Falta poco para uno de los eventos más esperados del año y ahora, por fin, conocimos los horarios del Festival Estéreo Picnic 2024. La cita será del 21 al 24 de marzo en el Parque Simón Bolívar de Bogotá, que abrirá sus puertas hasta las 3:00 a.m. Este año, los headliners son Kings of Leon y Limp Bizkit el jueves 21; SZA y Sam Smith el viernes 22; Feid y Placebo el sábado 23; y Blink-182 y Arcade Fire el domingo 24. Otros de los artistas más esperados son Hozier, 30 Seconds To Mars, Greta Van Fleet, Phoenix, Black Coffee, M.I.A, Grupo Frontera, The Offspring y The Blaze. Festival Estéreo Picnic 2024: horarios completos por díaPor fin se revelaron los horarios de cada uno de los días del festival para programarnos y esperar a que no se crucen los artistas que más queremos ver. Programación Festival Estéreo Picnic 2024 día 1: jueves 21 de marzoProgramación Festival Estéreo Picnic 2024 día 2: viernes 22 de marzoProgramación Festival Estéreo Picnic 2024 día 3: sábado 23 de marzoProgramación Festival Estéreo Picnic 2024 día 4: domingo 24 de marzo¿Cuánto vale la boleta para Estéreo Picnic 2024?Los precios de las entradas para el combo de 4 días están en 1.879.000 para los 4 días en general, y en VIP $3.699.000. Para el día individual, el precio está en $ 799.000, con servicio incluido. Las entradas están disponibles en el portal eticket.com. ¿Qué es la zona de confort del Estéreo Picnic 2024? La Zona Confort es un nuevo espacio dentro del Festival, ubicado entre los escenarios 1 y 2, diseñada para ofrecer una experiencia de comodidad. Se ofrecen servicios exclusivos y todos los artistas, sin que se afecten las experiencias de los asistentes de las otras localidades.¿Qué tantos artistas nacionales hay en el Festival Estéreo Picnic?Esta nueva edición tiene en 75 actos en total, de los cuales 30 son talento local y 45 son artistas de otros países. Para 2024 el 40% del cartel será colombiano.A pesar de no estar en los primeros nombres del cartel, una de las leyendas de la salsa estará presentándose para ponernos a bailar a todas y todos: Fruko y sus tesos.La cuota de rap colombiano, en ausencia del internacional, va por cuenta de Oblivion's Mighty Trash (Apuesta Shock 2023), La Etnnia, El Kalvo, Penyair, Ruzto, Homie! y Selene.Las artistas femeninas nacionales también se tomaron este cartel. Tendremos a Laura Pérez (Apuesta Shock 2023), Laurél, Mariscos y la flautista clásica Anamaría Oramas desde Bogotá; Verito Asprilla (Apuesta Shock 2023) desde Tumaco y More desde Cali. Sin embargo, pasa otro año donde anhelamos ver a más mujeres en los carteles de los festivales.En agrupaciones tenemos Búha 2030, Mala Bengala, Volcán, Afro Legends (Artista ROMPE 2023), Divino Niño y Maca & Gero.Más sobre los artistas nacionales del Festival Estéreo Picnic 2024 aquí.
El público de la música pop siempre ha exigido héroes e íconos. Quizá más que en cualquier otro género. Sin embargo, Solána Imani Rowe, conocida como SZA, es de un tipo diferente de estrella e ícono pop.Su música se trata de algo mucho más intenso que las simples y fácilmente digeribles canciones de ruptura al estilo Miley Cyrus o Taylor Swift.Su sonido rescata el fatalismo, el exceso, la rabia y el odio del hip-hop de los 80 y 90, así como recupera la idea del amor hacia sí mismo del movimiento “Black is Beautiful” de los 60 en una versión que expresa la importancia de la apreciación tanto de la cultura como de la propia identidad.La historia de SZASolána Imani Rowe creció en un hogar musulmán ortodoxo de clase media-alta en los suburbios de New Jersey.Su infancia no solo fue diversa por este tipo de conformaciones sociales y culturales —podía seguir a líderes religiosos como Elijah Muhammad, pensar al estilo de Malcolm X, soñar con Martin Luther King Jr. e impacientarse por ver mayor estabilidad en la economía—, sino que además fue compleja.A Solána le resultaba difícil encajar y seguir los flujos sociales que el sistema diseña para que las personas (y las mujeres en particular) circulen con una sonrisa mientras la precariedad se expande en todo el planeta.En la época de colegio, por ejemplo, fue acosada después del 11 de septiembre por llevar su hiyab.Eso le mostró, por primera vez, que las diferencias culturales y raciales son consideradas una amenaza y un delito en la Norteamérica democrática.Situaciones como esta le permitieron crear sus propias ideas sobre cómo (sobre)vivir en un país como Estados Unidos.¿Por qué se hace llamar SZA? Un primer acto de afirmación de su identidad como mujer negra y musulmana fue la construcción de su nombre artístico, SZA, el cual tomó del Alfabeto Supremo de la Nación del Islam: “Sovereign Zig-Zag Allah” o “Savior Zig-Zag Allah”.Lo que siguió a este proceso de identificación con el mundo musulmán fue la autoedición y el lanzamiento de los EP SEE·SZA·RUN (2012); S (2013); y Z (2014), material que llamó la atención de la prensa especializada y de un grupo de nuevos seguidores, y que le permitió unirse a la compañía discográfica independiente Top Dawg Entertainment (TDE), sello que contaba dentro de sus filas con artistas como Kendrick Lamar y Jay Rock.CtrlSu álbum debut, Ctrl, lanzado en junio del 2017, la situó a la vanguardia del R&B contemporáneo.El disco combina la expresividad del soul clásico con una atmósfera cargada de sintetizadores sombríos, una voz ronca pero dulce, ráfagas radiantes de percusión y energizantes dosis de guitarra que se acompañan con poderosas líneas de bajo.Ctrl refleja dos cosas.Primero, la idea de que el control es una ilusión, pero como sugiere el eco de la voz de la madre de SZA al principio de Supermodel (“Ese es mi mayor miedo / Si perdiera el control / O no tuviera el control / Las cosas simplemente, ya sabes / Yo sería fatal”) y al final de la canción Something (“Y si es una ilusión no quiero despertar / voy a aferrarme a ello / Porque la alternativa es un abismo, es sólo un agujero, una oscuridad, una nada / ¿Quién quiere eso?”), existe cierto poder y tranquilidad al aferrarse a la ilusión, incluso, cuando la reconocemos como tal.Lo que sale a relucir en este álbum es la contradicción que existe entre ser la “dueña” de la narrativa de la propia vida (“eres libre”, “todo lo que quieras lo puedes lograr”) y la recuperación del control de la vida cuando se está dispuesta a renunciar a esas tristes y banales ideas de que somos dueños de nuestro propio destino (solo hay ciertas cosas que controlamos).El mensaje es claro: debemos jugar con lo que existe para poder interpretar el papel que nos permite competir en el show de talentos.Pero, por supuesto, esto no implica que se piense que las cosas están bien tal como están, sino que la oportunidad de transformar las cosas solo existe dentro de lo que brinda el sistema.El segundo punto que expone SZA en el disco es el viaje que realiza hacia la búsqueda del amor propio y la aceptación. En la canción Supermodel, por ejemplo, muestra por medio de una carta la ira que siente hacia su novio luego de enterarse que ha sido engañada, para, posteriormente, confesarle su propia traición y, finalmente, exponer su estado de vulnerabilidad y dependencia en la relación.SOSEste vínculo entre el (des)amor, el sexo, la autoprotección, las fantasías de venganza, la lucha contra la inseguridad, la aceptación y el empoderamiento de la belleza negra tienen un aspecto curiosamente existencial que se hace más visible en su segundo álbum, SOS.El disco sostiene un sonido emocionalmente intenso y escabroso, una combinación rítmica que va desde el trap-soul, el lo-fi hasta pasar por el Neo-soul, el grunge y el punk.En la conmovedora y descarnada canción que tiene por nombre el mismo título del álbum, SOS, SZA se propone abandonar una relación conflictiva y dejar atrás los enredos de un supuesto amor seguro; pero primero debe dejar claro lo que piensa y reclamar por todo lo que dio en una transacción amorosa de la cual recibió muy poco.El álbum, en general, esboza los flujos de las emociones, los contrastes que existen en esos momentos de fuerza, determinación, ánimo y que, prontamente, se transforman en tristeza, soledad e inseguridad.Kill Bill, por ejemplo, la tarjeta de presentación del disco, es una balada en la que la artista fantasea con el asesinato de su exnovio para que ninguna otra mujer pueda tenerlo y, aunque, reconoce que es un sueño siniestro no puede dejar de imaginarlo.No obstante, la fantasía de venganza de Kill Bill no proporciona una recompensa emocional real; su narrativa es un grito de puro de dolor y fatalismo que representa la otra cara de la imagen de la mujer que “no siente el engaño”, la que se “recompone rápidamente”, la que se “alegra” con su grupo de amigas simplemente yendo de compras y comiendo enormes cantidades de helado o la que compensa la situación con otro tipo de placeres apósitos.En canciones como Smoking on My Ex Pack, Far, Conceited” y Forgiveless, al igual que en todo el álbum, SZA se enfrenta tanto a sí misma como a sus parejas, evidenciando el cansancio y el desgaste que le producen las relaciones.En ocasiones los sonidos reflejan momentos de paz que se encuentran incrustados en un mundo caótico y vislumbran la inercia en el aparente cambio en la vida de las personas.Sin embargo, no todas las canciones del disco tratan de seguir adelante y dejar atrás sus relaciones pasadas; SZA sigue teniendo la tendencia a tomar decisiones “equivocadas” que pueden no acabar bien para ella (Too Late y F2F) y se cuestiona su valía en algunos casos (Special).La honestidad que evoca el proyecto musical de SZA y la fe depositada en exponer su vulnerabilidad y sus inseguridades como terapia permiten iluminar los rincones más siniestros del yo.Es ahí, en su interior, el lugar oscuro de la ira, donde su auténtico espíritu oculto crece y se alza de forma sólida y hermosa para hacerle frente a sus pesadillas, debilidades e impotenciasPero no para salir a la conquista del “hombre elegido” o para culminar en una especie de trascendencia de todo su destino romántico, sino, justamente, para exponer que no es una mujer unidimensional; una mujer “bendecida” por la seguridad del modelo de empoderamiento que niega la rabia y el sufrimiento femenino y lo sustituye por el júbilo, el entusiasmo y el optimismo emancipador.La música de Solána Imani Rowede no aspira a conquistar al mercado feminista joven (y negro) con emocionantes intentos de construcción de confianza al mejor estilo de los libros de autoayuda. Su propuesta pretende aprender a convivir con esa intimidad siniestra y el escrutinio de sí misma para fortalecer su existencia, los miedos que rigen su vida y, primordialmente, hacerle frente a los silencios que dominan los cuerpos de las mujeres negras.***SZA comparte tarima de Festival Estéreo Picnic con artistas como Phoenix o Hozier. A propósito, les recomendamos leer: Phoenix: ¿qué nos dice la banda sobre el amor, la libertad y la nostalgia?Hozier y las cosas hermosas que nos dejan ver el cielo
Rina Sawayama, Jaden Smith, Dove Cameron cancelan su show en Estéreo Picnic 2024. Los artistas estaban anunciados para el jueves 21, domingo 24 y viernes 22 de marzo respectivamente. Estos artistas se unen a la lista de cancelaciones de Estéreo Picnic 2024 en la que está Paramore, banda que canceló hace algunas semanas y fue reemplazada por Kings of Leon. El Festival Estéreo Picnic será del 21 al 24 de marzo en el Parque Simón Bolívar de Bogotá. ¿Quiénes son los artistas que cancelaron?Rina Sawayama nació en Niigata, Japón y emigró a Londres con sus padres a la edad de cinco años. En 2017, lanzó su EP debut, Rina. Después de firmar con Dirty Hit en 2020, lanzó su álbum de estudio debut, Sawayama. Su segundo álbum de estudio, Hold the Girl, se lanzó en 022. En 2023, Dove Cameron lanzó su álbum debut Alchemical: Vol 1, que fue precedido por el sencillo Boyfriend. Smith comenzó su carrera musical junto a Justin Bieber, cuando apareció en el sencillo de 2010 Never Say Never de The Karate Kid. Smith ha lanzado los álbumes de estudio Erys (2019) y CTV3: Cool Tape Vol. 3 (2020). En 2022, recibió una nominación al premio Grammy por Álbum del año como artista destacado en el álbum Justice de Bieber.Estéreo Picnic 2024 ¿Quiénes reemplazarán a Rina Sawayama, Jaden Smith, Dove Cameron?The Vaccines, Leisure y Saiko reemplazarán a Rina Sawayama, Jaden Smith y Dove Cameron. The Vaccines estará el próximo 24 de marzo, Leizure el próximo 21 de marzo y Saiko el sábado 23. The Vaccines es una banda británica de indie rock formada en Londres el año 2010. Leisure es un proyecto de música electrónica neozelandés de Auckland, formado en Muriwai en 2015. Miguel Cantos Gómez, más conocido como Saiko, es un cantante español de reguetón, pop y trap. Comenzó a rapear a los catorce años, formando en 2019 un dúo junto con su hermano, conocido como Wido y Saiko. En 2020 comenzó su carrera en solitario
“Eternas y míticas” son etiquetas que se le pueden achacar a bandas como The Beatles, The Doors, The Rolling Stones, Led Zeppelin, entre otras que vivieron su apogeo antes de los 80. Además de su música, el tiempo los ha consagrado. Pero en este milenio el indie pop de Phoenix no solo se ha adjudicado el derecho a cargar con estos dos adjetivos, sino que lleva con honor los calificativos de la fabulosa ave de la cual toma su nombre.La banda surgió a finales de los años 90 en Versalles, Francia, como un brillante faro de placer pop repleto de guitarras alegres y vibrantes, una voz dulce y melancólica, una batería energizante y un bajo simple y pegadizo que irrumpió para hacerle frente a la aparente mentalidad seria del rock alternativo de la época.Phoenix se presentará en el Festival Estéreo Picnic 2024. Aquí encuentran el cartel por días. De hecho, el grupo siempre ha tenido mucho menos parentesco con sus contemporáneos del grunge, el punk o el garage que con grupos pop de vanguardia de los 70 como Electric Light Orchestra y 10cc.¿Quiénes son los integrantes de Phoenix?Durante más de 25 años los cuatro integrantes de la banda —Thomas Mars (voz), Deck d'Arcy (bajo), Laurent Brancowitz (guitarra) y Christian Mazzalai (teclados)— han ofrecido un sonido que nos seduce y nos atrapa pero al mismo tiempo nos alerta y nos pone en guardia.La frescura y la energía juvenil de sus primeros temas, como Too Young y If I Ever Feel Better de su álbum debut, United, apuntaban a mostrar el periodo donde se pasa de pensar, de imaginar y de soñar la vida a vivir la vida con todas sus contradicciones.“Oh los tiempos difíciles llegaron // Y no me dejan esta noche // Desearía saber qué es lo que hacía // Solo deja que este espíritu sobreviva… Esta noche ha terminado // Y me siento muy joven”, canta Mars con su voz acaramelada para recordarnos que la etapa de inocencia ha terminado.¿Qué nos dicen las canciones de Phoenix sobre el amor y la libertad?Pero si Too Young habla de los cambios radicales de la vida, el paso de un umbral a otro o la muerte de una etapa, If I Ever Feel Better expresa algo mucho más perturbador sobre el mundo: la sensación de que los sueños de juventud se desvanecen junto a la idea que la libertad no es más que una simple ilusión para el alma de los ingenuos.United es un álbum efervescente, chispeante e intoxicante con dosis mínimas de ironía y sexo pervertido, en el que se recupera la frescura del indie rock de New York de principios de los noventa para, posteriormente, ser transportado a Francia.Los picos del disco se encuentran tanto en la fórmula de urgencia que describe la banda en varias de sus letras y melodías forjadas en un húmedo y oscuro garaje de París, como en la advertencia que nos hace sobre el secuestro de nuestra existencia y la fragmentación de nuestras relaciones sociales por parte del poder económico y político del actual sistema.¿Estamos condenados a vivir en un mundo donde la libertad es meramente una fantasía o podemos escapar a los límites del control?La respuesta que ofrece la banda a esta pregunta se encuentra en su segundo disco, Alphabetical, lanzado en marzo del 2004.Luego de llamar la atención con su primer álbum y alcanzar un relativo éxito al otro lado del Atlántico, Phoenix retoma en Alphabetical un sonido más suave, más sutil y más audaz, hasta el punto de recrear ritmos del pop de los 80 para decirnos que las cosas van a cambiar, pero no precisamente para mejorar ni para el bien de todos.El negativismo crítico de la banda se hace evidente en canciones como Everything is Everything y Run, Run, Run, las cuales evidencian que vivimos en un mundo donde todo lo que creamos queda hipotecado a otros y a los intereses de otros. “Las cosas van a cambiar // Y no para mejorar // No sé lo que significa para mí // Pero no tiene remedio, no tiene remedio… // Todo, es todo // Cuanto más hablo de ello, menos lo controlo // Todo, significa todo // No puedes entender ni una palabra, ni la mitad de lo que digo // Las cosas que poseo // A veces también me poseen // Lo que me van a hacer // Creo que no hay remedio, no hay remedio”.El mensaje es claro en Everything is Everything: no somos dueños de nosotros mismos de la misma forma que no poseemos lo que producimos; lo que producimos nos posee a nosotros, somos sus esclavos.Lisztomania, la nostalgia y la vida en pareja desencantadaReconociendo su inconfundible existencia como grupo, como programadores de nuevas formas de contar (y cantar) la experiencia del mundo actual, Phoenix, además de cautivar al mundo entero en el 2009 con el álbum Wolfgang Amadeus Phoenix, también se declara en un estado de nostalgia psicológica y soledad depresiva causada por la intensidad, la precariedad de la cultura del trabajo y la sobreestimulación digital que deja absolutamente exhaustas a las personas.En la popular Lisztomania, por ejemplo, la banda expone la agonizante voz de una persona que le ruega a su pareja apartarse de los intereses que desgastan y asfixian la vida para ir más despacio a pesar del desánimo que eso pueda causar en la relación.La insistencia de uno de los dos involucrados es por detener el frenesí de ese estilo de vida que consiste en hacer de todo —y a todo momento— para luego mostrar cada experiencia en una especie de show que solo es puesto en escena para despertar la envidia de los otros y para saciar su intriga. Lo que está implícito en el disco es que en ese estado insomne y sofocante todo se vuelve algo deserotizado; desesperadamente cansados, tristes, deprimidos, cortos de tiempo, energía y atención, la pareja cada vez más demandan soluciones rápidas y efectivas para seguir con el show.Ya convertidos en “superestrellas” en diferentes partes del mundo, la banda de amigos ha dado forma a su leyenda a través de lanzamientos hostiles pero enmascarados con tonos de desenfado. En su último álbum, Alpha Zulu, Phoenix demuestra que no han perdido nada de su soberbia ofreciendo canciones que tienen tanto de atemporales y divertidas como de críticas e irreverentes.No se trata de un típico álbum de indie pop elegante, triste y sin calorías, por el contrario, hay pasajes y sonidos oscuros que llevan a la introspección.Esto, por supuesto, se logró gracias al ambiente experimental y artístico que brindó el lugar de grabación: El Museo de Artes Decorativas de Louvre.El hecho de grabar en un lugar tan lleno de historias le proporcionó a la banda la oportunidad de retomar diferentes recursos culturales, así como la inspiración necesaria para combinar la efervescencia del synth pop, el EDM y toda la energía del indie rock, pero, sobre todo, los llevó a entender que todo el arte expuesto en el museo marca perfectamente bien nuestra distancia con la utopía por un mundo de otras formas.La banda describe el álbum como una mezcla de sonidos que recrean el “espíritu extraño de Frankenstein, pero con una vivacidad irresistible y embriagadora.La canción que da título al disco, Alpha Zulu, tiene un brillo enceguecedor y conmovedor que nos recuerda que el paso del tiempo es diferente al pasado, donde el segundo —y sus promesas— aún no ha ocurrido mientras que el primero, el paso del tiempo, evidencia las fracturas tanto en las relaciones íntimas como en las ruinas del mundo.El mundo en ruinas se evoca con nitidez en la canción Winter Solstice, una de las piezas centrales y más dolorosas del disco, donde una discusión deja una estela de fragmentos difíciles de volver a unir.“Ahora es difícil conectarse // Es muy difícil permanecer // Manteniendo las luces encendidas // Obligado al pasado // Gracias a Dios conoces tus caminos // Si esta vez es verdad // ¿Por qué molestarse en sorprenderte? // Estoy tratando de ganarme la vida // ¿Es eso algo que no te importa? // Bien // ¿Alguna vez pensaste que podría haber sido en nuestra vida?”.El mundo en transformación es lo que ha intentado capturar Phoenix en cada uno de sus discos.Su preocupación central se enmarca en cómo el tiempo cambia nuestras vidas, pero además cómo el tiempo nos acecha precisamente porque hay factores irrecuperables e irrepetibles.Cada álbum se enlaza hasta formar una red de emociones que consigue frenar —o al menos disipar— el efecto destructor del tiempo y recuperar la “felicidad” del pasado a través de la memoria.Al final, y mediante una visión muy proustiana, Phoenix nos confirma que los verdaderos paraísos siempre son los paraísos perdidos.***Si quieren leer más análisis de grupos de rock, acá escarbamos en el discurso de The Cure.
El drag ha sido para muchos refugio, expresión artística, y entretenimiento. ¿Qué signifca para los asistentes de Estéreo Picnic 2023? Esa fue la pregunta de Lola Mento, la drag del momento en el festival.
Los outfits se han convertido en un elemento clave en los festivales de música, y por supuesto, Estéreo Picnic 2023 no es la excepción. ¿Cuánto gastaron en su outfit? Eso le preguntó Lola Mento a lo asistentes.
La moda es clave en el Estéreo Picnic y en cada edición del festival vemos pintas sorprendentes. Lola Mento, la diva del momento, les preguntó a los asistentes qué tendencias de moda les gustaría cancelar. ¿Cuál agregarían?
Nacido en 1990 en la pequeña localidad irlandesa de Bray, Andrew John Hozier-Byrne -más conocido como Hozier- empezó a sonar en compañía de la renombrada Trinity Orchestra de Irlanda y el grupo coral de Anúna.Sumergido en la tradición musical de su país e imbuido por las contradicciones sociales de Irlanda, Hozier debutó como solista de manera decidida en el 2014 con la canción Take Me to Church: un lúgubre sermón antigospel que evidenciaba las humillaciones y la hipocresía de la iglesia católica por medio de una voz coral corrupta e impregnada de gracia y dramatismo gótico.La canción se convirtió en un nuevo evangelio que expresaba tanto un lamento como un aullido contra la opresión institucional que viven las personas LGBTQ+.Esto le valió no solo obtener cinco álbumes platino en Estados Unidos o encabezar las listas de éxitos de docenas de países, sino que además le permitió ser reconocido como una de las voces que le canta directamente a los poderes institucionales.La rabia y romanticismoDesde entonces, la música de Hozier ha estado inspirada por la dicotomía entre la rabia y el romanticismo; la rabia que provoca el cinismo de una clase dominante que vive absolutamente cómoda mientras otros sufren; y por otro, el romanticismo que invita a expandir la mirada y a pensar en las posibilidades de concebir la vida de otras maneras.El álbum debut —homónimo— de Hozier está compuesto por una conciencia retro de sonidos del rock & roll, guitarras bluesy y melodías evocadoras del folk que resultan conmovedoras en ciertos pasajesPero lo más llamativo es su narración: sincera en cada una de las canciones que se combinan con la nostalgia del sonido del pasado y la negatividad del presente.En Angel Of Small Death & The Codeine Scene, por ejemplo, el cantautor irlandés se niega a comprar la felicidad colectiva que se vende en los centros comerciales y las sesiones de coaching que insensatamente promueven “que lo que uno piensa de la realidad es más importante que la realidad misma”.Hozier se niega a esto y, como dice en la canción a modo de lamento:Se negó a convertirse en un artista obediente que tiene que ajustar su termómetro emocional para responder a las expectativas de la industria.Su rabia y la imposibilidad de acomodarse al estado de precariedad e inseguridad que ofrece el mundo actual solo se pronunciaría más en Wasteland Baby del 2019.El álbum está compuesto por el sonido del soul oscuro, el folk discreto, las melodías espectrales del blues-rock y lo sombrío de las baladas que rozan entre la furia y la destrucción.El lenguaje de las canciones es explosivo, estremecedor, contradictorio, dramático y convulsivo. Nos muestra que es necesario que el mundo —tal cual como lo conocemos hoy— debe colapsar si queremos una nueva y mejor sociedad.En una de las canciones más fascinantes del álbum, Nina Cried Power, Hozier retorna a las figuras de James Brown, Joni Mitchell, Woody Guthrie y Nina Simone para crear un himno de protesta y recuperar el espíritu de la acción colectiva de la música.Junto a Mavis Staples —quien encarna ese espíritu de la acción— cantan con furia justiciera y agradecimiento:¡Pero no teman!No es un álbum pesimista, a pesar de que el tema se desvíe ocasionalmente hacia el fin de los tiempos, se trata de un álbum que sacude el campanario de las instituciones para llamar la atención sobre el brillo de las cosas que se proyecta en la retina de las personas sin dejarlas ver.No es sorpresa, entonces, que el artista irlandés intentara ir más allá de esa luz que brilla y enceguece buscando afectar el cambio.En su último álbum, Unreal Unerearth (2023), Hozier se apoya en algunas fuentes literarias clásicas como La Divina Comedia de Dante y The Third Policeman de Flann O’Brien para hacer un viaje extraordinario que muestra la devastación del mundo causada por el colonialismo y la locura que generó el encierro durante la pandemia.No es un “álbum pandémico”, es un disco que atraviesa los nueve círculos del infierno de la epopeya de Dante para demostrarnos que a pesar de la existencia de corporaciones, gobiernos y políticos que intentan llevar a la sociedad a la puerta del infierno siempre está la posibilidad de encontrar esas grietas que dejan ver algunas de las cosas más hermosas que lleva el cielo.***Hozier es uno de las cabezas del cartel del Festival Estéreo Picnic 2024. Acá les dejamos TODO lo que tienen que saber sobre el festival.
El Festival Estéreo Picnic, uno de los eventos musicales más esperados en Colombia, anunció un cambio significativo para el año 2024. Se trasladará, desde el campo de golf Briceño 18, al corazón de la ciudad: el Parque Metropolitano Simón Bolívar. Este cambio marca un hito en la historia del festival y promete una experiencia renovada para sus asistentes.Tras varias ediciones celebradas en el pintoresco campo de golf de Briceño 18, el Festival Estéreo Picnic busca explorar atraer a un público aún más diverso. Este parque ha sido sede de eventos emblemáticos como Rock al Parque y, desde 2022, el festival Cordillera, que culmina a la 1 am.La decisión de cambiar la locación ha sido recibida con entusiasmo por parte de los asistentes, ya que elimina las largas travesías hasta Briceño, que solían llevar entre 2 y 5 horas en el peor de los casos. El anuncio promete hacer el festival más accesible, reducir la fatiga del viaje y aprovechar la importancia del Parque Simón Bolívar, siguiendo la línea de accesibilidad que avanzaron con éxito en el festival Cordillera.La noticia ha generado expectativas positivas, pero también algunas preocupaciones. Los asistentes esperan que la Alcaldía de Bogotá garantice soluciones de transporte para una experiencia óptima en la llegada y la salida. ***Como es costumbre cada año, nos vamos de cabeza al Festival Estéreo Picnic y hacemos un especial de contenidos. Acá lo pueden visitar.
En una revelación que podría cambiar por completo la dinámica del Festival Estéreo Picnic, el alcalde electo de Bogotá, Carlos Fernando Galán, publicó un video la noche del jueves 23 de noviembre, sugiriendo que la icónica celebración musical podría mudarse al Parque Simón Bolívar en el 2024. A pesar de la falta de confirmación oficial, la noticia ha encendido la expectativa entre los fanáticos del festival.Si bien la noticia aún no se ha confirmado, la posibilidad de que el Festival Estéreo Picnic abandone su ubicación tradicional en el campo de golf de Briceño y se traslade al corazón de Bogotá ha desatado una ola de especulaciones y emoción entre los seguidores del evento musical más esperado en Colombia.La expectativa está en aumento, y , la atención se centra en Páramo, empresa organizadora del festival, y en cómo responderá ante esta propuesta de cambio de locación. La posibilidad de que el Festival Estéreo Picnic encuentre su nuevo hogar en el Parque Simón Bolívar ha resonado fuertemente entre los fanáticos, y muchos ven esto como un paso audaz y acertado.Sin embargo, no todos están de acuerdo con la idea. Un comentario en Twitter mencionó que parte de la experiencia del festival radicaba en la travesía hasta Briceño. Aunque este punto de vista representa una minoría, refleja la diversidad de opiniones sobre un posible cambio de esta magnitud.De momento, el festival no ha anunciado su ubicación para 2024, así que muchos esperan que una locación dentro de la ciudad se haga realidad.
¿Taylor Swift en una película de Marvel? Varios medios reportaron que Taylor Swift tuvo una "gran reunión" con Kevin Feige, presidente de Marvel, para discutir un papel en el UCM (Universo Cinematográfico de Marvel). Sin embargo, los reportes no han sido ni confirmados ni desmentidos. Desde hace algunos meses existe un rumor de que Swift podría hacer un cameo en Deadpool 3. En entrevista con Fandango, Hugh Jackman y el director Shawn Levy se refirieron al tema (o mejor, se refiereron al tema evitándolo). "Ya sabes, películas como esta... hay tanta especulación sobre tantas personas que podrían terminar en el filme", dijo Levy. "Vi uno que estaba convencido de que Elvis estaba en la película. Cualquier cosa puede pasar, y eso es lo que me encanta de este universo. Las sorpresas son la esencia de Deadpool".Levy también dijo: "Venimos a esta película... Definitivamente vengo a esta película... como un fan. Un fan de las películas de X-Men y de las películas de Deadpool. Y por eso, esta película definitivamente se hizo con el amor". de ser un fan."¿Por qué los fans creen que Taylor Swift hará un cameo en Deadpool 3?Pero los rumores de una aparición de Taylor Swift ya llevan varias semanas. El lanzamiento de una canción titulada Clara Bow, como parte de su álbum The Tortured Poets Department puso a especular a varios de sus fans. ’."Las últimas estrofas de la canción dicen “You look like Taylor Swift in this light / We're loving it / You've got edge, she never did / The future's bright / Dazzling”. Los fanáticos han notado que el personaje que se rumora que Swift desempeñará en el MCU es un mutante llamado Dazzler. El nombre del personaje de X-Men es Alison, que también es el segundo nombre de Swift, lo que suma puntos a la teoría. ¿Quién es Dazzler, el supuesto personaje interpretado por Taylor Swift?Dazzler (Alison Blaire) hizo su primera aparición en Uncanny X-Men # 130, de febrero de 1980. Ella es una mutante con la capacidad de convertir las vibraciones de sonido en haces de luz y energía. Dazzler fue originalmente cantante de discoteca pero el personaje personaje cambió a otros géneros musicales, incluyendo rock.
“El abdomen, el pecho y el cerebro estarán cerrados para siempre a las operaciones de un cirujano sabio y humano”, dijo en 1874 un médico británico. Bueno. En The Knick, la serie de drama histórico producido por Cinemax, filial de HBO/MAX, se demuestra que este médico estaba bastante equivocado.A muchos no les gustó por la crudeza, oscuridad e incomodidad que genera.Otros, quizá, no la han visto porque prefieren los insulsos y románticos dramas médicos como Grey’s Anatomy, ER (Emergency Room) o M.D. House (Dr. House).Estos, quizá más populares, llevaron a muchas personas a pensar que tal vez hubiera sido interesante dedicarse a la medicina no tanto por la labor altruista de salvar vidas, sino por alardear de los excitantes momentos vividos en una sala de urgencias, la posibilidad de tener una aventura “amorosa” con algún colega o por el simple hecho de creer que el saber médico los pone por encima del resto de la sociedad.The Knick va por otro lado.¿De qué se trata la serie The Knick?Dirigida por Steven Soderbergh (director de Ocean’s Eleven, Traffic, Contagion y Eric Brockovich) y co-creada por Jack Amiel, Michael Begler y Steven Katzan, la serie expone lo esencial de un periodo en el que el desarrollo y la evolución de la medicina rompió con la destreza artesanal de los médicos del siglo XVIII y XIX para ser sustituida por una supuesta precisión científica y técnica de la cirugía moderna.The Knick es ficción, pero como toda buena ficción es más real que la historia documentada de la cual se basa.La serie de dos temporadas no pretende contarnos lo que realmente pasó, sino una versión de lo que sucedió con la que podemos llegar a pensar cómo es que la medicina, la cirugía y la ciencia se convirtieron en lo que son hoy en día.La serie muestra las manos sin guantes y ensangrentadas de los cirujanos que exploran agresivamente las entrañas y las superficies corporales de los pacientes que asisten al Hospital Knickerbocker, el antiguo Manhattan Dispensary, fundado en 1862 en Harlem, New York, para encontrar una solución a sus problemas de salud. No siempre con mucho éxito.En este lugar, Steven Soderbergh nos ofrece un mundo naturalmente sangriento y ambientado en la década de 1900, un mundo que recrea tanto la experiencia clínica de un grupo de médicos y enfermeras, el avance del conocimiento médico y quirúrgico, las etapas de experimentación con nuevas tecnologías capaces de ofrecer soluciones a ciertas enfermedades, así como expone el racismo institucional que se paseaba por los pasillos de los hospitales a comienzos del siglo XX. El médico/genio arroganteEl protagonista —y antihéroe— de la serie es el Dr. John Thackery (Clive Owen), quien se convierte en el jefe de cirugía del Hospital Knickerbocker después del fallecimiento de su colega, maestro y amigo, el Dr. Christiansen.“Thack”, como lo llaman, es un cirujano brillante, pero también un sujeto arrogante, egomaníaco, ambicioso y autodestructivo, adicto al opio (en las noches) y a consumir cocaína (mientras trabaja).En una de las escenas clave de la serie, Thackery se dirige al público del anfiteatro mientras se prepara para realizar una operación y les dice:Por supuesto, aquí no se trata tanto de aceptar el presente científico de la medicina con sus respectivas limitaciones, sino, muy al contrario, de aceptar que la única realidad para la medicina y la cirugía estaban en el futuro.¿Es una serie para entender los sistemas de salud en el mundo? Todo lo que se dice y pasa en el Hospital Knickerbocker apunta a traer a la luz un futuro.El Dr. Thackery —y sus colegas— estaban intentando descubrir las fuerzas reales, aunque abstractas, que impedían que la medicina y la cirugía pudieran abrirse a esos futuros, lamentablemente marcados por las verdades de la ciencia médica blanca y occidental.¡Sí! La serie explora no solo lo preocupante del sistema de atención médica, sino también de la forma en que el conocimiento y la investigación comenzaron su viaje desde la discriminación de los aportes científicos de las personas negras para aterrizar en la privatización y mercantilización del conocimiento médico.En particular, The Knick retrata de manera inteligente la terrible práctica segregacionista que le impedía a médicos negros ejercer la medicina en hospitales blancos, así como la falta de atención por parte de estas instituciones a los problemas de salud de las personas negras.Pero aún más dramático resultaba el hecho de que el conocimiento de los médicos negros no fuera tomado en serio por los doctores blancos, frenando el avance científico de la medicina por la simple parálisis mental que el racismo producía (y produce) en la sociedad.Lo que sigue a esto es el respectivo ascenso y comercialización del servicio médico, pues los accionistas y dueños del Knickerbocker, el hospital que desde su fundación sirvió como espacio de “caridad” para tratar los problemas de salud de los inmigrantes y los pobres (menos a las personas negras), se ven obligados a mudar el hospital en busca de clientes ricos debido a los problemas financieros provocados, en parte, por el avaro y ladrón director del hospital Herman Barrow (Jeremy Bobb).The Knick evoca unas formas de racionalidad médica que se hundieron en la percepción y la experiencia de los cirujanos que constantemente manifestaban un tipo de locura por conquistar tanto los cuerpos de los pacientes como el éxito personal e institucional.No se trata solo de la evolución y el desarrollo de lo que muchos denominan como el inicio de la “medicina moderna”, la cual en realidad comenzó a finales del siglo XVIII.Por el contrario, se trata de una ficción que permite reconocer el afianzamiento de la medicina como lenguaje “experto”, como mirada científica hacia el cuerpo humano, como relación interhumana entre “médico-enfermo-paciente” y como un negocio orientando a las ganancias a partir del servicio y el conocimiento médico privado, pero, sobre todo, muestra el fin de la práctica médica como una forma realmente altruista y voluntaria.¿Qué pasó con la serie The Knick?La serie fue estrenada en 2014 y tuvo dos temporadas. Finalmente, en 2017 se conoció que el proyecto fue cancelado del todo y, desde entonces, no se ha sabido de planes para retomar su grabación. Para ver más series, acá les recomendamos: Las 30 mejores series para ver en Max en 2024
Por fin fue el esperado regreso de Bridgerton, una de las series más populares en la historia de Netflix. La parte 1 de la tercera temporada se estrenó este 16 de mayo y la parte 2 llegará el 13 de junio. La banda sonora está a cargo del compositor Kris Bowers, quien presenta una musicalización orquestal con una serie de canciones pop contemporáneas que han sido transformadas en versiones instrumentales. Desde “Happier Than Ever” de Billie Eilish, “Dynamite” de BTS y “Cheap Thrills” de Sia, reimaginadas por el Vitamin String Quartet a las versiones de “Jealous” de Nick Jonas interpretada por Shimmer, “Snow On The Beach” de Taylor Swift y Lana Del Rey interpretada por el Atwood Quartet, esta banda sonora promete mucho encanto. Los fans podrán disfrutar de la primera canción original de la franquicia, "All I Want", escrita por Rogét Chahayed ("Kiss Me More" de Doja Cat), Wesley Singerman ("Butterfly" de Jennifer Lopez), Taylor Dexter ("Die for You" de Joji) y Nicole Cohen ("Sensitive" de Meghan Trainor). El compositor Kris Bowers hizo arreglos para una versión orquestal que aparecerá en Bridgerton Temporada 3: Parte 2. Con las temporadas 1 y 2 en la Lista de las series más populares en Netflix de todos los tiempos, las icónicas bandas sonoras de Bridgerton son muy apreciadas por su capacidad para tender puentes entre la música clásica y la contemporánea. Las bandas sonoras de las temporadas 1 y 2 debutaron en el número 1 de las listas de música clásica de Billboard y un mes después del estreno de la primera temporada; mientras tanto, Vitamin String Quartet registró un aumento del 350% en el número de personas que escucharon su música en streaming cuando musicalizó la segunda temporada, lo que demuestra la influencia musical de la serie.Bridgerton: todas las canciones que suenan en la temporada 3 Episodio 1“Funeral March in C Minor” por Soo Woo Kang “String Quartet in F Major op 18 no 1 - IV Allegro” por BMGPM“String Quartet No. 1 3rd Movement” por BMGPM“Elegant Country House” por APM“Sonata in G Major, L. 103” por APM“String Quartet No. 16 in E-Flat Major, K.428 - Haydn - Quartet No. 3-, Op. 10-3- IV. Allegro Vivace” por BMGPMVersión de “Abcdefu” de GAYLE interpretada por Vitula “String Quartet in G Major op 18 no 2 III Scherzo” por BMGPM“String Quartet in B Flat Major Hunt - Presto” por Extreme“Etude for String Quartet 1” por APM“String Quartet in E Flat Major, Op. 33 No. 2 The Joke - IV. Presto” por BMGPMEpisodio 2“String Quartet in B flat Major op 130 - VII Finale” por BMGPM“Concerto for Violin, Orch in E-Major, Allegro Assai” por APM“String Quartet No 8 K168 IV Allegro” por WCPM“String Quartet in G Major” por De Wolfe MusicVersión de “Dynamite” de BTS interpretada por Vitamin String Quartet “String Quartet No. 23 in F-Major K. 590” por APM“String Quartet in B-Flat Major, K. Anh.IV, No. 210 - Milanese Quartet No. 2 - I. Allegro di molto” por BMGPMVersión de “Jealous” de Nick Jonas interpretada por Shimmer“Piano Sonata No. 23 in F Minor, Op. 57 'Appassionata': II. Andante con moto” por BMGPMEpisodio 3 Versión de “Cheap Thrills” de Sia interpretada por Vitamin String Quartet “String Quartet #13 Allegro Mod” por APM“String Quartet No. 15 in D Minor, 1st Mov. Allegro Moderato” por APM“Evening Stars” por APMVersión de “Happier Than Ever” de Billie Eilish interpretada por Vitamin String QuartetEpisodio 4 “Sequence (Three)” por Peter Gregson“String Quartet in F Major op 3 no 5 Serenade” por APM“String Quartet in D Maj. The Lark - Menuetto-Allegretto” por APM“String Quartet D-Maj.op.76/5 (#5)” por APMVersión de “Snow On The Beach” de Taylor Swift and Lana Del Rey interpretada por Atwood QuartetVersión de “Give Me Everything - Stripped Down” de Pitbull interpretada por Archer Marsh ¿Cómo es hacer la música de Bridgerton? "Empiezo a pensar en canciones del pasado que podrían servir para esto y también en éxitos actuales que podrían tener sentido", dijo el supervisor musical Justin Kamps a Tudum.com sobre cómo empezó el proceso. "Después, todo se reduce al guión y a los temas. Y a veces al principio se trata de lo que encaja con la coreografía y más tarde con la escena y la emoción", añadió Justin. "Este año tenemos muchas versiones que no forman parte necesariamente de las secuencias de baile, y es porque hemos encontrado algunos lugares bonitos para insertar algo que pueda servir como una versión divertida que no tenga que estar necesariamente unida a una secuencia de baile. Y creo que eso ha sido muy divertido esta temporada. Estoy ansioso por que todo el mundo lo vea".
Slash confirmó, en un artículo de NME, que Guns N' Roses está "intentando" grabar un nuevo disco. Así mismo, afirmó que está involucrándose en el proceso de creación del mismo con sus compañeros de banda.El guitarrista de 58 años ha estado ocupado trabajando en 'Orgy Of The Damned', un disco de temas en su mayoría de blues con invitados como Brian Johnson, Iggy Pop, Chris Stapleton, Demi Lovato, Dorothy, Paul Rodgers, Chris Robinson, Tash Neal, Beth Hart, Gary Clark Jr. y Billy Gibbon, entre otros.También afirmó que no quería "arrastrar" a su compañero de banda Axl Rose para que apareciera en el LP porque su grupo está ocupado con la tan esperada continuación de 'Chinese Democracy' de 2008, en la que él no apareció.Guns no ha lanzado un disco de larga duración desde 'Chinese Democracy' de 2008. Desde que se reincorporó en 2016, han lanzado varios temas nuevos pero no han hablado públicamente de un nuevo álbum.En diciembre, el grupo lanzó 'Perhaps' y 'The General', que se grabaron casi al mismo tiempo que 'Chinese Democracy', al igual que los lanzamientos de 2021 'Absurd' y 'Hard Skool'. El notorio disco se retrasó durante años y se vio frenado por problemas legales, mientras que Slash, el bajista Duff McKagan y el baterista Matt Sorum abandonaron el grupo, y solo quedaron el líder Axl y el teclista Dizzy Reed. Slash previamente ha mostrado más música nueva de la banda de hard rock. Sin embargo, más tarde admitió que él y sus compañeros de banda no habían escrito ningún material nuevo desde que se reunieron. En octubre de 2021 afirmó que “en lo que respecta a las nuevas armas; Ni siquiera hemos llegado a ese punto de sentarnos realmente y escribir. “Hemos estado haciendo una gran cantidad de material que ha estado sin uso por un tiempo. Así que será todo un esfuerzo centrado en sí mismo”.Ahora, el guitarrista ha levantado la ilusión de millones de fanáticos que esperan tener nuevamente un disco de la icónica banda.
Sony ha revelado que la tercera película de Venom, 'Venom: The Last Dance', será la última película de la serie protagonizada por Tom Hardy. El presidente de Sony Motion Picture Group, Tom Rothman, habló sobre el futuro de su trilogía derivada de Marvel durante una conversación con Deadline. Dice que películas como la próxima 'Spider-Man: Beyond the Spider-Verse', así como la próxima película de Tom Holland como Spider-Man serán un “evento importante” para los fanáticos. "El tercer y último Venom será enorme", dice Rothman. Venom comenzó su trilogía en 2018 y presentó al público una versión oscura del antihéroe de Marvel, sin su obsesión por los superhéroes, Spider-Man. Luego siguió una secuela, 'Venom: Let There Be Carnage', en 2021. Incorporó a Cletus Kasady de Woody Harrelson, y al Carnage titular, a la mezcla con la dirección del actor de El Señor de los Anillos, Andy Serkis. La última vez que vimos a Eddie Brock de Hardy, en realidad no fue en una película en solitario de Venom, hacia el final de 'Spider-Man: No Way Home', del Universo Cinematográfico de Marvel, el personaje apareció en las escenas después de los créditos y lo mostraba segundos antes de ser enviado de regreso a su propio mundo. Gracias a una foto del set inicial, podemos adivinar que 'Venom: The Last Dance' continuará donde lo dejó la película. Otros detalles de la historia siguen siendo un misterio.'Venom: The Last Dance' obtuvo su título oficial en marzo de este año y se espera su estreno el 25 de octubre de 2024. **Les puede interesar leer sobre El Muerto: ¿Cómo encajará con Venom, Morbius y el Universo Sony? También explicamos quién es Carnage: la historia del villano de Venom, uno de los más retorcidos de Marvel