¡Regresa Twenty One Pilots! La banda estadounidense nos visita de nuevo como parte de su gira The Clancy World Tour. Su primera visita a Bogotá fue en 2023 en el festival Estéreo Picnic. Las entradas para el concierto, que será el 16 de enero de 2025, estarán disponibles desde el 15 de mayo y para público general desde el 17 de mayo a través de la página taquillalive.com. El dúo conformado por Tyler Joseph y Josh Dun presentará en directo su último álbum de estudio Clancy, que verá la luz el próximo 17 de mayo. La agrupación presentará éxitos como Stressed Out, Ride, Heavydirtysoul o Tear in my Heart. Twenty One Pilots se formó en 2009 por el vocalista Tyler Joseph junto con Nick Thomas y Chris Salih, quienes la abandonaron en 2011. Desde su partida, la formación ha consistido en el cantante Tyler Joseph y el baterista Josh Dun. El grupo recibió un Premio Grammy en 2017. La banda lanzó dos álbumes: Twenty One Pilots (2009) y Regional At Best (2011) de forma independiente, antes de ser firmada por el sello discográfico Fueled by Ramen en 2012. Su debut en el sello, Vessel, fue lanzado en 2013. El dúo logró gran éxito con su cuarto álbum, Blurryface (2015), que produjo los exitosos sencillos Stressed Out y Ride y se convirtió en el primer álbum en la historia en el que cada canción recibió al menos una certificación de oro de la Asociación de Industria Discográfica de Estados Unidos. Sobre Clancy, el próximo disco de Twenty One Pilots Al igual que trabajos anteriores de la serie, Clancy está enmarcado en el mundo metafórico de Trench y la ciudad distópica de Dema. Contará la historia de los planos del personaje principal de regresar a Trench después de escapar de Dema y recibir un "poder milagroso" en el sexto álbum de la banda, Scaled and Icy (2021). Tres sencillos precedieron al lanzamiento del álbum: Overcompensate, que se lanzó horas después del anuncio del álbum, Next Semester, que se lanzó el 27 de marzo, y Backslide, que se lanzó el 25 de abril.
Dread Mar I se presentará en el Movistar Arena de Bogotá este 6 de julio, como parte de su Tour Dread Mar I 2024. Las entradas están disponibles en Tuboleta y los precios oscilan entre 221.000 y 494.000 pesos. Con una larga trayectoria conocida en toda Latinoamérica que comenzó en Argentina, Dread Mar I ha sido una figura muy conocida en el reggae latinoamericano desde su debut solista en 2005 con el álbum "Jah guía". Su éxito Tú sin mí catapultó su carrera, llevándolo a los primeros lugares de las listas y a nominaciones de varios premios, incluyendo el Grammy Latino. La canción obtuvo el récord de canción de rock argentino más escuchada en Youtube, con 1000 millones de reproducciones hacia enero de 2021."Tú sin mí se volvió un súper hit, pero no me lo esperaba. En YouTube hay 30 millones de personas que vieron el video", dijo el artista en entrevista con El Clarín. Además de ser el primer artista de Reggae Rock argentino en dominar los mercados de Argentina, México y Brasil, Dread Mar I ha recibido numerosos reconocimientos, incluyendo el premio 'Quiero' al 'Mejor Video de Reggae' y el premio Gardel al 'Mejor Álbum de Reggae y Música Urbana'. Su capacidad para llenar estadios se confirmó cuando tocó frente a 100,000 personas en Mar del Plata, y sigue siendo uno de los artistas argentinos más escuchados en plataformas digitales.Los fanáticos pueden esperar una noche de algunos grandes éxitos como “Hoja en Blanco”, “Así fue” y “Nada”.
Carlos Sadness regresa a Bogotá con un show para todas las edades bajo la producción de CUSUMBO, el próximo 27 de septiembre en el Lourdes Music Hall.Ahora le llega el momento a un nuevo álbum, 'Realismo Mágico' (del que ya se conocen adelantos como Lo Que Fuera, junto a Ximena Sariñana o Feliz Feliz) es una evolución sonora del artista indie español que mira hacia atrás en su propia identidad y hacia nuevos horizontes.Encontrar la magia en medio de la realidad es el objetivo de este disco. Es por eso que profundiza en conceptos que pretender salvar a las personas de un mundo donde todo se consume velozmente, como la bondad, la ternura o la empatía. Todo ello guiado por el hilo conductor de varias estrellas que aparecen en momentos clave y que presiden la portada y el arte del disco, ilustrado por él mismo.El oyente más atento se encontrará con paisajes sonoros, a veces paradisíacos y otras desérticos, siempre bajo la mirada de los astros.En 'Realismo Mágico' hay vestigios de aquel sonido que le encumbró hace casi diez años (ahí están temas como Big Bang o Me Enamoro pero, sobre todo, se trata de una evolución de su música, abriéndose al nuevo pop alternativo de los nuevos años 20 y al sonido internacional en temas como 'Personita Buena' o 'Vibramos'.El nuevo disco de Carlos Sadness tiene tres grandes colaboraciones: Ximena Sariñana, Carla Morrrison y Melissa Robles. El Realismo Mágico es un movimiento literario que pretendía conocer la verdad del mundo a través de lo mágico. Así, Carlos Sadness hace lo propio con un trabajo que demuestra que la sensibilidad es revolucionaria.Pueden encontrar las boletas para el concierto de Carlos Sadness en la página de All Tickets.¿Quién es Carlos Sadness?Carlos Sadness, cuyo nombre real es Carlos Alberto Sánchez Uriol, es un artista español nacido en Barcelona el 31 de marzo de 1984. Además de cantante y compositor, también se destaca por su talento como ilustrador.Su incursión en la música comenzó en la adolescencia, grabando maquetas de rap mientras estudiaba bachillerato. Inicialmente se dio a conocer bajo el nombre Shinoflow, e incluso tuvo un proyecto previo llamado Bye Bye Sadness que nunca llegó a materializarse.En 2006 publicó de forma gratuita en internet 'El misterioso ciclo de tu pestañeo', un adelanto de su primer disco oficial: 'El presidente de los estados de ánimo' (2007). Este álbum de rap alternativo con letras introspectivas marcó el debut de Carlos Sadness como artista solista.Su carrera tuvo un punto de inflexión en 2010 con un viaje a Los Ángeles. Allí experimentó una transformación musical, dejando atrás el rap para abrazar sonidos indie y folk. Este cambio se reflejó en su álbum 'Ciencias celestes' (2012), publicado ya bajo el nombre definitivo de Carlos Sadness.Desde entonces, su trayectoria ha estado ligada al indie español. Ha tenido canciones virales como 'Amor Papaya' junto a Caloncho, y se convirtió en el primer artista indie español en superar los 600.000 oyentes mensuales en Spotify (2017).
Marc Anthony Anunció nuevos destinos en su Historia Tour, entre ellos Colombia. La cita será en Bogotá, el próximo jueves 1 de agosto de 2024 en el Coliseo MedPlus. Los precios oscilan entre 180.000 (localidad zona 5) y 10.000.000 para el palco diamante. Las entradas estarán disponibles a través de la página web Taquillalive. Vivir Mi Vida, Valió la Pena, Y Hubo Alguien, Tu Amor Me Hace Bien y Qué Precio Tiene el Cielo son algunos de los más conocidos éxitos del cantante de ascendencia puertorriqueña. Biografía de Marc Anthony Nacido como Marco Antonio Muñíz de padres puertorriqueños en la ciudad de Nueva York, es uno de los artistas de salsa más exitosos de la historia. Entra en su cuarta década como artista de grabación con docenas de certificaciones de oro y platino de la Asociación de la Industria de la Grabación de América (RIAA), 105 éxitos número uno en Billboard, más de 8 mil millones de vistas en YouTube y un total de 15,218 mil millones de reproducciones en todas las plataformas.Es uno de los artistas de giras más prolíficos de la industria musical, con numerosas entradas en las listas de las Giras de Conciertos con Mayores Ingresos Globales de Pollstar.Otra Nota (1993) fue su primer álbum de salsa. Pa'llá Voy (2022), su decimotercer álbum (el undécimo en español), fue lanzado bajo su propio sello Magnus / Sony Latin Music. Recibió cuatro nominaciones al Grammy y ganó el Grammy al Mejor Álbum de Salsa.En su gira, se presentó ante audiencias agotadas en todo Estados Unidos, Europa y América Latina.Marc Anthony también ha participado en películas como In the Heights (2021), El Cantante (2006), Hombre en Llamas (2004), En el Tiempo de las Mariposas (2001), Rescate en el Infierno (1999) y un papel principal en el musical de Paul Simon, The Capeman (1998) en Broadway.
La agrupación argentina regresa al país para regalarnos una noche llena de cumbias y bailoteo. Por éxito en ventas Damas Gratis decidió mover su concierto el próximo 10 de mayo al Chamorro City Hall de Bogotá. Será una noche épica de cumbia y pueblo.Las entradas originales para la fecha en el Royal Center seguirán siendo válidas para el concierto que se celebrará en Chamorro City Hall.Damas Gratis se presentó el sábado 23 de septiembre en el Festival Cordillera 2023, que se llevó a cabo en el Parque Simón Bolívar. Los fanáticos de Damas Gratis no se inmutaron por la lluvia y bailaron y cantaron al ritmo de sus éxitos más populares, como 'Me Vas a Extrañar', 'El Humo', 'No te Vayas' y 'Pijamas'. Pablito Lescano, con su carisma habitual, interactuó con el público y lo hizo parte del show.Uno de los momentos más emotivos del show fue cuando Damas Gratis interpretó la canción "Me Vas a Extrañar". Aunque llovía bastante fuerte, el público no dejó de cantar a todo pulmón.A pesar de la lluvia, el grupo demostró una vez más por qué es una de las bandas más populares de Argentina y Latinoamérica, y dejó al público con ganas de más.La historia detrás de Damas GratisDamas Gratis, también conocida como "La banda de Pablito Lescano", es un grupo musical argentino de cumbia villera fundado en el año 2000 en San Fernando, Buenos Aires, por el tecladista, compositor y cantante Pablo Lescano.Inicios y trayectoria:2000: Nace Damas Gratis como proyecto musical de Pablo Lescano, quien se encontraba en recuperación de un accidente de moto.2002: Publican su primer álbum "Operación Damas Gratis", el cual goza de gran éxito popular, especialmente en el conurbano bonaerense.2004: La banda se consolida como un referente de la cumbia villera con el lanzamiento del disco "100% Negro Cumbiero".2008: Tras un impasse por problemas de salud de Lescano, la banda regresa con el álbum "La Gota que Rebasó el Vaso", consolidando su éxito masivo.2012: Reciben el premio Gardel al mejor álbum tropical por "Esquivando el éxito".2019: Celebran su 19º aniversario con un show multitudinario en el Estadio José Amalfitani, Vélez Sarsfield.Damas Gratis se caracteriza por su sonido único que fusiona cumbia, cumbia villera, reggaetón y otros ritmos urbanos. Sus letras, escritas por Lescano, narran historias cotidianas de la vida en los barrios populares, con un lenguaje coloquial y directo.Miembros actuales:Pablo Lescano (voz, teclados)Ulises "Uli" Pioli (bajo)Néstor "Parpa" Páez (guitarra)Gastón "El Chama" Lescano (percusión)Facundo "Chuky" Mansilla (batería)Gustavo "El Nene" Vera (trompeta)Martín "El Loco" Lescano (saxofón)
Keane regresa a Colombia. La cita será en el Chamorro City Hall. Este evento conmemora el vigésimo aniversario de su álbum debut Hopes & Fears, que los catapultó al estrellato en el Reino Unido en 2004. Las entradas estarán disponibles a partir del 8 de abril a las 9:00 am en tuboleta.com.Keane ha estado 2 veces en Colombia: La primera fue en 2009 durante la gira promocional de Perfect Symmetry, su tercer álbum de estudio, en el Coliseo Cubierto El Campín (hoy Movistar Arena). La segunda fue en 2019, en el Royal Center, presentando su quinto álbum de estudio, Cause and Effect.Keane: historia de la banda determinante en el rock de los 2000 La gira de Keane comenzó el 1 de abril con llenos totales en México, es un tributo a su carrera desde su exitoso debut hasta su álbum más reciente Cause and Effect. Con más de cincuenta espectáculos confirmados en varios países, incluyendo Estados Unidos, España, Francia y Canadá, Colombia se suma a una gira que seguramente encantará a sus fieles seguidores con un setlist emotivo y sorprendente, liderado por la inigualable voz de Tom Chaplin.Keane es una banda inglesa de rock alternativo de Battle, East Sussex, formada en 1995. Se conocieron mientras estaban juntos en la escuela Tonbridge.La agrupación logró un gran éxito internacional con el lanzamiento de su álbum debut Hopes and Fears en 2004. Encabezó las listas del Reino Unido, el álbum ganó el Brit Award 2005 al Mejor Álbum Británico y fue el segundo álbum más vendido en el Reino Unido en 2004. Es uno de los álbumes más vendidos en la historia de las listas del Reino Unido.Hopes and Fears: ¿Por qué fue tan importante en la carrera de Keane?Hopes and Fears marcó un hito en la historia de Keane, alcanzando ventas récord en el Reino Unido y Estados Unidos, impulsado por éxitos como Somewhere Only We Know. El álbum ha sido certificado nueve veces platino en el Reino Unido y ha vendido más de 10 millones de copias en todo el mundo.
El ministro de Cultura de Colombia, Juan David Correa, le pidió al cantautor cubano Silvio Rodríguez, venir a realizar un concierto en nuestro país. El pedido se hizo a través de una carta. “Millones de colombianos crecimos con sus canciones como usted lo ha podido atestiguar a través de sus visitas a nuestro país. Hoy quisiera pedirle, a título personal, ciudadano e institucional, y en nombre del señor presidente, que nos acompañe una vez más, que nos permita oír su voz en un concierto que podemos organizar allí donde usted lo considere (…)”, señala el Ministro en la misiva. La propuesta del Gobierno es que dicho concierto se realice en un municipio del Caribe colombiano, por cuenta de los posibles problemas que la altura de Bogotá podría acarrear en la salud de Rodríguez. “Parte de mi tarea, ahora como ministro, a admirado Silvio, es proponer espacios colectivos que signifiquen nuestras vivencias atávicas y nos permitan, a través de los símbolos, creer que es posible derrotar el miedo y la pura y abrazar la esperanza de una sociedad que pueda superar la idea de venganza”, continúa la carta. ¿Cuándo fue la última vez que vino Silvio Rodríguez a Colombia?Silvio Rodríguez, uno de los mayores exponentes de la canción social y la Nueva Trova cubana, no viene a Colombia desde julio de 2010, cuando realizó una presentación en Medellín, como parte del Tercer Congreso Iberoamericano de Cultura. En esa jornada, Rodríguez compartió escenario con otros cantautores como Jorge Drexler, León Gieco, Fito Páez, el Quinteto Suárez Paz, Susana Baca, Rosario, Antonio Carmona, Zoe, Rodolfo Mederos, Aterciopelados y Alfredo Gutiérrez.En Bogotá, fue una estancia de tres días en 1995, que lo tuvo por universidades, teatros y centros culturales. En mayo de 1993, tuvo una gira llamada ‘Canciones urgentes 93′ que lo llevo por Medellín, Cali y la capital colombiana. A sus 77 años, es considerado como el mejor cantante folklórico de Cuba y posiblemente uno de los mejores cantautores de América Latina.Conocido por sus letras intelectuales, altamente elocuentes y simbólicas, sus canciones son elementos icónicos de la cultura popular latinoamericana de izquierda. Ojalá, Playa Girón, Unicornio, Sueño con Serpientes, Vamos a andar o La maza son algunas de sus canciones más conocidas. Rodríguez es un símbolo de la izquierda latinoamericana. Silvio Rodríguez es considerado líder de la Nueva Trova Cubana, movimiento conocido por sus letras, que intentaban escapar de las banalidades de la vida concentrándose en el socialismo, la injusticia, el sexismo, el colonialismo y el racismo.
Residente anunció su gira oficial llamada Las Letras Ya No Importan luego del lanzamiento de su segundo álbum que lleva el mismo nombre. Como parte de este tour pasará por Bogotá, el próximo 12 de octubre en el Movistar Arena. La Preventa Movistar comienza el 14 de marzo 9 AM hasta 15 de marzo 8:59 AM. La Preventa Banco Falabella va del 15 de marzo 9 AM hasta 18 de marzo 8:59 AM y la venta Público General será el 18 de marzo 9 AM. Las letras ya no importan: ¿De qué trata el segundo álbum de Residente?Este nuevo álbum cuenta con 23 temas, en los que se incluyen artistas como Penélope Cruz, Ricky Martin, Busta Rhymes, Vico C, Big Daddy Kane, Rauw Alejandro, Christian Nodal, Arcangel, Jessie Reyez, Silvia Pérez Cruz, Ibeyi, WOS, Nino Freestyle, Amal Murkus, SFDK y AI2 El Aldeano.Recientemente, el trabajo discográfico Las Letras Ya No Importan, obtuvo certificación oro en México por sus ventas, además, el álbum debutó en el número dos de la lista de Spotify de “Top Albums Debut Global” con su lanzamiento.El álbum incluye algunos de sus lanzamientos recientes de videos musicales a lo largo de un año que incluyen This Is Not America (un video premiado), “René”, “Quiere Ser Baladista con Ricky Martin”, “Problema Cabrón” con WOS, “Ron En El Piso” y su más reciente de esta semana, “313” con Penélope Cruz y Silvia Pérez Cruz. “313” fue un homenaje al tiempo en memoria de Valentina, una amiga cercana que falleció. Trabajó estrechamente con él y tocaba el violín. En un adelanto reciente, le deja un mensaje de voz y habla sobre el significado del número 313. Comienza el álbum con un tributo llamado “Valentina”.Todos los videos musicales lanzados para parte de este álbum fueron dirigidos por Residente.La portada del álbum presenta la mano de Residente, que apenas alcanza una mano de seis dedos, lo que implica un contraste entre el arte artesanal significativo versus la cultura actual impulsada por algoritmos y plantea la pregunta de si su producción sigue siendo importante para la audiencia. ¿Cuándo fue la última vez que Residente estuvo en Bogotá?La última visita de Residente a Colombia fue en noviembre de 2018 . En esa oportunidad Residente abrió campo en tarima durante cinco minutos a los estudiantes.Soltó el micrófono y dijo con respeto que no era su lucha, ni estaba al tanto de todos los pormenores de la realidad colombiana. No hubo palabras de contenido elástico flotando por ahí, como la “revolución”, el “cambio” o “la paz”.No se comportó como político en campaña. Nada. Todo estaba muy claro: los estudiantes estaban ahí por un mejor acceso a la educación pública.El mensaje cumplió el objetivo: llegó a un público multitudinario. Las razones complejas, las cifras y los cómos están para discutir en otros espacios. Así fue la visita de Residente a Bogotá en 2018.
El próximo 15 de mayo, el Movistar Arena se presentan 2 agrupaciones legendarias: Kool and the Gang y Village People. Dos leyendas de la música se unirán por primera vez en un espectáculo inolvidable para varias generaciones. Las entradas comenzarán a venderse en preventa Movistar desde el 6 de marzo las 10:00 am hasta el 8 de marzo a las 9:59 am, a través de la web de Tuboleta.com. ¿Quiénes son Kool and The Gang?Kool & the Gang, la influyente banda estadounidense de funk y R&B formada en 1964 en Jersey City, Nueva Jersey, ha dejado una huella indeleble en la música a lo largo de más de cinco décadas. Con éxitos internacionales como "Celebration" y "Jungle Boogie", la banda se destacó durante la época dorada del funk y el disco, fusionando estilos musicales con maestría. Ganadores de un Grammy y reconocidos por clásicos atemporales, Kool & the Gang ha influenciado generaciones, dejando un legado duradero que se refleja en su impacto perdurable en la cultura musical moderna.¿Quiénes son Village People?Village People, la icónica banda estadounidense de música disco surgida en la década de 1970, se destacó por su estilo contagioso y personajes extravagantes. Con éxitos como "Y.M.C.A." y "Macho Man", la banda se convirtió en un fenómeno cultural durante la era disco, dejando un legado perdurable en la música pop. Reconocidos por sus miembros vestidos como símbolos estereotipados, Village People sigue siendo una influencia significativa en la cultura musical global, con himnos que han resistido el paso del tiempo.
Prácticamente en todos los conciertos se ha vuelto costumbre que las bandas al final de sus shows abandonen el escenario, los fanáticos aplaudan, y unos minutos regresen para 2 o 3 canciones más. Esta práctica se conoce como Encore. ¿De dónde salió?De acuerdo con Gramophone, el encore se remonta a principios del siglo XVIII, cuando el público solía asistir a conciertos de ópera italiana en el Reino Unido. Como no había música grabada en ese momento, era la única oportunidad del público para escuchar nuevamente su pieza musical favorita.Las orquestas tocaban una pieza musical que había recibido el aplauso de la multitud en algún momento durante la actuación principal, y la orquesta repetiría esa parte de la música durante el "encore". Era una manera en la que el público mostraba su agradecimiento por una buena actuación, y la orquesta correspondía dándoles una probadita extra de la música al final.Sin embargo, no era algo del gusto de todos los intérpretes. Loudwire reporta que, para la primera representación de La Creación, Haydn imprimió una solicitud en la que decía que si bien siempre se sentía halagado por la aprobación del público, prefería que la gente no mostrara su agradecimiento con "encores" para no interrumpir la continuidad de la obra.A finales del siglo XIX y comienzos del XX, el "encore" perdió fuerza. En la década de 1900, muchas salas de conciertos empezaron a imprimir "No Encores" en los programas de los shows. El regreso del Encore Broadway jugó un papel clave en el regreso del "encore" en el siglo XX, según la revista Ennui. El público llamaba a los actores a regresar al escenario después de concluir una actuación. Mientras bandas como The Who elegían hacerlos cuando era un show excepcional, es conocido que Elvis no hacía "encores", pues según Daniel Ganninger, el coronel Parker, manager de Elvis, siempre quería dejar al público con ganas de más. Eso llevó a la famosa frase "Elvis ha abandonado el edificio", al final de los conciertos de para dispersar al público que se queda con la esperanza de un "encore". Según el columnista del Washington Post, David Segal, las cosas cambiaron con respecto a la forma en que se habían concebido originalmente los "encores" gracias a Bruce Springsteen, "The Boss".Springsteen daba conciertos que a veces duraban hasta cuatro horas y su banda volvía al escenario una y otra vez. Esta parte de la actuación comenzó a filtrarse en las actuaciones de otras bandas y, para adaptarse a sus requisitos de iluminación y sonido, las bandas comenzaron a incluir el "encore" en su lista de canciones.The Cure o Prince agotaron la cantidad de "encores" que se podían tocar en un concierto. Ya sea que tocaran uno muy largo o varios seguidos, algunos de sus sets de "encore" duraban más que el inicial.El "encore" se ha convertido en parte infaltable de las presentaciones de la mayoría de bandas y artistas, y aunque ya sabemos que va a haber encore, nos encanta seguir pretendiendo que no es así. ¿Ya conocían esta historia?
Laüra Bonsai y Felinna Vallejo conforman Las Ninyas del Corro, una de las formaciones más interesantes de la nueva escuela del rap español. Nuestro colaborador Santiago Cembrano las visitó en su barrio para hablar con ellas y contarnos la historia de su álbum, Bitches in Business. ***—Es como ver follar a tus padres.El sol se derrama con placidez sobre la Plaça de la Vila, en Sant Adrià de Besòs: la periferia de Barcelona. Son las 7 de la tarde de un viernes de abril. En las terrazas no cabe nadie y el saltarín infantil está lleno: las risas y los gritos de júbilo llenan el aire. Una mujer antigua esquiva el partido de fútbol improvisado que atraviesa la plaza y se sienta con su esposo, que la espera en un banco, bajo la sombra de un árbol robusto. Él pone su mano sobre la rodilla de ella y observan a los vecinos que pasan.Laüra Bonsai es de aquí, de Sant Adrià. La rapera de 28 años está en casa, pero, entre sorbos de Cola-Cola, narra una experiencia extraña:—Es como ver follar a tus padres. Así es conocer la industria musical por dentro: "¡Buah! ¿Qué estoy viendo? ¿Cómo funciona esto?" Por eso queríamos explicarles a los demás que estar donde estamos no es lo que parece.Felinna Vallejo tiene 25 años y es de Bon Pastor, un barrio aledaño que se conecta con Sant Adrià a través de un puente, uno como el que está en el logo de Las Ninyas del Corro, el grupo que ambas conforman. Se presentaron como guerreras de ceño fruncido con Onna Bugeisha en 2021 y así construyeron una habitación propia con los códigos noventeros. Giraron por conciertos y festivales de toda España y así conocieron de contratos y adelantos, horarios y rutinas, el negocio que se escondía tras el sueño de la música. Bitches in Business de Las Ninyas del CorroDe esa experiencia, Las Ninyas del Corro hicieron su segundo álbum, Bitches in Business, publicado en marzo de 2024. Tres años después de su debut, agrietan la solemnidad con la que entraron a la cancha. Ahora se ríen más, y cuando escucha a su compañera, Felinna ríe de nuevo:—Cuando empezamos éramos dos chavalillas, había que imponer respeto. Ahora lo tomamos de otra forma, nos hemos dado cuenta de que podemos vacilar. Nos hemos atrevido, sin miedo de explorar. Me he sentido mucho más libre para decir lo que me de la gana sin censurar nada.Y tan libre. A las baterías violentas que Esse Delgado, productor del grupo y del disco, dispone en 'Las Meninas' Felinna les añade un guiño burlón que rompe el corset estricto. Luego de celebrar que ya no la agobian los kilos de más ni algunos rastros de acné, hace lo que en el debut habría sido inimaginable: "Me suda todo el coño, ni la acabo", rapea de salida, con la misma seguridad que la de Sabrina Ionescu cuando asiste sin mirar. Es un gesto de chulería que sintetiza el cambio de atmósfera entre ambos discos.—Antes estábamos más enfadadas. Pero no estábamos enfadadas, sino que entrabas así o no había manera de entrar —me explica Laüra—. Ahora hemos soltado, le hemos quitado importancia a muchas cosas. Nos hemos relajado.Los primeros temas que hicieron con la intención de crear un nuevo álbum rondaron el drumless, pero pensaron que podía aburrir al público de sus conciertos.—Nosotros hacemos todo el tiempo lo que queremos, pero también hay que pensar en lo que funciona. Vivimos esa dualidad todo el rato —explica Felinna, y yo pienso que esas consideraciones son las que hacen parte de un negocio.Un camp para hacer música en Vallirana, en el bajo Llobregat, las desconectó de las distracciones de la ciudad y puso los cimientos de lo que venía. Les gustó tanto el formato que lo repitieron en Tarragona y, luego, en Castellón, en el verano de 2023. Esse Delgado también ama el drumless; Sunday Truce, su colaboración con el madrileño Franco Carter, se sintoniza con texturas góspel y soul que se repiten sin prisa. Sin embargo, Bitches in Business, además del boom bap con el que empezaron, es hogar del repiqueteo de hi-hats y la energía ágil del trap, trap&B y sonidos que conversan con referentes contemporáneos como Kendrick Lamar, Tyler, The Creator, Pusha T, Travis Scott y Beyoncé. También caben el canto y los coros pegadizos, como en “Nasty Girl”, una canción que les enseñó que podían expresar su mensaje sin dejar de divertirse, sin quitarle naturalidad al proceso y el resultado.—Que tu madre te diga que le mola un tema tuyo, como 'Punto de partida', muestra que con los temas más melódicos Bitches in Busines ha podido llegar a más gente. Nuestros amigos lo están escuchando porque les gusta, y no porque somos sus amigas, como en Onna Bugeisha: eso mola —sentencia Laüra—. Incluso a nosotras un disco entero de boom bap nos aburre.***Bitches in Business de giraLas bocas se abren hacia lo alto en la primera fila de la Sala Apolo, y Felinna las bendice con un chorro de ron para que la fiesta siga. Es el 11 de mayo: inicio de la gira de Bitches in Business. Cientos de personas saltan y saltan y saltan y saltan con 'The Wave', un corte electrónico, impetuoso, y las sílabas se deslizan con habilidad de la boca de Laüra al micrófono. Quizás como resultado de conocer la industria por dentro, Laüra juega a la defensiva en varios momentos de Bitches in Business, como si se anticipara al rechazo de una escena que les recriminaría el nuevo estilo, que eran mejores antes.—Pensábamos que la gente del rap nos iba a odiar. Con el primero nadie te conoce, eres nueva. Toda la gente siempre nos ha dicho que el segundo disco es el más difícil. Era como Buah, este disco puede pasar desapercibido. Eso lo primero. Y lo segundo es que siempre te van a decir que molabas más antes: me pasó con Natos y Waor, los escuchaba antes. Pero es verdad que predijimos eso y no ha sido así. A la gente le ha gustado más de lo que pensábamos —me explica Laüra en Sant Adrià.Las Ninyas del Corro avanzan por caminos que C. Tangana, Recycled J y demás artistas que oxigenaron el rap español ayudaron a pavimentar. Del primero Laüra dice que es como un héroe, al infiltrar el pop para luego diversificarlo más allá de Alejandro Sanz y compañía. Desde Rosalía hasta Dellafuente, insiste, en el espectro de lo urbano están las claves de lo más interesante de la música en España. Por otro lado, Recycled era tildado de “maricón”, recuerda ella, por sus melodías y sus sentimientos: era un blandito, y por eso fue decisivo para que el paradigma cambiara y se abriera.De reivindicar lo más puro que salió de una Nueva York gélida a finales del siglo XX, Las Ninyas del Corro pasaron a celebrar a los que retaron, expandieron y reinterpretaron esa herencia en España. Bitches in Business es un álbum que dialoga con todas las posibilidades que han surgido en la última década, así como con sus artífices. Pero. Hay un gran pero.—Por suerte, tú preguntas por raperas de España y nuestro nombre se va a decir. Eso para nosotras es mucho, pero sigue faltando mucho, también. El caso de las mujeres siempre es más exigente y difícil —me dice Laüra, con voz cansada—. Todavía no es suficiente.—Solo hay pibes, yo estoy hasta el coño —la secunda Felinna, y lo repite, esta vez con mayor énfasis en cada palabra, masticando cada una, para que quede claro—. Solo. Hay. Pibes. Madre mía.Las Ninyas del Corro en la sala ApoloLa sala Apolo está llena, agitada. Laüra propone que, como no las invitan a nada, que las lleven a dirigir una sesión de cardio. Sigue cayendo ron como agua bendita, y ya no sé si es sudor esa humedad en la cara de una mujer que canta cada tema como si la hubiera escrito ella. Casi la mitad somos hombres, casi todos con la mano arriba con cada barra. Las Ninyas se refieren al público como “vosotras” y celebran lo guapas que están todas hoy. El punto de vista cambia y las mujeres, que suelen corear versos de manes para manes, quedan en el centro. La diferencia se nota. En el escenario, Laüra y Felinna no solo rapean con precisión y temple, sino que despliegan coreografías, codo a codo con dos bailarinas, que elevan cada tema. El punto de vista cambia, insisto, y yo lo agradezco tanto. Una bebé se eleva en los hombros de su padre y toda la sala le canta el feliz cumpleaños a la mamá de Felinna. Barbas salpimentadas conviven con la juventud. No cabe nadie más acá. Y cuando llega el momento de “Bagaje”, un break amenazante, Laüra cambia de óptica. Pasa a las barreras generacionales: "La vieja escuela desconsidera a la nueva, la nueva desprestigia a la nueva, qué pena".—Aprendimos mucho trabajando con LaBlackie. Ella vino, escribió y se tiró la letra de golpe. Envidio esa frescura —me había dicho Laüra esa vez en su barrio.Hay que ser exigente, pero también tener el coño de decir "Me gusta como queda y así lo tiro, porque me da igual". Eso es muy difícil que nos pase. Entonces sí, es una pena que los de antes no valoren a los nuevos, porque tienen mucho qué aprender de ellos.La canción se llama 'Deena, Snooki & Jwoww', un corrientazo que me estremece entero. Laüra y Felinna rapean juntas la estrofa de LaBlackie. El final, lo saben todas las presentes, va a estallar, y abren un círculo que se funde en una masa de carne y huesos: frenesí.—Rosalía no cantaría lo que canta si no hubiera estudiado el flamenco. Para transformarlo lo ha respetado. Se trata de respetar no solo a los que había antes que tú, sino a la música que estás haciendo —continúa el ensayo de Laüra—. Por eso también me apena que los nuevos no valoren a los que estaban. Estar informado es básico. No digo que el que está empezando tenga que saber todo, pero yo sí valoro que alguien investigue. Por eso me he sentido muy orgullosa y privilegiada cuando Elio Toffana nos invitó a su disco. La Laüra de hace diez años habría matado por una colabo con él, con Kase.O, con el Tote, con la Mala. Y ahora, cuando todo parece más fácil, sin importancia, agradezco que pase. Por respeto a mi historia y a mi trayectoria, ¿cómo no lo voy a hacer?—¡Y qué colabo! —tercia Felinna—. Yo lloré cuando el Elio nos la pasó, ya terminada. También es un tema de identidad, de sentirte dentro de la movida. Los que nos sentimos como parte del rap sentimos que es necesario entender de dónde viene.Otra forma de ver Bitches in Business: hay pesos muertos que no hay que cargar más en la mochila, y compromisos que estructuran lo que se ha hecho y lo que viene. El álbum se trata de identificar cuál es cuál.***Las Nunyas del Corro desde el barrio obreroLa pizzería, en una esquina de la Plaça de la Vila, se llama La Font. La mesera saluda a Laüra con confianza y la rapera le responde que quizás este verano deba pedir trabajo ahí, para ajustar las cuentas, llegar a fin de mes. La mesera, sonriente, le responde que qué va, que ella va a ser muy grande y me pregunta si estoy de acuerdo. Yo le digo que sí, que por eso estoy ahí. Laüra no está tan segura.—Joder, es que parece que es un momento guay para mí, pero a veces no me siento así —confiesa."Lo bueno de vivir en San Roque es que nadie roba en San Roque", rapea Laüra en 'Tridente dorado' sobre el barrio de Badalona en el que vive desde hace unos años, a un par de kilómetros de Sant Adría: uno de los más calientes de Cataluña, según titulares alarmistas de medios apocalípticos. Las Ninyas del Corro rapean desde el margen y muestran el revés de una Barcelona que opera como un parque temático de sí misma para los miles de turistas que llegan cada día. La conciencia de clase, una de las banderas que ondearon en Onna Bugeisha, sigue intacta. Se manifiesta, por ejemplo, cuando Laüra rapea, en 'Las Meninas', que en Barcelona o heredas o te las apañas. Ok, el turismo trae riqueza: ¿pero para quién?—No hemos crecido en Barcelona, sino en los barrios obreros que rodean a Barcelona —afirma Felinna.Este margen es tan geográfico como simbólico. En 'Las Meninas' Felinna se aleja tanto del lujo del barrio de Pedralbes como del centro de Barcelona donde solo hay guiris (turistas blancos) con axilas malolientes y pijos vestidos de Nude Project. Y una de las bombas llega cuando dice esto: La catalanidad de Las Ninyas del Corro es otro de los puntos de tensión: si a ella no la reconocen como catalana, me explica Felinna, pues que se jodan: ella tampoco lo llamará pan tumaca, sino pan con tomate. Laüra, por otra parte, reconoce reflejos de su caso en la historia reciente: cuando le dieron el premio Sant Jordi a Estopa, algunos catalanes protestaron porque cantaban en castellano.—Me da rabia ese elitismo, esa línea entre la burguesía y los catalanes de a pie —continúa Felinna—. Hacemos música en castellano, y por eso parece que no somos referentes en Cataluña. Pero somos raperas catalanas.—Se nota mucho el clasismo de la burguesía catalana —insiste Laüra—. Acá nosotras somos purria, escoria, como lo fueron hace tiempo los andaluces que venían aquí y supuestamente les quitaban el trabajo a los catalanes. Nuestras familias vienen de allí. Acá solo importa lo moderno, lo guay, lo fashion. Pero en este conflicto con la cultura, con la lengua, pueden existir distintas identidades además de la que se espera.El título de Bitches in Business salió en la recta final del proceso. Empezaron con una espíritu más tremendista, color azul oscuro, que plasmara su angustia. Al final eligieron un camino para sublimarla, hacerla divertida. El título es un guiño sarcástico a todo lo que han conseguido, a lo que aspiran, a todo lo que les falta y a cómo estas tres dimensiones se confunden. Un guiño que nos dice, ya lo decía Laüra, que las cosas no son lo que parecen.Felinna llegó a la entrevista luego de su primer día en un nuevo trabajo. Es temporal, me explica, para ajustar algunos números. Y Laüra, que rapea sobre cómo devuelve los trajes de diseñador que compra para un solo uso, me muestra sus manos. Sus dedos tienen marcas de pegante: esa mañana tuvo que pegar la etiqueta de un vestido para poder devolverlo.—Gitaneo, es lo que hay —admite.En ese banco de la otra esquina de la plaza todavía están él y ella, recostados en el amor silencioso y seguro que se sedimenta como la arena que cae al fondo del reloj de cristal. Antes de que nos levantemos y caminemos, yo hacia el metro —hacia el centro— y ellas hacia sus casas, acá cerca, Felinna reseña su propio álbum.—Eso es ser bitches in business —dice, entre risas—. Se trata de buscarse la vida.***¿Quieren leer más sobre rap en Español? En el camerino con Ill Pekeño y Ergo Pro
La serie, producida por FX y Hulu, oficialmente tendrá temporadas adicionales. Los estudios detrás de Shogun dijeron en su anuncio que continuarán trabajando con el patrimonio del autor James Clavell en la serie. En particular, dijeron que la renovación "probablemente producirá dos temporadas adicionales de la serie dramática", lo que significa que podría estar sujeta a ajustes en función de lo que suceda creativamente.Creativos importantes, incluido el showrunner y cocreador Justin Marks, la cocreadora Rachel Kondo y la productora ejecutiva Michaela Clavell, regresarán al desarrollo de las nuevas tempradas. Al igual que el productor y estrella Hiroyuki Sanada, quien interpreta a Lord Yoshii Toranaga. El calendario de producción aún no se ha fijado, según señala el anuncio, pero se está organizando una sala de escritores que comenzará a mitad de año.Anteriormente, Shogun había sido anunciada como una serie limitada, y los propios comentarios de Marks hacían que pareciera que temporadas futuras no estuvieran en la mente de los fanáticos de la serie.En una entrevista con The Hollywood Reporter a principios de este año, Marks dijo: "Llevamos la historia al final del libro y pusimos un punto al final de esa frase. Nos encanta cómo termina el libro, fue una de las razones por las que ambos sabíamos que queríamos hacerlo y terminamos exactamente en ese lugar".A pesar de todo eso, lo que hace que este anuncio sea un poco menos sorprendente es que Twitter estaba hablando la semana pasada de que Sanada había firmado un acuerdo para regresar para una segunda temporada. Deadline informó poco después de la noticia de la renovación que Shugun planea presentarse en la categoría de serie dramática de los Premios Emmy. La miniserie, basada en la novela homónima de Clavell, cuenta la historia de dos hombres y una misteriosa mujer samurái. **Si son fanáticos de la serie o están planeando verla les puede interesar: Shogun: ¿qué es real y qué es ficción en la serie de Disney+?
'Los de Abajo' es una película producida por Empatía Films (Bolivia) y Chirimoya Films(Colombia), bajo la dirección de Alejandro Quiroga, con la actuación de Fernando Arze Echalar como protagonista de esta producción, interpretando a Gregorio, un campesino.En esta producción se expone la lucha por la injusticia y el monopolio del agua en una metáfora geográfica que destaca la determinación y valentía de Gregorio, el protagonista de esta historia, al desafiar la corrupción y el abuso de poder para proteger los recursos naturales de su comunidad y garantizar el bienestar de su familia. Entre los actores de reparto está la actuación de Sonia Parada y José Acosta, actores colombianos quienes interpretan a Paula y a Capatáz respectivamente, con la participación del reconocido actor argentino César Bordón, interpretando a Iglesias, el antagonista de esta historia.“Como una premonición o una amenaza, las aves de rapiña sobrevuelan Rosillas. Abajo, entre los hombres, el resentimiento crece: la sequía no da tregua, y la corrupción y la avaricia de los de arriba han dejado sin agua las tierras de Gregorio. Allí ya nada crece y hasta su única vaca se ha ido”, comenta el director.Sinopsis de 'Los de Abajo'Gregorio, un campesino de espíritu soberbio y arrojado, se enfrenta a un desafío en el apacible pueblo de Rosillas. Determinado a restaurar la justicia para su familia y su comunidad, se propone recuperar las aguas de la antigua acequia, desviadas por el poderoso coronel Iglesias, un terrateniente argentino aliado en un turbio complot con el alcalde local para sus propios cultivos de vid. En su viaje por recuperar lo que legítimamente le pertenece, Gregorio se encuentra con la desidia comunal, la corrupción arraigada y la omnipresente influencia del poder socioeconómico de la élite.Cines donde se proyectará 'Los de Abajo'Bogotá:Cine Colombia Multiplex EmbajadorCinemateca de BogotáCinemas Procinal - BimaCinemas Procinal - Salitre PlazaMedellín:Cine Colombia Multiplex Viva EnvigadoCinemas Procinal Las AméricasCinemas Procinal MayorcaMuseo de Arte Moderno de Medellín - El MAMMCali:Cine Colombia Multiplex UnicaliCinemateca Museo la TertuliaCinépolis El LimonarManizales:CinespiralValledupar:Marines FilmsPróximas proyecciones: All Cine (Manizales), Cine con Alma (Pereira) y Cinemateca del Caribe (Barranquilla).
En agosto del 2016, la escritora estadounidense Colleen Hoover publicó It Ends with Us, una novela romántica. Para el 2019, se habían vendido más de un millón de copias en todo el mundo y traducido en más de 20 idiomas diferentes. Ocho años después, llega a la pantalla grande la adaptación de este romance (y la primera adaptación de Colleen Hoover para cine) protagonizado por Blake Lively, Justin Baldoni y Brandon Sklenar. El estreno será el 9 de agosto del 2024. Aunque ya se habían filtrado varias fotos de los actores grabando la película, fue hasta el 16 de mayo que Sony Pictures Entertainment, la productora, publicó el primer trailer oficial con una canción del nuevo álbum de Taylor Swift, my tears ricochet. Trailer de 'It Ends with Us'¿Cuál es la trama de 'It Ends with Us'? Lily (Blake Lively) nunca ha tenido una vida fácil. Decide mudarse a Boston con la esperanza de abrir su propia floristería y ahí conoce al perfecto y magnífico neurocirujano, Ryle Kindcaid. Sin embargo, cuando su primer amor Atlas reaparece de la nada y Ryle empieza a mostrarse como realmente es, Lily se da cuenta que todo lo que construyó se ve amenazado. "Por más dura que sea la decisión terminamos rompiendo el patrón o el patrón termina rompiéndonos a nosotros", dice Lily en el trailer de la adaptación de la novela. ¿Quién es Colleen Hoover?Colleen Hoover nació el 11 de diciembre en 1979 en Sulphur Springs, Texas. Desde los cinco años le apasiona la escritura y en 2012 su primera novela Amor en Verso consiguió estar en el New York Times best-seller list en poco tiempo. Dos años después, en el 2014, fue la autora número uno del New York Times gracias a su libro Maybe Someday. La autora ha publicado 25 libros y en el 2023 se vendieron 7,3 millones de ejemplares de sus novelas. Ese mismo año, en el ranking de los libros más leídos del New York Times habían cuatro de Hoover: en el puesto número dos, It Starts with Us; en el puesto número tres, It Ends with Us; en el cuarto, Verity y en el 10, Ugly Love. ***Les recomendamos leer: Seis adaptaciones de libros que se convirtieron en series o películas de Netflix
David Copperfield, el famoso mago de 67 años, fue acusado por 16 mujeres de agresión sexual. La investigación fue publicada por el diario estadounidense, The Guardian. A pesar del nivel de las acusaciones, el equipo legal del ilusionista, que alcanzó su mayor fama en los 90, niegan las imputaciones y afirman que son "todo lo contrario a lo que David es". La mayoría de las historias de las mujeres coinciden en que todas eran menores de edad (incluso algunas tenían 15 años). Tres mujeres afirmaron que Copperfield las drogó para tener relaciones sexuales con ellas. Cuatro alegaron que el ilusionista las manoseó o las obligó a tocarlo de manera sexual durante shows en vivo. Las imputaciones se extienden desde finales de la década de 1980s hasta 2014. Algunas de estas mujeres hicieron denuncias con nombre, apellido e incluso fotografía (como la exmodelo Brittney Lewis) y otras prefirieron quedarse en el anonimato. Para la investigación de las acusaciones hacia David Copperfield de agresiones sexuales, The Guardian entrevistó a más de 100 personas y escuchó varias grabaciones judiciales. Anteriores acusaciones contra David CopperfieldDavid Copperfield ya había sido acusado de comportamiento inadecuado en otras ocasiones. En el 2018, el mago se defendió contra las imputaciones por medio de su cuenta de X (anteriormente Twitter). "He vivido con años de noticias sobre mí acusado de actos atroces e inventados, y pocos cuentan la historia del arresto del acusador y mi inocencia". En esta ocasión, fueron sus abogados quienes alzaron la voz para defender a Copperfield. "La caracterización de The Guardian no es quién es David y él continúa apoyando a cualquiera que haya experimentado cualquier forma de abuso o discriminación. El movimiento [que lucha contra el acoso] debe tener éxito, pero las acusaciones falsas deben detenerse para que florezca. David considerará su posición con el equipo legal y tomaremos las medidas que sean apropiadas sobre estas acusaciones falsas y difamatorias".