Blur subió al escenario de Coachella en el segundo día del festival. Los íconos del britpop tocaron un set de 13 canciones con clásicos y temas de su álbum más reciente The Ballad of Darren. Era la primera vez que Blur estuvo en Coachella desde 2013 (aunque Damon Albarn (vocalista de la banda) ha hecho algunas apariciones sorpresa en los últimos años). La banda interpretó algunas de sus canciones más queridas. El público del festival ha sido criticado en redes, porque, cuando llegó el momento de la conocida Girls & Boys, Damon Albarn invitó al público a cantar con él, y se encontró con silencio. "El público de Blur en Coachella fue tan vergonzoso, Damon, lamento mucho no haber estado allí", escribió una persona en X.“ESTO ES DOLOROSO”, se quejó otro usuario de redes.“Coachella parece lo peor. Pobre Blur”, dijo un fan. “Estoy convencido de que Coachella tiene las peores vibraciones y personas posibles. ¡Es el maldito Blur, muestra algo de respeto! escribió otro.Otros cuestionaron si Albarn realmente podía haber esperado que el público joven de Coachella conociera su música. “¿Quién contrató a Blur para Coachella en 2024 y esperaba que los niños conocieran estas canciones?” preguntó una persona.¿Blur se tomará un descanso? “Nunca nos volverán a ver, así que mejor canten esto”, dijo Albarn con una mano en el bolsillo, indicando que Coachella 2024 bien podría ser la última vez que Blur toque en el festival. En diciembre de 2023, Albarn anunció que Blur se tomará otro descanso. "Esto es demasiado para mí", afirmó el artista. Hablando con la revista francesa Les Inrockuptibles para su edición de diciembre de 2023, Albarn admitió que es hora de “concluir esta campaña”, ya que afirmó que publicar música tanto para Blur como para Gorillaz ha sido agotador. "Es increíble tener dos bandas enormes, te permite hacer las cosas dos veces", dijo. “Pero es hora de concluir esta campaña. Es demasiado para mí. Fue lo correcto y un inmenso honor volver a tocar estas canciones, pasar tiempo con estos muchachos, hacer un álbum... No digo que no lo volveré a hacer, fue un hermoso éxito, pero estoy no insistir en el pasado”.
Este no es un listado producto de la sistematización y el debate, como lo hacemos cada año en nuestra selección de los mejores discos y las mejores canciones colombianas (acá los pueden ver en nuestro especial).No nos interesa ser prescriptores de lo que “deberían” o no escuchar. Pero acá están los discos que cada uno de nosotros cree que vale la pena, cuanto menos, compartir.Por Paula Ricciulli 'Rush'- ManeskinDesde hace un par de años, la banda italiana ha estado en todas partes: desde Eurovisión hasta el listado de las más populares de TikTok. A comienzos de 2023, Maneskin presentaron su tercer álbum con 22 canciones que retratan su corta pero vertiginosa carrera. En Gossip, junto a Tom Morello, la banda le habla a los chismosos y al sueño americano. En Kool Kids incursiona en el post-punk y en Feel, se burlan de la "cocaína en la mesa", en referencia a su escándalo de 2021, cuando se acusó a Damiano de inhalar cocaína en el marco de Eurovisión. Es un disco sumamente divertido en el que el grupo no se toma a sí mismo demasiado en serio. 'The Ballad of Darren'- BlurThe Ballad of Darren es el noveno álbum de Blur y el primero en casi 8 años. Son 10 canciones concisas en las que el grupo explora la pérdida, la nostalgia y la melancolía. Aunque todos los miembros de Blur han tenido proyectos independientes, definitivamente es innegable la fuerza cuando se reúnen los cuatro integrantes: cada uno encaja en un perfecto rompecabezas. En palabras de Damon Albarn a Consequence of Sound: “claramente hay algo de magia ahí que no podemos aprovechar a menos que seamos nosotros cuatro en una habitación. Es como tener una solución mágica. Tienes pequeños viales, tomas una pipeta y dejas caer ciertas cosas en ella y solo con la combinación correcta se vuelve del color Blur”.'Data'- TainyConsiderado uno de los mejores álbumes latinos del año, Data nos presenta un viaje por el trabajo de una de las mentes maestras del reggaetón. En momentos en los que este género es uno de los más escuchados mundialmente, llega la pregunta: ¿Qué viene ahora? La respuesta, según el reconocido productor, está entre referencias al sci fi o al anime, y una fusión de electrónica, pop, R&B y afrobeats. Son 19 canciones con artistas y propuestas diferentes, pero una cosa en común: el ímpetu creativo de Tainy y su capacidad inagotable de crear hits. 'GUTS'- Olivia Rodrigo Con Sour, su álbum debut, Olivia Rodrigo evocó a Paramore, que fue determinante para el feminismo pop-punk de las millennials. Ahora con GUTS, su segundo trabajo, la artista de tan solo 20 años sigue dejando huella en la biblia de mujeres rabiosas del rock, al mejor estilo de Courtney Love, Gwen Stefani o Alanis Morrisette. En inglés, la palabra GUTS tiene varias acepciones: tripa o vísceras, y también valentía o coraje, y el álbum reúne las 2: la rabia de sobrellevar las altas expectativas que se tienen de las mujeres y las decepciones amorosas, y las agallas para hacer un trabajo que cautiva y emociona a todas las generaciones. Por Fabián Páez López'Lahai'- Sampha Nos dijo Sampha en entrevista para Shock que convertirse en padre lo hizo sentirse parte de una cadena que no sabe hacia dónde va, pero que tranquiliza el miedo existencial que le provoca su propia finitud. Quizá por eso ‘Lahai’, el segundo álbum de este artista nacido en Londres fue lanzado seis años después de su genial debut con ‘Process’. Quizá por eso habla insistentemente de la conexión con las personas, de la permanencia en el tiempo (Lahai no solo es su nombre, sino el nombre de su abuelo), de los sueños y la espiritualidad. Y quizá por eso también su voz se desliza entre la calma más profunda y el desgarro existencial. Sampha, que ha acompañado a SBTRKT, Kendrick Lamar, Travis Scott, Beyoncé o Drake, volvió a ponerse en el centro con un álbum terapeútico, impresionista y reflexivo; una producción que experimenta con secuencias acústicas programadas y nos enseña, sin querer, sobre la paciencia y otra de las inquietudes de Sampha: volar.'Venus & Blue'- RubioVenus & Blue es el tercer álbum de la chilena Fran Straube con su proyecto solista Rubio. Son 10 canciones en las que aparecen ritmos impredeciblemente, van desde el pop experimental, pasan por el new wave, el dembow, la música clásica y el rap. Los temas están dispuestos de tal forma que Fran no es la protagonista, sino una traductora de estados emocionales, aunque sus letras vengan de vivencias personales; quiso jugar con la idea de los dos personajes, por eso Venus y Blue representan dos estados de ánimo encontrándose. Es un disco que te lleva de arriba a abajo y de abajo a arriba en una misma canción. Te infla el pecho con arreglos de música clásica mientras te pone nostálgico o te pone a bailar un perreo lagrimeando. Sobre este disco hablamos con ella, aquí encuentran la entrevista completa.'Timeless'- DavidoHace rato que la música pop bebe a chorros de los afrobeats. Y ya son bien conocidos en la industria los nombres de los nigerianos Burna Boy, WizKid o Rema. El impacto ha sido tal que hasta Burna Boy y Rema, por ejemplo, colaboraron con J Balvin y Feid, respectivamente. Por constancia y capacidad de hacer himnos tan bailables como virales, David Adeleke (Davido), que también es de origen nigeriano y es uno más en la lista, demuestra que los afrobeats se instalaron en el mapa de la popularidad. Timeless es su cuarto álbum de estudio y fue lanzado después de un trágico accidente en el que murió su hijo de tres años. Por eso empieza este álbum con canciones para sobreponerse y pararse firme. En el proceso, se anotó su canción más popular hasta la fecha: ‘Unavailable’ (feat. Musa Keys). 'Sundial'- NonameEn 2016 y 2018 Noname sacó dos de los mejores álbumes de rap de los últimos tiempos (en 2018 acá reseñamos Room 25). Desde entonces, poco se escuchó de ella. Si la siguen en Instagram sabrán que le hastían las lógicas de la industria de la música. Grabar en medio de la desigualdad y las contradicciones. Le hastían el racismo, el capitalismo, la desigualdad, el capacitismo y, sobre todo, la falsa solidaridad y la condescendencia. Noname tiene inevitablemente un modo de rapear que suena intelectual. Pero detrás de la mordacidad y la profundidad de sus palabras este álbum suena, sobre beats jazzeros, como una ráfaga de barras plácidamente irónicas y punzantes. 'Kaytraminé' - Aminé, Kaytranada El dj haitiano-canadiense Kaytranada y el rapero de Portland Aminé tienen tanta química que combinaron sus nombres para trabajar en este álbum conjunto. Fue una fusión afortunada. Una fiesta que se salió de control y se fue de largo, haciendo beats grooveros, uptempo, e invitando a uno que otro amigo: Pharrell Williams, Snoop Dogg, Freddie Gibbs, Big Sean y, en mi canción favorita (‘Sossaup’) a Amaarae. Son 11 canciones y un poco más de media hora de pura diversión. Esperemos que lo vuelvan a hacer. 'Praise a Lord Who Chews but Which Does Not Consume; (Or Simply, Hot Between Worlds)'- Yves TumorSean Lee Bowie nació en Miami pero se crió en Knoxville y ahora vive en Italia. Los medios lo han descrito como un genio enigmático que creció en un lugar consevador y restrictivo, sobre todo, para ser un adolescente negro y queer. Desde que adoptó el alias de Yves Tumor ha lanzado cuatro álbumes. Todos han sido aclamados por la crítica. Su mayor mérito ha sido, a mi juicio, incluir elementos del noise (que a veces suena pretencioso) en medio de una especie de rock alternativo y popero cuidado hasta el mínimo detalle. Yves Tumor armó un proyecto coherentemente extravagante. Este álbum, además, le agrega gospel a una ecuación indescifrable y fascinante. Por Valentina Alfonso 'The Record'- boygeniusEl trío que no sabíamos que necesitábamos sacó su álbum debut. Phoebe Bridgers, Lucy Dacus y Julien Baker demuestran que la amistad y la colaboración musical pueden resultar en un disco que suena perfectamente armonioso de comienzo a fin (no por nada comienza con 'Without You Withuout Them'). 'The Record' se siente como sentarse a hablar con las amigas sobre amores y sobre lo bueno y malo de la vida, mientras se toma vino en un día frío.'New Blue Sun'- André 3000Tal vez es raro que un álbum completamente instrumental esté en los mejores del año, pero así de genio es André 3000. Aunque sus fanáticos tal vez esperábamos otra cosa, recibimos 'New Blue Sun' como un abrazo meditativo de ambientnjazz para parar un momento. En una época donde (casi) todo lo sobreproducido, lo rápido y lo cargado es lo que alcanza lo mainstream, el rapero nos lleva por un camino de 87 minutos de exploración musical, al fin y al cabo: ‘I swear, I Really Wanted To Make A «Rap» Album But This Is Literally The Way The Wind Blew Me This Time’'The Land Is Inhospitable and So Are We'- MitskiLa melancolía siempre ha estado presente en la música de Mitski Miyawaki, sin embargo, este disco es, probablemente, el más oscuro de su carrera. Con la soledad como protagonista la cantante armó once canciones existenciales, tristes y vulnerables que nos cuentan historias que parecen agarrarse las manos unas con otras hasta armar un sólo relato en el que, al final, se ve algo de luz.'Súper terror'- El mató a un policía motorizadoLa nostalgia por los 80 y la costumbre de sufrir por amor es lo que contiene el décimo álbum de la banda argentina. Inspirado en la post pandemia, las canciones retratan la incertidumbre, los finales y los nuevos comienzos apostándole todo al synthpop y alejándose del indie rock al que nos tienen acostumbrados. Relatos que pueden parecer lugares comunes pero que son, más bien, historias de las que nos sentimos parte.Por María Camila Dávila'Endless Summer Vacations' - Miley Cyrus Cuando Flowers salió, a principios de enero, Miley Cyrus levantó a la crítica. En marzo, Endless Summer Vacations se publicó completo y Flowers quedó de últimas en la lista de canciones del álbum. La artista dejó atrás cualquier identidad que la atara al pasado y nos demostró cómo el tiempo nos obliga a crecer y a sanar, por supuesto. Aunque el amor es, sin duda, el hilo conductor del disco, Cyrus es la protagonista total de sus canciones. 'Snow Angel (Deluxe)' - Renée Rapp En el 2022, Renée Rapp publicó Everything To Everyone, un EP en el que la artista y actriz demostró su habilidad para las letras y su destreza para cantar notas altas. Sin embargo, Snow Angel (Deluxe) da la sensación de que Rapp actuó con timidez en sus primeros pasos como artista, ya que con este álbum arrasa como una de las nuevas cantantes pop posicionadas en Estados Unidos. Con canciones que hablan del amor y la identidad, algo así como las letras de Taylor Swift pero mezclado con el nuevo aire rockero de Olivia Rodrigo, Snow Angel (Deluxe) propone a una nueva artista, no solo por su talento músical, sino por su personalidad tremendamente arrolladora.'Grey - EP' - Emily JamesLo que más resalta en el proyecto musical de Emily James es su voz. Es un susurro lo suficientemente alto y dulce para ser escuchado. Grey, su EP lanzado a mediados del 2023, tiene 6 canciones que, aunque cambien de ritmo, siguen la línea del pop suave, perfecto para corear en vivo. Así como ella misma lo escribe en su perfil de Spotify: todo lo que hay que saber de ella está en sus canciones y en la capacidad de contar historias desde la dulzura de su voz y su música.Por Nicolás Pava 'Desire, I Want to Turn into You' - Caroline PolachekAl universo le faltaba una estrella pop neoyorquina que pudiera cargar y proyectar caos como lo hace Caroline Polachek. Una modernización de lo gótico para el mainstream que gravita alrededor del canto hipnótico de la artista, permitiendo la disposición ante el mundo sonoro, gráfico y dramático que propone el proyecto. La portada sirve como puerta de entrada al universo que el álbum presenta, abordando el deseo y suscitándolo. Lo grandioso del álbum es el protagonismo compartido entre el canto y el diseño sonoro. Una producción con una amplia gama de elementos de la electrónica que abre el espacio para una de las voces más hermosas del momento.'This is Why' - ParamoreEn un mundo donde ya no se hacen clásicos, las bandas de la generación de MTV subsisten gracias a la melancolía, anhelando el efímero mundo que vimos surgir y desvanecerse. Esta forma de consumo fue la condición de existencia para el “pop punk” o “punk rock”. Haley Williams comprendió que ya no existían condiciones para ello e introdujo un tono "indie"/ “art rock”, fusionando la energía de su música con figuras rítmicas y melódicas más sofisticadas. Un álbum para escuchar en streaming pero cuya presentación en vivo es impactante. Lo vimos este año y lo tendremos el próximo en el FEP. El disco que sacaron de remakes “This is why: RE” con bandas invitadas sobre las mismas canciones es maravilloso y comienza con Foals, imperdible. 'Ultrakunst' - Brutalismus 3000La música electrónica nunca experimentó una aceleración tan pronunciada como después de la pandemia del 2020. El ritmo de las generaciones que cumplieron sus 18 años en confinamiento es un fenómeno notable. Las fiestas en todo el mundo se han visto invadidas por esta misma generación en busca de hard techno que se ajuste a la velocidad de su mundo saturado de sobreinformación digital. Con este álbum, el dúo berlinés está llevando a cabo una vanguardia dentro de la fórmula actual del mainstream. Rescatan el componente político del techno y de otros movimientos como el punk y el gabber, brindando una esperanza para que la nueva generación comprenda los principios éticos del techno y lo politice según su propio lenguaje. Un sueño: Brutalismus 3000 en rock al parque 2024. 'Eulo Cramps' - Call SuperUna semana después de su presentación en Bogotá (un despliegue sin igual de UK garage), Call Super lanzó su álbum "Eulo Cramps". Un disco de música electroacústica que cuestiona las fronteras de eso mismo. Cuerdas, vientos, voces y percusiones dialogan con efectos y sintetizadores, construyendo un paisaje profundamente habitado pero increíblemente sencillo. Cuando se habla de electrónica experimental, surge un imaginario de dificultad en la apreciación. Este disco podría ser una gran introducción amable al braindance. El artista londinense hizo una exposición con una serie de dibujos con los que construyó el universo de "Eulo Cramps", una obra que trascendió lo musical. Con la reciente apertura de nuevos espacios para la música apreciativa, Ambie-ton (el nuevo subsello de Tratratrax) en el planetario, el 2024 puede ser un gran año para encontrarnos de diferentes formas en torno a la música electrónica. ¡La música nos une!
De The Beatles y The Rolling Stones a Biggie y Tupac, la historia de la música ha estado llena de rivalidades mediáticas entre propuestas con elementos comunes. Pero pocos enfrentamientos entre bandas fueron tan representativos como el de Blur y Oasis a mediados de los 90. La pelea incluso tuvo nombre propio: la batalla del britpop.Más allá de una simple rivalidad mediática entre dos bandas, la batalla del britpop fue un reflejo de la política y sociedad inglesas. El britpop surgió como una respuesta al grunge estadounidense. Su inspiración fueron las bandas inglesas de los 60 como The Beatles o The Kinks y, a diferencia de la rudeza del grunge, el britpop buscaba ser más ligero y pegajoso, con muchas referencias a la vida en Inglaterra. Aunque varias bandas fueron etiquetadas dentro del britpop, hoy se consideran cuatro las principales: Blur, Oasis, Pulp y Suede.A mediados de los 90 Blur y Oasis estaban en su mejor momento y eran de las bandas más importantes de Reino Unido: Blur tuvo éxito en 1994 con Parklife, que los consolidó como una de las principales bandas de Gran Bretaña después de un período incierto en los primeros años de la década. Mientras tanto, había expectativa por el lanzamiento de un segundo álbum de Oasis, luego del enorme impacto de su debut, Definitely Maybe (lanzado también en 1994).Hasta 1995, Oasis y Blur habían sido razonablemente respetuosos el uno con el otro. Pero cuando Oasis alcanzó el número uno con Some Might Say en abril de ese año, las cosas cambiaron. Damon Albarn, líder de Blur, dijo a NME: "Fui a su fiesta de celebración, ya sabes, solo para decir 'Bien hecho'. Y Liam Gallagher se acercó a decirme "¡Número uno!", justo en mi cara. Así que pensé, 'Está bien, ya veremos...'”“Noel Gallagher solía molestarme constantemente y realmente me dolía mucho en ese momento. Oasis eran como los “bullies” que tenía que soportar en el colegio", dijo alguna vez Albarn en el documental No Distance Left to Run.En el momento en el que Oasis debutó, Blur ya llevaba varios años tocando y consolidando un público. “Para mí que Damon Albarn sintió: “llegan estos 'manchesterianos', nuevos, que no hicieron 'la fila' para volverse tan importantes, a hablar mal de nosotros”, opina Manuel Carreño, profesor y autor de Por culpa de los Ramones. La actitud desafiante era muy representativa de Oasis: “Los de Blur practican actos sexuales entre ellos, no tienen las bolas suficientes para ser los número 1”, dijo alguna vez Liam Gallagher. Días después de “la batalla”, Noel Gallagher expresó su agrado hacia el baterista Dave Rowntree y al guitarrista Graham Coxon, mientras afirmó “Odio a Damon y a Alex. Espero que contraigan sida y mueran”. Luego se disculpó por el comentario.La disquera de Blur decidió que lanzaran su sencillo Country House exactamente el mismo día en el que Oasis presentaba Roll With It. La expectativa era alta y el mundo se dividió entre el “team Oasis” y el “team Blur". “A los ingleses les encanta el escándalo y cuando se supo que iban a lanzar el mismo día se armó una pelea con la gente y los medios. La noticia fue muy importante y aunque en ese momento no había Internet, recuerdo ver MTV News y que hablaban todo el tiempo de eso”, agrega Carreño.No solo los medios musicales registraron “la batalla del brit pop”. Hasta los noticieros más tradicionales se unieron al cubrimiento y tomaron su lugar en la batalla.Blur ganó la batalla del britpop: Country House vendió 274.000 copias mientras Roll With It vendió 216.000. Pero Oasis ganó la guerra: Aunque The Great Escape, álbum al que pertenecía Country House, tuvo éxito en ventas y con los críticos, (What's the Story) Morning Glory? se convirtió durante mucho tiempo en el segundo disco más vendido del Reino Unido.Como premio por la victoria, Blur se presentó en el recordado programa británico Top of the Pops, y Alex James, bajista del grupo, usó una camiseta de Oasis durante el show. Una rivalidad más allá de la músicaEl enfrentamiento entre Blur y Oasis fue la representación de una gran pugna social y política que sigue fuerte en Inglaterra: el sur vs. el norte. Blur es de Londres (sur) y Oasis es de Manchester (norte). “Ahí había una vieja rivalidad entre la capital y la ciudad industrial, entre “los gomelos” y la clase trabajadora. De fondo había algo más que lo musical”, opina Carreño.Ninguno de los miembros de Oasis fue a la universidad y antes de su carrera musical pasaron un tiempo como trabajadores de la construcción. Oasis apodó a Blur como "idiotas de escuela de arte", mientras que la prensa consideró a Oasis como héroes de la clase trabajadora. "El problema no era que cualquiera de las declaraciones fuera más o menos cierta, sino que el público parecía estar interesado en esta visión unidimensional de las bandas", escribe la poeta y autora Rose Harmon. La lucha entre el norte y el sur ha sido una constante entre la política y la cultura inglesas durante una gran parte de su historia. De acuerdo con Katie Burton en Geographical, la rivalidad data de 1066, cuando Guillermo el Conquistador arrasó el norte con "una furia loca" (sus propias palabras) para controlar las partes difíciles de manejar de su nuevo reino. Desde entonces, cuenta la historia, el Norte ha sufrido más que el Sur, un fenómeno que inevitablemente ha llevado a una serie de estereotipos, como que los del norte son más amables y extrovertidos, mientras que en el sur son más educados. Expertos consideran que la división entre el norte y el sur de Inglaterra sí refleja diferencias profundas, más allá de lo cultural. Según cifras de la Oficina Nacional de Estadísticas de Reino Unido, el sur de Inglaterra tiene mejores indicadores de expectativa de vida que el norte. Las personas también tienen una mayor probabilidad de morir prematuramente (definida como la muerte antes de los 75 años) en el Norte que en el Sur. Luego de analizar las tasas de mortalidad durante 50 años, en el Norte siempre fueron al menos un 15 por ciento más que en el Sur, lo que equivale a un promedio de 38.000 muertes en exceso en el Norte cada año.Si bien es posible encontrar diferencias de desarrollo entre regiones en todos los países, las del Reino Unido parecen particularmente arraigadas. El informe State of the North 2019 de Thinktank IPPR North indicó que "el Reino Unido está más dividido regionalmente que cualquier economía avanzada comparable".Aunque la rivalidad entre Blur y Oasis quedó atrás, fue clave para evidenciar una división que sigue vigente en la sociedad inglesa. Vean también | Blur, liderada por Damon Albarn, viene por primera vez a Colombia
Hay canciones que podemos no recordar el nombre pero, definitivamente, nos llevan a una película que vimos algún domingo con nuestras mamás o nuestros novixs. ¿Cuántas canciones de Oasis aparecen en películas? ¿Cuántas veces sonó 'Stop Crying Your Heart Out' al final de una película mientras se hacía un zoom out en carretera? ¿Será que los directores de 'American Pie' son fans de Sum 41?Podrá ser la nostalgia de los 90 la razón por la que tantas canciones de es época son utilizadas en comedias románticas estadounidenses o quizá la relación entre los éxitos de los 2000 con el público objetivo de las producciones.El estilo musical de las bandas y artistas de los 90 y earlys 00 tendía, en su mayoría, hacia el pop rock y el pop punk que encajaban con el tono ligero de las comedias clásicas y lo enérgico de los romances que nos presentaban. Sin embargo, las comedias no son las únicas películas que han utilizado varias veces canciones de artistas que tuvieron su auge en esas décadas.Canciones de los 90s y earlys 00 que sonaron en nuestras películas favoritasNo podríamos comenzar con otra banda que no fuera Sum 41. Esta agrupación de rock canadiense, que anunció su separación luego de 27 años, ha sonado en la banda sonora de más de una película. American Pie no tiene una si no cuatro canciones de ellos dentro de su saga. En American Pie 2 (2001) suenan 'Fat Lip' (2001) y, el clásico de ellos, 'In Too Deep' (2001); en 2003 aparecieron en American Wedding también de la saga con 'Hell Song' (2002); en 2009 'Makes No Difference' (2000), su sencillo debut, en American Pie Presents: The Book of Love (2009) y, finalmente, en American Pie: Reunion (2012), aparece 'Walking Disaster' (2007).Sum 41 también hizo parte de la banda sonora de películas como Los Fantasmas de mis ex (2009), protagonizada por Matthew McConaughey y Jennifer Garner.Oasis puede estar superando a Sum 41 tan sólo con la aparición de 'Stop Crying Your Heart Out' (2002), el segundo sencillo de su quinto álbum, en películas como Quiero robarme a la novia (2008), Efecto Mariposa (2004), protagonizada y producida por Aston Kutchner; Goal II: Living the Dream (2007), Big Daddy (1999), entre otras. Otras canciones de Oasis que aparecen en el soundtrack de algunas películas son: Wonderwall (1995), probablemente la canción más conocida de los Gallagher, en Fever Pitch (1997), Efecto Mariposa (2004) y Click (2006) con Adam Sandler y 'Don´t Look Back in Anger' (1995) en películas como "The Family Man" (2000), "About Time" (2013), y "The Secret Life of Walter Mitty" (2013).La música de Aerosmith ha dejado una marca significativa en la industria del cine. La voz de Steven Tyler ha aparecido en películas de distintos géneros. Desde Varsity Blues de 1999, con 'Sweet Emotion' (1975); pasando por comedias románticas como Clueless (1995), con Crazy e incluso en películas animadas como Shrek 2 (2004) y Happy Feet (2006) con 'Walk This Way' (1986), canción que fue regrabada por la banda de hip hop Run-DMC.De hecho, 'I Don`t Want to Miss a Thing' (1998), el único sencillo de la banda en alcanzar el primer puesto en el Billboard Hot 100, fue grabada específicamente para ser la banda sonora de la película Armageddon (1998). Que tiene, además, tres canciones más de Aerosmith: 'What Kind of Love Are You On' (1998), 'Sweet Emotion' (1975) y 'Come Together' (1978).La banda liderada por Chris Martin ha aportado muchas de sus canciones para los soundtracks de distintas películas. Coldplay ha estado presente en películas como Crazy/Beautiful (2001), The Holiday (2006) y Boyhood (2014) con 'Yellow', uno de los éxitos más importantes de los 2000 en el pop.'Clocks' (2002), 'Fix You' (2005), 'Viva la Vida' (2008), 'A Sky Full of Stars' (2014) son otros tracks que han aparecido en más de dos películas.Finalmente, cerramos con Vanessa Carlton, una cantante y compositora estadounidense, reconocida por su canción 'A Thousand Miles' (2002) que ha tenido una presencia bastante destacada en el cine, convirtiéndose en parte de la cultura pop. A pesar de que ¿Y dónde están las rubias? (2004) fue la película que volvió famosa esta canción con la escena de "and I miss you...", también apareció en otras películas como Legalmente Rubia (2001) y Mujeres al ataque (2014).¡El lado b de la música!
Blur viene por primera vez a Colombia. La legendaria banda británica liderada por Damon Albarn se presenta en el Movistar Arena el próximo 21 de noviembre en un concierto que muchos soñaban desde hace décadas. Los precios de las entradas oscilan entre $209.000 + servicio y $599.00 + servicio en primera etapa. Se pondrán a la venta desde el próximo 4 de mayo en tuboleta.com. (Información de precios y localidades más abajo). La historia de BlurNacida en Londres en 1988, Blur fue determinante para el rock alternativo en los 90 y el llamado britpop. Leisure fue su disco debut lanzado en 1991, y desde entonces lanzaron otros 7 álbumes. The Magic Whip (2015) es su más reciente álbum. La carrera de Blur está cargada de hechos históricos que han adoquinado el camino del indie rock, del indie pop y de las nuevas distorsiones post post punk: Song 2 fue una broma a la escena grunge de los 90 que se convirtió, sin quererlo, en su mayor hit (Robbie William, Imagine Dragons y Avril Lavigne han hecho covers de este himno). La portada del disco Think Tank de 2003 fue ilustrada por Banksy y en 2007 la obra fue subastada por más de 500 millones de pesos colombianos; el disco Parklife (1994) está en las listas del Top 100 Albums of the 1990s de Pitchfork, del 100 Best Albums Ever de NME, y los 500 Greatest Albums of All Time de la revista Rolling Stone. “Tengo muchas ganas de volver a tocar con mis 'Blur Brothers' y volver a escuchar todas esas grandes canciones. Los shows en vivo de Blur siempre son increíbles para mí: una buena guitarra y un amplificador al máximo y muchas caras sonrientes”, le dijo el guitarrista Graham Coxon a NME. Coxon y Albarn junto a Alex James (bajista y fromelier) y Dave Rowntree (baterista y ex diputado del Partido Laborista) tocarán juntos en el Corazón de Bogotá en una gira que iniciará en Europa con shows en el Primavera Sound de Barcelona y el Estadio de Wembley (sí, en un estadio) entre otras ciudades.
Después de lanzar al mercado su nuevo trabajo discográfico 'The Magic Whip', que salió a la luz después de 12 años de ausencia, Blur presentó el video de su más reciente sencillo ‘Ong Ong’.El audiovisual fue dirigido por Tony Hung, quien fue el encargado de hacer el artwork de su trabajo discográfico. En este vemos a la agrupación bailando en un universo retro como sacado del mundo de los videojuegos donde Damon Albarn es un cono de helado gigante, Graham Coxon es una cucaracha, Davie Rowntree está disfrazado de mosca, y Alex James es un luchador de sumo.
Es un hecho: el lanzamiento del nuevo disco de Blur va a ser sin duda unas de las gratas sorpresas musicales más importantes del 2015. Luego de haber anunciado The Magic Whip compartieron un documental que explica todo el proceso del disco. The Magic Whip: Made In Hong Kong, es un viaje visual a través de los ojos de Blur que incluye entrevistas, videos, imágenes del viaje y toda clase de matiral certificado para amantes de la banda. Aquí va.
Faltando pocos días para el esperado lanzamiento de su placa discográfica 'The Magic Whip', que verá la luz el próximo 27 de abril, luego de 12 años de espera (leer entrevista), Blur reveló su sencillo ‘My terracotta heart’.Este tema fue estrenado en el show de Jools Holland, en Londres, y cuenta con un sonido romántico amenizado siempre por una guitarra acústica que trae al recuerdo aquellas baladas noventeras.‘My Terracotta Heart’ es el cuarto sencillo que conocemos de esta nueva placa después de ‘Lonesome Street’, ‘There Are Too Many of Us’ y ‘Go Out’.¿Cómo les parece?
The Magic Whip' saldrá al mercado el próximo 27 de abril. Hablamos con Graham Coxon, guitarrista de la banda.Por: Diego Bolaños. En el año 2013 Blur volvió a los grandes escenarios con energía renovada, tras un descanso que vino bien y con ganas de seguir haciendo lo que los llevó a ser los máximos exponentes del britpop de los 90's.Fue durante su visita a Hong Kong que sucedió algo que muchas bandas pierden en el camino y nunca vuelven a recuperar: la chispa. Esa chispa los llevó a un pequeño estudio, y sin la parafernalia de las grandes producciones, Albarn y su combo se convirtieron en lo que nunca debieron dejar de ser, un combo de músicos con muchas ideas para compartir.Para fortuna de todos Blur está de vuelta y tuvimos la oportunidad de hablar con Graham Coxon, -para muchos la gran ausencia de la última entrega de la banda 'Think Thank'(2003) por su valor para el espíritu y la identidad del grupo-,sobre todo lo que rodeó ese momento que desencadenó el regreso de Blur con su nuevo disco 'The Magic Whip'.Diego Bolaños: ¿Por qué tanto secretismo?Graham Coxon: Creo que porque no le concernía a nadie y era una gran forma de castigar a todo el mundo por molestarnos tanto con la idea de hacer un nuevo disco. En verdad no queríamos ser tan formales al respecto, queríamos mantenerlo casual y entre nosotros. De haber permitido que la gente lo supiera habría presión y no queríamos ninguna. Era algo tan frágil que no lo queríamos arruinar, porque entre más gente se involucra empiezas a tener la presión de la disquera y de los fans; no queríamos nada parecido. Damon ni siquiera había escrito letras y grabó las voces hasta las etapas finales. Terminamos el trabajo hasta hace unas semanas y no le dijimos a nadie hasta el ultimo minuto, porque todo tenía que ser algo concreto y solo resultaría bien siguiendo ese proceso.DB: ¿Cómo terminan entrando al estudio en Hong Kong? ¿Considera que fue un momento especial?GC: Sí, lo fue. Íbamos a hacer una presentación en un festival de Japón y, para ser honesto, estábamos un poco mal humorados al respecto. Pero sorpresa, sorpresa, empezamos con las fechas y llegamos a Hong Kong. La presentación en Japón no se dio. Todo lo que podíamos hacer era regresar a Inglaterra para después viajar de nuevo a Yakarta y eso sí que iba a ser una molestia. Así que por qué no quedarse en Hong Kong cinco días y tener un tiempo libre. Yo pensé que eso nos caería bien y entonces alguien dijo -creo que Damon-: “¿Por qué no buscamos un estudio? Vamos un rato y solo tocamos unos acordes. Si nos gusta deberíamos ir y tocar, no lo hacemos en años, solo vamos a ver que pasa”. Dije "Ok, no tiempo libre, en vez de eso vamos al estudio". Encontramos uno y cada mañana durante mas de cinco días desayunamos camino al metro, hacíamos un pequeño viaje bajo el agua -creo que a china continental- y visitamos un pequeño estudio. Yo me encargaba de mi guitarra, normalmente lo hace un técnico y Damon se encargaba de los teclados. No teníamos staff, así que solo tocamos. Tratamos de pasar un buen rato pero con mucha intensidad, eran siete horas al día tocando, tocando y tocando.DB: Cinco días grabando se pueden considerar un maratón. ¿Ese material fue suficiente, fue el catalizador, o las ideas venían de otros encuentros durante la gira?GC: No realmente. Creo que lo que hace en verdad especial al álbum es que fue algo muy relajado, no hubo ninguna clase de tensión, ni preocupación por la interpretación: “Ahora estás grabando, debes tocar perfecto”, no hubo nada de eso. Solo tocábamos y Damon gritaba “¡Ahora ve a Mi bemol! Cambiemos esta secuencia ahora, voy a cambiar esto”. Grabábamos hasta gastar todas nuestras ideas y después pasábamos otra cosa. Él usaba un conjunto de sonidos locos, ritmos y material que tenía en Garageband, grabábamos eso y tocábamos encima. Pero realmente se trataba de hacer sonidos raros mientras entre los acordes Damon usaba palabras como “Estábamos en la estación, blah, blah, blah”, realmente eran solo cosas acerca de lo que había pasado durante esos días, contando lo que nos pasaba en Hong Kong y en el estudio.DB: Muchos consideran que usted tiene una idea muy clara acerca de cómo espera que suene la banda. ¿Es por esto que decidió compartir el material con Stephen Street?GC: No estoy muy seguro de haber tenido una idea muy clara. Sabía que parte del material sonaría muy familiar, lo que grabamos en Hong Kong se interpretó con instrumentos que no eran inusuales para nosotros. Busqué a Stephen para tratar de recrear el sonido clásico de Blur. Él no estuvo en Hong Kong, no tuvo nada que ver con la grabación de esas sesiones, pero si hay algo en lo que él es brillante es en organizar esa clase de material. Es como si alguien decidiera escribir sus memorias y tuviera 200 diarios, toda una mezcla de retazos. Tienes que llamar a alguien para que trabaje con eso y hacerlo algo manejable. Por eso involucré a Stephen. Así que él tuvo toda la música por unos días, se familiarizó con las grabaciones y se encargo de clasificarlas. Había material que se extendía por más de media hora, podían ser sesiones o canciones pero eran muy largas. Él depuró el material y después empezamos juntos a estructurar las canciones.DB: Durante el anuncio del álbum, usted comentó que había sonidos característicos de Blur y otros que no. Claramente están satisfechos. ¿Cómo llegaron a determinar que podía entrar en este disco? ¿Cómo se realizó la selección?GC: Todo lo que hicimos en Hong Kong está de cierta forma en el trabajo. No se desperdició nada. El disco tiene un sonido familiar porque algunas canciones lo son, como ‘I Broadcast’ y ‘Lonesome Street’. Allí hay una conexión mas clara hacia lo que Blur ha sido en el pasado, lo que la gente ama y odia de la banda. Es ese sonido. Y todo es por la forma en que cada uno de nosotros toca, es un proceso muy familiar. Los fans dirán que eso suena a Blur inmediatamente. Hay otras canciones en las que en verdad quería agregarle algunas cosas en el estudio, pero no se me ocurría que ponerle, o si la guitarra era el instrumento adecuado, así que tomé algunos sintetizadores, loops y cosas como esas. Lo que resultó de nuestro trabajo en esas grabaciones es algo muy bonito.
Blur sigue dando adelantos de su nuevo álbum 'The Magic Whip', con el que luego de 12 años quieren reconquistar a sus fanáticos y pisar duro en la escena del rock mundial. Esta vez presentan un video mucho más elaborado que el de su sencillo 'There are too many of us' (ver video), de la canción 'Lonesome Street'.Sin el tumbao del protagonista de 'Lonely Boy' de Black Keys, la banda británica pone a bailar durante casi todo el video a un hombre oriental para terminar en una coreografía grupal con tintes tradicionales.El esperado álbum saldrá al mercado el próximo 27 de abril.
Se conoció el primer adelanto de la película Mufasa: El Rey León. Los planes para la película se revelaron por primera vez en septiembre de 2020, de acuerdo con Good Morning America. Les contamos todo lo que se sabe hasta ahora de esta cinta. ¿De qué trata Mufasa?Según Disney, la película cuenta la historia, a través de flashbacks, de un joven y huérfano Mufasa que conoce a Taka (que luego se convertirá en Scar), quien está en la fila para el trono. Los dos cachorros se hacen amigos y, en algún momento del camino, "sus vínculos se pondrán a prueba mientras trabajan juntos para evadir a un enemigo amenazador y mortal".Mufasa: El Rey León mostrará los años de juventud del personaje antes de que naciera Simba y antes de que se estableciera firmemente como rey. Si bien los detalles de la trama son escasos, el director Barry Jenkins adelantó anteriormente que la historia mostrará que Mufasa no era un líder natural, sino que creció en su papel con experiencia gobernando las Tierras del Reino y un poco de ayuda de quienes lo rodeaban.¿Cómo se conecta Mufasa con la película de El Rey León? La película dirigida por Barry Jenkins es una precuela de la nueva versión de 2019 del clásico musical animado, estrenado originalmente en 1994. ¿Cuándo se estrena Mufasa?Mufasa: El Rey León tiene como fecha de estreno tentativa en los cines el 20 de diciembre de 2024.¿Quién está en el elenco de Mufasa?Beyoncé retomará su papel de Nala, y su hija Blue Ivy Carter se unirá a ella como Kiara, la hija de la reina Nala y el rey Simba, con la voz de Donald Glover.Aaron Pierre interpretará a Mufasa, Kelvin Harrison Jr. es Taka, Tiffany Boone es Sarabi, Kagiso Lediga es el joven Rafiki, Preston Nymon es Zazu, Mads Mikkelsen es Kiros, “un león formidable con grandes planes para su manada”, Thandiwe Newton es La madre de Taka, Eshe, según informó Elle. Lennie James figura como el padre de Taka, Obasi, Ankia Noni Rose como el padre de Mufasa, Masego, John Kani como Rafiki, Seth Rogen como Pumba y Bill Eichner como Timon.Según un comunicado de prensa de Disney, Lin-Manuel Miranda está acreditado como el compositor de la película y coproduce las canciones junto a Mark Mancina."Elton John. Tim Arroz. Hans Zimmer. Lebo M. Marcos Mancina. Beyoncé, Labrinth, Ilya Salmanzadeh. Beau Black, Ford Riley, el increíble equipo musical de 'The Lion Guard' y tantos contribuyentes musicales a lo largo de los años. El Rey León tiene un legado musical increíble con música de algunos de los mejores compositores del mundo, y me siento honrado y orgulloso de ser parte de él. Ha sido un placer trabajar junto a Barry Jenkins para darle vida a la historia de Mufasa y estamos ansiosos por que el público experimente esta película en los cines”, dijo Miranda a Disney.
Del 27 de abril al 4 de mayo será el Festival de la Leyenda Vallenata 2024 en Valledupar, uno de los eventos culturales y musicales más importantes de Colombia que celebra su edición 57.Este año, el Festival rinde homenaje a Iván Villazón, un artista que se ha destacado por un estilo que mezcla la esencia del vallenato vernáculo, sin dejar de incorporar nuevos sonidos. Hasta el 4 de mayo, cientos de espectadores podrán disfrutar de varios artistas como Silvestre Dangond, Juan Luis Guerra, Carín León, entre otros. Festival de la Leyenda Vallenta 2024: Programación 30 de abrilPrimera ronda de concursos: 8:00 a.m.Lugar: Centro Recreacional La PedregosaCategorías: Acordeón infantil.Acordeonera menor.Acordeón juvenil.Aires: Son y Puya.Primera ronda de concursos: 8:00 a.m.Lugar: Parque Los Algarrobillos.Categorías: Acordeón aficionado.Aires: Son y Puya.Acordeonera Mayor.Aires: Paseo y Merengue.Desfile de Piloneras: 2:00 p.m.Lugar: Inicia en el Colegio Alfonso López y termina en la Glorieta Mi Pedazo de Acordeón.Categorías: Infantil y Juvenil.Escenificación del Milagro de La Leyenda Vallenata: 4:00 p.m.Lugar: Plaza Alfonso López.1 de mayoSegunda ronda de concursos: 8:00 a.m.Lugar: Centro Recreacional La Pedregosa.Categorías: Acordeón Infantil.Acordeonera Mayor.Acordeón Juvenil.Aires: Paseo, Merengue, Son y Puya.Segunda ronda de concursos: 8:00 a.m.Lugar: Parque Los Algarrobillos.Categorías:Acordeonero Aficionado.Aires: Paseo, Merengue, Son y Puya.Primera ronda de concursos: 8:00 a.m.Lugar: Parque Los Algarrobillos.Categoría: Acordeonera Mayor.Aires: Son y Puya.Primera ronda de concursos: 8:00 a.m.Lugar: Plaza Alfonso López.Categoría: Acordeón Profesional.Aires: Paseo y Merengue.Ronda Eliminatoria: 10:00 a.m.Lugar: Centro Comercial Unicentro.Categoría: Piqueria Infantil.Aires: Paseo, Merengue, Son y Puya.Desfile de Piloneras: 1:00 p.m.Lugar: Inicia en el Colegio Alfonso López y termina en la Glorieta de la Pilonera Mayor.Categoría:Mayores.Ceremonia de Inauguración: 6:00 p.m.2 de mayoSemifinal concursos: 8:00 a.m.Lugar: Centro Recreacional La Pedregosa.Categorías: Acordeón Infantil.Acordeonera Menor.Acordeón Juvenil.Aires: Paseo, Merengue, Son y Puya.Semifinal concurso: 8:00 a.m.Lugar: Parque Los Algarrobillos.Categoría:Acordeón Aficionado.Aires: Paseo, Merengue, Son y Puya.Segunda ronda concurso: 8:00 a.m.Lugar: Parque Los Algarrobillos.Categoría: Acordeonera Mayor.Aires: Paseo, Merengue, Son y Puya.Primera ronda concurso: 8:00 a.m.Lugar: Coliseo de Ferias Pedro Castro Monsalvo.Categoría: Canción Vallenata Inédita.Segunda ronda concurso: 10:00 a.m.Lugar: Centro Comercial Unicentro.Categoría: Piqueria Mayor.Primera ronda concurso: 8:00 a.m.Lugar: Plaza Alfonso López.Categoría: Acordeón Profesional.Aires: Son y Puya.Gran Final Concursos: 2:00 p.m.Lugar: Centro Recreacional La Pedregosa.Categoría:Acordeonera Infantil.Acordeonera Menor.Gran Final Concursos: 2:00 p.m.Lugar: Centro Comercial Unicentro.Categoría:Piqueria Infantil.Acordeón Juvenil.Conversatorio Almas Felices: 2:00 p.m.Lugar: Auditorio Macondo.Organiza: Fundación Universitaria del Área Andina.Gran Final Concurso: 8:00 p.m.Lugar: Parque de la Leyenda Vallenata.Categoría: Acordeón Aficionado.Aires: Paseo, Merengue, Son y Puya.Participación: Carín León, Mora, Poncho Zuleta, Diego Daza y Alex Manga.3 de mayoSemifinal concurso: 8:00 a.m.Lugar: Parque Los Algarrobillos.Categoría: Acordeonera Mayor.Aires: Paseo, Merengue, Son y Puya.Segunda ronda concursos: 8:00 a.m.Lugar: Coliseo de Ferias Pedro Castro Monsalvo.Categoría: Canción Vallenata Inédita.Semifinal concurso: 10:00 a.m.Lugar: Centro Comercial Unicentro.Categoría: Piqueria Mayor.Segunda ronda concursos: 8:00 a.m.Lugar: Plaza Alfonso López.Categoría: Acordeón Profesional.Aires: Paseo, Merengue, Son y Puya.Gran Final Concursos: 8:00 p.m.Lugar: Parque de la Leyenda Vallenata.Categorías: Piqueria Mayor.Acordeonera Mayor.Participación: Silvestre Dangond, Grupo Niche, Pipe Bueno y Ana del Castillo.4 de mayoSemifinal concursos: 8:00 a.m.Lugar: Plaza Alfonso López.Categoría: Canción vallenata inédita.Semifinal concurso: 8:00 a.m.Lugar: Coliseo de Ferias Pedro Castro Monsalvo.Categoría:Acordeón Profesional.Aires: Paseo, Merengue, Son y Puya.Gran Final Concursos: 8:00 p.m.Lugar: Parque de la Leyenda Vallenata.Categorías:Canción Vallenata Inédita.Acordeón Profesional.Aires: Paseo, Merengue, Son y Puya.Participación: Juan Luis Guerra, Grupo Frontera, Iván Villazón, Peter Manjarres y Elder Dayan.Historia del Festival de la Leyenda VallenataEl Festival del Leyenda Vallenata nació en 1968, con el fin de preservar los cuatro aires o ritmos del vallenato: paseo, merengue, son y puya y todas las manfiestaciones artísticas y culturales asociadas al vallenato.
¿Qué haría Harry Potter? Esa fue la pregunta que se hicieron el comediante Andrew Slack y la banda de wizard rock Harry and the Potters cuando se juntaron en 2005 para crear la Harry Potter Alliance (HPA), una organización sin ánimo de lucro que convocó a varios grupos de fans de Harry y a otras bandas de wizard rock inspiradas en los personajes de los libros para llamar la atención sobre la violación de derechos humanos en el conflicto étnico y militar de Darfur, Sudán.Durante esa primera campaña, cuyo lema era “¿Qué haría Harry Potter?”, recaudaron 14.000 euros que fueron destinados a las víctimas del genocidio.Este texto aparece también en la guía del BIME 2024. Sobre estos temas y más de la industria se habla en el BIME: acá encuentran toda la información.La organización cambió su nombre por “Fandom Forward” en 2021 aduciendo que el “movimiento es para cualquiera que crea en el poder de las historias y las comunidades que las aman para cambiar el mundo”, pero no ha parado desde entonces.Fandom Forward ejecuta acciones recurrentes asociadas a causas como la equidad de género, la igualdad de los derechos de las personas LGBTIQ+, la justicia económica y el cuidado ambiental.La obra de J.K Rowling los impulsó indirectamente, no solo a crear bandas de música y blogs en los que analizan problemas sociales a través de la ficción, sino a formar comunidad e involucrarse en la vida social y política.Idols y swiftiesLa existencia y la misión del Fandom Forward (“creer en el poder de las historias para cambiar el mundo”) es solo uno de muchos ejemplos en los que las obras de la cultura pop crean nuevas comunidades de consumo que se involucran con lo que les interesa en un nivel más profundo. Y este mismo fenómeno, ahora, se puede identificar más fácilmente en la música.En especial, si nos fijamos en dos casos: los seguidores de los idols del K Pop y las swifties (seguidoras de Taylor Swift). Estamos en la era de los fandoms.¿Qué es un fandom?La palabra fandom es la contracción de fan y kingdom [reino]. Como vimos, fue utilizada en principio para designar a los consumidores de historias de ficción (plasmadas en series, libros o cómics) que organizaron comunidades propias para estudiar, reinventar y reapropiarse de esas historias. Pero desde que los artistas entraron en el juego de mercadear su personalidad en redes sociales como una especie de telerrealidad, el término se extendió al campo de la música. La proliferación de los fandoms nos habla de un cambio crucial en la forma en que los consumidores se implican con la música y con los artistas que aman. Ese cambio supone una superación de las acusaciones patologizantes de la idea de “fan” que lo asocian, por lo general, al exceso o a una supuesta religiosidad irreflexiva.Una de las características de los fandoms es que hacen uso de lo que el investigador Henry Jenkins llamó la imaginación cívica: es decir, llevan los valores de una obra (película, álbum, libro) a su vida como ciudadano. El espacio libre para la especulación, la imaginación o la acción en “la vida real” es el que separa al miembro del fandom del fanático “religioso” que no cuestiona su creencia.En el campo de la música, el giro apunta a que, en el reino de los fans, la vida entera del artista se consume como una obra, una historia de fantasía que debe ser apropiada y reinterpretada en el contexto propio.En 2023, Paula Ricciulli entrevistó para Shock a una de las líderes swifties que intentaron frenar la campaña del hoy presidente Javier Milei en Argentina. Esto dijo del modo en el que utilizaron las canciones de Taylor para hablar de su contexto:De esto también hablamos en este capítulo de Nuestro podcast de música para Canal CapitalEl vínculo entre gusto e ideología que menciona la swiftie entrevistada en ese momento es el núcleo del fandom. La novedad de estas comunidades versus la idea del fan “pasivo” o “extremista” es la relación que se establece entre el consumidor y la obra, entendida como una extensión de la vida de su autor: un paquete completo que incluye tanto las canciones como las declaraciones de valores propios. Va incluso más allá de la relación parasocial del fan con el artista a través de las redes sociales.Como señala el investigador Mark Duffett, esa relación entre fan y artista involucra una negociación identitaria más compleja en la que se analiza la compatibilidad en valores. Los artistas son, para el fandom, una guía ética, un modelo de virtud equiparable al que proveen los superhéroes en los cómics.La obra de una artista como Taylor Swift puede ser utilizada en el contexto de una mujer joven en Argentina, antes de las elecciones presidenciales, pero también en la vida diaria y las relaciones amorosas. Los artistas entraron en el inevitable juego de mercadear su personalidad y sus valores individuales. Su obra es, en cierta forma, un subproducto de eso. Y, por extensión, el mismo principio funciona para la audiencia de modo inverso.Sabemos que se ha fandomizado el consumo de la música cuando se puede desplazar hacia los artistas la pregunta que se hacía la Harry Potter Alliance cuando quiso tomar partido en el conflicto en Sudán: ¿Qué haría Harry Potter? Hoy, las swifties se preguntan: ¿Qué haría Taylor?***Recomendaciones:Quizá el personaje más reconocido en la teoría de los fandoms es Henry Jenkins, autor del libro célebre Cultura de la convergencia. Hoy, Jenkins está retirado de la academia, pero tiene un podcast recomendadísimo en el que también habla de estos temas: How do you like it so far. Además de Jenkins, Mark Duffett ha estudiado más detalladamente a los fans en la música y ha compilado muchos de los ensayos escritos al respecto por otros investigadores. Recomendado leer su libro Understanding Fandom. ***Este artículo hace parte la serie Estudios de caso, la sección de artículos de análisis de industria industria cultural en Shock.
El rapero de Compton, Kendrick Lamar, no se quedo callado luego de la canción de Drake 'Taylor Made Freestyle'. Sin aviso previo lanzó 'Euphoria', una respuesta contundente a toda la tiradera entre los raperos. ¿Cuáles fueron las mejores frases de Kendrick Lamar contra Drake?A lo largo de seis intensos minutos, Lamar lanza críticas a Drake, cuestionando su autenticidad y su talento. En una frase especialmente directa, lo llama "un patético maestro de la manipulación" y "un artista de la estafa con esperanzas de ser aceptado".Lamar también hace referencia a varias controversias que han rodeado a Drake, incluyendo la más reciente: el uso de inteligencia artificial para imitar la voz de Tupac Shakur y un enfrentamiento con Pusha T.'Euphoria' no es solo un ataque a Drake, sino también una reafirmación del propio estatus de Lamar como uno de los mejores raperos de la actualidad. Todo comenzó con el video y la canción 'First Person Shooter', una colaboración entre Drake y J. Cole en la que se mencionaba a los tres (Drake, Cole y Lamar) como "los tres grandes". Lamar respondió en la canción 'Like That' junto a Future y Metro Boomin, diciendo "¿tres grandes? Solo hay un gran yo".Las mejores frases de Kendrick Lamar en 'Euphoria'Aunque muchos no lo sepan el rapero canadiense también es actor y como Kendrick lo dijo: "el famoso actor que una vez conocimos parece paranoico, y ahora está en espiral".Drake nombró a la esposa de Kendrick en 'Push Ups' y el rapero se pronunció contestándole: "Inventas historias en el frentе familiar, porque escuchaste Mr. Moralе", el álbum más personas de Kendrick Lamar hasta el momento."Pero no digas mentiras sobre mí, y no diré verdades sobre ti" resume la pelea, que ha estado en ires y venires, durante ya una década."Prefiero hacer eso que dejar que un n* canadiense haga que Pac se revuelva en su tumba" que además de criticar que hubiera usado la "voz" de uno de los grandes del hiphop para tirarle, también nos deja saber que 'Euphoria' fue grabada después de 'Taylor Made Freestyle'.Esta frase no puede ser explicada en español porque es una anotación, con un juego de palabras, a los más de seis años que han pasado sin que Drake le conteste a Pusha T (una de las mejores canciones de diss del rap en los últimos años): "Yeah, fuck all that pushin' P, let me see you push a TYou better off spinnin' again on him, you think about pushin' me".Una de las partes que más abrió la conversación, generó memes y diferentes reacciones fue que Kendrick le quitó la n* card a Drake, por ser biracial, diciéndole: "incluso odio cuando dices la palabra n*, pero soy solo yo, supongo. Alguna mierda simplemente digna de vergüenza, supongo que ni siquiera tiene que ser profunda"."¿Creen que toda mi vida es el rap? Eso es una mierda, tengo un hijo que criar, pero puedo ver que no sabes nada sobre esoDespertándolos; no sabes nada de esoY les digo que oren: no sabes nada de esoY dándoles herramientas para caminar por la vida día a día; no sabes nada de esoEnseñándoles morales, integridad, disciplina; escucha, hombre, no sabes nada de eso"Aquí amamos la paternidad responsable y Kendrick lo tiene claro. Las tiraderas son divertidas pero él tiene cosas más importantes como criar a un hijo, cosa de la que Drake no parece tener mucha idea.Letra completa de 'Euphoria' en inglésThem super powers gettin' neutralized, I can only watch in silenceThe famous actor we once knew is lookin' paranoid and now is spiralin'You're movin' just like a degenerate, every antic is feelin' distastefulI calculate you're not as calculated, I can even predict your angleFabricatin' stories on the family front 'cause you heard Mister MoraleA pathetic master manipulator, I can smell the tales on you nowYou'rе not a rap artist, you a scam artist with the hopes of being accеptedTommy Hilfiger stood out, but FUBU never had been your collectionI make music that electrify 'em, you make music that pacify 'emI can double down on that line, but spare you this time, that's random acts of kindnessKnow you a master manipulator and habitual liar tooBut don't tell no lie about me and I won't tell truths 'bout youYeah, I'm out the way, yeah, I'm low, okayYeah, the island right here's remote, okayI ain't thinkin' about no reaperNigga, I'm reapin' what I sow, okayGot a Benjamin and a Jackson all in my house like I'm Joe, okayHellcat, made his homeboys and them type sell they soul, okayEverybody wanna be demon till they get chipped by your throwawayAnd I might do a show a day, once a lame, always a lameOh, you thought the money, the power or fame would make you go away?Have you ever played have-you-ever? Okay, nigga, let's playHave you ever walked your enemy down, like, with a poker face?Have you ever paid five hundred thou', like, to an open case?Well, I have, and I failed at both, but I came out straightI hate when a rapper talk about guns, then somebody dieThey turn into nuns, then hop online, like: Pray for my cityHe fakin' for likes and digital hugsHis daddy a killer, he wanna be junior, they must've forgot the shit that they doneDementia must run in his family, but let it get shaky, I'll park his sonThe very first time I shot me a Drac', the homie had told me to aim it this wayI didn't point down enough, today I'll show you I learned from those mistakesSomebody had told me that you got a ring, on God, I'm ready to double the wageI'd rather do that than let a Canadian nigga make Pac turn in his graveCutthroat business, you got shit twistedWhat is it? The braids?I hurt your feelings? You don't wanna work with me no more? OkayIt's three GOATs left, and I seen two of them kissin' and huggin' on stageI love 'em to death, and in eight bars, I'll explain that phrase, huhIt's nothin' nobody can tell me, huhI don't wanna talk on no celly, huhYou know I got language barriers, huhIt's no accent you can sell me, huhYeah, Cole and Aubrey know I'm a selfish niggaThe crown is heavy, huhI pray they my real friends, if not, I'm YNW MellyI don't like you poppin' shit at Pharrell, for him, I inherit the beefYeah, fuck all that pushin' P, let me see you push a TYou better off spinnin' again on him, you think about pushin' meHe's Terrence Thornton, I'm Terence Crawford, yeah, I'm whoopin' feetWe ain't gotta get personal, this a friendly fade, you should keep it that wayI know some shit about niggas that make Gunna Wunna look like a saintThis ain't been about critics, not about gimmicks, not about who the greatestIt's always been about love and hate, now let me say I'm the biggest haterI hate the way that you walk, the way that you talk, I hate the way that you dressI hate the way that you sneak diss, if I catch flight, it's gon' be directWe hate the bitches you fuck, 'cause they confuse themself with real womenAnd notice, I said we, it's not just me, I'm what the culture feelin'How many more fairytale stories 'bout your life till we had enough?How many more black features till you finally feel that you're black enough?I like Drake with the melodies, I don't like Drake when he act toughYou gon' make a nigga bring back Puff, let me see if Chubbs really crash somethin'Yeah, my first one like my last one, it's a classic, you don't have oneLet your core audience stomach that, then tell 'em where you get your abs fromV12, it's a fast one, baow-baow-baow, last oneHeadshot for the year, you better walk around like Daft PunkçRemember?Ayy, Top Dawg, who the fuck they think they playin' with?Extortion my middle name as soon as you jump off of that plane, bitchI'm allergic to the lame shit, only you like bein' famousYachty can't give you no swag neither, I don't give a fuck 'bout who you hang withI hate the way that you walk, the way that you talk, I hate the way that you dressSurprised you wanted that feature requestYou know that we got some shit to addressI even hate when you say the word nigga, but that's just me, I guessSome shit just cringeworthy, it ain't even gotta be deep, I guessStill love when you see success, everything with me is blessedKeep makin' me dance, wavin' my hand, and it won't be no threatI'm knowin' they call you The Boy, but where is a man? 'Cause I ain't seen him yetMatter fact, I ain't even bleed him yet, can I bleed him? BetWhen I see you stand by Sexyy Red, I believe you see two bad bitchesI believe you don't like women, it's real competition, you might pop ass with 'emLet's speak on percentage, show me your splits, I'll make sure I double back with yaYou were signed to a nigga that's signed to a nigga that said he was signed to that niggaTry cease and desist on the Like That record?Ho, what? You ain't like that record?Back to Back, I like that recordI'ma get back to that, for the recordWhy would I call around tryna get dirt on niggas? Y'all think all my life is rap?That's ho shit, I got a son to raise, but I can see you don't know nothin' 'bout thatWakin' him up, know nothin' 'bout thatThen tell him to pray, know nothin' 'bout thatThen givin' him tools to walk through life like day by day, know nothin' 'bout thatTeachin' him morals, integrity, discipline, listen, man, you don't know nothin' 'bout thatSpeakin' the truth and consider what God's considerin', you don't know nothin' 'bout thatAin't twenty-v-one, it's one-v-twenty if I gotta smack niggas that write with youYeah, bring 'em out too, I'll clean 'em out tooTell BEAM that he better stay right with youAm I battlin' ghost or AI? Nigga feelin' like Joel OsteenFunny, he was in a film called AIAnd my sixth sense tellin' me to off himI'ma blick niggas all in they coffinYeah, OV-ho niggas is dick ridersTell 'em run to America, they imitate heritage, they can't imitate this violenceWhat I learned is niggas don't like the West CoastAnd I'm fine with it, I'll push the line with itPick a nigga off one at a time with itWe can be on a three-hour time differenceDon't speak on the family, crodieIt can get deep in the family, crodieTalk about me and my family, crodie?Someone gon' bleed in your family, crodieI be at New Ho King eatin' fried rice with a dip sauce and a blammy, crodieTell me you're cheesin', famWe can do this right now on the camera, crodieAyy, fuck y'all niggas, I don't trust y'all niggasI wave one finger and thump y'all niggas, like, mmField goal, punt y'all niggas, they punk y'all niggas, nobody never took my foodWhoever that's fuckin' with him, fuck you niggas, and fuck the industry tooIf you take it there, I'm takin' it furtherPsst, that's somethin' you don't wanna do"Euphoria" es un golpe contundente en la creciente disputa entre Kendrick Lamar y Drake. Queda por ver cómo responderá Drake a este nuevo ataque, pero una cosa es segura: la batalla del rap está lejos de terminar.
Este 2024 parece ser el año de Young Miko. La artista puertorriqueña lanzó el 3 de abril su álbum debut att. con 16 canciones y se presentó en Coachella el 12 y 19 de abril. La última noticia, que anunció el 30 abril, es su gira XOXO Tour 2024 por Estados Unidos en la que promocionará su primer álbum. Young Miko compartió XOXO Tour 2024 a través de un video en Instagram. En este sale la artista caminando por un callejón, cargando un radiocasete, y al final se lee el anuncio en grafiti rosado. Este tour dará inicio el 31 de julio en Denver, Colorado, y terminará el 11 de septiembre en Miami. Fechas de la gira de Young Miko Acá les dejamos las fechas de XOXO Tour 2024 en Estados Unidos y el link para comprar sus boletas. 31 de julio, Denver, Colorado – Fillmore Auditorium3 de agosto, Wheatland, California – Hard Rock Live Sacramento6 de agosto, San José, California – San Jose Civic7 de agosto, San José, California – San Jose Civic9 de agosto, Phoenix, Arizona– Arizona Financial Theatre10 de agosto, Las Vegas, Nevada – Fontainebleau Las Vegas12 de agosto, San Diego, California – Cal Coast Credit Union Open Air Theatre15 de agosto, Los Ángeles - Peacock Theater *16 de agosto, Los Ángeles - Peacock Theater *19 de agosto, Austin, Texas – Moody Amphitheater20 de agosto, Houston, Texas – Smart Financial Centre21 de agosto, Irving, Texas – The Pavilion at Toyota Music Factory24 de agosto, Chicago, Illinois – Rosemont Theatre25 de agosto, Chicago, Illinois - Rosemont Theatre27 de agosto, Nueva York – The Theater at Madison Square Garden28 de agosto, Nueva York – The Theater at Madison Square Garden30 de agosto, Bridgeport, Connecticut – Hartford HealthCare Amphitheater31 de agosto, Filadelfia – The Met1 de septiembre, Boston – Leader Bank Pavilion4 de septiembre, Washington, D.C. – The Theater at MGM National Harbor6 de septiembre, Atlanta – Coca-Cola Roxy7 de septiembre, Orlando, Florida – Hard Rock Live8 de septiembre, Orlando, Florida - Hard Rock Live11 de septiembre, Miami, Florida – Hard Rock Live at Seminole Hard Rock Hotel & Casino HollywoodPueden conseguir sus boletas aquí. ***Les recomendamos: Young Miko lanzó su álbum debut 'att.'