Angela Bassett recibirá un Óscar honorífico en la edición de este año de los Governors Awards. La actriz de Black Panther, según ha anunciado la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas, por fin tendrá en sus manos el premio por el que ha estado nominada en dos ocasiones, sin salir victoriosa. Pero Angela no es la única homenajeada. El Óscar honorífico también lo recibirán Mel Brooks y Carol Littleton y, Michelle Satter, del Instituto Sundance, recibirá el Premio Humanitario Jean Hersholt. Sobre la entrega de estas estatuillas, Janet Yang, la presidenta de la Academia, comentó: "La Junta de Gobernadores de la Academia está encantada de homenajear a cuatro pioneros que han transformado la industria cinematográfica e inspirado a generaciones de cineastas y aficionados al cine".Lean también Angela Bassett did the thing: el camino de la actriz afroamericana que hace historia en los OscarUn premio Óscar honorífico destaca los logros de toda una vida, las contribuciones excepcionales a las artes y ciencias cinematográficas, o el servicio sobresaliente a la Academia. Bassett ha sido una figura con presencia en Hollywood durante más de 40 años en cine y televisión. Recibió su primera nominación al Oscar a la mejor actriz en 1993 por su interpretación de Tina Turner en What’s Love Got to Do With It? y, 30 años después, en 2023, volvió a estar nominada a mejor actriz de reparto por su papel en Black Panther: Wakanda Forever. Nominación con la cual hizo historia al convertirse en la primera actriz de una película de Marvel Studios y la primera mujer de una película de superhéroes, en recibir este reconocimiento. Al final, la ganadora del premio Óscar en esta categoría fue Jamie Lee Curtis por 'Todo en todas partes al mismo tiempo".Sin embargo, aunque hasta este año un Óscar no estaba en los logros de su carrrera. Bassett ha cultivado una larga lista de nominaciones y participaciones en películas legendarias como Malcolm X (1992), How Stella Got Her Groove Back (1998), "Misión imposible: repercusión"(2018) y Soul (2020).Su trabajo también se extiende a la pantalla chica, donde ha logrado más reconocimientos. Ha estado siete veces nominada a los premios Emmy, y ha interpretado papeles aplaudidos por el público y la crítica en producciones como "The Jacksons: Un sueño americano", "La historia de Rosa Parks" y American Horror Story. La ceremonia de entrega de los Premios Governors será el sábado 18 de noviembre en Los Ángeles.
Close , la película dirigida por el belga Lukas Dhont y producida por el estudio A24, está invadiendo las reseñas en Twitter, TikTok y las sugerencias de publicidad de los cinéfilos. Este año fue una de las nominadas a mejor película extranjera a los Óscars - el premio se lo llevó 'Sin Novedad al Frente'- pero meses después es una de las películas tendencia. Más sobre A24 La historia de A24, la productora que cambió el rumbo del cine independiente.La película se puede ver en MUBI, la plataforma de streaming de cine de autor y cuenta la historia de amistad entre Léo y Rémi, dos niños de 13 años que son inseparables. Ellos han crecido en familias vecinas entre los campos belgas. Los padres de Léo tienen una granja de flores, y los dos chicos pasan mucho tiempo jugando al aire libre, corriendo y montando en bicicleta. La amistad de Léo y Rémi es muy cercana. Para ellos es natural tener un amigo con quien hacer todo, pero para el resto del mundo no es así. Es allí cuando el vínculo entre ellos dos empieza a tambalear y las preguntas de base de la película empiezan a aparecer. Las convenciones sobre la masculinidad, la búsqueda de la identidad propia de la adolescencia y el rechazo a lo establecido por la sociedad son los temas entre los cuales Close desarrolla su narrativa. Con esta película ambos protagonistas hacen su debut actoral con personajes complejos, pues, aunque es un largometraje cuya trama se desenvuelve en torno a la amistad, otros insisten en catalogarla como una historia gay. Sobre esto, su director en entrevistas previas ha dicho: “Acerca del personaje principal de Léo, yo quería que tuviera miedo ante cómo los demás podían percibir su amistad como si fuera algo sexual. Su amigo Rémi se encuentra ante los mismos juzgamientos, pero no le importa y no hace nada para cambiar su comportamiento. Léo es tan importante para él, lo ama profundamente y no entiende su cambio de actitud”. Esta no es la primera vez que Lukas Dhont propone personajes e historias donde explora la sexualidad, las identidades y la reacción del mundo a la caída de los convencionalismos. En 2018 con Girl contó la historia de una adolescente que había nacido en el cuerpo equivocado, y se hizo ganador de la Cámara de Oro y la Queer Palm en Cannes. Close hizo llorar al público en el Festival de Cannes del año pasado y probablemente también a todo el que la vea. Está disponible en cines de algunas ciudades en específico y en MUBI.
Hay un nombre tomando fuerza en la industria del cine y no es un director o una actriz revelación, se trata de A24. La productora que se llevó todos los premios de las categorías principales en los Óscars 2023 con películas como The Whale y Todo en todas partes al mismo tiempo. Desde sus inicios, A24 ha estado produciendo y distribuyendo algunas de las películas más innovadoras de los últimos años. Midsommar, Lady Bird, Climax, Enemy, son todas películas realizadas bajo su sello. Sin embargo, la racha de éxito de esta productora no ha sido un golpe de suerte. Rompiendo reglas y creando nuevas fórmulas, están en la cima del cine y de forma independiente. ¿Cómo lo han logrado? ¿Qué están haciendo diferente al resto? ¿A qué se debe su éxito? Sigan leyendo porque a continuación les contamos todo sobre su historia, sus hitos hasta la fecha y las razones por las que se han convertido en una de las productoras más influyentes de la actualidad.Los inicios de A24Todo comenzó en agosto de 2012, cuando Daniel Katz, David Fenkel y John Hodges, tres amigos que ya trabajaban en cine y producción, decidieron dejar sus trabajos para cocrear lo que originalmente tuvo por nombre A24 Films.En su primer año lograron llamar la atención con Spring Breakers del director Harmony Korine. Una película en la que las chicas Disney, Selena Gomez y Vanessa Hudgens, interpretaban a unas universitarias metiéndose en problemas en sus vacaciones. Luego, se hicieron un poco más conocidos tras obtener los derechos en Estados Unidos de las películas Ex Machina y Room, y los derechos mundiales de The Witch.A finales de 2013 firmaron acuerdos con DirecTV Cinema y Amazon Prime para la distribución de algunas películas y, a esto, le siguieron nominaciones y premios en festivales de cine en todo el mundo.En 2016, las películas distribuidas por A24 siguieron sumando nominaciones y premios. Brie Larson ganó el Oscar a mejor actriz por Room, Amy ganó el Oscar al mejor largometraje documental y Ex Machina a mejores efectos visuales. Pero el gran momento de A24 llegó en 2017 con Moonlight. Esta película ganó el Oscar a Mejor Película y marcó un hito por dos razones: una productora independiente vencía a los grandes estudios de Hollywood y a la gran favorita del año, La La Land. Además, protagonizaron uno de los momentos más recordados en la historia de los Óscars y las transmisiones en vivo de televisión, cuando el presentador anunció a La La Land como ganadora y segundos después corrige que la verdadera ganadora era Moonlight. Hasta el 2018, A24 ya acumulaba un total de veinticuatro nominaciones a los premios de la Academia. Y en términos financieros, según datos de Bloomberg, en 2022 ya estaba cotizada en 3.000 millones de dólares.Hoy cada que una película de A24 está próxima a estrenarse, el hype en internet crece. Este efecto es normal en actores, actrices o directores, pero ¿En una productora? No tanto. Entonces, la pregunta es ¿por qué el éxito de A24? Vamos a explicar esto por partes.¿Qué hay detrás el éxito de A24? A24 toma riesgos, es constante, produce películas de calidad y son muy buenos en marketing. En primer lugar, su estilo se aleja del modelo del cine hollywoodense en forma y fondo. A24 le apuesta a películas de todos los géneros que rompen con las narrativas convencionales y exploran temas complejos.En vez de presentar historias predecibles y personajes estereotipados, proponen tramas que nos hacen reflexionar sobre los puntos más álgidos de la vida y la sociedad en la que vivimos. Esto lo hacen en equipo con cineastas y artistas cuyos nombres de por sí ya son sinónimos de calidad: Ari Aster, Barry Jenkins, Greta Gerwig, los hermanos Sadfie, los Daniels, entre otros. Y fue precisamente con los Daniels, los directores de Todo en todas partes al mismo tiempo, con quienes hicieron historia en los Premios Oscar 2023, ganando siete premios de las categorías principales, incluyendo mejor película, mejor actriz principal, mejor actriz y actor de reparto, mejor director y mejor guion original. Lee también Boom asiático en Hollywood: ¿Por qué el cine oriental está en todo, todas partes y al mismo tiempo?Otro factor que explica su racha de éxito es la constancia con la que distribuyen películas. En comparación con otras empresas que distribuyen entre 4 y 6 películas al año, A24 distribuye entre 18 y 20. Lanzar esta cantidad de películas y repartir los estrenos a lo largo de los meses, los hace estar constantemente en la mira del público y que las expectativas por saber qué es lo que viene crezcan por montón. Además, A24 produce sus películas sin entregar el control a terceros. Su círculo de influencia es muy cerrado y, esto, les permite cuidar al máximo su libertad creativa, mantener su estatus de productora independiente y proteger la marca identitaria de sus películas. Esto último es lo que A24 ha sabido hacer muy bien: colarse en las mentes de personas como una marca. No se muestran al mundo como una productora más. De hecho, sus movidas son muy parecidas a las que haría una marca de estilo de vida , o un influencer.Tienen un sitio web que permite a sus fans interactuar con ellos. También tienen un podcast, en el que los actores, actrices y directores de las películas que distribuyen hablan de sus proyectos, y una tienda en línea en la que venden productos inspirados en sus películas más populares. Aquí se encuentran desde posters, libros, camisetas hasta guantes en forma de dedos de perros calientes o una vela con el trofeo de auditor del mes como lo vimos en Todo en todas partes al mismo tiempo.En resumen, se puede decir que A24, más que una productora y distribuidora, es una marca atractiva, atrevida y muy aesthetic, que te seduce a seguir consumiéndola una y otra vez.Luego del éxito en los Óscars 2023, A24 sigue haciéndolo. Beef, la serie que produjeron para Netflix, logró una calificación casi perfecta de 99% en Rotten Tomatoes, fue alabada por la crítica y desde su lanzamiento ya se perfila como una de las mejores series del año. Más sobre Beef 'Beef': ¿Por qué la serie de Netflix y A24 es la nueva favorita de la crítica?En poco más de una década, A24 está rompiendo las reglas de lo que conocemos como cine independiente para escribir las suyas. ¿Seguirá en el top de su carrera? Lo sabremos con el tiempo. Por lo pronto, películas como Past Lives, Talk to me, Problemista y la recién estrenada Beau is afraid son algunos de los títulos que presentarán en lo que queda del 2023.
Dan Kwan y Daniel Scheinert (les dicen The Daniels) son dos directores de cine estadounidenses que grabaron sus nombres en la historia del cine luego de ganar siete premios Óscar en 2023.Se conocieron mientras estudiaban cine en el Emerson College e iniciaron su carrera en la industria cinematográfica dirigiendo videos para bandas como Foster the People, The Shins y Manchester Orchestra.Este par de amigos acumulan una larga lista de películas, cortometrajes y videos realizados juntos. Sin embargo, fue hasta 'Turn Down for What' de DJ Snake y Lil Jon que dieron el gran salto a la fama.Pero ¿Qué hace que el estilo de Los Danieles tan especial? Para empezar, sus videos son muy distintos a los acostumbrados en la música. Es decir, los que muestran a los artistas cantando o bailando por los mismos minutos que dure la canción. Ellos crean mundos completamente nuevos.Desde antes de su obra maestra - hasta el momento -, 'Everything, everywhere, all at once', ya eran conocidos por sus narrativas surrealistas, impredecibles y a veces un poco desconcertantes. De hecho, es difícil definir o poner una etiqueta en su estilo pero de lo que sí estamos seguros es que cualquier cosa que hagan es caos visual y mucho mucho ruido.Lee también Boom asiático en Hollywood: ¿Por qué el cine oriental está en todo, todas partes y al mismo tiempo?Luego de ver sus videos musicales es imposible no atar cabos o hacer conexiones con la película porque sí que los hay. 'Everything, everywhere, all at once' es una multiverso de géneros que ciencia ficción, comedia, acción, y drama, y sus videos, también.Ahora, sin más intro. Esta es la lista de nuestros favoritos:DJ Snake, Lil Jon - Turn Down for WhatBattles - My Machines ft. Gary NumanTenacious D - Rize of the FenixChromeo - When The Night FallsJoywave - Tongues (Official Video) ft. KOPPSManchester Orchestra - The Alien
Everything Everywhere All At Once fue la película más galardona de los Premios Oscar 2023. Este año el rating de la gala de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas tuvo un alza importante y fue visto por más de 18 millones de personas en los Estados Unidos.Estos fueron algunos de los discursos más aclamados de la noche. Michelle Yeoh, ganadora a Mejor Actriz"Para todos los niños y niñas que se ven como yo y me están viendo, esto prueba de que hay que soñar a lo grande porque los sueños se hacen realidad. Y a las mujeres: nunca permitan que nadie les diga que ya pasó su mejor época, nunca se rindan".Brendan Fraser, ganador a Mejor Actor"Empecé a actuar hace 30 años y no apreciaba muchas cosas hasta que todo se detuvo, así que agradezco demasiado este logro".Ke Huy Quan, ganador a Mejor Actor en un papel de reparto"Mi viaje empezó en un bote, duré un año en una casa de refugiados y de alguna forma resulté aquí en el escenario más grande de Hollywood. Dicen que las historias así solo ocurren en las películas, no puedo creer que esto me esté pasando a mí. Este es el sueño americano".Jamie Lee Curtis, ganadora a Mejor Actriz en un papel de reparto"Mi papá y mi mamá fueron actores nominados al Oscar en diferentes categorías, hoy yo gané el Oscar".Ruth E. Carter, ganadora a Mejor Diseño de Vestuario "Gracias a la Academia por reconocer la super heroina que es una mujer negra (...) comparto este premio con muchas personas dedicadas, por sus manos y corazones que se manifestaron en Wakanda".Sarah Polley, ganadora a Mejor guión adaptado"En primer lugar, solo quiero agradecer a la Academia por no ofenderse mortalmente por las palabras 'mujeres' y 'hablando' juntas de esa manera"".¡El lado S del cine y la televisión!
La neoyorquina Angela Bassett debutó como actriz en 1985 y ahora a sus 64 años podría ganar su primer Premio Oscar de la mano de Marvel. La afroamericana está nominada a los galardones de la Academia en 2023 en la categoría Mejor Actriz de Reparto por su personaje en la película Black Panther: Wakanda For Ever.Basset se graduó de la Universidad de Yale como Licenciada en Artes en Estudios Afroamericanos. Luego en la Escuela de Drama de Yale obtuvo un título como Master en Bellas Artes. Su primer papel en un medio visual fue en 1985 en el papel de una prostituta para la película de televisión Doubletake, luego de eso se mudó a Los Ángeles para tener más oportunidades en la industria del entretenimiento.El primer gran impacto en Hollywood se dio en 1993 cuando interpretó a Tina Turner en la película What's Love Got to Do with It. Gracias a ese papel fue nominada a un Oscar, ganó un Globo de Oro y un NAACP a 'Actriz excepcional en una película'.La carrera de Bassett ha sido brillante: se recuerda mucho su participación en Story time de 1996, Ruby's Bucket of Boold de 2001, The Rosa Parks Story de 2002 y Our America de 2003. En la década del 2000 tuvo varios roles relevantes en cine y televisión: en 2013 fue aclamada por la serie Betty and Coretta y se le recuerda mucho por sus papeles en American Horror Story Coven y American Horror Story Freak Show.ANGELA BASSETt HACE HISTORIA EN LOS OSCARDesde 2018 Angela Bassett ingresó al Universo Cinematográfico de Marvel en el personaje Ramonda, la madre de T'Cahlla y Shurri, Reina Madre de Wakanda y consejera del líder. Su papel tuvo una importancia mayor en la secuela de la película de Marvel Black Panther: Wakanda For Ever con el que ha sido nominada a los premios más importantes de la industria del cine. Por el personaje de la Reina Ramonda ganó el Globo de Oro a Mejor Actriz de Reparto, Impactante Actriz de reparto en los Black Reel Awards, Mejor actriz secundaria en los Critics Choice Movie Awards, Mejor actriz en los Hollywood Critics Association y, finalmente, Mejor actriz de reparto en los Premios Oscar.El personaje de Angela Bassett en la película 'Black Panther: Wakanda Forever' es histórico porque es le da a Marvel Studios su primera nominación en una categoría de actuación.¡El lado S del Cine!
El próximo domingo 12 de marzo se llevará a cabo una entrega más de los Premios Óscar: la ceremonia más importante del cine hollywoodense en la que cada año hay menos sorpresas y los resultados están casi que cantados. ¿Por qué? Porque hace rato se reemplazó la calidad cinematográfica por el mérito a mejor estrategia electoral. Un juego más inofensivo que la cochina política, pero con las mismas mañas y vicios. Por Juan Pablo Castiblanco Ricaurte // @KidCastiDurante muchos años los Premios Óscar han sido el sello de calidad del cine no-tan-comercial que le pueda disputar la taquilla a Disney y Marvel, pero que tampoco es tan arti y alternativo como para competir en festivales como Berlín, Venecia, Cannes, Toronto o Sundance. Gran parte del encanto de los Óscar ha radicado en el glamour y el lujo que convocan, que hacen que las dos horas previas de alfombra roja sean tan o más interesantes que lo que pasa dentro del auditorio. Decir esto no es más que señalar que el arte, el cine, ha pasado a un segundo plano. Está ahí, como la música en los festivales, pero ya no es tan importante como el lujo deslumbrante del entretenimiento.Este año, sin embargo, explotó otra mina que le sigue quitando la credibilidad a los Óscar. La nominación a la británica Andrea Riseborough como Mejor actriz protagónica por su trabajo en To Leslie, al comienzo solo era considerado uno de los tradicionales palos que hay en cada edición pues la película había tenido un modesto recaudo de taquilla en su paso por salas y no había hecho mucho ruido. Sin embargo, al ser mirada con lupa, la selección de Riseborough en el selecto grupo desnudó problemas en las reglas de juego de los premios, pues se alega que no fue una campaña limpia apoyándose en la influencia de figuras de peso como Cate Blanchet, Kate Winslet, Amy Adams, Edward Norton, Gwyneth Paltrow, o el productor Judd Apatow, entre otros.Para que una película o persona llegue a ganar un Óscar, debe recorrer un largo camino que comienza más o menos así: las casas productoras inscriben sus trabajos de acuerdo a una serie de reglas definidas por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas. Luego, comienza la carrera electoral con su primer objetivo, las nominaciones. En este momento, la Academia cuenta con cerca de 7.000 personas inscritas divididas en diferentes ramas (dirección, producción, actuación, guion, departamentos técnicos); cada sector vota por las nominaciones específicas de su oficio, excepto por Mejor película (escogida por todos), Mejor película en lengua extranjera, Documental y Animada (para las anteriores tres se arman comités especiales). Luego sí viene la cacería por el premio gordo, las estatuillas, en donde vuelve a haber votaciones generales y campañas mediáticas que, por bajito, cuestan 1.5 millones de dólares en adelante.En los Óscar cada año el sistema se revela más vulnerable. Cuando no hay sesgos racistas, sexistas o xenofóbicos; cuando no hacen nada por cambiar esa grosera categoría de Mejor película en lengua extranjera que embute en cinco escogidas la producción que se hace en más de 150 países del mundo; aparece el caso Riseborough que algunos expertos en relaciones públicas señalan como tramposo.Según declaró Álvar Carretero, de la agencia Joshua Jason Public Relations/JJPR y especialista en este tipo de campañas publicitarias, al periódico El País de España, se hizo trampa pues se violaron las reglas para las campañas de promoción de las películas; por ejemplo, solo se puede enviar una publicidad semanal a los votantes, y no puede haber fiestas o comidas luego de las proyecciones. En teoría, reglas que buscan equiparar el juego y que no haya diferencias entre grandes estudios e independientes. Es decir, no se puede comprar votos. O sea, sí, pero no.Es curioso que la nominación de Riseborough se haya catalogado de “tramposa” y hasta ahora haya puesto a la Academia a replantearse sus métodos. Sobre todo, teniendo en cuenta que desde siempre ha sido una competencia entre los grandes estudios (y ahora, las plataformas de streaming) por medir su poder, en vez de una celebración del arte, y que, además, en la seguidilla de eventos conocida como la “temporada de premios”, las mismas 20 películas se repitan en todos. ¿El gusto del Sindicato de actores es el mismo del de los críticos, de los productores, de la industria británica y de la prensa extranjera? ¿No hay espacio para miradas divergentes, incluso dentro de la enorme producción anual estadounidense?La carrera por el Óscar se ha vuelto un camino más y más predecible que comienza desde la concepción misma de los proyectos. Para las actuaciones, ya se sabe que encarnar a un personaje de la vida real y perfeccionar su imitación ya puede ponerlos en punta de carrera. En el 2022, Jessica Chastain fue premiada por su papel como la predicadora evangelista Tammy Faye, y Will Smith por hacer de Richard Williams, padre de las tenistas más importantes en la historia. Este año están Ana de Armas como Marilyn Monroe, Austin Butler como Elvis Presley, y en años pasados estuvieron Renée Zellweger como Judy Garland, Christian Bale como el político Dick Cheney, o Rami Malek como Freddie Mercury, entre muchos, muchos otros.Lo mismo pasa con las películas. Se ha repetido la representante del cine homenajeando el cine (este año están Los Fabelman, y antes estuvieron Mank, El artista, La La Land, Érase una vez en Hollywood), la biográfica, o la inspiracional que nos hace sentir agradecidos con la vida y que todo se trata de sonreír y manifestar. Los Óscar no son los únicos que sufren de estos patrones calcados o fórmulas preestablecidas que en teoría aumentan las posibilidades de ganar reconocimientos; entre chiste y chiste, ya se puede hacer una lista de clichés que gustan en certámenes como Cannes o Berlín.Lo malo, es que de todas formas nada de eso asegura el éxito porque en cualquier momento alguien más puede aplicar la fórmula con más éxito. Que no les pase lo que le pasó a Maluma en el 2019 cuando no tuvo ninguna nominación a los Grammy Latino desencadenando una rabieta peor que cuando le robaron la areta, y dijo “una desilusión bien cabrona no tener siquiera una nominación a los Latin Grammy, tanto esfuerzo, el mejor disco que he hecho en mi VIDA, los juntes con los que siempre soñé, Madonna cantando en español, éxitos como HP, 11PM, una salsa producida por el más grande Sergio George (…)”.A Maluma habría que recordarle que, si bien en alguna época los grandes premios artísticos marcaban el gusto popular, hoy en día todos podemos moldear el nuestro como se nos dé la gana y gozar de lo que queramos. Ya no necesitamos unos Premios Óscar que nos digan qué películas ver o cuáles son las buenas, o unos Grammy que certifiquen si lo que oímos está dentro de su criterio validador. Los galardones son un viento caprichoso que sopla hacia donde el poder y el dinero más le conviene. Y eso no tiene pinta de cambiar pronto.
TÁR es uno de los diez largometrajes seleccionados en la categoría Mejor película de los Premios Oscar 2023. Dirigida por Todd Field y protagonizada por Cate Blanchett, cuenta la historia de Lydia Tár, una directora de orquesta que lo ha conseguido todo: respeto, fama y poder. Pero una serie de acusaciones de abuso y denuncias por mala conducta ponen en peligro la reputación por la que tanto ha trabajado.La película ha despertado opiniones divididas en la crítica, sin embargo, a mi juicio, su principal mérito fue representar a un personaje protagonista femenino que se sale del nuevo molde comercial de Hollywood: el de la mujer empoderada contemporánea. Aunque la han tildado de incomprendida y confusa, TÁR está nominada a los Oscar en seis categorías: mejor película, mejor director, mejor actriz, mejor guión original, mejor fotografía y mejor montaje. Así que algo debe tener. Y la respuesta es simple: Tár se atreve.Las películas protagonizadas por mujeres son cada vez más comunes, aunque, por lo general, proponen narrativas para sus protagonistas en dos roles únicos: la heroína y la mártir.La primera es una mujer que puede con todo. La segunda es una mujer que logra superarse luego de una travesía que involucra muchos obstáculos y sufrimiento. En ocasiones, pueden ser ambas a la vez. Pero pocas veces se salen de ahí. Veamos algunos ejemplos.Nicole Kidman en ‘Being the Ricardos’, Kristen Stewart en ‘Spencer’, Carey Mulligan en ‘Promissing young woman’ o Frances McDormand en ‘Nomadland retratan mujeres que, si bien con perfiles complejos, luchan por mantener matrimonios, vengar abusos sexuales, lidiar con salud mental o sobrevivir a la soledad.TÁR no es ninguna de estas.De hecho, es todas, todos y todes en una. Es una película que cuenta la historia de un ser humano en todas sus dimensiones, hasta las dicotomías más universales de la vida misma: arriba y abajo, luz y oscuridad, amor y odio, vida y muerte.Además, introduce la vieja discusión del artista juzgado solo por su obra o por su vida y obra. Sobre esto, Todd Field, su director, en una entrevista con Gold Derby dejó clara su posición: “El arte y la moral no tienen nada que ver una con la otra. Son acciones y provienen de impulsos humanos”. En contraste con la densidad de su personaje principal, la experiencia audiovisual de TÁR es bella y placentera. La música es una sinfonía que empieza - así como su protagonista - desde lo más alto y va en descenso hasta que el sonido se vuelve casi imperceptible. La imagen es limpia, fría y meticulosa, tal como Lydia. Se le ve más de espaldas que de frente y más de lejos que de cerca. Son pocos los momentos en los que la vemos de cerca, y cuando sucede, algún objeto interviene. TÁR no quiere que te le acerques.¿Cómo se hizo TÁR?TÁR es el resultado de muchos eventos afortunados. A Todd Field le ofrecieron escribir lo que quisiera y así lo hizo. El guión no estuvo inspirado en nadie en particular pero sí lo escribió con alguien en mente: Cate Blanchett.Es la primera vez que escribía una película para que una actriz específica la interpretara. Cate aceptó y lo que siguió fueron muchas horas de entrenamiento, observación y entrevistas con directores de orquestas.Al momento de rodar toda la música fue en vivo, la orquesta estaba conformada por músicos reales de la Filarmónica de Dresden en Berlín, quienes debían actuar y tocar, mientras Cate dirigía y actuaba.TÁR es una película que no está hecha para complacer. Por el contrario, genera un ruido que poco habíamos escuchado o intentábamos ignorar.Luego de verla, te quedan más preguntas que juicios, pues lo que propone es un escenario donde se intercambian las dinámicas de poder y el papel de quienes participan en ella.¿Qué sucede cuando el talento se convierte en peligro? ¿Qué pasa si el personaje se sale del molde de la mujer empoderada? ¿Cómo se aplica el discurso de equidad de género cuando es una mujer quien comete conductas abusivas? Estos son solo algunos de los interrogantes que deja TÁR y para responderlos hay que verla. Probablemente, no solo una, sino varias veces.Más de los Premios Oscar 2023 | Lista completa de las mujeres nominadas a los Premios Oscar 2023
Los Fabelman, la más reciente película de Steven Spielberg, ha sido descrita como “una carta de amor al cine”. El filme es un homenaje autobiográfico del director a la creación cinematográfica. Spielberg afirmó en varias entrevistas que la pandemia de COVID-19 lo había hecho cuestionarse y reflexionar sobre sí mismo, y definitivamente se nota. El cineasta presentó una película en donde evoca algunos de sus principales recuerdos y los momentos que lo llevaron a acercarse al cine. En varias entrevistas, el director ha mencionado cómo la escena de 2 trenes chocando en el filme El espectáculo más grande del mundo (1952) fue la que lo llevó a enamorarse del séptimo arte. Esto lo vemos recreado minuciosamente en una escena que le causa a Spielberg, o Sammy, protagonista de la película, fascinación y trauma al tiempo.Sammy se obsesiona con la secuencia y pide un juego de trenes, que choca en un intento de replicar la escena. Allí la madre sugiere que el niño filme los trenes chocando con la cámara de cine de su padre para que pueda ver uno chocar una y otra vez en lugar de golpear los trenes hasta que se dañen. Así entonces, el pequeño Sammy es como empieza a enamorarse del cine. A menudo se habla de cómo las películas pueden llegar a ser un escape de la realidad cuando nos muestran universos y escenarios alternativos. Pero en el caso de Los Fabelman, el cine se convierte en una exploración de la vida propia para Sammy, y cada filmación le permite descubrir detalles sobre sí mismo y su familia.A medida que Sammy va creciendo y perfeccionando técnicas cinematográficas, también se da cuenta de que por medio de su cámara puede lograr muchas cosas: desde nuevos amigos y parejas, hasta manipular completamente la imagen de una persona. Los Fabelman también explora aspectos del talento que todo creativo ha tenido que lidiar en algún momento. ¿Qué significa tener talento y cómo puedo cultivarlo? ¿Cómo puedo equilibrar cultivar mi talento con mis responsabilidades familiares y laborales? ¿Mejorar en mi oficio implicará sacrificar parte del tiempo que pasaré con las personas que amo? ¿Qué deberé eliminar de mi vida en nombre del arte? son algunas de las preguntas que se hace el protagonista, y que aborda con gran destreza el tío Boris en su monólogo, sin duda uno de los momentos más sorprendentes de la película. Mientras muchas películas biográficas intentan acumular la mayor cantidad de eventos en un poco tiempo, Los Fabelman se concentra en algunos momentos clave, y contado como ficción, nos hace preguntarnos cuánto de lo que vimos sucedió en la realidad. No busca ser un recuento de todos los eventos de la vida de Spielberg, sino la historia de cómo llegó a enamorarse del cine. En The Guardian, Mark Kermode dice que Los Fabelman es “posiblemente la película casera mejor montada en la historia”, y de alguna manera esa es una de sus principales fortalezas, pues el componente emotivo y familiar es lo que la hace sumamente cautivadora. Los Fabelman se enmarca en la tendencia de “películas sobre hacer películas”, que también incluye a Babylon e Imperio de la luz. Pero lo hace no romantizando a los directores o a la industria, sino evocando la emoción y cercanía que sentimos al ver una película, y eso es algo con lo que cualquiera, sea cineasta o no, puede sentirse identificado.
Jamie Lee Curtis tiene una carrera artística de más de cuarenta años en los que ha trabajado en cine y televisión. Hija de los actores Tony Curtis y Janet Leigh, siempre estuvo cercana a la industria del entretenimiento, pero entró a la Universidad a estudiar Derecho, carrera que eventualmente no terminó para ser actriz.Contenido recomendado | Lista completa de las mujeres nominadas a los Premios Oscar 2023A lo largo de sus 45 años de carrera, Lee Curtis se ha destacado en muchos géneros, pero ha sido muy popular en las películas de terror y en algunas comedias. Más adelante, fue catalogada como un símbolo sexual por personajes que la mostraban como una mujer fatal, dedicada a la vida fitness y a ser sensual para la cámara.Además de trabajar en televisión y cine, Curtis ha publicado varios libros infantiles en los que ha trabajado con la ilustradora Laura Cornell. En estos años ha recibido reconocimientos como dos premios Globo de Oro y un BAFTA, ha sido nominada al Emmy, a los SAG Awards y a los Oscar. Su primera nominación a los Premios de la Academia se dio en 2023, cuando fue nombrada finalista en la categoría Mejor Actriz de reparto por su papel en Todo en todas partes al mismo tiempo o Everything, Everywhere all at once. Sobre ser nominada indicó que nunca pensó que a los 64 años la academia la tuviera en cuenta para el Premio Oscar porque siempre se vio como una actriz de una categoría que no era relevante para ese tipo de galardones.Estos son otros papeles icónicos de Jamie Lee Curtis Laurie Strode en la saga 'Halloween'Ophelia en 'Trading Places' de 1984 Helen Tasker en 'True Lies' de 1995Maggie Green 'Nicholas Gift' de 1998Wanda Gershwitz en 'A Fish Called Wanda' de 1989 Hannah Miller en 'Anything But Love' de 1990 Heidi Holland en 'The Heidi Chronicles' de 1996 Doctora Coleman en 'Freaky Friday' de 2004 Cathy Munsch en 'Scream Queens' de 2015Deirdre Beaubeirdra en 'Everything Everywhere All At Once' de 2023 ¡El lado S del cine y la televisión!
Juancho López: no soy rockero, soy rocanrolero es el documental que narra la vida de esta figura emblemática del rock colombiano, conocido por ser “el rockero más viejo de Colombia”. (Documental compelto más abajo)El equipo de Radiónica Medellín hizo una investigación de las rutinas, conciertos y sueños de Juancho, así como en la historia de la emblemática banda Los Yetis, clave en los inicios del rock colombiano. Después de años de trabajo, han logrado concretar una visión clara para plasmar esta crónica visual.El documental ofrece una mirada íntima a la vida cotidiana, la soledad y la nostalgia que rodea la vida de Juancho López, reconocido como el "Abuelo del rock colombiano" por su contribución fundamental al inicio del género en el país.“Ningún rockero colombiano debería perderse este documental, básicamente porque es la semilla, nuestra raíz, el inicio de nuestro rock, la forma en la que nosotros nos concebimos como rockeros colombianos", opina Diego Londoño, director del documental. "Pero no solo los rockeros, ninguna persona debería perderse las experiencias, la visión y la vida de este hombre que por supuesto ha transversalizado la cultura musical rockera de Colombia”, agrega. Los Yetis: banda pionera del rock colombiano Los Yetis nacen como trío vocal en 1965, fundadores son: el cantante y guitarrista Juan Nicolas Estela y los hermanos Juancho e Iván Darío López. En febrero del 66, invitados por la compañía discográfica Discos Fuentes, Los Yetis participan en la grabación de un long play: 14 impactos juveniles!, que tuvo gran éxito. Por eso el sello les pide grabar su primer LP, simplemente llamado Los Yetis. Tras su disco debut, llegaron Los Yetis Vol. 2, en 1967 y Olvídate, de 1968. El grupo se disolvió a finales de los 60, y en 2003se reúne de nuevo hasta 2005 con la participación de Darío Marín, Pedro Pablo Arias,Victor Hugo Acevedo, Jhon Cano, Juan Nicolás Estela y Juancho López, estos últimos, miembros fundadores del grupo.
La pelea Kendrick Lamar vs. Drake empezó hace casi una década. Se dijeron muchas cosas el uno al otro, pero en esa correspondencia de canciones entre los dos raperos salieron dos “argumentos” acusatorios que me generaron más ruido que los demás. Drake dijo que Kendrick era un abusador físico con su esposa, Whitney, en la canción ‘Family Matters’:"When you put your hands on your girlIs it self-defense 'cause she bigger than you?"Kendrick acusó a Drake (una noticia ya vieja) por buscar, cortejar y “amigarse” con menores de edad."Say, Drake, I hear you like 'em youngYou better not ever go to cell block one"No vamos a discutir cuál acusación puede ser más cierta que la otra o cuál aproximación fue peor. Ambas fueron desastrosas.No he visto a la industria, ni a los manes de mis redes sociales, tan preocupados por la violencia de género tanto como cuando dos hombres decidieron usarla para punzarse el uno al otro.Tampoco conocía ese afán por castigar la paternidad ausente. En Colombia se estima que el 40% de hogares se sostienen solo por una mujer, según cifras del DANE del 2022. Y ese número no causa tanto revuelo en línea.Traigo a Colombia y a los hombres a mi alrededor a colación, porque fue ese cinismo el que inspiró y le dio forma a este texto.Santiago Cembrano lo dice muy bien en su artículo: “aunque el rap es el campo en el que el dolor se vuelve entretenimiento, no se trata de que esos versos sean parte de un coro pegadizo.”Y si bien fue el beef de Kendrick y Drake el que agitó esto lo suficiente para empezar a cuestionarnos las formas de algo tan “tradicional” del hip hop como las tiraderas, el cuento va mucho más allá.La deuda la tiene toda la industria. Me parece interesante, por mantenerlo en términos amables, que las personas que estamos en la industria, o los que consumimos música sistemáticamente, le asignemos una cualidad transformadora a la música. Algunos, dicen, que la música les cambia la vida o la forma de ver el mundo.Pero esa responsabilidad que ponemos en la música, y en quienes la hacen, es una camiseta que se puede quitar o poner a nuestro antojo.¿Cuáles son los límites de la corrección política en el arte? Quién sabe, quizá no existen o deberían existir. Entendemos a la música como algo que puede transformarnos y, por eso, a veces, se le pide corrección política.Pero esto va más allá de lo que se le puede pedir o lo que no.No hay que confundir este reclamo con una “necesidad” de corrección política en el arte. Eso es otra conversación mucho más grande.Pero a mí, como mujer y como víctima, me hace ruido la atención fervorosa que recibieron las palabras de Kendrick y Drake: más que mostrar indignación por la(s) posible(s) mujer(es) violentada(s), la audiencia sintió emoción por los egos masculinos que fueron lastimados en el proceso.A los hombres les parece más urgente prestar atención a la violencia cuando se entrega en una cajita de entretenimiento entre estrellas del pop, no cuando le pasa a las mujeres que tienen al lado. O cuando las víctimas son las mujeres cuya música consumen.Hay streamers que reaccionan a gritos porque le “sacaron los trapitos” al otro, no porque detrás de esas barras, que los hacen alucinar de la emoción, puedan haber mujeres abusadas o violentadas; hay medios investigando a fondo lo que puede ser uno de los mejores diss de la historia del hip hop, pero no las acusaciones que, de ser ciertas, deberían tener consecuencias legales.Y ahí está la deuda: acusaciones de pedofilia y violencia intrafamiliar que se quedan en versos de canciones de rap, artistas con denuncias que siguen llenando estadios y mientras tanto mujeres artistas, como Megan Thee Stallion, que tienen que convencer al mundo que lo que pasó fue verdad.La violencia contra las mujeres indigna, o llama la atención, siempre y cuando entretenga. La espectacularización, más que gestionar esa violencia de cara a la reparación, la instrumentaliza para la monetización.Entonces, mientras la mayoría de casos quedan archivados porque se vencen los términos, mientras a las mujeres se les pide ser “la víctima perfecta” y tener todo tipo de pruebas, Twitter se enciende por un par de barras y nos condiciona, nuevamente, a ser únicamente cifras en aumento.
Alicia en el País de las Pesadillas se estrena en los cines del país este 16 de mayo. Esta es una versión tenebrosa y retorcida de las aventuras de Alicia en el País de las Maravillas que lleva al público por un viaje inolvidable hacia lo más profundo de la oscuridad.Después de la trágica pérdida de sus padres, Alicia se ve obligada a mudarse con su tía Beth Crimisy a Wonderland, la imponente mansión familiar. Sin embargo, lo que comienza como una aparente escapatoria se convierte rápidamente en una pesadilla surrealista, cuando Alicia comienza a presenciar eventos cada vez más perturbadores y a encontrarse con figuras misteriosas que la arrastran hacia un mundo habitado por criaturas terroríficas y pesadillas insondables.Alicia en el País de las Pesadillas es una apuesta del director británico Richard John Taylor, conocido por trabajos previos que exploran los rincones más oscuros de la psique humana. En esta ocasión, Taylor se sumerge en el clásico de Lewis Carroll para ofrecer una experiencia que desafía los límites de la imaginación y sumerge al espectador en un mundo paralelo lleno de pesadillas y criaturas terroríficas.Esta adaptación cinematográfica no solo rinde homenaje al legado literario de Carroll, sino que también se une a una creciente tendencia de reinterpretaciones oscuras de cuentos clásicos.En un mundo donde las fronteras entre la realidad y la fantasía se desdibujan, Alicia en el País de las Pesadillas ofrece una visión perturbadora y visceral de un clásico atemporal.Alicia en el país de las maravillas: inspiración para terror Esta no es la primera adaptación de Alicia en tono de terror. En 2010 se estrenó Alice in Murderland. En esta historia, Alice Lewis, de veinte años, cumple 21 y está molesta por ello. Sus hermanas quieren animarla y deciden celebrar una fiesta de cumpleaños con temática de Alicia en el país de las maravillas en casa de Charlene Glass. Alice sabe que en el sótano de esa casa, su madre, Ann Lewis, fue brutalmente asesinada a machetazos por un asesino enmascarado 20 años antes. Las niñas establecieron la regla de que no se permitirán teléfonos celulares ni niños.Alice or the Last Escapade se estrenó en 1977 y está vagamente inspirada en la novela.
La 'Bichota' terminó su gira por Sudamérica con un último show en Brasil, sin embargo, la cantante paisa no llenó en São Paulo. Karol G estuvo en el país carioca el pasado diez de mayo y tras lo ocurrido compartió un mensaje en sus redes sociales.Aunque Karol G se ha convertido en una de las artistas más importantes a nivel mundial, y un referente en su género, no logró cerrar esta fase del tour con la asistencia que esperaba. Luego de su concierto en Brasil la artista detrás de canciones como 'Amargura' y 'TQG' hizo una reflexión en su cuenta de Instagram.“Es increíble como un día podemos tener un show de 60 mil personas y al otro uno de 13 mil y sentirse igual de lindo, igual de grande, igual de especial. La vida me sigue enseñando que nunca estamos en la cima de nada … por eso es mejor recordar de dónde vienes que creerte mucho en donde estas y así poder empezar de cero en cada lugar que sea necesario. Siempre hay un nuevo reto, nuevos desafíos, nuevos sueños por cumplir", se puede leer en su post.Así mismo habló del recorrido que ha hecho desde hace varios años para lograr que su música suene en otros países: "Hace 5 años estuve haciendo promoción de mi música en este pais y entendí que tenía que ir por partes , paso a paso, enfocarme primero en unos países, después en otros y así poder llevar mi mensaje a mi ritmo, sin afán, con mi música, en mi esencia y en los tiempos de Dios.", agregó.Finalmente, agradeció a las personas que fueron a verla en Sao Pablo y al país que, en sus palabras, la recibió y la hizo sentir especial. Este show fue el primer concierto oficial de Karol G en Brasil y el último de la gira por Latinoamérica de 'Mañana Será Bonito Tour'.La cantante regresará a tierras cariocas en septiembre para presentarse en Rock in Rio, un de los festivales más importantes del país.**Si son fanáticos de la bichoca les recomendamos leer: Karol G y las referencias en 'MAÑANA SERÁ BONITO' (Bichota Season), su último álbum.
Laüra Bonsai y Felinna Vallejo conforman Las Ninyas del Corro, una de las formaciones más interesantes de la nueva escuela del rap español. Nuestro colaborador Santiago Cembrano las visitó en su barrio para hablar con ellas y contarnos la historia de su álbum, Bitches in Business. ***—Es como ver follar a tus padres.El sol se derrama con placidez sobre la Plaça de la Vila, en Sant Adrià de Besòs: la periferia de Barcelona. Son las 7 de la tarde de un viernes de abril. En las terrazas no cabe nadie y el saltarín infantil está lleno: las risas y los gritos de júbilo llenan el aire. Una mujer antigua esquiva el partido de fútbol improvisado que atraviesa la plaza y se sienta con su esposo, que la espera en un banco, bajo la sombra de un árbol robusto. Él pone su mano sobre la rodilla de ella y observan a los vecinos que pasan.Laüra Bonsai es de aquí, de Sant Adrià. La rapera de 28 años está en casa, pero, entre sorbos de Cola-Cola, narra una experiencia extraña:—Es como ver follar a tus padres. Así es conocer la industria musical por dentro: "¡Buah! ¿Qué estoy viendo? ¿Cómo funciona esto?" Por eso queríamos explicarles a los demás que estar donde estamos no es lo que parece.Felinna Vallejo tiene 25 años y es de Bon Pastor, un barrio aledaño que se conecta con Sant Adrià a través de un puente, uno como el que está en el logo de Las Ninyas del Corro, el grupo que ambas conforman. Se presentaron como guerreras de ceño fruncido con Onna Bugeisha en 2021 y así construyeron una habitación propia con los códigos noventeros. Giraron por conciertos y festivales de toda España y así conocieron de contratos y adelantos, horarios y rutinas, el negocio que se escondía tras el sueño de la música. Bitches in Business de Las Ninyas del CorroDe esa experiencia, Las Ninyas del Corro hicieron su segundo álbum, Bitches in Business, publicado en marzo de 2024. Tres años después de su debut, agrietan la solemnidad con la que entraron a la cancha. Ahora se ríen más, y cuando escucha a su compañera, Felinna ríe de nuevo:—Cuando empezamos éramos dos chavalillas, había que imponer respeto. Ahora lo tomamos de otra forma, nos hemos dado cuenta de que podemos vacilar. Nos hemos atrevido, sin miedo de explorar. Me he sentido mucho más libre para decir lo que me de la gana sin censurar nada.Y tan libre. A las baterías violentas que Esse Delgado, productor del grupo y del disco, dispone en 'Las Meninas' Felinna les añade un guiño burlón que rompe el corset estricto. Luego de celebrar que ya no la agobian los kilos de más ni algunos rastros de acné, hace lo que en el debut habría sido inimaginable: "Me suda todo el coño, ni la acabo", rapea de salida, con la misma seguridad que la de Sabrina Ionescu cuando asiste sin mirar. Es un gesto de chulería que sintetiza el cambio de atmósfera entre ambos discos.—Antes estábamos más enfadadas. Pero no estábamos enfadadas, sino que entrabas así o no había manera de entrar —me explica Laüra—. Ahora hemos soltado, le hemos quitado importancia a muchas cosas. Nos hemos relajado.Los primeros temas que hicieron con la intención de crear un nuevo álbum rondaron el drumless, pero pensaron que podía aburrir al público de sus conciertos.—Nosotros hacemos todo el tiempo lo que queremos, pero también hay que pensar en lo que funciona. Vivimos esa dualidad todo el rato —explica Felinna, y yo pienso que esas consideraciones son las que hacen parte de un negocio.Un camp para hacer música en Vallirana, en el bajo Llobregat, las desconectó de las distracciones de la ciudad y puso los cimientos de lo que venía. Les gustó tanto el formato que lo repitieron en Tarragona y, luego, en Castellón, en el verano de 2023. Esse Delgado también ama el drumless; Sunday Truce, su colaboración con el madrileño Franco Carter, se sintoniza con texturas góspel y soul que se repiten sin prisa. Sin embargo, Bitches in Business, además del boom bap con el que empezaron, es hogar del repiqueteo de hi-hats y la energía ágil del trap, trap&B y sonidos que conversan con referentes contemporáneos como Kendrick Lamar, Tyler, The Creator, Pusha T, Travis Scott y Beyoncé. También caben el canto y los coros pegadizos, como en “Nasty Girl”, una canción que les enseñó que podían expresar su mensaje sin dejar de divertirse, sin quitarle naturalidad al proceso y el resultado.—Que tu madre te diga que le mola un tema tuyo, como 'Punto de partida', muestra que con los temas más melódicos Bitches in Busines ha podido llegar a más gente. Nuestros amigos lo están escuchando porque les gusta, y no porque somos sus amigas, como en Onna Bugeisha: eso mola —sentencia Laüra—. Incluso a nosotras un disco entero de boom bap nos aburre.***Bitches in Business de giraLas bocas se abren hacia lo alto en la primera fila de la Sala Apolo, y Felinna las bendice con un chorro de ron para que la fiesta siga. Es el 11 de mayo: inicio de la gira de Bitches in Business. Cientos de personas saltan y saltan y saltan y saltan con 'The Wave', un corte electrónico, impetuoso, y las sílabas se deslizan con habilidad de la boca de Laüra al micrófono. Quizás como resultado de conocer la industria por dentro, Laüra juega a la defensiva en varios momentos de Bitches in Business, como si se anticipara al rechazo de una escena que les recriminaría el nuevo estilo, que eran mejores antes.—Pensábamos que la gente del rap nos iba a odiar. Con el primero nadie te conoce, eres nueva. Toda la gente siempre nos ha dicho que el segundo disco es el más difícil. Era como Buah, este disco puede pasar desapercibido. Eso lo primero. Y lo segundo es que siempre te van a decir que molabas más antes: me pasó con Natos y Waor, los escuchaba antes. Pero es verdad que predijimos eso y no ha sido así. A la gente le ha gustado más de lo que pensábamos —me explica Laüra en Sant Adrià.Las Ninyas del Corro avanzan por caminos que C. Tangana, Recycled J y demás artistas que oxigenaron el rap español ayudaron a pavimentar. Del primero Laüra dice que es como un héroe, al infiltrar el pop para luego diversificarlo más allá de Alejandro Sanz y compañía. Desde Rosalía hasta Dellafuente, insiste, en el espectro de lo urbano están las claves de lo más interesante de la música en España. Por otro lado, Recycled era tildado de “maricón”, recuerda ella, por sus melodías y sus sentimientos: era un blandito, y por eso fue decisivo para que el paradigma cambiara y se abriera.De reivindicar lo más puro que salió de una Nueva York gélida a finales del siglo XX, Las Ninyas del Corro pasaron a celebrar a los que retaron, expandieron y reinterpretaron esa herencia en España. Bitches in Business es un álbum que dialoga con todas las posibilidades que han surgido en la última década, así como con sus artífices. Pero. Hay un gran pero.—Por suerte, tú preguntas por raperas de España y nuestro nombre se va a decir. Eso para nosotras es mucho, pero sigue faltando mucho, también. El caso de las mujeres siempre es más exigente y difícil —me dice Laüra, con voz cansada—. Todavía no es suficiente.—Solo hay pibes, yo estoy hasta el coño —la secunda Felinna, y lo repite, esta vez con mayor énfasis en cada palabra, masticando cada una, para que quede claro—. Solo. Hay. Pibes. Madre mía.Las Ninyas del Corro en la sala ApoloLa sala Apolo está llena, agitada. Laüra propone que, como no las invitan a nada, que las lleven a dirigir una sesión de cardio. Sigue cayendo ron como agua bendita, y ya no sé si es sudor esa humedad en la cara de una mujer que canta cada tema como si la hubiera escrito ella. Casi la mitad somos hombres, casi todos con la mano arriba con cada barra. Las Ninyas se refieren al público como “vosotras” y celebran lo guapas que están todas hoy. El punto de vista cambia y las mujeres, que suelen corear versos de manes para manes, quedan en el centro. La diferencia se nota. En el escenario, Laüra y Felinna no solo rapean con precisión y temple, sino que despliegan coreografías, codo a codo con dos bailarinas, que elevan cada tema. El punto de vista cambia, insisto, y yo lo agradezco tanto. Una bebé se eleva en los hombros de su padre y toda la sala le canta el feliz cumpleaños a la mamá de Felinna. Barbas salpimentadas conviven con la juventud. No cabe nadie más acá. Y cuando llega el momento de “Bagaje”, un break amenazante, Laüra cambia de óptica. Pasa a las barreras generacionales: "La vieja escuela desconsidera a la nueva, la nueva desprestigia a la nueva, qué pena".—Aprendimos mucho trabajando con LaBlackie. Ella vino, escribió y se tiró la letra de golpe. Envidio esa frescura —me había dicho Laüra esa vez en su barrio.Hay que ser exigente, pero también tener el coño de decir "Me gusta como queda y así lo tiro, porque me da igual". Eso es muy difícil que nos pase. Entonces sí, es una pena que los de antes no valoren a los nuevos, porque tienen mucho qué aprender de ellos.La canción se llama 'Deena, Snooki & Jwoww', un corrientazo que me estremece entero. Laüra y Felinna rapean juntas la estrofa de LaBlackie. El final, lo saben todas las presentes, va a estallar, y abren un círculo que se funde en una masa de carne y huesos: frenesí.—Rosalía no cantaría lo que canta si no hubiera estudiado el flamenco. Para transformarlo lo ha respetado. Se trata de respetar no solo a los que había antes que tú, sino a la música que estás haciendo —continúa el ensayo de Laüra—. Por eso también me apena que los nuevos no valoren a los que estaban. Estar informado es básico. No digo que el que está empezando tenga que saber todo, pero yo sí valoro que alguien investigue. Por eso me he sentido muy orgullosa y privilegiada cuando Elio Toffana nos invitó a su disco. La Laüra de hace diez años habría matado por una colabo con él, con Kase.O, con el Tote, con la Mala. Y ahora, cuando todo parece más fácil, sin importancia, agradezco que pase. Por respeto a mi historia y a mi trayectoria, ¿cómo no lo voy a hacer?—¡Y qué colabo! —tercia Felinna—. Yo lloré cuando el Elio nos la pasó, ya terminada. También es un tema de identidad, de sentirte dentro de la movida. Los que nos sentimos como parte del rap sentimos que es necesario entender de dónde viene.Otra forma de ver Bitches in Business: hay pesos muertos que no hay que cargar más en la mochila, y compromisos que estructuran lo que se ha hecho y lo que viene. El álbum se trata de identificar cuál es cuál.***Las Nunyas del Corro desde el barrio obreroLa pizzería, en una esquina de la Plaça de la Vila, se llama La Font. La mesera saluda a Laüra con confianza y la rapera le responde que quizás este verano deba pedir trabajo ahí, para ajustar las cuentas, llegar a fin de mes. La mesera, sonriente, le responde que qué va, que ella va a ser muy grande y me pregunta si estoy de acuerdo. Yo le digo que sí, que por eso estoy ahí. Laüra no está tan segura.—Joder, es que parece que es un momento guay para mí, pero a veces no me siento así —confiesa."Lo bueno de vivir en San Roque es que nadie roba en San Roque", rapea Laüra en 'Tridente dorado' sobre el barrio de Badalona en el que vive desde hace unos años, a un par de kilómetros de Sant Adría: uno de los más calientes de Cataluña, según titulares alarmistas de medios apocalípticos. Las Ninyas del Corro rapean desde el margen y muestran el revés de una Barcelona que opera como un parque temático de sí misma para los miles de turistas que llegan cada día. La conciencia de clase, una de las banderas que ondearon en Onna Bugeisha, sigue intacta. Se manifiesta, por ejemplo, cuando Laüra rapea, en 'Las Meninas', que en Barcelona o heredas o te las apañas. Ok, el turismo trae riqueza: ¿pero para quién?—No hemos crecido en Barcelona, sino en los barrios obreros que rodean a Barcelona —afirma Felinna.Este margen es tan geográfico como simbólico. En 'Las Meninas' Felinna se aleja tanto del lujo del barrio de Pedralbes como del centro de Barcelona donde solo hay guiris (turistas blancos) con axilas malolientes y pijos vestidos de Nude Project. Y una de las bombas llega cuando dice esto: La catalanidad de Las Ninyas del Corro es otro de los puntos de tensión: si a ella no la reconocen como catalana, me explica Felinna, pues que se jodan: ella tampoco lo llamará pan tumaca, sino pan con tomate. Laüra, por otra parte, reconoce reflejos de su caso en la historia reciente: cuando le dieron el premio Sant Jordi a Estopa, algunos catalanes protestaron porque cantaban en castellano.—Me da rabia ese elitismo, esa línea entre la burguesía y los catalanes de a pie —continúa Felinna—. Hacemos música en castellano, y por eso parece que no somos referentes en Cataluña. Pero somos raperas catalanas.—Se nota mucho el clasismo de la burguesía catalana —insiste Laüra—. Acá nosotras somos purria, escoria, como lo fueron hace tiempo los andaluces que venían aquí y supuestamente les quitaban el trabajo a los catalanes. Nuestras familias vienen de allí. Acá solo importa lo moderno, lo guay, lo fashion. Pero en este conflicto con la cultura, con la lengua, pueden existir distintas identidades además de la que se espera.El título de Bitches in Business salió en la recta final del proceso. Empezaron con una espíritu más tremendista, color azul oscuro, que plasmara su angustia. Al final eligieron un camino para sublimarla, hacerla divertida. El título es un guiño sarcástico a todo lo que han conseguido, a lo que aspiran, a todo lo que les falta y a cómo estas tres dimensiones se confunden. Un guiño que nos dice, ya lo decía Laüra, que las cosas no son lo que parecen.Felinna llegó a la entrevista luego de su primer día en un nuevo trabajo. Es temporal, me explica, para ajustar algunos números. Y Laüra, que rapea sobre cómo devuelve los trajes de diseñador que compra para un solo uso, me muestra sus manos. Sus dedos tienen marcas de pegante: esa mañana tuvo que pegar la etiqueta de un vestido para poder devolverlo.—Gitaneo, es lo que hay —admite.En ese banco de la otra esquina de la plaza todavía están él y ella, recostados en el amor silencioso y seguro que se sedimenta como la arena que cae al fondo del reloj de cristal. Antes de que nos levantemos y caminemos, yo hacia el metro —hacia el centro— y ellas hacia sus casas, acá cerca, Felinna reseña su propio álbum.—Eso es ser bitches in business —dice, entre risas—. Se trata de buscarse la vida.***¿Quieren leer más sobre rap en Español? En el camerino con Ill Pekeño y Ergo Pro