En 2012, aunque con una avalancha de críticas, se incluyó una nueva categoría en los Premios Grammy llamada Mejor albúm urbano contemporáneo que, para muchos, era una categoría hecha para la música realizada por músicos negros y que estos no pudieran ser finalistas o favoritos a álbum del año. En años anteriores el premio fue otorgado a I Love You de Lizzo, Everything Is Love de Beyoncé y Jay-Z, Starboy de The Weeknd y Lemonade de Beyonce. Pero a partir del 2020 eso cambiará… ¿Por qué es racista y clasista la categoría “urbano” en la música? Este cambio se da en un momento crucial para la historia de la comunidad afroamericana de los Estados Unidos y muchas industrias, incluyendo la musical, está analizando actos que pueden ser considerados como micro racismos. En el pasado Tyler, The Creator habló abiertamente de que para él el termino ‘urban’ era racista y que esperaba algún día eso pudiera cambiar. En esa misma carta se indicó que las categorías latinas también tendrán una restructuración porque a veces no representan fielmente el género musical de sus nominados. Aun así, el término ‘urban’ sí seguirá con vida para los apartados de música en español. Ahora los Grammy tienen una categoría llamada mejor álbum latino de pop o urbano que antes se conocía como mejor álbum latino de rock, urbano o alternativo. Otras nuevas reglas para destacar son: - En la categoría de mejor nuevo artista los votantes deberán enfocarse en las presentaciones y no en los elementos de la producción musical. - Los nominados en las categorías country deben representar 100% el género y no mezclarse con otros elementos rítmicos que desdibujen su esencia. - Para ser finalista a álbum del año el producto discográfico debe tener al menos 5 canciones que en total duren más de 15 minutos. También será válido menos tracks, pero cuando el álbum en total tenga una duración de 30 minutos. - Se les recomienda a los votantes que en la categoría Mejor Álbum de Teatro Musical considerar exclusivamente las canciones sin dejarse guiar por el guion o la producción escénica del nominado. - La competencia desleal va a ser castigada y ninguno de los nominados o sus allegados podrá hablar mal de aquellos proyectos con los que compite. Recomendado | Black Lives Matter: artistas se unen a las protestas en Estados Unidos #LaMúsicaNosUne
El domingo7 de febrero de 2021 el show de medio del Super Bowl con The Weeknd registró miles de tweets, tal vez, muchos más que el mismo juego final del fútbol profesional americano. El espectáculo musical, que incluyó los más grandes hits del canadiense se convirtió en tendencias de todas las redes sociales.En 2020 Shakira y Jennifer López fueron destacadas por la prensa al ofrecer un espectáculo diverso en el que no solo el baile fue protagonista. En el Hard Rock Stadium de Miami, cada una celebró a su manera, sus raíces, herencia latina, música que las ha influenciado y principalmente la fuerza de dos talentos globales.Con el show de The Weeknd, queda claro una vez más que el halftime del SuperBowl es una de las tarimas musicales más importantes del mainstream. Por ello, armamos un listado con 10 actos que nos gustaría ver en ese evento de la NFL.Rihanna La cantante de Barbados es una de las artistas femeninas más exitosas del siglo XXI en Estados Unidos. Ya ha sido invitada a protagonizar el espectáculo musical, pero se ha negado a participar, principalmente por la polémica de que esa organización (la NFL) es injusta con los derechos de la comunidad deportiva afroamericana. En una entrevista con Vogue declaró que ni ella, ni su raza ganarían algo de presentarse en el SuperBowl. Rihanna ha sido #1 en Norteamérica con temas como Umbrella, Rude Boy, Don’t Stop the music, We Found Love, Work y Diamonds, tiene un catálogo de éxitos que merecen un espectáculo con el presupuesto que maneja SuperBowl.MetallicaLa banda de thrash metal lleva activa desde 1981 y en su historia musical tienen 9 Grammys, varios Billboard, un montón de premios MTV y, además hacen parte del Salón de la fama del Rock. La banda tiene un espectáculo de admirar, su más reciente gira de estadios ha tenido la mayoría de las fechas agotadas y sus canciones son conocidas en cada rincón del mundo. Valdría mucho la pena ver un acto de metal ser protagonista del medio tiempo de ese evento deportivo.PinkEn 2018 Pink cantó el himno nacional de los Estados Unidos en el SuperBowl y muchos empezaron a apostar que la estrella de pop protagonizaría el espectáculo de medio tiempo de 2019; pero no fue así. La cantante de So What? Ha demostrado que tiene todo para levantar un estadio: es acrobática, tiene una voz poderosa, varios hits y puede volar (con la ayuda de gruas y de seguridad, claro está). Ojalá pronto la veamos mostrar todo su potencial en esa tarima.EminemEl domingo 9 de febrero vimos a Eminem subiéndose a la tarima de los Oscar cantando su clásico Lose Yourself, por eso nos gustaría mucho ver al rapero ser parte de más eventos como este. Marshall Mathers es considerado el artista masculino de ese género con mayores ventas en Estados Unidos y uno de los más exitosos de su generación. En su historial de colaboraciones figuran estrellas como Rihanna, Beyonce, Ed Sheeran y Kendrick Lamar.AdeleLa británica logró en la década del 2010 más hits que ningún otro. Sus tres álbumes han sido #1 y tiene sencillos conocidos a nivel global como Rolling In The Deep, Hello, Someone Like You o Set Fire To The Rain. En sus giras ha demostrado que su poderosa voz puede prestarse para un show audiovisual impactante apoyándose en otros elementos como el agua o el fuego. Por mucho que deseemos ver a Adele en el medio tiempo del SuperBowl, lo más seguro es que nos vamos a quedar con las ganas. En 2016 la artista dijo que su música no se prestaba para este tipo de eventos y que no estaba interesada en realizarlo.Daft Punk Al SuperBowl le ha faltado electrónica y house, un género que aún es considerado de nicho en Estados Unidos. Por eso sería grandioso ver al dúo francés en esa tarima acompañado de grandes músicos que los han acompañado en sus hits como Pharrell Williams, Stevie Wonder, Julian Casablancas, The Weeknd, Arcade Fire o Kanye West.Taylor SwiftLa estrella de pop y country ha vendido más que ninguna otra cantante femenina en Estados Unidos, ha ganado múltiples Grammys con sus álbumes de estudio y es de las pocas solistas que ha tenido una gira de estadios exitosa. Su música va y viene entre diferentes géneros y siempre está apoyada por pirotecnia, bailarines y una banda poderosa. Un eventual show suyo en el SuperBowl podría estar acompañado por colegas que han colaborado en sus canciones Brendon Urie de Panic! At The Disco, Zayn Malyk, Ed Sheeran, Kendrick Lamar y hasta Madonna.Kendrick LamarEl californiano de 32 años lleva una década muy exitosa que incluye varios premios y #1, además de ser considerado una de las personas más influyentes en el mundo. El rapero ha demostrado que no solo es bueno lanzando dardos llenos de verdad y reflexión, sino que también es un gran performer, con una banda de primer nivel y un espectáculo llamativo para la vista. Además, estamos seguros que usaría sus segundos del show de medio tiempo para hablar de justicia, igualdad y poder racial.Ozuna, Nicky Jam, Daddy YankeeCon la llegada de Shakira y Jlo al medio tiempo del SuperBowl se abre una puerta gigante a los músicos latinos. En 2020 vimos unos minutos en tarima a J Balvin y Bad Bunny apoyando a sus colegas femeninas, por eso, no sería descabellado un nuevo espectáculo latino en el evento deportivo. Ozuna, Daddy Yankee y Nicky Jam podrían unir fuerzas, fusionar sus hits y cranearse un show lleno de baile, perreo y poder latino. Estos tres han sido los reggaetoneros más exitosos de la historia musical de Estados Unidos y podrían estar acompañados por otras artistas que han colaborado con ellos como Selena Gómez, Cardi B, Katy Perry o Karol G.Justin Bieber, Avril LavigneEn el medio tiempo del 2020 el tiempo fue repartido por porciones iguales: 6 minutos para Shakira, 6 minutos para Jlo, razón por la que soñamos más espectáculos compartidos. ¿Qué tal uno con Justin Bieber y Avril Lavigne? Sería la unión perfecta entre pop y rock. Dos estrellas canadienses con varios hits radiales y una presencia escénica envidiable.En las redes de Shock nos puede decir qué otros artistas les gustaría ver en la tarima del espectáculo de medio tiempo del SuperBowl.#LaMúsicaNosUne
El 2018 ha arrancado lento hablando de lanzamientos musicales en el mundo y en parte se lo debemos a un 2017 marcado por placas discográficas de altas dimensiones como DAMN, de Kendrick Lamar, Drunk de Thundercat o Humanz de Gorillaz. Pero poco a poco se empiezan a revelar álbumes que se meterán en nuestro ADN y quedarán para la historia como el soundtrack de un nuevo año. Arranquemos entonces con las reseñas de discos que han atravesado el charco para llegar a nuestros tímpanos. Los que reseñan: Fabián López (FL), Willian Martínez (WM), Muchacho Berraco (MB), Paula Ricciulli (PR), Nadia Orozco (NO) Kali Uchis - Isolation Desde hace tiempo la tenemos en el radar por varios de sus sencillos, por sus colaboraciones con Gorillaz o Tyler the Creator y por un EP de nueve canciones que lanzó en 2015, titulado Por vida. PeroIsolation es, por fin, el primer álbum de estudio de la pereirana, que se formó como artista en los Estados Unidos y vino al Estéreo Picnic 2018 a ratificarse como figura determinante de la música alternativa en su tierra natal. Su placa debut es una muestra del amplio rango de referencias temporales, territoriales, visuales y sonoras que convergen en su música. Su apariencia de diva ochentera, una voz que transcurre entre el soul y el R&B moderno, colaboradores como Tyler the Creator y otra joven joya del R&B como Jorja Smith y una dosis de “latinidad” al juntarse con el reggaetonero paisa Reykon hablan de un fenómeno multicultural que coqueta con la etiqueta pop. (FL) Daniel Avery - Song For Alpha El nuevo álbum de Daniel Avery, DJ británico de 31 años, es ejemplo del tipo de música electrónica que está burbujeando en algunas discotecas del mundo. Es techno para la contemplación, sin fuertes descargas. Con influencias de artistas como Brian Eno y William Basinski, Song For Alpha, el segundo larga duración del británico, expone atmósferas largas, desaceleradas. Pero no estamos hablando de un sonido ambiente propicio para la relajación, sino de canciones con repeticiones certeras que transmiten cierta tensión y, al mismo tiempo, libertad. Por su carácter experimental y todavía insipiente, probablemente este álbum no estará en el top 10 de ningún listado. Pero puede ser un buen descubrimiento para los aficionados del ambient. (WM) Thievery Corporation - Treasures from the Temple El undécimo álbum del dúo de música electrónica, formado en Washington en 1995, muestra mayor influencia del reggae y los sonidos isleños. Treasures from the Temple cuenta con las colaboraciones de Mr. Lif, Notch, Racquel Jones, LouLou Ghelichkani (Estados Unidos) y Natalia Clavier (Argentina). Fue grabado en los estudios Gee Jam de Jamaica y es una continuación del álbum Temple of I & I (2017), grabado en Por Antonio. Se trata de un álbum limpio, ameno, sin rupturas radicales, cuyo principal potencial es la diversidad de las voces invitadas. (WM) Centavrvs – Somos uno Somos uno empieza con los versos de un poeta de origen indígena y cierra con un canto de cuna. Con éste, su segundo álbum de estudio, el cuarteto mexicano Centavrvs entró en la onda de la globalidad. Y lo hizo ensamblando sus tradicionales ritmos electrónicos con sonidos bailables, como la salsa, la ranchera y los beats africanos. Esta entrega cuenta con la colaboración de varios percusionistas, coristas y trombonistas reconocidos en la escena musical, como Rey David Alejandro, quien tocó durante más de una década con Willie Colón, mientras que la producción estuvo a cargo de Tweety González, productor de Soda Estéreo. (WM) The Weeknd - My Dear Melancholy, Este EP salió reseñado en todos los portales rosa porque para todos se trató de un trabajo construido a través de la tusa por Selena Gómez. Pero Abel Makkonen Tesfaye siempre ha sabido jugar sus cartas e incluso detrás de súbito arranque por abrir su corazón destrozado, está inmersa la maniobra de crear una capa más de su trabajo musical. Mucho más parecido a House of Balloons y Echoes of Silence – sus primeras producciones - The Weeknd resuelve retornar a un lugar musicalmente lóbrego, sin despegarse todo del terreno pop de Starboy que lo mandó a la estratósfera mediática. Por eso resulta ser un trabajo en la mitad de ambas caras y nos deja con la necesidad de entender si este es un puente hacía un disco o simplemente una terapia de choque para curar el despecho. Con la participación de Skrillex, Nicolas Jaar, Guy-Manuel de Homem-Cristo de Daft Punk deja claro ante todo busca la contundencia. (NO) Stone Temple Pilots - Stone Temple Pilots Es el primer álbum del cuarteto californiano en ocho años. Es el primero sin su cantante original, Scott Weiland, quien murió en 2015. Es la vuelta al ruedo de una agrupación de grunge que tuvo eco en los años noventa y que después perdió peso. En esta entrega, Stone Temple Pilots decidió recurrir a un programa cazatalentos, El Factor X, para encontrar su nueva voz. El resultado es una voz sin matices personales: Jeff Gutt prefirió rendir culto a Weiland. Con la diferencia de que Gutt, aunque tiene un registro impecable, no cuenta con la sordidez ni el dejo nostálgico de Weiland. Es un álbum con 12 canciones de rock alternativo —el grunge aparece cada vez menos— bien interpretadas, compactas y, sobre todo, sin intenciones rotundas de renovación. (WM) Kylie Minogue – Golden Después de más de 30 años ganando su lugar en la realeza del pop, Kylie Minogue decidió apostarle al country para su decimocuarto álbum. Aunque conserva el dance y los sonidos disco que tanto nos gustan de ella, la mezcla con country se siente forzada, como siguiendo una fórmula genérica porque está en tendencia. Dancing y Raining Glitter son dos de las canciones en las que más sentimos la esencia de Kylie. Se destaca también Music Too Sad Without You, una catarsis tras la ruptura difícil con su expareja Joshua Sasse. Aunque fue un buen riesgo probar un estilo distinto, este disco palidece ante sus trabajos previos. No trates como Fever o Body Language a quien te trata como Golden. (PR) Cardi B – Invasion of Privacy La historia de Cardi B es el paso de la pobreza al éxito que tanto gusta: de pertenecer a una pandilla pasó a ser cajera de supermercado, stripper, invitada de Bruno Mars en Finesse, y la primera rapera en alcanzar el primer lugar de Bilboard Hot 100 en cerca de 20 años. Invasion of Privacy, su debut, dejó callados a quienes pensaban que era simplemente una figura efímera de reality show. Cardi B puede ser fuerte, contundente y desvergonzada, pero también vulnerable y delicada. I Like It, con colaboración de J Balvin y Bad Bunny y sample del clásico I Like It Like That de Pete Rodríguez, es un homenaje a sus raíces dominicanas y la mejor muestra de que es una poderosa máquina de hacer hits. (PR) The Vaccines – Combat Sports Como insolente, entretenida y enérgica podríamos describir la propuesta de The Vaccines. En este álbum, el cuarto en su carrera, vuelven con más de los que nos gusta de ellos: Rock n roll potente con especial protagonismo de la guitarra. Su sonido, aunque muy actual, tiene aires clásicos, por lo que es imposible no pensar en The Ramones, The Clash, Blur y hasta en los Beach Boys. Combat Sports marca su regreso tras varios problemas personales y de salud que tenían agarrados a sus integrantes. “Queríamos hacer nuestro mejor disco hasta ahora”, según declaró su vocalista, Justin Young. Y lo lograron. (PR) Albert Hammond Jr - Francis Trouble Muy seguramente, para Albert Hammond Jr. su proyecto solista ha sido un respiro creativo para encontrarse a sí mismo sin el peso de una marca como The Strokes, banda con la que se sabe no tienen mucho contacto desde el lanzamiento del EP Future Present Past EN 2016. Con Francis Trouble, su cuarto álbum, Hammond Jr. parece haber encontrado una historia personal a través de la cual contarse a sí mismo. Según ha declarado a la prensa internacional, mucha de la inspiración del álbum viene de haber conocido que creció en el vientre de su madre con un hermano gemelo que no nació; y que, de hecho, él fue parido con uña que heredó, producto de una colisión con su hermano no nacido. Pero por encima de la curiosidad, se puede decir que es un álbum que transcurre sin muchos sobresaltos y que encuentra su poder en la lírica. Hay que decir también que el álbum tiene cortes con un innegable parentesco con la banda madre The Strokes. (FL) Jack White – Boarding House Reach Después de su aclamado álbum “Lazzaretto”, Jack White nos sorprende con un nuevo trabajo discográfico el cuál viene cargado con su característico rock visceral pero nos muestra una faceta de exploración de nuevos sonidos. Máquinas de ritmos, percusiones y sintetizadores hacen de este disco algo único ya que la sonoridad se hace a partir de capas sonoras que crean un sonido oscuro pero al mismo tiempo épico. Why Walk a Dog es una de las canciones con las que más propone, dejando a un lado las poderosas baterías y reemplazándolas con un beat básico y con sonoridad melancólica. Para algunos puede ser un disco bizarro y para otros puede tener la firma de Jack White pero lo que si se puede decir es que es una propuesta original de una leyenda que siempre está reinventando su estilo y rompiendo las fronteras de cómo producir y componer canciones en el siglo XXI. Track Recomendado: Respect Commander. (MB) 30 Seconds to Mars - America Tras 5 años de silencio, la banda de los hermanos Leto vuelve con su quinto álbum de estudio. Al parecer han olvidado el sonido que los llevó a ser un ícono del rock con sus primeros trabajos. Americaestá lleno de elementos pop los cuáles hacen que este disco pertenezca más a un proyecto solitario de Jareth Leto y no a un disco de una banda de rock. Las participaciones de otros artistas como A$AP Rocky son bastante flojas y el contenido lírico en general se queda limitado bajo un mensaje político un poco difuso y falto de agresividad. Es un intento de volver con un sonido actual forzado, pasando por casi todos los clichés de la industria musical. Desde EDM hasta folk, este álbum es una colcha de retazos sin identidad que deja una gran inquietud de ver cómo se interpretará sus canciones en vivo junto a los temas sus producciones anteriores. No creo que sus verdaderos fans estén muy felices con este álbum. Track que se salva: Monolith . (MB) The Voidz – Virtue Se creía que The Voidz era un capricho pasajero de Julian Casablancas, pero con este segundo disco queda claro que es un proyecto que está a la vanguardia de lo que pasa con el rock hoy en día. Virtue contiene 15 tracks cargados de elementos new wave, electro y glam rock fusionados con riffs guitarreros que hacen de este disco una mezcla perfecta. Las líricas están llenas de críticas políticas y sociales escritas de manera tan básica que a veces confunden y crean significados profundos sin importar su simplicidad. Se construye un mundo al revés donde lo oscuro es lo pop y el rockstar es ese que no quiere ser reconocido y quiere disfrutar la soledad. Es un viaje donde se complace desde al más crudo de los rockeros hasta el más fan del sonido de los ochentas y esto hace a “Virtue” un álbum digno de estar en una colección al lado de New Order y de Depeche Mode. Track recomendado: Pyramid of Bones . (MB) Warhol Oliveira – Yo no sé donde va mi vida El mismo Warhol describe este álbum como “Mick Jagger y John Lennon teniendo sexo en un baño a las 3 am en un club nocturno”, pero yo a esto le adicionaría que ese baño estaba en un concierto de Eagles of Death Metal y que Iggy Pop hacia parte de la faena. Este disco es una banda de rock de garaje en su máxima expresión donde escuchamos guitarras con overdrives pasando por el estilo de Brian Setzer hasta los ya mencionados EODM. Las letras utilizan un lenguaje coloquial para poder expresar momentos de la cotidianidad de la vida. Las canciones llaman a baile y contienen un grado de libertad y despreocupación que van ligados a una fuerte influencia del punk. Si quiere salir de la monotonía y hacer lo que se le de la gana este disco puede ser la banda sonora de su rebeldía.Track recomendado: No paro . (MB)
‘He was never there’ es el nombre del mini documental de The Weeknd en el que le da una mirada más cerca al proceso de grabación de su más reciente álbum que es acutlamente #1 en listas de más de 40 países. El video de seis minutos muestra en tonos opacos y oscuros el trabajo del intérprete de ‘Starboy’, guiándose por su esencia visual. El artista se presentará en los próximos días en el Festival Coachella Las seis pistas del EP ‘My Dear Melancholy’ debutaron en el listado Hot 100 de Billboard logrando ser un éxito inmediato
Hace unos días The Weeknd sorprendió a sus fanáticos con el lanzamiento de su nuevo EP, My Dear Melancholy. Un trabajo de seis canciones donde explora la angustia y nos mete de una manera íntima en su cabeza y lo que para muchos es el resultado de un desamor. La placa ha logrado sorprender y ahora nos explica cómo fue el proceso con un video que es casi tan bueno como el mismo disco. El artista acaba de publicar un detrás de cámaras dirigido por Joachim Johnson, una especie de corto que se bautiza como una de las canciones: I Was Never There. En este se ven imágenes distorsionadas, a The Weeknd en el estudio y audios donde de él y los colaboradores.
The Weeknd, una de las joyas del R&B moderno estrenó hace unos días un sorpresivo nuevo EP que ha sido más popular por la supuesta dedicatoria que hace a su exnovia, Selena Gómez, que por sus canciones. Después de poner a rodar una exitosa canción para la película Black Panther con Kendrick Lamar, su nueva placa se titula My Dear Melancholy y tiene seis cortes que, en efecto, por sus letras, parece ser una necesaria liberación de sus historias personales de desamor. Muchos medios han encontrado en el track Call Out My Name referencias muy claras a la relación que tuvo Abel Tesfaye con la cantante estadounidense, pareja de Justin Bieber. Cierto o no, las seis nuevas canciones de The Weeknd suenan más como baladas tristes, mucho menos eléctricas que lo que encontramos en el álbum lanzado de 2016 Starboy y más como las de su primer disco Kissland. Pero a pesar de ser menos fiestero y más cortavenas, el disco fue producido por manos muy finas de la música electrónica: Guy-Manuel de Homem-Christo (Daft Punk), Gesaffelstein, Mike WiLL Made-It, Skrillex y Frank Dukes. Acá lo compartimos vía YouTube
Coachella anunció su cartel para el 2018. Sus tres grandes headliners son Beyoncé, quien tuvo que suspender su participación el año pasado por su maternidad y fue reemplazada por Lady Gaga. La cabeza del cartel la completan The Weeknd y Eminem. La lista está para todos los gustos con artistas como SZA, Kygo, Jamiroquai, St Vincent, The War On Drugs, Vince Staples, Soulwax, Jean-Michel Jarre, Daniel Caesar y Kali Uchis, Los Ángeles Azules, Alan Walker, los viernes 13 y 20. Haim, Tyler the Creator, David Byrne, alt-J, Post Malone, Fleet Foxes, Chromeo, los Chic de Nile Rodgers, BØRNS, Louis the Child, Angel Olsen, Black Madonna, Jungle y Mø, los sábados 14 y 21. Los días 15 y 22 de abril, se podrá ver a Odesza, Portugal the Man, Migos, A Perfect Circle, Cardi B, Miguel, King Krule, Kamasi Washington, French Montana o LANY, entre otros. Varios de estos artistas presentaron tremendos discos durante el 2017 y fueron parte de nuestra selección a lo mejor del año. Artistas como X X X, estrenaron álbumes que definitivamente hay que oír. Acá repasamos algunos: Jamiroquai - Automaton 21 años después del lanzamiento del que fue, sin duda, su mejor álbum, Travelling Without Moving, y tras siete años de silencio, Jamiroquai volvió al ruedo con Automaton. Un disco al que le podrán criticar que no propone nada nuevo, que suena parecido a lo que produjeron en la era dorada. ¿Acaso hay que pedirle más al tipo que hizo popular el acid jazz y que concretó el disco de funk más vendido de la historia? Después de lanzar Automaton, un primer sencillo en el que parecía que Jamiroquai volvería con un sonido más electrónico, tal vez más cercano al modern disco o al french house, Jay Kay nos recordó que era el dueño de un sello y de un estilo, canciones como Cloud 9, Superfresh, Something About You y Carla hacen que su regreso valga la pena. French Montana - Jungle Rules Este fue el regreso a la vida -literalmente- de French Montana. Después de cientos de problemas personales, uno de sus mejores amigos asesinados y el lanzamiento no autorizado de su disco, bajo el nombre de MC4, el francés volvió con todos los poderes para presentar un álbum que mezcla los sonidos más deliciosos de la vida: trap, dancehall y hip hop. Una entrega llena de luz para los fans y para el mismo cantante, quien gracias a Jungle Rules volvió a Marruecos, su ciudad de origen, e incluyó en Unforgettable las raíces más destacadas de este lugar. Encontró un grupo de jóvenes bailarines por Youtube e hizo de esta canción un éxito completo, tanto que lo trajo a Latinoamérica y se atrevió a hacer un remix con J Balvin. El álbum cerro el año encabezando el top 100 de los mejores discos de 2017 en el listado de los Bilboard. Vince Staples - Big Fish Theory Una canción que representa muy bien el sonido de Vince en su segundo álbum de estudio es Love Can Be, donde los beats electrónicos y los secuenciadores se mezclan perfectamente con la propuesta musical del artista californiano. Hip hop refrescado totalmente por los sonidos actuales que no se dejan encasillar en ningún género. Vince es de los nuevos Mc que se hace cada vez más grande con cada track de álbum; Crabs in a Bucket, Big Fish, 745, BagBak o SAMO, solo por nombrar algunas de sus canciones que tienen identidad propia. St. Vincent - MASSEDUCTION Tras ganar el Grammy por Mejor álbum alternativo con su penúltimo disco St. Vincent, Annie Clark era comparada con genios creativos como Prince y David Bowie por su estilo único y porque más allá de la música es una propuesta artística con todos los juguetes. MASSEDUCTION es su quinto álbum, fue producido por Jack Antonoff y es donde muestra su lado más oscuro: habla del suicidio (Smoking Section) del desamor (New York) y del miedo a envejecer (Los Ageless). Cuando todos pensaron que se iba a volcar a lo comercial por su gran aceptación y por trabajar con el productor de Lorde, Carly Rae Jepsen y Taylor Swift, St. Vincent reafirma su autenticidad con un álbum que guarda las particularidades de siempre, como su guitarra eléctrica distorsionada. Haim - Something to tell you Tras el ruido que generó su primer disc,o Days are Gone (2013), el trío de hermanas californianas, de la mano de Rostand Batmanglij (ex Vampire Weekend) y su usual colaborador, Ariel Rechtshaid, se avientan con una placa muy pop, enriquecida con soft rock y algunos elementos del R&B. Letras de amor y desamor, despecho y anhelos; canciones dotadas de riqueza melódica que acuden a recursos como voces distorsionadas o ruidos para adivinar con audífonos: faxes y relinchos de caballos, muestran diferentes colores. Desde Want you back, chicle para radio, a Night so Long, que cierra el disco voces celestiales, se palpa a Haim menos retro que en su debut y aunque aún hacen remembrar a Stevie Nicks (Fleetwood Mac), lucen brillo actual. The XX - I See You Que Jamie XX haya pasado un buen tiempo dedicado a su proyecto en solitario resultó ser un hecho culminante para que The XX retornara con un sonido más robusto, hecho con manos más inquietas y laboriosas. Se dice que Romy Madley Croft participó en un campamento de escritura junto al escritor y productor Robin Hannibal para aprender la ciencia de los himnos pop y que junto a Oliver Sim (quien dejó el alcohol para grabar este álbum) fueron los primeros en echarle mano a los demos de los diez temas que habían venido trabajando desde marzo del 2014 y que terminaron por componer el I See You. Con Jamie de nuevo concentrado en la maquinaria, después de su éxito con In Colour, The XX hizo combustión y el resultado fueron canciones con un sonido menos dramático como On Hold o Dangerous, que sin duda representan un salto del minimalismo y a la melancolía que le habíamos escuchado a este trio en sus dos álbumes anteriores. I See You, sin duda, fue el primer gran lanzamiento del 2017.
Tell Your Friends es un tema que parecía archivado en el baúl de futuros clásicos del joven Abel Tesfaye. Originalmente publicado en el álbum de 2015, Beauty Behind the Madness, de The Weeknd, Tell Your Friends revivió hoy con una selección de colaboradores bastante jugosa. Por primera vez, The Weeknd se junta con uno de los reyes del capricho de la industria, Kanye West, quien dirigió la producción de remix. El tema, que ya había sido intervenido por Drake y Ghostface Killah, ahora tiene en esta versión, entre su lista de invitados, al mismísimo Kanye, Drake, Ghostface, NAS y Belly. El remix apareció en el nuevo Soundcloud de XO. Acá se los compartimos:
La neoyorkina Lana Del Rey estrenó Lust for Life, el sencillo que le dio el nombre a su próximo LP, cuya fecha de lanzamiento es incierta. El tema, que fue prsentado durante una entrevista en la BBC Radio, es una combinación con la joya del R&B Abel Tesfaye, mejor conocido como The Weeknd, con quien ya había colaborado un par de veces. Hablando de la pista en una entrevista con Courtney Love, Lana del Rey dijo: "Tal vez es algo raro tener una colaboración como sencillo principal del LP, pero me encanta esa canción”. Lust for Life es de hecho una balada ultra romántica y lenta que raya en lo cursi, sobre todo si la vemos con el videoclip que circula en Internet, en el que Tesfaye y Lana del Rey aparecen sentados en la esquina del icónico letrero de Hollywood.
El mes pasado The Weeknd apareció en los Grammy junto a los papás del french house, Daft Punk, interpretando una de las dos colaboraciones que hicieron en su disco Starboy. Se trata del último track del álbum I Feel it Coming, el segundo sencillo en el que aparece la firma del dúo de Thomas y Guy-manuel después del track homónimo al álbum. Lo del Grammy fue el aviso del lanzamiento del videoclip de este nuevo sencillo, en el que Daft Punk vuelve a figurar en un video y, al parecer, es el cierre del universo visual que creó The Weeknd alrededor de este álbum. Warren Fu fue el director encargado de visualizas este evento apocalíptico en el que Abel Tesfaye sigue cantando hasta el momento de la destrucción de la Tierra. Al final, son los robots intergalácticos que aparecen examinando la destrucción.
Juancho López: no soy rockero, soy rocanrolero es el documental que narra la vida de esta figura emblemática del rock colombiano, conocido por ser “el rockero más viejo de Colombia”. (Documental compelto más abajo)El equipo de Radiónica Medellín hizo una investigación de las rutinas, conciertos y sueños de Juancho, así como en la historia de la emblemática banda Los Yetis, clave en los inicios del rock colombiano. Después de años de trabajo, han logrado concretar una visión clara para plasmar esta crónica visual.El documental ofrece una mirada íntima a la vida cotidiana, la soledad y la nostalgia que rodea la vida de Juancho López, reconocido como el "Abuelo del rock colombiano" por su contribución fundamental al inicio del género en el país.“Ningún rockero colombiano debería perderse este documental, básicamente porque es la semilla, nuestra raíz, el inicio de nuestro rock, la forma en la que nosotros nos concebimos como rockeros colombianos", opina Diego Londoño, director del documental. "Pero no solo los rockeros, ninguna persona debería perderse las experiencias, la visión y la vida de este hombre que por supuesto ha transversalizado la cultura musical rockera de Colombia”, agrega. Los Yetis: banda pionera del rock colombiano Los Yetis nacen como trío vocal en 1965, fundadores son: el cantante y guitarrista Juan Nicolas Estela y los hermanos Juancho e Iván Darío López. En febrero del 66, invitados por la compañía discográfica Discos Fuentes, Los Yetis participan en la grabación de un long play: 14 impactos juveniles!, que tuvo gran éxito. Por eso el sello les pide grabar su primer LP, simplemente llamado Los Yetis. Tras su disco debut, llegaron Los Yetis Vol. 2, en 1967 y Olvídate, de 1968. El grupo se disolvió a finales de los 60, y en 2003se reúne de nuevo hasta 2005 con la participación de Darío Marín, Pedro Pablo Arias,Victor Hugo Acevedo, Jhon Cano, Juan Nicolás Estela y Juancho López, estos últimos, miembros fundadores del grupo.
La pelea Kendrick Lamar vs. Drake empezó hace casi una década. Se dijeron muchas cosas el uno al otro, pero en esa correspondencia de canciones entre los dos raperos salieron dos “argumentos” acusatorios que me generaron más ruido que los demás. Drake dijo que Kendrick era un abusador físico con su esposa, Whitney, en la canción ‘Family Matters’:"When you put your hands on your girlIs it self-defense 'cause she bigger than you?"Kendrick acusó a Drake (una noticia ya vieja) por buscar, cortejar y “amigarse” con menores de edad."Say, Drake, I hear you like 'em youngYou better not ever go to cell block one"No vamos a discutir cuál acusación puede ser más cierta que la otra o cuál aproximación fue peor. Ambas fueron desastrosas.No he visto a la industria, ni a los manes de mis redes sociales, tan preocupados por la violencia de género tanto como cuando dos hombres decidieron usarla para punzarse el uno al otro.Tampoco conocía ese afán por castigar la paternidad ausente. En Colombia se estima que el 40% de hogares se sostienen solo por una mujer, según cifras del DANE del 2022. Y ese número no causa tanto revuelo en línea.Traigo a Colombia y a los hombres a mi alrededor a colación, porque fue ese cinismo el que inspiró y le dio forma a este texto.Santiago Cembrano lo dice muy bien en su artículo: “aunque el rap es el campo en el que el dolor se vuelve entretenimiento, no se trata de que esos versos sean parte de un coro pegadizo.”Y si bien fue el beef de Kendrick y Drake el que agitó esto lo suficiente para empezar a cuestionarnos las formas de algo tan “tradicional” del hip hop como las tiraderas, el cuento va mucho más allá.La deuda la tiene toda la industria. Me parece interesante, por mantenerlo en términos amables, que las personas que estamos en la industria, o los que consumimos música sistemáticamente, le asignemos una cualidad transformadora a la música. Algunos, dicen, que la música les cambia la vida o la forma de ver el mundo.Pero esa responsabilidad que ponemos en la música, y en quienes la hacen, es una camiseta que se puede quitar o poner a nuestro antojo.¿Cuáles son los límites de la corrección política en el arte? Quién sabe, quizá no existen o deberían existir. Entendemos a la música como algo que puede transformarnos y, por eso, a veces, se le pide corrección política.Pero esto va más allá de lo que se le puede pedir o lo que no.No hay que confundir este reclamo con una “necesidad” de corrección política en el arte. Eso es otra conversación mucho más grande.Pero a mí, como mujer y como víctima, me hace ruido la atención fervorosa que recibieron las palabras de Kendrick y Drake: más que mostrar indignación por la(s) posible(s) mujer(es) violentada(s), la audiencia sintió emoción por los egos masculinos que fueron lastimados en el proceso.A los hombres les parece más urgente prestar atención a la violencia cuando se entrega en una cajita de entretenimiento entre estrellas del pop, no cuando le pasa a las mujeres que tienen al lado. O cuando las víctimas son las mujeres cuya música consumen.Hay streamers que reaccionan a gritos porque le “sacaron los trapitos” al otro, no porque detrás de esas barras, que los hacen alucinar de la emoción, puedan haber mujeres abusadas o violentadas; hay medios investigando a fondo lo que puede ser uno de los mejores diss de la historia del hip hop, pero no las acusaciones que, de ser ciertas, deberían tener consecuencias legales.Y ahí está la deuda: acusaciones de pedofilia y violencia intrafamiliar que se quedan en versos de canciones de rap, artistas con denuncias que siguen llenando estadios y mientras tanto mujeres artistas, como Megan Thee Stallion, que tienen que convencer al mundo que lo que pasó fue verdad.La violencia contra las mujeres indigna, o llama la atención, siempre y cuando entretenga. La espectacularización, más que gestionar esa violencia de cara a la reparación, la instrumentaliza para la monetización.Entonces, mientras la mayoría de casos quedan archivados porque se vencen los términos, mientras a las mujeres se les pide ser “la víctima perfecta” y tener todo tipo de pruebas, Twitter se enciende por un par de barras y nos condiciona, nuevamente, a ser únicamente cifras en aumento.
Alicia en el País de las Pesadillas se estrena en los cines del país este 16 de mayo. Esta es una versión tenebrosa y retorcida de las aventuras de Alicia en el País de las Maravillas que lleva al público por un viaje inolvidable hacia lo más profundo de la oscuridad.Después de la trágica pérdida de sus padres, Alicia se ve obligada a mudarse con su tía Beth Crimisy a Wonderland, la imponente mansión familiar. Sin embargo, lo que comienza como una aparente escapatoria se convierte rápidamente en una pesadilla surrealista, cuando Alicia comienza a presenciar eventos cada vez más perturbadores y a encontrarse con figuras misteriosas que la arrastran hacia un mundo habitado por criaturas terroríficas y pesadillas insondables.Alicia en el País de las Pesadillas es una apuesta del director británico Richard John Taylor, conocido por trabajos previos que exploran los rincones más oscuros de la psique humana. En esta ocasión, Taylor se sumerge en el clásico de Lewis Carroll para ofrecer una experiencia que desafía los límites de la imaginación y sumerge al espectador en un mundo paralelo lleno de pesadillas y criaturas terroríficas.Esta adaptación cinematográfica no solo rinde homenaje al legado literario de Carroll, sino que también se une a una creciente tendencia de reinterpretaciones oscuras de cuentos clásicos.En un mundo donde las fronteras entre la realidad y la fantasía se desdibujan, Alicia en el País de las Pesadillas ofrece una visión perturbadora y visceral de un clásico atemporal.Alicia en el país de las maravillas: inspiración para terror Esta no es la primera adaptación de Alicia en tono de terror. En 2010 se estrenó Alice in Murderland. En esta historia, Alice Lewis, de veinte años, cumple 21 y está molesta por ello. Sus hermanas quieren animarla y deciden celebrar una fiesta de cumpleaños con temática de Alicia en el país de las maravillas en casa de Charlene Glass. Alice sabe que en el sótano de esa casa, su madre, Ann Lewis, fue brutalmente asesinada a machetazos por un asesino enmascarado 20 años antes. Las niñas establecieron la regla de que no se permitirán teléfonos celulares ni niños.Alice or the Last Escapade se estrenó en 1977 y está vagamente inspirada en la novela.
La 'Bichota' terminó su gira por Sudamérica con un último show en Brasil, sin embargo, la cantante paisa no llenó en São Paulo. Karol G estuvo en el país carioca el pasado diez de mayo y tras lo ocurrido compartió un mensaje en sus redes sociales.Aunque Karol G se ha convertido en una de las artistas más importantes a nivel mundial, y un referente en su género, no logró cerrar esta fase del tour con la asistencia que esperaba. Luego de su concierto en Brasil la artista detrás de canciones como 'Amargura' y 'TQG' hizo una reflexión en su cuenta de Instagram.“Es increíble como un día podemos tener un show de 60 mil personas y al otro uno de 13 mil y sentirse igual de lindo, igual de grande, igual de especial. La vida me sigue enseñando que nunca estamos en la cima de nada … por eso es mejor recordar de dónde vienes que creerte mucho en donde estas y así poder empezar de cero en cada lugar que sea necesario. Siempre hay un nuevo reto, nuevos desafíos, nuevos sueños por cumplir", se puede leer en su post.Así mismo habló del recorrido que ha hecho desde hace varios años para lograr que su música suene en otros países: "Hace 5 años estuve haciendo promoción de mi música en este pais y entendí que tenía que ir por partes , paso a paso, enfocarme primero en unos países, después en otros y así poder llevar mi mensaje a mi ritmo, sin afán, con mi música, en mi esencia y en los tiempos de Dios.", agregó.Finalmente, agradeció a las personas que fueron a verla en Sao Pablo y al país que, en sus palabras, la recibió y la hizo sentir especial. Este show fue el primer concierto oficial de Karol G en Brasil y el último de la gira por Latinoamérica de 'Mañana Será Bonito Tour'.La cantante regresará a tierras cariocas en septiembre para presentarse en Rock in Rio, un de los festivales más importantes del país.**Si son fanáticos de la bichoca les recomendamos leer: Karol G y las referencias en 'MAÑANA SERÁ BONITO' (Bichota Season), su último álbum.
Laüra Bonsai y Felinna Vallejo conforman Las Ninyas del Corro, una de las formaciones más interesantes de la nueva escuela del rap español. Nuestro colaborador Santiago Cembrano las visitó en su barrio para hablar con ellas y contarnos la historia de su álbum, Bitches in Business. ***—Es como ver follar a tus padres.El sol se derrama con placidez sobre la Plaça de la Vila, en Sant Adrià de Besòs: la periferia de Barcelona. Son las 7 de la tarde de un viernes de abril. En las terrazas no cabe nadie y el saltarín infantil está lleno: las risas y los gritos de júbilo llenan el aire. Una mujer antigua esquiva el partido de fútbol improvisado que atraviesa la plaza y se sienta con su esposo, que la espera en un banco, bajo la sombra de un árbol robusto. Él pone su mano sobre la rodilla de ella y observan a los vecinos que pasan.Laüra Bonsai es de aquí, de Sant Adrià. La rapera de 28 años está en casa, pero, entre sorbos de Cola-Cola, narra una experiencia extraña:—Es como ver follar a tus padres. Así es conocer la industria musical por dentro: "¡Buah! ¿Qué estoy viendo? ¿Cómo funciona esto?" Por eso queríamos explicarles a los demás que estar donde estamos no es lo que parece.Felinna Vallejo tiene 25 años y es de Bon Pastor, un barrio aledaño que se conecta con Sant Adrià a través de un puente, uno como el que está en el logo de Las Ninyas del Corro, el grupo que ambas conforman. Se presentaron como guerreras de ceño fruncido con Onna Bugeisha en 2021 y así construyeron una habitación propia con los códigos noventeros. Giraron por conciertos y festivales de toda España y así conocieron de contratos y adelantos, horarios y rutinas, el negocio que se escondía tras el sueño de la música. Bitches in Business de Las Ninyas del CorroDe esa experiencia, Las Ninyas del Corro hicieron su segundo álbum, Bitches in Business, publicado en marzo de 2024. Tres años después de su debut, agrietan la solemnidad con la que entraron a la cancha. Ahora se ríen más, y cuando escucha a su compañera, Felinna ríe de nuevo:—Cuando empezamos éramos dos chavalillas, había que imponer respeto. Ahora lo tomamos de otra forma, nos hemos dado cuenta de que podemos vacilar. Nos hemos atrevido, sin miedo de explorar. Me he sentido mucho más libre para decir lo que me de la gana sin censurar nada.Y tan libre. A las baterías violentas que Esse Delgado, productor del grupo y del disco, dispone en 'Las Meninas' Felinna les añade un guiño burlón que rompe el corset estricto. Luego de celebrar que ya no la agobian los kilos de más ni algunos rastros de acné, hace lo que en el debut habría sido inimaginable: "Me suda todo el coño, ni la acabo", rapea de salida, con la misma seguridad que la de Sabrina Ionescu cuando asiste sin mirar. Es un gesto de chulería que sintetiza el cambio de atmósfera entre ambos discos.—Antes estábamos más enfadadas. Pero no estábamos enfadadas, sino que entrabas así o no había manera de entrar —me explica Laüra—. Ahora hemos soltado, le hemos quitado importancia a muchas cosas. Nos hemos relajado.Los primeros temas que hicieron con la intención de crear un nuevo álbum rondaron el drumless, pero pensaron que podía aburrir al público de sus conciertos.—Nosotros hacemos todo el tiempo lo que queremos, pero también hay que pensar en lo que funciona. Vivimos esa dualidad todo el rato —explica Felinna, y yo pienso que esas consideraciones son las que hacen parte de un negocio.Un camp para hacer música en Vallirana, en el bajo Llobregat, las desconectó de las distracciones de la ciudad y puso los cimientos de lo que venía. Les gustó tanto el formato que lo repitieron en Tarragona y, luego, en Castellón, en el verano de 2023. Esse Delgado también ama el drumless; Sunday Truce, su colaboración con el madrileño Franco Carter, se sintoniza con texturas góspel y soul que se repiten sin prisa. Sin embargo, Bitches in Business, además del boom bap con el que empezaron, es hogar del repiqueteo de hi-hats y la energía ágil del trap, trap&B y sonidos que conversan con referentes contemporáneos como Kendrick Lamar, Tyler, The Creator, Pusha T, Travis Scott y Beyoncé. También caben el canto y los coros pegadizos, como en “Nasty Girl”, una canción que les enseñó que podían expresar su mensaje sin dejar de divertirse, sin quitarle naturalidad al proceso y el resultado.—Que tu madre te diga que le mola un tema tuyo, como 'Punto de partida', muestra que con los temas más melódicos Bitches in Busines ha podido llegar a más gente. Nuestros amigos lo están escuchando porque les gusta, y no porque somos sus amigas, como en Onna Bugeisha: eso mola —sentencia Laüra—. Incluso a nosotras un disco entero de boom bap nos aburre.***Bitches in Business de giraLas bocas se abren hacia lo alto en la primera fila de la Sala Apolo, y Felinna las bendice con un chorro de ron para que la fiesta siga. Es el 11 de mayo: inicio de la gira de Bitches in Business. Cientos de personas saltan y saltan y saltan y saltan con 'The Wave', un corte electrónico, impetuoso, y las sílabas se deslizan con habilidad de la boca de Laüra al micrófono. Quizás como resultado de conocer la industria por dentro, Laüra juega a la defensiva en varios momentos de Bitches in Business, como si se anticipara al rechazo de una escena que les recriminaría el nuevo estilo, que eran mejores antes.—Pensábamos que la gente del rap nos iba a odiar. Con el primero nadie te conoce, eres nueva. Toda la gente siempre nos ha dicho que el segundo disco es el más difícil. Era como Buah, este disco puede pasar desapercibido. Eso lo primero. Y lo segundo es que siempre te van a decir que molabas más antes: me pasó con Natos y Waor, los escuchaba antes. Pero es verdad que predijimos eso y no ha sido así. A la gente le ha gustado más de lo que pensábamos —me explica Laüra en Sant Adrià.Las Ninyas del Corro avanzan por caminos que C. Tangana, Recycled J y demás artistas que oxigenaron el rap español ayudaron a pavimentar. Del primero Laüra dice que es como un héroe, al infiltrar el pop para luego diversificarlo más allá de Alejandro Sanz y compañía. Desde Rosalía hasta Dellafuente, insiste, en el espectro de lo urbano están las claves de lo más interesante de la música en España. Por otro lado, Recycled era tildado de “maricón”, recuerda ella, por sus melodías y sus sentimientos: era un blandito, y por eso fue decisivo para que el paradigma cambiara y se abriera.De reivindicar lo más puro que salió de una Nueva York gélida a finales del siglo XX, Las Ninyas del Corro pasaron a celebrar a los que retaron, expandieron y reinterpretaron esa herencia en España. Bitches in Business es un álbum que dialoga con todas las posibilidades que han surgido en la última década, así como con sus artífices. Pero. Hay un gran pero.—Por suerte, tú preguntas por raperas de España y nuestro nombre se va a decir. Eso para nosotras es mucho, pero sigue faltando mucho, también. El caso de las mujeres siempre es más exigente y difícil —me dice Laüra, con voz cansada—. Todavía no es suficiente.—Solo hay pibes, yo estoy hasta el coño —la secunda Felinna, y lo repite, esta vez con mayor énfasis en cada palabra, masticando cada una, para que quede claro—. Solo. Hay. Pibes. Madre mía.Las Ninyas del Corro en la sala ApoloLa sala Apolo está llena, agitada. Laüra propone que, como no las invitan a nada, que las lleven a dirigir una sesión de cardio. Sigue cayendo ron como agua bendita, y ya no sé si es sudor esa humedad en la cara de una mujer que canta cada tema como si la hubiera escrito ella. Casi la mitad somos hombres, casi todos con la mano arriba con cada barra. Las Ninyas se refieren al público como “vosotras” y celebran lo guapas que están todas hoy. El punto de vista cambia y las mujeres, que suelen corear versos de manes para manes, quedan en el centro. La diferencia se nota. En el escenario, Laüra y Felinna no solo rapean con precisión y temple, sino que despliegan coreografías, codo a codo con dos bailarinas, que elevan cada tema. El punto de vista cambia, insisto, y yo lo agradezco tanto. Una bebé se eleva en los hombros de su padre y toda la sala le canta el feliz cumpleaños a la mamá de Felinna. Barbas salpimentadas conviven con la juventud. No cabe nadie más acá. Y cuando llega el momento de “Bagaje”, un break amenazante, Laüra cambia de óptica. Pasa a las barreras generacionales: "La vieja escuela desconsidera a la nueva, la nueva desprestigia a la nueva, qué pena".—Aprendimos mucho trabajando con LaBlackie. Ella vino, escribió y se tiró la letra de golpe. Envidio esa frescura —me había dicho Laüra esa vez en su barrio.Hay que ser exigente, pero también tener el coño de decir "Me gusta como queda y así lo tiro, porque me da igual". Eso es muy difícil que nos pase. Entonces sí, es una pena que los de antes no valoren a los nuevos, porque tienen mucho qué aprender de ellos.La canción se llama 'Deena, Snooki & Jwoww', un corrientazo que me estremece entero. Laüra y Felinna rapean juntas la estrofa de LaBlackie. El final, lo saben todas las presentes, va a estallar, y abren un círculo que se funde en una masa de carne y huesos: frenesí.—Rosalía no cantaría lo que canta si no hubiera estudiado el flamenco. Para transformarlo lo ha respetado. Se trata de respetar no solo a los que había antes que tú, sino a la música que estás haciendo —continúa el ensayo de Laüra—. Por eso también me apena que los nuevos no valoren a los que estaban. Estar informado es básico. No digo que el que está empezando tenga que saber todo, pero yo sí valoro que alguien investigue. Por eso me he sentido muy orgullosa y privilegiada cuando Elio Toffana nos invitó a su disco. La Laüra de hace diez años habría matado por una colabo con él, con Kase.O, con el Tote, con la Mala. Y ahora, cuando todo parece más fácil, sin importancia, agradezco que pase. Por respeto a mi historia y a mi trayectoria, ¿cómo no lo voy a hacer?—¡Y qué colabo! —tercia Felinna—. Yo lloré cuando el Elio nos la pasó, ya terminada. También es un tema de identidad, de sentirte dentro de la movida. Los que nos sentimos como parte del rap sentimos que es necesario entender de dónde viene.Otra forma de ver Bitches in Business: hay pesos muertos que no hay que cargar más en la mochila, y compromisos que estructuran lo que se ha hecho y lo que viene. El álbum se trata de identificar cuál es cuál.***Las Nunyas del Corro desde el barrio obreroLa pizzería, en una esquina de la Plaça de la Vila, se llama La Font. La mesera saluda a Laüra con confianza y la rapera le responde que quizás este verano deba pedir trabajo ahí, para ajustar las cuentas, llegar a fin de mes. La mesera, sonriente, le responde que qué va, que ella va a ser muy grande y me pregunta si estoy de acuerdo. Yo le digo que sí, que por eso estoy ahí. Laüra no está tan segura.—Joder, es que parece que es un momento guay para mí, pero a veces no me siento así —confiesa."Lo bueno de vivir en San Roque es que nadie roba en San Roque", rapea Laüra en 'Tridente dorado' sobre el barrio de Badalona en el que vive desde hace unos años, a un par de kilómetros de Sant Adría: uno de los más calientes de Cataluña, según titulares alarmistas de medios apocalípticos. Las Ninyas del Corro rapean desde el margen y muestran el revés de una Barcelona que opera como un parque temático de sí misma para los miles de turistas que llegan cada día. La conciencia de clase, una de las banderas que ondearon en Onna Bugeisha, sigue intacta. Se manifiesta, por ejemplo, cuando Laüra rapea, en 'Las Meninas', que en Barcelona o heredas o te las apañas. Ok, el turismo trae riqueza: ¿pero para quién?—No hemos crecido en Barcelona, sino en los barrios obreros que rodean a Barcelona —afirma Felinna.Este margen es tan geográfico como simbólico. En 'Las Meninas' Felinna se aleja tanto del lujo del barrio de Pedralbes como del centro de Barcelona donde solo hay guiris (turistas blancos) con axilas malolientes y pijos vestidos de Nude Project. Y una de las bombas llega cuando dice esto: La catalanidad de Las Ninyas del Corro es otro de los puntos de tensión: si a ella no la reconocen como catalana, me explica Felinna, pues que se jodan: ella tampoco lo llamará pan tumaca, sino pan con tomate. Laüra, por otra parte, reconoce reflejos de su caso en la historia reciente: cuando le dieron el premio Sant Jordi a Estopa, algunos catalanes protestaron porque cantaban en castellano.—Me da rabia ese elitismo, esa línea entre la burguesía y los catalanes de a pie —continúa Felinna—. Hacemos música en castellano, y por eso parece que no somos referentes en Cataluña. Pero somos raperas catalanas.—Se nota mucho el clasismo de la burguesía catalana —insiste Laüra—. Acá nosotras somos purria, escoria, como lo fueron hace tiempo los andaluces que venían aquí y supuestamente les quitaban el trabajo a los catalanes. Nuestras familias vienen de allí. Acá solo importa lo moderno, lo guay, lo fashion. Pero en este conflicto con la cultura, con la lengua, pueden existir distintas identidades además de la que se espera.El título de Bitches in Business salió en la recta final del proceso. Empezaron con una espíritu más tremendista, color azul oscuro, que plasmara su angustia. Al final eligieron un camino para sublimarla, hacerla divertida. El título es un guiño sarcástico a todo lo que han conseguido, a lo que aspiran, a todo lo que les falta y a cómo estas tres dimensiones se confunden. Un guiño que nos dice, ya lo decía Laüra, que las cosas no son lo que parecen.Felinna llegó a la entrevista luego de su primer día en un nuevo trabajo. Es temporal, me explica, para ajustar algunos números. Y Laüra, que rapea sobre cómo devuelve los trajes de diseñador que compra para un solo uso, me muestra sus manos. Sus dedos tienen marcas de pegante: esa mañana tuvo que pegar la etiqueta de un vestido para poder devolverlo.—Gitaneo, es lo que hay —admite.En ese banco de la otra esquina de la plaza todavía están él y ella, recostados en el amor silencioso y seguro que se sedimenta como la arena que cae al fondo del reloj de cristal. Antes de que nos levantemos y caminemos, yo hacia el metro —hacia el centro— y ellas hacia sus casas, acá cerca, Felinna reseña su propio álbum.—Eso es ser bitches in business —dice, entre risas—. Se trata de buscarse la vida.***¿Quieren leer más sobre rap en Español? En el camerino con Ill Pekeño y Ergo Pro