Recientemente, J Balvin ha sido tema de conversación en redes por un video publicado en Twitter en el que se observa que es borrado un grafiti con su imagen en la Comuna 13 de Medellín. Según el usuario que publicó el video en Twitter, la imagen fue borrada por “su indiferencia ante el sufrimiento del pueblo”.Sin embargo, según el diario El Tiempo, esa no fue la razón por la que el grafiti fue borrado. El mural de J Balvin fue pintado el pasado 4 de mayo, días antes del lanzamiento de su documental El niño de Medellín, en Amazon Prime Video. Había un contrato para que el mural permaneciera por un mes, que ya se cumplió, para luego ser reemplazado por la obra de otro grafitero, de acuerdo con una fuente citada por el diario.El video causó polémica en redes sociales y planteó dudas sobre la importancia de los símbolos en el espacio público. Juanes se pronunció al respecto. “Me da tristeza esto. ¿Hasta dónde vamos a llegar? ¿Cuál es la línea que divide lo bueno de lo malo? ¿La verdad de la mentira? ¿Acaso no hay muchas verdades a la vez? ¿La de cada uno? Los invito a reflexionar”, dijo el músico en una publicación en su cuenta de Twitter, que posteriormente fue borrada.Lo cierto es que J Balvin ha sido criticado en múltiples ocasiones por su silencio frente a la situación política en Colombia, inicialmente en 2019 y nuevamente ahora.Pero esta no es la única crítica que ha recibido Balvin por estos días. En entrevista con El País publicada el pasado 5 de junio, el músico afirmó: “este es el mal de esta década, las enfermedades de salud mental. Creo que hemos salvado más vidas que cualquier psiquiatra. La música tiene un poder muy grande sobre las masas”. Balvin añadió: “las leyendas, hicieron más que música. Tocaron temas de los que pocos se atrevían a hablar: Madonna, por ejemplo, con la comunidad LGTBQ. A mí me tocó lo de la salud mental”.En los últimos años, Balvin ha sido abierto sobre su lucha con la ansiedad y la depresión. “Ansiedad y depresión son una realidad, tal vez es parte de mi misión en la Tierra hablar de cosas que pocos aceptan y simplemente aceptar que soy humano como todos”, dijo el músico en una publicación en sus redes sociales en 2019. Sin embargo, su frase en la entrevista no cayó muy bien, pues se interpretó como un rechazo a la psiquiatría y al tratamiento médico profesional, algo que resulta contradictorio con declaraciones anteriores en las que invitaba a las personas a ser tratadas por un psicólogo o psiquiatra si padecían alguna enfermedad mental.
Ayer se llevó a cabo el día más "rockero" en la jornada del festival. Punk, rock, garage, surf tronaron con fuerza a lo largo del día. Decidimos preguntarles a los responsables de poner a poguear al público del festival por esos discos inmortales que los han marcado y esto fue lo que nos respondieron.
Desde México llegó Natalia Lafourcade para hacernos cantar a grito herido al ritmo de sus ya conocidas melodías románticas. Por más de una hora el escenario Tigo Music acogió a una de las artistas que tiene ganado el corazón de los bogotanos.
Fotos por Sonografo // @visualreportLa quinta edición del Festival Centro cerró con broche de oro el pasado domingo 12 de enero.Palmeras de Urabá, Papaconyuca, Bendito Parche, Eduardo Cabas, Ensamble Tríptico, Armando Velásquez, Nidia Góngora, Alci Acosta, Los Alegres de Genoy y Sidestepper fue el combo encargado de musicalizar este sexto día donde la música hecha en casa fue la protagonista.Una jornada llena de clásicos colombianos que hicieron que la mayoría de los asistentes llorarán con estas bellas canciones que de seguro nuestros abuelos escuchaban sin parar.- Ver crónica en video - Ver todo el especial
Por: Alfred Lord y Cristian Hernández.La quinta edición del Festival Centro cerró con broche de oro el pasado domingo 12 de enero.Palmeras de Urabá, Papaconyuca, Bendito Parche, Eduardo Cabas, Ensamble Tríptico, Armando Velásquez, Nidia Góngora, Alci Acosta, Los Alegres de Genoy y Sidestepper fue el combo encargado de musicalizar este sexto día donde la música hecha en casa fue la protagonista.Una jornada llena de clásicos colombianos que hicieron que la mayoría de los asistentes llorarán con estas bellas canciones que de seguro nuestros abuelos escuchaban sin parar.- Ver crónica en video - Ver todo el especial
Realización: Cristián Hernández.
Toño Barrio, Tribu Baharú, Comadre Araña, Rancho Aparte, Integración Casanova, Changó y La Orquesta de Lucho Bermúdez, fueron el combo que prendió la fiesta en la Gilberto Alzate Avendaño. Una jornada cargada de salsa, pero también de champeta. Una mezcla de sonidos con todo el sabor propio de la riqueza cultural de los rincones de nuestro páis.
Bizarrap compartió de una forma muy creativa quién será la invitada para su Music Sessions #60. Las tres sesiones más escuchadas del rapero en Spotify son: Natanael Cano: Bzrp Music Sessions, Vol. 59, Quevedo: Bzrp Music Sessions, Vol. 52 y Young Miko: Bzrp Music Sessions, Vol. 58. Además, en este formato ha colaborado con otros grandes artistas como Shakira, Arcángel, Rauw Alejandro y Peso Pluma, entre otros. Ahora, para su sesión número 60 el rapero invitó a la artista dominicana Lismar. Acá les contamos más sobre ella. ¿Quién es Lismar?Patricia Soto Fernández, más conocida como Lismar, es una cantante dominicana de 19 años que en último año ha ido aumentando el reconocimiento en su país. También es conocida en el mundo de la música como Elvira Montana. Se caracteriza por su habilidad de poder rapear en doble tempo, algo que, según medios, hace mucho tiempo no se escuchaba. Los géneros con los que trabaja son el Rap, el Trap y el Drill. ¿Cómo es el video en el que Bizarrap anuncia su sesión #60? El video empieza con Bizarrap entrando a unas oficinas y viendo como un hombre y una mujer (posiblemente sus managers) están colgando un cuadro de él con sus Grammys. El rapero se molesta y para contrarrestar su rabia, el hombre le dice que ya tiene el invitado perfecto para su sesión 60. Después de eso lo conduce a un cuarto secreto (al que se entra levantando uno de los Grammys de la estantería) donde hay una especie de laboratorio. El hombre le dice a Bizarrap que gracias a la inteligencia artificial puede hacer su sesión con quién quiera: Taylor Swift, Justin Bieber, Dualipa...Para demostrárselo, se pone unas gafas muy parecidas a las Apple Vision Pro y le pone a Bizarrap unos audífonos para que escuche cómo quedaría una sesión con Dualipa. Cuando terminan el rapero solo quiere saber quién hizo el beat de la canción. Al no decirle algo concreto y repetirle que ahora todo lo hace la IA, los dos se ponen a pelear. Al final, por supuesto, gana Bizarrap y el plano cambia a él sentado en la calle viendo por las gafas que se rompieron. Ahí empieza a sonar un adelanto de lo que será la Music Sessions #60 con la cantante dominicana Lismar, que aparece a través de las gafas. El corto se titula BZRP.ai y fue dirigido por Armando_Bo y el mismo Bizarrap. ***Les recomendamos leer: "¡Quédate!": Bzrp Music Sessions, Vol. 52 se ha convertido en himno de apoyo a Pedro Sánchez
Shrek 2 ha sido la película favorita de muchos durante estos 20 años y desde que se estrenó se ha destacado entre las otras películas de DreamWorks Pictures. Su fecha de lanzamiento fue el 19 de mayo del 2004, tres años después de que se estrenara la primera parte, y actualmente en IMDb y en Rotten Tomatoes tiene unas calificaciones de 7,3 y 89% respectivamente. Shrek 2 fue la película más vista del 2004 en Estados Unidos. Recaudó $441,226,247 dólares en taquilla a nivel mundial y superó a otras grandes películas como Spider-Man 2 y Harry Potter y el prisionero de Azkaban. Además de esto, fue la primera secuela en ser nominada a Mejor Película Animada en los Oscar. Ese año también recibió la nominación a Mejor Banda Sonora Original. La película fue dirigida por Andrew Adamson (Narnia), Conrad Vernon (Madagascar) y Kelly Asbury (Spirit). Contó con las voces de Mike Myers y Alfonso Obregón como Shrek; Eddie Murphy y Eugenio Derbez como Burro; Cameron Díaz y Dulce Guerrero como la princesa Fiona; Antonio Banderas como el Gato con botas; Jennifer Saunders y Simone Brook como el Hada Madrina y John Cleese y Maynardo Zavala como el Rey Harold. ¿De qué trata 'Shrek 2'?Nuestros dos protagonistas, Shrek y Fiona, vuelven de su luna de miel y es hora de que Shrek conozca a sus suegros, el Rey Harold y la Reina Lillian. A regañadientes los dos aceptan, aunque Shrek esconde su miedo sobre la reacción de los padres de Fiona. Además, no solo se enterarán de que Fiona está saliendo con un ogro, sino que decidió quedarse como una para estar con él. Cuando llegan al reino Muy Muy Lejano, todos quedan atónitos y demuestran su oposición frente a esta unión. Tres curiosidades de 'Shrek 2'Muy pocas personas saben que en Shrek 2 se hace referencia a Justin Timberlake, quien hacía parte en ese momento de la banda NYSYC. El artista es el mismo que sale en el póster de ‘Sir Justin’, con el look que tenía en los inicios de los 2000. Shrek 2 le costó una demanda a Eugenio Derbez. El actor comentó en una entrevista con Yordi Rosado que la agrupación mexicana Clímax lo demandó por cantar sin su permiso en la película la canción de Mesa que más aplauda. Aunque la demanda era alta, Derbez habló con el grupo y estipularon grabar un álbum con el actor cantando la canción en la voz de su personaje. En esta edición, el rostro de Shrek tenía 218 músculos que se controlaban por medio de los mega controles. En el mundo de la animación, estos le permiten a los animadores crear expresiones complejas. *** Les recomendamos leer: 20 películas que cumplen 20 años en 2024
Emilia Pérez es un musical y un thriller en español protagonizado por Karla Sofía Gascón, Zoe Saldaña, Selena Gómez y Édgar Ramírez y dirigida por el autor francés Jacques Audiard. La película se estrenó durante el Festival de Cine de Cannes y tuvo una ovación de nueve minutos después de ser presentada. Es, hasta ahora, la más aclamada. A pesar de que la película habla sobre temas muy complicados, tiene un buen balance a través de la comedia y momentos musicales escritos por la cantante francesa, Camille.Para Karla Sofía Gascón, quien interpreta a Emilia Pérez, todo esto que está sucediendo con el largometraje, que termina siendo un espacio para evidenciar los problemas que atraviesa la comunidad tarns, es una victoria. "Todo esto es una victoria, incluso si las personas no creen que esta película encaje, ganamos igual porque hacer este trabajo fue una verdadera experiencia maravillosa". ¿De qué trata 'Emilia Pérez'?Rita (Zoe Saldaña) es una abogada sobrecualificada e infravalorada que trabaja en México en un bufete que se inclina más en ayudar a los delincuentes que en proteger la justicia. Un día recibe una llamada de Manitas (Karla Sofía Gascón) el líder de un temido cartel de drogas. Rita es recluta para una misión: ayudarla a para que pueda hacerse una cirugía de reafirmación de sexo. La tarea es clara: debe organizar el retiro de Manitas como criminal para que pueda traicionar. Sin duda, Karla Sofía Gascón con su papel de Emilia Pérez es la película homónima, es la revelación del Festival de Cine de Cannes 2024. Selene Gómez, quien interpreta a la esposa de Manitas, afirma que el guión es completamente cautivador y desgarrador. La cantante y actriz (Only Murders on the Building) dice que esta película realmente la conmovió. Por su lado, Zoe Saldaña comenta que es una historia poco convencional. "Creo que es importante tener historias como estas. Mi único deseo es que sea recibida con apertura de corazón y mente". Esta es la sexta vez que el director francés Jacques Audiard asiste al Festival de Cine de Cannes. Su primera película, Watch the Men Fall se estrenó en 1994. Años después, en el 2015, el director se llevó el premio más aclamado: la Palma de Oro por Deephan. ***Les recomendamos leer: Kinds of Kindness de Yorgos Lanthimos: ¿De qué trata la nueva película del director de Poor Things?
No hay duda de que Baby Reindeer o Bebé Reno es una de las mejores miniseries de Netflix en los últimos años. Richard Gadd, un comediante escocés, creó, escribió y protagonizó la serie basándose en dos experiencias de abuso y acoso que vivió en sus veinte. Es una historia emocionalmente desgarradora e importante porque retrata fielmente lo que muchas personas pueden sentir cuando atraviesan este tipo de situaciones. No he leído ni una sola crítica negativa de la serie (más que un comentario en TikTok que dice que está "sobrevalorada") y por el contrario, sé que tiene un 7,9 y un 98% en IMDb y en Rotten Tomatoes, respectivamente. ¿Por qué Baby Reindeer es un caso particular? Baby Reindeer es un caso particular porque, a pesar de que se estrenó a principios de abril, sigue siendo noticia y tendencia. Esto debido a que las personas en internet se dedicaron a buscar las identidades reales de las personajes que salen en la serie, como Martha, Darrien e incluso Teri. Asimismo, un medio de comunicación llegó a entrevistar a la real acosadora de Richard Gadd en televisión. Posiblemente, las ganas de descubrir quiénes son realmente estos personajes tienen mucho que ver con el morbo que causó la serie. Sin embargo, las cosas se estaban poniendo intensas y Richard Gadd tuvo que intervenir pidiendo que dejaran de suponer quiénes eran esas personas. Acá les cuento lo que ha causado este "fenómeno". ¿Quién es Darrien en la vida real? Poco tiempo después de que se estrenó la serie, TikTok se llenó con videos en los que explicaban por qué Sean Foley, escritor, director y comediante británico, era el verdadero Darren. Argumentaban que tanto el actor, Tom Goodman-Hill, y el comediante Sean Foley se parecían mucho y los hechos en la serie cuadraban en sus suposiciones. Debido a las acusaciones, Sean Foley no tardó en manifestarse en su cuenta personal de X (antes Twitter). "La policía ha sido informada y están investigando todos los post difamatorios, abusivos y amenazantes hacia mí", escribió. Por su lado, Richard Gadd publicó una historia en su Instagram defendiendo a Foley. A pesar de esto, muchas personas siguen pensando que Sean Foley es el verdadero Darren. “Estoy convencido de que fue Sean Foley, hay muchos rumores desagradables sobre él en escena”. ¿Quién es Martha en la vida real?Posiblemente antes de que la misma Fiona Harvey se manifestara sobre la serie, TikTok y X ya estaban anunciando que ella era Martha en la vida real. Incluso, el Daily Mail escribió y publicó la identidad de este personaje. Además de publicar sus fotos, encontraron su cuenta personal de Facebook en donde empezó a comentar la serie. En efecto, la mujer sí tiene muchas similitudes con el personaje de la serie: no solo por su aspecto, sino la forma en la que escribe. Así como en la serie, Fiona Harvey es una abogada de 58 años. Harvey aseguró que sí conocía a Richard Gadd y sí habían compartido un poco de tiempo juntos pero que "su historia es una burda intromisión en mi intimidad. No le he visto en 12 años". Además, aseguró que lo iba a denunciar por difamación. “Llamaré a la Policía si alguna vez te acercas a mí. Te voy a demandar a vos, a ese diario y a la tonta que escribió el artículo con vos. Espero que eso te quede claro, incluso para un imbécil como vos. Exigiré que el diario te despida. No me gustas ni nunca me gustaste”.Después de sus declaraciones, Fiona Harvey fue entrevistada por Piers Morgan, el editor, periodista y presentador de televisión británico. Durante el programa, Harvey aseguró que lo que Gadd contaba en la serie de Netflix era una mentira. ¿Quién era Teri en la vida real?Según las búsquedas de las personas en Internet y sus suposiciones, Teri, quien interpreta a la novia trans de Donny, es en realidad Anna de Simone. Esto debido a su parecido físico y porque ambas comparten la misma profesión, psicología. Quienes aseguran que esta es la verdadera identidad de Teri incluso compararon contextos y ubicaciones de la vida del personaje con Anna de Simone para demostrar que sí es cierto. ***Si les gustó la serie, les recomendamos ver: Baby Reindeer: análisis psicológico del 4cos0 en la serie con María Elisa Dávila #35mm | Shock
Después de que Yorgos Lanthimos lograra un fenómeno con Poor Things, una película aclamada por los críticos y muy premiada en los Oscar 2024, llega su nueva producción Kinds of Kidness. El largometraje tuvo la premier mundial en el Festival de Cannes. Emma Stone y Willem Dafoe, protagonistas de Poor Things, también hacen parte del elenco de esta nueva película del director griego. Asimismo, actores como Joe Alwyn (La favorita), Margaret Qualley (Había una vez en Hollywood), Hunter Schafer (Euphoria) y Jesse Plemons (Amor y Muerte), entre otros, componen esta historia contemporánea. Yorgos Lanthimos trabajó con el guionista Tony McNamara en Poor Things y La favorita, pero para Kind of Kidness dirigió el guión de Efthimis Filippou, conocido por escribir Lobster y El sacrificio de un ciervo sagrado. Teaser oficial de 'Kinds of Kidness'¿De qué trata 'Kinds of Kidness'?Aunque no se ha publicado el trailer oficial de la película, Yorgos Lanthimos afirmó que: “Es una película contemporánea, ambientada en Estados Unidos: tres historias diferentes, con cuatro o cinco actores que interpretan un papel en cada historia, por lo que todos interpretan tres papeles diferentes. En realidad, fue casi como hacer tres películas”.Después de su estreno en el Festival de Cannes, se ha calificado como una historia de "canibalismo, cultos sexuales y libertinaje". Además, la desnudez es una parte clave de la trama. Las primeras críticas de 'Kinds of Kidness'A pesar de que en el Festival de Cannes la película tuvo una ovación de cuatro minutos, varios medios ya han publicado críticas en las que se demuestran su decepción frente al largometraje. El periodista especializado en cine, Javier Zurro, escribió una reseña en elDiario.es donde afirma que Kinds of Kindness es un elogio a la crueldad. "No lo es [una comedia graciosa] porque Lanthimos está constantemente preocupado por provocar y epatar. Por ser incómodo y retorcido. Tanto que se pasa de vueltas todo el rato. Disfruta torturando a sus personajes hasta los límites más insospechados. Nunca les da una salida ni una oportunidad". Por otro lado, Nicholas Barber escribe en la BBC: "Por más oscura que siempre haya sido la comedia de Lanthimos, hay momentos en que la crueldad se vuelve casi insoportable". Además, afirma: "Ciertamente, aquellos de nosotros que argumentamos que el sexo y la desnudez en Poor Things eran importantes para la historia de liberación y confianza en sí misma de Bella puede resultarnos más difícil defender Kinds of Kindness". Sin embargo, y dejando de lado estas críticas negativas, las primeras votaciones en Rotten Tomatoes le han dado a la película una puntuación del 95%. Tendremos que esperar a que la película se estrene, el 21 de julio del 2024, para tomar una decisión sobre lo que pensamos sobre Kinds of Kindness, la nueva película del director griego. ***Si les gustó Poor Things, les recomendamos leer: Poor Things: el fastidio que nos genera la libertad - Análisis y significado de la película
El proyecto musical de Anabel y Cristabel Acevedo llegará desde República Dominicana a los rincones de la Fundación Gilberto Alzate Avendaño (de la ciudad de Bogotá) para brindarnos un espectáculo cargado de folk y dream pop en esta nueva edición del Festival Centro.Su sonido alegre ha llegado a festivales como ‘Viva La Canción’ (de Madrid) y ‘El Mapa de Todos’ (de Brasil). Así mismo, hay que resaltar su participación en el ‘Latin Alternative Music Conference’ en Nueva York.Por: Pilar Rendón - @MariaMarchitaShock (S): Contémosle a las personas en Colombia que no conocen mucho de ustedes ¿quiénes son Las Acevedo? ¿Cómo surge la idea que crear este proyecto?Anabel Acevedo (AA): Las Acevedo es un proyecto musical de Anabel y Cristabel Acevedo, somos dos hermanas gemelas. El proyecto ya tiene tres años y en si somos dos personas que hacen indie pop folk, básicamente esos somos (risas)Empezamos subiendo videos a Facebook, haciendo covers de otras bandas y luego un día decidimos formar nuestra propia banda, haciendo nuestras propias canciones (que ya habíamos escrito en la casa). Es que a la gente le gustaba mucho lo que hacíamos en Facebook entonces nos pedían hacer más y más canciones y así fue como terminamos formando esta banda.S: ¿Qué le podemos contar a la gente en Colombia de la escena musical independiente en República Dominicana? AA: La escena de la música independiente en República Dominicana hasta ahora está surgiendo, está muy en sus inicios, hay muchas bandas que están saliendo pero no hay tanto público para presentarle los proyectos por eso mismo nosotras decidimos lanzar nuestras producciones netamente por Internet. Le hemos dado mucho difusión por este medio y así hemos logrado tocar en Madrid, Brasil, Puerto Rico, Nueva York mientras que acá en República Dominicana hemos tocado como dos veces (risas)Desde que empezamos a darnos a conocer como Las Acevedo hemos logrado grabar 3 EP, al principio solo lanzábamos nuestros sencillos y ya, pero luego, con las primeras 4 canciones que dimos a conocer, hicimos un EP que se llamó 'The Weather Smells Like Oranges' y luego de eso empezamos a hacer viajes y demás.S: En una generación que está dominada por lo digital ¿creen que el valor del formato físico ya perdió la importancia que tenía años atrás? AA: Las nuevas generaciones hemos nacido con el lema de lo digital pegado en la frente, entonces es algo que viene integrado ya a nuestro desarrollo, a lo que nosotros conocemos, es muy difícil ver a personas jóvenes comprando discos por estos días, a menos que sean para colección y de seguro es porque tú eres muy fanático de una banda y desear tener el disco de recuerdo o algo así.La versión digital de la música es lo que está dominando en la actualidad y ahí estamos nosotras. Sin embargo, sentimos que ya estamos en una madurez conceptual bastante amplia como para lanzar un disco al mercado, de seguro eso será lo que van a hacer Las Acevedo próximamente. No sabemos si va a ser en formato físico, puede que sí.S: Previamente, hablábamos sobre los EP que han dado a conocer a sus seguidores y cómo éstos les han brindado la oportunidad de viajar por el mundo ¿Qué tan bien han recibido en otros países la música de Las Acevedo? AA: Hemos sentido muy buena recepción, incluso acá, porque cuando no hay una escena y tú lanzas tu música la gente la recibe sin prejuicios, internacionalmente ha sido igual. A la gente le gusta mucho el sonido de Las Acevedo. Ahora que vamos a tocar en Bogotá recuerdo que nos escribían mucho: "Ah, que cuándo van a venir a tocar, que cuándo vienen a Colombia...", pues bueno ya podemos decir que nos presentaremos allá.S: Dirían ustedes que salir de República Dominicana y darse a conocer en otros países ¿fue una tarea sencilla?AA: La verdad sí. Fue fantástico, porque además de darnos a conocer también hemos conocido mucho. Cada vez que vamos a otro país nos empapamos de su cultura de su música y eso nos aporta muchísimo. A veces sentimos que irnos de ese lugar en el que estamos de visita es como dejar a nuestra propia familia. En todos los países hemos hecho muy buenas amistades.Salir de República Dominicana fue muy fácil nosotras ni siquiera lo intentamos, estábamos un día subiendo videos a Facebook y de repente empezamos a recibir mucho feedback internacional. El segundo concierto que tuvo la banda fue en Madrid. Primer tocamos acá y luego en España, realmente fue inesperado. S: ¿Qué expectativas tienen con respecto al Festival Centro?AA: La verdad, esperamos que a la gente le guste mucho. Siempre que tocamos nos divertimos mucho en el performance por tanto queremos que la gente nos reciba de muy buena manera y que disfruten de todo lo que nosotras les llevamos, que reciban el amor que nosotras llevamos con nuestra música.S: ¿Conocen algo de la escena alternativa que existe acá en Bogotá?AA: Sí. Una de las bandas que más me gusta es Bomba Estéreo, igualmente Andrés Gualdrón y Los Animales Blancos, que también van a estar en el festival, y Andrés Correa me gustan mucho. Con Andrés Correa nos conocimos en Madrid cuando tocamos en el festival ‘Viva la canción’ y nada, siento que va a ser una experiencia muy bonita porque escuchar a los músicos colombianos es algo bien bonito. S: En estos tres años de carrera artística ¿qué músicos las ha influenciado en la creación de su sonido?AA: Nosotras estudiábamos música clásica, al principio escuchábamos mucho Chopin, Mozart, Bach y demás, pero después tuvimos una etapa de escuchar mucho metal (risas)... así como My Bloddy Valentine y toda esa onda, es nuestro pasado oscuro. Después de eso llegaron The Beatles, que para nosotras fue como una revelación, luego viene mucho rock and roll de los 60, 70... Hemos sido influenciadas por diversos géneros lo que nos ha permitido crear un estilo de música bastante variado.S: ¿Existe alguna fórmula para la música de Las Acevedo? ¿Cómo la describirían? AA: La fórmula de Las Acevedo es música frutal, porque cuando yo escucho nuestras canciones siempre digo que es como para escuchar debajo de una mata de mango o de un árbol de frutas o en un picnic, algo así, pero siempre es con mucho cariño, muchos colores, cosas bonitas y las situaciones de la vida endulzadas, esa sería la manera ideal de describir nuestra fórmula musical.Todo lo que pasa en la vida, pero coloreado con muchos colores pastel.S: De los países que han tenido la oportunidad de visitar ¿cuál ha sido el que más las ha sorprendido? (hablando de la escena musical alternativa)AA: Un país que nos sorprendió en 2013 fue Puerto Rico, nosotras fuimos en 2012, pero debo reconocer que la movida de estos últimos dos años ha sido increíble. La banda Dávila 666 nos gustó bastante, para nosotras lo mejor de la movida alternativa salió de Puerto Rico (en la escena latina). Cuando uno viaja a países conoce otra música. En México conocimos a Jessy Bulbo, que es una veterana, y nos gustó bastante.S: Para terminar ¿con qué artista les gustaría hacer una colaboración musical a futuro?AA: Me gusta mucho la música de Juan Cicerón, es un músico que yo amo y me gustaría trabajar algún día con él. También me gustaría hacer algo con AJ Dávila, que es todo un tipazo. Quizá son muy roqueros, pero se presta para hacer una combinación como chévere.S: ¿Y un artista colombiano?AA: Además de querer trabajar con Bomba Estéreo nos gustaría hacer algo con Esteman y Dr. Krapula.
Fotos: Santiago Castro. Estuvimos en la Fundación Gilberto Alzate Avendaño en el segundo día del Festival. Una jornada pasada por agua pero que estuvo a reventar y de la que destacamos la soberbia presentación de Velandia y la Tigra y la sabrosura de la agrupación chilena Chico Trujillo. Junto a ellos estuvo la leyenda argentina Ariel Rot, los mexicanos de Porter y las bandas nacionales Schutmaat Trío, Planes y Frankie Ha Muerto.
El primer día del Festival Centro se llevó a cabo en la Fundación Gilberto Alzate Avendaño con tres bandas que dejaron cada una de sus propuestas en el escenario y que pusieron a vibrar los rincones de este lugar que por quinto año recibe lo mejor de la música alternativa nacional e internacional. Al ritmo de La Otra Banda, Alkolirykoz y Revolver Plateado el público asistente disfruto minuto a minuto de estos tres shows que se robaron más de un aplauso. Fotos por: Alejandra Mar - @Alejandra_Mar_
Comenzó una nueva edición del Festival Centro, un espacio capitalino que año tras año reúne en un mismo escenario a las nuevas propuestas musicales alternativas que se apoderarán durante los próximos 365 días de la escena musical nacional.Para darle inicio a esta nueva versión el día ‘señal radiónica’ nos presentó a tres exponentes musicales que nos pusieron a cantar a todos los asistentes a la Fundación Gilberto Álzate Avendaño.La cuota rockera corrió por cuenta de El otro grupo, agrupación samaria cuyas canciones influencias por el sonido de bandas como Zoé y Los Bunkers están comenzando abrirse camino dentro de la radio nacional; y por Revolver Plateado, un trio que el año pasado recibió por parte del público el premio en la categoría ‘Shock Fest Tigo’.Ahora bien, la cuota hiphopera estuvo a cargo de los paisas de Alcolirykoz quienes con sus letras cargadas de sátira y humor negro le dieron la perfecta bienvenida a seis días de buena música hecha en las distintas regiones del globo.Vea también --> Festival Centro 2014: Un primer día cargado de propuestas alternativas
Días previos a que empiece el festival hablamos con Juan Gromgyer, percusionista y parte de la fundación de Chico Trujillo, uno de los proyectos alternativos más interesantes del país austral.Por: Antonio “Rolo” Alarcón - @elroleins Para empezar ¿Cómo recibieron esa buena noticia de venir a presentarse a Bogotá y a Colombia por primera vez?Primera vez, y de hecho, teníamos muchas ganar de ir desde hace mucho. Hubo un par de invitaciones para el aniversario de Bogotá, para Rock al Parque, pero nunca se pudo concretar por temas de logística. Así que llega, por fin.Era una parada obligada, finalmente, ustedes son representantes de un sonido que también es muy importante para nosotros como la cumbia¡Claro! Es como si un grupo colombiano va a tocar tango a la Argentina (risas). Para nosotros ir a tocar cumbia a Colombia es emocionante, surrealista. Pero bueno la cumbia existe en toda América, así que, vamos con nuestra versión.Su música es básicamente una mixtura de sonidos que podrían entenderse como un sentimiento sudaka. ¿De dónde nace esa necesidad por explorarlos?Bueno sí, somos tres los fundadores. Tres miembros que empezamos la banda, tenemos otro proyecto que mezcla punk, rock, reggae, música afro. Es mucho más sicodélica, más agresiva, en algunos momentos más canábica (risas); es como mucho más amplia y menos bailable. En el 99 estábamos en gira por varios países de Europa como Holanda, Austria, Alemania, y allá se nos ocurrió que teníamos que hacer una banda que generara más fiesta, que fuera más latinoamericana, más bailable y la cumbia apareció por si sola, naturalmente sin preguntarse. Va en la sangre y aflora naturalmente, así que, después de esa gira del 99 llegamos a Chile y empezamos a probar sonidos, a invitar gente y a los dos años ya teníamos un formato. La idea era formar una banda que representara más a nuestro continente. Todo lo que es la pachanga.Es como un pensamiento colectivo latinoamericano Sí, eso creo yo. Es como la panamericana musical. Es más que una manifestación. Es nuestra versión de este estilo maravilloso que yo lo cuento hasta sagrado.¿Qué estaban consumiendo, musicalmente hablando, para llegar a producir un sonido tan particular como el suyo?Nosotros somos de ensayar mucho. Encontrar versiones que tenemos en el interior, en el subconsciente, así como jugando; no es como de laboratorio o de sentarse con un lápiz a escribir notas para ver cómo es la teoría, no. Tocando, ensayando e improvisando se van dando cosas que luego se van haciendo parte del arreglo de un tema. Eso es lo rico, que es supervivo, espontáneo.¿Cómo ha reaccionado la gente en distintos lugares del mundo con la música, con el proyecto en vivo?Súper bien. Hemos tenido giras desde que empezó Chico Trujillo. Fuimos a Europa en el 2002, casi todo el año de hecho. Hemos estado hasta en África; en Marruecos. Ahora estamos yendo a Canadá, México y Estados Unidos. Por ahí tocamos en Brasil, en Argentina, Perú… en todos lados. Nos ha ido súper bien en países donde ni siquiera conocen la cumbia. Como ya somos conocidos hay países a donde llegan muchos chilenos, mucho latino que ya la ubica. Ahora nos queda el reto más difícil que es conquistar a los padres de la cumbia (risas). ¿El año de la banda va a transcurrir en giras? Sí, así será. Vamos a recorrer todo Chile, que como sabes bien es muy largo, en festivales de distintas índole en varias ciudades durante el verano y luego en el invierno hay una arrancadita para Europa. En marzo y junio vamos a tener un pequeño espacio de tiempo porque si no, andaríamos muy cansados. En Colombia pasa algo y es que para una banda alternativa es más fácil que gente de otros países y otros continentes les preste atención, sin contar con apoyo o reconocimiento dentro de su propia tierra y para su propia gente ¿funciona igual para ustedes? Sí, un poco. Nosotros antes de ser famosos acá en el circuito viajamos mucho a Europa, tocamos mucho allí, pero yo creo que el reconocimiento máximo lo tenemos acá en Chile. Desde el 2008 o 2009 aquí la cosa se puso muy popular. Los niños cantan los temas y sus padres y sus abuelos también. La música de Chico Trujillo abarca muchas generaciones, suena mucho en la radio, en programas de televisión, en teleseries, entonces como que hubo una cosa mediática fuerte. Y los que no prestan atención a radio o televisión nos ven en vivo en su ciudad. Nosotros hacemos muchos conciertos y al final ese reconocimiento es bien grande aquí.La buena música finalmente, trasciende edades, generaciones y fronterasSí, eso yo lo digo por los conciertos cuando vamos. Como mis hijos también que cantan las canciones, les gustan, los amigos míos son fanáticos y así los abuelos también, entonces como dices tú, traspasan generaciones y también todos los niveles socio-económicos. Es para todos, la población de abajo, la población de arriba. Todo está integradoSí, claro, eso es bueno, eso habla bien de la banda, que la energía del sonido que emitimos está buena.Integrando también a Latinoamérica, sé que han tenido la oportunidad de compartir escenario con bandas colombianasClaro. Hemos tocado con Bomba Estéreo y Systema Solar en festivales como el Roskillde en Dinamarca y el Vive Latino en México. Estuvimos, de hecho en camerinos junto a ellos, compartimos camerino y conocimos un poco más de bandas colombianas que nos gustan como ellos. Bandas alternativas que no necesitan de circuitos populares. Nosotros somos una banda que con lo que hemos logrado no necesitamos ni queremos hacer parte de un festival como el Viña del Mar que resulta ser muy televisivo y muy farandulero. Al final preferimos vivir tranquilos con nuestras ideas tranquilas y no sobrexponernos tanto, y hay un montón de bandas que están en las mismas también, tocando tanto como sea posible. Estamos viendo a toda Latinoamérica en estos últimos 10 años creciendo rápidamente en estos aspectos. Europa y Estados Unidos quizá nos llevan un poco la delantera en eso de lo técnico y lo operativo, pero ahora nosotros tenemos la delantera en la música, que es una música con mucha más garra, mucho más sentimiento y que hace bailar hasta al mas tieso de los alemanes, entonces, tenemos ese poder en nuestras manos, falta concretarlo y hacer mejores festivales.
Por: Luis Fernando Mayolo y Cristian Hernández.Venciendo las inclemencias del clima y recargándonos de energía con mucho rock and roll y propuestas que se involucran mucho más en el terreno de la fusión, estuvimos de fiesta en el Festival Centro 2014. Destacamos la soberbia presentación de Velandia y la Tigra y la sabrosura de la agrupación chilena Chico Trujillo. Junto a ellos estuvo la leyenda argentina Ariel Rot, los mexicanos de Porter y las bandas nacionales Schutmaat Trío, Planes y Frankie Ha Muerto. En este videoclip hicimos el ejercicio de preguntarle a los fanáticos sobre cómo les mueven las fibras cada una de estas bandas y a los artistas sobre la visión que tienen de ellos mismos. Un experimento existencial propio de un género como el rock, que en cuanto a música ha sobrepasado los formatos tradicionales para involucrarse en la creación de nuevos sonidos y con respecto a lo espiritual se mantiene vivo en la actitud de todos los que día a día se la juegan por vivir el mundo a su manera.-Ver galería-Ver especial
Desde Guadalajara, su hogar y punto de partida, nos contestó Víctor Hugo Laverde, guitarrista y fundador de la banda mexicana para contarnos un poco sobre su regreso, sus nuevos planes y su presentación en el Festival Centro 2014.Por: Antonio “Rolo” Alarcón - @elroleinsNacieron, fueron muy importantes para el circuito local, abandonaron el proyecto en un momento clave y luego regresan. ¿Cómo ha sido toda esa transición? ¿Por qué irse en ese mejor momento?Sí, ha sido como cuando tienes una novia y primero la quieres y luego te peleas, luego la dejas, luego vuelves… ya sabes ¿no? Ha sido una situación bastante loca la de nuestra banda, empezamos en el 2004 y estuvimos hasta 2008. Recuerdo que tocamos en Coachella y luego decidimos descansar, las cosas no estaban de lo mejor entre nosotros y ahora con el Vive Latino del 2013 decidimos volver. Hablamos los cinco y dijimos: “bueno, pues hay que intentar las cosas”. Tocamos, compusimos una canción que se llama ‘Quiosco’, que regalamos por internet, y después de eso Juan -que era vocalista de Porter- dijo que no quería continuar por hacer su proyecto en solitario y nosotros, por otro lado, dijimos que sí queríamos continuar. En ese momento por coincidencia mágica de la vida nos encontramos a David Velazco quien es el actual vocalista de la banda y con quien estamos componiendo nuevas rolas y preparándonos para lo que se viene. Una carrera resumida en un minuto y 26 segundos(Risas) Es el mejor resumen de todo. Se dice fácil pero, pues digo, ahora sí que lleva muchísimas cosas ¿no? La verdad es que siempre hemos creído que para nuestra banda, que para hacer algo necesitamos estar listos y para estar listos necesitamos sentir que estamos listos. Entonces, ahora sentimos y sabemos que lo tenemos que hacer y aunque no contemos con Juan, quien fue un gran compañero, un gran, digamos, maestro musical al lado de nosotros, también contamos ahora con David quien llega y se adapta increíblemente a lo que queremos con Porter y al sonido de Porter. Un sonido experimental que trata de romper el esquema. Él se adaptó muy bien e incluso ya hicimos una canción que marca el nuevo comienzo para nosotros.Un nuevo comienzo después de tantos añosSí es un nuevo comienzo de todas las bandas, de la vida de las bandas. Como en algún momento, no sé, Dave Grohl tuvo su etapa con Nirvana, en otro momento con Foo Fighters. ¿Cómo ha sido la reacción del público frente a todos estos procesos?No ha sido fácil. Habíamos parado en el 2008 y luego ahora en el 2013 que volvimos a intentar hacer el Vive Latino y que queríamos hacer un disco, pues las cosas no se volvieron a alinear con Juan pero creemos que tenemos un mensaje que dar a través de la música y de alguna manera entendemos o hemos logrado entender que con el tiempo Porter se ha empezado a convertir en algo más que sus propios integrantes. El hecho de cambiar es una decisión muy fuerte que nos llevó como seis meses, pero la respuesta, luego de haber hecho la canción nos dio la señal que necesitábamos. Estamos muy felices por haber podido trabajar con David pues ya lo habíamos intentado hace como cinco años pero no estábamos como muy conectados en ese entonces. Hay algo que siento que pasa con Porter, y es que si bien, es una banda que está muy al sonido de vanguardia de hoy día, en términos de industria, alternativa y en sonidos experimentales del mundo, me transporta también, como a esa melancolía de los noventa como a discos como el Ok Computer de Radiohead o el Mellon Collie and the Infinite Sadness de The Smashing Pumpkins , como a ese momento que fue tan importante para lo que sucede hoy en día también. Es como relacionar a Guadalajara y lugares como Inglaterra o Estados Unidos. Desde muy chiquitos, escuchábamos The Cranberries, Radiohead, todas esas bandas. Escuchábamos también música electrónica de Alemania y de Estados Unidos, pero al mismo tiempo, también escuchábamos lo que pasaba en nuestra ciudad y nuestro país. Entonces la relación es que somos consumidores de cosas que han alimentado al mundo y nuestra música creo es una mezcla de todo eso. Es una gran mixtura entre todos estos tipos de sonidos Sí, cuando queríamos definir nuestra música en un principio era muy complicado porque nosotros hacemos música experimental que partía de tres géneros. Pero luego decíamos que no era solamente experimental. También es pop ¿no? Entonces, ya decíamos al final, vamos a ser todo y nada al mismo tiempo. Yo creo que Porter es una banda que siempre va a tender a renovarse a experimentar, no tenemos una escuela muy clásica, casi todos somos empíricos, aprendimos a tocar los instrumentos de una manera no convencional que también nos permite montar muchas cosas más orgánicas. Además es bueno también escuchar música de todo el mundo, sobre todo escuchar cosas frescas, nuevas. Y por nuevas no me refiero solamente a que salieron a finales del 2013 sino que sean nuevas para mí.Obviamente cada disco sale de lugares muy distintos pero sin embargo, hay una liga que tiene que ver mucho con la subjetividad, con la melancolía. No tiene que ver con la melancolía con la que nacemos sino con las alegrías, y con las fantasías. Entonces, creo que Porter siempre se ha caracterizado por ese hilo conductor donde la melancolía, la fantasía, el surrealismo pienso que nos ha permitido volar. ¿Cómo fue esa experiencia del Vive Latino?Fue impresionante. Tres años y medio sin tocar en vivo y de un momento a otro estás frente a 70 mil personas. Es un compromiso muy fuerte, además llegas al ensayo y no te sabes ni una de las rolas que tocabas. Fue mágico. Fue darnos cuenta que Porter está más vivo que nunca y sobretodo nos dimos cuenta de lo que había crecido la banda en nuestra ausencia. Eso fue lo más impresionante de todo, darte cuenta como la música hizo crecer la banda a un nivel que no nos podíamos imaginar. La banda está más chula que cuando la dejamos y eso es algo muy raro pero muy bonito para nosotros. Inmediatamente después de Vive Latino ¿piensan en seguir y en entrar a grabar? Sí, justo después de esto, ya con David en la banda, dijimos: ¡Órale aquí hay algo ¿no?! Estamos trabajando en un disco que se va a llamar Moctezuma, el cual pensamos que estará listo para finales de febrero. Aunque eso puede cambiar, ya sabes que la música no se sabe cuando pueda estar lista.¿Hacia dónde apunta el sonido de este nuevo disco? Queremos empezar a incorporar muchos sonidos que nos remitan a nuestras tradiciones. Recuerda que el disco se llama Moctezuma, un tributo a nuestros orígenes como mexicanos. ¿Qué expectativas hay del concierto en el Festival Centro?La verdad es que en esta etapa de Porter queremos y creemos que tenemos que salir fuera de México para seguir comunicando con la música. A seguir transmitiendo con la música, ahora que se dio la oportunidad de que nos invitaran, estamos bien contentos de ir para allá.
El Festival Centro reunirá en 2014 a más de 30 artistas nacionales e internacionales que llegarán a Bogotá para darnos a conocer de cerca sus diversas apuestas musicales. En un aporte cultural y artístico a la revitalización del centro de Bogotá, a través de una pluralidad en su oferta musical y con una programación artística fresca, diferente y alternativa para todos los gustos llega el 7 de enero una nueva edición de este festival que culminará con la presentación de siete grandes exponentes nacionales. A continuación les presentamos a los artistas nacionales que harán parte del Festival Centro 2014:
El 2014 inicia con una gran movida en la escena musical gracias a la nueva edición del Festival Centro. Más de 30 agrupaciones nacionales e internacionales se presentarán entre el 7 y el 12 de enero en el marco de la quinta edición de esta fiesta que da a conocer lo mejor de la música alternativa nacional e internacional. El espacio que abre las actividades musicales en la capital del país, desde el corazón de la ciudad, en las calles del centro bogotano contará con una amplia gama de músicos que se presentarán durante los cinco días de fiesta. Una muy bien curada lista de artistas, igual que en años anteriores, que cuenta con proyectos de Estados Unidos, Chile, República Dominicana, México, Uruguay, Venezuela, Argentina, Ucrania y por supuesto Colombia, representada por una cuota de sonidos que hablan muy bien por el circuito de música alternativa nacional. Las bandas programadas para el Festival Centro 2014 son: 7 de enero: Día Señal Radiónica: El Otro Grupo - 5:00PM (Entrada Libre) Alcolirykoz - 6:30PM (Entrada Libre) Revolver Plateado - 8:00PM (Entrada Libre) 8 de enero: Chico Trujillo (Chile) - 3:00PM ($10.000) Frankie Ha Muerto - 4:00PM ($8.000) Velandia y la Tigra - 5:00PM ($10.000) Schutmaat Trío - 6:00PM ($8.000) Porter (México) - 7:00PM ($12.000) Planes - 8:00 PM ($8.000) Ariel Rot (Argentina) - 9:00PM ($15.000) 9 de enero: Diana Ángel y Juan Gabriel Turbay - 3:00PM ($10.000) Las Acevedo (República Dominicana) - 4:00PM ($8.000) Comisario Pantera (México) - 5:00PM ($8.000) Julián Mayorga Muelle $8.000 Andrés Gualdrón y Los Animales Blancos - 7:00PM ($8.000) Ulises Hadjis (Venezuela) - 8:00PM ($10.000) Natalia Bedoya - 9:00PM ($10.000) 10 de enero: Mucho Indio - 3:00PM ($8.000) Martín Buscaglia (Uruguay) - 4:00PM ($8.000) Dahka Brahka (Ucrania) - 5:00PM ($10.000) Mitú - 6:00PM ($10.000) Kat Dahlia (Estados Unidos) - 7:00PM ($10.000) Helado Negro (Estados Unidos) - 8:00PM ($8.000) Canalón de Timbiquí - 9:00PM ($12.000) 11 de enero: Comadre Araña - 3:00PM ($8.000) Changó Muelle - 4:00 PM ($8.000) Toño Barrio Latin Groove - 5:00PM ($10.000) Rancho Aparte - 6:00PM ($8.000) Integración Casanova - 7:00PM ($12.000) Tribu Baharú - 8:00PM ($10.000) La Orquesta de Lucho Bermúdez - 9:00PM ($12.000) 12 de enero – Día Señal Radio Colombia: Palmeras de Urabá - 11:00AM (Entrada Libre) Papaconyuca - 12:00M (Entrada Libre) Bendito Parche - 1:00PM (Entrada Libre) Eduardo Cabas - 3:00PM ($8.000) Ensamble Tríptico - 4:00PM ($8.000) Armando Velásquez - 5:00PM ($12.000) Nidia Góngora - 6:00PM ($8.000) Alci Acosta - 7:00PM ($12.000) Los Alegres de Genoy - 8:00PM ($8.000) Sidestepper - 9:00PM ($12.000) Visite nuestro especial en el siguiente link: FESTIVAL CENTRO 2014.
De un parche de músicos (de los más brillantes que ha parido este país) que se fueron juntando y haciéndose amigos, del jamming que se armaba en la casa de alguno de éstos cuando la mayoría pedía que la fiesta no terminara.De la cabeza del llegando desde Goyo (ChocQuibTown), Jimena Ángel, Érika Muñoz (Eka), Humberto Pernett, Liliana Montes, Kike Egurrola, y Janio Coronado, entre muchos otros de los actuales abanderados de la nueva música colombiana que está tomándose el mundo, larse en la radio), Hoy tenemos y Lo gozo, sino que un nuevo disco también parece estar preparándose bajo la dirección de Blair. La banda quinceañera es, de lejos, la mamá de los pollitos. El referente más importante Sidestepper inglés Richard Blair y sus experimentos improvisando letras y fundiéndole nuevos sonidos a sus bases electrónicas en una fiesta que debió hacer sudar hasta las paredes, nació Sidestepper.La banda, que se formó como un gran soundsystem al que fueron este 2011 cumplirá 15 años de haber sido oficialmente formada. Y para celebrarlo no sólo ha decidido publicar bajo el sello Polen Records The best of 1996-2011 con canciones emblemáticas como Deja, Más papaya (la única que por la época pudo coque tiene hoy la nueva electropical colombiana. ¡Salud, gran sensei!
Julián nació en Ibagué, le saca chiste a todo, ama el ruido y la experimentación sonora, manipula juguetes musicales electrónicos, tiene proyectos alternativos como Bicicleta, Pedro Huérfano y La Pequeña Sintética, co-fundó un colectivo artístico llamado Mantarraya, hace dibujos e ilustraciones, y a veces se arriesga a hacer videos y animaciones. Pero cuando se trata de su proyecto en solitario, las canciones toman un color más suave y acogedor. La delicada voz de Julián se junta con acordes de guitarra acústica, una superposición de loops y texturas digitales y, a veces algo de beat- box.Luego de haber distribuido algunos Ep de manera independiente, en el 2010 lanzó su primer disco físico titulado 'Maquinaria para desmedir el tiempo', en el 2011 'Manual para moverse libremente bajo la lluvia, y actualmente se encuentra promocionando su más reciente trabajo discográfico 'Criptobiosis'.
Por Santiago Arango @Santiagohagalau Foto MaxíazUn grupo que nació en medio de la guerra del narcotráfico en la Medellín de los 90 eligió el rock como metáfora para frentear la muerte. Damas y caballeros: los primeros góticos de Colombia.No dejes que te atrapen los esparcidores de pasiones tristes”. Sin duda, una hermosa frase de una hermosa canción. Llamada La culpa, muchas personas han interpretado este tema como un llamado a descargar ese madero pesado, esa carga que tan bien saben administrar las religiones. Los creadores de esa reflexión son ‘los primos’, como suelen saludar en la calle o en conciertos a los fundadores del post punk (para otros, también, los papás del gótico antioqueño) en Medellín.Con casi 21 años de trayectoria, cuando el circuito musical de Medallo aún era pipiolo, este combo fue el primero en la historia de la escena paisa en arriesgarse a incorporar elementos escénicos como flores, muñecas ahorcadas, maquillaje, megáfonos, televisores destruidos, danza y otros elementos en su show. Considerados en la ciudad como una banda de culto, respetados justamente como un enigma que tarda en descifrarse, a lo largo de su carrera ‘los primos’ han sido capaces de mutar como un camaleón pero sin jamás perder su sello de búsqueda, transformación y pensamiento.La trascendencia de este grupo se entiende porque desde su primer álbum homónimo, lanzado en 1995, consolidó un discurso y sonido propios (nadie en Medellín suena como Los Frankie), destacándose por su capacidad de crear universos y personajes apocalípticos y cotidianos como el Señor X para contar historias que ayuden a preguntarse por la realidad nacional a inicios de los 90. En su clásico Padre Nuestro, el sicario implora bendiciones antes de asesinar: “Madre Santa, Virgen pura, protégeme al matar…” Es una banda generacional.Hablar de este grupo es rastrear el poder de la palabra, de su fuerza transformadora y veneno enloquecedor.Eso queda claro en líneas tan contundentes como “un filo cortante en mi boca: la palabra” de la canción Medellín p.m.: La conflagración, o en fragmentos como “todos los muertos llevan afán” de Mortaja de letras, un llamado a hacer un stop a las rutinas salvajes (pues finalmente todos seremos polvo). Atrevidas e inteligentes, las canciones de sus tres álbumes son verdaderos himnos que hablan de la necesidad de reflexión y de zafarse de las violencias, de la importancia del valor máximo final: el de la humanidad.Por eso no es extraño encontrar ideas en sus canciones en torno a la obra de grandes como Rimbaud, Nietzsche o Bataille, quienes han sido alimento al igual que otros autores en el discurso frankista. Postpunk gótico, tintes de metal y hasta fraseos hip hop, hacen de este un grupo ecléctico de rock teatral con personalidad propia, reconocido además por contar con uno de los mejores letristas de la música local: Fabio Garrido, su vocalista quien es acompañado por Mario en los tarros, Juan y Caliche en las guitarras, Alex en el bajo y Luna en el teclado.Después de pasar por el Festival Estéreo Picnic 2011, tocar en el Festival Internacional Altavoz y tras ser la primera banda de rock en dar un concierto en el Festival Internacional de Poesía de Medellín, entre muchos otros logros, el grupo actualmente presenta su cuarto álbum de estudio, una placa dedicada, según Garrido, “a todos los que padecen esa tragedia de la desaparición y el desplazamiento forzado, a sus familias que soportan el drama y a todos aquellos que por su silencio obligado se han convertido en Extraños en este país”, tal como se titula el trabajo. Al álbum, grabado en estudios El Pez y producido por el grupo, lo recubre un manto sombrío, casi existencialista. Las catorce canciones que lo integran están divididas en dos caras, a lo casete: Cara A, Extraños en este país, y Cara B: Diles por favor que no me maten.
Por Jenny Cifuentes// @Jenny_CifuFoto Gustavo Martínez // @tavomartinez_Lo que comenzó en el 2008 como un cabildo entre indígenas y artistas urbanos para mantener vivo el pensamiento ancestral, terminó en un encuentro sónico-espiritual. Esta es la última visión de un visionario musical.Cantos indígenas amplificados en tarimas citadinas. Melodías ancestrales hermanadas con bajos, baterías, secuenciadores. Rockeros, jazzeros y grafiteros aliados con músicos de los pueblos originales, haciendo canciones de las tribus, tatuándolas en las paredes de la urbe con stencil. Así es Mucho Indio, un combo liderado por el guitarrista, estudioso del folclor Cantos indígenas amplificados en tarimas citadinas.Melodías ancestrales hermanadas con bajos, baterías, secuenciadores. Rockeros, jazzeros y grafiteros aliados con músicos de los pueblos originales, haciendo canciones de las tribus, tatuándolas en las paredes de la urbe con stencil. Así es Mucho Indio, un combo liderado por el guitarrista, estudioso del folclor homónima en solitario, con proyectos como Los Virus, Manguala y La Latonera, y con la agrupación que aún engrosa, la gran propagadora del electrocumbé y otros demonios: Sidestepper.Desde hace años, Ocampo y sus amigos realizan expediciones a las fuentes de ritmos indígenas en el Cauca, la Sierra Nevada de Santa Marta, La Guajira y el Amazonas, encontrándose allí con artistas ancestrales que les han compartido su sapiencia sonora. Con taitas que, por dosis controladas y de viaje en viaje, han ido revelándoles los misterios de su música sagrada. Todos estos hallazgos se reflejan en un primer disco fascinante, homónimo, grabado por completo en los lugares recorridos y en el que participan intérpretes nativos como Julio Torres, Victoriano Piñacué y la arhuaca María Teresa Villafañe, con cortes en los que instrumentos wayúu de pastoreo o flautas nasa –que para muchos serían piezas de museo– se mezclan con guitarras, bajos, baterías y percusiones ejecutadas por Teto, Gilbert Martínez, Pedro Acosta y Carlos Rengifo, en composiciones en las que se desengrasa el esquema rítmico de géneros urbanos como el rock o el jazz y se ahonda en las frecuencias, tiempos y afinaciones de las músicas de nuestros indios.En la placa, conducida por Teto, producida por Richard Blair, mezclada por John Dent (que reluce en los créditos de trabajos de Santogold o PJ Harvey), y puesta en los oídos de la gente desde agosto por Polen Records (Bomba Estéreo, La Derecha), se oyen piezas basadas en música ritual del pueblo cubeo del Vaupés y en cantos arhuacos de la Sierra Nevada de Santa Marta, evocaciones de melodías de marcha de la comunidad nasa del Cauca, canciones inspiradas por el toque de trompa de un palabrero del desierto en La Guajira… Según el guitarrista, “el sonido de Mucho Indio es costeño y boyacense, es la sonoridad del acordeón arhuaco, son los pasillos nasa, las canciones muinane, las tonadas de los huitoto, pero de ninguna manera música andina. Es la búsqueda del futuro en el pasado”.Con este proyecto, Mucho Indio pretende rescatar para las nuevas generaciones la sabiduría ancestral y, por medio de la música, mantener la conexión con lo indígena. Como Teto lo plantea: “Mucho indio’, una expresión usada por algunos como un insulto, para nosotros es música, un escape del caos, es nuestra guía espiritual. El encuentro con nuestros ancestros: la llave para entrar en los nuevos tiempos”.
Por Jenny Cifuentes// @Jenny_CifuFoto Gustavo Martínez // @tavomartinez_Las descargas picoteras se mudan a la capital con una banda de sangre caliente que les mete candela a los oídos rumberos y que capta cada vez más peregrinos que siguen la vía del baile.Bajo las consignas del vacile, encomendados al alto voltaje, al colorido, a los sonidos de los picós (gigantes soundsystems), y buscando subir el volumen champetero, músicos de Barranquilla, Cartagena, San Basilio de Palenque, Turbaco, Apartadó y Moniquirá, armaron un combo “afrochampetúo” en Bogotá.Marcados por el soukous, la soca y el calypso, agarrados a lo más root de la champeta, e inspirados por vibraciones de Kanda Bongo Man, Louis Towers o Anne Swing, funcionan siete cerebros prolíficos que rebosan de sabor: Boricua (guitarrista, productor y compositor), Makambille y Shaka (vocalistas), DJ Monosóniko Champetúo (teclado, placas y efectos), Chindo Bass (bajo), El Rob (saxófon), Moniki (congas) y Pocho (director y baterista). “Nuestro objetivo es instrumentalizar la música picotera, la que tiene raíz africana y que llegó al país a través del picó, una cultura que crece aquí hace más de seis décadas. Estamos enfocados en el baile, buscamos compartir el ambiente picotero y ponerlo en tarima. Somos como un picó, pero en vivo”, explica Pocho.Esta tribu que hace mover el esqueleto al público desde sus primeros compases, despliega letras jocosas centradas en las mujeres y los amantes del baile, y ha logrado sacudir caderas en encuentros como El Sierra Mar Fest en Santa Marta y El Mercado Insular de Expresiones Culturales de San Andrés con canciones como Ingrid o El Besito.Hace un par de semanas publicaron su EP Pa’l más exigente bailador, que incluye los cortes El Negro del Caribe y Made In Tribu Baharú: tracks con vientos, placas y guitarras deliciosas que bombardean al subconsciente el “ponte bacano que hay baile hoy” que cantó el Joe Arroyo, y con los que, como ellos dicen: “cualquiera se bebe una plata ajena”.
Por: Luis Fernando Mayolo - @mayolitoAriel Rot no se considera ni argentino, ni español, afirma que a estas alturas de su vida no entiende porque una persona no puede ser de todas partes, tal vez porque se ha pasado recorriendo el mundo con su música, pero sobre todo viviendo con intensidad algunos de los momentos más eufóricos del siglo pasado en España y Argentina.Para los que no lo conocen su historia con Tequila y Los Rodríguez lo catapultaron a la fama a finales de los 70 y principios de los 90, pero sería su faceta como solista la que lo consolidaría como músico.De eso ya hace cerca de 30 años.Curiosamente sería en este momento de su vida, con un corazón maduro y machacado, como dice en el prólogo de su más reciente álbum 'La huesuda' el periodista Federico Oldenburg, que en su ruta se metería nuestra querida Bogotá.Rot se presentará el próximo 8 de enero en el Festival Centro, con un espectáculo íntimo en el que estará solo en el escenario interpretando varios instrumentos y mostrando cómo se reinventa un artista todos los días.Hablamos con él sin afanes poco más de 20 minutos, aprovechando uno de sus momentos de esparcimiento al caer la tarde en su hogar. El resultado, una diáologo sobre el rock and roll, la libertad, su historia y por supuesto, sobre 'La huesuda'.Shock: La Huesuda' es un viaje musical por el rock and roll británico, la melancolía del rock argentino, el tango, el jazz y muchos otros ritmos que generan muchas emociones. ¿Cuál es la visión que tiene usted de su propio disco?Ariel Rot: Es probable que sea mi disco más sensible y personal, que se sale de muchos clichés del rock an roll que siempre estuvieron muy emparentados conmigo. No es la primera vez que aparecen diversos géneros en mi propuesta, pero en esta ocasión me lo tomé con más libertad, eso sí, siempre desde el rock. Están presentes además mis raíces, el rock argentino de los años 60 y 70 de los que soy contemporáneo, que se filtró de una manera natural en mí, porque era un chico inquieto que iba a todos los conciertos que podía.Cuando habla de alejarse de los clichés del rock and roll, ¿a qué se refiere?Hay muchos clichés, pero me refiero a una cuestión de sonido y composición ligada a los Rolling Stones, Chuck Berry y Tequila. Eso sería una larga charla tal vez para otra oportunidad, porque el rock que surgió como un sinónimo de vanguardia y de libertad, pero con el tiempo se fue uniformando y adoptado clichés basados más en el envoltorio que en la sustancia. Hablo de las vestimentas, los tatuajes e incluso de la actitud.Debe ser muy difícil reinventarse después de 13 discos como solista. ¿Cómo hace para no repetirse y explorar nuevos caminos?A veces son las circunstancias las que marcan eso. Este disco está muy influenciado por una gira que hice el año pasado, con la que llegaré a Bogotá, 'Sólo Rock'. En este tour por primera vez salí solo al escenario, sin músicos, interpretando el piano, la guitarra eléctrica y la acústica. El show que estará dividido en tres tercios será el mismo que presentaré en el Festival Centro. Este formato tiene un importante grado de dificultad, lo que me obligó a darme otro empujón como artista y descubrir nuevos matices para expresar mi música. Esto ha sido un antes y un después en mi carrera. Este show que llegó de manera casual a mi vida, se transformó en algo importante, a tal punto que 'La Huesuda' parte de ahí, ya que la compuse en esta atmósfera. Son cosas que inyectan una nueva energía en tu obra.En el librito del disco hay una frase de Federico Oldenburg que dice: "si de lo que se trata es de escribir canciones sensibles y cantar dolorosas verdades, es más apropiado un corazón maduro y machacado, que un jovial arrebato". Es una idea que justamente está en la ruta de lo que hablamos...El rock siempre se asocia a la etapa juvenil de la existencia, con buenas dosis de rebeldía y diversión, pero cada etapa de tu vida tiene un mensaje detrás y el rock se acopla perfecto a ello. Eso lo estamos demostrando muchos de mi generación, tal cual como Lou Reed, hasta la muerte.¿Qué recuerdos tienes de esa era maravillosa del rock argentino?. De Charly, Fito, Cerati..Casi que lo viví como espectador, porque me radiqué en España desde muy chico. Tal vez la única vez que coincidí con ellos fue en Caracas en un festival. Con los Rodríguez apenas estábamos comenzando y no nos conocía nadie. Fue muy divertido porque ahí estábamos todas las bandas en un mismo hotel.Esta época la vivió como un espectador porque se tuvo que ir a España huyendo de la dictadura argentina... Esa década la viví mitad en Madrid, mitad en Buenos Aires y tuve la oportunidad de vivir los momentos más eufóricos de los dos países. Llegué a España en el 76 y viví todo el cambio y la explosión de la libertad y la puesta al día en la modernidad. Ahí no fui solo un espectador, sino protagonista con Tequila. Luego me fui en el 85 para Argentina y experimenté ese estallido de la democracia, de poder vivir la calle sin temor. Eso evidentemente hizo surgir toda clase de grupos y actividades interesantes.¿Entonces se siente argentino o español?No podría explicarlo, pero a estas alturas no me siento ni español, ni argentino. No entiendo porque uno tiene que ser solo de una parte.En su momento fue un acto de valentía el lanzarse como solista luego una historia memorable en Los Rodríguez y Tequila...Nunca había sido solista, eso fue lo más complicado de todo. Había tenido una experiencia de la cual salí bastante tocado, porque nunca me sentí cómodo en aquella época. Pero cuando se acabaron Los Rodríguez no encontraba una ruta para tener otra banda. Tuve que hacer entonces un trabajo emocional y musical, y pasar de ser un guitarrista que estaba en un costado del escenario a ponerme en el centro, ser autosuficiente, componer mis propias canciones, cantarlas y ser el frontman del espectáculo. Fui de a pocos, lento. Con un año de anterioridad sabíamos que Los Rodríguez terminarían, pero se pospuso por una gira que nos propuso Joaquín Sabina. Un año raro en el que prácticamente no hubo actividad con la banda. Entonces aproveché y armé una agrupación pequeñita en la que hacíamos varias canciones, que luego hicieron parte de mi primer disco. Ahí adquirí tablas sin compromiso. Cuando llegó la hora de la verdad, ya tenía cierta experiencia y seguridad.¿Por qué reinterpretar 'Debajo del puente' en 'La Huesuda'?Es curioso lo que pasa con un repertorio sobre todo cuando ya tienes más de 30 años de carrera. Los temas de repente aparecen. Hoy mismo le he dado una nueva vuelta a una canción mía de hace 15 años. ¿Por qué? estaba aquí con la guitarra y de repente surgió pensando en el show de Bogotá. De esta manera le di a un rock and roll un aire más de blues y ranchera. Es curioso. Así apareció 'Debajo del puente', no fue una visión mercantil. De todas maneras fue el primer texto adulto que escribí y se adapta perfectamente a mi repertorio actual. Hoy ese mundo marginal que retrato tiene una nueva lectura, que había que sumergirse para encontrarlo, hoy ya salió a la superficie. Lo vemos en la calle, en las oficinas y en los despachos.Hay canciones que el público adora y los artistas nunca vuelven a interpretarlas. En su caso, ¿cómo manda al olvido temas que le ayudaron a construir su carrera?Hay distintos motivos. Cuando sacas un nuevo disco es como un cambio de piel y hay trozos que se quedan en el camino. En el show tienes que decidir cuántos temas nuevos vas a interpretar y cuántos vas a rescatar del pasado. En ese momento hay canciones que pasan al olvido y ahí se quedan, hasta que el público te los pide. No tengo complejos en ese tema y no me hago de rogar mientras esa canción tenga sentido. Sino tocaríamos 100 canciones en los conciertos.¿Cuáles son sus expectativas sobre su presentación en el Festival Centro?A estas alturas de mi vida no creo en los milagros. Para mí es ya algo impresionante poder ir a sitios donde nunca he estado para que conozcan mis canciones y mi música. El gran objetivo sería, si hay suerte, que Colombia se convierta en uno de esos destinos donde me invitan a tocar de manera frecuente, sin pensar en grandes estadios, ni grandes despliegues. Espero incorporarlo a mi ruta.Finalmente, ¿por qué seguir siendo un testaduro rockero?El rock es dejarse llevar, es triste que se convierta en uniforme. Es libertad, ser uno mismo.