Dicen que el que gana cuenta la historia. Y cuando hablamos de la vida nocturna, también, los ganadores han sido los del norte del mundo. Por eso sus lugares emblemáticos se pasean en nuestras cabezas aun cuando hayan estado de moda décadas atrás. Electronic Circus, Studio 54, La Haçienda o Fabric hablan de ciudades y épocas de la fiesta. El lugar de peregrinaje para la fiesta de nuestros tiempos es, sin duda, Berghain, en Berlín.Los latinos, y los caribeños en particular, que nos creemos reyes del mambo, dudamos de que alguien nos pueda poner la pata en la fiesta. En el mundo blanco que nos tocó muy pocos fiesteros tienen idea de cómo se vive la noche en estas latitudes. Lo mismo podemos decir de nuestros artistas, ritmos y fiestas locales. Ídolos con recorrido como Los Corraleros del Majagual, Alfredo Gutiérrez o Etelvina Maldonado solo se escuchan en pequeños círculos alternativos fuera de su tierra de nacimiento. Pero esta noche se juntaron ambos mundos.Lean también | Los clubes de Berlín ahora son instituciones culturalesUna diosa caribe en BerghainUn amigo dj jordano, al ver las fechas de un viaje grupal a Berlín, saltó emocionado cuando se enteró de que coincidiríamos con la cartagenera Edna Martínez. Su nombre aparecía en el cartel de la segunda parte del CTM Festival, que se celebraría la medianoche del 27 de mayo en el Panorama Bar del Berghain, templo y ritual supremo para cualquiera que busque fiesta.Era el 27 de mayo de 2022 y el lema del festival era algo así como “Volvernos a tocar después de dos años de pandemia”. Así que a eso llegamos. Para poder entrar había que enfilar quinientos metros hasta la entrada del club. Mientras esperábamos, necesitábamos de la charla típica de preparación para que nos dejaran entrar al templo.El Berghain no solo es conocido por la fiesta, sino porque hay un código que nadie sabe para poder acceder a él. Elon Musk y Paris Hilton figuran entre la larga lista de famosos a los que no dejaron entrar.Íbamos cinco personas atraídas por el nombre de Edna. Con algo de maña y mucha suerte logramos entrar con dos de mis panas. Yo volvería por los dos restantes en unos cuarenta minutos a la entrada principal. Pagamos la entrada, nos pegaron sellos a las cámaras de los teléfonos y avanzamos por el amplio recibidor del club berlinés.Subimos las escaleras hasta la sala principal. Juanca, un dj rolo que nos guiaba, nos hizo el respectivo recorrido por el enorme y laberíntico espacio. Nos encontramos con 18 metros de alto de puro acero y concreto con uno de los más grandes sistemas de sonido Funktion-One en su pista principal dedicada al techno. El libertinaje y el hedonismo de todo tipo de cuerpos y expresiones sexuales le pintaron de sorpresa la cara a nuestro invitado jordano.Atravesamos la sala principal por el extremo más alejado del DJ para llegar a unas últimas escaleras que nos llevaron al Panorama bar. Esta sala, con un sonido de Studt Akustik, es la más ecléctica. Edna ya estaba dándole. La percusión del bullerengue casi me hace llorar. A ella no se le veía, porque allí no hay tarima, pero buscamos aproximarnos lo más posible con el parche en medio de una felicidad imposible.La felicidad de sentirse dentro de algo en lo que se ha estado hasta ahora como invitado era indescriptible. Mirar sin poder tocar.A la música electrónica le entré más tarde que a otros ritmos anglo como el punk o el metal. En el techno me inicié por Depeche Mode. Cuando pequeño, en las fiestas caseras, quizás alguna canción disco se nos colaba; en mi adolescencia el house que conocía se reducía a las tres o cuatro canciones que la discoteca en Neiva solía poner de Technotronic, Black Box o Deee-Lite.Cuando viajé a Medellín y Bogotá estuve en los raves y fiestas de dj locales y fui a ver “el mejor DJ del mundo” que cada ocho días pasaban por la capital. Pero oír música del caribe colombiano en mezclas electrónicas no lo puedo explicar más allá de la palabra felicidad. Y un bacán me dice, mientras bailábamos, “tu papá acá ahora mismo sería el rey”.Y cómo no. Si Neiva, la tierra en la que nací, era un pueblo con tres emisoras en FM y dos eran de música tropical. Sentir la música de las fiestas de mi pueblo, de mi mamá y papá en un sitio como estos fue como ver a Egan ganar el Tour de Francia en París. Todo gracias a Martínez.El asunto va más allá del origen de nuestra DJ y se planta en la resistencia musical de su selección afro caribe colombiana. Los currulaos y la cumbia, San Jacinto y San Basilio de Palenque, Petrona, Etelvina y Rafael Cassiani estaban ahí junto a tantísimos otros y una nostalgia vivida.Las lágrimas de alegría llegaron al reconocerme en los sonidos que Martínez seleccionó para celebrar su raíz, su origen y el mío. En medio del éxtasis se me olvidaron los otros dos colegas por un rato. Bajé y ellos en la puerta tan puntuales como suizos. Subimos rápido para el remate de Edna. Me acerqué a darle las gracias, pero ella estaba emocionada con su gente.Después le pedí una entrevista. Tenía muchas preguntas, pero el tiempo fue escaso y todo se resolvió con algo más frío de lo esperado. Quedamos en un intercambio de correos electrónicos. Acá sus respuestas.***¿Cómo te iniciaste en la música?Nací y crecí en la costa caribe, un lugar musical de por sí, creo que no hay un espacio allí que no logre relacionar con algún sonido o canción particular. Ya sea que provenga de un radio pequeño, de alguno cantando, o de un picó, el sonido está presente en todo lugar, en la casa, donde el vecino, en las calles.En mi casa hubo equipo con tornamesas, había discos y casetes de música popular. Estando muy pequeña fui la integrante menor del coro de la iglesia, un coro que dirigía una monja italiana. Con este coro tuvimos presentaciones en diferentes pueblos, fue divertido.Siendo colombiana y caribe, ¿cuáles fueron tus influencias en esos ritmos de caribes? ¿Cómo era el parche para esos sonidos? ¿En qué ciudad? ¿En qué época?Creo que va desde la lírica del vallenato, el espíritu de la soca, el jazz afrocubano, la intensidad del jibaro y el bullerengue, la fuerza de la champeta, e incluso de melodías árabes. El espectro es muy amplio pero la búsqueda creo que es personal, entonces no podría ligarlo como a un parche o boro en específico. En general cuando se vive en Cartagena, se está en contacto con la cultura picotera tradicional que ha promocionado músicas de diferentes partes del mundo y eso es una dicha.¿Cuándo y cómo pasaste de escuchar y bailar a poner los discos para hacer la fiesta?Me gusta mucho el baile y la música. Estando en Europa he aprovechado la escena que es bastante diversa para ampliar el horizonte. Ya de adolescente coleccionaba música y hacia compilaciones en CD que vendía, aquí empecé quedando a cargo en las fiestas y reuniones con amigos. Luego, estando más cerca, me pidieron que seleccionara la música en un bar donde la dj no había llegado esa noche y así comencé, sin buscarlo realmente.¿Cuál fue tu primera vez en Berghain/Panorama como público y luego como dj?Fui a la fiesta de Addison Groove cuando tocaba bajo el nombre de Head-hunter, un dj de Bristol de Juke y fue impresionante el sonido, como dj ahora el pasado 27 de mayo. ¿Qué significa para vos ese sitio?Bueno, es un sitio con una energía única y con un halo de exclusividad porque se concentra en la experiencia sensorial y sonora.No vive de stories en Instagram o de social media sino de ofrecer un espacio único en el mundo a quienes vienen a este lugar por la música como sinónimo de libertad en un ambiente particular.La música electrónica y la afrocaribeña comparten una base, siento yo. ¿Estás de acuerdo vos? ¿Cómo se te ocurrió llevar lo caribe hasta el punto de llegar a Panorama?La música electrónica de Cartagena es la champeta en cuanto tiene componentes como sintetizadores, drum machines etc. A mí me interesa el sonido de los 90, la champeta criolla y sus búsquedas.
El viernes 7 de octubre en Llanogrande, Antioquia, se realizó la primera edición del Road To Ultra Colombia en Medellin. Un evento que hace muchos años se había hecho en Bogotá y que volvió para celebrar el impacto global que sigue teniendo el EDM en el país y en el continente.El evento tuvo todo tipo de comentarios, videos virales en TikTok y muchos tweets. Así que vamos a contarles cómo nos fue a nosotros. Lo chimbaEl evento tenía cuatro DJ poderosos, figuras mundialmente reconocidas y unas leyendas del movimiento. Sus presentaciones se realizaron en el horario principal entre las 10 de la noche y las 4 de la mañana, horarios que son los preferidos por los seguidores del EDM.El escenario fue digno de los invitados, un stage amplio, con pantallas grandes, un juego de luces que pocas veces se ve en el país, rayos laser e iluminación apropiada que conectaba con la propuesta de los DJ. Hubo muchos juegos pirotécnicos que le aportaron mucha emoción al Road to Ultra Colombia.Los actos nacionales tuvieron su set en el mismo escenario de lo grandes: no tuvieron que tener una tarima más pequeña, todos se presentaron en el mismo espacio.Los DJ internacionales tocaron música colombiana para hacer que el evento tuviera un tinte muy nuestro. Hubo música de Balvin, Shakira, Karol G y más en los set.LO BUENOPara ser la primera edición en años tuvo muy buena acogida por parte del público. Se estima que más de 25.000 personas llegaron a Llanogrande para participar del evento.Previamente se había informado que el lugar no se volvería un barrial en caso de que lloviera. Lamentablemente no fue así y muchos se confiaron de eso.El público que aguantó la lluvia y el barro y decidió quedarse a disfrutar de los actos principales merece todos los aplausos. Además, nunca se vio vacío el espacio porque siempre contó con asistentes que dieron todo de sí para gozarlo.Aunque hubo pequeñas fallas de sonido, toca decir que el nivel de audio estuvo grandioso.LO MALOLas vía de acceso al lugar fueron muy complicadas para que el ingreso fuera lo más fácil posible.Muchas personas demoraron hasta cuatro horas para llegar al evento desde Medellín y la organización no ayudó a informar que probablemente hubiera caos en la vía. Alimentación y bebidas del festival tenían un costo más elevado del que el público está acostumbrado en eventos especiales como este.No había espacios para el descanso de las personas que llegaron desde temprano al evento, por lo que al llegar la noche ya estaban ultra cansados. Algunos asistentes contaron que la ubicación de los palcos era diferente a la que habían imaginado una vez compraron sus entradas. El costo del parqueadero estaba extremadamente caro y llegar al lugar en Llanogrande no era nada fácil.Lo terribleLlovió mucho e ingresar al lugar del evento fue una odisea para todos. El barrial no permitía que nadie quedara exento de ensuciarse.Incluso adentro para acercarse a la zona de comidas no había forma de pasar sin enfrentarse a un charco porque no hubo muchas plataformas para evitar el barro.No se informó de que era probable que el clima afectara los terrenos y eso hizo que muchos no fueran vestidos ni preparados para el barrial.Si tienen en cuenta los comentarios de los asistentes, Road To Ultra en 2023 puede ser una experiencia mucho más amena.
Hace doce años nació en Londres el Boiler Room, una de las plataformas más relevantes para la música electrónica, no solo porque desde entonces se han dedicado a fichar a las y los productores y dj más relevantes del momento, sino porque desarrollaron un adictivo formato audiovisual que muestra todo el frenesí de esas fiestas y toques en vivo. Además de hurgar en todas las esquinas de géneros como el techno, house, trip hop o dub, su mirada ha comenzado a expandirse física y artísticamente a lo que sucede fuera del “primer mundo”.Por Juan Pablo Castiblanco Ricaurte // @KidCastiColombia apareció en el mapa de los Boiler Room en el 2015 con un interesante mano a mano entre exponentes de los sonidos tradicionales de la electrónica, y otros más divergentes como el propio Mario Galeano, cabecilla del Frente Cumbiero. En el 2019 hubo otro especial desde el Festival Tatacoa, y hace un mes, patrocinado por una marca de whisky, se hizo una radiografía de lo más fresco que está sucediendo con el reggaetón en Medellín, en una curaduría liderada por Sky Rompiendo. Aprovechando su visita a Colombia, el equipo de Boiler Room y el sello TraTraTrax –cofundado por el paisa JP López, más conocido como Verraco– decidieron hacer otra sesión de sus memorables desmadres, esta vez con la misión de convocar los sonidos más bastardos y mestizos de la electrónica local.Verraco y Joe Cotch (curador de Boiler Room), idearon un capítulo memorable de estas video-fiestas-compilados. Además de convertirse en el primer Boiler colombiano que no se hacía en alianza con una marca comercial, fue un momento para salir de zonas seguras, incomodar los oídos, y preguntarse por las fronteras invisibles que se han creado entre géneros.La propuesta de TraTraTrax para este evento (con la producción de Nicolás Pava) fue hacer una muestra en vivo de su curaduría de sonidos mestizos que, desde el techno buscan trascender las estéticas de sonidos latinos como el dembow o el reggaetón, y pensarse cómo será el perreo del futuro: cruces bastardos que responden a tiempos donde todo se hace más fluido y menos binario. El cartel estuvo compuesto por el propio Verraco, junto a Lomalinda, Nick León, Luca Duran, Sophyaa y Amantra, y como anfitrión y presentador, el rey de las redes, Jasonacas. La locación fue un restaurante-mirador en Medellín, perfecto para la intención de Verraco con esta sesión: “yo quería hacer un proto-privadito, darle esa vibra de estética kitsch-guarachera, pero ajustándole la tuerca y que se viera la ciudad en todo su esplendor".En el 2017 Verraco ya había cofundado el sello Insurgentes junto a su amigo, el también dj Lomalinda. En ese momento su propuesta estaba muy inspirada por influencias del sur del Reino Unido, más cercanas a lo experimental, contemplativo, el tecno y el IDM. El terreno allanado por Insurgentes permitió que surgiera otro sello, TraTraTrax (de nuevo, Verraco y Lomalinda al mando, más Nyksan), donde se han permitido experimentaciones más radicales, pensando cómo será el perreo futurista, y extendiendo su catálogo a más artistas de la región. TraTraTrax está cocinando un compilado imperdible que incluirá a artistas consagrados como Nicola Cruz o Dengue Dengue Dengue, junto a nuevas propuestas locales.Hablamos con Verraco sobre este épico capítulo para la electrónica local, y algunas ideas revoltosas desde la pista de baile.Hay un concepto transversal en ese Boiler Room que es el mestizaje, la estética del collage, de irrespetar los límites, generar una nueva estética, la de lo híbrido. ¿De dónde viene eso?Eso que decís es clave porque son nuestros cimientos. No es sacudir por el solo hecho de hacer algo kitsch, sino que es natural. Crecimos escuchando reggaetón y también tecno, entonces hay unas intersecciones muy interesantes que estamos explorando. En este mundo conservador technero-housero, que es súper aburrido, seguro y blanco, no se dan cuenta de lo que pasa y van super lento. Por eso es que al principio nos tiraban jebita los que nosotros llamamos los "tecno-tombos", porque son extremadamente conservadores; creen que son avanzados, pero no. Es hacerle la gambeta a la forma en la que nos aproximamos al tecno desde una postura muy colonial, aspiracional de ciertos dj muy grandes de afuera que igual no estaban empujando ningún límite.Ahí también operan muchas lógicas de clase y exclusión, de querer pertenecer a una sociedad de afuera, negando lo propio. Absolutamente. Eso es demasiado fuerte. Cuando yo estaba en la universidad e iba con las amiguitas por ahí a perrear, iba con un susto porque donde me viera alguien de la escena me cancelaban. En los parches tecneros aún está muy profunda esa mirada clasista.En el manifiesto de tu sello Insurgentes mencionas que "bailar es política". Y es interesante porque es abrir nuevas concepciones sobre lo político que puede ser el rave. Surgió como un espacio de libertades personales, consumo de drogas, pero esto es otra forma de proponer esa política, con la reivindicación regional, preguntarse desde dónde estamos hablando.Siempre lo ha sido, porque si vos revisás cómo empezó este movimiento desde principios de los 80 en Chicago o Nueva York, fue desde una aproximación más queer, desde un espacio seguro que se armaron para que no los mataran. En Detroit el tecno fue una forma de escape del día a día tan áspero que había en esa época por la depresión económica. En Berlín, con la caída del Muro, el rave o la pista tuvo su importancia.Siempre la variable política ha tenido que estar ahí. El rave tiene que ser político por las variables que planteas. Está en juego la identidad, el género. Se diluyen un poco las clases que es de lo más hermoso. Es un espacio para coexistir que igual sí tiene unos valores muy claros que en Colombia entraron un poco en reversa. Aquí se asumió el rave como una manera no tan horizontal sino más elitista y apenas está cambiando.Otra cosa que he pensado estos días es que la pista es un espacio público. Estoy tratando de entender cómo aproximarme a las entidades culturales, a las administraciones locales para que entiendan eso también, que es donde se está juntando mucha gente y por eso le tienen que poner más atención y dar más apoyo también. Ojalá salgan otras iniciativas, que rompan con el eje tradicional de sitios como Baum, Videoclub, Kaputt, que son muy buenos, pero ahorita no te imaginas la cantidad de pelados que están haciendo fiestas, nuevos promotores.Falta mucha pedagogía para que, por ejemplo, los clubes cambien muchas cosas como como el precio del agua, o que se regale. O cómo es el planteamiento de los clubes por crear espacios seguros; cuáles son sus políticas generales del sitio; qué están haciendo para tener protocolos en situaciones de acoso. Hay un montón de cosas que apenas se están comenzando a tocar, y claro, necesitamos esas pequeñas disidencias que planteen esas cosas.En los toques del Boiler incluiste un track de Arca, que ahorita también es de las artistas más vanguardistas que hay, y que también se está haciendo esa pregunta por el dembow del futuro. ¿Qué piensas de su música? Para mí Arca siempre ha sido referente por todo lo que vos enunciaste, y también porque sónicamente es increíble. Ahora en TraTraTrax vamos a tener a Cardopusher Safety Trance que es un venezolano en Barcelona que suele colaborar mucho con ella. Si vos hacés una disección de los otros sets, vas a encontrar muchas de esas disidencias, no tan grandes como Arca, pero más frescas de gente que está tratando de hacer vueltas desde un iPad o un computadorcito con Fruity Loops quién sabe dónde.Dentro de toda esta idea de repensarse la electrónica hay que hablar de un género muy polémico atravesado por todas estas conversaciones sobre clase y género: la guaracha. Como todo lo kitsch, comienza con ser rechazado, pero luego se vuelve popular. ¿Cómo te relacionas con ella?Es muy interesante abordarla desde el punto de vista sociológico. Ahí es donde se ven muchas de nuestras problemáticas. Comienza asociado a una estética narco que no podemos negar, pero también hay unas variables de clasismo, de identidad que hay que aceptar: ese es nuestro tecno. La guaracha más clásica y comercial es muy limitada sónicamente hablando, pero rítmicamente hay unas cosas muy poderosas. Por eso cuando llegan productores y productoras peladas que cogen cositas de la guaracha, las emulsionan y les meten más fondo y peso, salen unas cosas increíbles. Si tú oyes Xtasis, el último release de Nick León, es una protoguaracha muy hijueputa. Es el hit mundial en este momento dentro de nuestro circuito. Es muy loco cómo para los mismos tecneros desde el principio mencionar guaracha era como mencionar el diablo. Todavía lo sigue siendo en muchos aspectos.A todos nos gustan cositas más pop y accesibles, no todo tiene que tener un grado de complejidad sonoro como para poderlo disfrutar. Dentro del marco electrónico colombiano entendimos todo al revés, se deslegitima ahí mismo, tantas cosas que se dicen de la guaracha, que tapa un fenómeno muy interesante. Obviamente se puede problematizar, sobre todo desde el consumo, su cercanía a la cultura narco, pero siento que la gente la está recibiendo un poco más. Cuando se le da el ajuste de tuerca no lo podemos negar; esto nos mueve el culo automáticamente. Lo llevamos en la sangre.Y quién sabe si todo termine llegando allá, a la reconciliación con esas cosas.Es que ahí está el alcaloide. Lo que nos emociona investigar. Es que eso es lo que no tienen afuera, está ahí para nosotros. Creo que por eso es que nos posicionamos tan rápido afuera, porque están aburridos de lo mismo, y por eso es que el foco está hacia lo que está pasando acá donde hay cosas más frescas rítmicamente.Una de las razones por las que hicimos TraTraTrax fue porque vimos cómo gente de afuera que respetamos y son referentes, hacían cosas con nuestros ritmos y se volvían reconocidos por eso. Eso fue la tapa. No puede ser, ¡la chimba! ¿Otra vez la dinámica extractivista en la que la gente saca el ritmo, le mete la blanqueadita y lo pone cool? Yo no estoy en contra de que lo hagan, a menos que sea un extractivismo descarado, pero era como que ellos estaban reclamando hacer el dembow de avanzada o el deep dembow. Eso es lo que nos empezó a hacer mucho ruido.Ya que estamos hablando de política, hace poco en redes se te vio un intercambio muy amoroso con Petro. ¿De dónde salió eso?Eso fue muy loco. En fechas especiales a mí me gusta escribir, pasar ese texto por la voz de la Siri mexicana, procesarlo y arreglarlo. Eso va personalizado según donde esté y va para las intros de los sets. Para el Baum Festival llevé varias cositas de esas y que hacen parte de la ironía que siempre he tenido. En ese momento la coyuntura electoral estaba a tope, así que decidí que el clímax del set iba a poner "se vive se siente, Petro presidente". Luego subí un videito con ese pedazo, y se empezó a viralizar. Supongo que alguien de la campaña del doctor Petro lo pilló, se lo mostraron, y el man primero me comentó, y luego lo compartió en una historia de Instagram diciendo "gracias Verraco por tu apoyo en las tornas". Lo lindo es que después me contactaron de la campaña dándome las gracias, buscando abrir un canal para ver qué hacíamos pues se venía la segunda vuelta. Vamos a ver si en un futuro se puede abrir algo ahí para abrir diálogos sobre las necesidades que tiene la noche.La expropiación de la pista.Total.Bueno, y no se puede dejar pasar esa presentación que te hizo Jasonacas donde dijo que eras, ¿filósofo de Teófilo Gutiérrez?(risas) Eso salió de una entrevista que me había hecho el año pasado Jason en sus reviews en donde él se da cuenta que uno tiene cosas más radicales, fundamentalistas y problemáticas, pero sí, soy un fundamentalista de la superioridad estética, moral y ética de Teófilo Gutiérrez. Puedo pontificar mucho al respecto.No estás solo. Gracias.Verraco tendrá toque el próximo sábado 10 de septiembre en Videoclub (Bogotá).
El sábado 9 de julio llegará al Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo nuevamente la música del productor y DJ, Julio Victoria. Como parte del proyecto que llegó a las plataformas el año pasado, en el que los beats de la música electrónica se encuentran con los sonidos de instrumentos tradicionales de orquesta. La presentación será con banda en vivo y junto a la Nueva Filarmonía.También les podría interesar: Shock y Amazon Music presentan: Julio Victoria y la expansión de colores en la electrónicaSu último álbum Lo que (se) fue (2021) fue un proyecto que surgió de la mano de Shock luego de que lo invitáramos a participar en la franja 'Shock Presenta' en el Teatro Mayor Julio Mario Santodomingo y que nos presentara uno de los shows de música electrónica en vivo más interesantes que hayamos visto.Shock Presenta: Lo que (se) fue incluye siete canciones que conectan el sonido de instrumentos tradicionales colombianos como el arpa (a cargo de Wilmer López) y la marimba de chonta (en manos de Larry Ararat) con los arreglos del maestro Pedro Sarmiento, la dirección del ganador del Grammy Latino, Ricardo Jaramillo, y una base electrónica que desde la nave nodriza interpreta el mismo Julio Victoria.Esta vez, y con el apoyo de Shock, llega con nuevos sonidos y nuevos remixes, manteniendo el juego entre lo electrónico y lo instrumental, a crear una experiencia distinta para los asistentes al concierto.El evento tendrá también un After Concert, exclusivo para los asistentes del evento, en el Teatro Estudio donde Nuclear Digital Transistor y Siegen harán un B2B con Don G.
Dos años después de Quimera (2020), su primer trabajo en plataformas, Juliana Meluk, DJ colombiana, lanzó: Paupérrimo Miserable (2022), un proyecto que explora nuevas formas de agitación corporal y deja poco espacio para la quietud y el silencio. La influencia del EBM, el darkwave y el electroclash se siente cuando nos congrega a movernos al ritmo de sonidos industriales. Una apuesta ambiciosa pero bien lograda, pues aunque la letra puede volverse algo repetitiva; los bajos, contundentes pero distintos, hacen de cada remix un baile único. Kat Yusti y Diego Veira (Ácido Pántera), DJ's de Bogotá; The Virginia Valley, de Medellín y Amantra, de Venezuela; son los encargados del "spin off" de este EP.Si bien el paupérrimo miserable al que va dirigido es un personaje ficticio, representa de una manera general este arquetipo de hombre que a pesar de que puede llegar a camuflar la misoginia detrás de una careta, la tiene latente en él. Las letras son cortas y contundentes, y continúan construyendo la historia de este personaje ambiguo.La influencia de bandas de minimal synth y minimal wave como el grupo estadounidense, Boy Harsher y la banda, Lebanon Hanover, es clara en cada track. La composición y la producción, hecha en su totalidad por ella, es influenciada por la música que escucha, como afirmó en la entrevista.También les podría interesar: Lo que (se) fue de Julio Victoria: un álbum para ver de lejos la realidadLos techneros saben que en cada set, y en cada kick, hay un intención distinta. Aunque casi siempre pretende hacernos bailar de cierta forma, como si estuvieran jalando las cuerdas de un títere de la manera correcta, también puede reflejar las emociones de la persona que lo está creando. "Fue también un escape a una situación luego de un grave accidente familiar", cuenta Juliana. La oscuridad presente en cada minuto no es gratuita. Es producto de unas sensaciones que encontraron por allí una puerta de salida abierta y la usaron.Pero, ¿quién dice que toda la oscuridad es mala?Las presentaciones de música en vivo son un ejercicio de comunicación constante. La posición en la que esta un DJ no es diferente. " Se ejerce un poder sobre las personas", menciona.La fascinación por las parte oscura, paranormal, de la vida y el misticismo que en ella se encuentra, le da a Juliana la idea para su nombre artístico. Un guiño a la magia de manipular desde la intensidad de los beats y a los espacios, habitualmente considerados oscuros, en los que este tipo de electrónica fluye.Voodoo Meluk tiene planes de dejar el país, sin embargo, afirmó que vienen varias colaboraciones. Una de ellas, que pronto estará en plataformas, es con el productor paisa de música electrónica: Brain Una manipulación, pronto internacional, hacia el disfrute y la libertad del cuerpo en la pista de baile.
Aquí estamos en 2022 con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos <u class="rte2-style-underline">un especial con reseñas de discos colombianos (álbumes de estudio y EP)</u> para que se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo <u class="rte2-style-underline">a lo mejor del 2021 en este especial</u> . Acá les presentamos Don't You Worry de Shakira, David Guetta y Black Eyed Peas.Los invitamos a escuchar nuestra playlist Recarga Local en Amazon Music Colombia.¿Cómo se dio la colaboración de Shakira, David Guetta y Black Eyed Peas?En 2020 se estrenó Girl Like me de Shakira y Black Eyed Peas, una canción que empezaron a hacer en 2007, pero que no había sido publicada porque no terminaba de conocer a los artistas. El tema fue un éxito y se viralizó primeramente en TikTok con el baile de la colombiana. Dos años después de ese suceso finalmente se da la colaboración entre David Guetta y Shakira, luego de que no se autorizara en 2018 la publicación de Mad Love, tema producido por el francés en el que cantaba la barranquillera con Sean Paul.¿A qué suena lo nuevo de Shakira?La más reciente era musical de Shakira ha tenido reggaetón con Me Gusta, electropop con Don't Wait Up y Synth Pop con Te Felicito, este tema es una pista de EDM que recuerda clásicos de Guetta como Play Hard o de los Black Eyed Peas como I Gotta Feeling. ¿De qué trata Don't You Worry de Shakira y Black Eyed Peas?El tema que contiene vocales de la cantante y los tres integrantes del proyecto habla sobre mantener esperanza en momentos de oscuridad. Claramente, fiel al estilo de los BEP, habla sobre dejarse llevar por la felicidad de la fiesta y el baile. Es una canción con un mensaje claro: vivir la vida y disfrutar el proceso a pesar de las adversidades.¿Cómo es el video de Don't Your Worry de Shakira?El clip fue grabado en diferentes países y dirigido por el canadiense Julien Christian Lutz, conocido como Director X. En él se toca una temática extraterrestre en el que los universos se unen para celebrar la vida. Hay adelantos filtrados en Twitter y se estrenará completo el viernes 17 de junio.¡La música nos une!
Aquí estamos en 2022 con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos <u class="rte2-style-underline">un especial con reseñas de discos colombianos (álbumes de estudio y EP)</u> para que se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo <u class="rte2-style-underline">a lo mejor del 2021 en este especial</u> . Acá les presentamos Una Obsesión de DISHYPE y Ale Zabala.Los invitamos a escuchar nuestra playlist Recarga Local en Amazon Music Colombia.¿Qué es DISHYPE?Es un dúo de Dj y productores colombianos que a través de la música electrónica, y colaborando con otros talentos, fusionan con sonidos propios de la música popular europea y anglo. Uno de sus diferenciadores es que se enfocan en hacer canciones en español, con elementos de la cultura rítmica latinoamérica y los sonidos colombianos. Otto Agustín Orjuela y Nicolás Mantilla Schrader son DISHYPE¿Quién es Ale Zabala?Alexa Zabala nació en Colombia, pero está radicada en Estados Unidos. Su nombre dentro de la industria musical ha tenido un impacto importante como compositora, pero también como intérprete de sus propias creaciones. En 2022 representó al estado de Florida en el concurso televisivo de NBC American Song Contest, una especie de Eurovisión para la tv gringa.¿De qué trata Una Obsesión?Escrita por Zabala, Orjuela, Scharader, Nicolas Mantilla y Juan Daniel Shool, habla sobre lo peligroso que es el estado emocional cuando alguien se obsesiona de los momentos que tiene con otra persona que vive en misterio y toxicidad para al final hacerse daño mutuo.¿A qué suena lo nuevo de DISHYPE?Sus creadores explican que "este sencillo tiene sonidos provenientes del Slap House Anglo, ritmos que se popularizaron en Colombia por el sencillo Don't Be Shy de Karol G con Dj Tiësto". El tema puede bailarse en una discoteca, un festival o escucharse en el bus o en el carro.¿Tiene video oficial Una Obsesión?Sí, está disponible en alta calidad en Youtube. El video clip tiene imágenes de archivo cuando se grabó la canción, pero también muestra a Schrader en Nueva York. Un clip que contó con el diseño, la dirección audiovisual y edición de MAPUARTE.¡La música colombiana nos une!
Above & Beyond acaban de estrenar Screwdriver, es el primer track de lo que viene para el 2022, la primera vez que lo tocaron fue en el Festival Group Therapy 450, en septiembre de este año. Este estreno salió con el anuncio de que tocarán en vivo vía streaming desde la Piedra del Peñon para el mundo. A una altura de 240 metros, y con una vista majestuosa del valle de Guatapé y su represa. Desde la cima de este famoso lugar, se realizará el concierto a 2.135 metros sobre el nivel del mar. Es una maravilla de la naturaleza al que solo se puede acceder a través de 740 escaleras construidas dentro de una grieta.Este show se podrá apreciar detalladamente, tendrán una producción impecable de cámaras y drones. El concierto se transmitirá en vivo en las páginas de Facebook y Twitch de Cercle, y también en Oculus.Después de su presentación el público en línea podrá hacer preguntas, interactuar con los artistas en una entrevista que revelará detalles de sta experiencia.Above & Beyond llevan dos décadas liderando la movida electrónica, fundadores de dos sellos discográficos (Anjunadeep & Anjunabeats), nominados a 2 premios Grammy y presentadores de un programa semanal de radio Group Therapy, emitido todos los viernes que llega a millones de amantes de la música electrónica. Según la revista inglesa Q Magazine, son catalogados como “la banda de culto más grande del mundo".Cercle es un medio francés que produce experiencias únicas, organizando, filmando y transmitiendo conciertos en localizaciones cuidadosamente seleccionadas alrededor del mundo, en ubicaciones inusuales y cuidadosamente seleccionadas.Un evento que se hace cada segundo lunes, un artista toca durante una hora en un entorno único, seguido de una entrevista en vivo. Los eventos ya se han llevado a cabo en múltiples lugares como la Torre Eiffel, el castillo de Chambord en Francia, sobre Capadocia en Turquía o incluso bajo la aurora boreal en Finlandia entre otros.La cuota nacional está a cargo de Levanah y Karim Haas. Levanah, lleva más de 10 años de trayectoria, marcado un estilo propio influenciado por tendencias como el techno de Detroit, el electro-rock y el big beat de las últimas décadas. Ella forma una amalgama sonora con las melodías retro y modernas del Indie y R&B, una puesta en escena llena de energía y luz que libera en la pista de baile.Karim Haas, Dj, Productor y percusionista, inició su carrera musical como batería-percusionista en 1996, tocando en varias bandas de rock y jazz. Su transición a la música electrónica de baile ocurrió dos años después bajo la influencia de la música house y el sonido de la música funk de los 70.
Jean-Michel Jarre es conocido por sus conciertos innovadores y multitudinarios al aire libre. Empezó desde los 70 en la música electrónica y ha vendido más de 80 millones de álbumes en estas décadas. Fue el primer músico occidental invitado oficialmente a tocar en la República Popular China y su concierto en Moscú en 1997 mantiene el récord de uno de los más grandes del mundo, con más de 3.500.000 asistentes. En 2021, el músico francés llamó la atención con una innovadora actuación en vivo desde la catedral de Notre-Dame en realidad virtual. El espectáculo, que combinó imágenes de conciertos realistas en realidad virtual con una actuación real en vivo en el estudio, introdujo un enfoque de medios mixtos que fue el primero de su tipo. Atrajo a una asombrosa audiencia de más de 75 millones de espectadores en todo el mundo. Reconocido por sus conciertos épicos y de alta tecnología en lugares emblemáticos, era apropiado que Jarre continuara esta tendencia a pesar de la pandemia. El músico diseñó, construyó y actuó en el lugar de realidad virtual, que era accesible en todos los formatos disponibles, desde televisión y radio hasta video en línea, plataformas de redes sociales en el este y el oeste, y una experiencia totalmente inmersiva utilizando un auricular VR. "El mundo estaba en confinamiento, todos vivíamos aislados, confinados en nuestros hogares, que se convirtieron en el centro de nuestras vidas y el único espacio que teníamos para mantener alguna forma de normalidad. Donde el trabajo, la familia, el amor, el ocio y el juego estaban contenidos dentro de esas cuatro paredes. Compartimos e interactuamos con el mundo "exterior" a través de nuestras pantallas. Como músico, intérprete y creador de conciertos, como todos mis compañeros, necesitaba crear, actuar y compartir, esa es la única vocación que conozco..."Jarre imaginó un concierto transmitido en vivo al que todos podrían unirse desde sus propias burbujas individuales, y Welcome to the Other Side se concibió como un título, ya que todos necesitábamos esperar el final del túnel del cierre global.El músico francés sostiene que estos tiempos extraños en los que vivimos no solo son creativamente desafiantes, sino también probablemente los momentos más emocionantes para inventar y dar forma al futuro. En lugar de reemplazar cualquier modelo del pasado, abre las puertas para estirar los límites aún más y más. Hablamos con él sobre el futuro de los conciertos y las experiencias musicales y culturales en el mundo después de la pandemia. ¿Crees que la pandemia propició la creatividad en experiencias alrededor de la música?Absolutamente. La pandemia creó desesperación y hubo tiempos muy oscuros para muchos de nosotros, pero al mismo tiempo fue una oportunidad para explorar otras maneras de compartir música y nuevas ideas para expresarnos creativamente. Para mí, la realidad virtual fue una forma de expresión muy interesante de compartir música. Fue una buena oportunidad para enviar un mensaje de esperanza a todo el mundo. Quise vincularlo con Notre Dame porque más allá de lo católico, es un símbolo unión. Notre Dame se ha debilitado como nosotros, me pareció genial crear este puente y celebrar lo que hemos vivido junto al renacimiento de Notre Dame. Me pareció que sería cool hacer un concierto de realidad virtual dentro de la catedral. Tuvimos a millones de personas viendo el concierto en vivo, es increíble, es salvaje.Pienso que es interesante porque en tiempos de pandemia la gente quiere compartir experiencias, y este fue un gran ejemplo. A lo largo de tu carrera te ha interesado explorar nuevas formas de crear y compartir música ¿De dónde viene tu impulso creativo?Soy muy curioso y siempre me han interesado encontrar nuevas formas de expresarme con la música. Han sucedido muchas cosas desde que empecé. Cuando empecé fui un pionero y era como abrir camino en territorios vírgenes.Cuando estaba trabajando en este proyecto, tenía la misma emoción de cuando empecé de explorar nuevos territorios hace varias décadas. Sé que algunos artistas después de 2 o 3 álbumes dicen “estamos muy felices con esto, vamos a revisar lo que hicimos”. A mí no me interesa lo que ya hice, lo que hice lo veo como demos para mi próximo proyecto.Estuviste en las protestas de París 1968. ¿Cómo comparas ese momento con lo que sucede hoy en varias ciudades del mundo?Es interesante porque para la gente joven es algo muy similar. Creo que esta generación quiere sacudir el árbol y cambiar la sociedad. Tras la pandemia, la gente quiere explorar, expresarse y retar al sistema. Sabemos que el sistema no funciona, y tampoco funcionaba en 1968. Todos sentimos que la forma en la que la política está funcionando no sirve, tenemos que pensar diferente. En esencia hay una crisis y estamos claros en que hay una crisis intelectual y es algo que debe cambiar.Durante la pandemia hicimos 2 cosas: salir a comprar comida y escuchar música y ver películas. Así comprobamos que la cultura es algo de primera necesidad. Sin música y películas, la vida sería desesperante. Debemos cambar el paradigma porque debemos considerar la música como el aire que respiramos. Debemos darle valor al disco, a la película, es algo a lo que debemos adaptarnos. ¿Crees que con la facilidad que existe hoy para encontrar música se ha perdido su valor?Internet es una de las mejores cosas que han nacido para compartir nuestra música. Cualquier persona puede producir algo desde su casa, eso me parece muy positivo. En segundo lugar, por eso existen compañías en Internet usando la los autores como productos y los artistas muchas veces no tienen un modo de vida decente. Debemos reajustar y debemos pensar en cuál será la próxima etapa de Internet.Facebook va en declive, les preguntaba a conocidos y los más jóvenes no conocen Facebook. Facebook podría convertirse fácilmente en MySpace. Puede que Facebook no exista en unos años y lo mismo puede ser Instagram o TikTok . Todas desaparecen muy rápido. Las plataformas necesitan contenido, nos necesitan a nosotros y nosotros deberíamos tener una parte importante de lo digital. No hay que olvidar que en un smartphone, lo inteligente somos nosotros.Tu madre formó parte de la Resistencia Francesa en la Segunda Guerra Mundial, ¿Qué tan importante es ella para ti?Ella fue una guía para mí porque fue una mujer extraordinaria, una gran figura en la resistencia francesa y precisamente hace unos días, en su ciudad natal bautizaron una calle en su nombre. Es muy emocionante como hijo pensar que va a haber gente conociéndose y hablando en una calle con el nombre de tu madre. Es muy especial.Ella me dio muchos principios e ideas, una de ellas fue no mezclar las ideas con las personas ni estereotiparlas. Es la razón por la que hice muchos conciertos en todo el mundo, porque pienso que cuando hay un país en donde la gente no tiene tu misma libertad, tienes que ir allá y llevar a cultura. La cultura es para todos.¿Qué crees que pasará con los conciertos luego de la pandemia?Ojalá nos enseñe a respetar más la cultura. Creo que la pandemia fue un acelerador para todo lo relacionado con realidad virtual. Los conciertos, giras, serán muy diferentes.
El show de Nicola Cruz programado para el 2020, finalmente confirma una nueva fecha, será el 4 de diciembre junto a Gladkazuka en Bogotá.Todas las entradas para la fecha de 2020 serán válidas. Esté nuevo escenario permite aumentar el aforo, hay boletas disponibles aquí. Será uno de los shows que inician las fiestas de fin de año.Nico Cruz estrenó el año pasado dos EPs Hybridism y Fuego Nuevo el año pasado, el primero editado bajo el sello Multi Culti, dirigido por Thomas Von Party y Dreems. Y el segundo por Optimo Music Digital Danceforce.Hybridism, contiene cinco canciones que ahondan en ritmos del norte de África, melodías etéreas persas y cantos de culturas distantes e imaginarias. Nasiri y Ayan colaboran en un EP cuyos temas de sónica diversidad fueron compuestos entre 2018 y 2019 bajo una darwiniana influencia, como lo define el Dj y productor franco ecuatoriano.Fuego Nuevo explora formas rítmicas, inspiradas en percusión Afrocubana, acústicos cavernosos y distorsiones variadas. Un diálogo creado principalmente con una Roland 606 como base, siguiendo diferentes combinaciones de claves (instrumentales) convirtiéndolas en la herramienta que organiza el tempo de las canciones.El Dj y productor afirma que la percusión siempre ha sido su voz principal, así que trata de redescubrirla cada vez, sometiéndose a diferentes rituales cuando compone. Para él, los tambores siempre han representado el fuego, que era el guión a seguir para este EP.Gladkazuka es el invitado especial a este evento. Gregorio Gómez tiene una amplia trayectoria como pionero del movimiento electrónico nacional. Desde finales de los 90 y a comienzos del nuevo milenio, Gregorio hizo parte de Panorama un proyecto que abrió las puertas para que muchos hoy en día tengan un espacio para tocar. Sus influencias son claras: The Cure, Love And Rockets, The Charlatans y Brian Eno se encuentran de frente con el sonido clásico del House y del Techno en este proyecto que hoy en día se encuentra bajo el sello Cómeme de Matías Aguayo en Berlín.
Los cuatro días del Festival Estéreo Picnic 2023 los recordaremos, sin duda, como los más intensos del año. Durante esta edición escribimos en caliente sobre la ausencia de nuestros artistas favoritos y las lecciones que nos dan los festivales, sobre el virtuosismo de Rosalía y la pereza de Drake, sobre los nuevos mundos y las posibilidades que nos abre un festival y sacamos algunas conclusiones sobre el presente de la música en vivo. También hablamos de la seguridad, de las tendencias de moda, de los malos viajes, de las expectativas por artistas como 1975, del drag en Colombia, de la cultura de la cancelación, de la guaracha y de astrología (Síganos en nuestro canal de YouTube para ver más).El equipo de Shock, que incluye a más de 10 creadores de contenido, fotógrafas y realizadores de video recorrió las tarimas del evento todos los días y votó por sus shows favoritos. Estos son los 15 que más nos gustaron. Después de este ejercicio de recapitulación para pasar la tusa postfestival solo nos queda preguntar y prepararnos: ¿a quién quieren ver en 2024? 1. The Chemical BrothersEl dúo británico supo cómo llevar al público del Festival a un nivel elevado de conciencia, solo con su música y su inigualable, poderosa y brutal puesta en escena. Gracias hermanos químicos por darnos otro show que quedará para siempre en nuestras memorias.2. Tame ImpalaEl proyecto australiano que casi se baja del bus de los festivales en América Latina no solo cumplió con su show en Estéreo Picnic sino que sorprendió con un espectáculo de luces sincronizado con la música que voló mentes. Kevin Parker y compañía no solo quedó bien con el público colombiano, sino que sorprendió de una forma épica.3. Elsa y ElmarLa bumanguesa regresó a Colombia luego de una gira por Suramérica y aunque aceptó que tenía miedo, nos entregó un show que así como ella lo dice ‘Es para lloribailar”. Durante su presentación la artista envió un mensaje de apoyo a las artistas mujeres colombianas y fue celestina de una pedida de mano. Elsa incluyó en su set list varias canciones de su álbum ‘Ya no somos los mismo’ y otros éxitos como ‘Ojos noche’ que nos pusieron a todes a cantar e incluso, a sacar los pasos prohibidos.4. Wu-Tang Clan“Cream”, “Triumph”, “Can It be All So Simple”, “Clan In The Front”, “Ice Cream”, “Tearz” y tantas más. Wu Tang Clan presentó los principales cortes de su legendaria discografía, todas canciones definitivas para el rap y su historia.Sin GZA, Ghostface Killah ni Method Man, Wu-Tang mostró por qué son como el Voltron del rap, en palabras de Raekwon: un gran ser vivo más grande que sus partes, que con más de treinta años de carrera es parte de la columna vertebral del hip-hop.Fue una presentación con banda que adaptó su sonido crudo a la dinámica de los grandes festivales. Con coros, pogos y la icónica W en el aire, el público les correspondió cada rima en la tercera noche del FEP.5. RosalíaLa Rosalía tiene más fuerza que una moto y en su segunda visita a Colombia demostró porqué es una de las estrellas pop del momento. En una hora y media, con muchísima gasolina, repasó los temas que la llevaron a la gloria y dejó claro que su legado se mantendrá vigente por muchas generaciones. La catalana cantó por primera vez en vivo ‘Beso’, tema de su nuevo EP con Rauw Alejandro. Ganamos, señoras y señores.6. Billie EilishCon solo 21 años de edad, ya se convirtió en una de las artistas más jóvenes en pisar el escenario del festival, uno lleno de expectativas y emociones luego de la dolorosa cancelación obligada de su show en 2020 por la razón que ya sabemos.De esquina a esquina, Billie navegó por las canciones que la han catapulado en la élite de la música y el entretenimiento. Junto a su hermano Finneas en los teclados, guitarra y bajo, y Marshall Drums en la batería, el trío brindó un concierto que desde ya pasó a ser uno de los mejores del festival en su edición 2023.La producción audiovisual, la sincronía con su público y las letras de sus canciones, fueron los ingredientes perfectos para hablar de desamor, amor propio, nostalgia, inseguridades y empoderamiento, los componentes que definen a nuestra generación.7. BlondieLa icónica banda neoyorquina salió con varios minutos de retraso, pero hizo que valiera la pena la espera. El grupo hizo versiones muy especiales de algunos de sus temas más icónicos como Rapture, Heart of Glass, Atomic y One Way or Another, en los que se destacó no solo el virtuosismo de sus integrantes, sino el carisma de la emblemática #DebbieHarry, que sigue intacto después de varias décadas.Systema Solar se subió con ellos para cantar su sencillo juntos titulado Sugar on the side. Verdaderas leyendas.8. LoutaEs una de las figuras más destacadas del auge trap de Argentina. Por esa vía llegó a hacer su Bzrp session y a conocer a algunos de los más destacados de esa escena.Pero a su amigo Wos, con quien hizo "QUEREME", que sonó en el escenario Flaming Hot, lo conoció en un grupo de improvisación teatral muchos años atrás. Y se nota. El hombre es un cirquero que hace un show capaz de hacer a muchos dudar si están viendo a Flaming Lips o a un rapero, roquero, cientifico loco, rey de la moda y el sabor.9. Ryan CastroLa tarima para el concierto de Ryan Castro quedó pequeña para la cantidad de público que se congregó para ver en vivo al Cantante del Ghetto. Durante una hora el hijo de Pedregal, Antioquia, cantó y agradeció el espacio que el @festereopicnic le dio en un punto de su carrera en el que ofrece muchísimos conciertos al mes.Nos dejó muy claro porqué es uno de los nuevos reyes del reggaetón de Colombia.10. Lil Nas XSi la carrera de Lil Nas X nos ha enseñado algo es que la provocación es la clave del éxito y esa lección la aplicó en su show de Estéreo Picnic. Grandes animales, coreografías intrincadas y cambios de vestuario nos transportaron a un universo desvergonzado y extravagante en donde todos pueden ser tan auténticos y confiados como él.11. JulianaJuliana Velásquez fue una de las primeras artistas en presentarse en el #FEP2023 y aunque el inicio se retrasó por la lluvia, el escenario del banco estaba completamente lleno cuando ella inició su show, al que nombró 'Florecer'.A lo largo de su presentación de aproximadamente 45 minutos hubo un despliegue teatral maravilloso. Cada acto tenía un mensaje. Seguramente, en unos años, veremos de nuevo a Juliana, pero esta vez como cabeza de cartel.12. Bandalos ChinosLa banda argentina de rock presentó un show lleno de colores y muchísima energía. Se estarán presentando nuevamente junto a Usted Señálemelo el 28 de marzo de 2023 en un sideshow de despedida del festival.13. Morat La banda rola se presentó en el Festival como parte de su gira 'Si Ayer Fuera Hoy World Tour', con la que han pasado por ciudades como Madrid, Ciudad de México, Panamá, Lima y distintas ciudades de Estados Unidos. Luego de llenar cinco fechas consecutivas en el Movistar Arena, la banda volvió al país al cierre de la edición más larga del festival en la historia.14. No Rules ClanCon precisión afilada, NRC demostró la potencia escénica del formato clásico del rap. Bastaron los cortes de Kario One y los interludios de Ignorancia Sofisticada para que Anyone/Cualkiera y Sison Beats se encargaron de rapear y rapear y rapear por una hora.Navegó a través de todos los colores de su paleta, desde los loops melancólicos hasta los cortes rompecuellos, con canciones de Pantone, El Puente y sus trabajos como solistas.15. Alci AcostaAlcibiades es el rey de la Costa Caribe, pero hoy conquistó el Festival con un show poderoso en le que repasó todo su catálogo. Además se convirtió en el músico más adulto en pisar un escenario del festival con85 años. icono tricolor.¡La música nos une!
La moda es sin duda un aspecto que se destaca en varios festivales de música y, por supuesto Estéreo Picnic 2023 no es la excepción. Cada año, vemos nuevas pintas cada vez más arriesgadas y divertidas. ¿Por qué el "outfit" se ha vuelto cada vez más importante en los festivales de música? Existen varias razones para esto y una de ellas es la gran cantidad de oportunidades comerciales que ven las marcas de moda en los asistentes. Tienen a miles de personas en su público objetivo en un solo lugar, así que es natural que quieran aprovechar para hacer negocios alrededor del evento.Curiosamente, el estilo de Coachella guarda muchos elementos en común con Woodstock: flecos, prendas teñidas naturalmente, flores y estampados étnicos, por mencionar algunos ejemplos. Sin embargo, mientras en Woodstock esta combinación de prendas era una declaración contracultural, hoy es todo lo contrario: obedece a una tendencia establecida por las grandes marcas (Casas como Forever 21 y H&M tienen líneas específicas para el festival.).Otra razón son las redes sociales. Los conciertos se han convertido en parte de nuestra identidad digital: nos gusta ver quien está, y al mismo tiempo, que nos vean, así que por eso le metemos un poco más de esfuerzo a lo que nos vamos a poner. Hace unos años, nadie se preocupaba por eso. Hoy, elegir una pinta "instagrameable" es prioridad.
Cuando anunciaron que el Festival Estéreo Picnic 2023 se iba a extender a cuatro días de programación, lo primero que pensé fue en el cansancio, en nuestra capacidad para consumir “experiencias”, y en la respuesta de la gente en estos tiempos de “todo está muy caro”.Llegó el día y los números demostraron que para la música siempre hay suficiente energía, tiempo, y plata. Necesitamos música en vivo, a pesar de la lluvia o los problemas de desplazamiento. A esta edición del FEP llegaron 173.000 personas; en promedio, 40.000 personas al día, siendo el viernes el día más concurrido con 50.000.Pero la expansión del FEP, que viene ocurriendo a la par del crecimiento de otros grandes festivales en el mundo, no solo se mide en los días de programación. El contenido, la forma y el espacio, que componen el espíritu del Festival, cambian también para incluir más público y artistas.Así que, después de estos cuatro días intensos de embarrarnos las botas y transitar entre tarima y tarima, raspando la olla energética, física y emocional, estas son algunas reflexiones finales sobre la expansión de este Estéreo Picnic, el más ambicioso de la historia. Entramos en la era del futurismo escenográfico Ver a nuestros artistas favoritos tocar sus canciones en vivo quizá ya no es suficiente. En 2022 ya habíamos visto en el FEP una puesta en escena poco convencional gracias a C. Tangana, quien nos mostró una película en vivo en la tarima Adidas. Este año fueron varios los shows que, además de ejecutar canciones, echaron mano de otros recursos y cruzaron las fronteras del arte escénico y digital.Rosalía y su show teatral, coreografiado en pantallas verticales a lo TikTok. The Chemical Brothers, con su ritmo intenso acompañado de un juego de sus luces láser y robots flotantes. Morat, volando drones sobre el público. La psicodelia luminosa que acompaña las canciones de Tame Impala, diseñada meticulosamente para sentir la elasticidad del tiempo y la luz. La escenografía surreal de Lil Nas X. Todos nos hablan de una nueva forma narrativa para la música en vivo.Si bien artistas como Wu-Tang Clan, Blondie, Billie Eilish, Elsa y Elmar o Villano Antillano cumplen y emocionan por su virtuosismo musical o por su personalidad, hay una nueva generación de artistas valiéndose de más recursos paramusicales. Las grandes figuras del pop están refinando sus puestas en escena, ampliando sus equipos de trabajo y explorando otros campos del arte para competir por la atención de un público cada vez más acostumbrado a la sobreestimulación visual y a la sobreinformación.No se trata de que la experiencia de la música en vivo tenga que incluir siempre luces o coreografías, pero a estas alturas, para muchos, no es suficiente la simple presencia de un artista ejecutando sus canciones. Por eso, en vivo, palidecen presentaciones como las de Drake, figura indiscutible del pop, pero flojo en el escenario. De esto nos habla Santiago Cembrano acá en el texto del día 2. La identidad es una categoría curatorial para festivalesAdemás de la cada vez más extensa oferta de artistas colombianos, dicen los organizadores que esta edición del FEP fue la que más asistentes extranjeros recibió. Hubo shows de personajes legendarios y recorridos como Blondie y Wu-Tang Clan, hasta de nuevos iconos del pop como Billie Eilish o Drake. También vimos que estiraron la oferta de reggaetón, abriéndole más campo al género no sólo con los shows de Ryan Castro, Mora o The Change, sino con la apertura de una carpa dedicada exclusivamente al perreo a la que nunca le faltó público.Esos datos evidencian una ampliación de las generaciones de artistas, de las nacionalidades (locales y extranjeros) y de los géneros musicales (más reggaetón). Pero el domingo, cuarto día de festival, mostró una clara línea en la conformación del cartel que cruzaba la nacionalidad, la generación o el género musical. Fue justamente ese, el único día que hizo sol, el día de poner en escena a la movida LGBTIQ+. Lil Nas X se besó en la tarima con uno de sus bailarines; la dominicana Villano Antillano, antes de su presentación, visitó a las trabajadoras sexuales en el barrio Santa Fe de Bogotá; Elsa y Elmar, en uno de los shows más amorosos y liberadores, le dio pista a la pedida de matrimonio entre dos hombres que estaban entre el público.La expansión de cualquier espacio de circulación, sea para la música o para cualquier otro bien de consumo cultural, no puede ser pensada hoy sin el componente clave: la representación. La programación de artistas del domingo se correspondió, en efecto, con la asistencia del público alineado con esos valores: además de los shows, vimos un desfile colorido y diverso de pintas y expresiones de género ocupando y gozando del festival.Hay que cuidar al público Otra de las novedades del FEP fue el Oasis, un lugar para el consumo del mínimo vital de agua, y para atender casos de violencia o acoso. La inclusión de un espacio de este tipo era necesaria, tanto como elemento simbólico que le recuerda al público la importancia del cuidado que debemos tener entre las multitudes, como un espacio de control y reacción. Esto, desde luego, tiene que ver con el espíritu de inclusión y representación del Festival. Hay cuidados o violencias diferenciales que deben ser atendidas como corresponde.El cuidado, en este sentido, es una nueva línea de expansión discursiva. Y quizá es una de las más necesarias si hablamos de un evento multitudinario que abarca público de generaciones, nacionalidades, identidades, y gustos musicales diferentes. Quedó demostrado que el FEP logró ganarse la confianza de su público, quien exprimió sus capacidades durante 4 días y muy probablemente se endeudó en el camino.Acciones y prácticas de cuidado para el público asistente como el Oasis y espacios como Échele Cabeza ayudan a que esa relación de confianza se haga aún más sólida. A su vez, esta confianza casi ciega del público le permitirá al Festival ser cada vez más ambicioso y expansivo, sabiendo que el público que ha asistido le copiará de nuevo, y que siempre se puede ampliar la frontera.Vean aquí las mejores fotos de los 4 días del Festival Estéreo Picnic 2023
Terminó Estéreo Picnic 2023 y así como muchos se regaron en elogios por el cartel y los artistas del festival, 2 aspectos fueron criticados del evento: los trancones y la seguridad. Usuarios en redes sociales reportaron robos dentro y a la salida del festival. Durante el desarrollo del Estéreo Picnic, las autoridades incautaron 50 celulares robados, según un informe de El Espectador. Las autoridades reportaron la detención de cuatro personas por hurto y falsedad en documento público. Se estima que los dispositivos móviles están avaluados en más de $60.000.000.Un miembro del equipo de objetos perdidos del festival nos contó que recibió decenas de reportes de celulares perdidos, principalmente el día 3 del festival. Para él, los escenarios con gran aglomeración de personas son más propensos a que existan robos. Así como los escenarios más concurridos, la salida del evento, donde mayor cantidad de personas hay, también fue un espacio recurrente para robos, según varios usuarios. "El tema de la inseguridad en la salida del Estéreo Picnic es tremendo. Los agentes de la Policía están de adorno, cuellos de botella impresionantes, robos y atracos y ellos como si nada. Queda uno a su propia suerte. No se despeguen de su grupo nunca.", escribió un asistente en Twitter. Igualmente se reportó que unas 50 personas lograron romper la valla del festival para colarse, incluso haciendo daño al personal logísico. Algunos de ellos se cayeron al lago.
Con Billie Eilish cerró Estéreo Picnic 2023, la edición con más artistas hasta ahora en la historia del festival. Tokischa, Polo & Pan, Kali Uchis, Elsa y Elmar, Villano Antillano, Morat, complementaron un cartel ambicioso y variado. Más de 170.000 personas vieron a más de 100 artistas diferentes a lo largo de los 4 días del festival. El contraste musical, desafiante y punzante de Billie Eilish en el escenario, se hizo notar en cada rincón del Estéreo Picnic. Con solo 21 años de edad, ya se convirtió en una de las artistas más jóvenes en pisar el escenario del festival, uno lleno de expectativas y emociones luego de la dolorosa cancelación obligada de su show en 2020 por la razón que ya sabemos.De esquina a esquina, Billie navegó por las canciones que la han catapulado en la élite de la música y el entretenimiento. Junto a su hermano Finneas en los teclados, guitarra y bajo, y Andrew Marshall en la batería, el trío brindó un concierto que desde ya pasó a ser uno de los mejores del festival en su edición 2023.Si la carrera de Lil Nas X nos ha enseñado algo es que la provocación es la clave del éxito y esa lección la aplicó en su show. Grandes animales, coreografías intrincadas y cambios de vestuario nos transportaron a un universo desvergonzado y extravagante en donde todos pueden ser tan auténticos y confiados como él.Elsa y Elmar regresó a Colombia luego de una gira por Suramérica y aunque aceptó que tenía miedo, nos entregó un show que así como ella lo dice ‘Es para lloribailar”. Durante su presentación la artista envió un mensaje de apoyo a las artistas mujeres colombianas 🇨🇴 y fue celestina de una pedida de mano.Elsa incluyó en su set list varias canciones de su álbum ‘Ya no somos los mismo’ y otros éxitos como ‘Ojos noche’ que nos pusieron a todes a cantar e incluso, a sacar los pasos prohibidos
