En 2012, aunque con una avalancha de críticas, se incluyó una nueva categoría en los Premios Grammy llamada Mejor albúm urbano contemporáneo que, para muchos, era una categoría hecha para la música realizada por músicos negros y que estos no pudieran ser finalistas o favoritos a álbum del año. En años anteriores el premio fue otorgado a I Love You de Lizzo, Everything Is Love de Beyoncé y Jay-Z, Starboy de The Weeknd y Lemonade de Beyonce. Pero a partir del 2020 eso cambiará… ¿Por qué es racista y clasista la categoría “urbano” en la música? Este cambio se da en un momento crucial para la historia de la comunidad afroamericana de los Estados Unidos y muchas industrias, incluyendo la musical, está analizando actos que pueden ser considerados como micro racismos. En el pasado Tyler, The Creator habló abiertamente de que para él el termino ‘urban’ era racista y que esperaba algún día eso pudiera cambiar. En esa misma carta se indicó que las categorías latinas también tendrán una restructuración porque a veces no representan fielmente el género musical de sus nominados. Aun así, el término ‘urban’ sí seguirá con vida para los apartados de música en español. Ahora los Grammy tienen una categoría llamada mejor álbum latino de pop o urbano que antes se conocía como mejor álbum latino de rock, urbano o alternativo. Otras nuevas reglas para destacar son: - En la categoría de mejor nuevo artista los votantes deberán enfocarse en las presentaciones y no en los elementos de la producción musical. - Los nominados en las categorías country deben representar 100% el género y no mezclarse con otros elementos rítmicos que desdibujen su esencia. - Para ser finalista a álbum del año el producto discográfico debe tener al menos 5 canciones que en total duren más de 15 minutos. También será válido menos tracks, pero cuando el álbum en total tenga una duración de 30 minutos. - Se les recomienda a los votantes que en la categoría Mejor Álbum de Teatro Musical considerar exclusivamente las canciones sin dejarse guiar por el guion o la producción escénica del nominado. - La competencia desleal va a ser castigada y ninguno de los nominados o sus allegados podrá hablar mal de aquellos proyectos con los que compite. Recomendado | Black Lives Matter: artistas se unen a las protestas en Estados Unidos #LaMúsicaNosUne
El domingo7 de febrero de 2021 el show de medio del Super Bowl con The Weeknd registró miles de tweets, tal vez, muchos más que el mismo juego final del fútbol profesional americano. El espectáculo musical, que incluyó los más grandes hits del canadiense se convirtió en tendencias de todas las redes sociales.En 2020 Shakira y Jennifer López fueron destacadas por la prensa al ofrecer un espectáculo diverso en el que no solo el baile fue protagonista. En el Hard Rock Stadium de Miami, cada una celebró a su manera, sus raíces, herencia latina, música que las ha influenciado y principalmente la fuerza de dos talentos globales.Con el show de The Weeknd, queda claro una vez más que el halftime del SuperBowl es una de las tarimas musicales más importantes del mainstream. Por ello, armamos un listado con 10 actos que nos gustaría ver en ese evento de la NFL.Rihanna La cantante de Barbados es una de las artistas femeninas más exitosas del siglo XXI en Estados Unidos. Ya ha sido invitada a protagonizar el espectáculo musical, pero se ha negado a participar, principalmente por la polémica de que esa organización (la NFL) es injusta con los derechos de la comunidad deportiva afroamericana. En una entrevista con Vogue declaró que ni ella, ni su raza ganarían algo de presentarse en el SuperBowl. Rihanna ha sido #1 en Norteamérica con temas como Umbrella, Rude Boy, Don’t Stop the music, We Found Love, Work y Diamonds, tiene un catálogo de éxitos que merecen un espectáculo con el presupuesto que maneja SuperBowl.MetallicaLa banda de thrash metal lleva activa desde 1981 y en su historia musical tienen 9 Grammys, varios Billboard, un montón de premios MTV y, además hacen parte del Salón de la fama del Rock. La banda tiene un espectáculo de admirar, su más reciente gira de estadios ha tenido la mayoría de las fechas agotadas y sus canciones son conocidas en cada rincón del mundo. Valdría mucho la pena ver un acto de metal ser protagonista del medio tiempo de ese evento deportivo.PinkEn 2018 Pink cantó el himno nacional de los Estados Unidos en el SuperBowl y muchos empezaron a apostar que la estrella de pop protagonizaría el espectáculo de medio tiempo de 2019; pero no fue así. La cantante de So What? Ha demostrado que tiene todo para levantar un estadio: es acrobática, tiene una voz poderosa, varios hits y puede volar (con la ayuda de gruas y de seguridad, claro está). Ojalá pronto la veamos mostrar todo su potencial en esa tarima.EminemEl domingo 9 de febrero vimos a Eminem subiéndose a la tarima de los Oscar cantando su clásico Lose Yourself, por eso nos gustaría mucho ver al rapero ser parte de más eventos como este. Marshall Mathers es considerado el artista masculino de ese género con mayores ventas en Estados Unidos y uno de los más exitosos de su generación. En su historial de colaboraciones figuran estrellas como Rihanna, Beyonce, Ed Sheeran y Kendrick Lamar.AdeleLa británica logró en la década del 2010 más hits que ningún otro. Sus tres álbumes han sido #1 y tiene sencillos conocidos a nivel global como Rolling In The Deep, Hello, Someone Like You o Set Fire To The Rain. En sus giras ha demostrado que su poderosa voz puede prestarse para un show audiovisual impactante apoyándose en otros elementos como el agua o el fuego. Por mucho que deseemos ver a Adele en el medio tiempo del SuperBowl, lo más seguro es que nos vamos a quedar con las ganas. En 2016 la artista dijo que su música no se prestaba para este tipo de eventos y que no estaba interesada en realizarlo.Daft Punk Al SuperBowl le ha faltado electrónica y house, un género que aún es considerado de nicho en Estados Unidos. Por eso sería grandioso ver al dúo francés en esa tarima acompañado de grandes músicos que los han acompañado en sus hits como Pharrell Williams, Stevie Wonder, Julian Casablancas, The Weeknd, Arcade Fire o Kanye West.Taylor SwiftLa estrella de pop y country ha vendido más que ninguna otra cantante femenina en Estados Unidos, ha ganado múltiples Grammys con sus álbumes de estudio y es de las pocas solistas que ha tenido una gira de estadios exitosa. Su música va y viene entre diferentes géneros y siempre está apoyada por pirotecnia, bailarines y una banda poderosa. Un eventual show suyo en el SuperBowl podría estar acompañado por colegas que han colaborado en sus canciones Brendon Urie de Panic! At The Disco, Zayn Malyk, Ed Sheeran, Kendrick Lamar y hasta Madonna.Kendrick LamarEl californiano de 32 años lleva una década muy exitosa que incluye varios premios y #1, además de ser considerado una de las personas más influyentes en el mundo. El rapero ha demostrado que no solo es bueno lanzando dardos llenos de verdad y reflexión, sino que también es un gran performer, con una banda de primer nivel y un espectáculo llamativo para la vista. Además, estamos seguros que usaría sus segundos del show de medio tiempo para hablar de justicia, igualdad y poder racial.Ozuna, Nicky Jam, Daddy YankeeCon la llegada de Shakira y Jlo al medio tiempo del SuperBowl se abre una puerta gigante a los músicos latinos. En 2020 vimos unos minutos en tarima a J Balvin y Bad Bunny apoyando a sus colegas femeninas, por eso, no sería descabellado un nuevo espectáculo latino en el evento deportivo. Ozuna, Daddy Yankee y Nicky Jam podrían unir fuerzas, fusionar sus hits y cranearse un show lleno de baile, perreo y poder latino. Estos tres han sido los reggaetoneros más exitosos de la historia musical de Estados Unidos y podrían estar acompañados por otras artistas que han colaborado con ellos como Selena Gómez, Cardi B, Katy Perry o Karol G.Justin Bieber, Avril LavigneEn el medio tiempo del 2020 el tiempo fue repartido por porciones iguales: 6 minutos para Shakira, 6 minutos para Jlo, razón por la que soñamos más espectáculos compartidos. ¿Qué tal uno con Justin Bieber y Avril Lavigne? Sería la unión perfecta entre pop y rock. Dos estrellas canadienses con varios hits radiales y una presencia escénica envidiable.En las redes de Shock nos puede decir qué otros artistas les gustaría ver en la tarima del espectáculo de medio tiempo del SuperBowl.#LaMúsicaNosUne
El 2018 ha arrancado lento hablando de lanzamientos musicales en el mundo y en parte se lo debemos a un 2017 marcado por placas discográficas de altas dimensiones como DAMN, de Kendrick Lamar, Drunk de Thundercat o Humanz de Gorillaz. Pero poco a poco se empiezan a revelar álbumes que se meterán en nuestro ADN y quedarán para la historia como el soundtrack de un nuevo año. Arranquemos entonces con las reseñas de discos que han atravesado el charco para llegar a nuestros tímpanos. Los que reseñan: Fabián López (FL), Willian Martínez (WM), Muchacho Berraco (MB), Paula Ricciulli (PR), Nadia Orozco (NO) Kali Uchis - Isolation Desde hace tiempo la tenemos en el radar por varios de sus sencillos, por sus colaboraciones con Gorillaz o Tyler the Creator y por un EP de nueve canciones que lanzó en 2015, titulado Por vida. PeroIsolation es, por fin, el primer álbum de estudio de la pereirana, que se formó como artista en los Estados Unidos y vino al Estéreo Picnic 2018 a ratificarse como figura determinante de la música alternativa en su tierra natal. Su placa debut es una muestra del amplio rango de referencias temporales, territoriales, visuales y sonoras que convergen en su música. Su apariencia de diva ochentera, una voz que transcurre entre el soul y el R&B moderno, colaboradores como Tyler the Creator y otra joven joya del R&B como Jorja Smith y una dosis de “latinidad” al juntarse con el reggaetonero paisa Reykon hablan de un fenómeno multicultural que coqueta con la etiqueta pop. (FL) Daniel Avery - Song For Alpha El nuevo álbum de Daniel Avery, DJ británico de 31 años, es ejemplo del tipo de música electrónica que está burbujeando en algunas discotecas del mundo. Es techno para la contemplación, sin fuertes descargas. Con influencias de artistas como Brian Eno y William Basinski, Song For Alpha, el segundo larga duración del británico, expone atmósferas largas, desaceleradas. Pero no estamos hablando de un sonido ambiente propicio para la relajación, sino de canciones con repeticiones certeras que transmiten cierta tensión y, al mismo tiempo, libertad. Por su carácter experimental y todavía insipiente, probablemente este álbum no estará en el top 10 de ningún listado. Pero puede ser un buen descubrimiento para los aficionados del ambient. (WM) Thievery Corporation - Treasures from the Temple El undécimo álbum del dúo de música electrónica, formado en Washington en 1995, muestra mayor influencia del reggae y los sonidos isleños. Treasures from the Temple cuenta con las colaboraciones de Mr. Lif, Notch, Racquel Jones, LouLou Ghelichkani (Estados Unidos) y Natalia Clavier (Argentina). Fue grabado en los estudios Gee Jam de Jamaica y es una continuación del álbum Temple of I & I (2017), grabado en Por Antonio. Se trata de un álbum limpio, ameno, sin rupturas radicales, cuyo principal potencial es la diversidad de las voces invitadas. (WM) Centavrvs – Somos uno Somos uno empieza con los versos de un poeta de origen indígena y cierra con un canto de cuna. Con éste, su segundo álbum de estudio, el cuarteto mexicano Centavrvs entró en la onda de la globalidad. Y lo hizo ensamblando sus tradicionales ritmos electrónicos con sonidos bailables, como la salsa, la ranchera y los beats africanos. Esta entrega cuenta con la colaboración de varios percusionistas, coristas y trombonistas reconocidos en la escena musical, como Rey David Alejandro, quien tocó durante más de una década con Willie Colón, mientras que la producción estuvo a cargo de Tweety González, productor de Soda Estéreo. (WM) The Weeknd - My Dear Melancholy, Este EP salió reseñado en todos los portales rosa porque para todos se trató de un trabajo construido a través de la tusa por Selena Gómez. Pero Abel Makkonen Tesfaye siempre ha sabido jugar sus cartas e incluso detrás de súbito arranque por abrir su corazón destrozado, está inmersa la maniobra de crear una capa más de su trabajo musical. Mucho más parecido a House of Balloons y Echoes of Silence – sus primeras producciones - The Weeknd resuelve retornar a un lugar musicalmente lóbrego, sin despegarse todo del terreno pop de Starboy que lo mandó a la estratósfera mediática. Por eso resulta ser un trabajo en la mitad de ambas caras y nos deja con la necesidad de entender si este es un puente hacía un disco o simplemente una terapia de choque para curar el despecho. Con la participación de Skrillex, Nicolas Jaar, Guy-Manuel de Homem-Cristo de Daft Punk deja claro ante todo busca la contundencia. (NO) Stone Temple Pilots - Stone Temple Pilots Es el primer álbum del cuarteto californiano en ocho años. Es el primero sin su cantante original, Scott Weiland, quien murió en 2015. Es la vuelta al ruedo de una agrupación de grunge que tuvo eco en los años noventa y que después perdió peso. En esta entrega, Stone Temple Pilots decidió recurrir a un programa cazatalentos, El Factor X, para encontrar su nueva voz. El resultado es una voz sin matices personales: Jeff Gutt prefirió rendir culto a Weiland. Con la diferencia de que Gutt, aunque tiene un registro impecable, no cuenta con la sordidez ni el dejo nostálgico de Weiland. Es un álbum con 12 canciones de rock alternativo —el grunge aparece cada vez menos— bien interpretadas, compactas y, sobre todo, sin intenciones rotundas de renovación. (WM) Kylie Minogue – Golden Después de más de 30 años ganando su lugar en la realeza del pop, Kylie Minogue decidió apostarle al country para su decimocuarto álbum. Aunque conserva el dance y los sonidos disco que tanto nos gustan de ella, la mezcla con country se siente forzada, como siguiendo una fórmula genérica porque está en tendencia. Dancing y Raining Glitter son dos de las canciones en las que más sentimos la esencia de Kylie. Se destaca también Music Too Sad Without You, una catarsis tras la ruptura difícil con su expareja Joshua Sasse. Aunque fue un buen riesgo probar un estilo distinto, este disco palidece ante sus trabajos previos. No trates como Fever o Body Language a quien te trata como Golden. (PR) Cardi B – Invasion of Privacy La historia de Cardi B es el paso de la pobreza al éxito que tanto gusta: de pertenecer a una pandilla pasó a ser cajera de supermercado, stripper, invitada de Bruno Mars en Finesse, y la primera rapera en alcanzar el primer lugar de Bilboard Hot 100 en cerca de 20 años. Invasion of Privacy, su debut, dejó callados a quienes pensaban que era simplemente una figura efímera de reality show. Cardi B puede ser fuerte, contundente y desvergonzada, pero también vulnerable y delicada. I Like It, con colaboración de J Balvin y Bad Bunny y sample del clásico I Like It Like That de Pete Rodríguez, es un homenaje a sus raíces dominicanas y la mejor muestra de que es una poderosa máquina de hacer hits. (PR) The Vaccines – Combat Sports Como insolente, entretenida y enérgica podríamos describir la propuesta de The Vaccines. En este álbum, el cuarto en su carrera, vuelven con más de los que nos gusta de ellos: Rock n roll potente con especial protagonismo de la guitarra. Su sonido, aunque muy actual, tiene aires clásicos, por lo que es imposible no pensar en The Ramones, The Clash, Blur y hasta en los Beach Boys. Combat Sports marca su regreso tras varios problemas personales y de salud que tenían agarrados a sus integrantes. “Queríamos hacer nuestro mejor disco hasta ahora”, según declaró su vocalista, Justin Young. Y lo lograron. (PR) Albert Hammond Jr - Francis Trouble Muy seguramente, para Albert Hammond Jr. su proyecto solista ha sido un respiro creativo para encontrarse a sí mismo sin el peso de una marca como The Strokes, banda con la que se sabe no tienen mucho contacto desde el lanzamiento del EP Future Present Past EN 2016. Con Francis Trouble, su cuarto álbum, Hammond Jr. parece haber encontrado una historia personal a través de la cual contarse a sí mismo. Según ha declarado a la prensa internacional, mucha de la inspiración del álbum viene de haber conocido que creció en el vientre de su madre con un hermano gemelo que no nació; y que, de hecho, él fue parido con uña que heredó, producto de una colisión con su hermano no nacido. Pero por encima de la curiosidad, se puede decir que es un álbum que transcurre sin muchos sobresaltos y que encuentra su poder en la lírica. Hay que decir también que el álbum tiene cortes con un innegable parentesco con la banda madre The Strokes. (FL) Jack White – Boarding House Reach Después de su aclamado álbum “Lazzaretto”, Jack White nos sorprende con un nuevo trabajo discográfico el cuál viene cargado con su característico rock visceral pero nos muestra una faceta de exploración de nuevos sonidos. Máquinas de ritmos, percusiones y sintetizadores hacen de este disco algo único ya que la sonoridad se hace a partir de capas sonoras que crean un sonido oscuro pero al mismo tiempo épico. Why Walk a Dog es una de las canciones con las que más propone, dejando a un lado las poderosas baterías y reemplazándolas con un beat básico y con sonoridad melancólica. Para algunos puede ser un disco bizarro y para otros puede tener la firma de Jack White pero lo que si se puede decir es que es una propuesta original de una leyenda que siempre está reinventando su estilo y rompiendo las fronteras de cómo producir y componer canciones en el siglo XXI. Track Recomendado: Respect Commander. (MB) 30 Seconds to Mars - America Tras 5 años de silencio, la banda de los hermanos Leto vuelve con su quinto álbum de estudio. Al parecer han olvidado el sonido que los llevó a ser un ícono del rock con sus primeros trabajos. Americaestá lleno de elementos pop los cuáles hacen que este disco pertenezca más a un proyecto solitario de Jareth Leto y no a un disco de una banda de rock. Las participaciones de otros artistas como A$AP Rocky son bastante flojas y el contenido lírico en general se queda limitado bajo un mensaje político un poco difuso y falto de agresividad. Es un intento de volver con un sonido actual forzado, pasando por casi todos los clichés de la industria musical. Desde EDM hasta folk, este álbum es una colcha de retazos sin identidad que deja una gran inquietud de ver cómo se interpretará sus canciones en vivo junto a los temas sus producciones anteriores. No creo que sus verdaderos fans estén muy felices con este álbum. Track que se salva: Monolith . (MB) The Voidz – Virtue Se creía que The Voidz era un capricho pasajero de Julian Casablancas, pero con este segundo disco queda claro que es un proyecto que está a la vanguardia de lo que pasa con el rock hoy en día. Virtue contiene 15 tracks cargados de elementos new wave, electro y glam rock fusionados con riffs guitarreros que hacen de este disco una mezcla perfecta. Las líricas están llenas de críticas políticas y sociales escritas de manera tan básica que a veces confunden y crean significados profundos sin importar su simplicidad. Se construye un mundo al revés donde lo oscuro es lo pop y el rockstar es ese que no quiere ser reconocido y quiere disfrutar la soledad. Es un viaje donde se complace desde al más crudo de los rockeros hasta el más fan del sonido de los ochentas y esto hace a “Virtue” un álbum digno de estar en una colección al lado de New Order y de Depeche Mode. Track recomendado: Pyramid of Bones . (MB) Warhol Oliveira – Yo no sé donde va mi vida El mismo Warhol describe este álbum como “Mick Jagger y John Lennon teniendo sexo en un baño a las 3 am en un club nocturno”, pero yo a esto le adicionaría que ese baño estaba en un concierto de Eagles of Death Metal y que Iggy Pop hacia parte de la faena. Este disco es una banda de rock de garaje en su máxima expresión donde escuchamos guitarras con overdrives pasando por el estilo de Brian Setzer hasta los ya mencionados EODM. Las letras utilizan un lenguaje coloquial para poder expresar momentos de la cotidianidad de la vida. Las canciones llaman a baile y contienen un grado de libertad y despreocupación que van ligados a una fuerte influencia del punk. Si quiere salir de la monotonía y hacer lo que se le de la gana este disco puede ser la banda sonora de su rebeldía.Track recomendado: No paro . (MB)
‘He was never there’ es el nombre del mini documental de The Weeknd en el que le da una mirada más cerca al proceso de grabación de su más reciente álbum que es acutlamente #1 en listas de más de 40 países. El video de seis minutos muestra en tonos opacos y oscuros el trabajo del intérprete de ‘Starboy’, guiándose por su esencia visual. El artista se presentará en los próximos días en el Festival Coachella Las seis pistas del EP ‘My Dear Melancholy’ debutaron en el listado Hot 100 de Billboard logrando ser un éxito inmediato
Hace unos días The Weeknd sorprendió a sus fanáticos con el lanzamiento de su nuevo EP, My Dear Melancholy. Un trabajo de seis canciones donde explora la angustia y nos mete de una manera íntima en su cabeza y lo que para muchos es el resultado de un desamor. La placa ha logrado sorprender y ahora nos explica cómo fue el proceso con un video que es casi tan bueno como el mismo disco. El artista acaba de publicar un detrás de cámaras dirigido por Joachim Johnson, una especie de corto que se bautiza como una de las canciones: I Was Never There. En este se ven imágenes distorsionadas, a The Weeknd en el estudio y audios donde de él y los colaboradores.
The Weeknd, una de las joyas del R&B moderno estrenó hace unos días un sorpresivo nuevo EP que ha sido más popular por la supuesta dedicatoria que hace a su exnovia, Selena Gómez, que por sus canciones. Después de poner a rodar una exitosa canción para la película Black Panther con Kendrick Lamar, su nueva placa se titula My Dear Melancholy y tiene seis cortes que, en efecto, por sus letras, parece ser una necesaria liberación de sus historias personales de desamor. Muchos medios han encontrado en el track Call Out My Name referencias muy claras a la relación que tuvo Abel Tesfaye con la cantante estadounidense, pareja de Justin Bieber. Cierto o no, las seis nuevas canciones de The Weeknd suenan más como baladas tristes, mucho menos eléctricas que lo que encontramos en el álbum lanzado de 2016 Starboy y más como las de su primer disco Kissland. Pero a pesar de ser menos fiestero y más cortavenas, el disco fue producido por manos muy finas de la música electrónica: Guy-Manuel de Homem-Christo (Daft Punk), Gesaffelstein, Mike WiLL Made-It, Skrillex y Frank Dukes. Acá lo compartimos vía YouTube
Coachella anunció su cartel para el 2018. Sus tres grandes headliners son Beyoncé, quien tuvo que suspender su participación el año pasado por su maternidad y fue reemplazada por Lady Gaga. La cabeza del cartel la completan The Weeknd y Eminem. La lista está para todos los gustos con artistas como SZA, Kygo, Jamiroquai, St Vincent, The War On Drugs, Vince Staples, Soulwax, Jean-Michel Jarre, Daniel Caesar y Kali Uchis, Los Ángeles Azules, Alan Walker, los viernes 13 y 20. Haim, Tyler the Creator, David Byrne, alt-J, Post Malone, Fleet Foxes, Chromeo, los Chic de Nile Rodgers, BØRNS, Louis the Child, Angel Olsen, Black Madonna, Jungle y Mø, los sábados 14 y 21. Los días 15 y 22 de abril, se podrá ver a Odesza, Portugal the Man, Migos, A Perfect Circle, Cardi B, Miguel, King Krule, Kamasi Washington, French Montana o LANY, entre otros. Varios de estos artistas presentaron tremendos discos durante el 2017 y fueron parte de nuestra selección a lo mejor del año. Artistas como X X X, estrenaron álbumes que definitivamente hay que oír. Acá repasamos algunos: Jamiroquai - Automaton 21 años después del lanzamiento del que fue, sin duda, su mejor álbum, Travelling Without Moving, y tras siete años de silencio, Jamiroquai volvió al ruedo con Automaton. Un disco al que le podrán criticar que no propone nada nuevo, que suena parecido a lo que produjeron en la era dorada. ¿Acaso hay que pedirle más al tipo que hizo popular el acid jazz y que concretó el disco de funk más vendido de la historia? Después de lanzar Automaton, un primer sencillo en el que parecía que Jamiroquai volvería con un sonido más electrónico, tal vez más cercano al modern disco o al french house, Jay Kay nos recordó que era el dueño de un sello y de un estilo, canciones como Cloud 9, Superfresh, Something About You y Carla hacen que su regreso valga la pena. French Montana - Jungle Rules Este fue el regreso a la vida -literalmente- de French Montana. Después de cientos de problemas personales, uno de sus mejores amigos asesinados y el lanzamiento no autorizado de su disco, bajo el nombre de MC4, el francés volvió con todos los poderes para presentar un álbum que mezcla los sonidos más deliciosos de la vida: trap, dancehall y hip hop. Una entrega llena de luz para los fans y para el mismo cantante, quien gracias a Jungle Rules volvió a Marruecos, su ciudad de origen, e incluyó en Unforgettable las raíces más destacadas de este lugar. Encontró un grupo de jóvenes bailarines por Youtube e hizo de esta canción un éxito completo, tanto que lo trajo a Latinoamérica y se atrevió a hacer un remix con J Balvin. El álbum cerro el año encabezando el top 100 de los mejores discos de 2017 en el listado de los Bilboard. Vince Staples - Big Fish Theory Una canción que representa muy bien el sonido de Vince en su segundo álbum de estudio es Love Can Be, donde los beats electrónicos y los secuenciadores se mezclan perfectamente con la propuesta musical del artista californiano. Hip hop refrescado totalmente por los sonidos actuales que no se dejan encasillar en ningún género. Vince es de los nuevos Mc que se hace cada vez más grande con cada track de álbum; Crabs in a Bucket, Big Fish, 745, BagBak o SAMO, solo por nombrar algunas de sus canciones que tienen identidad propia. St. Vincent - MASSEDUCTION Tras ganar el Grammy por Mejor álbum alternativo con su penúltimo disco St. Vincent, Annie Clark era comparada con genios creativos como Prince y David Bowie por su estilo único y porque más allá de la música es una propuesta artística con todos los juguetes. MASSEDUCTION es su quinto álbum, fue producido por Jack Antonoff y es donde muestra su lado más oscuro: habla del suicidio (Smoking Section) del desamor (New York) y del miedo a envejecer (Los Ageless). Cuando todos pensaron que se iba a volcar a lo comercial por su gran aceptación y por trabajar con el productor de Lorde, Carly Rae Jepsen y Taylor Swift, St. Vincent reafirma su autenticidad con un álbum que guarda las particularidades de siempre, como su guitarra eléctrica distorsionada. Haim - Something to tell you Tras el ruido que generó su primer disc,o Days are Gone (2013), el trío de hermanas californianas, de la mano de Rostand Batmanglij (ex Vampire Weekend) y su usual colaborador, Ariel Rechtshaid, se avientan con una placa muy pop, enriquecida con soft rock y algunos elementos del R&B. Letras de amor y desamor, despecho y anhelos; canciones dotadas de riqueza melódica que acuden a recursos como voces distorsionadas o ruidos para adivinar con audífonos: faxes y relinchos de caballos, muestran diferentes colores. Desde Want you back, chicle para radio, a Night so Long, que cierra el disco voces celestiales, se palpa a Haim menos retro que en su debut y aunque aún hacen remembrar a Stevie Nicks (Fleetwood Mac), lucen brillo actual. The XX - I See You Que Jamie XX haya pasado un buen tiempo dedicado a su proyecto en solitario resultó ser un hecho culminante para que The XX retornara con un sonido más robusto, hecho con manos más inquietas y laboriosas. Se dice que Romy Madley Croft participó en un campamento de escritura junto al escritor y productor Robin Hannibal para aprender la ciencia de los himnos pop y que junto a Oliver Sim (quien dejó el alcohol para grabar este álbum) fueron los primeros en echarle mano a los demos de los diez temas que habían venido trabajando desde marzo del 2014 y que terminaron por componer el I See You. Con Jamie de nuevo concentrado en la maquinaria, después de su éxito con In Colour, The XX hizo combustión y el resultado fueron canciones con un sonido menos dramático como On Hold o Dangerous, que sin duda representan un salto del minimalismo y a la melancolía que le habíamos escuchado a este trio en sus dos álbumes anteriores. I See You, sin duda, fue el primer gran lanzamiento del 2017.
Tell Your Friends es un tema que parecía archivado en el baúl de futuros clásicos del joven Abel Tesfaye. Originalmente publicado en el álbum de 2015, Beauty Behind the Madness, de The Weeknd, Tell Your Friends revivió hoy con una selección de colaboradores bastante jugosa. Por primera vez, The Weeknd se junta con uno de los reyes del capricho de la industria, Kanye West, quien dirigió la producción de remix. El tema, que ya había sido intervenido por Drake y Ghostface Killah, ahora tiene en esta versión, entre su lista de invitados, al mismísimo Kanye, Drake, Ghostface, NAS y Belly. El remix apareció en el nuevo Soundcloud de XO. Acá se los compartimos:
La neoyorkina Lana Del Rey estrenó Lust for Life, el sencillo que le dio el nombre a su próximo LP, cuya fecha de lanzamiento es incierta. El tema, que fue prsentado durante una entrevista en la BBC Radio, es una combinación con la joya del R&B Abel Tesfaye, mejor conocido como The Weeknd, con quien ya había colaborado un par de veces. Hablando de la pista en una entrevista con Courtney Love, Lana del Rey dijo: "Tal vez es algo raro tener una colaboración como sencillo principal del LP, pero me encanta esa canción”. Lust for Life es de hecho una balada ultra romántica y lenta que raya en lo cursi, sobre todo si la vemos con el videoclip que circula en Internet, en el que Tesfaye y Lana del Rey aparecen sentados en la esquina del icónico letrero de Hollywood.
El mes pasado The Weeknd apareció en los Grammy junto a los papás del french house, Daft Punk, interpretando una de las dos colaboraciones que hicieron en su disco Starboy. Se trata del último track del álbum I Feel it Coming, el segundo sencillo en el que aparece la firma del dúo de Thomas y Guy-manuel después del track homónimo al álbum. Lo del Grammy fue el aviso del lanzamiento del videoclip de este nuevo sencillo, en el que Daft Punk vuelve a figurar en un video y, al parecer, es el cierre del universo visual que creó The Weeknd alrededor de este álbum. Warren Fu fue el director encargado de visualizas este evento apocalíptico en el que Abel Tesfaye sigue cantando hasta el momento de la destrucción de la Tierra. Al final, son los robots intergalácticos que aparecen examinando la destrucción.
Después de que Yorgos Lanthimos lograra un fenómeno con Poor Things, una película aclamada por los críticos y muy premiada en los Oscar 2024, llega su nueva producción Kinds of Kidness. El largometraje tuvo la premier mundial en el Festival de Cannes. Emma Stone y Willem Dafoe, protagonistas de Poor Things, también hacen parte del elenco de esta nueva película del director griego. Asimismo, actores como Joe Alwyn (La favorita), Margaret Qualley (Había una vez en Hollywood), Hunter Schafer (Euphoria) y Jesse Plemons (Amor y Muerte), entre otros, componen esta historia contemporánea. Yorgos Lanthimos trabajó con el guionista Tony McNamara en Poor Things y La favorita, pero para Kind of Kidness dirigió el guión de Efthimis Filippou, conocido por escribir Lobster y El sacrificio de un ciervo sagrado. Teaser oficial de 'Kinds of Kidness'¿De qué trata 'Kinds of Kidness'?Aunque no se ha publicado el trailer oficial de la película, Yorgos Lanthimos afirmó que: “Es una película contemporánea, ambientada en Estados Unidos: tres historias diferentes, con cuatro o cinco actores que interpretan un papel en cada historia, por lo que todos interpretan tres papeles diferentes. En realidad, fue casi como hacer tres películas”.Después de su estreno en el Festival de Cannes, se ha calificado como una historia de "canibalismo, cultos sexuales y libertinaje". Además, la desnudez es una parte clave de la trama. Las primeras críticas de 'Kinds of Kidness'A pesar de que en el Festival de Cannes la película tuvo una ovación de cuatro minutos, varios medios ya han publicado críticas en las que se demuestran su decepción frente al largometraje. El periodista especializado en cine, Javier Zurro, escribió una reseña en elDiario.es donde afirma que Kinds of Kindness es un elogio a la crueldad. "No lo es [una comedia graciosa] porque Lanthimos está constantemente preocupado por provocar y epatar. Por ser incómodo y retorcido. Tanto que se pasa de vueltas todo el rato. Disfruta torturando a sus personajes hasta los límites más insospechados. Nunca les da una salida ni una oportunidad". Por otro lado, Nicholas Barber escribe en la BBC: "Por más oscura que siempre haya sido la comedia de Lanthimos, hay momentos en que la crueldad se vuelve casi insoportable". Además, afirma: "Ciertamente, aquellos de nosotros que argumentamos que el sexo y la desnudez en Poor Things eran importantes para la historia de liberación y confianza en sí misma de Bella puede resultarnos más difícil defender Kinds of Kindness". Sin embargo, y dejando de lado estas críticas negativas, las primeras votaciones en Rotten Tomatoes le han dado a la película una puntuación del 95%. Tendremos que esperar a que la película se estrene, el 21 de julio del 2024, para tomar una decisión sobre lo que pensamos sobre Kinds of Kindness, la nueva película del director griego. ***Si les gustó Poor Things, les recomendamos leer: Poor Things: el fastidio que nos genera la libertad - Análisis y significado de la película
Nick y Aaron Carter: ídolos caídos es una docuserie en dos partes de Investigation Discovery que explora las vidas de los hermanos Nick y Aaron Carter, el primero conocido por su participación en lso Backstreet Boys. La serie se estrenará en Max con su primera parte el 27 de mayo y la segunda el 28 de mayo. Además, estará disponible en Discovery a partir del 7 de junio a las 22:00 hs (Colombia) en un formato de cuatro episodios de una hora, con el estreno de un capítulo cada semana.¿De qué trata Nick y Aaron Carter: ídolos caídos?Desde su meteórica fama a finales de los años 90 y principios de los 2000 hasta los conflictos que los llevaron a los titulares en años recientes, la docuserie revela la tensa dinámica familiar de los Carter y un lado no tan conocido de su ascenso a la fama. Nick y Aaron Carter: ídolos caídos examina las acusaciones de abuso sexual contra Nick Carter, realizadas por tres mujeres, mientras aborda las luchas de Aaron Carter con la salud mental, el abuso de sustancias y la ruptura entre los hermanos tras el apoyo de Aaron a las denunciantes de Nick.En 2017, Nick Carter fue acusado de abuso sexual por Melissa Schuman, ex miembro del grupo musical femenino DREAM, mientras él y los Backstreet Boys estaban en la cúspide de su fama. En los años siguientes, otras mujeres, Ashley Repp y Shay Ruth, presentaron acusaciones similares. Durante este tiempo, Aaron Carter apoyó a quienes denunicaron a Nick, mientras lidiaba con sus propios problemas de adicción y salud mental, lo que llevó a una disputa pública entre los hermanos antes de la trágica muerte de Aaron en 2022. La serie profundiza en las acusaciones contra Nick y cómo se entrelazaron con la volátil relación entre los hermanos.La serie cuenta con entrevistas exclusivas a Melissa Schuman, Ashley Repp y Shay Ruth, quienes ofrecen perspectivas emotivas e impactantes sobre sus acusaciones contra Nick. Nick y Aaron Carter: ídolos caídos busca ofrecer una comprensión más profunda de las denuncias, y narrar la intensa reacción que las denunciantes han enfrentado desde que decidieron hablar públicamente, y el impacto duradero en sus vidas. La docuserie también incluye testimonios de un miembro de la familia Carter y amigos cercanos, como la ex novia de Nick, Kaya Jones, y la ex prometida de Aaron, Melanie Martin, brindando una mirada íntima a cómo la intensa fama y los conflictos provocaron una ruptura entre los hermanos.
Desde hace años en algunos conciertos en Colombia se vienen implementando los palcos, es decir, espacios delimitados frente al escenario destinados a grupos más grandes, normalmente de 10 personas . Es una modalidad usada principalmente en conciertos de reggaetón o música popular. Recientemente, Nicky Jam se pronunció al respecto. Nicky Jam dio una entrevista al canal de video 'Mario VI TV' y habló sobre la organización de conciertos en el país. Según el puertorriqueño, la forma en que se organiza al público en los escenarios en Colombia. a menudo dificulta la conexión con los artistas. Por eso dijo que "los conciertos de Colombia son los más difíciles", en un fragmento de la entrevista que se viralizó en X (Twitter). "El promotor pone palcos donde están los ricos, mientras que la masa que realmente canta las canciones está en las zonas generales. No sientes al público, porque los que están al frente no gritan ni hacen nada", comentó el cantante.Los palcos suelen tener costos más elevados que la taquilla general: recientemente para el concierto de Karol G, los costos del palco superaban los 24 millones de pesos. Además, Nicky Jam señaló que en algunos conciertos combinan artistas urbanos con intérpretes de vallenato y música popular, lo cual provoca que los fans del reguetón terminen en las zonas generales, mientras que aquellos que prefieren otros géneros ocupan los palcos. El cantante no está de acuerdo con esta forma de organización, ya que considera que el espectáculo debería ser para todos."Yo soy de energía. Si estoy en el escenario y no siento a la gente gritando, me desanimo inmediatamente", complementó el artista. Nicky Jam destacó al estadio Atanasio Girardot en Medellín como un buen escenario: "Me gusta cómo prepararon el Atanasio. Es sin palcos, por eso se siente como un verdadero concierto con el pueblo. Me encanta cantar y estar cerca de la gente, sentir que puedo chocar los cinco con alguien. Pero eso es lo que hacen los promotores de allá, y mis respetos para ellos por seguir contratándome", concluyó.Nicki Jam forma parte del cartel de La Eterna, evento que se celebrará el próximo 3 de agosto, precisamente en el Estadio Atanasio Girardot.
Pimpinela, el dúo argentino compuesto por los hermanos Lucía y Joaquín Galán, fue un éxito a finales de los 80 y principios de los 90, gracias a asus cancioens dramáticas con diálogos cantados. Canciones como A esa, Olvídame y pega la vuelta, Ahora decide y Ese estúpido que llama. En uno de los videos de Pimpinela hay un cameo que aún hoy, más de 30 años después de su estreno, sigue llamado la atención: eld el actor Christopher Reeve, conocido por interpretar a Superman. El video musical de Heroína Solitaria"debutó en 1993 como parte del álbum Pimpinela 92. El vídeo retrataba una fantasía romántica que involucraba a una joven secretaria que trabajaba para un poderoso hombre de negocios. A lo largo del vídeo, la trama se desarrolla con deseos reprimidos entre la "heroína solitaria" y su misterioso jefe, que inteligentemente nunca aparece del cuello para arriba, manteniendo un aire de misterio como el objeto secreto de su afecto.La interacción entre Lucía y Joaquín en la canción refleja una lucha constante entre mantener la profesionalidad y ceder ante los sentimientos. El título se refiere a su gran esfuerzo para mantenerse profesional en una situación que claramente la afecta emocionalmente. Mientras el dúo argentino interpreta su sentida canción ante un público cautivado, la trama se complica cuando el jefe olvida sus billetes de avión para un viaje crucial. En una carrera desesperada por entregarlos, la secretaria lo alcanza y le revela que no es otro que el propio Superman, interpretado por el querido actor Christopher Reeve. Reeve reconoce gentilmente su esfuerzo y queda cautivado por la joven.El video fue filmado justo antes del trágico accidente de Christopher Reeve en 1995, que resultó en una lesión en la médula espinal que lo dejó paralizado. A pesar de sus desafíos posteriores, Reeve, quien inmortalizó al superhéroe Superman, continuó inspirando a muchos hasta su fallecimiento, el 10 de octubre de 2004.
El lunes 6 de mayo del 2024, cuatro mujeres lesbianas sufrieron de un grave ataque homófobo en el hostal donde se estaban quedando. Todo indica que el responsable fue el propietario del lugar, Justo Fernando Barrientos de 67 años. El hombre lanzó una botella llena de líquido inflamable dentro de la habitación en donde se hospedaban las cuatro mujeres. Solo una de ellas logró sobrevivir. Pamela Cobbas, de 52 años, murió unas horas después del ataque y su pareja, Mercedes Roxana (52), murió después de agonizar más de 48 horas debido a que su cuerpo estaba en un 90% lleno de quemaduras. Otra de las mujeres, Andrea Amarante (42) logró sobrevivir un poco más. Sin embargo, a pesar de los esfuerzos del equipo médico, murió a la semana del asesinato. La pareja de Andrea, Sofía Castro Riglos, de 49 años, es la única que logró sobrevivir. Sigue bajo cuidado médico en el hospital. El presunto responsable fue encontrado por la policía tiempo después de los hechos intentando quitarse la vida con una motosierra. Lo que sucedió según los testigosSegún otros inquilinos que se quedaban en el mismo hostal de las mujeres, los gritos los levantaron después de la medianoche. Al verlas envueltas en llamas intentaron apagarlas con un extintor pero no fue posible. Por esto, las llevaron a la ducha más cercana. El incendio causado por la botella con líquido inflamable fue de tal magnitud que tuvieron que evacuar a unas treinta personas más ya que se extendió por una parte del edificio. Las manifestacionesPara exigirle al gobierno de Javier Milei y a las autoridades de que se haga justicia, el 13 de mayo del 2024 un grupo de 200 personas se reunió en la Plaza Colombia, donde tuvo lugar el asesinato, con pancartas donde se leí que era necesario abordar la violencia homofóbica. Sin embargo, el presidente Milei afirmó que este no era un crimen de odio y pidió mayor investigación.