Incitado por una excesiva ingesta de rock, ska, punk y música tropical, el guitarrista y cantante José Rebimbas armó la banda Cielito Drive en Barranquilla hace ya más de 10 años, debutando con el demo Demito Suave- Pregón Caribe con feeling para ti, que los puso en el radar de la música alternativa local. Vinieron luego los trabajos: Viajero (2010), producido por Richard Blair (Sidestepper), del que temas como Astronauta y Esperanza resonaron en la radio; y Paisajes (2013), grabado en vivo bajo la producción del grupo, que retumbó en el dial los sencillos Ama y Fuera del Tiempo. Además, otros de sus cortes, In Dubs y Los Procesos, hicieron parte de la música de la serie infantil animada nacional Los Cuentos del Abuelo (del barranquillero Carlos Julio Ardila) y la canción Chi-Key, fue incluida en la banda sonora del corto colombiano Contigo, que rodó en varios festivales. La agrupación, explosiva en concierto, con mucho power, engachó buena cantidad de adeptos, que fieles, los siguieron y esperaron por nuevas dosis sonoras. Hoy, los Cielito Drive dando una mirada atrás, pero saltando airosos hacia el futuro, estrenan su disco Pasado Prometedor: una placa grabada en bloque en la que reinterpretan las canciones del demo con el que iniciaron su carrera, y que incluye una nueva canción guitarrera, con elevada potencia, que muestra un engranaje sólido, con mucho kilometraje a cuesta, que funciona hurgando en las entrañas del sonido y botando todo el calibre. Con el bajista Diego Vilabona, el baterista Mauricio Barranco, José Ignacio De Castro en la guitarra, el percusionista Camilo Romero, Cristian López en los teclados y la voz y guitarra de Rebimbas, Cielito va para arriba. “La banda con el paso de los años ha madurado sobre todo el sonido en vivo. En nuestro primer EP y en el segundo disco, nos dimos libertad de explorar mucho con la síntesis y estilos de géneros, y las maneras de componer. Este año cumplimos 13 años de carrera y no han pasado en vano, hemos crecido mucho musicalmente, y tenemos bastante trabajo en pre producción, material de lo que serán nuestros próximos discos. Pasado prometedor es una deuda que teníamos con nuestro repertorio y con el público que nos conoce y sigue desde los inicios, sobre todo con el público de Barranquilla y del Caribe que se siente más identificado y conectado con canciones como: ¿Quién tiene la pelota? , Uhh shala lala, Hoy y 100 pesos, clásicos de nuestro repertorio que materializamos ahora para así, seguir creando. Este disco es una oda a nuestro pasado que siempre nos acompaña y nunca pierde vigencia, y un cierre de capitulo e inicio de un futuro con nueva música”. Le dimos play con José a tres canciones de Pasado Prometedor Cuarto Es el único tema nuevo de la producción. Lo compuse con un amigo que estuvo al inicio en el proyecto, Jorge ¨Yoryi¨ Quintero. Habla sobre ese espacio que representa un escape, el universo paralelo que creamos en nuestro espacio personal y la alegría que representa llegar de un día ajetreado a descargarte o relajarte en tu cuarto o a no querer salir de él. ¿Quién tiene la pelota? Es una sátira - critica a la corrupción en el país y a cómo a pesar de todos los problemas que genera esa problemática mucha gente sigue tragando entero o están desinformados sobre lo que pasa en Colombia con la política. 100 pesos Es uno de nuestros himnos más importantes que dice: ¨to’ los años todo sube cien pesos, todo sube cien pesos to’ los años¨. Es otra crítica a cómo de a cien en cien, cada vez se hace más complejo el asunto económico en el día a día. Rebimbas, hiper activo, además de lanzar su álbum con Cielito Drive, hace música con la banda Camello Feo, produce en la actualidad nuevos artistas como René Mazzilli y una recopilación llamada Tutti Fruty vol1 – a salir en mayo- que incluirá sonoridades alternativas del Caribe. Por estos días, el músico presenta su proyecto solista como José Reb. Un trabajo que arranco hace 5 años y que ha desarrollado de manera intermitente, apuntado a plasmarse en el disco Una vida, que será su primera placa en solitario luego de 15 años de carrera, y que contará con 10 canciones que echan mano del pop, swing, rock alternativo, reggae y bolero, para cantar entre otras, al amor, desamor y la cotidianidad. “He venido trabajando de la mano de dos productores que quiero y admiro: Carlos Polanía que está en Bogotá, y Cristian López, en Barranquilla. También, acompañado de una banda fantástica que está conmigo en vivo y que ha enriquecido con su talentos y buena vibra el proyecto: en la batería y percusión, Camilo Romero, en el bajo, Orlando Jiménez (ambos de la banda Tubará), y en los metales Anna Mile Cabrera y Andrea Castel. Este proyecto es el resultado de mi constante pasion por componer, crear y producir musica y estoy muy contento por el feedback que ha tenido con el público. Tengo mucha material en pre producción que iré sacando poco a poco. Póngale oído a Jose Reb: Esta soledad Una vida Fuzil
Desde sus comienzos La Pestilencia nos ha acostumbrado a darnos canciones que hablen sin pelos en la lengua de un país herido, de nuestra historia y también del oscuro presente y esta vez no es la excepción. Ya nos empiezan a dar pistas de lo que será su álbum País de Titulares y lo hacen con Les vale huevo, una protesta clara ante la época de polarización y de poco compromiso de los políticos hacia buscar el bien común y no el de cada uno de ellos. Abramos los ojos Colombia: más de medio siglo y seguimos en las mismas" sentencia Dilson Díaz, vocalista y fundador de la banda, al preguntarle sobre Les Vale Huevo. Así se sigue calentando el ambiente para uno de los discos más esperados del 2018, un séptimo álbum de estudio del cual ya se conocen las canciones El muro hay que romperlo y Qué buen ciudadano soy. Ahora se suma Les Vale Huevo, en un disco que tiene en su ADN el inconformismo ante la situación actual en nuestro país y dirigido a la clase gobernante en todas sus instancias. En País de Titulares, quieren hablar de frente y agresivamente de cómo se está interpretando la información, cómo se toman decisiones trascendentales por una pequeña frase puesta en redes sociales, cómo nos siguen engañando los políticos y cómo, estos últimos, se aprovechan de nuestras necesidades y más profundos anhelos. El disco fue grabado en los estudios de esta agrupación en Los Ángeles (California) y en sus créditos se encuentra Nicolas Essig quien ha participado en la mezcla, ingeniería y producción de artistas de renombre como Paul McCartney, Rammstein, Coldplay y Lana del Rey; la mezcla del audio y así como la grabación las voces se realizaron en Lurssen Mastering.
Cerebro de Rompefuego, Andrés Meza, músico y especie de youtuber, a quienes muchos vieron en redes interpretando personajes, cambiando las letras originales de sus composiciones y adaptándolas a temas de la actualidad; cantando sobre el Fenómeno del Niño, los “útiles inútiles”, el meme de Travolta, la prevención del Zica, los panas venezolanos, los viejos verdes en las busetas o el acuerdo de paz, debutó con el disco El Culebrero (2016), que es pura candela y remedio para el desaliento. Un menjurje con sonidos afro latinos, metal, rap, punk y aires llaneros. El álbum incluye seis canciones armadas de humor y crítica que incita reflexión y reacción: un corte homónimo lanzado con lyric video con la participación de John Frady G “El man de la banderita” (reconocido personaje en Bogotá), temas con cuerdas potentes y volada percusión como Voy con toda o Pibes Way, para brincar hasta el techo, y la bella canción El llano volverá, un canto a la tierra, a la lucha, para recordar la copla legendaria y un anhelo de paz. Con cara de Almanaque Bristol, y la consigna de “no mirar pa atrás ni pa mirar la pisada”, hoy Rompefuego va incendiando. Fueron una de las bandas finalistas en el Shock Fest Bogotá y no podían quedarse por fuera de nuestras apuestas del 2018. Por: Jenny Cifuentes @Jenny_Cifu Cuéntenos cuáles son sus propuestas para hacer que su género se fortalezca Propongo seguir levantándome todos los días de la vida a hacer música más sincera, más real. A hacer un mejor show. A ser un mejor músico. A buscar nuevas y mejores formas de comunicar con la gente. A dejar de quejarme para entender que soy el único responsable de mi destino y que ante la crisis, la única forma de fortalecernos es primero fortalecerme. Uff como que muy intelectualoide eso... ¿Sí o qué? Mejor dicho: No hablar tanta miscuisca y hacer más. Nombre 5 problemáticas que identifica en la industria musical colombiana Desde mis zapatos sería muy descarado sentarme a echar culpas. Si Rompefuego no vende o no funciona es por culpa mía. Y tengo la fuerte impresión de que si el rock colombiano no vende o no funciona es por culpa nuestra. Si no me cree, haga el experimento. Vaya un día a un festival y compare el nivel de los grupos de rock colombianos, - con algunas excepciones-, con los otros grupos. Si estamos jodidos es por malos, porque no le damos al público algo por lo que valga la pena pagar. ¿Cuál sería su compañero de fórmula o vicepresidente? (en otras palabras, el featuring para ganar) Juemáchica, yo desde que estoy chiquito soy hipermegarecontra fan de Odio a Botero. Si René se volteara al menos pa’ escupirme, ya ese sería el featuring de la vida. Si pudiera ser un vicepresidente extranjero escogería a Nuestro Señor todo poderoso creador del cielo y de la tierra, Steven Wilson. ¿Cuáles cree que son los mayores errores que se han cometido en su género? Yo estoy en esta vaina desde hace ratico ya. He tocado en muuuchos géneros y con mucha gente y me he dado cuenta de algo muy sencillo: Le va bien al que mas camella. Sin excepciones, en todos los géneros. Si usted se esfuerza y hace dos canciones por semana y ensaya todos los días, en un año va a tener 104 canciones y una banda que se le para en cualquier tarima y le rompe la pinga a todo el país. El error es que somos unos flojos. El error es que nos encantan las excusas. El error es que pensamos que ensayando una vez por semana, un par de horitas y haciendo seis canciones al año (mi caso, por ejemplo), vamos a poder vivir de esto, y hacer algo que valga la pena. Ayyy, pero es que hay que vivir de algo y no me queda tiempo; Ayyy, pero es que no tengo plata; Ayyy pero es que me tengo que ver con mi novia. Amigo músico: vaya y véase con su novia, pero después no venga a decir que todo es culpa de reguetón. ¿Cómo enmendarlos? Amigo músico haga el experimento: ensaye durante un mes todos los días y reúnase con sus amiguitos a hacer dos canciones por semana. Después me cuenta por inbox si le estoy hablando boñiga o no. Yo en una época de desempleo trabajé en Rompefuego todos los días cinco horas durante cuatro meses y logré más que en toda mi vida haciendo música. ¿Cómo construye paz desde la música que está haciendo? A riesgo de sonar un poco “Ricardoarjonesco” les digo dos cosas: Si no estoy en paz conmigo mismo va a ser imposible hacer la paz con los demás. El futuro del país está en nuestras manos, si cada uno asume la parte de responsabilidad que le corresponde podremos llegaremos al fin al siglo XXI. De eso habla Rompefuego (cuñita publicitaria pa´ invitarlos a ver los videos que hacemos) ¿Su carrera está en pro de la legalización? Sí, claro. Al final todos somos chinos chiquitos y no hay nada más sabroso que lo prohibido. ¿Hay alguna causa política con la que se sienta comprometido directa o indirectamente? Al sol de hoy me gusta Fajardo, creo que la educación es la única que puede salvarnos del tierrero en el que estamos, pero la política - y la vida-, da muchas vueltas. Esperemos a ver qué pasa en la campaña. ¿Cuáles son sus planes para este 2018? No hablar tanta miscuisca y hacer más. ¿Va a seguir subiendo a Facebook esos clips que hacía? Este año no he hecho, pero voy a retomar. Estoy planeando cambiar un poco el formato, darle vuelta, pero voy a seguir dándole.
Tres décadas con el puño en alto, botando material inflamable punk en sus discos, y siguen sacudiendo oídos atentos y conciencias adormecidas. Son I.R.A., padres del punk colombiano que celebran tres décadas de carrera con un tributo hecho por sus discípulos. Por: Jenny Cifuentes // @Jenny_Cifu Fotos: Luis Bernardo Cano // www.instagram.com/luisbcano BATALLÓN I.R.A., 30 AÑOS EN PIE Con la cresta parada, las botas puestas, aguante, autogestión y miles de soldados que engrosan su “batallón” –nombre con el que se ha enlistado su público–, I.R.A. celebra tres décadas de resistencia. La banda de Medellín, responsable de una gran porción del punk nacional, lleva 32 años batiéndose en las tarimas, activando el pogo y siendo proveedora de canciones de acero inoxidable que además de diversión y juerga, con letras punzantes y bofetadas de sonido, han narrado a ras de suelo la historia de su ciudad y del país. Han denunciado la violencia, la miseria, la corrupción y otros males que aún, poco más de tres décadas después de su nacimiento, siguen azotando a Colombia. Su repertorio ha taladrado fuerte en las cabezas de músicos de nuevas generaciones que hoy los citan como influencia. Por eso 22 agrupaciones se reunieron para homenajearlos en un álbum doble que se empezó a gestar desde 2015, y que hace poco vio la luz con el título Batallón I.R.A, 30 años en pie. Treinta y dos canciones de la banda, versionadas por grupos como Antised, Herida de Guerra, Los Crespos, Cinco Sentidos, Japy Lora, Grito y dos temas anteriores que I.R.A. grabó de nuevo, engrosan esta producción que se lanzó el pasado 4 de febrero en Medellín. “Hace dos años, cuando se celebraron tres décadas de I.R.A., Simón Hoyos de la escena hardcore, cabeza del sello Del Carajo, se acercó a nosotros y nos mostró la propuesta de un disco tributo con agrupaciones de hardcore y de punk de Medellín y del Eje Cafetero que decían ser muy influenciadas por I.R.A. Nos sentimos muy halagados y ayudamos en lo que nos pidieron. Fuimos responsables de la escogencia de las canciones y elegimos buscando que no fueran las mismas que han aparecido en varias recopilaciones. Como Simón y su equipo buscaban que el trabajo tuviera un sonido unificado, todas las agrupaciones grabaron en un mismo estudio. Nosotros también grabamos allí los cortes Infexión Respiratoria Aguda y No te seguiré. Pensamos que todos hicieron un gran trabajo. Incluso nos sorprendieron muchas de esas reinterpretaciones. Por ejemplo hubo una hasta con trompeta que es muy inusual para el punk. Lastimosamente varias bandas que querían participar del disco se quedaron por fuera, había muchas. Cómo sería que Simón iba a hacer un solo disco y terminó siendo doble. Estamos muy agradecidos. En el lanzamiento hicimos un show. Estuvieron en vivo Los Crespos y Comandante Cobra y, además, hubo un grupo de base en el que rotaban músicos de las bandas que participaron del homenaje. Estuvo muy bueno. El sello Del Carajo, está haciendo envíos del disco a todo el país para quien lo quiera, y en Bogotá está en las tiendas de la 19”. 5 CANCIONES VERSIONADAS EN BATALLÓN I.R.A, 30 AÑOS EN PIE, SEGÚN I.R.A. Mi punk amor “El tema rompe esos esquemas cuadriculados del punk. Los estereotipos de que si uno es punk no se puede enamorar ni hablar de amor. La hizo Viola, él grabó todo: guitarra, bajo, batería y la cantó. Habla del amor real, del de socios, el de todos los días. Quiebra moldes, y los punk que la oyen piensan: ‘ah, entonces sí se puede hablar de amor en el punk’. Hay parejas que se casan en nuestros conciertos con esa canción. Nos dicen ‘nos vamos a casar en su concierto cuando toquen ese tema, anúncienlo con el micrófono’.” Batallón I.R.A. “Es la que la gente canta siempre. En las presentaciones los asistentes hasta empiezan a cantarla solos. Si no se toca esa, no hay show. Para nosotros el ‘batallón’ es la gente de nuestro parche.” Sepultado “Habla sobre la muerte de alguien cercano. De cuando hay un duelo fuerte por alguien que muere, pero que cuando estaba vivo éramos indiferentes a él o lo ignorábamos durante mucho tiempo aunque lo quisiéramos, y cuando fallece el dolor es tenaz. La canción nació cuando murió el padre de Mónica.” Firmes “La que arma el pogo. También una de las infaltables en los shows.” Atentado Terrorista “Nosotros fuimos adolescentes que vivimos de cerca el terrorismo en Medellín. Una vez al frente de la casa de Viola pusieron una bomba. En ese tiempo pasaban Los Pitufos en televisión y Viola al respecto decía: ‘nos dejaron una sorpresa pitufa’, que era como lo malo que les dejaban a Los Pitufos en la serie. Por ese hecho y toda la situación que se vivía entonces, salió la canción”. I.R.A.: LA ANTI LEYENDA “En los años ochenta, época peligrosa, una macabra violencia está azotando la ciudad. Bendiciones de madres en la puerta de casa, con pánico de salir y no volver nunca más. Había pocas opciones, esconderse o disparar, ser de la clase obrera o de la clase criminal”, vocifera I.R.A. en su canción Los Ochentas. Es una descripción de una época nefasta en la que se vio al país sumido en el caos y la barbarie azotado, entre otros, por los carteles del narcotráfico, el terrorismo, el exterminio de líderes políticos, la corrupción de estamentos gubernamentales y en la que Medellín además fue epicentro de cruda violencia. En esos tiempos David Viola y tres amigos más eran adolescentes amantes de la música que les llegaba en vinilos y casetes, contagiados por el metal y el punk, que se cuadraban en las esquinas a “escuchar grabadora”. En el 85 armaron una banda que un año después mutaría a I.R.A. Componían canciones en guitarras acústicas para protestar a golpe del tu-pa-tu-pa-tu-pa de una batería hechiza y debutaron grabando sin tener idea, pero la lograron. Como suele suceder con los años algunos se fueron. Hubo varios cambios, desde el significado de sus siglas (que de Ideas de Re-evolución Adolescente, evolucionó a Infexión Respiratoria Aguda) hasta su formación: que se consolidó con Mónica Moreno en la batería, Duván Ocampo en el bajo y Viola en la voz y guitarra. Con sudor, perseverancia y más de una decena de trabajos como Crónicas de una década podrida (1996), Décadas de Libertad (2005), Firmes (2009) o I.R.A Pura (2014), los miembros de I.R.A han propagado punk por toda Colombia. Han girado por Suramérica y Norteamérica, donde tocaron tres ocasiones en el legendario bar neoyorkino CBGB (templo del punk donde emergieron The Ramones), o en la tarima de The Gilman en Berkeley, cuna de bandas como Rancid. Su rastro, además de sonoro, está consignado en tres libros escritos por Viola: La Anti leyenda, publicado para los 15 años de la banda; Punk Medallo, que habla sobre la escena punk local vista desde I.R.A; y Aguante IRA, 30 años de Punk editado para la celebración de su aniversario número 30. Hoy, con respeto pero sin nostalgia, ven el pasado, otorgando valor a muchos músicos que como ellos despejaron un camino que llevó al surgimiento de festivales y cientos de agrupaciones nacionales. “El punk en Colombia arrancó como desde el 82. En Medellín había bandas guerreando. Eran pelados que no querían estar en la violencia sino ser parte de un grupo musical y, obvio, empezaron imitando grupos de afuera. En ese tiempo acceder a la música era un lujo. Quien tuviera una guitarra eléctrica era alguien muy privilegiado y el que tuviera acceso a la música y a los estudios de grabación era una persona rara. Eran condiciones muy precarias desde el punto de vista técnico, sin formación musical de escuela. Se vivía el imperio del ‘hazlo tú mismo’. Y aunque no tuvieran mucho, armaban sus bandas. Lo más destacable era su autenticidad y su fuerza expresiva. Eran músicos de puros verracos de ‘no me quiero ir de ingeniero, ni tampoco me quiero ir a participar de la guerra. Yo me voy a poner a tocar aquí aunque no sepa’. Entonces eran grupos muy auténticos cargados de mucha realidad, con letras sociales, admirables en ese aspecto. Fueron los primeros en denunciar. Unos años luego vinimos nosotros.” “Hace poco vimos un artículo en redes que decía El punk tenía la razón. Todo lo que las bandas de punk dijeron en los 80 es lo que hoy denuncian la Comisión Interamericana de Derechos Humanos, la ONU (Organización de las Naciones Unidas) y otras organizaciones. En esa época tanto que nos jodieron, y ahora resulta dizque teníamos la razón.” “Viola ha hecho casi el 90 % de las canciones de I.R.A y con esas letras se adelantó a lo que sucede en esta época. Todo lo que se decía sobre los impuestos, el medio ambiente, la decadencia, la guerra, la corrupción, la familia, era mal visto en ese tiempo. Nos calificaban de revoltosos y eso es lo que ahora todo el mundo está expresando. El punk profetizó. Y de esos grupos de los 80 que profetizaron sólo un par han seguido tocando sin pausa por más de treinta años, uno de ellos, I.R.A. Pero todas esas bandas que abrieron un territorio agreste dejaron sus discos, sus expresiones estéticas y fueron inspiración para la gran escena que hay ahora. De ahí se motivaron muchos muchachos a hacer sus movidas. Una prueba es ese disco homenaje a I.R.A. Incluso, a bandas de esa época les han hechos discos tributo, como diciendo: reconocemos que ustedes iban adelante y han sido influencia en nuestro trabajo”. BOTAS DE HIERRO Ha pasado mucho tiempo desde que la furia punketa y crestuda de I.R.A explotó, pero su fuerza musical no para. Una vez alguien en sus redes, a una foto de la banda, le adjuntó el comentario: “botas de hierro”. Les pegó tanto que así se va a llamar su nuevo disco que saldrá al mercado este mes. Es el número 13 en su expediente, prensado en Estados Unidos y editado en vinilo. “Tiene temas nuevos, también dos canciones que se volvieron a grabar porque resultaron muy importantes en otros álbumes pero no están en vinilo, y para la movida en Europa y Norteamérica ahora es muy importante tener el material en ese formato. Además dos bonus track que no quisimos volver a grabar porque como quedaron inicialmente es que nos gustan: Sepultado y Mi Punk Amor. Vamos a lanzar el disco en Norteamérica y luego iniciaremos una gira por Colombia”. Con hazañas elevadas al cuadrado y un ‘batallón’ de adeptos que se multiplica, I.R.A sigue firme. Como dice uno de sus himnos “siempre marchando, y bien parados, no de rodillas, todos de pie”
Sin duda, Los nadie es una de las sorpresas del cine nacional este año. Llega a salas el 15 de septiembre y brilla por su simplicidad en blanco y negro. Por @chuckygarcia Lo primero que se le viene a uno a la cabeza cuando está viendo Los nadie es Rodrigo D No Futuro, la película de Víctor Gaviria que hace un cuarto de siglo retrató la cotidianidad de un grupo de jóvenes paisas entre el vaivén del sicariato, la pobreza y el punk (que se abría paso en una incipiente y subterránea movida musical en la cual el metal comenzaba a imponerse). Bastante agua ha corrido bajo el puente desde entonces, aunque no parece, las comunas, lo marginal y el no futuro parecen seguir siendo los mismos contextos por donde se mueven los personajes de Los nadie, aunque algunos de ellos estudian, tienen padres que los apoyan y le sacan el cuerpo a cualesquier ápice de violencia, incluso a las revueltas universitarias.
David Viola y Mónica Moreno tomaron las riendas al 100% de su nueva producción. Su nueva canción, ‘Esqueletos’, viene acompañada con el primer video de la banda hecho totalmente DIY, o sea, “Do it your self”. Todo lo hicieron ellos de manera independiente bajo el sello TKG Films.El lanzamiento oficial del video será el 28 de julio, pero la obra ya está rodando por Youtube. Denle play aquí a abajo a lo nuevo de la vieja guardia del punk colombiano, de Infeccción Respiratoria Aguda, mejor conocidos como I.R.A
Chismes calientes de Iggy Pop, Patti Smith o los Sex Pistols, la biblia que contiene todos los secretos y las historias del género y hasta un análisis de la evolución de la estética punk hacen parte de lo libro que todo punkero (o wannabe punkero) debe tener. Por: Juliana Abaúnza // @julianaabaunza Please Kill Me: The Uncensored Oral History of Punk – Legs McNeil & Gillian McCainLa biblia del punk cumple 20 años este año y todas las personas que son fanáticas de este género deberían leerlo al menos una vez en la vida. Este libro reúne muchas entrevistas y testimonios de los protagonistas de la historia del punk en la Nueva York de los años 70. Lea sobre las aventuras de Dee Dee Ramone como prostituto en la esquina de la calle 53 con avenida 3ra o ríase en voz alta con las historias de drogas y sexo de Iggy Pop, como la del día que se dio cuenta de que Nico le había pegado gonorrea. Este libro tiene fotos y las historias más sórdidas, hedonistas y excesivas contadas por la gente que se inventó el punk. Le aconsejamos leer este libro mientras oye álbumes de The New York Dolls, Iggy & The Stooges, Patti Smith, Richard Hell, The Heartbreakers y obviamente de los Ramones. Just Kids – Patti SmithEn esta autobiografía, la madrina del punk cuenta la historia de su relación con el artista y fotógrafo Robert Mapplethorpe además de su transformación de poeta fanática de Rimbaud a ícono del punk. Patti Smith es una de las protagonistas de “Please Kill Me” pero si usted quiere profundizar más en su historia y entender a esta vieja tan fascinante, lea este libro. Le aseguramos se va a sentir inspirado a pararse del sofá y hacer algo con su vida después de leer esta historia de dos chinos jóvenes que intentan encontrar sus voces creativas en una ciudad en la que al mismo tiempo estaban pasando mil cosas más. I Dreamed I Was a Very Clean Tramp – Richard HellOtra autobiografía para la lista. Ahora es el turno de Richard Hell, una de las figuras más importantes del punk aunque no sea tan famoso como muchos de los músicos a quienes él inspiró. Los Sex Pistols, por ejemplo, no habrían sido lo mismo si no hubiera sido por el ejemplo de Hell, quien con su actitud nihilista, sus camisetas rotas, su pelo parado y su “Blank Generation” les dio un modelo a emular. England’s Dreaming – Jon SavageAsí como “Please Kill Me” se enfoca en la escena niuyorquina, este mamotreto (es bien largo, le advertimos) se enfoca en el punk del Reino Unido y en los Sex Pistols. Está escrito desde una perspectiva académica no-mamerta sino divertida. Savage, un buen escritor que además es fanático del punk, cuenta la historia de la banda que no solo cambió la música inglesa sino que cambió la historia del país para siempre. Rotten: No Irish, No Blacks, No Dogs – John LydonYa que estamos hablando de los Sex Pistols, incluya en su biblioteca punk el libro escrito por el cantante de la banda. Con esta autobiografía, Lydon nos recuerda por qué la mejor palabra para describirlo es “showman”. Como si autor, este libro es elocuente, chistoso y ofende a todos los que se le cruzan por la memoria: desde Margaret Tatcher hasta a sus compañeros punkeros. A Riot of Our Own: Night and Day With the Clash – Johnny GreenJohnny Green era un fanático de The Clash que terminó convirtiéndose en su tour manager y escribió este libro en el que cuenta sus recuerdos de la época. Después de tres años de andar con la banda, Green lo vio todo. Si quiere saber qué tal era ir de ciudad en ciudad con Joe Strummer y Paul Simonon, este es el libro para usted. Punk: Chaos to Couture – Andrew Bolton, Richard Hell, Jon Savage & John LydonUna de las cosas más interesantes del punk es la importancia de la ropa, el pelo, las joyas. Desde que nació, este género que se convirtió en movimiento tuvo una influencia explosiva en la moda. Este libro analiza el impacto que la estética punk ha tenido en la moda desde los 70. ¿Cómo puede algo tan refinado como la alta costura incorporar un movimiento que habla de caos, anarquía, rebelión, hostilidad y violencia? Lea el libro y entérese. Al final terminará con ganas de rasgar, cortar, llenar de taches, cierres, ganchos y cuchillas toda su ropa. What is Punk?” – Eric Morse & Anny YiSi usted tiene una hija, un hermanito, una sobrina o es padrino de el hijo de alguno de sus amigos, le recomendamos regalarle este libro para niños apenas pueda. “¿Qué es el punk?” es una pregunta que todos nos hemos hecho en algún momento de nuestras vidas y nunca es demasiado temprano para saber la respuesta. No sabemos si lo mejor es la historia en verso de la historia del punk o las ilustraciones hechas con Play-Doh que muestran cosas tan emblemáticas como la parte de afuera de CBGB o a Iggy Pop haciendo crowdsurfing.
Una extraña y poderosa colisión entre diversos géneros musicales, discursos políticos y contextos históricos engendraron la vasta y multiforme escena que es hoy el hardcore bogotano. No es gratis que desde el Rock al Parque del 99 las agrupaciones que abrieron campo a esta movida sigan siendo, año tras año, actos imprescindibles en la programación del festival. Los circuitos de la capital crecieron a pulso y a punta de autodeterminación. Por Fabián Páez López @Davidchaka Fue justo en 1999 cuando vinieron por primera vez a Rock al Parque bandas tan peculiares como Shelter (Estados Unidos), que hacía hardcore-punk influenciado por los predicamentos Hare Krishna, o Earth Crisis (Estados Unidos), un grupo de metalcore que pregonaba el movimiento vegan Straight Edge. Y desde ahí el nombre del género no ha capado cartel. En la edición 2016 del festival la apuesta más certera es la también gringa Sick Of It All, pero no es la única que porta las siglas del HxC. ¿Cómo fue que se ganaron ese espacio imborrable entre los circuitos musicales de la capital? La historia del movimiento en Bogotá estuvo cargada de varios momentos paradójicos. Durante los albores de la movida, al mismo tiempo que varias vertientes de la música alternativa confluían en los mismos espacios, hubo escisiones políticas y enemistad entre parches. Más tarde, en el momento en el que explotó un movimiento hardcorero con más fuerza, más unido, con mayor calidad musical e independencia de los otros géneros, los discursos se difuminaron y tomaron diferentes direcciones. El Sagrado en Rock al Parque 2014 (Foto: Juan José Horta) Siempre hubo muchas corrientes, muchos subgéneros y muchas visiones de la vida alrededor de esa cosa gigante que es el hardcore hoy, y crecieron unidas por un llamado hacía la autogestión y la unidad. Pero vamos por partes. La escena de los 90: el sello punk y el estigma facho Si bien los géneros que abonaron el terreno para la aparición del hardcore nacieron como una respuesta política a lo que pasaba en Inglaterra y Estados Unidos, sus gritos también calaban en la caótica realidad criolla. A principios de los noventa en Colombia pasaban cosas que le abrían las puertas a la nueva música y a nuevos malestares. Cosas como que empezábamos a experimentar la apertura económica; al mismo tiempo, desinteresadamente (guiño, guiño), en 1991 se firmaba una Constitución con una alta dosis de tolerancia multicultural; y, como no podía faltar en cualquiera de los periodos de nuestra historia, había violencia y pánico por el narcotráfico y conflicto armado. Todo coincidió en esos primeros años. De alguna forma, en el corazón de la movida punkera, que había crecido con más fuerza en Medellín, pero que sumaba un buen número de adeptos en Bogotá, aparecieron los disidentes del ruido. La escena punk compartía muy de cerca con ritmos como el hardcore-punk, el ska y el Oi; movidas que terminaron tentando a mucha gente. De ahí surgieron las primeras agrupaciones. Para Juan Carlos Melo, una biblia de esta historia, y quien integró bandas como Fátima, Línea Recta, Skartel, Justicia Natural y Resplandor, el origen de la onda hardcore fue inseparable del punk. Casi que viene desde los primeros pinitos de La Pestilencia. En ese entonces, cuenta, el concepto del hardcore no era como el que conocemos ahora, que incluye al NYHC (New York HardCore) y otros subgéneros. Pasó un buen tiempo para que se consolidara con la emergencia de Sin Salida. Melo recuerda que: “para mí la primera banda de hardcore fue una gente que se llamó Línea Recta. Ellos ya estaban influenciados por la movida Straight Edge de Boston pero no grabaron. Fue en realidad Sin Salida, en el 92, quien hizo el primer álbum con el rótulo del New York hardcore. Antes estaba Fátima. Pero si lo vemos desde hoy, esa era una banda de hardcore crust; muy influenciada en el grindcore, el industrial y en toda la movida europea. Por esos días todos estábamos más vinculados a la onda punk, hasta que aparecieron los movimientos skinheads, que fueron los que empezaron a dividir las cosas y a generar un estigma. En Fátima, por ejemplo, éramos un grupo de punkeros vieja escuela de Bosa. Ahí yo tocaba con Danilo, que fue el que después cantó en el primer álbum de Sin Salida, y con un personaje llamado Stalin, que organizó a los primeros grupos fascistas con un movimiento llamado GRAE (Grupo Rapado Antiextranjeros). Ese fue el final de Fátima. Teníamos muchas diferencias ideológicas”. Sin Salida no solo fue la pionera en el NYHC. También fue la que recibió al fantasma de la ultraderecha. Raúl Hernández, exintegrante de una banda de punk llamada SS, fue quien lideró este proyecto. Después de viajar a Estados Unidos a estudiar sonido y volver a Bogotá, armó la primera banda con el sello de Nueva York ya en la cabeza. Pero la primera formación de Sin Salida pronto chocaría con la actitud violenta de Raúl. Los integrantes que empezaron abandonaron la agrupación que, bajo la conducción de este personaje, hizo que las primeras canciones de hardcore se tornaran abiertamente defensoras de temas como el paramilitarismo o la limpieza social. Tiempo después se destaparon varias historias alrededor de sus dudosos nexos. Hernández apareció en un video dando una charla a jóvenes neonazis (Véalo acá) y se presume también que estuvo involucrado en el negocio de venta de armas en el Magdalena Medio; que vendía armas a bandos distintos y que fue por eso que lo desaparecieron. La creación de un circuito plural y autogestionado Las diferencias ideológicas hicieron que los inicios del hardcore fueran una época agreste. Todo por la mala fama que se ganó Sin Salida. Toby, uno de los gestores de eventos de la vieja guardia en la época del punk, y muy cercano a los primeros movimientos animalistas Straight Edge nacidos en el colectivo RU (Rapados Unidos), recuerda esos años como momentos densos: “fue una época de mucha violencia. Recuerdo que hubo un tropel clásico en el barrio Servitá con la gente del metal durante un evento de lanzamiento de una fundación que se llamó Aprofac. También, cuando empezó la movida de ‘No a las drogas’, había un parche que repartía flyers a la gente que veía fumando marihuana en los parques. Todo por provocarlos y armar pelea. Si bien fue malo, es un proceso que refleja lo que es y fue nuestra sociedad. Sin hacerle una apología a la violencia, eso forjó el carácter de una escena. A los chicos de ahora les hace falta un poco de realidad”. Inevitablemente, el hardcore maduró cuando crecieron sus seguidores jóvenes. Y si de formar un carácter se trata, esta fue una escena que, independientemente de la corriente ideológica que haya tomado, supo cómo crecer de la mano de ideas como la unidad, la autogestión y la autodeterminación. Fueron muchos movimientos con muchos contenidos los que dispararon las bandas; algunas veces con la misma fuerza política heredada del punk. De lo que fue la RU, por ejemplo, nació REA (Rechazo a la Explotación Animal), un grupo de skinheads basado únicamente en el hardcore. Al interior de esta colectividad se organizaron muchos conciertos que propiciaron el nacimiento de nuevas bandas. Uno de los conciertos paradigmáticos de la onda animalista fue en una bodega en Alcázares a finales de los 90. Se llamó “La voz de los que no tienen voz”. Tocó Sin Salida (ya sin la gente de Línea Recta) y una banda llamada Disciplina, de corte Straight Edge; también Justicia Natural, que se convirtió luego en Skartel. Además de una cantidad de bandas de Medellín. Pero todo era muy primitivo. Con el tiempo la independencia tomó fuerza y se empezó a esparcir un género que imperó, en un principio, solo en los barrios del norte. Muchos actores empezaron a vincularse. Cuenta Juan Melo que todo se reinventó con la banda Reacción Propia y con el auge de los movimientos anarquistas, Hare Krishna y animalistas. “Hubo un festival en la Universidad Nacional en el que había una comunión con muchos protagonistas, con coordinadoras antifascistas, gente Hare Krishna, movimientos anarquistas como las banderas negras y movimientos anarcopunk que entraron en el hardcore. Era mucha diversidad. Lo de ahora no es gratuito y pasa lo mismo en todos los lugares del mundo. Muchas ideas se atraen y se encuentran. Eso era poderoso. Uno veía bandas que tenían influencias krishnacore y hasta festivales espirituales con hardcore”. Al mismo tiempo, los distribuidores movían sus fichas y gestionaban una red cada vez más amplia de contactos. Uno de los nombres más importantes fue el de Diego Paredes, quien propició la aparición de un verdadero circuito hardcore con Dirección Positiva: un sello colombiano que se convirtió en una filial del argentino Pink Head Records en el 2000. Gracias a su compilado del 98, Suramérica Hardcore, las bandas de la región se conectaron con Colombia. Todo lo que se hacía acá se mandaba a México, Argentina y Santiago. Y acá llegaron los álbumes editados por Revelation Records, el sello de las bandas de Nueva York. Bandas como Dar A Cada Uno Lo Que Es Suyo y Reacción Propia giraron por Suramérica, hicieron muchos contactos políticos y de paso trajeron una cantidad de música europea y brasilera. Fue el inicio de una alianza global. Se conectaron todos los movimientos en el mundo que tenían circuitos de autogestión. También se crearon conexiones con sellos japoneses e incluso bandas colombianas como Reacción Propia fueron editadas por uno de ellos. Finalmente, todo terminaba vendiéndose en un estudio de tatuajes en la 19, propiedad de un argentino de nombre Ezequiel. Fue ese el punto de distribución de la música hasta que apareció Cachalote, que todavía existe. Will Rubio, de Inmigrant Records (Foto: Daniel Álvarez) Claro está que los conciertos fueron los primeros escenarios donde se movía toda esta mini-industria. Will Rubio, una de las cabezas de Inmigrant Records, y un veterano en la organización de eventos, cuenta que “lo bonito de esa época eran los discos, fanzines y los magazines que había en cada toque. Uno se enteraba de la música por todo eso que vendían en los conciertos”. La evolución Hardcore y la escena del nuevo milenio Antes del nuevo milenio se consolidó la Unidad Real, una alianza entre bandas como Exigencia, Pitbull, Ataque en Contra, Realidad Interna, Línea Recta, Zona Cero o Dar A Cada Uno Lo Que Es Suyo. Esta oleada se alejó por completo de los discursos de Sin Salida y de los orígenes punk; todos tuvieron una marcada tendencia hacia el NYHC y hablaron de temas como la amistad, tolerancia, familia, no al racismo o la situación de Colombia. Fue el inicio de una red poderosa que explotó después del 2002. Las bandas empezaron a organizar sus propios eventos y espacios como Macondo y más tarde el teatro La Mama tomaron fuerza. Al mismo tiempo, los parches de localidades como Kennedy o Suba se hacían más fuertes en cada zona. Todos estaban inspirados por los actos que, volviendo al comienzo de la historia, visitaron Bogotá en el 99: Agnostic Front, Earth Crisis y Shelter. La división del nuevo milenio ya no era entre movimientos fascistas y no fascistas, si no entre los apolíticos y politizados, con bandas de corte más de izquierda como Resplandor u otras abiertamente anarquistas como Res Gestae. Había una escena sin rivalidad ni oposiciones. Era muy diversa en su interior. Los locales llegaron a participar en Rock al Parque años después con nombres como Ataque en Contra, Pitbull y Dar A Cada Uno Lo Que Es Suyo. Pero el circuito ya estaba armado con la premisa del “hazlo tú mismo”. Esto pasó, en gran medida, gracias al compilado Evolución Bogotá Hardcore (2002). El disco fue hecho por tres sellos y se llamó “evolución” porque fue en ese entonces cuando los músicos bogotanos se independizaron de sus influencias. Resistencia Records, Dirección Positiva y Despertar Hardcore Records fueron los que hicieron esto posible. De ahí en adelante todo se disparó. En 2005 nació Inmigrant Records de la mano de Will Rubio y los eventos se mantuvieron firmes hasta hoy con una movida más tolerante. Rubio ya había traído a Sick Of It All, la novedad de Rock al Parque 2016, en tres ocasiones. Ahora, con menos de ese ímpetu de autogestión, hay una generación de bandas locales como Sangre y Fe, Vestra o Try Out con otra lógica. La tendencia mayoritaria hoy es ser apolíticos. Al mismo tiempo que hay cabezas menos cerradas con los géneros, como pasa en toda la movida musical hoy en día. Pero la red de hardcoreros que se formó desde antes tiene mucho potencial indirectamente politizado. La ética de “lúchelo y guerréelo por usted mismo” no la comparte ningún otro movimiento y hoy hace eco en muchos proyectos. No es gratis que haya pasado acá y en todo el mundo. Detrás de programas de televisión; detrás del mundo del tatuaje; de álbumes de metal como el Divine Intervention de Slayer; de un dj de electrónica como Steve Aoki que, aunque pocos saben, es Straight Edge; de un bar bogotano de electrónica como Baum, del que Will es socio mayoritario; y de muchas otras movidas, está la escena hardcore, alimentándose y creciendo con una misma ética de respeto y autodeterminación. Tampoco es gratis que el cartel de Rock al Parque 2016 siga celebrando muchos de los momentos que influenciaron al género con la presencia de Napalm Death, Suicidal Tendencies o el mismo Sick Of It All. Y que al tiempo la escena siga pidiendo más campo y una tendencia menos radical hacia el metal.
Con un viaje al mundo del black metal noruego y una historia sobre el movimiento punk de Los Ángeles, Rock al Parque 2016 vincula nuevamente programación documental dentro de su oferta.El Festival proyectará Blackhearts, de los noruegos Fredrik Horn Akselsen y Christian Falch, que retrata cómo Héctor, Kaiadas y Sina, tres músicos y fanáticos del Black Metal que viven en diferentes países del mundo (Colombia, Grecia, Irán) rompen todos los esquemas para cumplir el sueño de tocar en Noruega. En la historia todos se arriesgan al aislamiento, la encarcelación e incluso la muerte por seguir su pasión hacia un género social y religiosamente "incorrecto".También llega Los Punks, de Angela Boatwright, documental que nace del movimiento punk del East y South Central de Los Ángeles, Estados Unidos y que captura los hábitos y vivencias de esta comunidad.El primero se realizará el 5 de julio en la Cinemateca Distrital, con la presencia de Hector Carmona, colombiano que hace parte de esta producción, junto a Edisón Sepulveda, baterista de la agrupación Luciferian.En el segundo estará la directora Angela Boatwright, quien compartirá con el público asistente a la proyección el lunes 4 de julio y a su lado estará Billy Famine, uno de los protagonistas del documental.PrográmeseBlackhearts se proyectará el martes 5 de julio en la Cinemateca Distrital (Carrera 7 No. 22 - 79) a las 7:00 p.m. Por su parte, Los Punks se presentará el lunes 4 de julio a las 10:00 a.m. Ambas proyecciones son de entrada libre hasta completar aforo.
En 1976 la prensa musical daba a conocer una explosión creativa que para muchos no duraría más de dos años. Se trataba del punk. Este salía a la luz pública, aunque llevaba varios años cocinándose. Lejos del pelo largo, las consignas de amor y paz de los hippies de una década antes, los punks se convirtieron en una tendencia que se ha conservado para algunos o comercializado para otros.Por:José "Pepe" Plata // @owai // Foto: GettyImages.La búsqueda de un lugar en el mundo o en la historia es una consigna eterna de la humanidad. Y aquella juventud de los setenta que había visto diluida la Beatlemanía, veían que no tenía oportunidades ni alternativas de estudio o trabajo. Los recortes presupuestales en educación y en las fuentes de trabajo de los países occidentales hizo que algunos se refugiaran en grupos y colectivos que a la par que protestaban, creaban.Pero crear bajo un lema punk, significaba en ocasiones ofender, criticar, transgredir y destruir para dejar en claro un descontento. El punk recogió un descontento juvenil que se manifestó en una música rápida, fácil de tocar y que no quería enredarse ni complicarse como lo podía ser el rock de las multinacionales, los grupos pomposos de rock sinfónico o el soul. No era solo música, también el punk se manifestó como una capacidad de buscar una autogestión y una mirada particular sobre cómo podía acceder a las cosas sin esperar que alguien más lo hiciera por uno. La llamada autogestión comienza a verse en aspectos como la creación de fanzines (revistas independientes que documentaron la escena), sellos independientes, festivales sin patrocinios, ropa sin marca y otros actividades.Así como no quería dejarse llevar por héroes, tampoco buscaba dejar una huella. Pero no pudo impedir que su propio éxito o desconfianza se propagara a otros lugares del mundo. Los jóvenes que optaron por llevar la ropa rota, las botas militares, los ganchos de nodriza, los pelos parados, las chaquetas de cuero raídas encontraron pares sonoros y humanos en toda aquella sociedad descontenta. No solo los setenta y ochenta tuvieron brotes punk. También los noventa y este nuevo milenio han visto al punk en sus calles y avenidas.En efecto, el punk, comenzó a ser cantado en alemán, italiano, español, portugués. francés y en otras lenguas que comprendieron cómo la rapidez y el rechazo a la imposición vale más que una moda. Hay quienes dicen que el punk venía desde los sesenta con grupos como Mc5, The Stooges o Los Saicos de Perú (hasta hay una placa en la ciudad de Lima que dice que el punk nació allí), Pero de nada sirve buscar fundadores o inventores. Justo 4 décadas atrás, esta explosión se iba cocinando y cuando explotó, no hubo quien la parara. Tan es así que hasta la ciudad de Londres anuncia un homenaje especial en el mes de noviembre. Para muchos, una ofensa contra el movimiento; para otros, simplemente una manera de aceptar que el punk se quedó detenido.Pero mientras haya inconformidad, haya falta de oportunidades y ansias de crear o de dejar una huella, bien puede haber algo de punk por ahí.Por algo esta lista es un homenaje al punk nuestro de cada día. Canciones fuertes y rápidas para nuestros caóticos días. Pasamos por clásicos de Sex Pistols, Ramones, Buzzcocks y The Clash. Recorremos América Latina con Los Violadores (Argentina), Masacre 68 (México), Los Miserables (Chile), Ratos de Porao (Brasil) y La Pestilencia (Colombia). Es una selección sonora que además para por Francia, Alemania y España.
No hay duda de que Baby Reindeer o Bebé Reno es una de las mejores miniseries de Netflix en los últimos años. Richard Gadd, un comediante escocés, creó, escribió y protagonizó la serie basándose en dos experiencias de abuso y acoso que vivió en sus veinte. Es una historia emocionalmente desgarradora e importante porque retrata fielmente lo que muchas personas pueden sentir cuando atraviesan este tipo de situaciones. No he leído ni una sola crítica negativa de la serie (más que un comentario en TikTok que dice que está "sobrevalorada") y por el contrario, sé que tiene un 7,9 y un 98% en IMDb y en Rotten Tomatoes, respectivamente. ¿Por qué Baby Reindeer es un caso particular? Baby Reindeer es un caso particular porque, a pesar de que se estrenó a principios de abril, sigue siendo noticia y tendencia. Esto debido a que las personas en internet se dedicaron a buscar las identidades reales de las personajes que salen en la serie, como Martha, Darrien e incluso Teri. Asimismo, un medio de comunicación llegó a entrevistar a la real acosadora de Richard Gadd en televisión. Posiblemente, las ganas de descubrir quiénes son realmente estos personajes tienen mucho que ver con el morbo que causó la serie. Sin embargo, las cosas se estaban poniendo intensas y Richard Gadd tuvo que intervenir pidiendo que dejaran de suponer quiénes eran esas personas. Acá les cuento lo que ha causado este "fenómeno". ¿Quién es Darrien en la vida real? Poco tiempo después de que se estrenó la serie, TikTok se llenó con videos en los que explicaban por qué Sean Foley, escritor, director y comediante británico, era el verdadero Darren. Argumentaban que tanto el actor, Tom Goodman-Hill, y el comediante Sean Foley se parecían mucho y los hechos en la serie cuadraban en sus suposiciones. Debido a las acusaciones, Sean Foley no tardó en manifestarse en su cuenta personal de X (antes Twitter). "La policía ha sido informada y están investigando todos los post difamatorios, abusivos y amenazantes hacia mí", escribió. Por su lado, Richard Gadd publicó una historia en su Instagram defendiendo a Foley. A pesar de esto, muchas personas siguen pensando que Sean Foley es el verdadero Darren. “Estoy convencido de que fue Sean Foley, hay muchos rumores desagradables sobre él en escena”. ¿Quién es Martha en la vida real?Posiblemente antes de que la misma Fiona Harvey se manifestara sobre la serie, TikTok y X ya estaban anunciando que ella era Martha en la vida real. Incluso, el Daily Mail escribió y publicó la identidad de este personaje. Además de publicar sus fotos, encontraron su cuenta personal de Facebook en donde empezó a comentar la serie. En efecto, la mujer sí tiene muchas similitudes con el personaje de la serie: no solo por su aspecto, sino la forma en la que escribe. Así como en la serie, Fiona Harvey es una abogada de 58 años. Harvey aseguró que sí conocía a Richard Gadd y sí habían compartido un poco de tiempo juntos pero que "su historia es una burda intromisión en mi intimidad. No le he visto en 12 años". Además, aseguró que lo iba a denunciar por difamación. “Llamaré a la Policía si alguna vez te acercas a mí. Te voy a demandar a vos, a ese diario y a la tonta que escribió el artículo con vos. Espero que eso te quede claro, incluso para un imbécil como vos. Exigiré que el diario te despida. No me gustas ni nunca me gustaste”.Después de sus declaraciones, Fiona Harvey fue entrevistada por Piers Morgan, el editor, periodista y presentador de televisión británico. Durante el programa, Harvey aseguró que lo que Gadd contaba en la serie de Netflix era una mentira. ¿Quién era Teri en la vida real?Según las búsquedas de las personas en Internet y sus suposiciones, Teri, quien interpreta a la novia trans de Donny, es en realidad Anna de Simone. Esto debido a su parecido físico y porque ambas comparten la misma profesión, psicología. Quienes aseguran que esta es la verdadera identidad de Teri incluso compararon contextos y ubicaciones de la vida del personaje con Anna de Simone para demostrar que sí es cierto. ***Si les gustó la serie, les recomendamos ver: Baby Reindeer: análisis psicológico del 4cos0 en la serie con María Elisa Dávila #35mm | Shock
Después de que Yorgos Lanthimos lograra un fenómeno con Poor Things, una película aclamada por los críticos y muy premiada en los Oscar 2024, llega su nueva producción Kinds of Kidness. El largometraje tuvo la premier mundial en el Festival de Cannes. Emma Stone y Willem Dafoe, protagonistas de Poor Things, también hacen parte del elenco de esta nueva película del director griego. Asimismo, actores como Joe Alwyn (La favorita), Margaret Qualley (Había una vez en Hollywood), Hunter Schafer (Euphoria) y Jesse Plemons (Amor y Muerte), entre otros, componen esta historia contemporánea. Yorgos Lanthimos trabajó con el guionista Tony McNamara en Poor Things y La favorita, pero para Kind of Kidness dirigió el guión de Efthimis Filippou, conocido por escribir Lobster y El sacrificio de un ciervo sagrado. Teaser oficial de 'Kinds of Kidness'¿De qué trata 'Kinds of Kidness'?Aunque no se ha publicado el trailer oficial de la película, Yorgos Lanthimos afirmó que: “Es una película contemporánea, ambientada en Estados Unidos: tres historias diferentes, con cuatro o cinco actores que interpretan un papel en cada historia, por lo que todos interpretan tres papeles diferentes. En realidad, fue casi como hacer tres películas”.Después de su estreno en el Festival de Cannes, se ha calificado como una historia de "canibalismo, cultos sexuales y libertinaje". Además, la desnudez es una parte clave de la trama. Las primeras críticas de 'Kinds of Kidness'A pesar de que en el Festival de Cannes la película tuvo una ovación de cuatro minutos, varios medios ya han publicado críticas en las que se demuestran su decepción frente al largometraje. El periodista especializado en cine, Javier Zurro, escribió una reseña en elDiario.es donde afirma que Kinds of Kindness es un elogio a la crueldad. "No lo es [una comedia graciosa] porque Lanthimos está constantemente preocupado por provocar y epatar. Por ser incómodo y retorcido. Tanto que se pasa de vueltas todo el rato. Disfruta torturando a sus personajes hasta los límites más insospechados. Nunca les da una salida ni una oportunidad". Por otro lado, Nicholas Barber escribe en la BBC: "Por más oscura que siempre haya sido la comedia de Lanthimos, hay momentos en que la crueldad se vuelve casi insoportable". Además, afirma: "Ciertamente, aquellos de nosotros que argumentamos que el sexo y la desnudez en Poor Things eran importantes para la historia de liberación y confianza en sí misma de Bella puede resultarnos más difícil defender Kinds of Kindness". Sin embargo, y dejando de lado estas críticas negativas, las primeras votaciones en Rotten Tomatoes le han dado a la película una puntuación del 95%. Tendremos que esperar a que la película se estrene, el 21 de julio del 2024, para tomar una decisión sobre lo que pensamos sobre Kinds of Kindness, la nueva película del director griego. ***Si les gustó Poor Things, les recomendamos leer: Poor Things: el fastidio que nos genera la libertad - Análisis y significado de la película
Nick y Aaron Carter: ídolos caídos es una docuserie en dos partes de Investigation Discovery que explora las vidas de los hermanos Nick y Aaron Carter, el primero conocido por su participación en lso Backstreet Boys. La serie se estrenará en Max con su primera parte el 27 de mayo y la segunda el 28 de mayo. Además, estará disponible en Discovery a partir del 7 de junio a las 22:00 hs (Colombia) en un formato de cuatro episodios de una hora, con el estreno de un capítulo cada semana.¿De qué trata Nick y Aaron Carter: ídolos caídos?Desde su meteórica fama a finales de los años 90 y principios de los 2000 hasta los conflictos que los llevaron a los titulares en años recientes, la docuserie revela la tensa dinámica familiar de los Carter y un lado no tan conocido de su ascenso a la fama. Nick y Aaron Carter: ídolos caídos examina las acusaciones de abuso sexual contra Nick Carter, realizadas por tres mujeres, mientras aborda las luchas de Aaron Carter con la salud mental, el abuso de sustancias y la ruptura entre los hermanos tras el apoyo de Aaron a las denunciantes de Nick.En 2017, Nick Carter fue acusado de abuso sexual por Melissa Schuman, ex miembro del grupo musical femenino DREAM, mientras él y los Backstreet Boys estaban en la cúspide de su fama. En los años siguientes, otras mujeres, Ashley Repp y Shay Ruth, presentaron acusaciones similares. Durante este tiempo, Aaron Carter apoyó a quienes denunicaron a Nick, mientras lidiaba con sus propios problemas de adicción y salud mental, lo que llevó a una disputa pública entre los hermanos antes de la trágica muerte de Aaron en 2022. La serie profundiza en las acusaciones contra Nick y cómo se entrelazaron con la volátil relación entre los hermanos.La serie cuenta con entrevistas exclusivas a Melissa Schuman, Ashley Repp y Shay Ruth, quienes ofrecen perspectivas emotivas e impactantes sobre sus acusaciones contra Nick. Nick y Aaron Carter: ídolos caídos busca ofrecer una comprensión más profunda de las denuncias, y narrar la intensa reacción que las denunciantes han enfrentado desde que decidieron hablar públicamente, y el impacto duradero en sus vidas. La docuserie también incluye testimonios de un miembro de la familia Carter y amigos cercanos, como la ex novia de Nick, Kaya Jones, y la ex prometida de Aaron, Melanie Martin, brindando una mirada íntima a cómo la intensa fama y los conflictos provocaron una ruptura entre los hermanos.
Desde hace años en algunos conciertos en Colombia se vienen implementando los palcos, es decir, espacios delimitados frente al escenario destinados a grupos más grandes, normalmente de 10 personas . Es una modalidad usada principalmente en conciertos de reggaetón o música popular. Recientemente, Nicky Jam se pronunció al respecto. Nicky Jam dio una entrevista al canal de video 'Mario VI TV' y habló sobre la organización de conciertos en el país. Según el puertorriqueño, la forma en que se organiza al público en los escenarios en Colombia. a menudo dificulta la conexión con los artistas. Por eso dijo que "los conciertos de Colombia son los más difíciles", en un fragmento de la entrevista que se viralizó en X (Twitter). "El promotor pone palcos donde están los ricos, mientras que la masa que realmente canta las canciones está en las zonas generales. No sientes al público, porque los que están al frente no gritan ni hacen nada", comentó el cantante.Los palcos suelen tener costos más elevados que la taquilla general: recientemente para el concierto de Karol G, los costos del palco superaban los 24 millones de pesos. Además, Nicky Jam señaló que en algunos conciertos combinan artistas urbanos con intérpretes de vallenato y música popular, lo cual provoca que los fans del reguetón terminen en las zonas generales, mientras que aquellos que prefieren otros géneros ocupan los palcos. El cantante no está de acuerdo con esta forma de organización, ya que considera que el espectáculo debería ser para todos."Yo soy de energía. Si estoy en el escenario y no siento a la gente gritando, me desanimo inmediatamente", complementó el artista. Nicky Jam destacó al estadio Atanasio Girardot en Medellín como un buen escenario: "Me gusta cómo prepararon el Atanasio. Es sin palcos, por eso se siente como un verdadero concierto con el pueblo. Me encanta cantar y estar cerca de la gente, sentir que puedo chocar los cinco con alguien. Pero eso es lo que hacen los promotores de allá, y mis respetos para ellos por seguir contratándome", concluyó.Nicki Jam forma parte del cartel de La Eterna, evento que se celebrará el próximo 3 de agosto, precisamente en el Estadio Atanasio Girardot.
Pimpinela, el dúo argentino compuesto por los hermanos Lucía y Joaquín Galán, fue un éxito a finales de los 80 y principios de los 90, gracias a asus cancioens dramáticas con diálogos cantados. Canciones como A esa, Olvídame y pega la vuelta, Ahora decide y Ese estúpido que llama. En uno de los videos de Pimpinela hay un cameo que aún hoy, más de 30 años después de su estreno, sigue llamado la atención: eld el actor Christopher Reeve, conocido por interpretar a Superman. El video musical de Heroína Solitaria"debutó en 1993 como parte del álbum Pimpinela 92. El vídeo retrataba una fantasía romántica que involucraba a una joven secretaria que trabajaba para un poderoso hombre de negocios. A lo largo del vídeo, la trama se desarrolla con deseos reprimidos entre la "heroína solitaria" y su misterioso jefe, que inteligentemente nunca aparece del cuello para arriba, manteniendo un aire de misterio como el objeto secreto de su afecto.La interacción entre Lucía y Joaquín en la canción refleja una lucha constante entre mantener la profesionalidad y ceder ante los sentimientos. El título se refiere a su gran esfuerzo para mantenerse profesional en una situación que claramente la afecta emocionalmente. Mientras el dúo argentino interpreta su sentida canción ante un público cautivado, la trama se complica cuando el jefe olvida sus billetes de avión para un viaje crucial. En una carrera desesperada por entregarlos, la secretaria lo alcanza y le revela que no es otro que el propio Superman, interpretado por el querido actor Christopher Reeve. Reeve reconoce gentilmente su esfuerzo y queda cautivado por la joven.El video fue filmado justo antes del trágico accidente de Christopher Reeve en 1995, que resultó en una lesión en la médula espinal que lo dejó paralizado. A pesar de sus desafíos posteriores, Reeve, quien inmortalizó al superhéroe Superman, continuó inspirando a muchos hasta su fallecimiento, el 10 de octubre de 2004.