En un par de meses Shakira cumplirá 30 años de carrera artística, pues su primer disco con Sony Music titulado Magia fue estrenado en junio de 1991. A lo largo de estas tres décadas de vida artística la cantante barranquillera ha girado por todo el mundo con cuatro giras mundiales y múltiples eventos de promoción. Además ha logrado ser #1 en países que, según cuenta ella, no sabia que existían. Para leer | 'Pies Descalzos’ de Shakira cumple 25 años: cuestión de tiempo y fe Shakira constantemente asegura sentirse inspirada por el trabajo de sus colegas y les ha rendido homenaje interpretando sus canciones en vivo. Aunque en muchas ocasiones ha sido atacada, principalmente por sus versiones de canciones de bandas de rock, la artista hace caso omiso y sigue prestándole su voz a temas que la inspiran. Vale la pena decir que hay seguidores de esas bandas que también reconocen el poder escénico e interpretativo de Shakira cuando se mete en el papel de rockstar.}Esta selección incluye covers de Metallica, AC/DC, Aerosmith, John Lennon, Mercedes Sosa, Joe Arroyo, Elvis Presley, Lady Antebellum, Madonna, Gotye, Fun, entre otros y logra demostrar lo camaleónica que es Shakira y lo hábil que es su voz para pasar de géneros folclóricos como el merengue y trova a rock pesado o country. GRANDES COVERS DE SHAKIRA Nothing Else Matters de Metallica Te Olvidé de Joe Arroyo Imagine de John Lennon Dude Looks Like a Lady de Aerosmith Alfonsina y el mar de Mercedes Sosa A'atini El Nay de Fairuz Back in black de AC/DC Boig Per Tu de Sau Je L'aime A Mourir de Francis Cabrel Always on my mind de Elvis Presley De Música Ligera de Soda Stereo El Perdón de Nicky Jam País Tropical de Sergio Mendes Boys Round Here de Blake Shelton Need You Know de Lady Antebellum La Isla Bonita de Madonna Somebody That I Used To Know de Gotye & We Are Young de Fun. En Barranquilla me quedo de Joe Arroyo Para ver | Jennifer López & Shakira: Detrás de los vestidos que usaron en el show del SuperBowl #LaMúsicaNosUne
Aerosmith informó que cancelará varios de sus shows en Las Vegas. El líder de la agrupación, Steven Tyler, se registró voluntariamente en rehabilitación luego de una recaída reciente.“Como todos ustedes saben nuestro querido hermano Steven ha trabajado en su sobriedad durante muchos años. Después de que lo operaran de un pie y por la necesidad de controlar el dolor durante el proceso recayó”, escribió la banda en el comunicado publicado en su cuenta oficial de Instagram. “Estamos devastados por los inconvenientes que pudimos haber causado a varios de ustedes, en especial para nuestros fans más leales que viajaron grandes distancias para estar en nuestros shows”, dijo la banda estadounidense.Aerosmith está programada para regresar al escenario en septiembre para los espectáculos principales en Maine Savings Amphitheater en Bangor, Maine, y Fenway Park en Boston, Massachusetts. Luego se dirigirán a Las Vegas para finalmente comenzar su residencia en Park MGM, con fechas hasta diciembre. Tyler ha luchado contra las adicicones desde hace varias décadas. En 1988, el artista completó la rehabilitación de drogas y se mantuvo sobrio hasta 2009, cuando ingresó nuevamente en rehabilitación para manejar el dolor."Creo que no había bandas que supieran lo que era estar sobrio", dijo Tyler a GQ en 2019. "Nunca era suficiente". "Aerosmith lo hizo del 72 al 79, no necesariamente drogados, pero hermoso... después todos nos pusimos muy jodidos", afirmó el músico a Haute Living en 2019. "Hubo un momento en el 88 en el que la gerencia y la banda me hicieron una intervención. Pensaron: "Haz que el cantante principal esté sobrio y todos nuestros problemas terminarán'", dijo Tyler al medio."Entonces, me puse sobrio, y me tomó muchos años superar la ira de que me enviaran a rehabilitación mientras ellos se iban de vacaciones", continuó. "Pero hoy por ese momento... estoy agradecido y les debo un agradecimiento por mi sobriedad".
Steven Tallarico nació en Manhattan hace más de 70 años, pero nadie en su barrio imaginaria que sería el rostro del glam metal y el rock de gran parte de los siglos XX y XXI. Inicialmente su lugar era en las baterías de las bandas de rock en las que participó, pero luego de se dio cuenta del potencial que tenía su voz de las habilidades de frontman. En 1970, luego de ver la fuerza de la banda de Joe Perry, le propuso formar una nueva agrupación en la que él sería el líder: ahí nació Aerosmith, el grupo de rock ganador de cuatro premios Grammy y varios #1 en la radio norteamericana. A lo largo de su vida y carrera Steven ha sido condecorado por su indudable talento, pero también ha sido el protagonista de momentos épicos que han entrado a los libros de historia de la cultura pop. Estos son algunos. En los Simpson Steven y los Aerosmith se presentaron en la taberna de Moe para cantar Walk This Way, el capítulo es inolvidable y fue hecho en 1991. Steven y Liv El líder de Aerosmith es padre de la actriz Liv Tyler y en muchas ocasiones han compartido tarima. Este video fue de un concierto en Nikon Jones Beach en julio de 2014, allí juntos cantaron Living on the Edge. ¡Se imaginan ser hijo de un rockstar como él! Pelea con Joe Perry Tener una banda debe ser MUY tedioso y eso se ha visto inclusive en las tarimas. En este concierto Steven se molesta con Joe por negarse a darle un beso en la mejilla. ¡ÉPICO! Locura por Shakira En 2002 Shakira se abría paso en el mercado gringo con sus primeras canciones en inglés. Por su impacto fue invitada al MTV Icon de Aerosmith donde cantó el hit Dude, Looks like a lady, pero el momento más recordado de ese homenaje fue cuando la barranquillera se acercó a Steven y lo dejó loco con su show. Steve Tyler y su condición sexual En su biografía autorizada Does the Noise in My Head Bother You? de 2011, Tyler salió del armario como persona de género no-binario, asegurando: “me han citado erróneamente diciendo que soy más mujer que hombre, déjenme dejar las cosas claras: es más bien mitad y mitad, y me encanta”. Especial en National Geographic Steven fue protagonista del documental La Increíble Máquina Humana donde se estudia la garganta del músico. Además se mostró cómo fue su operación de cuerdas vocales para poder seguir cantando. El SuperBowl y Britney Spears Steven cantó Walk this way en el SuperBowl de 2001 y bailó con Britney y N’sync. Un momento inolvidable para la música norteamericana. En Two and a half men El rockstar participó de la comedia protagonizada por Charlie Sheen. Su participación fue uno de los momentos más recordados de esa temporada. Sí, en Lizzie McGuire Steven se metió en la piel de un Papá Noel rockero en la serie de Disney Channel. Rock para los niños de esa era. Recomendado: Cuando Jorge Drexler co-escribió ‘Loba’ de Shakira #LaMúsicaNosUne
Que están viejos. Que ya habían venido. Que hace rato no sacan nada interesante. Todas esos reparos se cayeron en la noche del 29 de septiembre en el Parque Simón Bolívar de Bogotá cuando Aerosmith inició la fase latinoamericana de su gira Rock N' Roll Rumble Style 2016, con el primero de diez shows que harán por la región. Por Alfred Lord @AlfredLord // Fotos: Daniel Álvarez @daniel.alvarez9 Asistir a un concierto de Aerosmith es hacer un repaso por la historia del rock comercial de las últimas cuatro décadas. Solo ese hecho pagó la boleta. Se trataba de oír en vivo canciones que cimentaron el camino para que miles de nuevas bandas nacieran, imitando esa mezcla de rock, blues, pop y funk. Se trataba de revivir el impacto de himnos imperecederos como Crazy, Walk This Way, Jaded o I Don’t Wanna Miss A Thing. Se trataba de estar ante una leyenda como Steven Tyler, quien a pesar de sus años sigue moviéndose como culebra, tirándose al piso y haciendo el show que el mundo conoció en sus videoclips. Con un “hola Bogotá, ¿cómo estamos?” de Steven Tyler todo comenzó. Back in the Saddle fue la canción que rompió la espera por la banda amenizada por los teloneros colombianos Stayway y Revolver Plateado (quienes están estrenando álbum Luz de San Telmo). A continuación Love In An Elevator sirvió para que Tyler se erigiera como el rockstar dueño del escenario. A pesar de los problemas técnicos del sistema de retorno en tarima, que hizo que Tyler no pudiera esconder su molestia con su propio ingeniero de sonido, los éxitos no paraban. Cryin’, Jaded y Crazy, la canción de dedicar en pareja, fueron coreadas al unísono. Cuando Aerosmith interpretó Living On The Edge, Steven Tyler bajó al público y se paró al lado de una desafortunada asistente que se veía sufriendo en pantallas porque no lograba que le funcionara el celular para la selfie. Dude (Looks Like A Lady), Same Old Song And Dance y Rag Doll continuaron con un show que tuvo una breve pausa en la que “Mr. Guitar”, o Joe “Fucking” Perry como lo nombraba Tyler, interpretó un blues en homenaje a Bogotá. Este momento, uno de los más emotivos del concierto, estuvo acompañado en las pantallas con imágenes de Perry en el plan más turista de todos, paseándose por Monserrate y la Plaza de Bolívar. A los momentos protagónicos de Tyler y Perry se sumó el solo de bajo que Tom Hamilton interpretó en el intermedio entre Come Together y Walk This Way. El guitarrista Brad Whitford y el baterista Joey Kramer prefirieron el bajo perfil y solo aparecían en las pantallas. Sin embargo todo giraba en torno a Steven Tyler. Con un look engallado con un sombrero apareció en tarima para cantar I Don´t Wanna Miss A Thing confirmando que era el inevitable centro de atención de la banda. Sus movimientos eran para el público que tenía en frente en la localidad de platino, pero también para las cámaras, consciente que, ante todo, Aerosmith es un rutilante show de entretenimiento. Come Together, Walk This Way y Train Kept A Rollin’ cerraron el primer bloque, antes que la banda regresara con uno de esos detalles que siempre compran al público colombiano: ondear la bandera tricolor en la mano. El regreso de Tyler y sus colegas fue para tocar Dream On en una versión que sonó nostálgica y que confirmaba que se estaba presenciando la despedida de la banda. Sweet Emotion cerró el adiós a los escenarios de uno de los últimos representantes del hard rock y el glam.
Aunque el público festivalero tiene la mayoría de estas normas claras, nunca está demás una breve guía para dummies, en la que la organización del concierto promueve una serie de tips de convivencia, recomendaciones y prohibiciones, para que no tenga un mal rato con la gente de logística y pueda disfrutar el concierto con tranquilidad este jueves 29 de septiembre en el Simón Bolívar. Foto: Gettyimages.
Steven Tyler podría ser el papá que muchos quisieron o el tío divertido que siempre llega con regalos para los sobrinos y para entretener a la familia. Pero siendo realistas, lo que se anuncia como gira de despedida de Aerosmith, es una manera de decir que es hora de que las nuevas generaciones tomen la iniciativa de representar aquella música que no se quiere acomodar pero que tampoco quiere sentirse vieja: el rock. Por: José “Pepe” Plata // @owai El bebé que llegó al mundo el viernes 26 de marzo de 1948 en Yonkers, Estados Unidos, no sería un bebé más. El hijo de Susan y Victor llegaría en una fecha en la que se supone hay que ser muy callado y guardar respeto: un Viernes Santo. Una fecha que el calendario asume como el día de la muerte de Jesucristo, pero en el que Steven Tallarico, nombre de pila de Steven Tyler, dejaría atrás. Sus últimos cincuenta años de vida los ha entregado devotamente a algo que se conoce como industria de la música o industria del entretenimiento. Y todo lo que eso conlleva ha estado rodeado de canciones, discos, escándalos, reconocimientos, quebrantos de salud y hasta jurado de concurso de talento. Justo hace cinco décadas, siendo adolescente, tuvo sus primeras bandas. En ellas escupía blues y armaba una carrera. El mundo tenía como banda sonora a The Beatles y The Rolling Stones. Pero ya se estaban cocinando los sonidos fuertes y las distorsiones lanzadas que harían eco con Black Sabbath y Led Zeppelin en los 80. Steven Tyler se divertía con sus amigos en bandas que se llamaron The Strangeurs, Chain y William Proud. El mito comenzó rápido. Cuando apenas tenía 17 años creó el primer gran clásico de Aerosmith: Dream on. Su afición por los Rolling Stones lo hizo perseguirlos y hasta aparecer en una foto de la banda durante una presentación en Nueva York. A sus 21 años, conoció a Joe Perry y a Tom Hamilton con quienes armaría al año siguiente una banda. Los setenta comenzaban y ya se habían acabado los Beatles. La psicodelia estaba sumergida en el recuerdo y era el momento de los riffs fuertes y de un rock más duro. Justo es aquí el momento en el que Tyler entra al mundo para decirle cosas fuertes sobre la vida y el amor, al mejor estilo de quien se sumerge entre las aguas de un pantano o quien al barro entra para sentir algo. Y ese algo fueron las drogas. Los sueños hippies se habían desvanecido y lo duro ahora tenía lugar. En 1973 Tyler demostró su poderío vocal en el primer disco de la banda. Luego vino Get your wings de 1974 y un año después un disco que quedó tatuado en el mundo musical: Toys in the Attic. El mismo que vendió ocho millones de copias en el momento en el que el mundo empezaba a considerar al rock como algo raro. Venían los momentos del punk, el postpunk, el disco y hasta el aire del new wave. ¿Y si Aerosmith podía ser de la década, Tyler sobreviviría a los embates de la industria? La respuesta es sí, pero fue a través de la música y con situaciones que luego el cuerpo cobró. La adicción a las drogas hizo que por años se tuviera el rumor del fin de la banda y de la imposibilidad de sus integrantes de hacer algo coherente. Si bien la banda llenaba estadios, sonaba en la radio y estaba tocando de lo mejor, los excesos formaban parte del día a día. En 1978 se desquitaron con una grabación en vivo en Texas y en la que Tyler dio gala de su mejor despliegue histriónico con rock y blues. Pero el daño ya estaba hecho. Un año después apareció un discreto disco llamado Night in the Ruts. Para colmo de todo, no solo las drogas hacían de las suyas en su cuerpo. Un accidente en motocicleta sufrido en 1980 lo inhabilitó e impidió estar con la banda en todo 1981. El declive estaba vivo. Aerosmith ya sonaba a pasado y Tyler seguía con las adicciones que le carcomían el cuerpo. Existía de milagro en un mundo musical que ya tenía a Mtv y a los discos compactos. Un mundo en el que llegaban bandas como Anthrax, Megadeth, Metallica o Slayer (con un sonido thrash) y en el que se sobrevivía o se pasaba a mejor vida. La resurrección llegó en 1986, cuando los hiphoperos de Run DMC grabaron una versión de Walk this Way y grabaron un video en el que incluso Tyler hizo su aparición (Vean también: ¿Cómo creó Aerosmith una de las canciones más adictivas del rock?). Steven Tyler volvía a ser el hombre cool que hacía movidas grandes en vivo y del cual ya dos generaciones sentían aprecio. Y un año después, con la llegada del disco Permanent Vacation, el mundo los redescubrió y se enamoró de nuevo de su voz. Y, quién lo creyera, la gira de presentación de este disco tenía como banda telonera a unos jóvenes con una banda llamada Guns n’ Roses. Las lecciones del desmadre ahora tenían unos alumnos sin par. Luego de haberse sometido a un programa de rehabilitación el mundo estuvo listo para su regreso. Y sí, aquel disco de 1987 logró mostrar a Aerosmith como una banda de éxitos. De ahí se recuerdan clásicos como Rag Doll y Dude looks like a lady. La década se cerró con un Tyler empoderado y con un disco que partiría en dos la historia de la banda: Pump (1989). Pump fue un disco del cual dos generaciones han heredado éxitos que sonaron en radio, que establecieron a Aerosmith como una banda de referencia de los nacientes noventa y que aún hoy siguen vigentes en tanto playlist por ahí: Love In An Elevator, Janie's Got A Gun, What It Takes y The Other Side. Siete millones de copias vendidas son la garantía de este éxito. Pero así como Steven bien salía adelante con su vida musical, había un motivo adicional para recordarlo. Su hija Liv comenzaba a hacerse notar en el medio cinematográfico. Sí, la misma mujer que estuvo en las comedias adolescentes de los noventa como Belleza robada, Empire Records o Eso que tú haces. La pequeña Tyler había nacido en 1977 y solo hasta 1987 su padre roquero la reconoció. Su madre, Bebe Ruell, había decidido ocultar la paternidad porque Tyler estaba hundido en las drogas y el alcohol cuando la bebé nació. Ese reencuentro entre padre e hija tuvo especial recordación en un mítico video de 1994, Crazy, sencillo del disco Get a grip (1993). Sonreía la vida para Tyler. Se reconciliaba con su hija y este disco vendía 20 millones de copias. Y hasta ahora comenzaba la era de internet. Los éxitos alcanzaron para estar en listas unos meses más. Aerosmith presentó cuatro años después el disco Nine Lives (1997), y si bien fue una declaración de continuidad, no tuvo la misma respuesta del público. El nuevo milenio le dio a la banda una entrada triunfal a algo que todo Estados Unidos aprecia: la presentación en el intermedio del Superbowl. Además, en aquel 2001, la banda entró a formar parte del Hall de la Fama del Rock y Tyler se consagró como un buen gringo: cantando el himno de su país en la competencia automovílistica de Indianápolis. Quienes pensaban que el rock no daba para recibir títulos académicos, tuvieron que tragarse sus palabras al ver cómo en el 2003 le entregaron a este cantante un título honorífico en la Universidad de Berklee. Y si los años dieron esta dicha, también volvieron a pasarle una factura a su salud. Una operación en sus cuerdas vocales en el 2005 y terapia en sus piernas en el 2008, lo alejaron de nuevo de los grandes escenarios. Y si bien hubo discos y recopilaciones de Aerosmith, estos se tuvieron como un momento de llegar a las nuevas audiencias. A pesar de especulaciones sobre el fin de su carrera, Tyler no ha perdido su entereza y entró a formar parte del grupo de jurados del concurso American Idol, confirmándose como una figura clave del universo del entretenimiento que da material hasta para crear atracciones en parques de diversiones. Su figuración en el reality musical lo conectó con las nuevas generaciones y además fue un trampolín para las nuevas aventuras musicales de Aerosmith como lo fue el disco Music from Another Dimension (2012). A sus 68 años, parece que no le falta mucho o por hacer. O si le falta, es justamente seguir siendo ese personaje que a la industria le da canciones, discos, giras, videos y sonrisas. El que cayó y se levantó. El que se presenta en Bogotá el 29 de septiembre y que listo está para mostrarnos que el rock sigue siendo parte de la industria.
Desde videos de todo el gusto pop de MTV hasta bandas sonoras de todo tipo de películas (¿quién se puede olvidar de Armageddon?), y pasando por documentales que hablaban sobre su relación con las drogas, la presencia de Aerosmith en pantalla ha sido amplia y abundante. Acá un repaso. Por: José “Pepe” Plata // @owai // Foto: Gettyimages Hay artistas que bien ha madurado apareciendo en las pantallas y se han adaptado a los diferentes formatos. En el caso de Aerosmith, son una de las pocas bandas que tienen una relación con el mundo audiovisual que ya casi completa cuatro décadas. Justamente en 1978, en plena época punk, disco, new wave y también de hardrock, la banda es invitada a formar parte de la película del Sargento Pimienta. El resultado es justamente una interpretación bien rockera de Come Together que suena así: En esa prolífica década de los setenta, la banda presentó además de disco, una primera grabación de sus presentaciones. El famoso Texxxas Jam de 1978 nos ofrece a la banda en plena época de aquel rock y aquel heavy que acaparaba los oídos y las estaciones de radio. Un recuerdo de este momento, justo nos los trae así. Esa misma década que los llevó al éxito y reconocimiento, también fue un momento de excesos y de no conocer límites. Entre giras y discos el grupo casi sucumbe a problemas de alcoholismo y drogas que al entrar en los ochenta los desdibujaron. Los seis discos que grabaron en ese tiempo, fueron ampliamente recordados. Los ochenta fueron una década de altos y bajos. Solo fueron cuatro discos. Pero dos de ellos fueron definitivos en la segunda parte de ese decenio. En 1982, presentaron Rock in a Hard Place y tres años más tarde, Done with mirrors. Con Permanent Vacation (1987), la banda se engancha de nuevo al engranaje del rock. Fue el momento para sacar la casta y presentar videos de canciones como Dude looks like a lady (que hasta fue versionada por Shakira) Y también de Rag Doll. Permanent Vacation resucitó a la banda, de eso no hay duda, Por eso, cuando en 1989 apareció Pump, la máquina estaba aceitada y los sencillos, los videos y las ventas gigantes no se hicieron esperar. Fue el momento para ver videos de canciones como Love in an elevator y Janie´s got a gun que los hicieron favoritos de MTV. Esa misma década les permitió formar parte de un documental dedicado al rock que se hizo en 1988, como segunda parte de uno de 1980 llamado El declive de la civilización occidental. Aqui hablan sobre su relación con las drogas. Ya en los noventa, su presencia en las pantallas da para formar parte de la legendaria película Wayne´s World, donde aparecen en vivo: Justo en 1993, presentan Get a Grip, otro exitoso disco con siete sencillos y siete millones de discos vendidos. El mismo que nos trajo canciones como Crazy, Livin´on the edge o Love in an elevator. Una vez más, el mundo sucumbía a sus sencillos y a sus videos. Con Nine Lives, disco de 1997, el mundo volvió a aclamarlos con videos como Falling In Love (Is Hard On The Knees), Hole in my soul y Pink. Sin duda, un momento clave para una banda que se acercaba a sus treinta años. El siglo XXI, nos trajo una banda que no perdió el encanto entre sus discos y sus videos. Con Just Push Play (2001) la generación que compartía gustos musicales por Napster y que tenía messenger, se deleitaba con videos como Jaded. El rock no había muerto. Solo se había transformado y en el 2004 presentaron un box set con videos, música y experiencia interactiva bajo el nombre de You Gotta move. Un compendio aclamado por traer ya una banda de tres décadas de vida. Y también presentaron Honkin on´ Bobo. Un disco de once versiones de blues y rock y una canción nueva: The Grind. Era una manera de tomar una pausa y de hacer un homenaje a sus influencias. Cuatro años atrás, su última producción de estudio fue Music from Another Dimension! Ese 2012 nos trajo su decimoquinto disco. El mismo con el cual terminaron su contrato con Sony Music. Un disco que superó la operación en las cuerdas vocales de Steven Tyler y que además se presentó en versión sencilla y doble. De él nos queda el video de Legendary Child, con el cual dejan en claro que son una de las mejores bandas de rock de todos los tiempos. La filmografía de la banda incluye 37 videos y siete recopilaciones de sus obras para la pantalla. Si a eso le sumamos la aparición en bandas sonoras de películas como Armageddon, Last action hero, Los ángeles de Charlie, El hombre araña, Rugrats, Starsky y Hutch o Sex and the City, tenemos en si a una banda que sabe aprovechar su talento a cual más. Que entre discos y apariciones en televisión, se ha hecho partícipe de una parte de la historia que si antes se veía en la pantalla grande o chica, ahora tiene su continuación en YouTube. No en vano tiene 700 millones de vistas en su canal de Vevo. Si hay dudas, mejor será verlos en vivo el jueves 29 de septiembre.
Comenzamos a hacer cuenta regresiva para el regreso a Bogotá de una de las bandas más espectaculares, en todo el sentido de la palabra, del mundo roquero. Un lugar que se han ganado por el brillo incandescente de Steven Tyler y por ser dueños de clásicos como la pegajosa Walk This Way. Por: José “Pepe” Plata // @owai ¿Cómo puede una canción reinventarse o llegarle a una nueva generación justo cuando ya tenía una historia? La fórmula no está escrita y así como algunos apuestan por versiones estilizadas o también versiones que convierten a la original en otra cosa, hay algunas que logran salir adelante con un vigor llamado colaboración. Aerosmith bien lo sabe. Mientras en los años setenta Aerosmith labraba su camino mostrándose como una banda de rock que tenía como epicentro a Boston, paralelamente las calles de Nueva York y Chicago iban viendo cómo una cultura musical de ghettos emergía. Se trataba del hip hop. El quinteto de Steven Tyler ya presentaba discos y ganaba popularidad en los listados de ventas, pero también vivía una faceta oscura de drogas y alcohol que por poco opacan los esfuerzos musicales. Justo en 1975, con la publicación de su tercer disco Toys in the Attic, apareció una canción mítica no solo dentro del repertorio de la banda sino para las culturas pop y rock en general. Se trataba de Walk this Way, una poderosa consecución de riffs y juegos vocales que nunca ha de faltar cuando se hace referencia a la banda. La idea de ella nació en diciembre de 1974 cuando la banda se encontraba en Hawaii. Una pequeña improvisación dio la idea para una canción que se grabaría en Nueva York en 1975. Fue lanzada como sencillo y alcanzó buenos registros de popularidad en 1977. Aerosmith continuaba con una sinuosa carrera musical de discos, drogas y escándalos. Pero en las calles, el hip hop comenzaba a reinar. Nueva York se daba cuenta del poder de los tornamesas, el baile, el scratch y todos los elementos de esta cultura. El sonido que salía no tenía guitarras, bajos o baterías. Era una combinación de beats, voz y mucha descarga e improvisación. En los ochenta la banda tan solo lanzó dos discos entre 1980 y 1985: Rock in a Hard Place (1982) y Done with Mirrors (1985). Mientras tanto, el naciente canal MTV tenía las riendas de la difusión musical con un producto de consumo de alto impacto: el videoclip. Siendo lanzado en agosto de 1981, el canal se convirtió en la vitrina de exposición más rápida de la industria. Así fueron apareciendo Madonna, Michael Jackson, Toto o Billy Joel. Pero en ese universo Aerosmith poco aparecía. La música de Aerosmith, si bien había sido un estandarte de los setenta, no se acoplaba a las tendencias de los ochenta. Ya existían otras maneras de entender el heavy metal con grupos como Metallica o Iron Maiden. Ya existían etiquetas como thrash o speed metal. ¿Y entonces cómo se podía llegarle a una nueva audiencia con algo que les fuera creíble y consumible, pero a la vez divertido? La respuesta fue, justamente, con un video. Rick Rubin, productor del disco Raising Hell de Run D.M.C, le mostró a la banda aquel legendario disco de Aerosmith, Toys in the Attic. Los hoppers se sintieron reticentes a ese sonido, pero poco a poco fueron cediendo. No era para menos. La calidad de la canción hizo que hubiera una atracción hacia el sonido y su posibilidad de expansión. Run D.M.C. relanzó Walk this Way y contó con la participación de Joe Perry y Steven Tyler. El video muestra una especie de confrontación entre el rock y el hip hop. Pero luego se ve que se complementan perfectamente. Salía a flote una relación musical que no ha parado. No en vano la canción daba para cosas de ese tipo y la vida sonora de Aerosmith tuvo un nuevo impulso. Al año siguiente lanzaron su disco Permanent Vacation y dos años después, Pump. La década se cerraría con un repunte en la carrera de la banda de Boston y con la consolidación del hip hop como parte de la industria musical. Esa unión sonora abrió espacio para la presencia del hip hop en el rock, el metal y otras formas sonoras. No en vano, se escuchó y vio en los noventa con la película Judgement Night (en la cual grupos de rock se unen con proyectos de hip hop para hacer canciones), con Rage Against the Machine, Limp Bizkit o hasta con Britney Spears. De seguro, un repaso sonoro del impacto de esta canción vale la pena. No solo gustó en los setenta, ochenta y noventa. También en este milenio gusta...y le gusta hasta a los pitufos.
Antes de que Steven Tyler se dedique a sus proyectos como solista y termine la historia de Aerosmith, van a pisar tierras colombianas para despedirse. Confirmamos precio y locación. Será, definitivamente, la última vez que los chicos malos de Boston visiten Colombia. La primera fue el 20 de mayo del 2010 ante más de 30 mil personas. El 03 de noviembre de 2011 regresaron a la capital y demostraron en el escenario porque Aerosmith es una de las grandes bandas del mundo con el poder de la doble actuación Tyler y Perry.Ahora vuelven 5 años después, con la gira “Rock N’ Roll Rumble Aerosmith Style 2016” que trae de regreso a Colombia a todos los miembros originales de la banda: Steven Tyler, Joe Perry, Joey Kramer, Tom Hamilton y Brad Whitford, alineación cuya esencia se ha mantenido durante 46 años.Será la última vez que los veamos interpretar sendos temas como “Love in a elevator”, “Janie’s got a gun”, “Don’t wanna miss a thing”, “Dude looks like a lady”, “Walk this way”, “Dream on” y “Sweet emotion”. Aerosmith, sigue siendo parte viva de la historia del rock mundial; ha vendido más de 150 millones de álbumes en todo el mundo y ha sido incluido en el Rock and Roll Salón de la Fama. Además han recibido ya innumerables premios, entre ellos cuatro Grammy, ocho American Music Awards, seis premios Billboard y 12 MTV Video Music Awards, entre muchos otros honores.Las boletas estarán disponibles el Lunes 16 de mayo a través de Tu Boleta.Las primeras 1500 boletas en Localidad Platino tienen un costo $430.000 + servicio y las primeras 1500 boletas en en Localidad General tienen un costo de $205.000 + servicio. El precio de las boletas restantes es de $480.000 + servicio en Localidad Platino + servicio y de $230.000 + servicio en Localidad General.
Este 26 de marzo Steven Victor Tallarico, conocido en el mundo de la música como Steven Tyler, cumple 66 primaveras. El neoyorquino, líder de la banda de hard rock Aerosmith sumó un año más en su calendario de vida, razón por la que este miércoles queremos recordar con ustedes algunas de las frases más memorables que el artista ha ido dejando en el camino a lo largo de estas seis décadas.El icónico cantante, ha recibido múltiples premios a lo largo de su carrera entre los que se destacan un puesto entre los '100 mejores cantantes de Rolling Stone' en 2008 y la posición número 57 entre los '100 artistas más grandes de todos los tiempos' (conteo realizado por el mismo medio de comunicación). En 1990, él y su banda se llevaron a casa el primer premio Grammy como 'Mejor Interpretación Rock por un Dúo o Grupo con Vocales' y de ahí en adelante todos fueron años de gloria para una de las leyendas del rock. También hay que recordar que este peculiar personaje (que para no tener un gran atractivo físico sí tiene uns hija bastante bella, Liv Tyler) fue escogido por la revista de música Hit Parader como el tercer mejor vocalista de heavy metal de todos los tiempos. Un reconocimiento que, sin duda, tuvo que ser bastante cuestionado por los seguidores de este género. Sin más preámbulo, estas son algunas de las frases más memorables de Steven Tyler: • El sexo gay no funciona para mí. Probé una vez cuando era más joven y simplemente no me gustó.• Cada vida tiene una medida de dolor, y a veces esto es lo que nos despierta.• Finge hasta que lo consigas.• Sexo, drogas y rock & roll…deja afuera a las drogas y no tendrás más tiempo para las otras dos cosas.• Una gran melodía con grandes riffs es, para mí, el secreto de todo.• Si vale la pena hacerlo, vale la pena exagerar.• La vida es un viaje, no un destino.• Todo tiene que ser como era hace 30 años, cuando todos teníamos abuela y abuelo, y estábamos dispuestos a emitir un juicio moral sobre el bien y el mal.• Yo no creo que nada es para siempre, pero cuando mis hijos me dicen que me quieren, eso es para siempre.• Yo nací cuando el Mar Muerto estaba todavía enfermo.
No son pocos los latinoamericanos que sueñan con el regreso de PXNDX, una de las bandas mexicanas más populares de los 2000, pero la verdad es que, a pesar de los rumores, no se sabe nada sobre una posible reunión de sus integrantes principales. Contenido recomendado | ¿Qué ha pasado con los integrantes de PXNDX tras su separación?Desde que el proyecto anunció su separación en 2016, José Madero, también conocido como Pepe Madero, inició su carrera en solitario con la que ha tenido una aceptación favorable especialmente en territorio mexicano.El primer disco de Madero fue Carmesí en el que también participó como productor musical. En 2017 dio a conocer el disco 'Noche', en 2018 difundio 'Alba', en 2019 'Psalmos' y en 2022 'Giallo'. Estas son 10 canciones de la carrera como solista de José Madero que podría interpretar en su próximo concierto en Colombia: Plural Siendo Singular. De mí, de mí, demí, Sinmigo, Sin Ampersand, Codependientes, Cerraron Chipinque. MCMLXXX, Mercedes, Soy el diluvio y Documentales.En algunos shows Pepe interpreta algunos temas de PXNDX: Nuestra aflicción, Feliz Cumpleaños y Conversación Casual son algunas de las canciones de su anterior banda que interpreta en vivo en sus conciertos como solista.Concierto de José Madero, ex integrante de PXNDX, en Bogotá El próximo 26 de abril el Royal Center de Bogotá, Madero ofrecerá un concierto para promocionar su álbum más reciente. La producción del show en vivo será de Páramo Presenta e Isla Presenta. Las boletas saldrán a la venta el a partir de las 9AM. Este es el poster promocional y oficial del concierto.En video | Cantantes, productores y compositores definen el término 'palo' en la industria musical - Shock¡La música en vivo nos une!
Cuando la mamá de Sofía Castillo Volcán quedó en embarazó quería que su hija se llamara Selva, pero la presión social de la familia la hizo arrepentirse. En cualquier caso, a Sofía le decían Selva en el colegio. Cuando llegó el momento de elegir un nombre artístico no dudó en honrar el deseo de su mamá. Esta es la historia de Selva Volcán.Credenciales de la suerteFecha de nacimiento: 28 de abril del 2001Signo/ascendente/Luna: Tauro/Acuario/CancerAnimal del horóscopo chino: Serpiente (Metal)Números de la suerte: 5 y 8La historia de Selva VolcánNací en Caracas, Venezuela. Estudié allá el colegio, el bachillerato, piano clásico, música y canto. Desde los 8 años estoy en clases porque mi mamá me dijo "esto es lo que tú vas a hacer". Mis papás me han apoyado mucho en todo lo que hago y después decidí mudarme acá a Bogotá, la ciudad en la que nació mi papá. Ha sido de las mejores experiencias de mi vida porque fue un mundo nuevo, con gente que no conocía. Entré a estudiar y conocí gente que solo se dedicaba a la música y para mí fue 'wow'.Colombia me abrió las puertas 100%. Venezuela en este momento no es un país fácil, así que me siento muy parte de esta tierra. Apenas terminé el colegio me vine para Bogotá; no tuve ni fiesta de promoción ni graduación porque queríamos empezar bien acá con mis papás para empezar lo más rápido posible la universidad. Algunas cosas no funcionaron bien en el plan, mis papás se tuvieron que regresar a Venezuela y después volvieron a Colombia. Para mí fue loco venir a vivir a Colombia. Llegamos, estuvimos un tiempo y llegó la pandemia con su encierro. Fueron muchos cambios en poco tiempo, evolución en la perspectiva que tenía del mundo, de mi proyecto, de mi vida. Las influencias musicales de Selva Volcán Escuchaba mucha música electrónica, pero después tuve una conexión fuerte con el R&B, con artistas como H.E.R y Daniel Caesar. Luego Beyoncé publicó el Lemonade que es, para mí, el mejor álbum de la historia. Arcanos, el primer EP de Selva VolcánEl 2022 fue como el nacimiento, como dar a luz a todo lo que llevaba cultivando por mucho tiempo. Este año fue muy importante porque también tuve dudas de lanzar un proyecto tan arriesgado. Me atacó el síndrome del impostor, pero me di cuenta que esa música es lo que soy yo en la forma más pura posible. Mientras iba publicando las canciones las dudas se fueron aclarando y entendí que era importante para mí sacar esto que llevaba tanto tiempo construyendo.Vean más de las Apuestas Shock 2022 aquí.
Sterling Delpa (Buenaventura), Liam V (Guapí), y Flowsiao (Chocó) son las voces que frentean en tarima el proyecto Afro Legends. Pero su propuesta es más robusta y, en vivo, suena como un camión de músicos. Son levanta muertos de la pista de baile y orgullosos embajadores del flow del Pacífico. Credenciales de la suerteLilian Vanessa Sinisterra - Liam VFecha de nacimiento: 17 de junio de 1995Signo/ascendente/lunar: Géminis/Piscis/SagitarioAnimal del horóscopo chino: CerdoYulian Steven Payán - FlowsiaoFecha de nacimiento: 12 de diciembre de 1990Signo/ascendente/lunar: Sagitario /Libra / LibraAnimal del horóscopo chino: CaballoRichard Sterling Delgado - Sterling DelpaFecha de nacimiento: 19 de noviembre de 1990Signo/ascendente/lunar:Animal del horóscopo chino:La historia de Afro LegendsLa agrupación, nacida en 2018 en Cali, se ha puesto como tarea reivindicar los sonidos y la historia del Pacífico colombiano a través de su música. Lo hacen desde el orgullo y la consciencia de su historia, de la riqueza de su arte y desde el trabajo incansable. La música de Afro Legends, dicen sus integrantes, es dancehall Pacífico. El puente es claro entre el dancehall del caribe, y el flow del Pacífico colombiano. Su discurso, afirmativo y determinado a ocupar su lugar, está atravesado siempre por el baile.Resistencia, su primer sencillo, lanzado en 2020, es una canción que cuenta la historia de la violencia contra las comunidades negras del Pacífico. En 2022 lanzaron Me Siento Bien, una invitación a movernos bajo un potente mensaje de resistencia. Estos son los dos sencillos que mejor describen su carrera y su mensaje.Recorrido y determinaciónA estos primeros años de trayectoria de la banda también los ha marcado la determinación y la búsqueda de oportunidades.En 2021 participaron en el Factor X, formaron parte del sello Discos Pacífico (un laboratorio creativo que promueve la creación y producción de música proveniente del Pacífico colombiano) y en 2022 se coronaron como la primera agrupación del programa ROMPE Colombia, después de una eliminatoria de bandas organizada por Shock y Amazon Music.El camino que han recorrido no es menor. La imponencia de sus voces en el escenario habla sola. Porque los vimos levantar a la gente de sus asientos en la eliminatoria regional de ROMPE y en la final en Bogotá, y porque tienen entre su repertorio una caja versátil y refinada de ritmos para tronar en vivo son ahora, también, una de las Apuestas Shock 2023.El primer batazo de este año será su canción Hey Dj, un homenaje a los que pilotean la fiesta, el corrinche o, mejor dicho, en lenguaje de los Afro Legends, el Berembembem. Y vienen en camino más cosas, la cosecha de los vínculos que han establecido y las tarimas que ya conquistaron. Conozcan más de las Apuestas Shock aquí
Mucha curiosidad, un llamado y una serie de coincidencias hicieron que Michell, la estudiante de artes escénicas, reencaminara su carrera como Chell, una cantante que se deja llevar por los ritmos y que produce, compone y suelta sin filtro, dependiendo de cómo se sienta. Desde su primera canción, lanzada en 2019 por diversión, ya completó dos álbumes (Acción y Me hizo un amarre) y un EP (Fluir). En su repertorio hay reggaetón, R&B y canciones sencillas que son también un registro de su crecimiento. Credenciales de la suerteDía de nacimiento: 20 de octubre de 1999Signo/ascendente: Escorpio/Libra Animal del horóscopo chino: ConejoLa historia de Chell "Soy de Bogotá y empecé a hacer música con mi ex. Él estaba muy metido en este cuento y a mí siempre me gustó, pero me sentía muy vulnerable cantando. Le tenía cierto respeto a hacerlo, pero con este chico empecé apoyándolo. Él era rapero, me metí en esta onda y sacamos una canción que se llama Solo mátala (fue lanzada en 2019 y aparezco como Michell B).Después me escribió un productor, Gesse, que trabaja con Alka Produce y me enganché. Justo estaba estudiando artes escénicas y me desentendí del semestre. Perdí todas las motivaciones de la carrera y le metí full a la música. Yo antes lo había hecho por diversión, no había ni pensado en un nombre artístico, pero en 2019 saqué mi primera canción como Chell, Sin efecto.Fue un gran paso porque yo estudiaba artes escénicas en Casa E y ellos tuvieron problemas económicos e iban a cerrar. Ahí yo dije 'Ok, no pienso volver'. Me dediqué a la música pero me sentía muy débil en todos los sentidos, entonces estaba componiendo y probándome todo el tiempo.Estaba en un mundo de saber o si dedicarme a un solo género, si hacer reggaetón, R&B u otra cosa. Había muchas opiniones. Y también tenía mis trabajitos, porque a mis papás no les gustó mucho la idea que me saliera de la carrera".La primera canción"Sin efecto (la primera canción) es un reguetón. Luego me tiré full al R&B y ahí me sentí mucho mejor, más segura. Hasta que llegué de nuevo a Acción, un álbum de reggaetón.Yo estaba en una empresa familiar y atendía un negocio de medicamentos, pero me quitaba muchísimo tiempo. Cuando me salí compuse Fluir y me sentí más apropiada de mi proyecto. Esas tres canciones fueron muy importantes para mí y marcan un antes y un después definitivo.Fluir salió antes, pero compuse todas las canciones después de Acción, sólo que lo quise soltar más rápido.Me fluye muy rápido tirarle a lo orgánico y me llaman mucho los ritmos latinos. Me fluye construir encima de una guitarra sin beat, es mucho más íntimo para mí, junto con mi guitarrista Pipe Piedras que se volvió parte del proyecto".Acción"Ha cambiado mi forma de pensar y componer en estos años. Por ejemplo, hay canciones en Acción que me causan incomodidad. Al cantar en vivo, por ejemplo, hay una canción que dice “no me importa que dice ese cabrón, verás cómo se calla cuando escuchas esta canción”.Hoy la palabra cabrón me incomoda un montón. Eso lo compuse desde un lugar que me mostraba cómo estaba y cómo me sentía. Pasé por muchas cosas personales, entonces era más mi ego hablando".Me hizo un amarre"Con Fuir y con Me hizo un amarre sí se volvió algo muy personal, trascendí mucho también en mí y entendí que es lo que quiero comunicar al público y qué es lo que quiero hacer.Mi último disco es mi vulnerabilidad, estoy más abierta a ser honesta porque siento que al mundo le falta eso. Este álbum fue muy apropiado. No me voy a quedar con nada de lo que siento, siento duda, siento mucho amor, siento pasión, siento dolor y todo eso quedó ahí.Tuve un momento en el que no había sido tan constante al sacar música. Pasaron cuatro, seis meses no saqué absolutamente nada. Pasó ese tiempo y llegó el momento en el que dije 'lancemos todas'. Ya tenía varias canciones hechas pero tuve un bajón personal muy fuerte y dejé en pausa el proyecto porque no me sentía lista mentalmente. Me dijeron que porque no sacaba el álbum en 2023, pero dije que iba a sacarlo y lo saqué. Prefiero estar muy full en todos los sentidos para lanzar música. Creo mucho en las energías. Hubo momentos que sentí que no estaba presente, que no valoraba el trabajo que estaba hecho. Estaba lanzando música y no me sentía satisfecha con lo que estaba haciendo. Pero cuando llegó el estreno de Me hizo un amarre yo ya estaba muy bien. Y siento que hice todo lo posible por hacerlo lo mejor".Escuchen más de las Apuestas Shock 2023 aquí.
Antes de llegar a su sonido Paula tuvo que nacer en Medellín y crecer en La Guajira, hasta sus 11 años. Feralucia —ojo, va sin tilde— es un nombre compuesto. Lucía hace referencia a su tía, que en el lecho de muerte le hizo prometer que dejaría suelto por el mundo el sonido que traía dentro. “Mucho antes, ella incluso me matriculó en la [Universidad] de Antioquia, cuando tenía 12 años, en un programa para tener bases sobre la música”. También, claro, el nombre de este primer faro trae implícita la luz.“Fera” refiere a una bestia indómita. “Eso tiene que ver con la sombra. Con esa parte salvaje interna”. Frea-lucia, juntos, expresan la tensión que está en su música, entre el cariño iluminador y la vivencia encarnada. Suena como un depredador que se acerca entre matorrales, con cautela, adorando y deseando a su presa iluminada por el brillo de la luna.Credenciales de la suerteSol/ascendente/Luna: Piscis, Leo, LeoAnimal del horóscopo chino: DragónNúmero de la suerte: La historia de FeraluciaHay mucho de la temprana Björk, de rock argentino y de sensibilidad por el pop latinoamericano dosmilero en las canciones que Feralucia ya le mostró al mundo. También una sensualidad y delicadeza propias, situadas en Colombia, en el coqueteo con los boleros que escuchaban sus padres, que hace eco desde suaves timbales detrás de las guitarras y los sutiles sintetizadores.El diseño de ese sonido es pensado desde la lógica con la cuál se producen las imágenes. “Estudié cuatro semestres de artes plásticas, después me fui de viaje y ahí fue cuando dije que quería hacer música. Me encantaban la fotografía y pintar. Fue un regalo de la vida porque aprendí a trasladar el arte a cualquier oficio. En artes empecé a pensar la música y la voz como un dibujo espacial, a grabar capas de voces así como el color se construye con capas. Las artes también me abrieron al mundo del cine y a entender los procesos creativos como herramientas para integrar la obra de uno como un todo”.“Ahora que miro, los dos discos son frutos de bloqueos que tenía que pasar”. El umbralEn 2016 sale El Umbral, producido de la mano de Otto Díaz (La Banda del Bisonte). Desde una faceta electrónica, ese debut expone la paleta de colores que la medellinense quería emplear como terreno en el cuál sembrar letras delicadas, enfocadas en la experiencia sensorial y sus puntos de encuentro con lo emotivo.“Yo tenía el inglés muy cercano en la infancia entonces me permití eso para ese disco. Pero ahora veo que también era una especie de asilo porque no es nuestra lengua materna. Quería materializar esas canciones pero ahí ya hay algunas cosas en español y después me dejé ir por ese hilo para el siguiente disco”.La FlechaSeis años más tarde, en La Flecha, su álbum más reciente y ya enteramente en español, ese olor a tierra leve se combinó con la urgencia de quien busca a quien desea entre una espesa nube de niebla, con la certeza de que lo va a encontrar y la ardiente pregunta por el cuándo. Este disco, uno de los destacados Shock entre los mejores álbumes del 2022, fue producido con David “Gary” Ospina, cabeza de Brona Records y Volcán, con baterías de Adán Naranjo (de proyectos como Sr Naranjo o Margarita Siempreviva) y saxofón de Pablo Muñoz.“Tenía una intención de dar la cara. Para mí el español es incluso más romántico que el francés. Uno puede describir a la perfección una emoción. Quería ponerme en un lugar más vulnerable. En El Umbral lo hice, pero aquí quería buscar algo más honesto y eso surge de la lengua que está impresa en cada rendija del cuerpo. Así me expongo más, el mensaje es más directo y permite ir más profundo”.La portada La Flecha, a cargo del artista Piero Cremaschi y el fotógrafo Felipe Villa, ilustra a la perfección ese movimiento a tientas, curioso y expectante. Nos muestra a una Paula que se agacha y nos mira a través de una tela blanca, como un niño que se asoma en medio de un juego de escondidas. Su sonido es la maduración de esa actitud y la integración explícita del deseo por el otro en las letras. Y se siente grande, indomable. En el 2023, no tenemos duda de que ese acechar se transformará una y otra vez, en vivo o con más música, en un encuentro cautivador, a la vez delicado y fiero.
