 'vieja escuela' en su comportamiento con las mujeres."Por ejemplo, supuestamente, obligaba a las mujeres a sentarse en su regazo. Y durante una escena de bacanal en un club nocturno que se estaba filmando para la película, dicen los testigos, Coppola entró al set e intentó besar a algunas de las extras femeninas en topless y con poca ropa. Al parecer afirmó que estaba “tratando de ponerlas de buen humor”.El coproductor ejecutivo de 'Megalópolis' defendió a Coppola en un comunicado enviado a IGN, describiendo en un momento lo que llamó el deseo del director de "inspirar y establecer la atmósfera del club, que era tan importante para la película".El resto del comunicado cubre la tensa producción de 'Megalópolis', que fue concebida por primera vez hace casi cincuenta años en 1977. Coppola, que ha trabajado en obras icónicas del cine como la trilogía El Padrino, gastó 120 millones de dólares de su propio dinero para hacer la película, que está protagonizada por Adam Driver como César Catilina, un arquitecto visionario que intenta construir una utopía.Así mismo, detalla cómo Coppola se vio obligado a cambiar a la tecnología de pantalla verde después de supuestamente decir que no quería hacer una película de Marvel y cómo en un momento la mayoría de los equipos de arte y efectos visuales abandonaron la mitad del rodaje. Megalópolis es comparada repetidamente con 'Apocalypse Now', otra famosa película de Coppola que tuvo problemas durante la producción. Según se informa, el producto final fue descrito por un ejecutivo que vio la película como "una locura", aunque otro espectador aparentemente dijo que era "como Einstein y la relatividad en 1905, Picasso y Guernica en 1937: es una fecha en la historia del cine".Aún no se tiene una fecha de estreno para 'Megalópolis' en América Latina, pero se espera que llegue a salas de cine a finales de 2024.
Después de confirmar su show en el Movistar Arena de la Ciudad de Buenos Aires, CA7RIEL y Paco Amoroso anunciaron la gira de presentación de su primer disco juntos: 'Baño María'.En un tour que tendrá más de 30 shows en 14 países de América Latina y Europa. El 22 de agosto en Córdoba (Argentina) será el primer show de la gira del dúo que durará todo el año, con el 14 de diciembre en Granada (España) como última parada hasta el momento. En el medio, CA7RIEL y Paco Amoroso tendrán presentaciones en más de 10 ciudades argentinas y países como México, Colombia, Francia, Alemania, el Reino Unido y más.El dúo llevará a cada escenario su propuesta visual, que se convirtió en complemento clave a la hora de plasmar el concepto del disco. Desde la presentación en Lollapalooza Argentina en donde convirtieron su show en una listening party con ellos dos en un jacuzzi, a la publicación del shortfilm y cada videoclip o story de Instagram. Sobre 'Baño María''Baño María' es el primer disco en conjunto de CA7RIEL y Paco Amoroso. Celebrado por los fans como uno de los lanzamientos más esperados del año, el álbum está conformado por 12 canciones que pasan tiene de base la música electrónica pero con sonidos que van desde el dembow de “DUMBAI” al pop raver de “SUPERSÓNICO” ft. LALI, o el r&b con base Drum & Bass de “BABY GANGSTA”, o el EDM industrial de “LA QUE PUEDE, PUEDE”.Además, 'Baño María' cuenta con un short film de 10 minutos que fue presentado el martes 9 de abril en el C Complejo Art Media de Chacarita, en exclusiva para sus fans. El cortometraje, con dirección creativa de Terrivle y dirección de Brian Kazez (Pantera) muestra a CA7RIEL y Paco Amoroso en un día completo de gira y bajón por Buenos Aires.¿Quiénes son CA7RIEL y Paco Amoroso?CA7RIEL y Paco Amoroso, quienes se conocieron en el colegio y conformaron primero una banda de tras metal, delinearon su marca de estilo a partir de una combinación que tiene al trap, el rock y la música electrónica como principales ingredientes pero que puede sumar sonidos de cualquier lado para dar con una estética maximalista, que desde lo visual se complementa con vestuario, videos, imágenes y una performance tan intensa como sus canciones. Una suerte de híper todo en el que conviven pasajes de rock progresivo con imágenes kitsch de la cultura popular.En 2019, el dúo irrumpió en la escena sin pedir permiso, y los lanzamientos de “Jala Jala”, “OUKE” y “OLA MINA XD” se convirtieron en éxitos instantáneos al borde de lo bizarro, pero también de lo experimental.La pandemia y los proyectos solistas pusieron pausa al trabajo en conjunto de ambos, que retomaron en 2022 con más shows y más singles. Este año, entonces, los tiene en actividad y con novedades. El lanzamiento de BAÑO MARÍA, sus singles y su presentación en vivo marcarán la agenda del dúo este año.