Los Pet Shop Boys han dejado una huella imborrable en la industria musical global. La fórmula del éxito del dúo fue, en apariencia, natural para una banda visionaria tanto en la composición como en el conocimiento de la industria. Su participación en la escena undergound de clubes gay en Londres y Nueva York, la capacidad de escritura y composición de Neil Tennant combinada con su conocimiento de la industria musical por haber trabajado como periodista en la revista 'Circulation', y su capacidad de hacer hits con motivos sencillos pero novedosos en la música electrónica, les valieron un reconocimiento global temprano. En una entrevista con la BBC Neil señaló que, en la música pop, las limitaciones construyen la identidad. El compositor señala que el éxito del proyecto fue saber que tipo de música no iban a hacer, y que estéticas no iban a incorporar. La historia de los Pet Shop Boys es larga y aún hay camino por recorrer. Pero su participación en el auge del pop y su vigencia actual tienen muchas curiosidades para seguir descifrando uno de los fenómenos más celebrados de la música pop. "West End Girls": el resurgimiento con EMI La primera grabación de "West End Girls" no alcanzó la notoriedad que tendría después de que los Pet Shop Boys firmaran con EMI. Este remaster transformó la canción en un hit global, demostrando la influencia de una importante discográfica en la difusión y éxito de una obra musical. El episodio destaca la importancia de las decisiones estratégicas en la industria musical y cómo un cambio en la dirección puede transformar la suerte de una canción."Go West": de encargo para Rusia a la controversia La canción "Go West", originalmente de Village People, fue encargada para ser presentada en Rusia. Aunque inicialmente los Pet Shop Boys no estaban entusiasmados con la idea, decidieron aceptar el desafío. La elección de interpretarla en Moscú añade un matiz controversial, revelando las tensiones entre el mundo occidental y la búsqueda de libertad. Neil Tennant expresó su tristeza por la situación actual en Rusia, sugiriendo que no ve posible volver a presentarse en dicho país. Colaboración con David Bowie: Un viaje desde Ziggy Stardust La conexión de los Pet Shop Boys con David Bowie comenzó con su interés en la sonoridad de Ziggy Stardust. Bowie fue quien los llamó para colaborar, marcando un capítulo significativo en la historia del dúo. Las letras de ambos se basan en lo dramático y en la fantasía. La colaboración se materializó en 1989, fusionando el mundo teatral y fantasioso de ambos artistas. Un día Neil le dijo a Bowie que siempre había imaginado a Major Tom en una de las naves rusas que nunca volvían. David Bowie se mostró sorprendido y respondió: "Oh, con que ahí está."De proyecto de estudio a fenómeno global en gira Los Pet Shop Boys fueron inicialmente un proyecto de estudio, enfrentando limitaciones para realizar giras debido a la naturaleza única de sus shows y la incertidumbre sobre la audiencia. Sin embargo, cuando finalmente comenzaron a girar, se dieron cuenta del impacto fenomenal que generaban en cada lugar que visitaban. Su revelación en la interacción por el público subraya la evolución del dúo de ser un proyecto de estudio a convertirse en un fenómeno global en el escenario.Enfrentando el movimiento "Disco Sucks" y la evolución musical El proyecto de los Pet Shop Boys desafió el movimiento "Disco Sucks" en Estados Unidos, que buscaba elevar al rock mientras destronaba al disco. Este fenómeno influyó temporalmente en la industria, pero la evolución del disco al pop y a la música electrónica generó un movimiento interesante.En una entrevista, los Pet Shop Boys destacaron que el rock no estaba innovando, a diferencia del pop y la música electrónica, que continuaron evolucionando y ofreciendo algo nuevo al público.El legado de los Pet Shop Boys va más allá de la música; encapsula el enfoque romántico del pop que buscaba transmitir mensajes de amor al mundo. Su estilo de composición único, con elementos dramáticos, referencias literarias y éxitos icónicos, consolida a los Pet Shop Boys como la banda de synthpop más influyente del mundo.
La artista, que recientemente rompió dos récords en spotify: el álbum más escuchado en un sólo día de 2023 y el álbum de country más reproducido en un día en la historia de la plataforma con ‘Speak Now (Taylor’s Version)’, tiene una de las carreras más largas en la industria de la música. Taylor Swift fue, además, la primera artista que consigue vender más de un millón de copias de tres de sus álbumes en su semana de lanzamiento.Swift se ha consolidado como una artista que piensa todo a nivel creativo, nada es gratuito. Así que cada referencia, cada decisión creativa va cargada con un mensaje que deja a disposición de nosotros para interpretar. Muchas de sus canciones tocan temas que, como ella misma ha mencionado, atraviesan toda su carrera musical según algunos medios. Las relaciones, el desamor y la sobreexigencia a las mujeres en la industria son algunas críticas que la artista hace en algunos de sus tracks.Vean también: ¿Importan más las relaciones de Taylor Swift que su música?: el límite de la vida personalDesde referencias a sucesos de la cultura pop como el episodio en el Open de Estados Unidos en el que Serena Williams "atacó a un árbitro" o la entrevista de Cher que se popularizó porque la artista afirmó que los hombres no son necesarios, pasando por referencias literarias clásicas como 'Romeo y Julieta' de Shakespeare o el cuento original de Peter Pan escrito por J. M. Barrie, hasta guiños cinematográficos a películas como 'El quinto elemento' (1997) o 'Bladerunner 2049' (2017). Acá les dejamos algunas referencias que Taylor Swift ha usado en su música:También les puede interesar: Taylor Swift y las Swifties, el caso de estudio de una relación parasocial
Nueva York ha sido históricamente una de las ciudades más importantes para la historia de la música. El Jazz, la salsa, el rock, el punk y el hip hop se han colado en diferentes clubes de la ciudad en distintas épocas. Desde el barrio de Harlem, pasando por el Distrito del Bronx, hasta Manhattan NYC tiene historias de la música escondidas en cada esquina.Acá vamos a sugerirles una guía de sitios históricos relacionados con la música por si están o tienen planeado ir a Nueva York. Muchos de estos lugares fueron visitados por grandes figuras del jazz como Ella Fitzgerald, algunos guardan historias de bandas icónicas como Ramones y los Rolling Stones y otros presenciaron a tantos artistas pasar por ahí que perdieron la cuenta.Historia de la salsa en Nueva YorkLa historia de la salsa en Nueva York es una mezcla de culturas, migraciones y estilos musicales que se unieron para crear un género único. La salsa llegó en la década de 1960 y 1970 a los barrios con afluencia latina de Nueva York y se convirtió en un fenómeno musical.La salsa surgió de una fusión de estilos musicales anteriores, como el son cubano, el mambo, el cha-cha-chá y el jazz afrocubano. Los músicos y cantantes puertorriqueños y cubanos, así como otros inmigrantes latinoamericanos, fueron fundamentales en la popularización de la salsa en la ciudad. Artistas y bandas como Tito Puente, Celia Cruz, Héctor Lavoe, Willie Colón, Rubén Blades, Eddie Palmieri, Ray Barretto y La Sonora Ponceña, entre muchos otros, contribuyeron a la expansión y difusión de la salsa.A finales de la década de 1960, el periodista de música y crítico de Nueva York, Izzy Sanabria, utilizó por primera vez el término "salsa" para describir el género musical emergente. Acá les dejamos algunos datos de la salsa y los clubes de salsa en Nueva York:¡La música nos une!
Reik cumple 20 años de historia musical, una que empezó en 1993 cuando Jesús, Bibi y Julio se reunieron en Mexicali, Baja California, para crear canciones románticas con el estilo propio que tuvo el pop mexicano de principios de Milenio. Si bien tuvieron gran éxito en la primera década del siglo, entre 2011 y 2023 han seguido vigentes en la industria de la música con sencillos que acumulan miles de millones de reproducciones en plataformas digitales. Esto los ha llevado a tener admiración en la industria porque son pocos los proyectos mexicanos de los 2000 que siguen activos y con éxito.Antes de su primer concierto en Colombia, y el debut de los tres en el Movistar Arena de Bogotá, hablamos con Julio Ramírez para hacer un repaso sobre lo que han sido estas dos décadas de trabajo con sus compañeros.¿Cómo imaginaban que iba a ser el futuro de Reik en 2003 cuando empezaron?La verdad es que siempre hemos pensado en el presente y en disfrutar lo que tenemos. A veces el futuro es incierto y muchas veces pensábamos que no íbamos a durar tanto o que nos íbamos a separar porque es lo que normalmente pasa. Luego pensábamos que íbamos a estar en todos los países del mundo y que íbamos a ser los más famoso. Los sueños y las metas iban con la edad. Y ahora me doy cuenta que es una bendición estar donde estamos, estamos juntos, los tres de Méxicali y hemos llegado a niveles mucho más grandes de lo que soñábamos. Y aún tenemos muchos sueños por cumplir.Decía que lo normal es que los grupos se separen, pero ese no ha sido el caso de ustedes, ¿cuál ha sido la clave para mantenerse firme en la idea de seguir los tres juntos en este viaje?Me atrevería a decir que el mayor éxito ha sido la comunicación y el respeto que nos tenemos. No podría enlistar todas las cosas en las que no estamos de acuerdo, no siempre estamos en la misma ni a nivel personal ni a nivel personal. Pero nos tenemos un cariño y un respeto que es el que todos los humanos deberían tener. Somos un trío, debemos ponernos de acuerdo y tener una meta en común. Ahí todo se vuelve interesante. Entre nosotros no hay nada que no nos podamos decir. Ustedes son el proyecto de pop mexicano de los 2000 que sigue vigente y generando cifras importantes en plataformas, estoy seguro que mucha gente les pregunta cómo ha sido el reto de evolucionar con los cambios de la música.Eso ha sido un trabajo 100% en equipo. Yo batallo mucho en decir "hay que cambiar", a mí me gustan las baladas y cantar con el corazón, pero somos un proyecto pop y en teoría nuestro trabajo es hacer lo que sea así, mainstream y conocer lo que sucede en el mundo. Jesús es muy pop y también nuestro manager fue el primero en darse cuenta de que el pop estaba migrando al urbano, al inicio estábamos muy renuentes, pero supimos escuchar y dejarnos guiar. Ya que aceptamos y lo hicimos con toda. Trabajamos en Medellín con Nicki Jam, luego con Wisin y Ozuna, también con Zion & Lennox y conocimos los procesos de nuestros colegas del reggaetón.Algo que fue muy sorprendente para todos es la colaboración con Super Junior y la llegada de Reik al k-pop de la mano de estos genios de Corea. ¿Cómo fue esa experiencia que a veces parece tan ajena a la cultura latina?Super ajeno, fue muy loco y muy interesante porque nos dimos cuenta de una industria super distinta. Nosotros crecimos en una industria, claramente hablo de mi generación que fue hace casi veinte años, en la que todo era mucho más relajado por ejemplo hoy estoy con una gorra y un hoddie y está bien, pero de repente vas al universo del k-pop y ves que son unas máquinas: tienen sus oficinas donde hacen sus coreografías y planean sus videos, donde hacen todo. Super Junior es una agrupación gigante con una estructura enorme. Fue interesante ver esa cultura más disciplinada y me recordó el pop estadounidense de los noventa al estilo de Backstreet Boys. Convivimos solo una noche, pero nos llevamos la mejor de las sorpresas.Van a estar en Colombia: conciertos en Bogotá y Medellín. ¿Cómo es el show de Reik en pleno 2023?A mí lo que más me gusta de nuestro show son las canciones. Nos enfocamos en que desde la primera canción, Yo Quisiera, hasta la última sean para el público. Nos gusta cantar los éxitos y no tanto saciar el capricho de cantar las que casi no conocen. A nosotros nos gusta mucho oír al público conectado. Hay de todo y es una celebración a la relación poderosa que tenemos con los que nos escuchan.¡La música nos une!
La música argentina siempre ha tenido mucha relevancia en el resto de América Latina, ya sea con el boom del rock en español de los noventa o el impacto del trap y el freestyle a finales de los 2010. En la primera década del siglo XXI el electro-pop colorido de Miranda! se regó por todo el continente con sus canciones y videoclips. En su momento de mayor popularidad, Miranda tuvo cinco integrantes: Ale Sergi, Juliana Gattas, Bruno De Vincenti, Leandro «Lolo» Fuentes y Nicolás «Monoto» Grimaldi. En medios de comunicación aparecían juntos y se les conocía a todos como miembros de Miranda.En febrero de 2007 Bruno se fue de la banda por diferencias artísticas, luego en 2014 se confirmó la salida de Lolo Fuentes como guitarrista y en marzo de 2017 Miranda! informó sobre la desvinculación de Monoto Grimaldi.Desde 2017 Miranda! es un dúo con músicos rotatorios, pero con el paso del tiempo se ha conocido que los problemas al interior de la banda no fueron menores. Si bien en un punto todos tenían el mismo protagonismo, con el tiempo todo se inclinó hacia sus vocalistas Ale Sergi y Jualiana Gattas. Las salidas de los otros tres integrantes también fueron polémicas y rara vez los argentinos hablan sobre sus excompañeros. Aunque muchas cosas se han mantenido en la cordialidad, el mayor conflicto entre Sergi y Gattas ha sido con Lolo, quien tiene una de las frases más icónicas de la música latina de los 2000.Es la guitarra de LoloUno de los momentos más importantes de los conciertos de Miranda! es cuando inicia el tema Don que, hasta la fecha, es el más popular de los argentinos -junto con Perfecta-. En esta canción, antes de un memorable solo de guitarra se pronuncia la frase "¿es un solo? es la guitarra de Lolo" y entra a sonar los acordes que inmortalizaron a Lolo.Desde la salida de Lolo Fuentes, la guitarra la toca otro músico y, para evitar conflictos con él, la banda prefiere no mencionar nada en este segmento y pasarle la voz al público para que sean ellos quienes digan y canten el estribillo. Lolo ha estado en varios programas de televisión hablando de su mal tiempo en Miranda!, pero se conoce que él también tenía fallas dentro de la banda al ausentarse de ensayos o llegar tarde a los shows. Tal es el grado de enemistad que Ale y Juliana piden que no se hable de sus excompañeros en las entrevistas y cuando se les pregunta por ellos prefieren cortar la conversación con los medios de comunicación.En 2022 lanzaron una nueva versión de Don en compañía de Ca7riel y, efectivamente, no mencionan a Lolo cuando llega la parte de 'es la guitarra'. ¡La música nos une!
Agridulce, el nuevo disco de Soy Emilia nos recuerda que el amor y el deseo tienen matices, y que en ese realismo agridulce puede haber más sabor que en la idealización empalagosa.¿Qué es el deseo? Cuando nos detenemos sobre esa palabra nos surgen imágenes de todo tipo: desde un helado hasta fantasías sexuales, pasando por dinero o la realización de proyectos profesionales. Es como si la idea del deseo no se dejara ver, como si se escondiera de quien quiere entenderla detrás de cosas que brillan: joyas, personas que nos atraen, cariño o ideales.En vez de intentar eludir las que parecen distracciones, el tercer disco de Soy Emilia nos lleva a mirarlas más de cerca. En esta oportunidad, la producción y la composición forman un hechizo para que la música de Juanita Carvajal tenga el efecto del espejo mágico de Harry Potter, que muestra escenas de lo que deseamos.¿A qué suena Agridulce?Ocho canciones pop llenas de sintetizadores ochenteros pintan distintas facetas del deseo y de las relaciones sexoafectivas, poniendo siempre en el centro de sus letras su rol activo como mujer que desea: un acercamiento al deseo que es libre, consciente de los riesgos, los engaños y los matices, y que aun así insiste en el disfrute. Son canciones que coquetean con el reggaetón y el house y se detienen sobre los grises de algunas dinámicas del amor y el sexo en los tiempos de la fiesta desde una postura muy madura, que sabe lo que quiere y a qué atenerse.El disco empezó a surgir en 2019, mientras terminaba su anterior lanzamiento, Expuesta. A diferencia de esa entrega, y de su primer EP, que son mucho más intimistas, Agridulce está pensado para el en vivo. “Yo quería que este disco fuera más de fiesta, para que la gente bailara. Yo siempre, desde chiquita, me imaginé a mí misma en escenarios, tocando en vivo frente a gente que coreaba”, dice Juanita. “Pero me imaginaba tocando White Stripes o I Love Rock and Roll de Joan Jett”. Lo que está pasando es muy distinto, y tiene perfecto sentido siendo que ella lleva tanto recorrido como bajista de sesión, que acompañó entre 2010 y 2018 a Esteman y hace parte del Live Set de Julio Victoria. Su sonido hoy es mucho más fiestero, y su bajo groovero mucho más protagónico que el de esos referentes de infancia y el de sus anteriores discos.Por tener ese bajo como centro, también se siente como el más propicio para improvisar y jugar con las estructuras cuando está en vivo con su banda. Es clave tener en cuenta a Moloko como inspiración central: es un sonido pop hecho para bailar, atravesado por el disco y el house para así recrear una atmósfera de fiesta.Para lograr esa sensación, Juanita hizo gran parte del trabajo de producción de la mano de Julián Salazar (Mitú), cuya mano es perceptible especialmente en sintetizadores y fraseos de guitarra. Las excepciones son Sugar Daddy, que produjo con el mexicano Bruno OG para romper con el sonido “alternativo colombiano”, y la nueva versión de Dos Extraños, su colaboración con Cero39. Además, los teclados fueron grabados por Duplat, que ha colaborado con Mitú desde inicios de la pandemia. Y aunque haya varias manos, estilos y emociones representadas, es un disco con coherencia sonora, que fluye como pistas en manos de un buen dj.Ocho sabores y ocho cancionesDesde “High”, el tema de apertura, se siente uno en medio de una fiesta, bailando pegado con alguien que acabamos de conocer, con quien vivimos la primera chispa de atracción después de una racha de peleas y tusa. Al vincular la sensación de estar con esa persona al estar drogado queda marcado un primer tipo de amor matizado: el apasionado y finito, que se usa como escape de lo demás, y que da plenitud justamente por ser espontáneo y fugaz.Soy Emilia - High (Video Oficial)En el segundo tema ya sabemos que este no es un disco con un hilo conductor narrativo. Todo Lo Tiene, parece sintetizar la idea central. El tema tiene un beat housero con adornos que recuerdan al sonido de SALTA y Los Ángeles, de Mitú. Sobre ese sonido animado, Juanita canta letras oscuras, sobre situaciones opuestas, aunque no sean evidentes a primera vista: es el caso de “Tienes todo, no buscas más / Lo deseas, va a llegar”, del coro que habla de tenerlo todo pero estar vacío por dentro y del verso sobre los amigos imaginarios que se disipan al final de la fiesta (¿son alucinaciones?) y te dejan, aunque te aterre la soledad.Soy Emilia - Todo lo tiene (Video Oficial)“El disco es como una montaña rusa”, dice. “Nunca terminan en subida ni en caída libre”. Es decir, no trata solamente de los picos de la fiesta, de la lujuria o las sustancias, ni de la quietud de la tristeza, sino que junta el rompecabezas. Es como si en Todo Lo Tiene nos hablara de un after en casa, con la euforia continuada de la fiesta anterior. Sin necesidad de meternos en otro escenario y otros sonidos, pone sobre la mesa la ansiedad por el momento en el que se acabará todo: el bajón, la soledad y el guayabo que nos recordarán que nuestra soberbia fiestera (“Es momento de saltar/ a tu grandeza, cerca al sol”) tendrá retaliación.Aunque de sonido dulce, Lo Cura es otra canción duramente realista. “Nos mintieron cuando nos dijeron / con amor lo curas todo”. La tormenta de la ruptura puede ser algo profundamente dramático, en parte porque tendemos a creer que en ciertas relaciones estará la solución a nuestros problemas. Lo empeñamos todo por sostenerlas. Solo cuando dejamos de creer en esa versión utilitarista del amor (que puede ser la lo-cura del título) podemos darnos cuenta de que el esfuerzo fue excesivo y no correspondido, o no merecido.Soy Emilia - Lo Cura (Video Oficial)Por su parte, Sugar Daddy encuentra terreno común entre el sonido pop fiestero y el reggaetón con un beat cercano a la música de The Change, algunos temas de Bomba Estéreo y, por supuesto, a los mexicanos Ghetto Kids, con quienes ha trabajado constantemente Bruno OG, el productor.Soy Emilia - Sugar DaddyEn principio parece romantizar la relación de poder entre hombres y mujeres que existe en mucha de la música popular hecha por hombres en nuestros tiempos, en especial en el trap y el perreo. Pero cuando se escucha con cuidado surge algo más, que no es ni ese rol de objeto de los videos musicales y las fiestas, de “mujer trofeo” o “sugar baby”, ni es igual a la apuesta de empoderamiento de referentes como Karol G o Doja Cat. Es una alternativa que sigue la corriente, que aprovecha la propuesta de que le gasten fiestas y viajes con sus amigas y que, aunque agradece, es consciente de que eso no es amor ni es lo que ella quiere a largo plazo.A mi parecer, en esa “no-inocencia” no quedan borrados ni promovidos los problemas estructurales de ese tipo de relación entre hombres y mujeres, sino que queda retratada una alternativa que no suele narrada, pero que existe: que por la razón que sea, la libertad y el trato como igual también implican poder querer entrar en ese tipo de dinámicas como un adulto, con consentimiento. “No me siento identificada con la victimización”, dice Juanita. “Desde que empezó el proyecto estoy determinada a que eso no va a hacer parte de mi música”.Tu y Yo, el quinto tema, explora una dinámica especialmente presente en la pandemia y en las relaciones de larga duración en las que las personas tienden a alejarse en todo menos en el sexo, y que parecen disfrutar ese acuerdo, esa distancia y ese juego de contradecirse y no ser del todo compatibles. Es a esta altura del disco donde quizás se puede perder la atención, pues es un tema plano en contraste con los demás.Soy Emilia - Tu y yo Videoclip OficialPor su parte, Cada Noche, con la mexicana Ana Rizo, parece retomar la relación del Sugar Daddy, pero no en el momento de su cierre, sino antes. “Creo en todas sus mentiras / cuando me dice que soy única en su vida” reafirma esa idea de que se puede establecer la fantasía de esas relaciones espontáneas, discontinuas, sostenidas por fiesta y dinero, con plena consciencia y no por ingenuidad. Lastimosamente parece algo ya dicho y de manera más efectiva y cómoda (el “solo quiero compartir / hasta el amanecer” es particularmente forzado o cliché).Soy Emilia -Cada noche ft Ana Rizo (Cover Audio)Incontrolable parece romper con el tema de los contrastes y los matices, pero el que fácilmente es una de las composiciones más divertidas vuelve sobre la idea clave de que el deseo es, paradójicamente, carencia. Deseamos lo que no tenemos. En la desesperación por satisfacer la tensión sexual o el extrañar a alguien volvemos a caer en el delirio de que tenerlo solucionará todo. Y allí vuelve a pensarse en el “High”, en la plenitud a la que queremos volver, casi como adicción.Soy Emilia -Incontrolable (Cover Audio)Finalmente, Dos Extraños (+ Extraños) soluciona esa tensión. Es una versión más oscura de la original. Juanita cuenta que surgió el mismo día que conoció a Mauricio Álvarez (Cero39): “ese mismo día fui a su casa a trabajar y me dio una maqueta que grabamos”. Para ella, darle otra vida a este tema de 2018, y de esta manera, implica darle un giro a una favorita suya y del público desde un nuevo ángulo que enfatiza en el baile, en lo corporal y en lo lascivo, que es un territorio donde no se piensa en ese agrio y ese dulce, sino exclusivamente en el placer.Sabor agridulceCuando revisamos nuestra pinta antes de ir de fiesta, ¿qué vemos? ¿Qué es lo que buscamos ser entre tanta gente? ¿Qué queremos allí? ¿Qué implica? ¿Qué hay en las relaciones amorosas que se marchitan y en los levantes de una sola noche? ¿Qué hay en la idea del sugar daddy y la sugar baby?Aunque lo parezcan no son preguntas de respuesta tan fácil. Se pueden resumir con cinismo o con inocencia, pero la respuesta honesta, que realmente considera el todo, será siempre más compleja, y por ello más fértil de posibilidades, menos aburrida y castrante.Desde que estaba en el colegio, Juanita Carvajal ha sido desafiante a la hora de reclamar lo que quiere. Se ha negado constantemente a ser encasillada. En sus clases de música a los 12 años le decían que no podía tocar el bajo si no sabía ya, y que se dedicara a la voz y la guitarra que ya conocía. Perseveró en un instrumento comúnmente masculino a pesar de la tendinitis y la forma pensada para hombres bajistas, y después se opuso a que la llamaran solo “la bajista de” para, sobre todo, ser Emilia y ser Juanita.Siguiendo esa historia progresiva, este puede ser el disco en el que mayor compromiso demuestre con esa dualidad, con su personaje, y con los riesgos musicales que toma. La primera mitad da resultado en ese sentido: logra canciones bailables y pegajosas, con letras originales e ingeniosas aunque sencillas. Los momentos más ingeniosos del disco, como Todo Lo Tiene e Incontrolable, brillan y brillan fuerte por emanar una pasión descarnada. Sin embargo, parece que faltara algo para traducir esa vocación por los desafíos para tener un resultado más contundente y disruptivo a lo largo del disco. Por ejemplo, Tu y Yo y Cada Noche no aumentan la apuesta, sino que parecen repeticiones menos ambiciosas de ideas que ya nos había mostrado en su carrera y en el disco. Y aunque esos aspectos valiosos de la primera mitad y del concepto del disco destaquen, en general parece algo que podría ser más ambicioso aún, más disruptivo con respecto a sus referentes, como lo es por momentos la letra de Sugar Daddy, con su pregunta por la no-inocencia.¡La música nos une!
El tour Entre Mar y Palmeras de Juan Luis Guerra llegará al Movistar Arena de Bogotá los próximos viernes 25 de noviembre y domingo 27 de noviembre, continuando la gira iniciada por el cantautor dominicano en Punta Cana y que ha recorrido varios países como España, Puerto Rico y Estados Unidos.Contenido recomendado | Grandes conciertos que ocurrirán en Colombia a lo largo del 2022Después de tres años Juan Luis Guerra regresa a la capital colombiana con lo mejor de su repertorio musical enmarcado en una colorida propuesta con elementos innovadores en lo referente al show.La Bachata y el Merengue vuelven a encontrarse de una manera integral en la gira “Entre Mar y Palmeras”, nombre que surgió, a raíz de un concierto ofrecido por Juan Luis Guerra en la Playa Esmeralda, Miches, el cual fue difundido por HBO.“Rosalía”, “El Farolito”, “Visa Para un Sueño”, “La Bilirrubina”, “El Niágara en Bicicleta”, “Las Avispas”, “A Pedir Su Mano”, entre otros, serán los éxitos que los asistentes al Movistar Arena podrán disfrutar en vivo en una velada que promete ser inolvidable.Este es uno de los grandes conciertos que restan en el 2022 gracias a la cooperación de dos importantes promotoras de la industria como lo son, SD Concerts y TBL-Live, quienes se han encargado de traerle a todos los colombianos lo mejor del entretenimiento.La boletería del concierto de Juan Luis Guerra “Entre Mar y Palmeras” estará disponible en la página oficial de Tuboleta.com.Preventa preferencial Movistar: Será a partir de las 10:00 am del martes 20 de septiembre y hasta las 9:59 am del 22 de septiembre.Preventa clientes Bancos Aval: #ExperienciasAval, la plataforma de entretenimiento de los Bancos Aval: (Bogotá, Occidente, Popular, Av Villas), reafirma su compromiso con la industria del entretenimiento y continúa apoyando el fomento de la cultura en el país, anunciando hoy la preventa exclusiva para sus clientes, a partir del 22 de septiembre a las 10 am hasta el 24 de septiembre a las 9:59 am.PRECIOS JUAN LUIS GUERRA 2022 EN MOVISTAR ARENA BOGOTÁVenta para público general: Inicia a partir de las 10:00 am del 24 de septiembre hasta agotar existencias.¡La música nos une!
Big Time Rush se convirtió en una sensación en el 2009 desde el lanzamiento de la serie de televisión de Nickelodeon Big Time Rush. El programa fue un gran éxito y catapultó al grupo al estrellato en la vida real.Lanzaron 3 álbumes de estudio y se presentaron en diferentes partes del mundo, incluidas cinco giras de 2011 a 2014. En junio de 2020, la banda celebró una reunión virtual sorpresa. para celebrar el décimo aniversario de su tema “Worldwide”, lo que provocó una histeria masiva entre sus fanáticos y en los medios. En marzo de 2021, las cuatro temporadas de Big Time Rush de Nickelodeon se agregaron a Netflix y la banda se volvió viral una vez más, lo que aumentó la demanda de los fanáticos de una reunión oficial. Poco después, la banda anunció que se unirían para dos shows especiales en vivo en Nueva York y Chicago, que se agotaron en cuestión de minutos.Ahora, con el lanzamiento de su gira Forever Tour y el lanzamiento de toda la música nueva, incluidos los sencillos "Honey", "Fall", "Not Giving You Up" y "Call It Like I see It", los fanáticos pueden esperar ver mucho más del grupo en los próximos años.Hoy, Big Time Rush anuncia su próxima gira Forever Tour en América del Sur. Producida por Live Nation, la gira de cinco espectáculos comenzará en el 2023 y las fechas serán las siguientes: el 24 de febrero en el Teatro Caupolicán de Santiago, con paradas en Buenos Aires, Bogotá y São Paulo, antes de concluir en Vivo Rio en Río de Janeiro el 5 de marzo de ese mismo año. Las boletas saldrán a la venta para el público en general a partir de 2 de septiembre en eticket.coEl Forever Tour ha tenido un gran éxito desde su lanzamiento a principios de este año, con fechas agotadas en lugares icónicos desde el Madison Square Garden de Nueva York hasta una etapa de tres espectáculos en México, no es ningún secreto que la banda está de vuelta y para quedarse.Big Time Rush también ha llevado su música a todo el mundo con el reciente lanzamiento de su primer sencillo latino "Dale Pa' Ya" junto al productor Maffio, tres veces ganador del premio Latin GRAMMY. Escúchalo AQUÍ. Este es el primer sencillo de su próximo EP producido por Maffio.¡La música nos une!
Lamentablemente 2022 no ha sido el año que Shawn Mendes esperaba para su carrera, si bien ha mantenido las cifras de oyentes en sus plataformas digitales no ha podido responderle a sus fans como él desea. Hace unos meses publicó una carta que preocupó a sus seguidores donde revela que siente mucha presión para su corta edad. Semanas después aplazó algunas fechas de su gira de conciertos y hoy finalmente decidió cancelar todo el tour que tenía fechas confirmadas en Norteamérica, Europa y Asia. Contenido relacionado | Shawn Mendes: "temo que la gente se aburra o piense menos de mí si sabe la verdad"Se informó que Shawn también canceló las negociaciones que sus representantes habían adelantado para ofrecer varios conciertos en América Latina. En la carta lamenta que su decisión defraude a sus fans, pero confía que va a ser entendido y respetado.El comunicado también revela que esta cancelación no significa que se vaya a retirar de la música, pero sí que se tomará las cosas con mayor tranquilidad. CARTA DE SHAWN MENDES A SUS FANS TRADUCIDA AL ESPAÑOLComo saben, tuve que posponer las últimas semanas de shows ya que no estaba totalmente preparado para el costo que tomaría en mí estar de vuelta en el camino. Empecé esta gira emocionado de finalmente conseguir volver a tocar en vivo después de un largo descanso debido a la pandemia, pero la realidad es que no estaba preparado para lo difícil que sería salir de gira. Después de este tiempo fuera y de hablar más con mi equipo y trabajando con un grupo increíble de profesionales de la salud, se vuelve más claro que necesito tomarme el tiempo que nunca he tomado personalmente, ponerme a tierra y volver más fuerte. Desafortunadamente tengo que cancelar el resto de las fechas de la gira en North América y Reino Unido/Europa. Teníamos la esperanza de que yo podría ser capaz de retomar con el resto de las fechas después de algunos muy necesarios descansos de tiempo libre, pero en este momento tengo que poner mi salud como mi primera prioridad. Esto no significa que no voy a hacer música nueva, y yo no puedo esperar a verte de gira en el futuro. Sé que todos ustedes han estado esperando tanto tiempo para ver estos shows, y me rompe el corazón decir usted esto, pero les prometo que volveré tan pronto como haya tomado el tiempo de sanar. Los amo a todos y muchas gracias a todos por el apoyo y acompañándome en este viaje.¡La música nos une!
Aquí estamos en 2022 con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos <u class="rte2-style-underline">un especial con reseñas de discos colombianos (álbumes de estudio y EP)</u> para que se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo <u class="rte2-style-underline">a lo mejor del 2021 en este especial</u> . Acá les presentamos Fino de Llane.Los invitamos a escuchar nuestra playlist Recarga Local en Amazon Music Colombia.¿Quién es Llane?Llane logró reconocimiento global siendo el líder natural de la agrupación paisa Piso 21. Después de 14 años en la banda decidió empezar carrera en solitario demostrando que tiene todo para convertirse en el representante masculino del nuevo pop colombiano. En 2019 empezó su carrera como solista y ahora presenta su primer álbum de estudio.¿Qué es Fino de Llane?Es su más reciente sencillo, una colaboración con Danny Ocean en la que se resaltan las virtudes de una mujer en la etapa inicial de la conquista. Tanto el paisa como el venezolano hicieron match cuando grabaron el tema y su química profesional se ve reflejada en el video oficial grabado en México y dirigido por Juan Zuleta.¿Cómo se conocieron Llane y Danny Ocean?Ambos artistas tienen una buena relación y, además, hacen parte del mismo sello discográfico. Para el video oficial de FINO se encontraron en México y filmaron el proyecto audiovisual que abre una nueva era en la carrera de Llane.FINO, el álbum debut de LlaneAdemás de ser la canción con Danny Ocean, también es el nombre de su primer proyecto discográfico como solista. Este larga duración incluye temas que salieron hace tres años como Más de ti, su sencillo debut, pero también viene con colaboraciones que la gente ha escuchado en los últimos meses como Oveja Negra con Masego, Alcancía con Reik y Keha, Sueño con Omar Montes, Puñales con Boza, Presente y Futuro con Zion y Álvaro Díaz o Será con Manuel Turizo.En video | Piso 21: ¿quién es el más paisa, llorón, divertido y rockstar de la banda? - Shock¡La música colombiana nos une!
Después de tres años del estreno de la primera temporada, se reveló que la cuarta temporada de Only Murders in the Building llegará a la plataforma de streaming Hulu el 28 de agosto del 2024. Esta vez, Charles, Oliver y Mabel se entera que un estudio de Hollywood quiere hacer una película inspirada en su podcast. Por esto, el trío dinámico se va a Los Ángeles y, mientras trabajan por su camino a la fama, intentan resolver el asesinato de Sazz Pataki. En esta ocasión, además de Martin Short, Steve Martin y Selena Gomez el elenco tendrá como invitados estrella a Meryl Streep, Da’Vine Joy Randolph (ganadora al Oscar a Mejor Actriz de Reparto por The Holdovers), Eugene Levy, Eva Longoria, Zach Galifianakis, Molly Shannon, Kumail Nanjiani, Melissa McCarthy y Richard Kind, entre otros. El trailer de la temporada 4 de 'Only Murders in the Building'Las expectativas de la serie están muy altas ya que es una de las favoritas por el público. IMDb calificó esta comedia con un 8,1 y Rotten Tomatoes con un 97%. De hecho, la serie tuvo varias nominaciones en la temporada de premios del 2024, como en los Golden Globes a Mejor Serie de Comedia o Musical. ¿Cuál es el argumento central de 'Only Murders in the Building'?Tres personas que viven en el mismo edificio, Charles, Oliver y Mabel, tienen algo en común: su obsesión por el crimen. Sin embargo, y a pesar de su afinidad con el tema y los podcasts que tengan que ver con este, su vida cambia cuando los tres se ven involucrados en un crimen real. Cuando se enteran de este horrible asesinato en un apartamento de Upper West Sid, Charles, Oliver y Mabel utilizan todos sus conocimientos en el tema para resolver el misterio y encontrar al culpable. Durante la misión, el trío dinámico decide grabar un podcast para documentar su proceso y terminan descubriendo uno que otro secreto más. La serie de televisión y comedia fue creada por el actor y uno de los protagonistas de la serie, Steve Martin, junto a John Hoffman. Actualmente, Only Murders in the Building tiene tres temporadas cada una de 10 episodios. A pesar de que la serie es originalmente de Hulu, en Latinoamérica se puede ver por Star+. **Les recomendamos: Las 35 mejores series de 2023 según Shock
Estos días, Carlos Vives recibió críticas en redes sociales, por un video que se hizo viral en X (Twitter), en el que, junto al también cantante vallenato Silvestre Dangond, hace una crítica a Gabriel García Márquez. "Al escritor García Márquez hay que hacerle saber bien, que uno la tierra donde nace es la que debe querer, y no hacer como hizo él que su pueblo abandonó y está dejando caer", dice el cantante vallenato. Vives canta una canción compuesta Armando Zabaleta titulada Aracataca Espera, lanzada originalmente en 1974. ¿Quién es Armando Zabaleta?Zabaleta nació en El Molino, La Guajira, el 21 de febrero de 1927 y fue un conocido cantante y guacharaquero. Fue un defensor de la expresión autóctona del folclor vallenato. Falleció en 2010. Fue el sexto Rey de la Canción Vallenata Inédita del Festival de la Leyenda Vallenata con ‘No vuelvo a Patillal’, una de sus composiciones más recordadas. Aunque la canción fue una crítica al escritor, lo cierto es que él en su momento se lo tomó con humor y eran grandes amigos. ¿Qué dijo García Márquez de la canción de Zabaleta? Según recuerda Panorama Cultural, en una ocasión, un periodista le preguntó a García Márquez: “Maestro, ¿qué opina usted de la canción que le compuso Armando Zabaleta? Gabo respondió : “En Aracataca tienen que levantarle una estatua a Zabaleta”. La respuesta del escritor motivó tanto al compositor que con frecuencia solía visitar a Aracataca, donde era recibido con aprecio y venerado por todos los cataqueños. En el fondo, la población le agradecía la crítica que exponía en la canción y esperaban que el escritor, en cualquier momento, respondiera positivamente con el pueblo.“La música vallenata me ha dejado todo, con ella me hice popular, principalmente la gente me estima mucho y eso me enorgullece a mí. No tengo palabras para agradecer tanto cariño”, dijo Zabaleta en una declaración a Diario del Norte, días antes de su muerte. "Se distinguió por ser un auténtico baluarte de nuestra música y a través de sus canciones dio a conocer el sentir de la provincia. Su aporte a la música vallenata fue extraordinario", dijo el presidente de la Fundación Festival de la Leyenda Vallenata, Rodolfo Molina Araujo,citado por El Tiempo.
A partir del 16 de mayo, los jueves, viernes y sábados llega a Casa E Borrero Amarte así. Esta obra de teatro es escrita y protagonizada por la reconocida periodista Mariángela Urbina, dirigida por Paola Barrera y cuenta con la presencia en escena de Viviana Bernal, Marcela Robledo y Gabriela Galindo. En esta historia, Mariángela debe enfrentarse a cuatro grandes miedos que compiten entre ellos para superarse: Miedo al fracaso, Miedo al virus del papiloma humano (VPH), Miedo a envejecer y Miedo a la soledad. “Son miedos que cualquier persona puede experimentar, pero que se han instalado de formas muy particulares en las mujeres. Nos han enseñado que para sentirnos bien con nosotras mismas tenemos que ir a terapia y enfrentar los miedos, pero se nos ha hablado menos sobre la relación entre esos temores y la estructura social que habitamos, pues la desigualdad de género nos ha hecho más temerosas”, explica Mariángela Urbina. Amarte así no solo presenta un poderoso mensaje de resiliencia y compasión con nuestra fragilidad, sino que cuestiona con humor los estereotipos de género, los prejuicios de la sexualidad, el amor romántico y los retos del activismo. El humor es algo fundamental en la obra. De hecho, Mariágela Urbina comenta que específicamente en esta historia es usado como herramienta pedagógica. Al final, la gente estará riéndose de lo que ve sin darse cuenta que ha estado aprendiendo durante todo ese tiempo. "Si todos los días es el día del fin, entonces es porque todos los días también son un nuevo comienzo."Uno de los objetivos de Amarte así es darle al público un momento de transformación que los llevará a un plano en el que se encontrarán con otras formas de afrontar los miedos que los aquejan en su cotidianidad. Les dejamos aquí el link para que compren sus entradas para asistir a Amarte así, una obra de teatro que también es una terapia colectiva.
Black Pumas estará en vivo en Bogotá el próximo 20 de mayo. Es una banda que con su sonido R&B soul ha cautivado a miles de fans en el mundo. El dúo fue nominado a un Grammy a Mejor nuevo artista. El dúo está conformado por Adrian Quesada (guitarra) y Eric Burton (cantante y compositor). Adrian, pasó cerca de 15 años tocando con el Grupo Fantasma, una banda de funk latino que en el 2010 ganó un Grammy al mejor álbum de rock alternativo y urbano con el disco El existencial.Por otro lado, Eric Burton creció en Los Ángeles cantando en iglesias y tocando en los muelles de Santa Mónica antes de trasladarse a Austin, Texas, donde se conectaría con Quesada.Quienes han estado en sus shows saben que el grupo suele incluir un cover de Fast Car, de Tracey Chapman. Adrian Quesada, miembro de la banda, nos contó la razón. "Antes de conocer a Eric, él vivía en Los Ángeles y tocaba en un lugar que se llamaba Santa Monica Pier. Él siempre tocaba esa canción y en un show de repente necesitabamos otra canción al final y el tocó esa. Desde ahí la empezamos a tocar porque, aunque me encanta tocar con Black Pumas, también me encanta oír a Eric cantar solo con la guitarra. Es una canción increíble, eterna. ¿Cuál es la historia de Fast Car de Tracy Chapman?Cuando Chapman se sentó a escribir Fast Car, todavía era una cantautora desconocida que tocaba en bares y cafés alrededor de la Universidad de Tufts. Al hablar sobre la inspiración detrás de la canción en la BBC en 2010, explicó que, como muchas de las canciones de su álbum debut, Fast Car fue un intento de capturar "el mundo tal como lo veía cuando estaba creciendo".Chapman fue criada en Celeveland, Ohio, por una madre soltera en "una comunidad de personas que estaban luchando", donde todos "trabajaban duro" y "esperaban que las cosas mejoraran".Chapman escribió la canción una tarde de 1986. “Tenía un perro pequeño, un Dachshund miniatura, y el perro se quedaba despierto conmigo”, explicó. “Ella siempre se quedaba despierta si yo me quedaba despierta hasta tarde, creo que ella estaba sentada en el sofá junto a mí, cuando comencé a escribir la música y las primeras letras, creo que la primera parte de la canción que salió para mí fue la primera línea: 'Tienes un auto rápido...".
Roger Corman, fue un prolífico productor de películas B, un tipo de cine caracterizado por su bajo presupuesto, fue también mentor de futuras estrellas de Hollywood, incluidos los directores Francis Ford Coppola, Ron Howard y Martin Scorsese. Murió el 9 de mayo, a sus 98 años, en su casa de Santa Mónica, California, informó su familia en las redes sociales. "Era generoso, de corazón abierto y amable con todos aquellos que lo conocieron. Un padre devoto y desinteresado, sus hijas lo amaban profundamente", dijo su familia en un comunicado. "Sus películas fueron revolucionarias e iconoclastas y capturaron el espíritu de una época".Aún se desconoce la causa de su muerte.Corman fue llamado durante mucho tiempo el "Rey de las B", habiendo hecho cientos de películas B en sus casi siete décadas como productor y director independiente. Recibió un Oscar honorífico en 2009. Su legado se extiende mucho más allá de sus propias películas. Corman impulsó cientos de estrellas en ascenso, incluidos futuros directores como Coppola, Scorsese, Howard y Jonathan Demme. Además, impulsó las carreras de Jack Nicholson, Dennis Hopper, William Shatner y Robert De Niro, entre otros nombres conocidos.¿Quién fue Roger Corman?Roger William Corman (5 de abril de 1926 - 9 de mayo de 2024) fue un cineasta estadounidense prolífico, conocido como "El Papa del Cine Pop", "El Padrino Espiritual del Nuevo Hollywood" y "El Rey del Cine de Culto". Dirigió, produjo y actuó en más de 400 películas, abarcando géneros como la ciencia ficción, el terror, el western, el crimen y la comedia.Nacido en Detroit, Michigan, Corman estudió ingeniería industrial en la Universidad de Stanford y sirvió en la Marina durante la Segunda Guerra Mundial. Tras la guerra, se mudó a Los Ángeles e inició su carrera en la industria cinematográfica como asistente de producción. En 1951, fundó su propia compañía, American Releasing Corporation, con el objetivo de hacer películas de bajo presupuesto para el mercado de doble función.Corman era famoso por su eficiencia y rapidez, filmando películas en solo unos días con presupuestos extremadamente bajos. Su filmografía incluye títulos como 'El ataque de los cangrejos gigantes' (1957), 'La tienda de los horrores' (1960), 'El cuervo' (1963), 'Masacre sangrienta' (1963) y 'Viaje alucinante' (1968).Corman jugó un papel fundamental en el lanzamiento de las carreras de numerosos cineastas reconocidos, como Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, Peter Bogdanovich y Joe Dante. Muchos de ellos trabajaron con él como aprendices o directores en sus producciones de bajo presupuesto.Además de su trabajo como director y productor, Corman también fue un importante distribuidor de películas extranjeras en los Estados Unidos. Introdujo al público estadounidense a obras de aclamados directores como Federico Fellini, Ingmar Bergman, François Truffaut y Akira Kurosawa.Corman recibió numerosos premios a lo largo de su carrera, incluyendo un Oscar Honorífico en 2009 y el Premio George Eastman de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas en 1981. Es considerado una figura fundamental en la historia del cine, especialmente en el desarrollo del cine independiente y de culto.