La banda bumanguesa Bañista Lunar lanza su primer disco de estudio. Nueve cortes que van desde el post-rock, al hardcore y se devuelve por matices del punk, el shoegaze, y hasta el dembow. O como ellos prefieren llamarlo: rock lloraculos y reggaetón pesado. Por Daniela Chavarro Trujillo // @SoyMiroslawa 1996, según el calendario chino, es conocido como el año de la rata. Es el mismo año en el que nacen David Duffel, Edwin Villareal y Julián Serpa, para conformar en el 2017 lo que hoy es Bañista Lunar. El 2020 también es el año de la rata. No solo lo indican los chinos, también las circunstancias que se desarrollan bajo el concepto de la carrera de este animal, que enmarca el vivir cotidiano y la rutina en la búsqueda de objetivos inútiles (algo más notorio en los tiempos de pandemia y teletrabajo), y el primer álbum de Bañista Lunar, que debutó en plataformas de streaming. Con un nombre inspirado por una de sus influencias, Deafheaven, la banda bumanguesa, que toma fuerza con el paso del tiempo no solo en la escena independiente local, sino también en la nacional, lanza su primer disco de estudio en medio de una mezcla de sonidos que van desde el post-rock, al hardcore, se devuelven por matices del punk y el shoegaze hasta el dembow. Géneros que ellos prefieren llamar “rock lloraculos y reggaeton pesado”. Con un tono divertido que raya a veces en lo irónico, y en algunas ocasiones con letra melancólica, la banda reúne en 9 canciones —que debieron ser 10, pero la pandemia no lo quiso así— experiencias del diario vivir, sentimientos confusos e inseguridades que se desarrollan a lo largo de la vida en comunidad, del compartir, querer —y también odiar— a otras personas. Este trabajo fue en su mayoría presencial, pero también tuvieron que llevar a cabo un proceso de grabación remoto por la contingencia, dificultando el trabajo puesto que Edwin, su bajista, se encontraba en Bogotá. El álbum fue producido por Julián Quijano y mezclado por Diego Camacho. La portada, una ilustración que recoge el concepto de lo cíclico además de la rata en sí, fue realizada en un trabajo conjunto de Julián Bermúdez, fundador de Primario, y Mario Gonzales. Pese a las dificultades de este año de la rata, la banda recuerda anecdóticamente su proceso de creación, en medio de risas y borracheras, reuniendo tres años de vivencias juntos en la ciudad de Bucaramanga. Julián Serpa, vocalista y guitarrista, es quien condensa todas estas voces en las letras. Junto a David Duffel en la batería (el último en ingresar a la agrupación) y Edwin Villarreal en el bajo, anotan en papeles a qué le suenan los sonidos para que no olvidarlos al tocar. Son apuntes como pájaros volando o riffs vallenateros, que concretan musicalmente el resto del trabajo y, aunque dicen que elegir una canción favorita es como elegir a un hijo sobre los demás, por consenso, Partiendo se lleva el título del hijo consentido. Adentrarse en el mundo de Bañista Lunar es como recorrer Barranca comiendo pescado; como conocer en Bucaramanga a personajes como Ernesto Navarro y visitar lugares ya quebrados como Bonobo. Para entender estas referencias, y para escarbar más en el álbum, acá les dejamos un canción por canción según sus integrantes. ... Canción por canción Sunce Krv Julián: Esta es la primera canción de la banda, la escribí hace dos años. No tiene mucha profundidad conceptual. Yo solo quería una canción que diera la sensación de ser buena vibra, optimista. Utilicé muchas imágenes del espacio, hablo de Marte, los aliens, la galaxia y Andrómeda. Es medio punk, pero bastante melódica también. Partiendo Julián: Fue la última canción que escribí y de las últimas que grabamos. Es de mis favoritas. Habla de cuando uno no se siente a gusto con ciertas personas, que no siente el rechazo pero sabe que no cuaja, que uno está distante respecto a los demás . Pan Paniscus Julián: Es casi una dedicatoria. Nosotros ensayábamos en un sitio que se llamaba Bonobo, un espacio conocido de la ciudad para eventos. Un día estábamos ensayando y Sara, mi novia, tenía una idea de hacer una fiesta de reggaetón, le dijimos al dueño que dijo que no porque no le gustaba el reggaetón. Días después nos vetó en una publicación en Facebook diciendo “fuera reggaetoneros, si paga covers de reggaetón y no de rock, del bar no esperen nada”. Nos dio risa. Yo pensaba en Quicksand con perreo. Pan Paniscus es el nombre científico del Bonobo y cuenta la historia de un mono al que no le gusta compartir. Es un reggaetón pesado. 50% Julián: Es la canción más vieja que tengo. La escribí en el 2015, es medio punkera pero tiene matices, la más corta de disco. También es de las que más me gustan. Habla sobre cómo la mitad del tiempo uno está seguro de las cosas que hace y el resto no, es sobre la inseguridad. Ideal Julián: Es de las más largas del disco. Pensé que esta debía, junto con 50%, ser la mitad del disco porque encapsula perfectamente lo que es la banda musicalmente, un sonido medio shoegazero, pero no introvertido, sino enérgico. Tiene varios segmentos, es muy fluida. Trata conflictos personales en las relaciones, el cómo decae algo que uno intenta sostener. Por una parte dice “Tenemos que mejorar”, pero retrata lo malo de la situación, aquello que ya no se puede arreglar aunque el coro dice que hay una cura necesaria para que nuestro corazón no sangre. Canción de amor en Drop D Julián: Esa canción nació sola, en dos patadas. Quería hacer una canción de amor, sin muchas metáforas, solo que dijera explícitamente eso, que era una canción de amor, por eso tampoco es tan larga. Lo importante es la melodía, creo que es una canción de pop parchable que contrasta con el tono pesimista de la anterior. Metamorfosis Julián: Es sobre el cambio, es muy personal. En el colegio había personas que se burlaban de cómo era uno, de cómo lucía. Eventualmente pasan esos períodos y uno se da cuenta que cambió y es mejor persona en muchos aspectos, pero otros se quedaron ahí, en esa burla colegial. Es una canción un poco para hacerles pistola. Edwin: Musicalmente es rock and roll inspirado en Jorge Celedón porque tiene un segmento que para aprenderlo lo había notado tal cual, Celedón, recordando la canción de Me Dejó Solito. Incluso, al principio, la canción se tituló Metamorfosis Celedón. Ernesto Navarro Edwin: Es una canción mezclada con post hardcore y rock alternativo, tiene muchas cosas. La historia nació de una ocasión en la que iba a un ensayo, iba manejando y paré en un semáforo. Ahí se me acercó un individuo y me pidió dinero. Yo no tenía. El hombre me escupió en la cara y me gritó “Ernesto Navarro” y sacó un vidrio. Yo tenía mucho miedo y arranqué, no sé cómo una persona es capaz de generar tanta saliva. Después me salió en sugerencias en Facebook un Ernesto Navarro, dijimos que el Edwin del futuro había enviado una señal, porque ese Ernesto trabaja en el círculo social de Bucaramanga y yo soy realizador audiovisual. La historia cuenta eso, pone a este personaje que me escupió como protagonista, siendo el yo del futuro. 6 de Abril Julián: Es la más personal del disco, es muy diciente, aunque yo no digo nada. El 6 de abril murió mi abuelo y, en la misma fecha, una de mis gatas. Yo la estaba haciendo y él aún estaba vivo, quería mostrársela, pero se fue, así que la completé. Tenía una letra pero la deseché. Utilicé el archivo de la familia y encontré una pista de él hablando, que cuadraba perfecto con la métrica, que narra una anécdota familiar en la morgue. Es mi homenaje máximo, es el ambientazo, o sea, 100% calmada.
Llevamos ya un buen rato (más de dos décadas) explorando y esculcando en la escena musical colombiana sin restricciones de género o de estilo, siempre con el objetivo de que la escena emergente de nuestro país crezca y se fortalezca. Hemos hablado de rock, vallenato, metal, tropical pop, hardcore, mode-up, reggaetón, trap y pop, por nombrar solamente a algunas de las sonoridades que han pasado por nuestros contenidos y nuestros escenarios. Aquí, siempre ha habido cabida para la buena música y para todos sus exponentes. Sabemos que tenemos la gran responsabilidad de darle visibilidad a los artistas que representan la nueva sangre de la música colombiana, y es esa la razón por la que Iniciativas propias de la marca como el Shock Fest nos han llevado a sumergirnos hasta lo más profundo del circuito musical independiente en busca de todos aquellos proyectos que representen la nueva movida de artistas y agrupaciones que nacen cada día en los diferentes rincones del país. La cuarta semifinal del Shock Fest 2019, presentado por Amuse, se realizará el próximo jueves 29 de agosto, en Municipal, música viva, en Bucaramanga (Calle 48 # 34-30), a partir de las 7:30 de la noche. Luego de escuchar detenidamente todas las propuestas que se inscribieron en la plataforma del festival, un jurado integrado por el equipo de contenido de Shock escogió a Kuisitambó, Nova Music, Totacera, el Nido Records y Lobotómicos como semifinalistas. Los cinco proyectos subirán a la tarima de Municipal con todo su poder sonoro y escénico para quedarse con el cupo por Santander para la gran final nacional del Shock Fest presentado por Amuse. Esa noche contaremos con Gustavo “Tavo” Rodríguez, reconocido comediante de la región y quien se hizo popular como miembro del Club de comedia y con shows como “Tavo, un negro más” y “A pies descalzos” como co-host del evento. El dj de la noche será Domenico Di Marco. El jurado de esta cuarta semifinal estará integrado por Juan Fernando Arango, músico y docente de la Universidad Autónoma de Bucaramanga, y quien ha sido productor de recnocidas agrupaciones santanderanas como Katamarán, Velandia y la tigra y Cabuya; por Andrés Camilo Cupaban, músico bumangués, bajista y productor, y quien ha tocado con artistas como Katamarán, Yolanda Rayo y Vicente García, entre otros. Hoy Andrés hace parte de Durazno, junto a Laura Román, Leo Castiblanco y Enrique Collazos, y también hace parte de la banda de Martina La Peligrosa. También estarán dentro del jurado Mariangela Rubbini, Directora multiplatadorma de Shock, y de Andrés Muñetón, Artists Relations Specialist Senior de Amuse. La noche del Shock Fest - semifinal Bucaramanga se vivirá una gran fiesta musical que aplaude a una escena emergente y que celebra “El sonido que se viene”. El Shock Fest 2019 es presentado por Amuse y para esta fecha, cuenta con el apoyo de Municipal, música viva, de Volariu y de Bualá. AMUSE SHOCK ACADEMY Un día después del Shock Fest, también en Municipal, música viva, en Bucaramanga, entre las 4:00 de la tarde y las 7:00 de la noche tendremos nuestro Amuse Shock Academy, que contará con conferencistas como Gabriel Llano, Artists Marketing and Label Relations de Deezer para Suramérica y Andrés Muñetón, Artists Relations Specialist Senior de Amuse. Ese día también habrá un conversatorio moderado por Mariangela Rubbini, en el que participarán Ángel Parra (director y vocalista de Tres y yo), Adrián Abreo (manager de Tres y yo y de Atomic Love), Juan Fernando Arango (músico y docente y productor de artistas como Cabuya, Velandia y la tigra y Katamarán, entre otros), Domenico Di Marco (curador de Municipal, música viva) y Fabio Mejía (director de Kuisitambó, grupo nominado a Latin Grammy). El Shock Academy es un evento de entrada libre y fue pensado para, de alguna manera, contribuir en la formación y profesionalización de artistas, productores y managers de la escena musical de Santander. Para que vayan calentando motores, aquí les dejamos estas canciones de los artistas y agrupaciones semifinalistas. Si quieren participar por entradas para los dos eventos (Amuse Shock Academy y Shock Fest), los invitamos a estar pendientes de las redes sociales de Shock. Kuisitambó – Rueda al tambor (aquí mando yo) Totacera – Calle El Nido Records (Florida Codes x Sike Damodar) - Néctar Lobotómicos – Soto Nova Music
Más allá de la fiesta, el baile y la experiencia, el Lust Factory Festival nos demostró que la escena electrónica en Bucaramanga está creciendo de manera impresionante y con talentos que no traspasan los 20 años de edad. Jóvenes promesas que la rompen en cada beat, que entregan el alma con cada track y que la tienen clara a la hora de poner a saltar a su público. Por: Johana Arroyave - @JohanaArroyave - Foto: Wilber Peñaloza No eran ni las dos de la mañana cuando la tarima del Lust Factory Festival fue invadida por los sonidos bestiales de J Voltage (18 años), se paró frente a la consola y literalmente empezó a hacer magia. Le dio play a sus tracks de EDM puro y parejo mientras veía a sus pies al público enloquecer. No le bastó con el frenesí que se estaba viviendo, subió a la tarima a Lenoize (18 años), amigo y también Dj. Juntos estallaron el lugar al mejor estilo de los grandes de la electrónica. Terminaron el show en compañía de Quiroz otro chico de su misma edad y con quien reventaron la consola a punta de beats. La venia se las hizo Cato Anaya, Dj y productor Barranquillero, que como todo un maestro abrió paso a los talentos para que se encargaran de cerrar con broche de oro el festival, pero sobre todo para demostrar el inicio de una carrera que veremos saltar el charco rapidito y que seguramente va a hacer historia en la escena electrónica del país. Un día antes del festival Cato se sentó con varios de los chicos que están aprendiendo a producir; para hablar por más de cuatro horas de lo que se necesita para triunfar en la escena, de la magía que se puede hacer con los programas de produción y de los mitos que tienen que acabar para ser un éxito musical. Junto con ellos compartieron tarima Camilo Páez, Mame, Maryi, Ivan H, Diego Ferran y Convers. Talentos locales fuertes en la escena y los encargados de prender la fiesta que duró hasta las cuatro de la mañana. El talento musical (producción y creación) de la escena electrónica que está naciendo en Bucaramanga ha sido inminente, los nombres de chicos como Camilo Páez, J Voltage, Lenoize, Quiroz entre otros, se han convertido en el referente de muchos amantes de la escena electrónica, su música tiene respeto y prestigio gracias a la visión y gestión juiciosa de PZRecords, un sello de musica electrónica que se ha encargado de escuchar uno a uno los tracks de estos nuevos djs y guiarlos frente a un único objetivo: convertirse en referentes internacionales. Y lo han demostrado con festivales como este en donde los chicos son los protagonistas del line up. Aplaudan todos a los proximos headliners de grandes festivales.
Olvídese de que los grandes festivales se hacen solo en la capital. Bucaramanga está punteando en música electrónica y lo demuestra con una experiencia que combina lo mejor del Techno, House y EDM con el sol de la ciudad bonita. Entonces para que entienda de lo que se puede perder, se anime a ir y corra a pasarla bien, le dejamos cinco razones de por qué va a ser uno de los mejores festivales de este género. 1- Artistas locales, nacionales e internacionales a la cabeza estará Cato Anaya y el visual colombo-canadiense Jaime López aka Paradox quién dará tremendo show visual, junto a ellos artistas locales y nacionales reconocidos dentro del circuito electrónico mainstream y underground. 2- El festival es más que música tendrá experiencias únicas con personas alternativas, feria con artistas locales, parche de amigos y todos los que disfrutamos de la buena música. 3- Una experiencia de la A a la Z, desde el inicio podrás disfrutar la final de la Champions League, promociones en comida, cerveza y muchas más sorpresas. 4- Experiencias multi-sensoriales y estimulantes con bailarines y activaciones. 5- Charlas educativas diseñadas para amantes de la música electrónica, Djs, Vjs y productores.
Titulo : PREVIEW La Juguetona Remix Artistas : Jonathan Way & Leo Klen Feat Sencillo Duracion: 2:22 PRODUCIDO POR: AFRICA LATINA INC- G.N.S "EL ...
La Junta de Gobernadores de la Academia aprobó nuevas reglas para la 97ª ceremonia de los Premios Oscar que se celebrará el 2 de marzo de 2025. Banda sonora originalHubo cambiosen la categoría de banda sonora original. Ahora, hasta tres compositores pueden recibir estatuillas individuales del Oscar si todos contribuyen significativamente a la música de una película. Esto marca un cambio con respecto a las reglas anteriores que exigían que los compositores se presentaran como un grupo, como la banda Son Lux para la nominación a mejor película ganadora por Everything Everywhere All at Once. Jon Batiste, Trent Reznor y Atticus Ross, ganadores por la película animada “Soul” (2020), también recibieron una única estatuilla, según recuerda Variety. Los autocines no serán sede calificadaLa Academia ya no reconocerá los autocines como sede calificada para la elegibilidad para los Oscar, una medida adoptada temporalmente en 2020 cuando se cerraron las salas de cine bajo techo. Solo se considerarán para mejor película aquellas películas que cumplan con los requisitos de exhibición ampliados que se anunciaron en 2023. Estos incluyen una exhibición de clasificación de una semana en uno de los seis mercados de EE. UU. seguida de una exhibición de siete días, ya sea consecutiva o no consecutiva, en 10 de los 50 principales mercados de EE. UU. dentro de los 45 días posteriores al estreno inicial.La cuota de inclusiónPara ser consideradas para el premio mayor de los Oscar, las películas deben presentar el formulario de Inscripción a los Estándares de Inclusión y Representación de la Academia (RAISE), cumpliendo al menos dos de los cuatro estándares. Guion En las categorías de guión, la presentación del guión final del rodaje ahora es obligatoria para su consideración como original o adaptado.Mejor película animadaLas películas animadas se pueden presentar simultáneamente a Mejor Película Internacional y Mejor Película Animada. Esto simplificará el método de calificación para este último y ayudará específicamente a las películas animadas internacionales que tal vez no tengan acceso a la distribución en Estados Unidos.Premios del gobernadorTambién se han realizado cambios en los Premios del Gobernador. El Premio en Memoria de Irving G. Thalberg, que reconoce el trabajo consistentemente de alta calidad de un productor creativo, ahora se entregará como una estatuilla del Oscar en lugar del tradicional busto de Thalberg. 2 premios cambian su nombrePor último, se cambió el nombre de dos premios de los Premios Científicos y Técnicos: el Premio Gordon E. Sawyer ahora es el “Premio a la Trayectoria Científica y Técnica” y el Premio John A. Bonner pasó a llamarse “Premio al Servicio Científico y Técnico”.
La serie Shogun, que en Latinoamérica está disponible en Disney +, ha sido un éxito rotundo. La saga épica de guerra, pasión y poder ambientada en el Japón feudal es una adaptación original de la novela best seller de James Clavell. Shogun obtuvo 9 millones de visualizaciones a nivel mundial en su episodio de estreno, lo que la convirtió en el estreno de la serie guionada de entretenimiento general número uno en el mundo. También debutó con un impresionante 100% en Rotten Tomatoes, el portal de calificación de películas. Si bien la serie está basada en un libro, también mezcla elementos de la realidad y la historia de Japón. Repasamos qué es real y qué es ficción. Shogun: ¿Qué es realidad y qué es ficción? La trama central real de Shogun es puramente ficticia. Sin embargo, Clavell se inspiró en gran medida en personajes y acontecimientos reales de la historia japonesa, de acuerdo con Movieweb. Aunque Toranaga es un personaje ficticio, se inspira en gran medida en la figura histórica de Tokugawa Ieyasu, un ex shogun de Japón. Shogun es un jefe supremo militar que ejerce el poder absoluto en nombre del emperador.Durante el período comprendido entre 1467 y 1615, Japón estuvo envuelto en guerras casi constantes. Fue Tokugawa Ieyasu quien encabezó los esfuerzos para unificar Japón y finalmente ascendió a la posición de Shogun en 1603. La asunción del poder de Ieyasu marcó el comienzo del Shogunato Tokugawa, que duró de 1603 a 1868. Los rasgos y antecedentes de Toranaga son muy paralelos a los de Ieyasu. ¿John Blackthorne fue real?William Adams, la contraparte histórica de John Blackthorne, llegó inesperadamente a las costas japonesas junto con un barco lleno de armas de fuego.Adams fue el primer inglés en poner un pie en Japón, y el esquema básico de la historia de su vida refleja fielmente el del personaje ficticio Blackthorne. Se desempeñó como piloto de un barco holandés que transportaba a los pocos supervivientes de un viaje comercial que salió mal, tanto en sentido figurado como geográfico. Al igual que Blackthorne, Adams dominaba el portugués, lo que le permitía conversar con Tokugawa a través de los intérpretes jesuitas que se habían esforzado por difundir el cristianismo entre la población japonesa desde mediados del siglo XVI, de acuerdo con Indiewire. ¿Toda Mariko fue un personaje real?En el episodio 5 de Shōgun, hay un vistazo al pasado de Mariko, que se inspira en la figura real de Hosokawa Gracia.Al igual que la representación en la novela Shōgun de James Clavell de 1975, la Mariko representada en la pantalla está basada en Hosokawa Gracia, una aristócrata japonesa que abrazó el cristianismo.Nacida como Akechi Tama en 1563, era hija de Akechi Mitsuhide, un destacado señor de la guerra y fiel seguidor de Oda Nobunaga (uno de los unificadores clave de Japón durante el período Sengoku, anterior a Toyotomi Hideyoshi, conocido como el Taikō en la serie). Posteriormente, Mariko se casó con Hosokawa Tadaoki, otro señor de la guerra y aliado de Nobunaga, en 1578, y juntos tuvieron cinco hijos.A diferencia de lo que muestra la serie, es difícil que Gracia haya conocido a Adams. De hecho, el improbable romance de Mariko y Blackthorne fue criticado por algunos historiadores cuando Shōgun salió a la luz por primera vez, según reporta Elle. ¿Por qué los portugueses quieren muerto a Blackthorne?Un conflicto central en Shōgun son las diferencias religiosas. No es sólo una cuestión de europeos católicos versus protestantes; También hay conflictos internos entre los cinco regentes, dos de los cuales han abrazado el catolicismo, alineando sus intereses con los portugueses.Este cisma religioso refleja tensiones históricas entre William Adams y Tokugawa Ieyasu. Con la llegada anual del Barco Negro a Japón llegaron los misioneros jesuitas junto con productos comerciales como sedas y armas de fuego."Para los portugueses, el comercio y la expansión del cristianismo estaban entrelazados", explica Frederick Cryns, consultor histórico de la serie, citado por History Extra. "Los daimyos en Kyushu [donde atracó el barco] estaban abiertos a convertirse al cristianismo y que sus seguidores hicieran lo mismo si eso significaba obtener ventajas en el comercio"."En el lado opuesto, figuras como Ieyasu, que una vez escribió al virrey de México afirmando la adhesión de Japón a las deidades sintoístas y budistas, rechazaron firmemente el cristianismo en su dominio".En la historia real, el difunto taiko Toyotomi Hideyoshi compartió este sentimiento, viendo el cristianismo con sospecha debido a la influencia de los jesuitas sobre los señores de la guerra locales. Si bien prohibió oficialmente el cristianismo, su aplicación fue laxa por temor a repercusiones en el comercio portugués.
Jennifer Garner, Mark Ruffalo y Judy Greer, miembros del elenco de Si tuviera 30 (13 going on 30), hicieron una pequeña reunión para celebrar que la icónica comedia romántica cumplió 20 años. La película sigue a la adolescente Jenna Rink (Jennfier Garner). En la noche de su fiesta de cumpleaños número 13, el deseo de Rink de tener "30 años, ser coqueta y próspera" se hizo realidad cuando su personaje se transformó en una mujer de 30 años, aunque su mente sigue siendo la de una niña de 13. "¡Hola! ¡Gracias por ver nuestra película y amarla!” dijo Judy Greer, la actriz, que interpretó a Lucy Wyman en la película de 2004. "#13 llendo a 30. Veinte años. Somos tres Boomers desafiando Zoom, porque queremos agradecerles. 👴👵👵 A todas las personas que han amado esta película junto con nosotros: gracias. Te vemos, te apreciamos y te amamos. ¡Por siempre treinta, coqueta y próspera! 💕”, se subtituló la publicación Los actores también reflexionaron sobre la vida en 2024 y cómo ha cambiado todo desde el estreno de la película. “Hace veinte años, teníamos pocos teléfonos celulares”, dijo Garner. Greer señaló específicamente que en ese momento se trataba de "teléfonos plegables".Ruffalo reflexionó sobre algunos de sus papeles más importantes y dijo que interpretar a Matt Flamhaff en 13 Going on 30 siempre se lleva la palma.“Hay dos tipos de personas en este mundo. Hay gente de Hulk, y hay gente de Si tuviera 30, y yo recibo cantidades iguales”, dijo Ruffalo, quien ha aparecido como Hulk en algunas películas de superhéroes. El elenco no podría celebrar 13 Going on 30 sin la nostalgia adicional de hacer juntos el baile de Thriller, la canción no oficial de la película. Si tuviera 30: historia de la exitosa comedia románticaEstrenada originalmente en 2004, la película fue un éxito de taquilla: con un presupuesto de 37 millones de dólares, recuadó más de 96 millones en y se convirtió en clásico de culto. "13 Going on 30 es una rara comedia comercial que te deja fascinado por lo que sólo puede suceder en las películas", dijo en su momento una crítica de la película. El 28 de septiembre de 2023, se anunció una adaptación teatral de la película en el Reino Unido. El espectáculo incluirá varias presentaciones en talleres públicos en el Battersea Arts Centre de Londres, antes de la inauguración de la producción completa, estimada para 2025.
Desde el estreno de su primer tráiler en el Super Bowl 2024 sabíamos que veríamos a Deadpool & Wolverine en pantalla. El tráiler oficial, ya disponible, nos ofrece un vistazo a lo que podemos esperar de esta épica aventura protagonizada por Ryan Reynolds y Hugh JackmanEs la la tercera de la trilogía de Wade Wilson/Deadpool, la única película del Universo Marvel basada en un cómic que saldrá este año y el primer reconocimiento explícito de la unión entre los universos Fox y Disney Marvel.A pesar de su papel principal, Wolverine se mantuvo en gran parte oculto en los primeros avances de la película. Sin embargo, el tráiler oficial nos sumerge en la historia del personaje, comenzando con una escena en la que lo vemos bebiendo solo en un bar de su universo. Así es, tendremos una película de multiverso.¿Qué más podemos esperar de 'Deadpool & Wolverine'?Si bien la trama sigue siendo un misterio, el tráiler deja entrever una dinámica cómica entre Deadpool y Wolverine, dos personajes con personalidades diametralmente opuestas pero unidos por un objetivo común. Las bromas sarcásticas de Deadpool y la seriedad feroz de Wolverine prometen una mezcla de acción y humor que cautivará a los fanáticos de Marvel. Deadpool & Wolverine marca el (muy esperado) regreso de Hugh Jackman al papel de Wolverine, junto a Ryan Reynolds.La acción se traslada al Vacío, el mismo lugar desolado que vimos en "Loki". Esta locación parece ser un punto central en la trama, ya que aquí es donde los dos protagonistas se enfrentan. En medio del Vacío, los mutantes han establecido su base de operaciones utilizando el cadáver de Gigant Man, la versión gigante de Ant-Man. Esta guarida improvisada sirve como hogar para una variedad de personajes conocidos, incluyendo a Lady Deathstrike, Azrael, Pyros, Callisto y Toad. Se especula que este podría ser el cuartel general de Cassandra Nova, hermana gemela malvada de Xavier y sus secuaces.Además, este tráiler confirma que Nova será la villana, (o una de ellas) de la película. Así mismo, revela el motivo principal de la película: Deadpool necesita la ayuda de Wolverine para salvar su universo, cosa que el mutante no pudo lograr en su propio universo.Sorpresas en 'Deadpool & Wolverine'Se rumora que saldrán personajes como: Dogpool (versión perruna de Deadpool en otro universo), Doctor Strange, los villanos de X- Men, un guiño a Iron Man y, por supuesto, referencias a Loki.La película llegará a los cines de Colombia el 26 de julio.
Su madre se lo decía: ¿qué iba a hacer en Colombia? Allá tan lejos no había nada para ella, después de todo en Buenos Aires no faltaban los estudios de grabación. Delfina Dib la escuchó y consideró su consejo, pero, de todas formas, aterrizó en Bogotá a inicios de 2014 con la misión de elevar su carrera musical. Diez años después no queda duda de que tomó la decisión correcta.Tras su llegada, la argentina se convirtió rápidamente en una voz reconocida del circuito independiente de Bogotá, primero con Zyderal y luego como solista, gracias a proyectos como Lotto (2018), Todo (2019) y su primer álbum, Directo al cora (2023), en los que su intensidad, que raya en lo violento, atraviesa distintos colores instrumentales cercanos al rap. Cada verso, un gancho contundente; cada tema, un himno en el que ella, y quien la escucha, se celebra; cada paso, concentrado en la meta.Esa es la versión corta. La larga viene con el próximo álbum de Delfina, 01, que celebra sus diez años en Bogotá. Y para hacerlo subvierte las expectativas que vienen con el 10: frente a la excelencia y lo absoluto, Delfina presenta fragmentos: un paso a la vez, y luego otro, a veces en una dirección inesperada. Es el retrato de una década en la que toda su convicción ha compartido la cama con la soledad que no ha dejado de sentir en una tierra ajena, con la esperanza de que su proyecto llegue hasta donde ella sueña, y con la frustración inevitable que ataca cuando eso se tarda más de lo esperado.El 18 de mayo, en un concierto en el Teatro Mayor, Delfina Dib presentará esta transición entre Directo al cora, que le da la vuelta al desamor, y 01, el diario abierto de su paso por Bogotá. Será un concierto en el que Delfina, reconocida por el fuego con el que incendia cada tarima, podrá compartir toda su vida. Si canta con nombre y apellido es porque no oculta nada, no es ninguna máscara ni persona paralela: es ella entera. Tanto así que al final no habrá otra salida: morirá en el escenario, como imaginó desde que veía a grandes divas en la televisión cuando tenía cinco años y le decía a su mamá que quería ser como ellas.Sobre el concierto del Teatro Mayor, 01 y más, hablamos con Delfina Dib.¿Cómo fue la transición de Directo al cora a este nuevo álbum en el que estás trabajando? ¿Qué preguntas te guiaron?Me he vuelto adicta a este ejercicio creativo de hacer discos. Como siempre quiero llegar a nuevos resultados, éste me parece un buen lugar para crecer y evolucionar. Y luego del espasmo de Directo al cora, me pregunté qué quería decir ahora. El año pasado organicé camps de producción en Canarias, Miami y Medellín, y empecé a componer. Así entendí la personalidad del disco.Este año se cumplen diez años desde que llegué a Colombia. Es un punto de inflexión, ¿no? Y empecé a pensar en el número 10, y en que qué paja tener que ser 10 en todo. Por eso jugué con los números y los volteé para formar el 01: el 0 es la nada y el 1 es el paso que damos para estar más cerca de donde queremos estar, a donde queremos llegar. Entonces este nuevo disco, 01, lo utilicé como un diario abierto para contarle a la gente quién era cuando llegué, quién soy hoy, y lo que me ha pasado, lo que he sentido.Supongo que también tiene que ver con una ética de lo cotidiano más que de lo extraordinario: no hay forma de llegar al 10 sin una suma constante de 01s. Una suerte de redefinición de la excelencia. Sí, y es una forma de ver las cosas desde otro lado, cruzar la vereda. También es un juego de palabras: ser uno. Y es encontrar el centro, que es el 0. Y el 1 es un número maestro y guía, y es la unidad del ser, es uno, sos vos, que estás solo en el mundo. Pero a la vez somos parte de todos, y ese ser es el cero. No tuve que hacer un brainstorming de ni chimba, todo se construyó en estos diez años.Claro, es otro punto de vista, que es lo que has hecho más de una vez en tu vida y en tu carrera. Te viniste a Bogotá contra lo que te aconsejaba tu mamá, por ejemplo. Y así con otras cosas. Yo siempre busco incomodarme para sacar el fua. Es como mi cuota de rebeldía, para llevarme a mi máximo potencial. Me guía esta necesidad de esperar más, de hacer más, de no conformarme con lo obvio. Todo eso es necesario verlo desde otro ángulo para poder evolucionar y que no duela tanto. Siempre me he sentido muy sola acá en Bogotá, por más que tenga amigos. Dedicarse a la música no es para cualquiera y migrar tampoco. Ahora que estuve en Buenos Aires me lo preguntaba: ¿cómo hago boludo para ser tan fuerte? Qué difícil, vivo re lejos. Por eso veo necesario ese ejercicio de poder cuestionar las decisiones que tomo. He sido ninja y he aprendido a pedir perdón, he pagado mis errores. 01 es un manifiesto de todo eso. Me salgo del amor romántico, de lo sexoafectivo, y hablo desde mí. Al final el arte es un punto de vista, somos filtros e interpretamos la realidad desde nuestra perspectiva.Frente a Directo al cora, 01 tiene un sonido mucho más sintético y vertiginoso, ¿cómo llegaste a él?A diferencia de Directo al cora, trabajé con muchos productores, de México, Colombia, Canarias y Ecuador, que me aportan desde un lugar distinto. Y 01 tiene un sonido más puro, más grande. Representa la fuerza, y para mí eso es el rap y el trap. En el trap puedo rapear, cantar y me identifico con la energía, y no solo por ser argentina, aunque sí escucho mucho trap argentino y gringo. Para mí el trap es presencia, potencia, fraseo. Y además me gusta experimentar con el color del autotune. En vivo no siempre lo uso, no es un recurso para llegar a la nota sino una decisión estética: me gusta como suena.¿Cómo fue para ti la recepción de tu público de Directo al cora?Una de las más escuchadas es “Yory no”, que la metí al último momento. Estuvo bien interesante eso, a la gente le encanta y yo no la iba a meter. Y le creía mucho a “Red flag”, es de mis preferidas, y la gente no la escucha tanto. Pero el gran himno del álbum es “Me oyes”, esa sí sabía que a la gente le iba a gustar. ¡No sabes cómo la cantan! Es sincera, cruda, como una balada. Y al final el estalle de las guitarras es como un llanto.Cuando estaba haciendo Directo al cora dije, por joder, que si no me pegaba con ese disco me retiraba. Y no pasó. Y no lo decía por pegarme, sino para evolucionar con la música, que lo que hago se expanda. Sé que soy buena y que estoy a una canción de distancia de que todo estalle. Acá en Colombia siempre me he sentido bien recibida, pero me da la sensación de que la gente no termina de entender mi proyecto. A veces me pregunto qué debo hacer para que la gente conozca mi proyecto, y creo que la respuesta es lo que estoy haciendo: seguir. Directo al cora es muy bueno, pero esto es un proceso. Entiendo que el momento de que mi música se expanda al nivel que sueño no ha llegado. El otro día Luis7Lunes me dijo que lo bueno de hacer discos es que con los años se ponen mejor, se maceran, como el vino. Quedan inmortalizados.Desde que ti ve hace años supe que eras una bestia en el escenario, pero con el tiempo has ido puliendo ese fuego innato. ¿Qué has aprendido sobre tu presentación en vivo en esta etapa de tu carrera y qué traes para el concierto del 18 de mayo en el Teatro Mayor?Si lo venía puliendo, para este concierto que viene sí es la pulimentación total. A toda esta fuerza innata que traigo hay que darle un orden y una estructura. En la tarima siempre hay mucha improvisación, pero he aprendido a combinar esa fuerza libre que transmite mi proyecto con que también soy frágil y vulnerable, pero no débil. Así he ido entendiendo qué energía quiero proyectar en los shows. Empecé a entrenar y mi coach me preguntó qué representaba mi proyecto. Le dije que fuerza, y él me preguntó si me sentía fuerte. Le dije que no, que tenía una buena genética, pero me faltaba. Eso fue hace un año. Ahora me siento power. En el Festival Centro una de las organizadoras me dijo que se notaba el cambio, un nivel de resistencia muy zarpado. Me identifico con Doja Cat y Nathy Peluso, que no solo cantan y bailan, sino que la dan. Es ese lado ninja.El show del 18 tiene un lado A, con piano, y un lado B, con banda: son dos energías distintas. La gente se va a ir con una sensación: che, siento que la conozco, sé quién es Delfina. Va a tener canciones de Directo al cora y de 01. Voy a morir en el escenario.