Turnstile suena a muchas bandas y suena a sí misma. Es espejo de múltiples actos adelantados a su tiempo que revitalizaron el New York Hardcore entre finales de los ochentas y comienzos de los noventas. Y también, el resultado de una resignificación de sus propios referentes.Por Álvaro Castellanos | @alvaro_caste En principio, la banda liderada por Brendan Yates, surgida en 2010, fue recogiendo los cabos sueltos de Fugazi, Helmet o Shelter: propuestas Hardcore que, en su momento, tuvieron el arrojo de asomar la cabeza por fuera de los límites que el género imponía. Con los años, Turnstile siguió estirando los alcances de su creatividad, y hoy, sin oportunismos, también camina sobre una célebre alfombra roja desenrollada sólo para quienes llegan al mainstream de la música, luego de alcanzar una repercusión mundial inesperada que, para 2022, termina trayéndolos a América Latina y metiéndolos en la alineación del festival Estéreo Picnic.Spoken words rítmicos, compases lentos, momentos de espesura, sonidos electrónicos, vibras funky, virtuosismo post-hardcore, toques indie pegajosos, estallidos punk rock y una construcción de imágenes poéticas en sus letras son insumos que Turnstile ha ido tejiendo e integrando a su música. Una confluencia de intenciones que derivaron en su monumental disco Glow On (Roadrunner Records) de 2021, el cual los trepó insospechadamente en la cima de los charts especializados de rock en EE.UU. y Reino Unido. Sin embargo, durante la década pasada Turnstile se mantuvo sigilosa y arropada por su microclima natural: el nicho del Hardcore. Una escena subterránea y hermética, donde aun así sobresalían entre la voraz catarata de bandas que caen sobre las aguas del género, gracias a un sonido más o menos anárquico para los cánones de este estilo musical. Turnstile comenzó como un acto satélite de otra banda, Trapped Under Ice, también de Baltimore. Pressure to SucceedAllí, Brendan Yates tocaba la batería mientras trazaba intertextos musicales con su influencia contemporánea más temprana, Crown of Thornz, liderada por una figura de la escena: Danny Diablo. Del primer EP de Turnstile, Pressure to Succeed (Reaper Records) de 2011, se desprenden canciones potentes como Death Grip. Hardcore puro y duro, pero con ciertos arreglos, ecos y pausas. Pequeñas pistas de una versatilidad que gradualmente irían asomando con mayor insistencia. En su disco de estudio debut, Nonstop Feeling (Reaper Records) de 2015, Turnstile mantuvo el interés estilístico de bandas del New York Hardcore, con una emoción contenida que impactaba en su música y su estética. En canciones como Gravity entran en sus horizontes musicales matices funk y urbanos, con ecos de George Clinton o Public Enemy. Y de nuevo, jalan de un lazo que los ata a otra banda de culto: Token Entry, de Queens. En el videoclip de la canción Drop, Turnstile pone en evidencia una intención meticulosamente anacrónica a nivel de imagen, que los hace ver como un acto ochentero, impregnados de un aesthetic confuso, pero que vendría a fortalecerlos ahora mismo, cuando el espíritu alternativo de las cintas de VHS y la nostalgia de los primeros Lollapaloozas vuelven a ponerse de moda en el eterno camino cíclico de las tendencias pop. Otro referente interiorizado por Turnstile, fundamental en el desarrollo de su personalidad musical, es Angel Du$t, nuevamente de Baltimore, una especie de superband que expuso el lado más melódico que ofrece el género, herencia de otros actos influyentes para el nicho. Una propuesta pegajosa y rápida que se arrima al indie y al pop punk. Lean también | Porque nadie lo pidió, todos los discos de NOFX rankeados del peor al mejorTime and SpaceEstos rasgos se van insinuando en el segundo álbum de estudio de Turnstile: Time and Space (Roadrunner Records) de 2018. Allí, ya entrados en gastos con la toma de riesgos musicales, se jugaron con seguir desautomatizando su sonido mediante una confluencia entre el Hardcore más experimental y el rock alternativo de los noventas. Las fibras que se desprenden de su música tienen cierto gusto a 311, Red Hot Chili Peppers, Incubus, Jane’s Addiction o Rage Against the Machine. Actos de nostalgia de los que no somos ajenos los treintañeros más grandes, pero innovadores para las audiencias más jóvenes. Sencillos como Moon o Generator dan cuenta de esta metamorfosis. Time and Space puso a Turnstile en el límite. La banda se embarcó en un camino sin retorno que, así como pudo dejarla herida de muerte, terminó impulsándola positivamente y derivando en la confección de un álbum brillante, que encendió los reflectores sobre su andar y les representó una recepción halagadora por parte de decenas de medios especializados en Norteamérica, como Alternative Press, Rolling Stone, GQ, Loudwire, Billboard o Consequence of Sound. Bandas legendarias como Black Train Jack y Snapcase sirvieron de polo a tierra a nivel de influencias para que Turnstile mantuviera su espíritu Hardcore, pese a sus apuestas arriesgadas en la creación. Time and Space fue un disco fundamental que pavimentó el camino hacia el ya icónico Glow on, que vería la luz en 2021.Salvo algunos sectarios que los han mirado por encima del hombro como si fueran bichos raros, Turnstile no perdió el amor de su fanbase. La admiración de viejas y nuevas audiencias se puso más arriba que nunca. La banda, al mismo tiempo, fue como si hubiera dejado de sentirse en la obligación de rendir cuentas por sus decisiones creativas y, con ese convencimiento, lanzó el Glow On el 27 de agosto de 2021. Un disco de quince cañonazos, quince himnos redondos donde no se guardan nada. Producido por Mike Elizondo (Eminem, Fiona Apple, Mastodon y Twenty One Pilots, entre otros), en Glow On han sobresalido un puñado de hits que acumulan a la fecha hasta diez millones de reproducciones en Spotify: una utopía para cualquier banda de Hardcore en el planeta.«Too bright to live! Too bright to die! I wanna celebrate!», dice uno de los versos más potentes de Holiday, que habla de libertad y de navegar sin rumbos fijos. Mystery sugiere una ansiedad de cuentas regresivas. «There's a clock in my head. Is it wrong? Is it right? I know you're scared of running out of time». En tanto, Blackout habla de declives y reivindicaciones. «Blackout in the middle of the light. And now I'm back down with a feeling and I collide. You know it won't be long until the end. Let the spotlight shine on me again». En general, las letras del Glow On trazan metáforas con interpretaciones ambiguas que invitan más a disfrutarlas que a entenderlas. «Glow On no es un álbum crossover hardcore que busque trascender el género, sino uno que busca elevarlo a su más alta visibilidad», dice el crítico Ian Cohen para la plataforma Pitchfork. Sobre si la banda sigue parada en su nicho inicial o ya está en algo rotundamente distinto no parece haber consensos. Al respecto, Anthony Fantano, del canal de YouTube The Needle drop, les adjudica el rótulo de Dream-Punk, destacando su originalidad y matriculándolos en un género propio. «La banda logró con este disco consolidar una ruptura propia en sus riffs, enormes líricas callejeras, baterías emotivas, todos pilares del Hardcore, pero también ganchos más dulces, guiños sutiles al rock alternativo, que reverberan una producción de peso y que presenta un sonido más almidonado, acorde a la portada del disco color rosa con nubes, sin que deje de sonar como un buen disco de Hardcore», comenta. Diseccionar a Turnstile, abrir la banda y mirarla por dentro para entenderla, se ha convertido en una obsesión común por parte de los medios musicales en EE.UU. Todos tienen algo que decir sobre la música y la personalidad conjunta de de Brendan (voz y teclados), Franz Lyons (bajo), Daniel Fang (batería y percusión), Brady Eber (guitarra líder y voz secundaria) y Pat McCrory (guitarra rítmica). En general, hay un acuerdo sobre el mérito de pasar por encima de los linderos de un género estricto y atreverse a sacudirlo con la impertinencia que la mayoría de bandas de esta corriente no pueden o no están interesadas en asumir.«El Hardcore es un poco temeroso. Es un género rígido y áspero al explorar sus límites. Y la música de Turnstile es pulida y accesible. Esto, sumado a su estética, les hace atraer audiencias de bandas duras como Suicide Boys o City Morgan, y también audiencias indie. Y esa es una gran parte del por qué están siendo tan exitosos», dice Finn Mckenty, del canal de YouTube The Punk Rock MBA. «¿Hacia dónde irán a partir de ahora? Hay gente que me dice que son ‘the next big thing’, que seguirán alcanzando un éxito mainstream y yo personalmente no creo que vayan en esa dirección», concluye, como dando a entender que la fama de Turnstile fue más fortuita que perseguida y que su éxito debe ser visto en justas proporciones, sumado al hecho de que tampoco es que hayan inventado algo en términos musicales, a pesar del mérito de retomar distintos híbridos de bandas del pasado que se atrevieron a reescribir algunas reglas del nicho. Llegado 2022, la revolución de Turnstile se hace más visible con cada semana que pasa. Mientras su música plantea una hipnótica patada en la cabeza, su puesta en imagen se volvió toda una influencia en materia audiovisual. En este sentido, gran impacto ha tenido un concierto en vivo que dieron en su ciudad natal. El video es de agosto de 2021, pero parece una paradoja cuántica: una grabación vieja con canciones nuevas, un found-footage de Betamax que fácilmente podría ser de 1991, con imágenes premeditadamente borrosas y fans heterogéneos, de gorros pesqueros, pantalones beige de bota recta y tenis para jugar baloncesto, que se encaraman en la tarima y se tiran de cabeza sobre la multitud. Con la comunión entre la banda y los fans que sólo un concierto de Hardcore tiene, esta presentación en Baltimore expresa perfecto la apuesta estética y visual de Turnstile, muy acorde con la moda (pasada de moda) que predomina en estos días. Turnstile en Tiny Desk Por su lado, la reciente presentación de Turnstile para la National Public Radio (NPR) de EE.UU. en sus sesiones de Tiny Desk muestra a sus integrantes entre coloridos peluches de fondo, con un sonido sensible, onírico y orgánico. Un show íntimo que transmite una mágica praxis artística y que explica de buena forma el esplendor que ha alcanzado la hija más famosa y diversa del Hardcore en la historia del género. ***Turnstile en el Estéreo PicnicLean también | Este es el cartel del Festival Estéreo Picnic 2022Hablando de diversidad, Turnstile se presentará en Colombia el domingo 27 de marzo a las 8:45pm en el cierre del décimo festival Estéreo Picnic, subidos en el escenario «Páramo Presenta», misma tarima donde una noche atrás habrán tocado Edson Velandia y El Binomio de Oro de América.
Suicidal Tendencies es una de las bandas más destacadas del hardcore punk. La banda afirmó que le bloquearon su cuenta de Instagram durante tres semanas debido a su nombre.Tras recuperar el acceso a su cuenta, en un post publicado el pasado 6 de octubre, sus integrantes escribieron: “Como muchos de ustedes ya notaron, nuestra cuenta de Instagram estuvo inactiva durante las últimas 3 semanas. Larga historia, esto no tiene nada que ver con "nosotros", sino con nuestro nombre. Esta no es la primera vez que nos marcan, pero esperamos que sea la última. Hablaremos de eso más adelante, pero ahora queremos enfocarnos en lo positivo y darles lo mejor a todos ustedes y darles las gracias por estar siempre con nosotros ".Dentro de sus políticas, Instagram prohíbe los contenidos sobre suicidios y autolesiones. "Nunca permitimos que nadie promueva ni aliente el suicido o la autoagresión en Instagram. Además, el año pasado, actualizamos nuestras políticas para eliminar todo el contenido gráfico sobre estas problemáticas. También ampliamos las políticas para prohibir representaciones ficticias (como dibujos, memes u otras imágenes) que mostraran materiales o métodos asociados al suicidio o la autoagresión", dice la plataforma en un comunicado. Desde los ochenta Suicidal Tendencies viene forjando una buena cantidad de fieles adeptos a los sonidos extremos. Después de combinar una fuerte dosis de letras filosas, la agresividad del thrash, la potencia y energía del hardcore-punk, y aliarse con el mundo skater se convirtieron en los abanderados del crossover thrash.Ahora, a un poco más de tres décadas de haber lanzado su primer álbum, (Suicidal Tendencies, 1983), no les queda grande el rotulo de legendarios. Encabezados por el cantante californiano, Mike Muir, Suicidal ha mandado la parada en un estilo que va mucho más allá de la fuerza de sus canciones. La conexión de la banda con el mundo skater y su estética cercana a la onda gánster californiana son una marca registrada en el mundo del metal.
Si hay algo claro de Rock al Parque es que el primer día es el más exitoso. Aunque ninguna ley lo estipula, todo el mundo sabe que ese sábado está dedicado al metal y a los sonidos más pesados. Históricamente, el festival les ha dado a los fanáticos de estos estilos “en la vena del gusto”, con grandes actos como Apocalyptica, Cannibal Corpse o Anthrax. El 2019 no fue la excepción y los fans se emocionaron con nombres como Tarja, Dying Fetus, Deicide y Grave (que finalmente no se presentó). ¿Por qué Bogotá es tan metalera? Cerca de 85.000 personas llegaron al Parque Simón Bolívar en el día metalero de Rock al Parque y confirmaron una vez más que en Bogotá los sonidos pesados tienen una fanaticada fiel y sólida. Aquí algunas palabras que definen muy bien el metal en Colombia. Pasión “El metalero es apasionado”, nos dijo uno de los integrantes de Internal Suffering, banda de Death Metal pereirana que ha ido con su música hasta a China. Eso lo comprobamos el primer día de Rock al Parque, que reúne a un público incondicional que poguea y cabecea con cada canción. Persistencia Bandas nacionales como Internal Suffering, Tenebrarum, Under Threat o Grito llevan varias décadas trabajando por un género fuera de los circuitos comerciales. Estas bandas, entre otras, vieron los frutos de su esfuerzo y dedicación con los miles de asistentes a sus shows en Rock al parque, que tuvieron la oportunidad de ver shows con artistas de trayectoria. Masculinidad La diferencia entre proyectos de hombres y proyectos con al menos una integrante femenina fue abismal. Es momento de conocer más propuestas hechas por mujeres. Eso sí, hay que decirlo, las bandas con mujeres como Buitres, Lucifera, Info, Tenebrarum, y Tarja, por supuesto, se lucieron y mostraron la importancia de la mujer en el metal. Política Los sonidos extremos de Rock al parque tomaron posición. Los mexicanos de Vaquero Negro dieron su apoyo a los skaters de Bogotá en una referencia clara a la Policía. High Rate Extintion también tuvo un mensaje contra el capitalismo. Igualmente, Angra, aunque de forma algo más poética, también trata temas como la destrucción del medio ambiente y el colonialismo. Solidaridad El llamado de varias bandas fue el de apoyar la escena local. "¡Acompañen! Vayan a los conciertos, así vayan a bailar reggaetón, paguen la boleta”, dijo Razón de ser durante su show. Ellos saben que eso ha sido clave para lograr una escena fiel y fuerte y, por supuesto, el público ha copiado su invitación. Respeto Las bandas de metal reconocen el camino que labraron quienes llegaron antes que ellas. Por eso fueron mencionadas y homenajeadas agrupaciones como La Pestilencia o A.N.I.M.A.L que marcaron pauta en los sonidos extremos de Latinoamérica. Variedad Aunque hay quienes dicen que todo suena igual en el primer día de Rock al Parque, nada más alejado de la realidad: el festival incluyó exponentes representativos del hardcore como Grito o El sagrado, del Death Metal como Deicide o Internal Suffering, del rock industrial como Info, del metal sinfónico, como Tarja y del metal progresivo, como Angra. Y sí, todas suenan muy diferente. Unión Angra invitó a varios músicos colombianos para Carry On y Tenebrarum llamó a Elvis, de Estados Alterados. Los metaleros en Rock al parque demostraron que la unión hace la fuerza y es fundamental para consolidar la escena. Resistencia Ya sea al capitalismo, al conformismo, a la música comercial o a lo que se esper que debe ser el rock, las bandas del día 1 de Rock al parque fueron un ejemplo de resistencia. High Rate Extintion habló de resistir al cáncer, Razón de ser mencionó la opción de resistir para crear una escena, Power Insane mostró canciones de su disco Resistir es vencer y Grito homenajeó a los padres que resisten a las adversidades. Resistencia y metal siempre han ido e irán de la mano.
¡Le tenemos plan a los rockeros de Bogotá! Los argentinos de A.N.I.M.A.L serán la cabeza de cartel del Festival E.Q Rock para celebrar los 20 años del lanzamiento de su cuarto álbum de estudio Poder Latino. Grabado y editado en 1998 en los estudios Indigo Ranch de Malibú, Estados Unidos, y producido por Max Cavalera, líder de Soulfly y ex miembro de Sepultura. A.N.I.M.A.L presentará un show lleno de energía donde harán un recorrido por su primera época. Los bogotanos KOYI K UTHO también estarán en el cartel. Esta banda nace como tributo al piloto de la serie animada Mazinger Z, dedicada a explorar el metal industrial en sus distintas manifestaciones, pero concentrándose en el cyber core. Todo esto respaldado por un soporte visual en cada una de sus presentaciones a través del maquillaje corporal, teatralidad y efectos visuales. KOYI K UTHO presentará un show increíble en el marco del lanzamiento de su nuevo disco, nuevo video y próximo tour. CADÁVERES PODRIDOS nació como un proyecto solitario y experimental en el 2013 y se conformó como banda a principios del 2017 en la ciudad de Bogotá. Practican un rock muy marcado con una base enérgica envuelto en una atmósfera post punk. Letras que hablan sobre la sensación de vivir bajo un ambiente hegemónico y controlado, la desesperanza y la humillación de someterse a las imposiciones de un régimen totalitario. El evento contará también con la participación especial de la banda de Hardcore venezolana FRENTE DE IRA. Quienes se reunirán para la ocasión en Colombia después de que sus integrantes se han movido a otros países por la problemática en Venezuela. Será un show especial lleno de energía después de un silencio obligado.
Desde los terrenos del hardcore bogotano surgió en los noventa uno de los pilares de la nueva música colombiana: Ultrágeno. Liderada por Amós Piñeros, la banda introdujo metáforas y verdades sobre una sociedad violenta y en caos. Dos décadas después, el mensaje revolucionario sigue más vivo que nunca. ¿Por qué? Por: Doktor Chiflamicas // @DJChiflamicas @FolkaRumba* Dos décadas después de la Bogotá amedrentada por las bombas que explotaban una o dos veces cada día, esa ciudad de los años noventa en que las calles olían a susto y afán de grito, que sirvió de escenario desafortunado para la creación de muchas de las bandas que hoy son leyenda y curiosamente vuelven al ruedo casi al mismo tiempo, la Razafuria – ese término que cobijó a todos los creyentes en el poder de una banda – se despertó del letargo de las urgencias contemporáneas y volvió a enajenarse con el espíritu rabioso de Ultrágeno. “Era una época convulsa”, dice Amós Piñeros –vocalista y violinista de la banda– sobre la Bogotá de su adolescencia. Nos encontramos sobre la carrera Séptima en la puerta de La Ñ, el estudio de grabación y producción musical en el que trabaja con su pareja y varios amigos, entre ellos Rodrigo Mancera de Morfonia, banda que por estos días también resurgió de esa década de rock análogo en la que el muro de Facebook eran los carteles que pegaban en los postes con engrudo. De pronto Amós quería reír y lo hicieron correr, como dice en su canción Divino Niño, llegó en su moto y me recibió en su centro de operaciones para hablar y, un poco, viajar en el tiempo haciendo un paralelo entre las dos ciudades –la de los noventa y la de ahora–. Después de entrar al edificio cruzamos un pasillo igual al de cualquier hotel abandonado de película de serie B; pasamos por un jardín que yo había conocido árido hace un año y ya tenía vida digna; entramos a su estudio, saludamos al Divino Niño que estaba lavando la loza y nos sentamos en la sala para comenzar la entrevista. Agenda. Cigarrillo. Celular. Porro. Grabar. La cámara que estaba enfocando el crepitar del cigarrillo se aleja y retrocede 28 años al 30 de mayo de 1989. La imagen no tiene filtro vintage porque no, pero vemos a Amós Piñeros de 13 años esperando el bus del colegio sobre el costado oriental de la 56 con Séptima. Mientras él y sus compañeros de clase trataban de calentarse las manos por el frío capitalino, al costado occidental y a las 7:15 de la mañana el grupo de “Los Extraditables” –miembros del Cartel de Medellín comandados por Pablo Escobar– detonaron 100 kilos de dinamita en un carro bomba destinado a matar al entonces director del DAS, el general Miguel Maza Márquez. Este atentado cobró la vida de siete personas y dejó varios heridos, entre ellos Amós, quien cuenta cómo la violencia de aquellos días se mezcló con la inocencia de su edad y generaron una consciencia mordaz de la desgracia irreparable que estaba viviendo el país. El Divino Niño se seca las manos con su vestido rosa, Piñeros aclara la garganta y retoma el relato de cómo la vida nocturna de Chapinero comenzó a ser su arena de combate. Entre los 14 y 15 años empezó a salir sin parche y se convirtió en un voyeurista de la escena, un observador alucinado con la vestimenta y la actitud de la gente, pintas heredadas del underground inglés con pantalones remangados, las “grullas” y peinados indomables. En los bares de este barrio tradicional se encontró también con nueva música que, según él, lo sacó del metal y le abrió el mundo del industrial, algo que lo marcó con bandas como Ministry, Front Line Assembly, Front 242, Nine Inch Nails en sus inicios y Pig Face, que no era industrial del todo pero tenía una gran actitud post apocalíptica. Con ese despertar musical atravesado por la violencia latente de su entorno, Piñeros comenzó a crear narraciones que posteriormente estarían plasmadas en las letras de Ultrágeno. Pero antes de llegar allí tenía que pasar de ser un mero observador a participar activamente de la escena. Esto lo logró con Catedral, una banda experimento de grunge bogotano que fundó con Tomás Rueda (hoy cocinero), Miguel Navas (que ahora mezcla papayera con electrónica) y Andrés Crump (baterista), compañeros del Gimnasio Moderno con los que grabó un único disco homónimo en 1994 con la producción de José Gandour. Su canción Redes rojas se hizo famosa gracias a que fue utilizada como cortinilla del ya extinto programa 4 Canales de la 99.1 fm, dedicado al rock nacional. A pesar del éxito inmediato de Catedral –con su primer concierto como teloneros de Aterciopelados en el bar Transilvania lleno de rockeros ávidos de pernicia– y de haber comenzado a interactuar con personajes relevantes en varios aspectos de la vida cultural colombiana, Piñeros afirma que debido a la inocencia del momento fue acumulando sensaciones de impotencia y frustraciones que evolucionaron en la urgencia de crear algo tan contundente como lo que haría con Andrés Barragán (guitarra), Juan Camilo Osorio (batería) y Santiago Paredes (bajo) en Ultrágeno. Por esta razón, Amós decidió terminar de un tajo la banda, incluso teniendo un contrato con una disquera para grabar tres discos más y se recluyó en el limbo para preparar, sin tenerlo muy claro, lo que vendría a continuación. El Divino Niño está de acuerdo con que Catedral fue una suerte de módulo de experimentación en el que Amós Piñeros comenzó a hacer conexiones entre las historias urbanas de una Bogotá gélida y convulsa con las letras que aportaría a la banda a la que lo invitaron a cantar, pero se hizo el marica un buen tiempo mientras se decidía por lo que quería hacer. Con su particular voz ronca, cuenta que cuando por fin escuchó lo que estaban haciendo era lo que estaba buscando: un sonido nuevo, rápido e inusitado que sonaba como una máquina, pero era orgánico y tocado en vivo. A Amós Piñeros hay que verlo más allá de la rudeza y confianza en sí mismo propias de un rockero y escucharle la ternura detrás de su voz rasgada; entender que es un tipo espiritual que ha tenido su buena cuota de meditación; que con los años ha sobrepasado la premura inmediata del artista y se ha concentrado en divertirse con la música con la misma obsesión de un niño que juega solo por el juego mismo. Y es que fue esa misma capacidad inocente e introspectiva de conexión con ese otro plano patafísico que nos rodea y muy de vez en cuando nos explica el mundo, lo que lo llevó a comprender su necesidad de definir y comprometerse con la urgencia de crear la bestia potente que se convertiría en material impreso en la memoria rebelde de varias generaciones bogotanas. En el diccionario metafísico ancestral que solo se consigue en estado de vigilia y se puede leer con claridad pocas veces en la vida, el término Ultrágeno aparece reseñado de la siguiente manera: “Ultrágeno, m. Del español libre ‘ultraje-’ y ‘-no’. Elemento químico gaseoso de coloración verde que al ser liberado se propaga en cuestión de canciones en la conciencia de la Razafuria*. Simbología: representa la esperanza”. * Razafuria, f. Población de procedencia inexplicable, colectivo intangible muy diverso que somos nosotros, quienes nos relacionamos; los que tenemos inquietudes y los que no. Es una entidad con la posibilidad de matar o crear vida, construir o destruir en cualquier momento. Bajo los efectos de este gas difícil de contener, Piñeros escribió las siete letras que grabaron para el primer demo de la banda y cuenta –con la mirada de quien recuerda algo innegable– que gracias a la falta de duda entró en un estado de enajenación, casi demencia o hipnosis. Esa sensación, fuman los expertos, es un vacío libre de incertidumbre reconocible por quienes saben que tienen algo bueno entre manos; es una verdad ineludible porque desde adentro surge la certeza de estar en el camino correcto y solo hay que dejar fluir su impulso creador y este tejerá sin problema los nodos que conectan las figuras del entorno en beneficio de la obra. Ese letargo es un abandono, un desprendimiento confiado que es justamente lo que Amós Piñeros continúa buscando desde entonces en sus proyectos artísticos, ese algo más grande que él que lo convierta en instrumento. Así nació Ultrágeno, una furia poética con lírica ritual ligada al hardcore; una banda cargada de metáforas y verdades entre líneas para ser discernidas solo por quienes estén muy atentos a la poesía y al mensaje revolucionario tras lo evidente. Es una mezcla de letras rítmicas con melodías tribales –a veces gitanas– que cuentan la historia rabiosa y mestiza de una Bogotá abandonada en los Andes. Una gran muestra de esto es su canción La inconvenientemente (Ultrágeno, 1997), que reúne la nostalgia feliz de un violín gitano con una percusión vertiginosa y riffs pesados y convulsos. No, ultraje no, pilas. Esta banda tuvo una vida activa relativamente corta pero bastante fructífera, en pocos meses pasaron de amenizarle la velada a las lechonas de los bazares a llenar bares de Razafuria en el centro de la capital. Tocaron en Lizard King, de Jorge Escandón, ahora dueño de Bazurto Social Club en Cartagena; en un sitio llamado San Paul, en lugares pequeños de la 82 y otros cuantos chuzos de la carrera Séptima. Aunque nunca hicieron giras internacionales, consiguieron establecer una fuerte escena en el circuito local. Peinándose la cresta canosa hacia atrás, Piñeros dice que les hizo falta olerse los peos en una gira larga en Europa, pero alcanzaron a tocar para cien mil personas en varios conciertos importantes que quedaron en la historia del rock bogotano. En este momento el Divino Niño nos pone atención, deja a un lado su Tinder y toma la cámara para llevarnos a la Media Torta en 1997 –año en que Rock al Parque pasó a ser un proyecto del programa Cultura Ciudadana de la Alcaldía Mayor de Bogotá–, busca entre doce mil mechudos y encuentra a un personaje de rastas pero no rasta, un viejo zorro de la producción de conciertos que ha cabeceado y trabajado en todas las ediciones del festival Rock al Parque, Hugo Ospina, de Roadie Colombia. De ese día destaca las presentaciones de A.N.I.M.A.L. –banda con la que Ultrágeno produjo el segundo disco–, Control Machete, Kraken y Estilo Bajo, quienes rockearon frente a un público “muy bacaneao”, afirma el señor del Salón de la Desquicia. Después de ese día Ospina se convirtió en el stage manager de la banda. Piñeros recuerda con mucho cariño un concierto en la Universidad Nacional y el riot y la destrucción parcial del Tower Records del Centro Comercial Andino en 1999. Antes de volver al presente, vamos un segundo al barrio El Vergel, en el que durante un toque Amós se lanzó a surfear sobre la audiencia, alguien le quitó la billetera, pero luego se la devolvió. Está registrado en video. Aquí vendría bien un ron. En una época sin Internet, la vivencia cotidiana presionada por la violencia, los posibles secuestros y en general la polarización del país, llevó a varias bandas a tener la necesidad de convertirse en juglares rebeldes y narrar su historia sin importar el género musical. Piñeros menciona a La Derecha y 1280 Almas como ejemplo de las agrupaciones que tocaron temas sensibles y se convirtieron en banda sonora de esos tiempos. Aquí recalca la diferencia entre lo análogo y lo digital para decir que a ellos les tocaba salir a las calles con volantes para hacerse escuchar. Para él, los grupos de finales de los años noventa fueron los abanderados del último coletazo de la era análoga. Con el comienzo de siglo llegó el fin de la era Ultrágeno. Eran muy jóvenes, estaban terminando sus carreras y Amós Piñeros estaba agobiado de Bogotá, se sentía encarcelado en la ciudad. Parece injusto para la Razafuria. Fue una decisión tomada por la encrucijada en la que convergieron cuatro vidas con múltiples futuros posibles: Santiago Paredes está radicado en Dinamarca; Juan Camilo Osorio es arquitecto en Nueva York y Andrés Barragán tiene una editorial en Bogotá. Piñeros se fue a vivir a Barcelona, regresó en 2002 para la grabación del disco Código fuente con el sello MTM. Estaban en el punto perfecto para crecer, pero era evidente que iba a ser imposible continuar. Amós Piñeros siempre ha reflexionado sobre la actitud frente a la vida y como músico, una postura que supo perfeccionar con sus múltiples trabajos en Barcelona: “Estaba aprendiendo a ser nadie”. Cargó bultos de arena, repartió toallas y manteles, vendió falafel, fue repartidor de volantes, obrero de construcción, encantador de guitarras y psicólogo de hormigas, lo que hiciera falta para pagar los recibos y, como en Europa se puede vivir dignamente y tomar vino e ir a la playa con un sueldo bajo, tuvo tiempo para jugar. En esa época sin expectativas dramáticas de alcanzar el éxito o crear una escena, alejándose de las urgencias del músico amateur que abandona el arte por la necesidad de triunfar, Piñeros recibió un estudio de producción de un amigo de Berlín y se dedicó años enteros a experimentar. En esos días nació Uno Sound con Pol Moreno; La Fe; Tote, banda de metal; La Rola, rock clásico que duró una temporada y Amós y Los Santos, creado en Bogotá y trasladado a Barcelona. El abandono de deseos ulteriores en estos proyectos hizo que Piñeros entendiera el desentendimiento necesario para crear. Pero la historia de Ultrágeno tuvo, por ahora, dos entradas más que le devolvieron a la Razafuria la emoción ruda de los noventa. En 2007, celebrando los 10 años del primer disco y a manera de reunión de las bandas que participaron en las primeras versiones del festival, fueron convocados para tocar en Rock al Parque. De esa fecha quedaron en el limbo varias ideas que fueron concretadas diez años más tarde. Dos décadas después, en la Bogotá dividida por trinos en Twitter, esa ciudad de 2017 en que las calles siguen oliendo a susto y afán de grito, que sirve de escenario desafortunado para la creación de muchas bandas y el despertar de otras que hoy son leyenda, la Razafuria se estremeció con el lanzamiento de un nuevo sencillo de Ultrágeno: “Lo que tengo” y su regreso triunfal con dos fechas llenas a reventar en el Auditorio Lumiére. Además, se produjo la grabación de un disco en vivo y un documental de la banda. Fin de la entrevista. Amós es un tipo delgado y fuerte, ya canoso, enérgico y con ojos de niño. Me cuenta que lo que venga es un regalo, tiene muchas ideas pero no las va a forzar. Mientras guardo el celular con la entrevista y miro los apuntes en la agenda, con mucha inocencia le pregunto cuál cree que sea el legado de Ultrágeno. Duda, pero no tanto. Mira de frente y piensa en lo que define como la conexión, cree que su banda es una excusa para que la gente sienta emociones y acciones con las que se identifica: “La enajenación es nuestra herencia, la entrega y desprenderse de pensar por qué y para qué y solo hacer las cosas, ese es el espíritu de lo que quiero que hereden las nuevas bandas: hagan lo que los motive y los llene, entréguense que la gente agradece mucho eso y entra en sinergia. Se trata de reinterpretar y hacer de la vida un rito”. … *Esta es la versión completa de la crónica que el Doktor Chiflamicas publicó en Cover Up Magazine el año pasado.
Viene la Met Gala 2024 y aunque es un evento clave para los fanáticos de la moda, gracias a las redes sociales en los últimos años se ha convertido en un fenómeno de Internet. Aquí todo lo que hay que saber de la Met Gala 2024: ¿Qué es la Met Gala?La Met Gala es un evento benéfico que busca recaudar fondos para el Instituto de vestuario del Museo Metropolitano de Arte. Al evento asisten importantes figuras de la moda, la música, el cine y la cultura. El evento marca la inauguración de la exposición anual de moda del Instituto. ¿Cuándo es la Met Gala 2024? Este evento suele ocurrir el primer lunes de mayo y este año no será la excepción. La Met Gala 2024 se llevará a cabo el lunes 6 de mayo en la ciudad de Nueva York, en el Museo Metropolitano de Arte. ¿Cuál es el tema de la Met Gala 2024?La Met Gala 2024 celebrará la exposición del Instituto de vestuario llamada Bellezas durmientes: el despertar de la moda, y el código de vestuario oficial es El jardín del tiempo. Si bien no es obligatorio, se espera que los invitados sigan el código con propuestas arriesgadas y vanguardistas. El código de vestuario está inspirado por un cuento del mismo nombre escrito por el autor J.G. Ballard en 1962. Puede interpretarse de innumerables maneras. Es probable que veamos muchos looks florales y botánicos. La exhibición contará con aproximadamente 250 artículos raros extraídos de la colección permanente del Instituto. Las piezas, que abarcan más de 400 años de historia de la moda, incluirán diseños de Schiaparelli, Dior, Givenchy y más.Algunas prendas que son demasiado frágiles para volver a usarlas, como un vestido de fiesta de Charles Frederick Worth de 1877, también se mostrarán mediante animación de video, proyección de luz, IA, CGI y otras formas de estimulación sensorial.¿Dónde ver la Met Gala 2024?Lo que ocurre dentro de la gala es de carácter privado, pero lo que todos queremos ver (la alfombra roja) suele transmitirse via streaming a través de Vogue.com.Seguro no se van a perder ninguna pinta luego de verlas todas en los innumerables memes que circularán en redes. ¿Quién será el anfitrión de la Met Gala 2024?Los presentadores de la Met Gala 2024 son Zendaya, Jennifer Lopez, Bad Bunny y Chris Hemsworth. ¿Quién está invitado a la Met Gala?Hasta la noche anterior al evento, la lista de invitados es ultrasecreta. Pero algunos de los nombres más importantes del negocio asisten regularmente, desde Beyoncé y Gigi Hadid hasta Madonna y Rihanna. La mayoría de las veces, los diseñadores asisten con sus musas: piense en Marc Jacobs y Kate Moss, o Nicolas Ghesquière y Emma Stone. ¿Por qué se visten tan raro en la Met Gala? Dado que, a diferencia de otros eventos como los Oscar o los Grammy, el foco en la MET Gala es la moda, se espera que los invitados asistan con sus atuendos más arriesgados. No está bien visto que usen pintas "seguras": la idea es tomar riesgos y hacer verdaderas declaraciones con su vestuario."La MET Gala le da la oportunidad a las celebridades de experimentar y hacer cosas que normalmente no harían en otras alfombras rojas. Eso es lo que la hace tan especial", nos contó en 2019 Brad Goreski, asesor de imagen y co presentador de Fashion Police, de E! Entertainment.A diferencia de las alfombras rojas tradicionales en Hollywood, ésta es una en la que más que pensar en qué les luce, los famosos deben pensar en cómo pueden ser el mejor complemento para el traje del diseñador. Mientras otras galas sirven para celebrar sus logros, aquí la moda es protagonista. Igualmente, aquí los diseñadores pueden dar rienda suelta a su creatividad a un nivel que no permiten otros eventos.“(La MET Gala) se trata exclusivamente de la moda. Es la culminación de la imaginación de un diseñador, la artesanía de su respectiva casa de modas y el desafío de interpretar el tema, sin dejar de conservar la estética y la integridad del diseñador. Es un escaparate de la moda en su forma de arte más pura ", declaró la estilista de celebridades Rebecca Corbin-Murray en Harper's Bazaar.
Kendrick Lamar está de regreso con otra canción dirigida a Drake titulada Not Like Us. "Intentaste tocar una nota y probablemente sea La menor", rapea Lamar en la canción en la que afirma que al canadiense le gustan las menores de edad."Drake, escuché que te gustan jóvenes. Será mejor que nunca vayas al bloque de celdas uno. A cualquier perra que hable con él y lo ame, solo asegúrate de esconder a tu hermana pequeña. [...} Amante certificado... pedófilo certificado". La portada del sencillo muestra la mansión de Drake en Toronto con varios marcadores de aplicaciones de delincuentes sexuales puestas en la parte superior de la casa. Kendrick que afirma que Drake y varios miembros de su séquiro han cometido delitos sexuales.Kendrick también criticó a Drake por colaborar con numerosos artistas de Atlanta a lo largo de su carrera, como Future, 21 Savage, Lil Baby y más. Según Lamar, todas esas colaboraciones no son más que Drake usando a los raperos antes mencionados para obtener "falsa credibilidad callejera". También dice que Drake no es "un colega" sino más bien "un maldito colonizador".Not Like Us llega inmediatamente después de otro "diss track" de Lamar: Meet the Grahams, en donde acusa de Drake de negligencia parental y explotación sexual. Apenas unos minutos antes de este lanzamiento, Drake lanzó una canción llamada Family Matters, en la que critica a Lamar y su supuesta relación fracturada con su prometida Whitney Alford, que, según él, está llena de infidelidad“Tú, el mesías negro, preparas una reina mixta. Y le das crema de vainilla para ayudarte con tu autoestima. En algo de Bobby, quiero saber qué necesita Whitney”, dice el canadiense. Antes de eso, Kendrick lanzó Euphoria y 6:16 in LA, mientras que Drake compartió Push Ups y Taylor Made. Después de responder con 7 Minute Freestyle, Cole se retiró del conflicto cada vez más intenso y se disculpó con Kendrick durante el Festival Dreamville en Carolina del Norte.
Caifanes se presentó en Bogotá en un show sumamente poderoso donde la agrupación recordó algunos de los éxitos de su álbum El nervio del volcán, que celebra sus 30 años este 2024. Un momento de la presentación fue sumamente emotivo: el homenaje de la banda mexicana a Natalia Jiménez y Rodrigo Monsalve, 2 ambientalistas colombianos asesinados en 2019. La agrupación cantó su canción Antes de que nos olviden, lanzada originalmente en 1990 e invitó al escenario a Ximena Cáceres, madre de Natalia. "Antes de que nos olviden, haremos historia, no andaremos de rodillas el alma no tiene la culpa", dice la letra de la canción. De acuerdo con Monterrey Rock, la canción tiene origen en la Matanza de Tlatelolco, ocurrida el 2 octubre de 1968.¿Quiénes eran Natalia Jiménez y Rodrigo Monsalve?En 2019, Natalia Jiménez y Rodrigo Monsalve, recién casados que llevaban 15 años viviendo juntos, fueron encontrados trágicamente muertos luego de emprender un viaje para celebrar su luna de miel. La pareja trabajaba en investigación ambiental. Interceptados por desconocidos mientras se dirigían al departamento de La Guajira, sus cuerpos fueron descubiertos posteriormente con la cabeza cubierta, las manos atadas y evidencias de heridas de bala. El evento provocó indignación en redes sociales y miles de usuarios pidieron justicia por la pareja con el HT #NataliayRodrigo. El crimen fue una alerta a situación de seguridad que enfrentan los trabajadores sociales e investigadores ambientales en zonas de conflicto en toda Colombia. Si bien a finales de 2019, un hombre conectado al caso se habría entregado, de momento no hay justicia por este crimen. "Sigo insistiendo que Natalia hacía labores con comunidades de Cauca y Magdalena, eso no le gustó a las personas que manejan la Costa Caribe", dijo Cáceres, en entrevista con Caracol Radio.
El 3 de agosto será la primera edición de La Eterna, un evento que debutará en el marco de la Feria de las Flores 2024 en Medellín. Les contamos de qué se trata este nuevo festival. ¿Qué es La Eterna?“La Eterna es una experiencia tipo festival nunca antes vista en el marco de la Feria de las Flores. Para los fanáticos de la gozadera tendremos capacidad de más de 42.000 personas en el Estadio Atanasio Girardot con dos zonas alternas del estadio con experiencias diferenciales, dos escenarios -uno de ellas en tarima 360º- e infinitas experiencias que nos permitirán realizar una eterna fiesta en la ciudad”, explica en un comunicado Henry Cárdenas, CEO de CMN.“El Festival de las Flores nace para celebrar con orgullo nuestra antioqueñidad, nuestra música y nuestra cultura. Medellín es una tierra abundante, de personas pujantes y que no tienen freno a la hora de gozar. Sin duda es la capital eterna de la música. Por eso presentaremos ritmos desde el reggaetón, la salsa, rancheras, merengue y mucho más”, agregó Carlos Franco, CEO de Breakfast Club.¿Qué artistas estarán en la primera edición de La Eterna?De momento no se conoce el cartel de La Eterna. Los artistas se anunciarán el próximo 10 de mayo, al mismo tiempo que salen a la venta las entradas del evento. ¿Dónde comprar entradas para La Eterna?Los interesados en asistir pueden adquirir sus boletas con precio especial desde el viernes 10 de mayo a las 10:00 a.m. en la página web Taquilla Live.
Hay casi un 40% menos de contenido sexual en las grandes películas que a principios del milenio. Esa fue la conclusión principal de un informe encargado por The Economist al analista de datos Stephen Follows. El informe recopiló datos sobre las 250 películas más taquilleras cada año desde 2000, y encontró que las películas estrenadas en 2023 tenían poco más del 60% del contenido erótico que normalmente se encontraba entre las 250 principales en 2000. Es decir, el contenido sexual en las películas se ha reducido en un 405. Por género cinematográfico, la caída fue más pronunciada en las películas de acción (una caída de aproximadamente el 70% durante el mismo período), mientras que las películas románticas registraron muchos menos cambios, con una caída de poco menos del 20%.Al mismo tiempo, el porcentaje de películas más taquilleras sin ningún contenido sexual aumentó significativamente, de aproximadamente el 18% en 2000 al 46% en 2023. "No sólo hay menos actos sexuales en la pantalla, sino que se concentran proporcionalmente en menos películas", dice Follows. ¿Por qué cada vez hay menos escenas de sexo en el cine?Follows sugiere una serie de posibles razones detrás del declive de la cantidad de escenas sexuales, incluidos cambios en los gustos de la audiencia con una "preferencia por contenido que evita los temas sexuales por completo o los maneja con más sutileza"; la preocupación de que las escenas de sexo puedan afectar el estreno mundial “dando lugar a clasificaciones de edad o censura más restrictivas, reduciendo así el alcance potencial de una película”; y la creciente influencia de los “coordinadores de intimidad”, que toman protagonismo después del #MeToo y la importancia de espacios ¿Qué son los coordinadores de intimidad?La coordinación de la intimidad es un campo relativamente nuevo y en crecimiento, de acuerdo con CBS News. La primera producción en contratar y acreditar a un coordinador de intimidad designado fue "he Deuce de HBO, protagonizada por James Franco y Maggie Gyllenhaal, que se estrenó en 2017 y describió la industria del porno en la ciudad de Nueva York de los años 70.Hoy hay más de 100 coordinadores de intimidad certificados que trabajan en sets de cine y televisión. Su salario está más o menos en línea con el de los coordinadores de especialistas, cuyas tarifas mínimas fija el sindicato son alrededor de 1.500 dólares por día. Ganan, en promedio, entre 60.000 y 90.000 dólares al año.