En un par de meses Shakira cumplirá 30 años de carrera artística, pues su primer disco con Sony Music titulado Magia fue estrenado en junio de 1991. A lo largo de estas tres décadas de vida artística la cantante barranquillera ha girado por todo el mundo con cuatro giras mundiales y múltiples eventos de promoción. Además ha logrado ser #1 en países que, según cuenta ella, no sabia que existían. Para leer | 'Pies Descalzos’ de Shakira cumple 25 años: cuestión de tiempo y fe Shakira constantemente asegura sentirse inspirada por el trabajo de sus colegas y les ha rendido homenaje interpretando sus canciones en vivo. Aunque en muchas ocasiones ha sido atacada, principalmente por sus versiones de canciones de bandas de rock, la artista hace caso omiso y sigue prestándole su voz a temas que la inspiran. Vale la pena decir que hay seguidores de esas bandas que también reconocen el poder escénico e interpretativo de Shakira cuando se mete en el papel de rockstar.} Esta selección incluye covers de Metallica, AC/DC, Aerosmith, John Lennon, Mercedes Sosa, Joe Arroyo, Elvis Presley, Lady Antebellum, Madonna, Gotye, Fun, entre otros y logra demostrar lo camaleónica que es Shakira y lo hábil que es su voz para pasar de géneros folclóricos como el merengue y trova a rock pesado o country. 15 GRANDES COVERS DE SHAKIRA Nothing Else Matters de Metallica Te Olvidé de Joe Arroyo Imagine de John Lennon Dude Looks Like a Lady de Aerosmith Alfonsina y el mar de Mercedes Sosa A'atini El Nay de Fairuz Back in black de AC/DC Boig Per Tu de Sau Je L'aime A Mourir de Francis Cabrel Always on my mind de Elvis Presley De Música Ligera de Soda Stereo El Perdón de Nicky Jam País Tropical de Sergio Mendes Boys Round Here de Blake Shelton Need You Know de Lady Antebellum La Isla Bonita de Madonna Somebody That I Used To Know de Gotye & We Are Young de Fun. En Barranquilla me quedo de Joe Arroyo Para ver | Jennifer López & Shakira: Detrás de los vestidos que usaron en el show del SuperBowl #LaMúsicaNosUne
Steven Tallarico nació en Manhattan hace más de 70 años, pero nadie en su barrio imaginaria que sería el rostro del glam metal y el rock de gran parte de los siglos XX y XXI. Inicialmente su lugar era en las baterías de las bandas de rock en las que participó, pero luego de se dio cuenta del potencial que tenía su voz de las habilidades de frontman. En 1970, luego de ver la fuerza de la banda de Joe Perry, le propuso formar una nueva agrupación en la que él sería el líder: ahí nació Aerosmith, el grupo de rock ganador de cuatro premios Grammy y varios #1 en la radio norteamericana. A lo largo de su vida y carrera Steven ha sido condecorado por su indudable talento, pero también ha sido el protagonista de momentos épicos que han entrado a los libros de historia de la cultura pop. Estos son algunos. En los Simpson Steven y los Aerosmith se presentaron en la taberna de Moe para cantar Walk This Way, el capítulo es inolvidable y fue hecho en 1991. Steven y Liv El líder de Aerosmith es padre de la actriz Liv Tyler y en muchas ocasiones han compartido tarima. Este video fue de un concierto en Nikon Jones Beach en julio de 2014, allí juntos cantaron Living on the Edge. ¡Se imaginan ser hijo de un rockstar como él! Pelea con Joe Perry Tener una banda debe ser MUY tedioso y eso se ha visto inclusive en las tarimas. En este concierto Steven se molesta con Joe por negarse a darle un beso en la mejilla. ¡ÉPICO! Locura por Shakira En 2002 Shakira se abría paso en el mercado gringo con sus primeras canciones en inglés. Por su impacto fue invitada al MTV Icon de Aerosmith donde cantó el hit Dude, Looks like a lady, pero el momento más recordado de ese homenaje fue cuando la barranquillera se acercó a Steven y lo dejó loco con su show. Steve Tyler y su condición sexual En su biografía autorizada Does the Noise in My Head Bother You? de 2011, Tyler salió del armario como persona de género no-binario, asegurando: “me han citado erróneamente diciendo que soy más mujer que hombre, déjenme dejar las cosas claras: es más bien mitad y mitad, y me encanta”. Especial en National Geographic Steven fue protagonista del documental La Increíble Máquina Humana donde se estudia la garganta del músico. Además se mostró cómo fue su operación de cuerdas vocales para poder seguir cantando. El SuperBowl y Britney Spears Steven cantó Walk this way en el SuperBowl de 2001 y bailó con Britney y N’sync. Un momento inolvidable para la música norteamericana. En Two and a half men El rockstar participó de la comedia protagonizada por Charlie Sheen. Su participación fue uno de los momentos más recordados de esa temporada. Sí, en Lizzie McGuire Steven se metió en la piel de un Papá Noel rockero en la serie de Disney Channel. Rock para los niños de esa era. Recomendado: Cuando Jorge Drexler co-escribió ‘Loba’ de Shakira #LaMúsicaNosUne
Que están viejos. Que ya habían venido. Que hace rato no sacan nada interesante. Todas esos reparos se cayeron en la noche del 29 de septiembre en el Parque Simón Bolívar de Bogotá cuando Aerosmith inició la fase latinoamericana de su gira Rock N' Roll Rumble Style 2016, con el primero de diez shows que harán por la región. Por Alfred Lord @AlfredLord // Fotos: Daniel Álvarez @daniel.alvarez9 Asistir a un concierto de Aerosmith es hacer un repaso por la historia del rock comercial de las últimas cuatro décadas. Solo ese hecho pagó la boleta. Se trataba de oír en vivo canciones que cimentaron el camino para que miles de nuevas bandas nacieran, imitando esa mezcla de rock, blues, pop y funk. Se trataba de revivir el impacto de himnos imperecederos como Crazy, Walk This Way, Jaded o I Don’t Wanna Miss A Thing. Se trataba de estar ante una leyenda como Steven Tyler, quien a pesar de sus años sigue moviéndose como culebra, tirándose al piso y haciendo el show que el mundo conoció en sus videoclips. Con un “hola Bogotá, ¿cómo estamos?” de Steven Tyler todo comenzó. Back in the Saddle fue la canción que rompió la espera por la banda amenizada por los teloneros colombianos Stayway y Revolver Plateado (quienes están estrenando álbum Luz de San Telmo). A continuación Love In An Elevator sirvió para que Tyler se erigiera como el rockstar dueño del escenario. A pesar de los problemas técnicos del sistema de retorno en tarima, que hizo que Tyler no pudiera esconder su molestia con su propio ingeniero de sonido, los éxitos no paraban. Cryin’, Jaded y Crazy, la canción de dedicar en pareja, fueron coreadas al unísono. Cuando Aerosmith interpretó Living On The Edge, Steven Tyler bajó al público y se paró al lado de una desafortunada asistente que se veía sufriendo en pantallas porque no lograba que le funcionara el celular para la selfie. Dude (Looks Like A Lady), Same Old Song And Dance y Rag Doll continuaron con un show que tuvo una breve pausa en la que “Mr. Guitar”, o Joe “Fucking” Perry como lo nombraba Tyler, interpretó un blues en homenaje a Bogotá. Este momento, uno de los más emotivos del concierto, estuvo acompañado en las pantallas con imágenes de Perry en el plan más turista de todos, paseándose por Monserrate y la Plaza de Bolívar. A los momentos protagónicos de Tyler y Perry se sumó el solo de bajo que Tom Hamilton interpretó en el intermedio entre Come Together y Walk This Way. El guitarrista Brad Whitford y el baterista Joey Kramer prefirieron el bajo perfil y solo aparecían en las pantallas. Sin embargo todo giraba en torno a Steven Tyler. Con un look engallado con un sombrero apareció en tarima para cantar I Don´t Wanna Miss A Thing confirmando que era el inevitable centro de atención de la banda. Sus movimientos eran para el público que tenía en frente en la localidad de platino, pero también para las cámaras, consciente que, ante todo, Aerosmith es un rutilante show de entretenimiento. Come Together, Walk This Way y Train Kept A Rollin’ cerraron el primer bloque, antes que la banda regresara con uno de esos detalles que siempre compran al público colombiano: ondear la bandera tricolor en la mano. El regreso de Tyler y sus colegas fue para tocar Dream On en una versión que sonó nostálgica y que confirmaba que se estaba presenciando la despedida de la banda. Sweet Emotion cerró el adiós a los escenarios de uno de los últimos representantes del hard rock y el glam.
Aunque el público festivalero tiene la mayoría de estas normas claras, nunca está demás una breve guía para dummies, en la que la organización del concierto promueve una serie de tips de convivencia, recomendaciones y prohibiciones, para que no tenga un mal rato con la gente de logística y pueda disfrutar el concierto con tranquilidad este jueves 29 de septiembre en el Simón Bolívar. Foto: Gettyimages.
Steven Tyler podría ser el papá que muchos quisieron o el tío divertido que siempre llega con regalos para los sobrinos y para entretener a la familia. Pero siendo realistas, lo que se anuncia como gira de despedida de Aerosmith, es una manera de decir que es hora de que las nuevas generaciones tomen la iniciativa de representar aquella música que no se quiere acomodar pero que tampoco quiere sentirse vieja: el rock. Por: José “Pepe” Plata // @owai El bebé que llegó al mundo el viernes 26 de marzo de 1948 en Yonkers, Estados Unidos, no sería un bebé más. El hijo de Susan y Victor llegaría en una fecha en la que se supone hay que ser muy callado y guardar respeto: un Viernes Santo. Una fecha que el calendario asume como el día de la muerte de Jesucristo, pero en el que Steven Tallarico, nombre de pila de Steven Tyler, dejaría atrás. Sus últimos cincuenta años de vida los ha entregado devotamente a algo que se conoce como industria de la música o industria del entretenimiento. Y todo lo que eso conlleva ha estado rodeado de canciones, discos, escándalos, reconocimientos, quebrantos de salud y hasta jurado de concurso de talento. Justo hace cinco décadas, siendo adolescente, tuvo sus primeras bandas. En ellas escupía blues y armaba una carrera. El mundo tenía como banda sonora a The Beatles y The Rolling Stones. Pero ya se estaban cocinando los sonidos fuertes y las distorsiones lanzadas que harían eco con Black Sabbath y Led Zeppelin en los 80. Steven Tyler se divertía con sus amigos en bandas que se llamaron The Strangeurs, Chain y William Proud. El mito comenzó rápido. Cuando apenas tenía 17 años creó el primer gran clásico de Aerosmith: Dream on. Su afición por los Rolling Stones lo hizo perseguirlos y hasta aparecer en una foto de la banda durante una presentación en Nueva York. A sus 21 años, conoció a Joe Perry y a Tom Hamilton con quienes armaría al año siguiente una banda. Los setenta comenzaban y ya se habían acabado los Beatles. La psicodelia estaba sumergida en el recuerdo y era el momento de los riffs fuertes y de un rock más duro. Justo es aquí el momento en el que Tyler entra al mundo para decirle cosas fuertes sobre la vida y el amor, al mejor estilo de quien se sumerge entre las aguas de un pantano o quien al barro entra para sentir algo. Y ese algo fueron las drogas. Los sueños hippies se habían desvanecido y lo duro ahora tenía lugar. En 1973 Tyler demostró su poderío vocal en el primer disco de la banda. Luego vino Get your wings de 1974 y un año después un disco que quedó tatuado en el mundo musical: Toys in the Attic. El mismo que vendió ocho millones de copias en el momento en el que el mundo empezaba a considerar al rock como algo raro. Venían los momentos del punk, el postpunk, el disco y hasta el aire del new wave. ¿Y si Aerosmith podía ser de la década, Tyler sobreviviría a los embates de la industria? La respuesta es sí, pero fue a través de la música y con situaciones que luego el cuerpo cobró. La adicción a las drogas hizo que por años se tuviera el rumor del fin de la banda y de la imposibilidad de sus integrantes de hacer algo coherente. Si bien la banda llenaba estadios, sonaba en la radio y estaba tocando de lo mejor, los excesos formaban parte del día a día. En 1978 se desquitaron con una grabación en vivo en Texas y en la que Tyler dio gala de su mejor despliegue histriónico con rock y blues. Pero el daño ya estaba hecho. Un año después apareció un discreto disco llamado Night in the Ruts. Para colmo de todo, no solo las drogas hacían de las suyas en su cuerpo. Un accidente en motocicleta sufrido en 1980 lo inhabilitó e impidió estar con la banda en todo 1981. El declive estaba vivo. Aerosmith ya sonaba a pasado y Tyler seguía con las adicciones que le carcomían el cuerpo. Existía de milagro en un mundo musical que ya tenía a Mtv y a los discos compactos. Un mundo en el que llegaban bandas como Anthrax, Megadeth, Metallica o Slayer (con un sonido thrash) y en el que se sobrevivía o se pasaba a mejor vida. La resurrección llegó en 1986, cuando los hiphoperos de Run DMC grabaron una versión de Walk this Way y grabaron un video en el que incluso Tyler hizo su aparición (Vean también: ¿Cómo creó Aerosmith una de las canciones más adictivas del rock?). Steven Tyler volvía a ser el hombre cool que hacía movidas grandes en vivo y del cual ya dos generaciones sentían aprecio. Y un año después, con la llegada del disco Permanent Vacation, el mundo los redescubrió y se enamoró de nuevo de su voz. Y, quién lo creyera, la gira de presentación de este disco tenía como banda telonera a unos jóvenes con una banda llamada Guns n’ Roses. Las lecciones del desmadre ahora tenían unos alumnos sin par. Luego de haberse sometido a un programa de rehabilitación el mundo estuvo listo para su regreso. Y sí, aquel disco de 1987 logró mostrar a Aerosmith como una banda de éxitos. De ahí se recuerdan clásicos como Rag Doll y Dude looks like a lady. La década se cerró con un Tyler empoderado y con un disco que partiría en dos la historia de la banda: Pump (1989). Pump fue un disco del cual dos generaciones han heredado éxitos que sonaron en radio, que establecieron a Aerosmith como una banda de referencia de los nacientes noventa y que aún hoy siguen vigentes en tanto playlist por ahí: Love In An Elevator, Janie's Got A Gun, What It Takes y The Other Side. Siete millones de copias vendidas son la garantía de este éxito. Pero así como Steven bien salía adelante con su vida musical, había un motivo adicional para recordarlo. Su hija Liv comenzaba a hacerse notar en el medio cinematográfico. Sí, la misma mujer que estuvo en las comedias adolescentes de los noventa como Belleza robada, Empire Records o Eso que tú haces. La pequeña Tyler había nacido en 1977 y solo hasta 1987 su padre roquero la reconoció. Su madre, Bebe Ruell, había decidido ocultar la paternidad porque Tyler estaba hundido en las drogas y el alcohol cuando la bebé nació. Ese reencuentro entre padre e hija tuvo especial recordación en un mítico video de 1994, Crazy, sencillo del disco Get a grip (1993). Sonreía la vida para Tyler. Se reconciliaba con su hija y este disco vendía 20 millones de copias. Y hasta ahora comenzaba la era de internet. Los éxitos alcanzaron para estar en listas unos meses más. Aerosmith presentó cuatro años después el disco Nine Lives (1997), y si bien fue una declaración de continuidad, no tuvo la misma respuesta del público. El nuevo milenio le dio a la banda una entrada triunfal a algo que todo Estados Unidos aprecia: la presentación en el intermedio del Superbowl. Además, en aquel 2001, la banda entró a formar parte del Hall de la Fama del Rock y Tyler se consagró como un buen gringo: cantando el himno de su país en la competencia automovílistica de Indianápolis. Quienes pensaban que el rock no daba para recibir títulos académicos, tuvieron que tragarse sus palabras al ver cómo en el 2003 le entregaron a este cantante un título honorífico en la Universidad de Berklee. Y si los años dieron esta dicha, también volvieron a pasarle una factura a su salud. Una operación en sus cuerdas vocales en el 2005 y terapia en sus piernas en el 2008, lo alejaron de nuevo de los grandes escenarios. Y si bien hubo discos y recopilaciones de Aerosmith, estos se tuvieron como un momento de llegar a las nuevas audiencias. A pesar de especulaciones sobre el fin de su carrera, Tyler no ha perdido su entereza y entró a formar parte del grupo de jurados del concurso American Idol, confirmándose como una figura clave del universo del entretenimiento que da material hasta para crear atracciones en parques de diversiones. Su figuración en el reality musical lo conectó con las nuevas generaciones y además fue un trampolín para las nuevas aventuras musicales de Aerosmith como lo fue el disco Music from Another Dimension (2012). A sus 68 años, parece que no le falta mucho o por hacer. O si le falta, es justamente seguir siendo ese personaje que a la industria le da canciones, discos, giras, videos y sonrisas. El que cayó y se levantó. El que se presenta en Bogotá el 29 de septiembre y que listo está para mostrarnos que el rock sigue siendo parte de la industria.
Desde videos de todo el gusto pop de MTV hasta bandas sonoras de todo tipo de películas (¿quién se puede olvidar de Armageddon?), y pasando por documentales que hablaban sobre su relación con las drogas, la presencia de Aerosmith en pantalla ha sido amplia y abundante. Acá un repaso. Por: José “Pepe” Plata // @owai // Foto: Gettyimages Hay artistas que bien ha madurado apareciendo en las pantallas y se han adaptado a los diferentes formatos. En el caso de Aerosmith, son una de las pocas bandas que tienen una relación con el mundo audiovisual que ya casi completa cuatro décadas. Justamente en 1978, en plena época punk, disco, new wave y también de hardrock, la banda es invitada a formar parte de la película del Sargento Pimienta. El resultado es justamente una interpretación bien rockera de Come Together que suena así: En esa prolífica década de los setenta, la banda presentó además de disco, una primera grabación de sus presentaciones. El famoso Texxxas Jam de 1978 nos ofrece a la banda en plena época de aquel rock y aquel heavy que acaparaba los oídos y las estaciones de radio. Un recuerdo de este momento, justo nos los trae así. Esa misma década que los llevó al éxito y reconocimiento, también fue un momento de excesos y de no conocer límites. Entre giras y discos el grupo casi sucumbe a problemas de alcoholismo y drogas que al entrar en los ochenta los desdibujaron. Los seis discos que grabaron en ese tiempo, fueron ampliamente recordados. Los ochenta fueron una década de altos y bajos. Solo fueron cuatro discos. Pero dos de ellos fueron definitivos en la segunda parte de ese decenio. En 1982, presentaron Rock in a Hard Place y tres años más tarde, Done with mirrors. Con Permanent Vacation (1987), la banda se engancha de nuevo al engranaje del rock. Fue el momento para sacar la casta y presentar videos de canciones como Dude looks like a lady (que hasta fue versionada por Shakira) Y también de Rag Doll. Permanent Vacation resucitó a la banda, de eso no hay duda, Por eso, cuando en 1989 apareció Pump, la máquina estaba aceitada y los sencillos, los videos y las ventas gigantes no se hicieron esperar. Fue el momento para ver videos de canciones como Love in an elevator y Janie´s got a gun que los hicieron favoritos de MTV. Esa misma década les permitió formar parte de un documental dedicado al rock que se hizo en 1988, como segunda parte de uno de 1980 llamado El declive de la civilización occidental. Aqui hablan sobre su relación con las drogas. Ya en los noventa, su presencia en las pantallas da para formar parte de la legendaria película Wayne´s World, donde aparecen en vivo: Justo en 1993, presentan Get a Grip, otro exitoso disco con siete sencillos y siete millones de discos vendidos. El mismo que nos trajo canciones como Crazy, Livin´on the edge o Love in an elevator. Una vez más, el mundo sucumbía a sus sencillos y a sus videos. Con Nine Lives, disco de 1997, el mundo volvió a aclamarlos con videos como Falling In Love (Is Hard On The Knees), Hole in my soul y Pink. Sin duda, un momento clave para una banda que se acercaba a sus treinta años. El siglo XXI, nos trajo una banda que no perdió el encanto entre sus discos y sus videos. Con Just Push Play (2001) la generación que compartía gustos musicales por Napster y que tenía messenger, se deleitaba con videos como Jaded. El rock no había muerto. Solo se había transformado y en el 2004 presentaron un box set con videos, música y experiencia interactiva bajo el nombre de You Gotta move. Un compendio aclamado por traer ya una banda de tres décadas de vida. Y también presentaron Honkin on´ Bobo. Un disco de once versiones de blues y rock y una canción nueva: The Grind. Era una manera de tomar una pausa y de hacer un homenaje a sus influencias. Cuatro años atrás, su última producción de estudio fue Music from Another Dimension! Ese 2012 nos trajo su decimoquinto disco. El mismo con el cual terminaron su contrato con Sony Music. Un disco que superó la operación en las cuerdas vocales de Steven Tyler y que además se presentó en versión sencilla y doble. De él nos queda el video de Legendary Child, con el cual dejan en claro que son una de las mejores bandas de rock de todos los tiempos. La filmografía de la banda incluye 37 videos y siete recopilaciones de sus obras para la pantalla. Si a eso le sumamos la aparición en bandas sonoras de películas como Armageddon, Last action hero, Los ángeles de Charlie, El hombre araña, Rugrats, Starsky y Hutch o Sex and the City, tenemos en si a una banda que sabe aprovechar su talento a cual más. Que entre discos y apariciones en televisión, se ha hecho partícipe de una parte de la historia que si antes se veía en la pantalla grande o chica, ahora tiene su continuación en YouTube. No en vano tiene 700 millones de vistas en su canal de Vevo. Si hay dudas, mejor será verlos en vivo el jueves 29 de septiembre.
Comenzamos a hacer cuenta regresiva para el regreso a Bogotá de una de las bandas más espectaculares, en todo el sentido de la palabra, del mundo roquero. Un lugar que se han ganado por el brillo incandescente de Steven Tyler y por ser dueños de clásicos como la pegajosa Walk This Way. Por: José “Pepe” Plata // @owai ¿Cómo puede una canción reinventarse o llegarle a una nueva generación justo cuando ya tenía una historia? La fórmula no está escrita y así como algunos apuestan por versiones estilizadas o también versiones que convierten a la original en otra cosa, hay algunas que logran salir adelante con un vigor llamado colaboración. Aerosmith bien lo sabe. Mientras en los años setenta Aerosmith labraba su camino mostrándose como una banda de rock que tenía como epicentro a Boston, paralelamente las calles de Nueva York y Chicago iban viendo cómo una cultura musical de ghettos emergía. Se trataba del hip hop. El quinteto de Steven Tyler ya presentaba discos y ganaba popularidad en los listados de ventas, pero también vivía una faceta oscura de drogas y alcohol que por poco opacan los esfuerzos musicales. Justo en 1975, con la publicación de su tercer disco Toys in the Attic, apareció una canción mítica no solo dentro del repertorio de la banda sino para las culturas pop y rock en general. Se trataba de Walk this Way, una poderosa consecución de riffs y juegos vocales que nunca ha de faltar cuando se hace referencia a la banda. La idea de ella nació en diciembre de 1974 cuando la banda se encontraba en Hawaii. Una pequeña improvisación dio la idea para una canción que se grabaría en Nueva York en 1975. Fue lanzada como sencillo y alcanzó buenos registros de popularidad en 1977. Aerosmith continuaba con una sinuosa carrera musical de discos, drogas y escándalos. Pero en las calles, el hip hop comenzaba a reinar. Nueva York se daba cuenta del poder de los tornamesas, el baile, el scratch y todos los elementos de esta cultura. El sonido que salía no tenía guitarras, bajos o baterías. Era una combinación de beats, voz y mucha descarga e improvisación. En los ochenta la banda tan solo lanzó dos discos entre 1980 y 1985: Rock in a Hard Place (1982) y Done with Mirrors (1985). Mientras tanto, el naciente canal MTV tenía las riendas de la difusión musical con un producto de consumo de alto impacto: el videoclip. Siendo lanzado en agosto de 1981, el canal se convirtió en la vitrina de exposición más rápida de la industria. Así fueron apareciendo Madonna, Michael Jackson, Toto o Billy Joel. Pero en ese universo Aerosmith poco aparecía. La música de Aerosmith, si bien había sido un estandarte de los setenta, no se acoplaba a las tendencias de los ochenta. Ya existían otras maneras de entender el heavy metal con grupos como Metallica o Iron Maiden. Ya existían etiquetas como thrash o speed metal. ¿Y entonces cómo se podía llegarle a una nueva audiencia con algo que les fuera creíble y consumible, pero a la vez divertido? La respuesta fue, justamente, con un video. Rick Rubin, productor del disco Raising Hell de Run D.M.C, le mostró a la banda aquel legendario disco de Aerosmith, Toys in the Attic. Los hoppers se sintieron reticentes a ese sonido, pero poco a poco fueron cediendo. No era para menos. La calidad de la canción hizo que hubiera una atracción hacia el sonido y su posibilidad de expansión. Run D.M.C. relanzó Walk this Way y contó con la participación de Joe Perry y Steven Tyler. El video muestra una especie de confrontación entre el rock y el hip hop. Pero luego se ve que se complementan perfectamente. Salía a flote una relación musical que no ha parado. No en vano la canción daba para cosas de ese tipo y la vida sonora de Aerosmith tuvo un nuevo impulso. Al año siguiente lanzaron su disco Permanent Vacation y dos años después, Pump. La década se cerraría con un repunte en la carrera de la banda de Boston y con la consolidación del hip hop como parte de la industria musical. Esa unión sonora abrió espacio para la presencia del hip hop en el rock, el metal y otras formas sonoras. No en vano, se escuchó y vio en los noventa con la película Judgement Night (en la cual grupos de rock se unen con proyectos de hip hop para hacer canciones), con Rage Against the Machine, Limp Bizkit o hasta con Britney Spears. De seguro, un repaso sonoro del impacto de esta canción vale la pena. No solo gustó en los setenta, ochenta y noventa. También en este milenio gusta...y le gusta hasta a los pitufos.
Antes de que Steven Tyler se dedique a sus proyectos como solista y termine la historia de Aerosmith, van a pisar tierras colombianas para despedirse. Confirmamos precio y locación. Será, definitivamente, la última vez que los chicos malos de Boston visiten Colombia. La primera fue el 20 de mayo del 2010 ante más de 30 mil personas. El 03 de noviembre de 2011 regresaron a la capital y demostraron en el escenario porque Aerosmith es una de las grandes bandas del mundo con el poder de la doble actuación Tyler y Perry.Ahora vuelven 5 años después, con la gira “Rock N’ Roll Rumble Aerosmith Style 2016” que trae de regreso a Colombia a todos los miembros originales de la banda: Steven Tyler, Joe Perry, Joey Kramer, Tom Hamilton y Brad Whitford, alineación cuya esencia se ha mantenido durante 46 años.Será la última vez que los veamos interpretar sendos temas como “Love in a elevator”, “Janie’s got a gun”, “Don’t wanna miss a thing”, “Dude looks like a lady”, “Walk this way”, “Dream on” y “Sweet emotion”. Aerosmith, sigue siendo parte viva de la historia del rock mundial; ha vendido más de 150 millones de álbumes en todo el mundo y ha sido incluido en el Rock and Roll Salón de la Fama. Además han recibido ya innumerables premios, entre ellos cuatro Grammy, ocho American Music Awards, seis premios Billboard y 12 MTV Video Music Awards, entre muchos otros honores.Las boletas estarán disponibles el Lunes 16 de mayo a través de Tu Boleta.Las primeras 1500 boletas en Localidad Platino tienen un costo $430.000 + servicio y las primeras 1500 boletas en en Localidad General tienen un costo de $205.000 + servicio. El precio de las boletas restantes es de $480.000 + servicio en Localidad Platino + servicio y de $230.000 + servicio en Localidad General.
Este 26 de marzo Steven Victor Tallarico, conocido en el mundo de la música como Steven Tyler, cumple 66 primaveras. El neoyorquino, líder de la banda de hard rock Aerosmith sumó un año más en su calendario de vida, razón por la que este miércoles queremos recordar con ustedes algunas de las frases más memorables que el artista ha ido dejando en el camino a lo largo de estas seis décadas.El icónico cantante, ha recibido múltiples premios a lo largo de su carrera entre los que se destacan un puesto entre los '100 mejores cantantes de Rolling Stone' en 2008 y la posición número 57 entre los '100 artistas más grandes de todos los tiempos' (conteo realizado por el mismo medio de comunicación). En 1990, él y su banda se llevaron a casa el primer premio Grammy como 'Mejor Interpretación Rock por un Dúo o Grupo con Vocales' y de ahí en adelante todos fueron años de gloria para una de las leyendas del rock. También hay que recordar que este peculiar personaje (que para no tener un gran atractivo físico sí tiene uns hija bastante bella, Liv Tyler) fue escogido por la revista de música Hit Parader como el tercer mejor vocalista de heavy metal de todos los tiempos. Un reconocimiento que, sin duda, tuvo que ser bastante cuestionado por los seguidores de este género. Sin más preámbulo, estas son algunas de las frases más memorables de Steven Tyler: • El sexo gay no funciona para mí. Probé una vez cuando era más joven y simplemente no me gustó.• Cada vida tiene una medida de dolor, y a veces esto es lo que nos despierta.• Finge hasta que lo consigas.• Sexo, drogas y rock & roll…deja afuera a las drogas y no tendrás más tiempo para las otras dos cosas.• Una gran melodía con grandes riffs es, para mí, el secreto de todo.• Si vale la pena hacerlo, vale la pena exagerar.• La vida es un viaje, no un destino.• Todo tiene que ser como era hace 30 años, cuando todos teníamos abuela y abuelo, y estábamos dispuestos a emitir un juicio moral sobre el bien y el mal.• Yo no creo que nada es para siempre, pero cuando mis hijos me dicen que me quieren, eso es para siempre.• Yo nací cuando el Mar Muerto estaba todavía enfermo.
Muchos la recordarán por los videos de 'Amazing' y 'Crazy' de Aerosmith. Otros por su aparición en películas como Batman y Robin y Scooby Doo 2. Pero luego por la propia dinámica del mundo del espectáculo le perdimos un poco la pista, tal vez porque se dedicó al mundo de la televisión y a películas que no tuvieron una gran distribución en nuestra país. Pero el pasado fin de semana hizo su aparición en los American Music Awards y su paso por la alfombra llamó muchísimo la atención. Un motivo para recordar a uno de los símbolos sexuales de los 90, ahora a sus 37 años. ¿Qué opinión le merece?
Tal vez no exista un anime que haya impactado más que Neon Genesis Evangelion. Ahora, Amazon Prime ha anunciado el estreno de la nueva película: Evangelion 3.0+1.0 y ya es hora de que discutamos por qué deberíamos esperar su estreno el 13 de agosto y cuál es la importancia de esta serie. Por Juan Camilo Ospina Deaza y María Daniela Mejía Buitrago | @siete_de_noviembre_del9Neon Genesis Evangelion o, mejor, Evangelion, es una serie de anime de finales de los años 90 que, a diferencia de las otras series populares de su época, no se centró en las proezas heroicas de los personajes que luchan por incrementar sus poderes y nivel de batalla. Arrancó con veintiséis episodios y, debido a su éxito, fueron creando diversos spin-offs, entre los que se incluyen series de manga, películas y videojuegos que complementan u ofrecen una realidad alternativa de la historia.Evangelion pone su lente en la psique de un protagonista que, aunque salva a la humanidad en más de una ocasión, no deja de ser un adolescente de 14 años con inseguridades, descubriendo su sexualidad, ansiedades y depresión. Shinji Ikari, el protagonista, crece en un mundo futurista en donde la población humana ha sido dramáticamente reducida por impactos provocados por ángeles. A diferencia de la representación angelical que todos conocemos, los ángeles de la serie son monstruosos, andróginos, enormes y poderosos, cuyo propósito es la destrucción. Shinji Ikari, junto con otras protagonistas, luchan en grandes robots para evitar que la humanidad desaparezca.La depresión y el existencialismo Aunque a primera vista esta puede parecer una serie más de robots, Evangelion profundiza en la depresión y el existencialismo, del mismo modo que utiliza elementos del psicoanálisis, simbología esotérica y religiosa para hacernos reflexionar. Hideaki Anno, el creador de la serie, pasaba por un momento de depresión cuando hizo Evangelion y esto se ve reflejado en las temáticas que aborda. “En la vida no se puede ir escogiendo los momentos agradables y descartando los desagradables”, expresa Shinji, el adolescente protagonista del anime. En vez de mostrarnos el heroísmo salvador, Evangelion nos muestra cómo el adolescente protagonista lidia con la tensión que le produce relacionarse con mujeres, la gente que le rodea y la presión sociopolítica y militar que lo involucra. Es como si de repente Dragon Ball Z no se tratara de la voluntad de lucha y sacrificio de Son Gokū, sino de las tensiones emocionales que hay en su interior y en quienes le rodean frente al hecho de que no es el mejor padre y esposo del mundo. Shinji se cuestiona con frecuencia su propia existencia. No estamos ante peleas en las que acabar con el enemigo es el único fin. Cada batalla lleva consigo un conflicto emocional particular. Cada triunfo de Shinji no lo engrandece como un héroe, sino más bien como una herramienta de guerra. Cada vez que gana, entiende que lo ha hecho porque es lo que se espera de él, pero ¿qué es lo que él espera de sí mismo? No son pocas las personas que lo describirían de manera despectiva indicando que es un incapaz, ya que se viene abajo anímicamente muy fácil y ello no corresponde con la figura de un héroe que se entrena para fortalecer sus valores y habilidades.Shinji no es entonces un prospecto para seguir, como nos lo explica el youtuber DayoScript en su video sobre la serie. Es más un arquetipo de nuestra humanidad imperfecta y herida, interpelada a flor de piel por el existencialismo. Así pues, no le importa tanto salvar al mundo como el sentimiento de miseria interna que es experimentable al tener un vehículo físico humano que puede generar una costumbre y cierto gusto por habitar este mundo en la tristeza. Es difícil existir sin pertenecer. Sin pertenecer a una familia, sin tener vínculos de amistad sólidos, sin tener un lugar en el mundo desde donde sepas que eres importante para los demás por lo que eres como persona. Los erizos, por más frío que tengan, no pueden acercarse mucho entre sí porque se hieren: eso es en lo que Shinji vive todo el tiempo. En la imposibilidad de expresar sus sentimientos o en la certeza de que sus sentimientos no resultarán agradables y bien recibidos. Es un anime de pausas, de planos sostenidos y de interpelación punzante. Se fija en los momentos incómodos que viven los personajes cuando no saben interactuar con los demás desde la empatía, o cuando la despersonalización es tanta que las organizaciones ya no son representadas por las personas, sino por sombras, pues la cosificación corporativa es un asunto prominente con el paso de los capítulos.Es completamente normal ver Evangelion y tener vacíos de comprensión. No solo por la complejidad de su contenido y las continuas referencias al mundo militar, religioso y psicológico, sino por los diferentes finales que tiene la trama, los cuales han gestado una cantidad prominente de teorías explicativas por parte del Fandom. Qué podemos esperar de cada películaLa película no solo es para los nostálgicos que han acompañado a Evangelion desde el principio. Es también para quienes, aunque no la han visto, tienen ansias de explorar su propia humanidad en la profundidad que justifica el argumento de esta pieza de anime. En una entrevista Hideaki Anno decía “Evangelion es como un rompecabezas. Cualquiera puede verlo y encontrar sus propias respuestas. En otras palabras, permite pensar por sí mismo, de modo que cada uno crea su propio mundo. Nunca se darán todas las respuestas, ni siquiera en las películas. Muchos fans de Evangelion tienen la esperanza de que se lance una suerte de libro Todo sobre Evangelion, pero eso no ocurrirá. No esperes a que otros te den la respuesta a tus preguntas, que te lo pongan todo delante. Todos tenemos nuestras propias respuestas”
Sameh Zakout (palestino) y Uriya Rosenman (judío israelí) se desahogan en un rap titulado Let's Talk Straight (hablemos claro), que se ha vuelto viral en las últimas semanas. En el clip rapean sobre todos los estereotipos étnicos y racistas que ambos enfrentan. El propósito del video es invitar a la audiencia a dejar atrás los prejuicios para identificar lo que nos une. "Creo que estamos asustados y controlados por el miedo", declaró Rosenman al New York Times. "Al promover la autenticidad, comprender la complejidad y decir una verdad moderada, podemos dejar atrás los traumas del pasado y construir juntos un futuro mejor", dice la descripción del video. "No te quejes de racismo racismo. Deja de lloriquear. Viven en clanes, disparan rifles en las bodas, abusan de sus animales, roban coches, golpean a sus propias mujeres. Todo lo que te importa es Alá, la Nakba, la jihad y el honor que controla tus impulsos ", dice Rosenman. Por otro lado, Zakout responde: "A ustedes los judíos se les olvidó qué es ser una minoría. No apoyo el terror, estoy en contra de la violencia, pero tras 70 años de ocupación, por supuesto que habrá resistencia. Dicen "un árabe bueno es un árabe muerto", pero luego se quejan de que no sirvo". Uriya Rosenman creció en bases militares israelíes y se desempeñó como oficial en una unidad de élite del ejército. Su padre era piloto de combate. Su abuelo dirigió a los paracaidistas que capturaron el Muro Occidental de Jordania en 1967.Sameh Zakout es un ciudadano palestino de Israel. Creció en la ciudad mixta judío-árabe de Ramla. Su familia fue expulsada de su hogar en la guerra de independencia israelí de 1948, conocida por los palestinos como la "Nakba" o catástrofe. Muchos de sus familiares huyeron a Gaza.En mayo de 2021 ocurrió una crisis entre Israel y Palestina, luego de que la policía israelí bloqueara la Puerta de Damasco, donde los árabes palestinos suelen reunirse para el Ramadán, mes de ayuno para los musulmanes. Esto condujo a un ataque contra judíos ortodoxos, que a su vez llevó a la policía israelí al asalto de la mezquita de al-Aqsa.
Sin duda Lil Nas X ha aprendido a causar controversia este último año. Primero por el video de Call Me By Your Name, en el que aparece bailando twerk con el diablo, posteriormente con su estrategia de promoción que incluyó "zapatos satánicos", que en realidad eran una copia de los Air Max 97, de Nike con gotas de "sangre". En su más reciente video titulado Industry Baby, el rapero es condenado a prisión. En el videoclip, dirigido por Christian Breslaue, vemos a Lil Nas X en una prisión de la que intenta escapar junto a su compañero Jack Harlow. Por supuesto, llamó la atención la coreografía en la ducha con bailarines desnudos. El músico lidera un motín en la prisión y escapa mientras ésta se quema. El video superó los 3 millones de reproducciones en Youtube en menos de 24 horas. Pero más allá del esfuerzo para escandalizar que caracteriza a Lil Nas X, hay un mensaje mayor. El músico se alió con la ONG The Bail Project, que busca pagar fianzas de personas que lo necesitan con el fin de combatir la encarcelación masiva. "Creemos que pagar la fianza de alguien que lo necesita es un acto de resistencia contra un sistema que criminaliza raza y pobreza", dice la organización, cuyo propósito es mantener a las personas en casa y con sus familias antes de que se las considere culpables o inocentes. "La música es la forma en la que yo lucho por liberación. Es mi acto de resistencia. Pero también sé que la verdadera libertad requiere cambios en la manera en la que funciona el sistema penal, empezando por el dinero de la fianza. Esto no es solo teoría para mí. Es personal, sé el dolor que trae la encarcelación a una familia. Soy consciente del impacto desproporcionado que tiene el dinero de fianzas en afroamericanos", afirmó el músico. Según Prison Policy Initiative, los jóvenes negros tienen aproximadamente un 50 por ciento más de probabilidades de ser detenidos antes del juicio que los acusados blancos, y los acusados negros reciben una fianza que es el doble de la fianza fijada para los acusados blancos. Algunos han elogiado al músico por apropiarse de espacios tradicionalmente homofóbicos, mostrándose abiertamente queer afirmando "No me cojo a perras, soy gay". Pese a las críticas, sigue mostrándose tal y como es, algo que ha aplaudido la comunidad LGBTIQ+.
Se cumplen 10 años de la muerte de Amy Winehouse. La cantante británica, una de las artistas más talentosas de su generación, falleció el 23 de julio de 2011 a causa de una intoxicación alcohólica. Sus discos Frank (2003) y especialmente Back to Black (2006) la ratificaron como una figura clave en la música de este siglo. La música de Amy Winehouse unía géneros como jazz, rhythm and blues, el soul y el rock. Pero hay un estilo musical que era muy querido por Amy, aunque no mucha gente la recuerda por él: el rap. Esto lo reveló el documental Amy, en el que se puede ver a Amy y a su amiga Juliette Ashby hablando sobre su grupo de rap, llamado Sweet ‘n’ Sour. Impulsadas por Alan Glass, productor y padrastro de Juliette, el grupo alcanzó a grabar algunas canciones: Glam Chicks, Spinderella (homenaje a la DJ de Salt n Peppa, que fue la inspiración para el grupo) y Boys...Who Needs Them (chicos...quién los necesita). Amy tendría alrededor de 10 años.Aunque no quedó registro de las grabaciones de este grupo, muchos creen que fue un momento clave para Amy que la motivó a seguir persiguiendo dedicarse a la música. El rap siempre fue uno de sus géneros favoritos y alguna vez citó a Lisa Left Eye Lopes como una inspiración para ella. Amy también admiraba a Nas. "Hay tanta gente con la que me encantaría trabajar: Nas, Mos Def. Me encantaría trabajar con Busta Rhymes, me encantaría trabajar con Rah Digga ... los amo. Aprendí muchas cosas sobre cómo escribir canciones de personas así. Me gustan mucho, y si les gustan mis cosas, genial ... Si quieren hacer una pista, me encantaría", declaró Amy en una entrevista con MTV en 2007.Años después se confirmó que la canción Me and Mr. Jones de Amy estaba inspirada en Nas. El productor Salaam Remi los conocía a ambos y los presentó. Años después Amy y Nas intercambiaron números de teléfono y se conocieron en persona. Estuvieron trabajando en una canción, que se lanzó luego de la muerte de Amy. Se llamó Cherry Wine y perteneció al disco Life is Good (2012), de Nas. Se cree que la relación llego a ser más que una amistad. Amy logró unirse con Nas, así como con Mos Def, ambos se juntaron para cantar en vivo Love is a Losing Game. Este video viral de 2009 demuestra que el rap no se le daba nada mal. Sin duda, su talento abarcaba una gran cantidad de géneros. Es una lástima que no alcanzamos a ver todo lo que tenía para ofrecer.
Aquí estamos, como de costumbre, con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial completo con reseñas de discos colombianos (álbumes de estudio y EP) para que conozcan y se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo a los mejores temas y álbumes nacionales del 2020 en este especial. En esta oportunidad les presentamos Falsos Positivos de Ekymosis.Falsos Positivos - Ekymosis.¿Quién está detrás? Ekhymosis es más que una banda, es una institución de la música en Colombia. La banda de trash metal se fundó en la Medellín de finales de los años 80 y desde entonces han ido evolucionando su sonido y propuesta. En 1997 se separaron, pero en 2012 regresaron con nueva alineación. A finales de 2020 dan a conocer al cantante Dani Zapata como su nuevo vocalista.¿De qué trata? Ekhymosis ha estado muy activo este año en pro de las manifestaciones pacíficas que se han dado en medio del paro nacional de Colombia. La banda eligió hablar en este sencillo sobre una problemática que lamentablemente no ha tenido un fin en Colombia: la de los falsos positivos. En este tema toman postura y lamentan la falta de justicia para hallar los culpables.¿A qué suena? Haciéndole justicia a su historia, es una canción con guitarras potentes y una interpretación que viene de las visceras a cargo de la voz de Dani Zapata. Un sonido que invita a gritar y saltar con la ira que produce la injusticia en nuestro país.¿Sobre el video qué? El sencillo viene acompañado por un video lyric en el que se ve a la banda interpretando la canción, pero también contiene imágenes de las marchas en Colombia.¿Cuándo escucharla? Seguramente esta canción va a tener mucha aceptación en conciertos y festivales. Es un nuevo himno para estos tiempos de protesta e inconformidad social.En video | Paro Nacional en Colombia: Santiago Alarcón y el papel del arte en las manifestaciones pacíficas¡La música nos une!
