Aquí estamos, como de costumbre, con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial con reseñas de discos colombianos (álbumes de estudio y EP) para que se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo a los mejores temas y álbumes nacionales en este especial con lo mejor del 2020 . En esta oportunidad les presentamos la primera canción de YIDI: 15 días.¿Quién está detrás? YIDI es una banda de rock colombiana conformada por Carlos Yidi, guitarrista del grupo y compositor desde los 11 años; Andrés Garzón, baterista desde los 14 años quien ha podido participar en proyectos como TBCB (The Black Cat Bone), ENePEI, Rafa Bonilla y los que sobran, Las Kcha y la Orquesta Sinfónica del Rock; Juan del Camino, vocalista que ha participado también en proyectos como Santo Remedio y Rey Mostaza; Julián Hurtado, bajista también participe de Rafa Bonilla y los que sobran y Rey Mostaza; por último está Calo Vera, bajista y guitarrista que se conoce muy bien con los demás integrantes al haber participado también en proyectos como Rey Mostaza, HEYFAR, Tu Rockcito y El Colombian Rocker.“Fuerza, pasión, perseverancia y anhelo” es como ellos describen este proyecto musical.¿De qué trata? Según YIDI trata “de los miedos a enfrentar el amor y cómo por ese miedo este se pierde. Justo al momento de notarlo, ya es muy tarde”.¿A qué suena? En su borrador era “inicialmente una balada muy triste”, gran parte de la canción “solo contaba con guitarra y voz”, pero al llegar a las manos de su productor Harvey Marín, 15 días se convirtió en una power ballad.¿Cuándo escucharla? En cualquier momento. Esta canción es para darse cuenta de que no hay que dejar ir el amor por miedo.Pueden encontrarlos en redes sociales como @YidiRockBand en Instagram, Facebook y YouTube.15 Días - YIDI
Smoking Molly, uno de los lugares para disfrutar de música en vivo en Bogotá, abre de nuevo sus puertas al público, ubicado en la calle 29 bis # 5-74, es un lugar donde el blues y el rock son los protagonista de la noche, por su tarima han pasado muchas bandas que representan el espíritu musical con el que fue creado este espacio.La música en vivo de la capital, empiezan lentamente a reactivarse en este primer trimestre del año. Apostándole a eventos en formatos más pequeños y con medidas de distanciamiento Smoking Molly vuelve a la vida nuevamente para ofrecer este próximo sábado 6 de marzo un tributo a AC/DC con todos los juguetes por la agrupación The Jack.The Jack no es la típica agrupación tributo a la que todos estamos acostumbrados. The Jack es una agrupación compuesta por cinco pastusas que decidieron romper los estereotipos y aventurarse a hacer uno de los tributos femeninos más elogiados a la reconocida banda Australiana de hard rock. The Jack a logrado combinar muy bien la interpretación de las canciones con un Estas 5 pastusas se destacan por poner un show electrizante lleno de teatralidad y por supuesto muy buena música.La cita es este próximo Sábado 6 de Marzo en Smoking Molly en donde se interpretaran grandes éxitos como Thunderstruck, Back in Black, Highway to Hell, T.N.T. entre muchos otros.Smoking Molly nace por la necesidad de tener en la ciudad un espacio donde el Blues el Rock y la música negra son los protagonistas a través de presentaciones en vivo. Complementan la experiencia musical con una oferta de hamburguesas con influencias del sur de Estados Unidos entre otros exquisitos platos de la gastronomía creole. También tienen una excelente coctelería de autor y un ambiente que evoca lo mejor de las épocas doradas del Blues y el Rock n´ Roll.
Sin duda, una de las decisiones más difíciles para cualquier banda es elegir su nombre. Debe ser una frase que genere recordación y que refleje su esencia. Algunos se inspiran en libros (Coldplay tomó su nombre de Child's Reflections, Cold Play, de Philip Horky), otros se basan en la historia (Foo Fighters era el nombre que recibían los OVNIS en la Segunda Guerra Mundial), y otros toman la idea de personajes de películas (Duran Duran se basó en el Dr. Durand Durand de Barbarella).Las siguientes bandas se inspiraron en canciones y videos de otros a la hora de elegir su nombre, y les quedó muy bien.The Rolling StonesBasado en: Rolling Stone – Muddy WatersUna de las bandas más importantes del rock tomó prestado el nombre de una canción de Muddy Waters, uno de los nombres más destacados del blues. Esta canción también fue inspiración para una de las grandes composiciones del rock: Like a Rolling Stone, de Bob Dylan. RadioheadBasado en: Radio Head – Talking HeadsInicialmente, el nombre de Radiohead fue On a Friday porque ensayaron un viernes. El grupo británico inicialmente se inspiró en la banda de David Bryne, así que cuando firmaron su primer contrato discográfico, Radiohead les pareció una excelente opción (aunque, para ser sinceros, On a Friday no era muy difícil de superar). The KillersBasado en: Crystal – New OrderLa banda liderada por Brandon Flowers, se inspiró en el video de Crystal que narra la historia de una agrupación ficticia. En varias ocasiones ambas bandas han cantado juntas esta canción en vivo. Bad BrainsBasado en Bad Brain – The RamonesLa banda de Wasington es reconocida como una de las primeras bandas de hardcore punk, aunque no les guste mucho el término. El grupo nació en 1978, 4 años antes que The Ramones y tomaron su canción para el nombre. Curiosamente, The Ramones se inspiró en Paul McCartney para su nombre: el ex-beatle firmaba en los hoteles como Paul Ramone. The KooksBasado en Kooks – David BowieThe Kooks es uno de los nombres más destacados del indie. La banda nacida en 2006 tomó como inspiración una canción de Bowie, de su disco Hunky Dory de 1971. La canción fue hecha en honor a Duncan Jones, el primer hijo del músico.
Este 11 de febrero se conoció el primer avance Long Live Rock: Celebrate The Chaos, un documental que contará con la participación de miembros de destacadas bandas de la historia del rock, tales como Metallica, Guns N’ Roses, Slipknot, Korn, Avenged Sevenfold, Rob Zombie, Rage Against The Machine, Greta Van Fleet, Black Veil Brides, Halestorm entre otros. El documental se estrenará mundialmente el próximo 11 de marzo y hablará sobre cómo viven los fans la experiencia rock en diferentes festivales del mundo.“Una buena parte de lo que captura el filme es la energía, la urgencia, y el caos de un concierto masivo. Hasta que podamos estar hombro a hombro en un gran campo rockeando juntos, esto aliviará un poco el dolor”, declaró a Billboard Gary Spivack, productor del filme.Este documental sigue a un grupo de fans que se encuentran en varios festivales a lo largo del año. La música es lo que los une. “Al hacer esta película queríamos capturar la comunidad de bandas que hacen la música mientras destacamos a los fans que viven para cabecear, poguear y “surfear” en el público. Su compromiso con el género y su nivel de pasión era algo que queríamos evidenciar”, añadió el director Jonathan McHugh.Aunque la idea era que el documental se viera en grandes salas de cine… ya sabemos qué sucedió. Por eso, estará disponible en la página web longliverockthemovie.com y desde ya se pueden adquirir entradas a la premier desde cualquier lugar del mundo, por un valor de 9.99 dólares.“Long Live Rock es una celebración del caos que hasta de esta música y sus fans los más apasionados del mundo. Espero que disfruten al ver este filme tanto como disfrutamos haciéndolo. Con todos los festivales y conciertos clausurados en todo el mundo, esperamos que este filme te ayude a sobrellevar estos días y podemos regresar a seguir rockeando”, declaró McHugh en un comunicado de prensa.
Por estos días han circulado en redes sociales capturas de pantalla de un compilado de Now, That’s What I Call Music llamado “Dad Rock” o rock de papá.¿El cierto que existe una edición de Now con “rock de papá”? Sí, no es un meme, el disco es totalmente real, según la página web de Now y fue lanzado en 2018. Consta de 3 CDs con 59 canciones. El disco tiene canciones de bandas como Queen, The Rolling Stones, Bon Jovi, Boston, Eric Clapton, ZZ Top o Lynyrd Skynyrd. Hasta ahí todo bien. Sin embargo, también incluye sencillos de The Killers, Blink 182, Sum 41, y Fountains of Wayne. Ahí, aunque a muchos les cueste admitirlo, todo bien.El disco también incluye canciones de The 1975, Imagine Dragons, MGMT, The Lumineers o Hozier, bandas que no encajan en la definición que muchos esperarían de “rock de papá”, pues son canciones que fueron lanzadas recientemente.No parece que les importe mucho a quienes tienen el disco, de acuerdo con las reseñas de Amazon. “Grandes elecciones”, “la selección cubre varias eras y géneros, funcionó muy bien”, “está lleno de grandes hits” son algunos de los comentarios.Para Buzzfeed, la teoría es que “rock de papá” es un término para describir el “feeling” de la canción y no tanto la era en la que fue creada. ¿Qué opinan?El compilado Now nació en 1983 en un intento por repasar todas las canciones del año. La casa promedio en el Reino Unido tiene 4 discos de Now, según la BBC. Ha logrado mantenerse vigente a pesar del cambio de vinilo a casete, CD e Internet. En 2017 vendió 3.2. millones de copias (más que artistas como Ed Sheeran, Pink o Drake). Ha vendido más de 120 millones de discos, ha acumulado 654 semanas en el número uno y ha incluido a más de 2000 artistas.
En la música, como en todos los aspectos de la vida, es difícil complacer a todo el mundo. Cuando una banda por fin tiene un hit, se ve obligada a mantener las expectativas de críticos y fans. Sin embargo, cuando le da al público lo que quiere, también es criticada por ser “segura” y no arriesgarse.Estas 8 bandas son algunas de las muchas que han sido criticadas por que sus canciones son muy similares. Eso no les ha impedido convertirse en nombres destacados dentro del rock. Aunque algunos las critiquen por “sonar siempre igual”, han construido una fórmula exitosa entre sus fans, así que ¿por qué habrían de renunciar a ella?Con ustedes, 8 bandas que han sido acusadas de sonar siempre igual y no les importa mucho, ni a ellas ni a sus fans.AC/DCLos detractores de la icónica banda australiana afirman que todas sus canciones son exactamente iguales. Angus Young, fundador del grupo, se ha pronunciado varias veces al respecto: “Cuando alguien decía “todos sus discos suenan igual” mi hermano Malcolm respondía “sí, es que es la misma banda”. En otra oportunidad bromeó diciendo: “Estoy cansado de que la gente diga que hemos hecho 11 álbumes iguales cuando en realidad hemos hecho 12 álbumes exactamente iguales”.AC/DC regresa. ¿Por qué es una de las bandas más importantes de rock?NickelbackLa banda canadiense es una de las que Internet ama odiar. Entre todas sus críticas, una de las más comunes es que todas sus canciones suenan igual. Mike Kroeger, bajista de la banda, dijo al respecto: “Creo que es destacable que alguien note que hay una cualidad de hit. Si todos los hits suenan igual, entonces lo sentimos. Cuando eres una banda con un estilo distintivo como nosotros o AC/DC eso pasa. Cuando tienes un estilo distintivo corres el riesgo de sonar similar”.The RamonesUna banda clave para el punk que marcó a varias generaciones. La simpleza de su música fue lo que llamó la atención de miles de fans y la razón por la cual muchos dicen que sus canciones son muy similares entre sí. A pesar de que buena parte de sus canciones son sencillas, rápidas y directas, sus verdaderos seguidores identifican perfectamente la diferencia entre cada una de ellas.Rage Against The MachineSin duda una de las bandas más importantes de los 90 con un mensaje político que difícilmente otros grupos podrían imitar. La agresividad del rap de Zach de la Rocha y la poderosa guitarra de Tom Morello fueron algunos sellos distintivos de su música. Alguna vez Trent Reznor de Nine Inch Nails dijo sobre ellos: “Son una muy buena banda, tocando lo seguro y repitiéndolo, pero siempre hacen la misma canción”. Sin duda, eso no les impidió convertirse en una inspiración para muchos grupos que vendrían después y hoy, su música es tan contundente como cuando se escribió.Rage Against the Machine: ¿Por qué fue tan importante?ManáMuchos han calificado las canciones de esta banda mexicana como “repetitivas” y afirman que Maná lleva muchos años haciendo la misma canción. El grupo se mantiene como uno de los más conocidos y exitosos de Latinoamérica. Ante las críticas, Alex, baterista del grupo, dijo alguna vez “les guste o no, somos lo que ven y siempre nos hemos caracterizado por ser una banda honesta”.Imagine DragonsEsta banda de Las Vegas irrumpió en la escena en 2008 y así como ha ganado miles de fans, no ha sido ajena a las críticas que afirman que sus canciones siempre tienen la misma fórmula. “Cada canción tiene la misma fuerza rítmica agotadora y aplastante que, así como Ready For It de Taylor Swift, suena lista para el fútbol americano universitario y espantosa para escuchar”. Eso no les ha impedido alcanzar los primeros lugares en los listados mundiales de rock.The KillersEn una entrevista, Brandon Flowers declaró: “Solo sé que tenemos un tipo específico de canción que creamos. No siempre estamos tratando de sonar como “una canción de The Killers” o “un coro de The Killers”, pero tenemos una manera de hacer las cosas y a la gente le atrae eso”. La banda de Las Vegas es una de las más exitosas de este siglo con millones de fans.Motörhead Tras 4 décadas de carrera y más de 22 álbumes de estudio, Motörhead es considerada una banda fundamental en la música y su vocalista, Lemmy Kilmister ha sido calificado como dios del rock. Puede que algunos de sus más fieles fans no coincidan en que todas las canciones suenan igual, pero hay algo en lo que todos están de acuerdo: su sonido es tremendo.
Un 4 de enero, pero de 2010, falleció Roberto Sánchez, mejor conocido como Sandro de América. A 11 de años de su muerte, y en momentos en los que se estrena una serie sobre su vida, el público recuerda a una figura clave para la música de nuestro continente que incluso fue llamado el “Elvis latinoamericano”.Sandro nació el 19 de agosto de 1945 en Buenos Aires. Sus padres, Vicente Sánchez e Irma Ocampo, quisieron ponerle el nombre de Sandro, pero las autoridades del Registro Civil no se lo permitieron y por eso lo inscribieron como Roberto Sánchez. Sin embargo, durante toda su carrera se identificó como Sandro o Sandro de América.Aunque es recordado por las baladas y la música romántica, muchos lo consideran también un padre del rock argentino. “El compromiso de Sandro con el rock and roll fue absoluto”, dice Mariano del Mazo en su libro El fuego eterno. Los del fuego, después conocida como Sandro y Los del fuego fue su primera banda, que nació en 1960 y se mantuvo vigente por 6 años.La estética de Sandro y el resto de la banda estaba fuertemente inspirada en Elvis Presley. Así como sucedió con Elvis, los movimientos de Sandro cautivaron a las fanáticas más jóvenes, que fueron llamadas “nenas”, y los mantuvieron al borde de la censura (los más conservadores decían que incitaban al pecado).Una anécdota de 1963 afirma que el director de cámara Potín Domínguez de programa Sábados circulares le pidió a Sandro que se quitara el saco y lo arrojara al público. Además de eso, Sandro hizo un provocativo baile que escandalizó a miles de hogares. “No hubo nadie como Sandro en el escenario”, dice Rubén Rada en el documental Rompan todo, de Netflix.Sandro fue uno de los primeros cantantes en traer a Argentina noticias de la obra de Los Beatles y de Bob Dylan y el primero en grabar sus canciones casi en simultáneo con las ediciones originales de los Estados Unidos y Gran Bretaña, según explica Del Mazo. Fue frecuente durante los inicios del rock latinoamericano que se hicieran versiones de canciones populares de artistas ingleses y estadounidenses adaptadas al contexto local. Sus primeros LP incluían versiones en español como Niñito, Boleto para pasear, Perseguiré el sol y Es una mujer (de Lennon-McCartney), y Música de rock and roll (original de Chuck Berry, que también grabaron Los Beatles).En 1966, Sandro empezó su carrera como solista y el resto es historia: una prolífica carrera con más de 50 álbumes, millones de copias vendidas y hasta varias películas protagonizadas por él. Aunque su camino haya estado marcado principalmente por las baladas, su contribución al rock argentino y latinoamericano es innegable.
Varias opiniones generó la serie documental de Netflix Rompan todo, que hace un recuento histórico del rock latinoamericano. Aunque algunos criticaron las omisiones de ciertas bandas y la presencia de otras, en otros aspectos hubo un consenso: la importancia de Pachuco, de La maldita vecindad, dentro del rock latino.Incluida en el álbum El circo (1991), Pachuco es una de las canciones más conocidas de La maldita vecindad y los hijos del quinto patio. La banda es reconocida por su mezcla de rock con elementos propios de la cultura y la tradición mexicanas. “Música moderna popular mexicana”, según describieron la propuesta sus integrantes en una entrevista de 1992. La revista Spin incluyó El circo en su listado de los mejores discos de los 90. Para la publicación fue "el disco que cambió la dirección del rock mexicano".Rolando Ortega (Roco), vocalista de La Maldita, ha explicado en varias entrevistas que se inspiraron en la manera en la que la banda de rap Public Enemy usaba grabaciones de Malcolm X o de protestas en sus canciones. Por eso ellos también salieron a grabar lo que sucedía en las calles de su ciudad. Pachuco es un acto de rebelión de los más jóvenes frente a la autoridad de sus padres que, al parecer se les olvidó que no eran “tan decentes” y “tan formales” como dicen. Pachuco es una palabra que en el argot mexicano significa “feo y mal vestido” y que también hace referencia a una cultura urbana que nació en la década de los 30.En aquel momento, se vivía un fuerte racismo en Estados Unidos y los mexicanos eran abiertamente discriminados. Por eso organizaron "un protomovimiento de resistencia social y cultural", cuyos miembros se autodenominaron pachucos, explica en Expansion Manuel Valenzuela, sociólogo investigador del Colegio de la Frontera Norte. Los "pachucos" bailaban mambo y usaban trajes amplios y coloridos, una fuerte declaración sobre su identidad y su origen."El pachuco parece encarnar la libertad, el desorden, lo prohibido", escribió el Nobel mexicano de Literatura Octavio Paz en El laberinto de la Soledad. Pachuco reivindica ese deseo de resistencia de la generación anterior que resultó criticando “el atrevimiento” de los rockeros de los 90 con el pelo largo y chaqueta de cuero. Pachuco representa a la generación que critica a la que le sigue pero se le olvidan cuáles fueron sus símbolos de resistencia. Maldita vecindad nunca se imaginó que Pachuco fuera a ser el hit que se convirtió. Pero efectivamente es un himno del rock latino y el rock mexicano. Eso tienes que recordarlo.
Tras varias décadas, Louie Louie se mantiene como un clásico del rock. La versión más conocida es de la banda The Kingsmen (1963) y está basada en una canción con sonidos latinos: El loco cha-cha. La canción ha sido reconocida como una de las más influyentes del rock e incluso existe el Día Internacional de Louie Louie, cada 11 de abril.La banda grabó la canción porque quería tener trabajo en un crucero, pero nunca se imaginó que iba a ser un hit clave para el rock. Louie Louie también llamó la atención por otro detalle: su letra no se entendía muy bien en la grabación. En 1963, se decía que la canción escondía letras obscenas y que los más jóvenes fingían entenderlas para enfurecer a sus padres.El mito de que la canción tenía una letra vulgar hizo que subiera al segundo lugar de la lista Billboard y se mantuviera por varias semanas, e igualmente, que los padres se preocuparan por lo que estaban escuchando sus retoños. Ante miles de cartas de papás preocupados, el FBI abrió una investigación para descifrar el contenido de la canción.Según reporta Open Culture, al ente investigativo más grande Estados Unidos no se le ocurrió escuchar otras versiones de la canción (originalmente escrita en 1955 por Richard Berry) o entrevistar a su vocalista, Jack Ely, sus hallazgos se basaron solo en rumores. Tras cerca de 2 años en los que el buró no halló ningún dato concluyente, la investigación se archivó. No se podía declarar obscena una canción en donde no se entiende lo que se dice.¿Fue a propósito que no se entendiera nada? El único micrófono que tenía cerca Jack Ely estaba a varios metros arriba suyo. Igualmente, sus compañeros de banda estaban tocando sus instrumentos de forma estruendosa. Un feliz accidente que cambió para siempre la intención de la canción¿Y sí era tan obscena como pensaban los padres escandalizados de la época? En absoluto. Sin embargo, según declara una de las tantas cartas enviadas el FBI citada por The New Yorker, “No importa lo que dice la verdadera letra si cada adolescente oyó la versión obscena y no la versión escrita de la canción”.Una de estas leyendas del rock que son demasiado extrañas para ser mentira.
Zoé continúa presentando tracks de los que será su próximo álbum de estudio. Esta canción se suma a las anteriores SKR y Fiebre. El video fue estrenado en vivo por el canal de la banda el 10 de septiembre. “La canción habla del Dharma o el camino correcto, y del Karma que, son las acciones que definen nuestro presente, que ondulan hacia el futuro y que tienen eco desde el pasado, según las creencias hinduistas, y que forman el entramado del ciclo de la reencarnación” - León Larregui. Los mexicanos continúan explorando nuevas fórmulas musicales, aunque conservan el sonido característico que desde hace tres décadas está presente en sus canciones, pero la alianza con el productor Craig Silvey (Arcade Fire, Kasabian, Stereophonics, Noel Gallagher, entre muchos más) les ha permitido encontrar el sentido que le quieren dar a su nuevo álbum. El videoclip fue filmado en Barcelona, sus protagonistas Ramona Cuervo, Alesandra Álvarez, Rosa Blake y Alice Blake se mezclan entre escenarios poderosos de la naturaleza. El video fue dirigido por Ida Cuellar, Stephanie Carpinelli y León Larregui, producido por Primo Content, este equipo logró plasmar la idea de la canción en una estética surrealista.
Mogwai es una institución del post rock, pero fuera de ese nicho pocos saben de su existencia. A principios de 2021, sin embargo, lideró las listas de ventas en Reino Unido con su nuevo álbum, As the Love Continues. ¿Cómo le hicieron?Por William MartínezUn cuarto de siglo después de haber empezado, Mogwai, la institución del post rock escocés, alcanzó el primer puesto en las listas de ventas de Reino Unido. As the Love Continues, su décimo álbum de estudio, fue el responsable de esta extrañeza. “Es una noticia totalmente surreal, completamente inesperada. No es el tipo de cosas que entran en nuestra órbita”, declaró su líder, Stuart Braithwaite, a The Guardian. En siete días, vendieron 10.456 copias, superando a íconos contemporáneos del hip hop y del pop como Ghetts, Dua Lipa, The Weeknd y Ariana Grande.As the Love Continues es un álbum con potencia y volumen, a diferencia de las abundantes piezas post rock que se establecen como música apaciguada de fondo. Sin embargo, no cruza los propios límites del género ni de la banda: es post rock de tradición británica, con ecos de shoegaze y rock de principios de los noventa, robustecido con pads, acoples, vocorder y cuerdas pulidas. ¿Por qué solo ahora los oriundos de Glasgow saltan al mainstream, al menos temporalmente?Lo primero que explica el disparo comercial es su audiencia especializada: amantes de la escena independiente y de formatos físicos de reproducción (discos y vinilos). Mientras que buena parte de los seguidores de Post Malone y Taylor Swift esperan sus novedades en Spotify o YouTube, los seguidores del post rock y de otras variantes del rock buscan comprar el elepé para su colección personal. Mientras que Post Malone y Taylor Swift buscan dar el golpe con sencillos, bandas como Mogwai continúan aspirando a la cohesión de un álbum. Siguen concibiendo el álbum como una obra de arte que no puede ni debe ser desmigajada.“Luego de que el vinilo haya obtenido un resurgimiento como formato de consumo musical en los últimos años, muchos consumidores se volcaron de lleno en clásicos y es posible que muchos investigaran sobre tendencias y artistas y así llegaran a Mogwai”, cree Il Gimón, librero y encargado del área de barra, fotografía y música en Santo & Seña, librería independiente ubicada en Chapinero.Por su lado, Pedro Ramírez, guitarrista de las extintas bandas bogotanas Incendiariat, Opaal y This Sea Breathes Evil (ligadas siempre al post rock), relaciona la escalada a la cima de los escoceses con el auge que experimentan el mindfulness y las políticas de cuidado personal. “Más en una sociedad tan atomizada como la británica luego del Brexit, que viene siendo de las más afectadas por las asperezas del capitalismo tardío y por el coronavirus. As the Love Continues se siente muy cálido y optimista. Ese mood viene bien para estos tiempos”, piensa.(Lean también: 'Descuida, yo te cuido': una ingeniosa radiografía del capitalismo tardío)Aunque Gimón reconoce que el rock ha perdido fuerza por volverse anacrónico en sus posturas y no ofrecer ninguna novedad que otros estilos se han atrevido a explorar y explotar, le parece importante destacar que existe una inconformidad con la maquinaria pop y su manera de convertir la música en un producto desechable. “Mogwai ha ido adaptando su sonido acercándose más al formato canción, lo que a lo mejor ha usado a su favor para ofrecer algo refrescante en sus trabajos más recientes”, opina el antiguo integrante de Boom Boom Clan, una agrupación que a principios del 2000 experimentaba con estructuras propias del post rock y la electrónica minimalista y en la que Mogwai era referencia obligada.Ramírez establece una conexión entre la sociedad posterior a la caída del Muro de Berlín y la Guerra Fría y la sociedad pandémica del presente. Me cuenta que el sello alemán de música electrónica experimental y minimalista Raster-Noton, fundado en 1996, decidió apostarle a un concepto musical purista, desligado de las ideologías, debido al hastío mental que les produjo la guerra capitalismo vs comunismo. No se preocuparon por enviar un mensaje, sino por ensamblar un sonido: su intensidad, su duración, su clima. “Podría decir que el post rock nació de esa tradición postideológica. Su ausencia de letras ─y, por tanto, de ideología─ podría ser lo que necesitan los jóvenes británicos ahora”.Ese deseo de no pensar se conecta con el concepto de nostalgia que propone el sociólogo Zygmunt Bauman en Retrotopía (2017). “Nuestro mundo está aquejado de una epidemia global de nostalgia. Un mecanismo de defensa en tiempos convulsos e inciertos. Se trata de la búsqueda por reconstruir un hogar ideal, un hogar que habita en el pasado. Esta nostalgia está presente en muchas de las ideologías actuales, que nos invitan a renunciar al pensamiento crítico y nos hacen entregarnos a un universo emocional. La epidemia de la nostalgia releva la epidemia del progreso de hace unas décadas. Pero no volvemos a un pasado tal cual fue, sino que volvemos al pasado tal cual lo idealizamos hoy”. Mientras unos, como dice Ramírez, buscan el futuro desesperadamente (ejemplo de esto es el pc music), otros se resguardan en el pasado con géneros ya conocidos como el post rock noventero.¿Revivirá el post rock o Mogwai configura simplemente una excepción a la regla? Ramírez no cree en un renacimiento del género. “Si una banda pionera aún sigue abanderando el estilo, quiere decir que no hay una rotación generacional importante. En todo el mundo existen replicas de los grandes nombres, pero no hay mayores aportes de las bandas locales. Mientras podemos hablar del death metal de Gotemburgo, del death metal de Brasil, el death metal de Florida, no podemos hacer la misma distinción en el post rock”. Gimón, por su parte, piensa distinto. “Creo que el rock todavía tiene mucho que ofrecer y Mogwai, así como Arcade Fire en su momento, son los portavoces de un estilo que puede y ha mutado para llegar a más personas”.Lo cierto es que Mogwai ha crecido orgánicamente, en línea recta, sin recurrir a grandes volantazos. Prueba de que no todos los auténticos saltos se realizan lateralmente, como los saltos vencedores del caballo en el ajedrez.Sígannos también en Instagram
Mientras baja la tercera ola de la pandemia a la par que se avanza, lentamente, con la vacunación, varias ciudades españolas asisten los últimos días del mes al vandalismo de grupos de manifestantes que protestan violentamente por el encarcelamiento del rapero Pablo Hasél a causa de una ley que limita la libertad de expresión y que el gobierno promete modificar próximamente. En ese contexto, destacamos diez propuestas musicales y culturales que engalanaron a febrero en España.Por Zona de ObrasLa monarquía española no pasa por su mejor momento. El conocimiento de los escándalos del Rey emérito puso todo patas para arriba. Y para unos Planetas cada vez más politizados, el asunto no pasa desapercibido. Así llegó el single El Rey de España, imperdible y afilada pieza con el foco (y el dedo en la llaga) puesto en el que fuese denominado popularmente durante muchos años como “rey campechano”.Siguiendo con la estela planetera, vamos con Los Pilotos, el proyecto de Banin y Florent, que presenta el primer single de lo que será Alianza Atlántica, un álbum que reunirá a catorce artistas latinoamericanos para dar forma a un verdadero tratado de música electrónica popular contemporánea de la región. El tema en cuestión es “El ciclo de las mareas”, en el que Los Pilotos se acompañan del delicioso trío dominicano Mula.C Tangana es un genio. Con El madrileño, su más reciente álbum, demuestra estar en estado de gracia y tener un talento desbordante. El doble vídeo Nominao/Hong Kong (con Jorge Drexler y Andrés Calamaro) es demasiado bueno. Cinematografía pura para una fiesta trasnochada en la que hay lugar para las actuaciones de Paz de la Huerta y Julia de Castro, una alusión a Los Abuelos de la Nada, Drexler fumando en una barra y estrofas de “Jugo de tomate frío”, de Manal, banda seminal del rock argentino. Arte puro.En marzo de 2000, Charly García saltó a la piscina de un hotel desde el noveno piso. Ahora, en 2020, el cantautor asturiano Pablo Und Destruction toma como punto de partida aquel salto del genio argentino para dar forma a El salto de Charly García, un temazo con forma de empujoncito hacia el valor, la franqueza y la irreverencia. El videoclip, rodado en el monte asturiano, incluye, como era de esperar, imágenes del afamado salto.La pianista y compositora catalana Clara Peya, que publica a finales de mes su álbum Perifèria, se une Alba Flores y Ana Tijoux para presentar Mujer frontera, una canción de homenaje a las mujeres que están al margen de la sociedad. Mujeres que, a pesar de ser consideradas invisibles, son un pilar fundamental. El tema cuenta con un sugerente vídeo que sirvió para difundir una campaña solidaria en ayuda de la asociación feminista Jornaleras de Huelva en Lucha.Hay bandas que son literalmente inclasificables. Califato ¾ es una de ellas, capaz de sonar vanguardista, popular y divertida; reivindicando la idiosincrasia cultural andaluza y resignificando algunos de sus códigos. Su esperado nuevo disco se publica a finales de mes pero antes llega “Te quiero y lo çabê”, un hit romántico, machacón y rumbero que cuenta una historia de amor, íntima, oscura y delirante.No caben dudas del talento y proyección de Sen Senra. El joven artista gallego da pasos agigantados hacia el estrellato. Y su reciente single no hace más que confirmar lo dicho. “Sublime”, un hit redondo, muestra de manera directa su cara más pop y bailable, ofreciendo algo que puede parecer fácil pero que en realidad está al alcance de pocos. Para los que quieran más, toca esperar al 26 de marzo, fecha de publicación de su EP Corazón cromado. Por su parte, los adorables Hermanos Cubero publican dos álbumes de manera simultánea: Errantes telúricos, con preciosas canciones folk en el que participan Josele Santiago, Rocío Márquez, Amaia, Christina Rosenvinge, Grupo de Expertos Solynieve y Nacho Vegas, entre otros; y Proyecto Toribio, trabajo que recupera el cancionero de Toribio del Olmo. Una delicia, como de costumbre. Pasando al ámbito del cine, los fans de la animación tienen en la Mostra Internacional de Cinema d'Animació de Catalunya, Animac, una cita obligada. Entre el 25 de febrero y el 7 de marzo, organizado por el Ayuntamiento de Lleida, el certamen celebra su 25º aniversario ofreciendo un viaje por el pasado, presente y futuro del cine de animación, reflexionando sobre el camino recorrido por el evento, el más veterano dedicado al cine de animación en España.Finalmente, con exposiciones, talleres y conferencias que dan forma a un programa con casi doscientas actividades protagonizadas por más de quinientos diseñadores y profesionales del sector, durante los meses de febrero y marzo se lleva a cabo en la capital española una nueva edición del Madrid Design Festival. Inevitable para amantes del diseño gráfico, la moda, la arquitectura, el interiorismo y la gastronomía.AVANCE MARZO. Lo que se viene…En una cartelera cinematográfica algo raquítica debido a la pandemia, no debemos pasar por alto el estreno de “Los inocentes”, ópera prima del madrileño Guillermo Benet sobre el desalojo policial de un concierto en un centro social en el que el impacto de una piedra mata a un agente. ¿Quién tiró la piedra? ¿Quiénes lo saben? ¿Por qué callan? La historia del silencio de las personas que viven conociendo las respuestas, y también de su cobardía y su culpa. En salas a partir del 12 de marzo.En el campo literario, esperamos con ganas “Niños aparte” (Caballo de Troya), el debut en la ficción narrativa de la poeta madrileña Julieta Valero, en el que la autora arma el puzzle emocional que une a dos mujeres con una prosa mágica y sensual.
Cerrando el mes de febrero, Uruguay finalmente se acompasó a la región y recibió la primera tanda de vacunas contra el Covid-19. Hay fe que en este país tan pequeño la vacunación se lleve adelante rápidamente, pero eso se los contaremos en el próximo mes.Por Kristel Latecki / piiila.comA nivel cultural continúan los reclamos del sector, pidiendo exoneraciones impositivas, la apertura de salas y teatros municipales y la aplicación de un 30% del aforo real, y no mínimos impuestos por escenario. Las salas privadas abiertas desde principios de febrero ya ofrecen para marzo una agenda viva y diversa, y ya llegando al año de la pandemia, más que nunca la comunidad necesita el apoyo del gobierno y la presencia del público.Mientras tanto, podemos escuchar lo nuevo.LANZAMIENTOSComenzando este mes, Ruben Rada presentó nueva música de la mano de Carlinhos Brown. Haciendo referencia a la escuela de samba Mangueiras y homenajeando a su madre que nació en Santana do Livramento, en Chão da Mangueira el mítico músico experimenta con la fusión entre la samba y el candombe, con letra de Ronaldo Bastos. Este es el primer corte de un disco dedicado a su lado materno, y de más está decir que esta unión entre Uruguay y Brasil suena a la perfección.Continuando con la herencia cancionera de la gran y terminada banda Carmen Sandiego, Flavio Lira creó bajo su seudónimo Amigovio un disco que tiene mucho de synthpop y pop español con aires ochentosos, humor ácido, relaciones que no funcionaron y una oda a estrellas porno de igual nombre. Entre las diez canciones hay una especie de nostalgia, en eso de mirar para atrás y contar una historia del pasado, pero sin romantizarla. Es para bailar encerrado en el cuarto y recordar amores fallidos.Amigovio además acaba de colaborar con Julen y la Gente Sola en la canción Animales Lentos. Inspirada en parte en el aislamiento producido por la pandemia, evidencia un estado de ánimo letárgico. “Los días son eternos / hay pólvora en el aire”, cantan y se siente.La poderosa voz de Lu Ferreira se luce en el primer corte de lo que será su disco debut. Ofrenda es una excelente y entusiasta forma de comenzar este nuevo ciclo, llevando una entonación con aires flamencos que escala en un rock expresivo, y que pregona por el derecho a amar que tienen todxs.Por su parte, La Vela Puerca estrenó en plataformas una vieja canción inédita que presentaron por primera vez en “Donde estés”, un show que ofrecieron por streaming en octubre pasado. Mira cómo es evoca a anteriores etapas del mítico grupo (el fraseo rápido y enérgico) con la fortaleza de una banda de 25 años que suena ajustadísima en vivo.Otro de los lanzamientos del mes que se destacó por su componente bailable e híper pegadizo es No quisiste escuchar de Miranda Díaz, una jovencísima cantante que viene luciéndose en feats con artistas como Tormenta, Gula, Milanss, Gavo, Berna, y Zeballos. En este single toma la voz principal sobre un excelente track creado por uno de los confiables creadores de hits: el productor Dubchizza. Necesitamos pista para disfrutar aún más este tema.Si hablamos de Dubchizza tenemos que hablar de su grupo Los Buenos Modales, que antes de editar su prometido segundo disco lanzaron una colaboración con el grupo de cumbia The La Planta. Hola se ubica en una estética pop con acentos de la electrónica hiphopera, ideal para los paradores playeros.Otro track de pop uruguayo lanzado este mes es Porfiado de Eros White, uno de los artistas y productores que más ha empujado y mejorado el sonido del género en el país. Continuando la excelente racha que comenzó el año pasado, este nuevo single es un sutil hyperpop con clara influencia de SOPHIE y Charli XCX con versos de flow trapero.Y para seguir dentro del género, el dúo NME ofrece Los 2 en el 4to, un tema electropop que lamenta una ruptura y recuerda mejores y más sexys momentos. Con influencias del último Daft Punk, dieron en el clavo con el groove y la interpretación justa.Uno de los últimos EP del mes fue Diplomacia, de Sáez’93 junto al madrileño Franco Carter. Entre samples de vieja escuela pasados por un filtro minimalista e intervenidos por ruido y distorsiones de bandeja de vinilo, los MCs se intercalan versos y demuestran su enorme sintonía y hermandad a través de la distancia.LO QUE SE VIENE EN MARZOComo contaba al principio, este mes reabren varias salas que detuvieron su actividad durante el verano y ofrecerán una agenda de espectáculos bastante movida, así que tendremos por suerte música en vivo y con los protocolos correspondientes.
En febrero las tierras peruanas estuvieron calientes –por el verano y por el remezón político- y provocaron muchos sentimientos encontrados en nuestros artistas y creadores. De hecho, solo en la semana de San Valentín se estrenaron más de 30 sencillos que abordaron tópicos de amor, ilusión, rencor, entre otros. Por Rock AchoraoLos aires de esperanza siguen presentes en la creación independientes con miras de convertir al Perú en un mejor lugar en el año de su bicentenario. Pero vamos, la música es y será siempre nuestro mejor refugio, así que sigamos consumiéndola.Nuevos sencillosAlejandro y María Laura x Andrea Echeverri – Lo que iba a serDos generaciones distintas de la música latinoamericana unidas en esta imponente canción. Lo que iba a ser es una reflexión que nos invita a abrazar y valorar las cosas que “sí son” y tenemos a nuestro alrededor. Un pequeño paseo por el mundo lúdico de Alejandro y Maria Laura, esta vez de la mano de Andrea Echeverri de Aterciopelados. Un lujo de colaboración. Fernanda Perochena – Al aireVerano Infierno, el álbum debut de Fernanda Perochena sorprendió a muchos por sus diversos matices musicales y la exploración introspectiva que plasmó en él. De este disco, entre otras piezas, sobresale Al Aire, un R&B que transita entre por el pop experimental y un hyper pop cálido. Surrealismo hecho música para disfrutar el verano. Hit La Rosa – La mareaEn 2020 Hit La Rosa sorprendió dando un giro interesante en su sonido que significó nuevos retos y adentrarse en un nuevo nicho que nosotros definimos como “cumbia oscura”. La Marea muta del bolero a la cumbia psicodélica que reafirma la actitud de reinvención constante de la banda. Recomendadísima. La Lá – MilagrosEl tercer álbum de La Lá está muy cerca de hacerse realidad en colaboración con Altafonte Network, y “Milagros” es el primer adelanto. La inquietud creativa de La Lá la llevó a incorporar la bachata en su enorme colección de géneros musicales que ha venido haciendo suyos desde su debut en 2014. Milagros es una canción de amor que transciende los planos de la vida y nos permite recordar a nuestros seres queridos que partieron a la inmensidad. Evah – El corazón se acelera¿Cómo no se va acelerar el corazón y los sentidos con semejante voz y pieza tan sensual? EVAH no se despega del género pop que viene desarrollando con pasión desde sus inicios. Sin embargo, notamos mucha actitud con este estreno, el cual anuncia sutilmente un giro de dirección del estilo de la joven cantante limeña, quien prepara muchas sorpresas este 2021. Sebastián Gereda – BabiEs algo inusual escuchar a Gereda iniciando suavemente con su voz. Lo habitual es la música o un candente saxofón. Pero en Babi encontramos un tema con toques experimentales en la voz, bien acompañados con bits para mover los pies en pleno verano. Sebastián sigue fiel a sus principios musicales, colocando su propuesta como destacable en la escena indie nacional. Blackthony Startano - Grandes Exploraciones del MundoQue nombre tan rimbombante para la novedad pop del grupo. Una pieza que corta un poco el estilo enérgico de la banda limeña, quienes preparan más canciones este 2021. Pues aunque el mundo esté bastante raro, no implica que se detengan. Con tanto talento, Blackthony Startano no se quedará de brazos cruzados y seguirá explorando más sonidos, como sucede con esta canción. La Jenkins – O.K.La banda cusqueña La Jenkins presenta su primer sencillo desde la cuarentena. Según cuentan, fue concebida inicialmente por el vocalista ‘Dako’ Castro como una balada guitarrera, pero luego tomó mayor fuerza e intención con la participación de los otros integrantes. La letra «recrea el diálogo durante el quiebre final de una relación». Los álbumes de larga duración tuvieron poco protagonismo durante febrero, sin embargo recomendamos escuchar estas dos joyas imprescindibles. Lanzar álbumes de larga duración en épocas de singles y algoritmos de streaming nos parece digno de aplaudir.Mar contiene 16 joyas sumergidas entre el giro acertado de la experimenta banda y su clásico andar sonoro. El videoclip de “Excesos en Espiral”, estrenado mediante la alianza FARO, es ese punto medio entre el pasado y presente en la banda. Una equilibrada obra donde expone toda la fuerza musical de Índigo, quienes han ido “contramarea” ante la pandemia. No han dejado producir, a tal punto de superar toda barrera. Escuchen el disco. No se arrepentirán. Finalmente, el beatmaker, MC y productor limeño Pounda (de Pounda & NoModico y Vudufa) estrenó Fireflies, un EP cargado de mucha emotividad en sus beats, instrumentales que, aunque se apoyan en los golpes clásicos del Rap, (muy presentes en el ADN de este artista), se distancian de las clásicas propuestas acercándose bastante a géneros como el Donwtempo con algunos matices de Ambient, Future Garage, y hasta Synthwave como en el caso del single del disco, el cual lleva el mismo nombre. Play y a volar. Lo que viene en marzoLa edición virtual del Lima PopFest que reunirá bandas de México, Argentina, Chile, Uruguay y Perú en un solo lugar.
Febrero es, desde que el coronavirus entrara por nuestras fronteras, el peor mes de la pandemia en Cuba. En medio del encierro —que se hace cada vez más intolerable—, de cifras alarmantes de confirmados con la enfermedad y de una crisis económica en ascenso, la música cubana busca resquicios por donde escapar y reinventarse. Mientras seguimos añorando los conciertos en vivo, acumulamos horas pegados a nuestros audífonos.Por Magazine AM: PMProbablemente el lanzamiento más polémico en febrero haya sido el estreno del videoclip Patria y vida, dirigido por el realizador Asiel Babastro y que reúne a varios músicos notables de la escena nacional —como Yotuel, Gente de Zona, Descemer Bueno, Maykel Osorbo y El Funky— en una declaración inequívoca de su desafecto hacia el actual gobierno cubano.En enero de 2020, cuando todavía la COVID-19 era para los cubanos poco más que ficción, Ruy Adrián López-Nussa, heredero de una riquísima tradición familiar, se fue al Teatro Martí a grabar un concierto, sin público. De aquella larga jornada nació el CD-DVD Dos lenguajes (Bis Music, 2021), que fue lanzado en este febrero distópico bajo la producción musical de su hermano Harold, y donde el músico se da el lujo de interactuar con los instrumentos percutivos que le apasionan. Dos cómplices tiene este álbum: el piano y la batería. Un solo camino: la música.Con una estética retro y funky, el videoclip La Papa llegó para aderezar la cuarentena: de un lado, el flow de Cimafunk; del otro, la voz sensual de Diana Fuentes. Ambos artistas se unen en este tema que forma parte del EP Cun Cun Prá que el autor de Me voy estrenó a finales de 2020, y donde nuevamente nos pone a bailar, mientras vemos pasar los días desde el salón de la casa. Por ahora, y por suerte, ¡la Papa está servida!Buena Fe le canta una vez más al desamor y a la traición. Lo hace a su manera, videoclip mediante, y con el single Quien soy yo, octavo track de su álbum Carnal (Egrem, 2019). El audiovisual, disponible en las plataformas desde el 8 de febrero, fue dirigido por los realizadores Claudia Hernández y Ariam Valdés, quienes en otras ocasiones han colaborado con la agrupación.Chocolate MC se dice el único presidente de la República Repartera. Lo repite una y otra vez, en cada uno de los 20 temas de su nuevo álbum homónimo, lanzado bajo el sello Buya Music Productions, el pasado 17 de febrero. El Rey convoca a todos sus súbditos y a lo largo del fonograma desfilan Wampi, El Micha, Anübix, El Chacal, Yakarta, Fisiko, entre otros exponentes del reguetón y el reparto en la Isla, para traernos de vuelta los sonidos del barrio. No faltan en este disco las reverencias que Yosvani Arismin Sierra Hernández le hace a su dios: Elvis Manuel.Si hay un músico cubano que tiene un público fiel, ese es Waldo Mendoza. Y es que la canción romántica encontró en él un refugio, compromiso del cual difícilmente el cantautor pueda escapar. Lo sabe Waldo, lo saben sus seguidores y lo sabe la canción. Por ello el advenimiento de su más reciente álbum, Sin más despedidas (Egrem, 2021), no ha pasado inadvertido ante el radar de los amantes furibundos en la Isla.Roly Berrío es uno de esos artistas que solo podemos entender si lo vemos en concierto. El en vivo es su mejor arma, él es el show. Quizás por eso, esta vez prefirió cantarnos desde el escenario donde más cómodo se siente: El Mejunje, y lo hace con el estreno de su sencillo 14 de febrero, como adelanto del DVD Moscas de fuego, de próxima aparición bajo el sello Colibrí. En este tema, Roly —que es un romántico empedernido— dice que el Día del Amor solo es rentable a la industria del ocio y desea, fervientemente, su pronta desaparición. ¿Dónde hay que firmar?Volcamos nuestras miradas un momento al cine, pues el documental Terranova, dirigido por los cineastas Alejandro Alonso y Alejandro Pérez, recibió el Ammodo Tiger Short Award del Festival Internacional de Cine de Rotterdam. El filme es un retrato de La Habana con una rigurosa apuesta al rigor estético donde la ciudad, tal y como la conocemos, comienza a deshacerse.Las melodías de Alex Cuba son simples y, por simples, hermosas. Acompañado por su guitarra, el músico y compositor artemiseño radicado en Canadá, pone ternura a cada canción, y su más reciente sencillo Mundo nuevo no es la excepción a esa que parece ser su regla de oro. Ahora se hace acompañar por una de las voces más potentes de la escena mexicana: Lila Downs; mientras, dice que en los próximos meses tendremos un álbum para adorar. Espiritualidad, amor, fe, nuevos comienzos, de eso nos cantan ambos artistas en este single.Cerramos estas recomendaciones con una buena nueva: el maestro Chucho Valdés decidió retomar su vieja pasión por enseñar y anunció la apertura de una academia virtual de música. Cursos de piano e improvisación — filmados íntegramente en el Adrienne Arsht Center for the Performing Arts del Condado de Miami-Dade—, así como charlas sobre el jazz afrocubano serán el plato de fuerte de esta nueva aventura que emprende el fundador de la mítica Irakere. La Chucho Valdés Academy abrirá sus puertas el próximo 15 de marzo y los registros se pueden hacer aquí.Marzo, lo que viene…Dos lanzamientos discográficos son lo más esperado para el mes de marzo en este lado del mar Caribe. Por una parte, Leoni Torres promete entregarnos un nuevo álbum, después de un tiempo prolongado en que el artista se ha dedicado a estrenar solo sencillos en sus plataformas digitales. Por la otra, la escena del trapton está de plácemes ante el anuncio de Perreo 2030, el próximo fonograma de Yomil y El Dany —que verá la luz a solo ocho meses de la muerte de Daniel Muñoz, uno de sus integrantes— y que, según Yomil, busca evolucionar la sonoridad del género. A modo de adelanto, hace poco más de una semana salió el videoclip del tema Tembleque, con el cual cerramos este Panorama.