The White Stripes está celebrando el 20 aniversario de su cuarto álbum de estudio Elephant. Por eso el lanzamiento digital de Elephant Deluxe, que incluye el audio HD remasterizado del álbum de estudio original unido por un set en vivo de 27 canciones grabado el 2 de julio de 2003 en el Aragon Ballroom de Chicago durante el exitoso "Elephant Tour" de la banda.Lanzado el 1 de abril de 2003, Elephant rápidamente demostró ser un fenómeno galardonado y aclamado por la crítica, además de obtener popularidad mundial, alcanzando un #6 en el Billboard 200 mientras que también encabezaba la lista oficial de álbumes del Reino Unido.Elephant: el disco que consagró a The White StripesGrabado en gran parte durante dos semanas en abril de 2002 en los estudios Toe Rag de Londres, Elephant incluye sencillos ahora clásicos como el ganador del premio GRAMMY Seven Nation Army, I Just Don't Know What To Do With Myself, The Hardest Button To Button y There's No Home For You Here, todo lo cual llevó a David Fricke de Rolling Stone a aclamar el álbum como simple. "Un trabajo de perfección pulverizadora". Newsweek lo incluyó en su listado de 2020 de mejores discos de rock de todos los tiempos, y para Spin fue uno de los mejores 125 discos de los últimos 25 años en su ranking de 2010. Elephant también aparece en el libro 1001 discos que debes escuchar antes de morir. Elephant ganó el Grammy 2004 por Mejor Álbum Alternativo y fue nominado al Álbum del Año.Definitivamente del disco se destaca Seven Nation Army, que ganó Grammy a Mejor canción de rock. También ha sido calificada como una de las canciones definitivas de la década de los 2000. Sin embargo, Elephant no solo es Seven Nation Army. En I Just Don’t Know What to Do With Myself o Ball and Biscuit es clara la influencia del blues, mientras que Well It’s True That We Love One Another tiene toques folk y The Hardest Button to Button nos recuerda a Iggy Pop. El punk llega de la mano de Hypnotize y Girl, You Have No Faith in Medicine evoca por momentos a Led Zeppelin.The White Stripes se inspiró en el blues y el punk para lograr este disco que se convirtió en emblema del regreso del garage rock de comienzos de los 2000, época en la que varias bandas buscaban "volver a lo básico" y evocar la experimentación sonora de los 70. Nada del equipo usado para grabar este disco es más reciente de 1963. Aunque recientemente surgieron críticas al talento de Meg White en la batería, este disco ratifica que su trabajo fue lo que contribuyó a que The White Stripes tuviera un estilo y sonido distintivos que se mantuvo hasta la separación del grupo en 2011 y del los que seguimos hablando hoy. Un mes antes de que se lanzara el álbum, Jack y Meg confirmaron a The New York Times que el tema de Elephant es "la muerte de la novia estadounidense". En una era de auge del hip hop, The White Atripes atacó el status quo con minimalismo y blues. Y funcionó.
Corría el año 1995 cuando Rancid desató una sacudida planetaria con el álbum …And Out Come the Wolves. Nunca antes el punk rock y el ska provenientes de Londres se había amalgamado con el pop, el rockabilly y el punk melódico creado en California. El impacto fue sonoro, pero también lírico. Las bandas del género solían lanzar panfletos rabiosos a la cara, mientras que este disco opta por narrar historias callejeras que atravesaron la juventud de Tim Armstrong, su vocalista. En …And Out Come the Wolves hay frustración, hay desarraigo, hay desahogo, pero no hay crudeza ni estridencia en el sonido. Rancid parecía descubrirnos que la inconformidad del punk podía tramitarse de otra manera, por medio de ritmos melódicos que invitan más a la fiesta que al incendio.Sin embargo, un año antes de que los californianos publicaran dicho álbum, 2 minutos ya había construido esa novedosa poética en la que el punk podía hacer denuncia social sin vomitar rabia ni ruido. Los argentinos acogieron el legado de los Ramones, también les cantaron a los amores difíciles, pero a diferencia de ellos eligieron un lenguaje más picante, punzante. Valentín Alsina (1994), su álbum debut, inauguró oficialmente el punk rock barrial en Argentina.En 28 minutos y 10 segundos, el quinteto nos presenta Valentín Alsina: la cuna marginal donde crecieron, una provincia al sur de Buenos Aires llena de fábricas cerradas que simbolizan la crisis del modelo neoliberal y la decadencia de la sociedad post industrial. Al escucharlo podemos imaginar el barrio precarizado, el cansancio de los obreros, la persecución policial, pero también sus refugios: el ocio en el bar de la esquina, las extrañas casualidades en las noches de desmadre y los amores suicidas. 2 minutos canalizó la rabia voraz de sentirse pobre y perseguido con ironía, irreverencia, dignidad. Y este fue el compás que marcó el resto de su discografía.Los argentinos, reconocidos por haber abierto el camino para que otras bandas de su país giraran por Latinoamérica —el caso de Flema, Cadena Perpetua y Attaque 77—, montan fiestas catárticas en las que los obreros son mucho más que víctimas del sistema. Esa es su venganza poética ante un mundo hiperproductivo. Reivindican la vagancia, la vida que florece después del trabajo, el consumo de alcohol, la eterna bohemia del barrio. Lo que Manchester, la ciudad de los míticos Joy Division, representa para el post punk global es equivalente a lo que simboliza Valentín Alsina para el punk rock latinoamericano.De Valentín Alsina a Puente ArandaPor todo esto la noche del 14 de octubre de 2022 en Bogotá tuvo una mística que difícilmente volveremos a vivir. El evento ocurrió en una bodega de la zona industrial de Puente Aranda, un barrio parecido a Valentín Alsina, con fábricas por montones, tiendas de víveres y licores, calles rotas y recicladores nocturnos.2 minutos es la banda internacional que más he visto en mi vida: Rock al Parque, Cosquín Rock, Carnaval Fest, entre otros. Todos festivales masivos donde el barrio obrero no se sintió como aquella noche. Esta vez tocaron en una bodega envejecida convertida en un hervidero sofocante. Vivimos por una noche el voltaje de un toque punk de los años 80. Fue lo más cerca que los seguidores colombianos pudimos estar de Valentín Alsina.En el meet and greet que tuvo la banda en Bogotá, en el pub Bárbaros, le compartí esa intuición al legendario guitarrista Pablo Coll. Me miró a los ojos, me sacudió la camiseta, me dio golpecitos emocionados en el pecho y me dijo: “Ese barrio (Puente Aranda) es como Valentín Alsina. Tocamos como en casa”. Para esta velada histórica compartieron tarima con Déficit de Atención y Los Suziox (Colombia), Blessed Noise (México), Roñosos y Flema (Argentina). Lo de Flema merece capítulo aparte, pues la legendaria agrupación de Avellaneda tocó por primera vez en Colombia con 2 minutos. Aunque su mítico líder Ricky Espinosa haya alzado vuelo hace mucho (1966-2002), la agrupación confirmó por qué sigue llenando auditorios en Latinoamérica. El genio murió, sus himnos coreados por la multitud lo sobreviven. Nos sobreviven.Atentos a esta fecha: 14 de octubre de 2022. La noche en que tiempo y distancia se hicieron polvo para acercarnos al barrio más emblemático del punk rock latino.
Más de 1,3 millones de entradas vendidas es el número de tiquetes que vendió la gira de estadios en Estados Unidos de Def Leppard y Mötley Crüe. Ahora las leyendas del rock confirman concierto conjunto en Colombia para 2023 con su gira 'The World Tour'.La gira mundial comienza el sábado 18 de febrero de 2023 en el Foro Sol de la Ciudad de México. Ambas bandas llevarán sus electrizantes espectáculos por todo el mundo con paradas en América Latina antes de llegar a Europa en mayo de 2023. Estarán en el icónico estadio de Wembley el sábado 1 de julio de 2023, y luego terminarán en Hampden, Glasgow, Reino Unido. El concierto en Colombia se realizará el próximo 25 de febrero de 2023 en el Parque Simón Bolívar de BogotáPRECIOS BOLETAS PARA DEF LEPPARD EN COLOMBIAEl costo oficial informado por Ocesa Colombia es el siguiente. Platino: 450.000$ más 96.000$ de servicio General 290.000$ más 62.000$ de servicio.PREVENTA AVAL: Desde las 9:00 am del 25 de octubre hasta el 26 de octubre a las 11:59 pm o hasta agotar 27450 unidades disponibles para la PREVENTA AVAL en todas las localidades, lo primero que ocurra.FORMAS Y MEDIOS DE PAGO: Únicamente en www.eticket.co venta válida solo para compras con Tarjetas Crédito y Débito habilitadas para E-commerce de los Bancos Bogotá, Occidente, Popular, y AV Villas, así como con tu cuenta y tarjeta débito dale! Aplica para máximo 6 boletas por transacción.THE WORLD TOUR FECHASSat, Feb 18, 2023 Mexico City, Mexico Foro SolTue, Feb 21, 2023 Monterrey, Mexico Estadio BanorteSat, Feb 25, 2023 Bogota, Colombia Parque Simon BolivarTue, Feb 28, 2023 Lima, Peru Estadio NacionalFri, Mar 3, 2023 Santiago, Chile Estadio de La FloridaTue, Mar 7, 2023 Sao Paulo, Brazil Allianz ParqueThu, Mar 9, 2023 Curitiba, Brazil Estádio Couto PereiraSat, Mar 11, 2023 Porto Alegre, Brazil Arena do GrêmioMon, May 22, 2023 Sheffield, UK Bramall LaneWed, May 25, 2022 Mönchengladbach SparkassenParkSat, May 27, 2023 Munich, Germany KoenigsplatzMon, May 29, 2023 Budapest, Hungary MVM DomeWed, May 31, 2023 Krakow, Poland TAURON ArenaFri, Jun 2, 2023 Prague, Czech Republic Prague Rocks *Sat, Jun 3, 2023 Hannover, Germany Expo PlazaTue, Jun 7, 2022 Solvesborg, Sweden Sweden Rock Festival *Fri, Jun 9, 2023 Helsinki, Finland RockFest *Sun, Jun 11, 2023 Trondheim, Norway Trondheim Rocks *Wed, Jun 14, 2023 Copenhagen, Denmark COPENHELL *Sun, Jun 18, 2023 Dessel, Belgium Graspop Metal Meeting *Tue, Jun 20, 2023 Milan, Italy Ippodromo SNAI San SiroFri, Jun 23, 2023 Lisbon, Portugal Passeio Maritimo de AlgesSat, Jun 24, 2023 Rivas-Vaciamadrid Auditorio Miguel RíosTue, Jun 27, 2023 Thun, Switzerland Stockhorn ArenaSat, Jul 1, 2023 London, UK Wembley StadiumSun, Jul 2, 2023 Lytham, UK Lytham Festival *Tue, Jul 4, 2023 Dublin, Ireland Marlay ParkThu, Jul 6, 2023 Glasgow, UK Hampden Park¡La música en vivo nos une!
Murió Marciano Cantero, cantante de Enanitos Verdes, a los 62 años. El músico falleció en su natal Mendoza, donde estaba internado en la Clínica de Cuyo. Había sido operado de urgenócia la semana pasada y le habían extirpado un riñón y parte del bazo, según informa El Clarín. Horacio Eduardo Cantero Hernández, su nombre completo, nació el 25 de agosto de 1960. Su primer contacto con la música se produjo cuando escuchó por primera vez a The Beatles, cuando tenía sólo 9 años. Dio sus primeros pasos en Mendoza junto al guitarrista Felipe Staiti y el baterista Daniel Píccolo. Juntos, a fines de los años 70 se convirtieron en la banda más popular de Mendoza y decidieron probar suerte en Buenos Aires. Los Enanitos Verdes es considerada una de las bandas más importantes del rock en español. Si bien su disco debut homónimo llegó en 1984, no fue sino hasta Contrarreloj, su álbum de 1986 que la banda ganó reocnocimiento en toda Argentina y Latinoamérica. Producido por Andrçes Calamaro, el disco tenía sencillos como Tus viejas cartas, Cada vez que digo adiós y La muralla verde, que son verdaderos himnoo latinoamericanos. Durante los 80 y 90, Enanitos verdes se convirtió en uno de los grupos más destacados del rock latinoamericano. Su cantante, Marciano Cantero, ha seguido en paralelo una carrera como solista y en 2019 colaboró con Bad Bunny y J Balvin en Un peso, del disco Oasis.Amigos, Lamento boliviano, Igual que ayer, y Tus viejas cartas son algunas de las canciones más recordadas de Enanitos verdes. Lo que pocos sabían es que esta última está inspirada en una historia real de Marciano, quien, a comienzos de los 80, tuvo que terminar con su entonces novia, Viviana, gracias al éxito que estaba teniendo la banda, que lo obligó a mudarse de su natal Mendoza a Buenos Aires.
Maneskin es el fenómeno musical de Italia más grande de este siglo. Gracias a su sonido, estilo y talento han hecho que el mundo se interese por su propuesta con la que ya están girando el mundo, al punto de ser uno de los proyectos más comentados de los recientes premios Video Music Awards de MTV.Contenido recomendado | Video Music Awards 2022: lista completa de ganadores a los premios musicales de MTVLa banda hizo historia: pasaron por la red carpet, hablaron con decenas de medios, ganaron el premio a Mejor Video Alternativo por el sencillo I Wanna Be Your Slave y coronaron con una sensual presentación en vivo. Lamentablemente no todo fue color de rosa: durante el show de los italianos, apareció durante mucho tiempo un plano general del escenario que no permitía al televidente ver en detalle lo que estaba planeado para la presentación de la banda. Minutos después los seguidores de la banda investigaron y se dieron cuenta que la cobertura del pezón de la bajista Victoria De Angelis había caído y quedado al aire en pleno show. Esto fue motivo para que los productores de televisión encargados del show censurarán el espectáculo. La banda no ha dicho nada al respecto, por el contrario agradecieron a MTV, pero sus seguidores sí han hecho cientos de publicaciones tachando a los premios de anticuados y doble moralistas. Todo el sentido del perfomance de Supermodel era erótico, pero los encargados no dijeron nada cuando Damiano mostró el trasero en televisión y dejando al aire también su pecho. La censura a los pechos o senos de una mujer aún se debate, una discusión que nuevamente se abre con la censura que MTV hizo al cuerpo de Vic de Maneskin. Otros momentos comentados fueron el show de Ryan Castro y J Balvin con el que pusieron a bailar reggaetón a Taylor Swift.¡La música nos une!
Durante varias décadas, Manuel Carreño ha estado en la musica desde distintos frentes: como profesor en la popular cátedra Rock y política de la Universidad Javeriana, como locutor en varios espacios radiales, y hasta como DJ y cantante. Carreño es el autor de Por culpa de los Ramones: o cómo la música no cura nada, pero sí salva vidas, un híbrido entre escrito y playlist sobre la relación emocional que construimos con la música.Por culpa de los Ramones no pretende ser un tratado académico de la historia del punk o de la banda estadounidense: es una recopilación de varias historias personales del autor mezcladas con canciones que muestran que la música nunca falta en los momentos clave de nuestra vida. El libro incluye códigos QR que dirigen a playlists específicas y evocan escenarios y momentos inolvidables.El texto también retrata vívidamente la escena alternativa bogotana en los 80 y 90. Hablamos con Carreño sobre cómo se vivía la música hace algunas décadas y por qué fue tan determinante tanto para él, como para muchos de nosotros.En el libro hablas de rock, pero también de pop y balada, sin prejuicios sobre los géneros ¿Cómo manejaste este aspecto?Puede que escriba sin prejuicios o trate, pero decir que nunca se han tenido prejuicios en Bogotá es muy difícil. Incluso pasa muchas veces que uno no consciente de ellos, sino mucho después.Yo he tratado de quitármelos de encima. Sin ir muy lejos, cuando salió el reggaetón yo lo odiaba, y hoy oigo todas esas canciones que yo detestaba y me encantan. Trato de no emitir juicios de valor sobre ningún género. Creo que ese es el punto. Cuando la gente critica un género musical, es un poco irrespetuoso con el que lo está escuchando, como que asume que todos los que lo hacen son imbéciles, y pues no.¿Crees que el rock era clave para que muchos jóvenes se sintieran “cool” en esa época?Siempre ha habido prejuicios en la música. El rock siempre ha tenido esta creencia de que es "la verga”. En esa época, el rock daba un status y los que escuchábamos rock nos sentíamos más cool.Pero, aunque nos sentíamos cool, las niñas no nos "paraban bolas", a menos que hiciera algo al respecto que, en mi caso, como lo cuento en el libro, fue armar una miniteca. El rock sí era chévere, pero en las fiestas había que bailar salsa. Era chévere ser rockero, pero había que tener también las habilidades de la música de aquí.Para mí fue determinante ver el video de Igor y Penélope de Pasaporte, que era un grupo con integrantes que vivían por ahí a 10 cuadras de mi casa y todos con chaqueta de cuero. Ese video es increíble porque es hecho en Bogotá, lo hizo Simon Brand con 3 pesos y hay un momento donde se explora eso que hoy llaman “meta” y es que graban un video, dentro del video en donde graban el video. Una cosa era verlo en The Cure, pero ver eso aquí en un grupo bogotano demostraba que sí era posible ser “cool” aquí.Cada vez es menos frecuente ver que la identidad se construya exclusivamente desde el gusto musical, como lo hacían muchos en su adolescencia hace varias décadas…A medida que llega Internet eso va cambiando. En los 90, a las chicas góticas las llamábamos “las morticias”: tenían que ver con todo un espíritu gótico y para ese entonces había salido la película de los Addams o también Drácula. A uno no le creen cuando uno dice que en las calles de Bogotá manes salían en bermudas y camisa de cuadros, sin importar la lluvia o el frío.Los 80 y los 90 fueron difíciles, yo creo que ayuda que hoy haya más opciones y que las redes sociales te permitan expresarte, con todo lo que implica. Yo tenía el colegio y la televisión. Antes si una chica se vestía “gótica” de alguna manera te estaba diciendo que le gustaba The Cure.Hoy, si alguien tiene una camiseta de Los Ramones, está esparciendo a los Ramones, porque los Ramones no son solo sus canciones. Pero puede que la persona esté escuchando no punk, sino a Bad Bunny. La identidad se desarrolla hoy en muchas más formas, en esa época no.El título es Por culpa de los Ramones, pero realmente los Ramones no tienen un espacio tan significativo en el libro. ¿Por qué decidiste que fueran lo principal en el título?La gente cree que el libro es una cosa de punk y no es así. Yo soy muy malo para los títulos y al editor, Juan David Correa, se le ocurrió el “si no fuera por los Ramones” y me gustó, pero el “si no fuera” me pareció demasiado feliz. El punk me ha traído problemas con la autoridad, seguro eso me da miedo al compromiso, siento que toda mi vida es por culpa de esas cosas, entonces quise hacer que no fuera del todo positivo.Es un título sugestivo y Juan Felipe Sanmiguel, la persona encargada de la parte gráfica entendió perfectamente el concepto, el título con ese casete enredado tiene mucho más sentido.En el libro vemos mucho de esa nostalgia por cómo era nuestra aproximación a la música hace unas décadas…Uno puede romantizarlo y pensar en lo emocionante que era esperar a que la canción que te gustaba sonara en la emisora y grabarla en casete y cruzar los dedos para que el locutor no fuera a pisar la canción. Era muy chévere comprar el disco, oírlo. Eso es bonito, pero yo amo las plataformas de streaming y pienso en lo buena que habría sido mi vida si hubieran existido antes.Tal vez muchos de los que crecimos en esa época sabemos mucho de música porque cada dato que leíamos en revistas o escuchábamos en radio lo atesorábamos. En la medida que hubo más acceso a la información tal vez hubo menos afán de encontrarla.Creo que por más que existan plataformas, la emoción por la música no se ha perdido, todavía nos emocionamos oyendo cosas. Yo lo cuento desde mi perspectiva, pero cada generación tuvo lo suyo: la mía fue buscando discos en la 19, pero por ejemplo, los milennialls tuvieron napster y kazaa.Ya sea esperando en la emisora o en cualquier plataforma de streaming, las emociones que un tiene cuando descubre música siguen siendo las mismas. Siempre es chévere encontrar música, no importa el medio.En un momento mencionas el Concierto de conciertos (1988). ¿Por qué fue tan importante?Aquí en ese momento no veía nadie y por eso fue inolvidable. Los primeros que venían eran los de metal, que suelen ser un éxito aquí en Bogotá. Recuerdo que vino Quiet Riot, incluso en esa época ya estaban pasados de moda, y luego llegó Metallica.En el 94 vino INXS y fui a verlos cuando estaba en 11. Ver a Michael Hutchence en el escenario fue pensar que podía pasar que algún día íbamos a poder ver a todos los artistas en vivo. A Venezuela fue Queen, en su momento más grande a comienzos de los 80, y aquí no venía nadie.Ya años después fue White Stripes como en 2005, en el Palacio de los Deportes. Creo que ese concierto ayudó a que todo empezara a cambiar y bueno, ya el resto es historia. La lista de canciones es clave en el libro. ¿Cómo fue el proceso para crearla?Fue como instintivo, en la medida en que fueron creciendo las formas de descubrir la música. No importa que hoy existan 100.000 opciones, siempre va a haber una canción te pega en determinado momento. Siempre tuve claro que lo importante era la música en cada capítulo. Las historias son la excusa para hablar de la música. Por eso no sé cuántas canciones hay, por cada momento iba añadiendo la que creía más adecuada. Eso le da ritmo al libro. Si es un libro musical, había que escribirlo de manera musical.En el libro también se habla de los bares alternativos y cómo se construyó la escena... A esos se les llamaban los bares "alternos". Hoy se usa más indie, udnerground, siempre ha habido una palabra para intentar explicar el rock alternativo. Se trataba de sentirnos parte de algo, lo "cool" es de unos pocos. En el libro hablo de un bar que se llamaba Transilvania. En ese momento nos lo vendían como si fuera el demonio, como si sacrificaran bebés, o algo así, pero nada que ver. Simplemente ponian música que no sonaba en ningún otro lado. Eran muy pocos: Florhisteria tampoco es que fuera una cosa grandísima, eramos casi todos hombres pogeando. Hoy un sitio como Asilo tiene ese espíritu de música distinta. Cuando leemos sobre rock queda la sensación que los 70, 80 y 90, tuvieron estilos muy definidos, pero no pasa lo mismo con la última década. ¿Estás de acuerdo?Es una década que no fue tan definida como lo fueron otras. Yo creo que eso tiene que ver con muchas cosas. Sin duda la tecnología tiene que ver porque hasta los 90 los grupos que sonaban en radio eran los que se popularizaban porque finalmente era lo que había. Todo cambia en la medida que va creciendo todo eso. En mis clases he visto como ha cambiado la relación con el rock para los más jóvenes: ellos ven el rock como algo importante, pero al mismo tiempo, como lejos. Todos han oído los Beatles alguna vez, puede que nada más, pero The Beatles sí. Los que dicen que el rock ha muerto suelen ser esas personas que lo ven como algo superior y como ya no lo ven, pues dicen se murió y es porque creen que solo existe desde los 90s para atrás.El rock sigue surgiendo. Pero también creo que pasaron años en los que faltaron grupos que dijeran cosas que movieran a los chinos. Idles, por ejemplo, es una banda que la oyes y sus canciones hablan de temas como migración, que no se hablaba en el punk, en su momento se quedaba en la rabia. Pero se trataba de bajarle a la rabia y escuchar, eso me parece chévere. A ellos no les gusta decir que son punk. Me encanta un proyecto como The Lindas Lindas, que la mayor tiene 17 años. El punk durante muchas décadas ha sido algo de machos, pero tiene que ser femenino, feminista y lo ha sido, pero no lo suficente.
No hay duda alguna que el 2022 ha sido el año de los conciertos en Colombia: la oferta de eventos musicales en vivo ha estado alta y cerrará el año con broche de oro gracias al regreso del Festival Rock Al Parque . Les contamos las nuevas bandas y solistas confirmadas para el evento.Contenido recomendado | Los conciertos que pasarán por Colombia en el segundo semestre de 2022Antes de pandemia, Rock Al Parque 2019 fue ÉPICO: tuvo récord de asistencia al Parque Simón Bolívar de Bogotá y llenó de orgullo a los colombianos por la calidad del público en los tres días del festival. Casi tres años después, RAP 2022, quiere volver con mucha fuerza y, por eso, el IDARTES ha ido confirmando los invitados en diferentes anuncios.En abril se informó que los españoles Love Of Lesbian, Christina Rosenvinge, Ilegales, los argentinos Miranda!, Evile del Reino Unido y los brasileños Crypta estarán en el festival.Una vez finalizado Hip Hop Al Parque 2022, el IDARTES ha dado a conocer bandas lideradas por mujeres y solistas femeninas que estarán en las tarimas del Simón Bolívar a finales de noviembre y principio de enero. De países bajos vendrá la banda Asagraum y Epica, liderada por Simone Simons, de Argentina estarán Las Ligas Menores, Catnapp, Kumbia Queers y Dat García, de Chile regresará al país Francisca Valenzuela y el dúo Frank's White Canvas, de México se anunció a Las Ultrasónicas, Elis Paprika and the black Pilgrims y el trío The Warning. Finalmente en este anunció se confirmó a la bilingüe Lao Ra, colombiana radicada en Londres,.¿Cuándo es Rock Al Parque 2022?De acuerdo al calendario de IDARTES, Jazz Al Parque se llevará a cabo los días 17 y 18 de septiembre, mientras que el gran regreso de Rock Al Parque está agendado para el 26 y 27 de noviembre y, 3 y 4 de diciembre.¡La música nos une!
La banda alemana Scorpions reveló recientemente que cambió la letra de su éxito Wind Of Change, por qué ya no quería "romantizar a Rusia", según reportó NME. A la luz del conflicto en curso entre Rusia y Ucrania, los rockeros decidieron cambiar la letra de la canción para su gira en curso por Estados Unidos y Europa, que se inauguró en Las Vegas el pasado 26 de marzo, un mes después del inicio de la invasión rusa a Ucrania. La banda ha cambiado la letra a: "Ahora escucha mi corazón/ Dice Ucrania/ Esperando por el tiempo de cambio", y se proyecta en una pantalla detrás de la banda mientras tocan."Cantar Wind of Change como siempre lo hemos cantado, eso ya no es algo que pueda imaginar", dijo Klaus Meine, vocalista, a Die Zeit. “Simplemente no está bien romantizar a Rusia con letras como: "Sigo el río Moskva frente al Parque Gorki, escuchando los vientos de cambio". Si bien Wind of Change fue lanzada más de un año después de la caída del Muro de Berlín, es reconocida como un himno de este suceso histórico que representó el fin de la Unión Soviética. El sencillo se publicó en 1990, pero la inspiración surgió desde antes, cuando la banda alemana se presentó en el Festival por la paz en Moscú en el verano de 1989 y notó que había “vientos de cambio” entre los jóvenes que deseaban un mundo más pacífico.Wind of Change fue lanzada en enero de 1991, y es uno de los sencillos más exitosos de la historia, con ventas estimadas de 14 millones de copias vendidas en todo el mundo. La canción tiene el récord del sencillo más vendido de un artista alemán. La banda presentó un disco de oro y $ 70,000 de regalías del sencillo a Mikhail Gorbachev en 1991.
El Festival Día del Rock anunció el cartel oficial para celebrar su quinta edición en Bogotá el 13 de agosto en el Parque Salitre Mágico, y por primera vez en Medellín el 14 de agosto en el Hangar Park.El cartel está encabezado por la banda californiana de nu metal Crazy Town, y Panteón Rococó, de México considerada una de las bandas más importantes en la historia musical mexicana. División Minúscula y Allison hacen parte del cartel internacional del festival que se complementa con Serbia, la relevación del rock mexicano.Junto a ellos estará la banda de Indie Rock peruana Tourista, que regresa por segunda vez al país. Los artistas nacionales están liderados por Don Tetto en ambas ciudades, en Medellín la cuota local está representada por bandas que han trascendido en la historia del rock, punk, ska y reggae en el país como I.R.A., Margarita Siempre Viva, Popcorn, Nepentes, 911, No señal, Johnie all stars, La Toma, y Providencia, que durante 20 años ha alzado sus puños a través del dubwise en la escena alternativa del reggae colombiano. En Bogotá se suman a este cartel Oh’laville, Superlitio, La 33, Apolo 7, Under Theat, Lianna y Tappan. Las bandas se presentarán en las dos tarimas estelares del festival. El público podrá disfrutar de 10 atracciones del Parque Salitre Mágico que están incluidas en el precio de la boleta.Esta primera versión en la capital antioqueña contará con experiencias de marca, mercado rock, restaurantes; todo dispuesto para un día lleno de música y rock. El festival Día de Rock es uno de los festivales más importante de su género, que reúne todas las vertientes del rock.El Festival Día del Rock lleva cinco ediciones en Bogotá, este año se realizará el 13 de agosto en el parque Salitre Mágico. Esta será la primera vez que el Festival sale a otra ciudad para ofrecerle al público un espacio diferente en la programación de la Feria de las Flores.
Cuatro bandas bogotanas han preparado un evento especial para abrir el escenario de Stones Rock Bogotá. Un nuevo espacio para las bandas de la capital y del país. El 7 de mayo Tequendama, Le Magdalena, Stayway y Faxia estarán en vivo con su repertorio.Stones Rock Bogotá nació en el 2002, como un punto de encuentro entre el público y las bandas capitalinas, un escenario para el rock y el metal nacional. Este primer concierto, tiene músicos de diferentes generaciones. Tequendama estrenó su primera placa discográfica Gigantes. Este concierto será la oportunidad de escuchar por primera vez canciones nuevas y otras que ya han presentado en estos años. La banda bogotana está integrada por Amós Piñeros, Jota García, Alejandro Duque y Camilo Zúñiga, los cuatro amigos y músicos tienen una gran trayectoria, y han hecho parte de reconocidas bandas nacionales.Stayway es una banda colombiana con 15 años de trayectoria en la escena nacional, rock alternativo lleno de guitarras y secuencias electrónicas. Su música les ha permitido compartir escenario con Aerosmith, Incubus, Disturbed y Coheed and Cambria en Bogotá, como invitados en los shows de apertura para sus conciertos en la capital. Actualmente se encuentran grabando un nuevo álbum en español, es la primera vez que lo hacen en su idioma nativo.Le Magdalena regresa a las tarimas de Bogotá, después de un receso musical. Sus recientes lanzamientos, Deluxe infusión, Live sesión, compuesto por nueve canciones con sus videos y una historia sanadora Vientos de cambio representan un gran trabajo audiovisual y artístico. Para finales de este 2022 la banda ha programado estrenar nueva música.Faxsia acaba de estrenar su sencillo Silvia, con videoclip oficial realizado por Sergio Suzarte, Abril Records y Renacer Producciones, actualmente se encuentran en el estudio grabando su primer disco, esperan tenerlo terminado a finales del 2022, mientras tanto Faxsia lanzará sencillo por sencillo hasta completar el álbum.
El director estadounidense, ganador de un Óscar por la película The Departed en 2007, volvió al Festival de Cannes luego de 37 años de ausencia. La última vez que Martin Scorsese hizo parte de la selección oficial del festival cinematográfico más importante del mundo fue en 1986 con After Hours, una película de comedia negra protagonizada por Griffin Dunne y Rosanna Arquette.En 1976 ganó la Palma de Oro por Taxi Driver y en 2023 volvió a la alfombra roja de Cannes también junto a Robert De Niro y ahora, además, con Leonardo DiCaprio. Scorsese regresó a sus 80 años con Killers of The Flower Moon, una película que está inspirada en el libro de investigación homónimo del periodista David Grann acerca del genocidio de la comunidad indígena Osage en el estado de Oklahoma. Lean acá: Killers of the Flower Moon: la historia real que inspiró la próxima película de Martin ScorseseCon 27 largometrajes, 19 documentales y 8 cortometrajes en su carta de presentación, Martin Scorsese es uno de los directores con la filmografía más grande en la historia del cine. Es versátil, nunca sabemos que esperar de sus entregas, no repite la misma fórmula pero cada película tiene su sello, con el que uno dice: "¡ahhh, Scrosese!". Cada decisión creativa parece curada con el mayor de los cuidados y la música no es la excepción.Su amor por los Rolling Stones lo llevó a gastarse un porcentaje considerable del presupuesto de Mean Streets (1973). El total para la película eran tan sólo 750.000 dólares pero Martin Scorsese sabía que era necesario, consiguió los derechos de 'Jumpin' Jack Flash' y 'Tell me', sin embargo, no le alcanzó para 'The Last Time', afirma en una entrevista con The Guardian. Claro que más adelante pudo comprar los derechos de otras canciones para películas como Goodfellas (1990), Casino (1995) y The Departed (2006), pero de eso hablaremos en un rato.Las guías tradicionales para quienes no conocen sus películas, o para quienes quieren hacer un maratón del director, suelen estar organizadas en orden cronológico o por la recepción de la crítica. Acá vamos a desglosar cinco de los soundtracks más icónicos de Scorsese para que le pongan más cuidado al detalle de la música que acompaña a algunos clásicos del cine.Guía musical para ver las películas de Martin Scorsese1) Raging Bull (1980)Es una película biográfica basada en el libro y la vida del boxeador italoamericano Jake LaMotta, protagonizado por uno de sus favoritos de siempre: Robert De Niro, quien ganó más de 27 kilos para el personaje. Scorsese no escatimó en estrellas de jazz de la época. Ella Fitzgerald, Tony Bennet, Benny Goodman, Frank Sinatra y hasta Marilyn Monroe hace una aparición en el soundtrack de la película con la que De Niro ganó un Oscar y un Globo de Oro a 'Mejor Actor'.Canciones:Come Fly With Me- Frank SinatraJersey Bounce- Benny Goodman feat. Peggy leeCow Cow Boogie- Ella FitzgeraldAll or Nothing At All- Frank Sinatra, Harry JamesBlue Velvet- Tony BennettStone Cold Dead in the Market- Louis Jordan, Ella FitzgeraldBye Bye Baby- Marilyn Monroe.2) The Departed (2006)El crimen y suspenso protagonizada por algunos grandes de Hollywood. Leonardo DiCaprio, Matt Damon, Jack Nicholson y Mark Wahlberg se juntaron en un drama entre la policía y la mafia irlandesa, una nueva versión de Infernal Affairs, film hongkónes de 2002.La película fue aclamada por la crítica y fue un éxito comercial. Ganó cuatro Premios Oscar en la gala de 2006 a la 'Mejor Película, 'Mejor Director, 'Mejor Guión Adaptado' y 'Mejor Montaje'. La banda sonora de la única estatuilla de Scorsese está encabezada por un clásico de la banda de rock británica Pink Floyd interpretada por Roger Waters, Van Morrison & The Band, por otro lado tenemos a The Beach Boys y, por supuesto, los Rolling Stones.Canciones:Comfortably Numb- Roger Waters, Van Morrison, The BandSail On, Sailor- The Beach BoysLet it Loose- Rolling Stones3) Goodfellas (1990)Esta película es, quizá, por la que muchos conocimos el trabajo de Scorsese. Está basada en el libro de hechos reales de Nicholas Pileggi, quien coescribió el guión con él, y sigue por tres décadas la vida de tres delincuentes. Está protagonizada por Ray Liotta, Robert De Niro, Lorraine Bracco, Paul Sorvino y, otro de sus favoritos, Joe Pesci quien ganó el Oscar a 'Mejor Actor de Reparto' en los premios de ese año.Fue nominada a siete premios BAFTA de los cuales ganó cinco y su banda sonora estuvo encabezada por The Moonglows, una de las bandas pioneras del R&B estadounidense; The Chantels, The Cadillacs y The Harptones, agrupaciones de doo-wop, un género que nació de la unión del rythm, el blues y el gospel; Tony Bennet y la reina del soul, Aretha Franklin.Canciones:Rags to Riches- Tony BennetSincerely- The MoonglowsSpeedo- The CadillacsLook in My Eyes- The ChantelsLife Is bit a Dream- The HarptonesBaby, I Love You- Aretha Franklin4) Bringing Out the Dead (1999)Otra película de Scorsese que se desarrolla en una Nueva York oscura. Protagonizada por Nicolas Cage y Patricia Arquette, cuenta la historia de un paramédico nocturno que ha dedicado su vida a salvar a otros, sin embargo, los fantasmas de quienes no ha podido salvar lo persiguen.A pesar de que no tiene nominaciones, ni galardones, el soundtrack es increíble. El punk de The Clash, el rock británico de The Who y el estadounidense de R.E.M acompañan la película junto a canciones de The Marvelettes y Martha Reeves & The Vandellas, dos agrupaciones femeninas de soul.Canciones: Janie Jones- The ClashWhat's The Frequency, Kenneth?- R.E.MI'm So Bored with the U.S.A- The ClashNowhere To Run- Martha Reeves & The VandellaBell Boy- The WhoToo Many Fish in The Sea- The Marvelettes5) Mean Streets (1973)Esta película de crimen y drama fue considerada en 1997 como "cultural, histórica y estéticamente significativa" por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para ser preservada en el National Film Registry. Cuenta la historia de un mafioso italiano en Nueva York que intenta ayudar a pagar las deudas de uno de sus amigos más cercanos.Ya hablamos de los Rolling Stones pero la banda sonora de este largometraje tiene otros nombres importantes como óperas cantadas por Giuseppe Di Stefano, uno de los tenores líricos más importantes de Italia y Eric Clapton con Bobby Withlock. Canciones:Jumpin' Jack Flash- Los Rolling StonesTell Me- Los Rolling StonesAddio Sogni di Gloria- Giuseppe Di StefanoCanta Per' Me- Giuseppe Di StefanoMunasterio di Santa Chiara- Giuseppe Di StefanoI Looked Away- Eric Clapton y Bobby WithlockMartin Scorsese confirmó, luego de reunirse con el Papa Francisco, que su próximo largometraje retratará la vida de Jesús. El encuentro se dio en el marco del evento “La Estética Global de la Imaginación Católica”. Este no sería el primer proyecto de Scorsese centrado en la religión. En 1988 estrenó ‘La última tentación de Cristo’, una película controvertida dentro de la Iglesia Católica, prohibida en Filipinas y Singapur; y ‘Silencio’, en 2016, sobre la persecución de los sacerdotes cristianos en Japón durante el siglo XVII.
La artista italiana Laura Pausini, ganadora del Globo de Oro, el Grammy Award, el Latin Grammy y múltiples reconocimientos globales, será honrada a finales de este 2023 en una ceremonia en Sevilla, España, como la Persona del Año. La decisión la informó la Academia Latina de la Grabación..Tradicionalmente la gala a la Persona Del Año cuenta con la participación de varios músicos interpretando las canciones del artista homenajeado u homenajeada. Además, el domingo 10 de marzo de 2024, Laura Pausini se presentará en el Movistar Arena de Bogotá.Laura publicó un video diciendo que "recibí la noticia de que me han elegido como la Persona del año 2023 y eso me llena de ilusión, recibirlo en mis 30 años de carrera le da un valor muy grande y significativo en mi vida y en la de cada una de las personas que me han acompañado en mi recorrido. Esta industria es muy hermosa, pero recorre de mucha fuerza, sacrificio, amor y coraje, soy afortunada de que mi familia no ha soltado mi mano en ningún momento y que el público me ha abrazado desde el minuto uno".Para Manuel Abud, CEO de la Academia Latina de la Grabación, indicó que “Laura Pausini es una de las artistas más talentosas y queridas de su generación cuyo compromiso con grandes causas es ejemplar (...) a lo largo de sus más de tres décadas de carrera su extraordinaria voz continúa rompiendo barreras a través de idiomas y géneros, cautivando audiencias en todo el mundo”.Pausini será reconocida por su carrera como artista multifacética y multilingüe, así como por su compromiso continuo de apoyar las causas de justicia social que están cerca de su corazón, incluidas la igualdad para las mujeres y las personas LGBTQ+ y el hambre en el mundo.La Persona del Año de la Academia Latina de la Grabación reconoce a los músicos y sus logros artísticos en la industria de la música latina, así como sus esfuerzos humanitarios. Los artistas previamente homenajeados son Marco Antonio Solís (2022), Rubén Blades (2021), Juanes (2019), Maná (2018), Alejandro Sanz (2017), Marc Anthony (2016), Roberto Carlos (2015), Joan Manuel Serrat (2014), Miguel Bosé (2013), Caetano Veloso (2012), Shakira (2011), Plácido Domingo (2010), Juan Gabriel (2009), Gloria Estefan (2008), Juan Luis Guerra (2007), Ricky Martin (2006), José José (2005), Carlos Santana (2004), Gilberto Gil (2003), Vicente Fernández (2002), Julio Iglesias (2001) y Emilio Estefan (2000).¡El lado S de la música, el cine y la televisión!
“Si pierdo, quiero que quede correctamente caracterizado como una gran victoria”, le dice el candidato presidencial de ultraderecha en Succession Jeryd Mencken a Roman Roy en la noche de elecciones de Estados Unidos. El hijo menor del magnate Logan Roy entiende el mensaje. No sabía que otra de tantas derrotas le vendría encima pronto, y que tendría que simular un triunfo con la cara ensangrentada, sin que alguien cuidara su espalda.Por Juan Diego Barrera // @balandro99Días después, como último CEO familiar de Waystar Royco, tuvo que posar sonriente para las cámaras que anunciarían la venta del imperio de su padre. Mientras firma los documentos, Lukas Mattson clava más el puñal acercándose a su oído, seguro burlándose, seguro recordándole la soberbia con la que le aseguró que jamás tendría la empresa en su poder. Otra humillación. Todo el dinero del mundo; ni una pizca de poder.Esa misma tarde, tomándose un trago a solas, Roman sonríe en silencio. ¿Se ríe de su humillación final o celebra, por primera vez, la libertad, el inicio de una vida en sus términos?Succession no es la historia de unos hermanos en disputa por ser el siguiente en el trono. Es una actualización de King Lear, de Shakespeare, y el drama de una sucesión de repeticiones en la vida de unos hermanos a los que les tocó un padre que a la vez era un laberinto.Hagamos un balance de lo que hizo de esta una de las series más interesantes de los últimos tiempos.Succession dentro del género “Eat the rich”La serie creada por Jesse Armstrong hace parte de dos categorías importantes para el cine y la televisión de nuestros días. La primera es la tendencia de títulos como The White Lotus o Parasite: narrativas que se enfocan en la desigualdad y lo inherentemente grotesca que es la comodidad de pocos a costa de la explotación de muchos.En ese esquema “eat the rich”, Succession se desmarca del resto. Primero, porque desde el manejo de cámaras, la producción y el guion, pone su foco solo sobre los altos círculos del poder. Sin romper la cuarta pared o ser un falso documental, es muy similar a la forma en la que The Office logra construir la idea de la cotidianidad de su empresa: permite ver su trasescena, su fragilidad y cuán medido y controlado se espera que sea su performance ante el mundo.En ese proceso de humanización, las piezas psicológicas que compartimos todos —los traumas, el duelo, la ira, los gustos— encajan en los contenedores de personajes cuyo equivalente real asumimos como gente de otro planeta y con otros problemas.La segunda es que, al estilo de Shakespeare, Succession difiere de otras historias sobre la riqueza mórbida porque el poder de los personajes amenaza constantemente con escapar. Al ser todo lo que tienen, es una cuestión de supervivencia. Los Roy no tienen un lenguaje que no sea el de los negocios, como deja ver la sustitución de las emociones reales por los argumentos que da Shiv sobre la conveniencia de que ella y Tom sigan casados. No son parte de una secta tipo Eyes Wide Shut, ni se ahogan en ocio como en Gossip Girl ni son ciegos ante la diferencia de clase como en Parasite. Son personas atrapadas “del lado afortunado” del mundo y constantemente expuestas, a través de Connor, a la realidad de que su escape de la empresa paterna no les dará una vida tranquila, sino que los convertirá en una burla.“Dear world of a father”El otro legado en el que se inscribe Succession es el de los grandes guiones de HBO que se permiten la exploración de la endogamia en contextos de poder. Son muchas las obras de la productora que están dedicadas a imaginar la vida de ciertas élites y las implicaciones que tiene pertenecer a ellas para quienes las conforman. Caben en la categoría, por ejemplo, la mafia de Los Soprano o las casas del universo Game of Thrones.Pero ni en esas grandes historias de sicarios, ejércitos y dragones hubo una figura paterna tan capaz de proyectar aparente omnipotencia como Logan Roy. Se debe, en parte, a que la historia de Succession es contemporánea: está diseñada usando familias billonarias como los Murdoch de referentes, muestra las dimensiones colosales de las decisiones de la serie y está situada en una ciudad símbolo del alcance global y local de Waystar Royco.Por eso el peso de las acciones del patriarca es comprensible para la audiencia en un nivel más cercano que cualquier “Boda Roja”. Encima, Logan está construido como un personaje implacable, siempre un paso adelante, siempre inevitable, siempre con sus hijos en la palma de su mano.Claro, la mortalidad de Logan se hace notar a través de su frágil salud y eventual muerte. Pero, justamente, buena parte de esa aparente omnipotencia surge de los efectos que sigue y seguirá teniendo el padre sobre el mundo y sobre su familia aun después del magnífico tercer episodio de esta temporada, cuando falleció.En el penúltimo capítulo, cuando Shiv improvisa el obituario de su padre luego de que Roman colapsara en medio del funeral, lo despide diciéndole “querido mundo de padre”. Logan marca por completo la psiquis de sus hijos, y su legado es tanto el mundo que habitan como el desdén que este tiene contra ellos.Las primeras tres temporadas fueron mostrándonos cómo Logan es un laberinto lleno de trampas para sus hijos. La cuarta empezó con la ficción de que habría un intento probable de matar al padre simbólicamente al acabar con su legado para romper con el poder que tiene sobre las vidas de Kendall, Roman y Shiv.En cambio, terminó mostrándonos que salir de la empresa no es curar a los niños que aún claman, adentro, por la atención de un padre, al menos como regaño —que llega de la madre en la preciosa escena en que los tres juegan en la cocina tras su fugaz acuerdo.Más temprano en la temporada, la muerte de Logan diluye el acuerdo con Pierce, la posibilidad de construir una empresa propia y muchos otros cabos sueltos. El padre-mundo define lo que es y no es posible. Más allá de él, de lo que implican las exequias, de la dirigencia de Waystar, no hay nada.De ojos, “optics” y miradasEn el último episodio de Succession, la madre de Kendall, Siobhan y Roman recibe a sus hijos en casa. En un cruce de palabras irrelevante para la trama, le dice a su hija que aborrece los ojos, la idea de “tener gelatina o huevos en la cabeza”.Si el título del capítulo final, “Con ojos abiertos”, no lo hacía lo suficientemente evidente, el comentario no es tan gratuito como parece. No es solo que los Roy no puedan ver en los ojos de los otros o apelar a ellos con una mirada honesta. Es que las conclusiones de cada historia de la serie están en los ojos de sus personajes —como en los del rey Lear y el conde de Gloucester en la obra de Shakespeare.Hora y media después del encuentro familiar, Kendall ahorca y aplasta los ojos de Roman luego de actuar como su padre y someterlo a maltrato en medio de un abrazo para ponerlo de su lado. Después, Logan pierde en la votación de la junta, y su mirada derrotada abandona la oficina. Todos, con ojos bien abiertos, vieron la pelea de los tres Roy en su oficina de cristal. Todos saben de la caída desde que Shiv se quedó dudando, mirando al piso antes de votar.Finalmente, lo último que vemos de cada hermano es que mira a un lugar distante, pero no a unos ojos: al mar, afuera de un carro, a la nada.La serie no quiere sentenciar que los hijos de esas grandes figuras que interesan a historiadores y marcan la pauta del mundo estarán por siempre viviendo en su sombra.Por el contrario, habla de que los ciclos de violencia, como la que sufrió Logan de pequeño, son amplificados por el poder que permite nuestro sistema capitalista y la glorificación de quienes llegan al poder “viniendo de cero” como Logan. De no romperse, la violencia se reproduce como desprecio al mundo, como sentido de la justicia distorsionado y como abuso físico y psicológico.Así, el ego inculcado llevó a Kendall a cavar su propia tumba y amarrar al amigo y guardaespaldas de su padre a sí mismo, como recordatorio anticipado de su propia derrota. Lo mismo con Shiv, que terminó sin poder y en el rol despreciado de esposa silenciosa que su padre le dio a su madre y al que poco antes se refirió para burlarse de Willa y su dependencia a Connor.Este último siguió intentando abandonar las cosas de su padre al menos parcialmente, y reafirmar el abandono al que fue sometido de pequeño a través de sus intentos desesperados por comprar el amor de Willa. Y aunque en redes sociales algunos piensan que la mencionada sonrisa de Roman es de felicidad por la libertad conseguida, parece más la risa nerviosa o sarcástica que surge en él en reacción al maltrato o cuando ve a Gerri. La pérdida de Waystar simboliza la mayor humillación, que él mismo formuló a Kendall momentos antes: que no son nada, que no son nadie.Nunca importaron realmente las palabras técnicas del mundo financiero, las juntas, sus reglas, la sensación de ultimátum, sino la sutil sugerencia que hace la serie de que el inconsciente lleva a estos hermanos a repetir una y otra vez lo mismo, lo funcional a que Logan siga siendo único. Esa es la mirada de ojos más abierta. La que ve el vacío. La que entiende que el laberinto es demasiado grande, demasiado hondo, como el agua que Kendall una y otra vez intenta nadar para liberarse.
El músico boyacense Jorge Velosa, fundador de Los Carrangueros de Ráquira y artista durante más de cuatro décadas, recibió a los 73 años un nuevo reconocimiento académico que destaca su labor artística y cultural.Para leer y escuchar | El homenaje de Los Rolling Ruanas al campesinado colombianoEl coplero, escritor, intérprete, maestro y actor, aceptó el título de Doctor Honoris Causa en Lenguaje y Cultura por parte de la Universidad Pedagógica y Tecnológica de Colombia. El reconocimiento lo recibió en el departamento de Tunja.En su discurso de aceptación destacó que este reconocimiento tiene su nombre, pero es directamente un homenaje al campo, a los campesinos y a todos aquellos que aportan un grano de arena para mantener vivas las tradiciones culturales.Velosa agradeció al campo y le dijo a los medios de comunicación "que vivan los campesinos y que los dejen vivir, que el campo sin campesinos existe sin existir, pero también resumiendo un poquito lo que dije es de no haber vivido en el campo, entre ellos, que me dieron la vida y todo lo que soy como también lo dice la canción, buenos días campesinos, pues no existiría lo que estoy haciendo".‘Las diabluras’, ‘La china que yo tenía’, ‘La cucharita’ y ‘Julia Julia’ son algunas de las canciones más exitosas de la carrera musical de Jorge Velosa.Durante la década de los 70 el artista ingresó a la Universidad Nacional de Colombia y terminó sus estudios como médico veterinario. Velosa no ejerció su carrera profesional, pero sí creó un programa en Radio Furatena que fue vital para transmitir las tradiciones populares de la región. Más adelante empezó a hacer música denominada carranguera y el resto es historia de la música colombiana.En video | Thalia sobre inspirar a Shakira y Karol G en sus inicios musicales - Entrevista Shock¡La música colombiana nos une!
