Se cumplen 5 años de una de las muertes más tristes del rock recientemente: el 20 de julio de 2017 ocurrió el suicidio de Chester Bennington, líder de Linkin Park. El 20 de julio también nació Chris Cornell, quien se suicidó meses antes que Chester: el 18 de mayo de 2017. Ambos músicos se convirtieron en símbolo de la lucha contra la depresión y su reconocimiento como un trastorno mental serio. Ambos músicos fueron grandes amigos y luego del suicidio de Chris, Chester publicó un emotivo homenaje en su cuenta de Instagram que cerraba afirmando "Gracias por permitirme ser parte de tu vida". Entre 2007 y 2008, Chris acompañó a Linkin Park en la gira promocional de su tercer álbum, Minutes to Midnight. "Chris es un tipo increíble. Nos hemos hecho muy buenos amigos", dijo Bennington, citado por CNN. "Subo al escenario todas las noches con él y hago Hunger Strike (canción de la banda de Chris Temple of the Dog), y él sale durante nuestro set y canta Crawling con nosotros, y la gente simplemente se vuelve loca".Chester era el padrino del hijo de Chris. Bennington cantó en el funeral de Chris la canción Hallelujah, de Leonard Cohen. Días después, Linkin Park tocó en TV One More Light, una canción sobre la pérdida de un amigo. Según declaró en entrevista Mike Shinoda, fue una presentación catártica para Chester. "Cuando estábamos haciendo una prueba de sonido, Chester ni siquiera podía terminar la canción, estaba llegando a la mitad y se ahogaba. Incluso cuando tocamos toda la canción, y estaba en vivo por televisión o grabada, se detenía hacia el final, como si se hubiera perdido las últimas dos líneas, simplemente no pudo terminar la canción ", dijo Shinoda. Chris y Chester sufrían de depresión y ansiedad, para Chester síntomas de los abusos sexuales de los que fue víctima cuando tenía tan solo 8 años. Hechos que lo marcaron para siempre y que lo hicieron refugiarse en la soledad. "Destruyó mi confianza en mí mismo. Como la mayoría de la gente, yo estaba demasiado asustado para decir cualquier cosa. No quería que la gente pensara que yo era gay o que estaba mintiendo. Fue una experiencia horrible”, confesó el músico que nació en Phoenix, Arizona al hablar sobre el abuso en una entrevista con Kerrang Magazine en 2008.Tras el suicidio de Chester, el 20 de julio tomó un nuevo significado para los fans y es recordado por la unión de 2 grandes del rock que nos dejaron demasiado pronto.
La familia de Chris Cornell celebró el que sería su cumpleaños 56 publicando un cover nunca antes escuchado de Patience, de los Guns N’ Roses. La voz potente y gruesa de Cornell fluye con la calma y serenidad que imprimen la canción. Escúchenla aquí. En el perfil de Facebook del artista la canción se compartió con el siguiente mensaje escrito por Vicky Cornell, su esposa: “Uno de los ingenieros de Chris recientemente me recordó algunas sesiones de grabación de Chris de 2016 que él todavía tenía. Patience era una de ellas. Esa grabación fue inspirada por nuestra hija Toni, que era una gran fanática de los Gun N’ Roses y le pidió a su papá enseñarle a tocarla en la guitarra. Su cover es hermoso, nos trajo una ráfaga de recuerdos agridulces”, escribió Vicky. Y continúa: “Su cumpleaños parece el momento perfecto para compartir esto y celebrar a Chris, su voz, su música, sus historias y su arte. Un hombre no está muerto mientras sea recordado, y a través de su arte, el alma de un artista aún arde y brilla iluminando a aquellos que lo tienen en su memoria. Liberar música que fue especial para Chris mantiene una parte de él aquí con nosotros. Su corazón, su alma. Su amor y su legado”. Puede ver aquí la publicación completa y disfrutar del cover. Cornell, referente del grunge y voz principal de las bandas Soundgarden y Audioslave, se suicidó en mayo de 2017 después de años de sufrir de depresión y lidiar con el abuso de sustancias.
Recientemente la revista Forbes dio a conocer su listado anual de celebridades difuntas qué más ingresos han generado, por supuesto, luego de su muerte. El listado está encabezado por Michael Jackson con 825 millones de dólares reunidos en el último año, la mayor cantidad registrada por una estrella, esto gracias a la compra de parte de Sony del porcentaje de participación de Jackson en la compañía Sony ATV Music Publishing. Los demás músicos que se encuentran en las primeras casillas del listado son Elvis Presley (28 Millones), Prince (25 millones), Bob Marley (21 millones), John Lennon (12 millones), y David Bowie (10 millones). Por: Julio Escovar @julitroescovar / Foto: Getty Los catálogos de estos artistas suelen seguir facturando gracias a su uso comercial, re-ediciones, aniversarios y demás ocurrencias propias del marketing, además del renovado interés que aparece tras la muerte de algún artista, algo que a la hora de la verdad, es natural. De pronto algo de morbo y honesta curiosidad. Hoy en día gracias a los catálogos de estos artistas que están a un click de distancia podemos viajar en el tiempo con tan solo la primera vez que escuchamos sus canciones. Por eso es fácil ponerse melancólico, así no hayamos comprado un disco de ellos hace décadas. Como la mayoría de personas el impacto que los artistas generan en nosotros emerge con mayor fortaleza cuando ya no los tenemos con nosotros, por lo menos en este mismo plano espectral. En diciembre del 2016 tras la noticia de la muerte de George Michael, la reproducción de su música subió en un 525%, y en especial su disco de grandes éxitos Ladies & Gentleman, que ya había sido un éxito en 1998, el año de su lanzamiento. No recuerdo la última vez que escuché música de George Michael antes de la noticia de su muerte, pero el día en que me enteré, inmediatamente busqué sus canciones en streaming y me permití profundizar en un enorme playlist de sus éxitos, cómo muchos de ustedes debieron hacerlo, me sentí algo ingrato, pero el viaje en el tiempo está asegurado con los recuerdos de estas canciones. Más recientemente tras la muerte de Chris Cornell, su disco con Soundgarden, Superunknown, el álbum que disparó la banda a la fama y con el que ganaron los únicos dos premios Grammy de su carrera, volvió a los listados de reproducción, tal cual como el debut de Audioslave. Además, 13 discos de Chris Cornell entraron a la lista de los más escuchados en Australia. El 18 de mayo, día que nos enteramos que Cornell había muerto, Black Hole Sun sonó 537 veces en la radio norteamericana. Con la muerte de Scott Weiland su discografía con Stone Temple Pilots y Velvet Revolver se disparó en ventas, al punto que Core su debut de 1992, llegó a la posición N.145 de Billboard 200, y su compilado de grandes éxitos Thank You, vendió 17.000 copias. Este me dolió en especial, porque además de mi amor por la música de los STP, siento que dejamos que pasara ante nuestros ojos una tragedia glorificada por el espíritu de sexo drogas y rock and roll. Era cómo hacer un viaje hacia el pasado y ver los desastrosos videos de las presentaciones de Amy Winehouse en Youtube. En el caso de Queen, Bohemian Rhapsody fue número 1 en 1975 y volvió a la cima tras la muerte de Freddie en 1991. Al día de hoy esta canción ha vendido más de 2.4 millones de copias y es el tercer sencillo más comercializado en la historia del Reino Unido. Como si fuera poco, Queen ha tenido 20 sencillos en el top 20 desde la muerte de Freddie, así como su compilatorio Queen Forever del 2015, que fue top 5 en el Reino Unido ese año. Tras su muerte, David Bowie tuvo una docena de discos en el top 40, cinco de ellos de manera simultánea en el top 10 en el Reino Unido. Y su disco Blackstar debutó en el N.1 en EEUU, el primer y único álbum en su carrera en alcanzar esa gloria en ese país, además de recibir cuatro premios Grammy de 6 que recibió Bowie en toda su carrera. ¿Habría ganado todos estos premios de no haber muerto? Otro célebre de este listado es Prince, quien al día de hoy ha vendido más de 4 millones de discos en EEUU desde su muerte, el 21 de abril. El día que se conoció la noticia se vendieron 239,000 álbumes y 1.034 millones de canciones. Al día siguiente de la noticia la cifra llegó a 496,000 álbumes y 2.24 millones de canciones, igualmente 5 discos de Prince entraron en el Hot 200 de Billboard y su canción Purple Rain fue número 4 en el Hot 100, y el número 1 del momento era Desiigner con su canción Panda. Probablemente sea Michael Jackson la primera mega estrella que tuvo impacto inmediato en los listados tras su muerte. 11 de sus discos estuvieron en el top 200 y 43 de sus canciones entraron a los listados. Según la revista Forbes en el 2015 Michael Jackson generó 115 millones de dólares y como vemos en la reciente publicación de la revista, Michael sigue en la cima. Las leyendas nunca mueren, y sus canciones menos. Desde todos los puntos de vista.
Esta semana ocurrió un hito histórico para la ciencia. conocimos la primera fotografía de un agujero negro. Este primer agujero negro fue bautizado como Pōwehi, pues 2 de los telescopios más poderosos del mundo, claves para la obtención de la foto, están ubicados en la cima de Maunakea en la isla de Hawái. Sin embargo, los fans del rock tienen una idea mejor: bautizar al agujero negro Chris Cornell (exvocalista de Audioslave fallecido en 2017), según una petición en Change.org que se ha viralizado por estos días. “Era una de las figuras más queridas, no solo en el rock, sino en toda la música, de personas de todo el mundo. Su música, su voz y su personalidad inspiraron, influenciaron, cambiaron e incluso salvaron las vidas de miles de personas”, según dice la petición, que al 12 de abril de 2019 supera las 12.300 firmas. Adiós a Chris Cornell. Canciones para conocer a una leyenda. El documento continúa: "Black Hole Sun (Hoyo negro en el sol) es una de las canciones más representativas de Audioslave. "(Nombrar al agujero Chris Cornell) sería una forma increíble y surreal de honrar su vida y su contribución a la música". La voz de Cornell era inconfundible y lograba llegar a notas muy altas y a su vez interpretar notas graves. El afamado artista fue vocalista de tres importantes bandas para el grunge y el metal alternativo como Sundgarden, Temple Of The Dog y Audioslave. Además, tuvo una carrera en solitario con la que giró por todo el mundo, de hecho, fue uno de los headliners del Festival Almax en Bogotá en diciembre de 2016. Su show en Colombia fue íntimo, corto y ameno. Cantó 9 canciones en 47 minutos y fueron pocas las personas que lograron verlo en su concierto en nuestro país. ¿Creen que Chris Cornell sería un buen nombre para el agujero negro? Firmen aquí.
El 18 de mayo de 2017 el universo del rock quedó impactado con la noticia de la muerte del artista Chris Cornell a sus 52 años. De acuerdo a Brian Bumbery, su manager, el músico fue hallado sin vida en la habitación del hotel en el que se hospedaba después de una presentación en Detroit, Estados Unidos, con la banda Soundgarden. De acuerdo a reportes de la oficina forense de esa ciudad, la causa de muerte de Chris fue ahorcamiento. FOTOGRAFÍAS: ARCHIVO DE SHOCK EN EL FESTIVAL ALMAX La voz de Cornell era inconfundible y lograba llegar a notas muy altas y a su vez interpretar notas graves. El afamado artista fue vocalista de tres importantes bandas para el grunge y el metal alternativo como Sundgarden, Temple Of The Dog y Audioslave. Además, tuvo una carrera en solitario con la que giró por todo el mundo, de hecho, fue uno de los headliners del Festival Almax en Bogotá en diciembre de 2016 del que nos quedaron las fotografías incluidas en este artículo. Su show en Colombia fue íntimo, corto y ameno. Cantó 9 canciones en 47 minutos y fueron pocas las personas que lograron verlo en su concierto en nuestro país. Mientras Chris cantaba lo más adecuado era callar y disfrutar su voz y guitarra. Recordamos a este maestro con esta playlist que podemos escuchar en cualquier momento de la vida. ¡Gracias Chris por estas joyas! Bonus: Chris Cornell cantó en vida junto a Chester Bennington de Linkin Park, tristemente los dos abandonaron este mundo en 2017.
El tema de las biopics está de moda por estos días, tras conocerse el primer tráiler de Bohemian Rhapsody, cinta biográfica de Queen y Freddie Mercury, que llegará a salas de cine en noviembre de 2018. Sabemos que a Hollywood le encantan las biopics y más si son de músicos. Desde Edith Piaf, Ray Charles y Bob Dylan hasta Jimi Hendrix, Selena Quintanilla y NWA, las vidas de los músicos siempre nos resultan fascinantes. Aunque no todas las biopics le “pegan al perro”, lo cierto es que nos motivan a conocer más de nuestros artistas favoritos o a descubrir a otros que probablemente no teníamos en el radar. Por: Paula Ricciulli // @ricciup Aquí algunos músicos que por lo interesante de sus vidas y lo valioso de su legado, merecen tener una biopic (pero de las buenas). David Bowie ¿Necesitamos decir razones? Cantante, actor, icono y Dios en la tierra. Una biopic de Bowie podría explorar muchísimos temas: la androginia, la innovación, la creatividad, la inspiración, la sexualidad, entre otras. El problema es el reto que será hacerle justicia a una de las figuras más importantes de la historia de la música. Prince Esta sería un verdadero reto, pues no es nada fácil capturar el legado musical y cultural de Prince. Sin mencionar que ya está Purple Rain. Pero si se atrevieran a intentarlo, sería un homenaje muy pertinente a una de las figuras más destacadas del pop. Missy Elliot Si hablamos de personajes clave del hip hop, no podemos dejar de lado a Missy Elliot. Missy superó la pobreza y el abuso sexual y se impuso en un género en el que los hombres mandaban la parada y en una industria musical que exige que las mujeres sean 90-60-90. Donna Summer Reina indiscutible del disco. Pero su legado no se limita a un solo género, pues sin Donna no tendríamos a Beyoncé o Rihanna. Aunque Kelly Rowland sonó hace algunos años para interpretar a Summer, el proyecto no continuó. Una lástima, pues Rowland tiene la voz y la actitud para convertirse en esta diva. Michael Jackson Hasta ahora se han hecho un par de películas para TV, pero ninguna que le haga justicia al enorme legado de Michael. Su biopic nos hablaría de su imagen corporal, sus problemas legales y familiares, pero más importante que eso: el recorrido que lo llevó a convertirse en el rey indiscutible del pop. Kurt Cobain Desde hace años se viene hablando de una biopic del líder de Nirvana (en 2008 Courtney Love declaró que Ryan Gosling podría ser una buena opción para interpretar a su exesposo), pero nadie se ha atrevido aún. Kurt Cobain tiene todos los elementos para una biopic interesante: adicciones, conflictos, talento y uno de los legados más importantes en la historia de rock. Lisa “Left Eye” Lopes Lisa lideró TLC, un trío femenino noventero que nos habló de la libertad sexual, lo crueles que pueden ser los hombres y cómo no debemos conformarnos con cualquiera. A los 30 años falleció en un accidente de tránsito en Honduras y nos dejó la sensación de que no terminamos de ver todo lo que tenía para ofrecernos. Frank Zappa Además de su innegable legado como músico, de Frank Zappa también recordamos su irreverencia y sus opiniones ácidas sobre política,cultura y religión. Un genio subvalorado del siglo XX que nos gustaría ver en cine. Beastie Boys Del derecho a la fiesta pasaron a defender la libertad del Tíbet. Una biopic de los Beastie Boys nos mostraría cómo fue su evolución de “chicos malos” a una de las bandas más importantes de la historia del hip hop. Chris Cornell En Soundgarden, Audioslave, Temple of the Dog o como solista, Chris Cornell dejó una huella imborrable en el rock. Su lucha contra las adicciones sería un elemento interesante en esta eventual biopic. Bonus Amy Winehouse y Elton John son otros músicos que creemos deberían tener su propia biopic. Por fortuna, ya están en marcha: desde hace varios años se ha hablado de una biopic de Amy Winehouse protagonizada por la actriz sueca Noomi Rapace, pero hasta el momento no tiene fecha de estreno. Finalmente, en abril de 2018 conocimos que Taron Egerdon fue elegido para interpretar a Elton John en Rocketman, cinta biográfica del músico británico.
Exactamente en siete días (en el 2017) la voz de este gigante volvería a rugir en los escenarios después de una sequía de más de tres años. Sin embargo la conexión de sus tonos llenos angustia, dolor y furia con los que podía privar a miles de personas con tan solo un par de versos decidieron esperar. Esta vez para siempre. Por: Álvaro Corzo V @Corzo360 Los Ángeles / Foto: Getty La depresión, las drogas y mucho alcohol fueron las recetas y religión durante años para este cerebrito que se crió tocando en los chuzos de Los Ángeles. El legendario Wiksy a Go Go lo vio nacer con tan solo 23 años como lo hiciera con grandes como The Doors, Guns N Roses y Mötley Crüe. Su banda Linkin Park terminaría vendiendo más de 70 millones de discos. La noticia del suicidio de Chester a sus 41 años llegó por sorpresa para su familia, pero sobretodo para su banda y su disquera, que veía en su nuevo disco, acompañado de su gira mundial, la vuelta al ruedo de Chester y de paso de toda la banda. “Aunque el disco tiene un ruptura y se reinventa en cada canción el ADN de las letras son las mismas, pura introspección, ese es el corazón de Chester” me dijo Brad Delson hace menos de dos meses cuando nos reunimos en el norte de Los Ángeles para hablar del nuevo disco, la gira y por supuesto del esperado regreso de la banda. No había duda, el esperado séptimo álbum del grupo “One more Light”, el cual llegó rápidamente al número uno del Billboard, tenía todos los toques oscuros y desgarradores con los que la banda revolvió al mundo entero a principios de siglo con discos como Hybrid Theory y Meteora. El video de su primer sencillo “Heavy”, en el que hace dúo como Kiiara, parece más una simulación de la dura batalla que Chester llevó toda su vida contra el alcohol, las drogas y el violento divorcio que casi lo saca de quicio. Un premonitorio aviso de que en el fondo, más allá del brillo de un nuevo look para él y la banda, el dolor de Bennington seguía intacto al igual que el demoledor sonido del grupo californiano. Su suicidio no deja de ser otro punto oscuro más en la historia reciente de la música, sin embargo mas allá del iceberg de la fama, el placer y el dinero se esconde la fragilidad de todas la leyendas. Una pintura tan acida como demoledora que nos arrebató a otro de los grandes. “Escribo sobre lo que no tengo control, sobre lo que me controla como las drogas y el alcohol. Ese es el sentimiento que me permite escribirlo y cantarlo sin filtro, sacarlo de mi sistema” dijo Chester en una entrevista hace diez años al describir la fuerza de Crawiling, uno de los éxitos más bravos del Hybrid Theory, el álbum con el cual romperían las puerta del cielo de la música en el 2000. ¿Suicidio Tributo? Después de todo el 20 de julio no era un día cualquiera ni para Chester ni para muchos discípulos de la historia negra de la música. Este habría sido el cumpleaños número 53 de otro cerebrito y gran amigo de la victima, el cantante de Soundgarden, Chris Cornell, quien hace dos meses también se quitó la vida. Chester era un gran amigo Cornell, no solo en los escenarios, estudios de grabación sino también en el post silencio de fiesta. En su velorio su voz había dejado tullido a los invitados cuando cantó Hallelujah junto al guitarrista de Linkin Park. Los dos cantaron ante una multitud de amigos y estrellas de Hollywood sin saber que dos mes más tarde sería el propio Chester, el que también decidiera arrancarse la vida de la misma forma en que lo hizo Cornell. Con una soga atornillada a su cuello. “Estoy destrozado, lleno de tristeza. No puedo imaginar el mundo si ti, sin tu talento. Tu me haz inspirado en tantas cosas que nunca llegarás a saber. Rezo para que puedas encontrar la paz en el más allá” escribió Chester en Twitter al conocer sobre la trágica muerte de su amigo. Los dos sufrían de depresión y ansiedad, para Chester síntomas de los abusos sexuales de los que fue víctima cuando tenía tan solo 8 años. Hechos que lo marcaron para siempre y que lo hicieron refugiarse en la soledad, la misma que hoy le quitó la vida. "Destruyó mi confianza en mí mismo. Como la mayoría de la gente, yo estaba demasiado asustado para decir cualquier cosa. No quería que la gente pensara que yo era gay o que estaba mintiendo. Fue una experiencia horrible”, confesó el músico que nació en Phoenix, Arizona al hablar sobre el abuso en una entrevista con Kerrang Magazine en 2008. ¿Por qué una soga al cuello como Cornell, por qué en el día de su cumpleaños, qué habrá querido decir con esas palabras en su funeral? De esta forma comienzan a alienarse estas dos historias de genialidad, tortura, talento y sobre todo buena música. La radiografía de dos gigantes que lo entregaron todo hasta el punto que no pudieron más con en el peso sobre ellos mismos. Larga vida para otro gigante que nos deja, cuya voz y tono hizo leyenda acuñando el Nu metal en los cuadernos de la historia. Habrá que esperar lo que se viene para la banda. Muchos seguidores ya les suplican en las redes que realicen el tour como el más grande homenaje a la voz y vida del front-man de Linkin Park, el gran Chester Bennington.
El pasado 16 de mayo, Chris Cornell le dijo adiós al mundo y desde ese día los homenajes no se han hecho esperar, no solo sus fanáticos sino los artistas cercanos han dejado sus mensajes. Sin embargo, uno de los mensajes más sentidos no podría ser de parte de otra persona que de su esposa y compañera de vida. Vicky Cornell, esposa de Chris, reveló a través de Billboard una carta: A mi dulce Christopher, Fuiste el mejor padre, esposo y yerno. Tu paciencia, empatía y amor siempre siempre lo demostraron. Siempre dijiste que te salvé, que no estarías vivo de no ser por mi. Mi corazón se iluminaba por verte feliz, vivo y motivado. Emocionado por la vida. Hacías todo lo que podías por dar. Tuvimos la mejor época de nuestras vidas en la última década y siento mucho, mi dulce amor, que no vi lo que te pasaba aquella noche. Lamento que estuvieras sólo, y sé que ese no eras tú, mi querido Christopher. Tus hijos también lo saben, así que puedes descansar en paz. Estoy destrozada, pero saldré adelante por ti y cuidaré a nuestros hermosos bebes. Pensaré en ti cada momento de cada día y lucharé por ti. Tenías razón cuando dijiste que somos almas gemelas. Se ha dicho que los caminos que se han cruzado volverán a hacerlo otra vez, y sé que tú vendrás a encontrarme, y estaré esperándote aquí. Te amo más de lo que alguien ha amado en la historia del amor y más de lo que alguien más podrá. Por siempre y para siempre. Tu Vicky.
La muerte no espera ni esperará. A todos nos ha de llegar de un modo u otro; es una cita a la cual nadie va a fallar. Y esta vez, quien se fue de este mundo fue Chris Cornell. En la ciudad de Detroit, hace tan solo 24 horas ofrecía un concierto y se despedía con una canción llamada: In My Time Of Dying de Led Zeppelin. Una reflexión sobre la muerte y la tristeza. Por: José “Pepe” Plata // @owai Hay quienes hablan de la muerte del grunge, de la desaparición de una generación y hasta de un agotamiento en la música; pero no se puede dejar aparte la voz de Chris Cornell en los últimos treinta años cuando se le recuerda en agrupaciones como Soundgarden y Audioslave. Pero este nativo de Seattle, la misma ciudad que estuvo en el eje creativo de los noventa cuando este sonido estuvo en boga a través de lo que se conoció como grunge: aquella música que unía rock, punk y metal. Cornell dejó sin duda alguna una serie de canciones e improntas y homenajes que vale la pena recordar. Vea también: Chris Cornell se ahorcó, así lo confirma la oficina del forense Sus inicios se remontan a los años 80, en donde a través de la búsqueda de un sonido melódico, pero con una fuerza propia, comienza con el proyecto Soundgarden. Fueron años de lucha contra la moda musical que mostraba pop hermoso, bello y bien producido en la radio y en video, para mostrar una perspectiva real y sin maquillaje de la música. Las primeras grabaciones datan de 1987 a través de sencillos que terminaron por llamar la atención de los gigantes de la industria discográfica. Así se registraba su presencia en aquella época, justo en 1989 cuando iban a firmar con un sello grande. Luego de esas grabaciones independientes, con la salida de Badmotorfinger en 1991, la banda empieza a ser considerada uno de los pilares de aquel sonido de Seattle que era el grunge que, en los noventa, “combatió” el hard rock, el maquillaje y toda la parafernalia del rock hecho como negocio. Justo a través de esta canción que fue controvertida y en ocasiones censurada, la voz de Cornell alcanzaba otras audiencias: Jesus Christ Pose (1992). Vea también: “Eterno Cornell”. El adiós de Juan Galeano a un cantante inmortal Con la salida de Superunknown la fama se haría global. Con millones de copias vendidas y con una canción de la cual no se pudo desprender: Black Hole Sun. Tantas veces escuchada y versionada, nos hacen recordar a otra de aquella época que vale la pena recordar: Spoonman (1994). Tras la disolución de Soundgarden en 1997, Cornell tendría que tomar un descanso puesto que sus cuerdas vocales estaban agotadas y la recomendación médica fue certera. Este alejamiento hizo que se enfocara en un disco solista que lanzó en 1999 llamado Euphoria Morning. Esa etapa un tanto mística, reflexionó sobre su lugar en el mundo, su misión musical y también sobre un nuevo porvenir en el año 2000: nos dejó esta canción sobre el fin del mundo: Preaching the end of the world. La gran estocada del 2002 vendría con aquel gran grupo llamado Audioslave con el que grabaría tres discos entre los años 2002 y 2006. Acá, su unión con los integrantes de Rage Against the Machine fue un desprendimiento de etiquetas y denominaciones de los noventa, el regreso al rock y a lo que él significaba como herramienta musical y política. Fue esta una de las agrupaciones más recordadas de aquella década y una de las que si bien no duró más de cinco años, cobró un nuevo lugar en la escena. Una reinvención para Cornell y para sus compañeros de fórmula. De esa primera etapa, este sencillo en cual hacía un homenaje a un cacique norteamericano llamado Cochise fue el despegue de una nueva realidad sonora: ¿No nos conmueve aún algo como esto, Be yourself, presentada hace doce años? Otra de las grandes canciones de Audioslave, con la cual se reinventó y presentó ante las nuevas generaciones. De Audioslave se recuerda además una presentación en la ciudad de La Habana, Cuba, en el 2005. Fue además una afirmación política; la presentación de una banda norteamericana en la isla, superando décadas de aislamiento y separación cultural entre los dos países. Audioslave dejó una marca imborrable en la isla, siendo esta una presentación que además se comercializó en un DVD llamado Live in Cuba. Dos años después, Cornell emprendería su carrera como solista con la cual presentaría cuatro discos más: Carry On (2007), Scream (2009), Songbook (2011) y Higher Truth (2015). Una etapa en la que tuvo espacio para seguir con el rock, dejarse producir por otros personajes y buscar nuevos públicos. Su versatilidad le dio además para tener canciones incluidas en bandas sonoras desde los años noventa y justo hasta el agente James Bond tuvo a Cornell como voz del tema de su película: Casino Royale de 2010 Y hasta en el 2009, cuando trabajó con Timbaland, tuvo cómo explorar los sonidos electrónicos como en esta canción: Part of me. En Songbook, de 2011, repasó canciones de su viejo repertorio, pero también cantó canciones de otros. Aquí está su versión de Imagine, de John Lennon, presentada seis años atrás. Su último disco fue Higher Truth del cual se rescatan canciones en onda blues como: Nearly Forgot My Broken Heart. En diciembre de 2016 Cornell estuvo tocando en la capital colombiana, acercando a todo un público que esperó con sigilo la presencia de alguien que se esperó por décadas. Una presentación que se llevó a cabo en Corferias, durante la primera edición del festival Almax. En aquel 4 de diciembre de 2016, Cornell tocó nueva canciones en formato acústico. Entre ellas tenía canciones de Audioslave, Soundgarden, Temple of the Dog y su obra solista. Hoy Cornell se fue de la vida pero dejó lo mejor supo hacer. Su versatilidad vocal, su capacidad lírica sobrepasaron tendencias y modas desde los ochenta. Con su partida, la música queda huérfana nuevamente. Seattle, aquel hervidero musical y creativo de los ochenta y noventa, sigue enterrando a sus héroes. Paz en su tumba.
Mientras veíamos atónitos en MTV la noticia de la muerte de Cobain el día de mi cumpleaños en 1994, moría junto con él un movimiento y una generación. Al menos eso era lo que decía la prensa. No para mí. Por: Juan Galeano // @juangaleano Ya me había enganchado con el Dirt de Alice in Chains, el disco homónimo de Temple of the Dog y el Badmotorfinger de Soundgarden. Soundgarden siempre fue diferente para mí: sin la oscuridad inherente de las canciones de Staley y Cantrell y sin la luz incandescente de la estrella de Cobain, Cornell y compañía hicieron canciones atormentadas y hermosas como mi favorita, Fell On Black Days. Esta canción iba más allá de un movimiento o un sonido. Era una canción sin tiempo ni espacio, como una gran canción debe ser. La voz rasposa y llevada al límite de Cornell se metió hasta nuestra médula y ahí se quedó. Después de la disolución de Soundgarden en 1997 y de no saber de Cornell por un par de años, apareció en la escena Audioslave, que en su momento no entendí, tal vez porque personalmente estaba explorando otras músicas. Sería sólo hasta varios años después que entendí el poder del songwriting de Cornell en canciones como I am the Highway y Show Me How to Live. El año pasado cuando nos invitaron a tocar el festival Almax y me enteré que venía Cornell, me emocioné. Finalmente iba a tener la oportunidad de ver a uno de estos manes con los que literalmente crecí. Ya no podía ver a Staley, ni a Weiland, ni a Cobain, y como un pelotudo, me había perdido el show de Pearl Jam en Bogotá. Muy calladito y solo me fui a ver el show. Salió Chris sólo con su guitarra y durante 40 cortísimos minutos mantuvo a un par de miles de personas en un silencio absoluto. Su voz, impecable como me la imaginé, se metió hasta los huesos. En su expresión más minimalista, las canciones toman otro contexto y vuelven para revolver emociones y recuerdos. Burden in My Hand, Hunger Strike, Like a Stone, Can´t Change Me y, obvio, Fell On Black Days son un manifesto de que las canciones nunca morirán. Gracias al universo quedan las canciones, lo único eterno, como Cornell.
Ale Sergi es el vocalista de Miranda una de las agrupaciones más esperadas del Festival Cordillera 2024, y una propuesta clave en el electropop latinoamericano. En 2022, el integrante de la banda argentina dio una entrevista que se hizo viral, sobre la piratería en la música. "A mí nunca me tocó ganar plata con la venta de CDs", dijo Sergi, en entrevista con Terapia picante. "De hecho nosotros atravesamos, yo creo el peor momento de la industria discográfica. Cuando nosotros tuvimos el disco de más éxito que fue el de "Don" y "Yo te diré", me la pasaba firmando discos piratas", comentó.En eso Sergi tenía razón. Según Forrester Research citado por CNN, los ingresos totales por ventas y licencias de música en Estados Unidos cayeron a 6.300 millones de dólares en 2009. En 1999, esa cifra de ingresos era de 14.600 millones de dólares.Sergi desarrolló: "La gente no tiene la culpa. A mí me molestaba cuando la compañía nos venía a decir que hagamos un video para decirle a la gente que compre original. Me parece que la gente lo que quiere es escuchar la música. Y la va a escuchar, y la va a conseguir como sea", puntualizó.Al tiempo que manifestó: "Y yo no me puedo ofender porque un pibe fue a la casa de un amigo y se copió el CD, o porque fue al mantero y se lo compró a un cuarto de precio de lo que lo venden en las disquerías. Él lo que quiere, no es hacerme daño a mí. Quiere escuchar mi música ¿Cómo me voy a enojar yo con esa persona?", cuestionó.El músico agregó: "El problema lo tiene que solucionar el que se encarga de venderlo. Se enfocó mal el tema de la piratería. Muy mal, se enfocó en que el usuario era el culpable. Yo me acuerdo que los VHS que vos alquilabas que venían con un anuncio de `piratería es screamer y venía la policía y vos estaban mirando una película y te metían preso`. Era una locura ¿qué les pasaba?", comentó sobre las campañas antipiratería de finales de los 90 y comienzos de los 2000 en las que se criminalizaba al usuario.
Celine Dion hizo su gran regreso a los escenarios durante la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de 2024 en París, interpretando una versión de L’Hymne à l’amour, original de Edith Piaf, quizá la cantante frances amás importante de toda la historia.La actuación, que tuvo lugar después del encendido de la antorcha olímpica, marcó un gran hito para Dion, que había prometido volver a los escenarios en medio de su continua batalla contra el síndrome de la persona rígida. El ícono del pop lanzó recientemente un documental sobre el tema, titulado I Am: Celine Dion.¿De qué trata L’Hymne à l’amour?Esta canción fue escrita para el amante y el amor de la vida, el boxeador francés Marcel Cerdan. El 28 de octubre de 1949, Cerdan murió en el accidente del vuelo 009 de Air France cuando viajaba de París a Nueva York para verla. Piaf grabó la canción el 2 de mayo de 1950. La letra describe la profundidad del amor y la devoción que la cantante siente por su pareja, incluso ante un posible desastre o pérdida. Ella dice que incluso si el cielo se cae o la tierra se derrumba, no importa mientras ella sea amada.¿Qué enfermedad tiene Celine Dion? El síndrome de persona rígida es una enfermedad neurológica muy rara que, según datos del Instituto Nacional de Trastornos Neurológicos y Accidentes Cerebrovasculares de EE.UU.citado por CNN, afecta a más mujeres que a hombres.Entre los síntomas se encuentran rigidez muscular, hipersensibilidad a ruidos, estrés emocional, posibles espasmos. Hasta el momento, la causa de la enfermedad no ha sido descubierta. Si bien los síntomas pueden tratarse, no tiene cura."Las posturas anormales, a menudo encorvadas y rígidas, son características del trastorno. Las personas con este síndrome pueden estar demasiado discapacitadas para caminar o moverse, o tienen miedo de salir de casa porque los ruidos de la calle, como el sonido de una bocina, pueden desencadenar espasmos y caídas", dice el Instituto, citado por NPR.Celine Dion es la cantante canadiense más exitosa de la historia. Durante los noventa vendió más de 100 millones de discos en un periodo de diez años.
Canciones para decir no más. Himnos para liberarse y quererse a sí mismo. Colaboraciones inesperadas. Fuerza Regida, Amantina, Kei Linch, Israel B, Irepelusa, ARIA VEGA y más en la playlist Recarga LatinX de la semana del 26 de julio de 2024. Estas son las canciones favoritas del equipo de Shock ordenadas aleatoriamente.1. MAMBRÚ! – AmantinaEl colombo ecuatoriano Amantina cogió el dolor y la pena y los hizo fiesta como un hechicero.2. Ké Mal - Elsa y ElmarEl dolor estaba ahí y no lo vimos. Pero esta canción conmovedora es para sacudirse, liberarse y no darse palo.3. Estoy mejor sin ti – Israel B, Kei Linch, LOWLIGHTMándenle esta colaboración colombo-española a el/la ex al que no le quieren volver a ver la jeta. Rap de combate para dedicarse a sí mismo.4. Hablas – Jesse BaezUn R&B dramático del guatemalteco Jesse Báez para los tergiversadores y chantajistas emocionales. Ahora hay un término para eso. Es la canción del gaslighting.5. Un porrito – ARIA VEGA, IrepelusaNunca había sonado tan tierna e inspiradora una combinación de estimulantes: hongos, café y porrito.6. Mosaico Pirata – Duplat, Juan Pablo VegaSentirse viejo. Contar bolardos. Viajar a tierra caliente y poner música. Costumbrimo colombiano hecho pop. Esto podría ser la banda sonora de un roadtrip como El Paseo.7. Me provoca - El clooy, COQEDesde Medellín, Perreo estricto para descontrolarse.8. Luna - Lee EyeCanción para acalorarse en una noche fría. Lee Eye reflexiona, hipnotiza y agradece “aunque a veces se le olvida” que está.9. Jardín del paraíso- Monsieur Periné, BejucoUna canción que suena a Latinoamérica libre, un canto contemplativo de la naturaleza y un clamor de paz. El jardín del paraíso suena a la marimba de Bejuco.10. Matiné - La banda del bisonteDistorsión, planetas en el cielo e imaginación en una celebración con guitarras del mejor plan del mundo, el matiné en las cobijas.11. Modo animal - Mesita, CazzuDel EP del uruguayo Mesita, Tsunami, una colaboración salvaje y pegajosa con la mamá de la movida del trap en el sur.12. ALV – Ximena SariñanaSe puede decir ya no más, pero el lenguaje universal, después del reconocimiento, nos lo traduce Ximena Sariñana: ALV.13. Nada para siempre - Peces RarosSencillo del nuevo álbum de la banda argentina Peces Raros, titulado Artificial. Un viaje ochentero por las máquinas y una reflexión sobre la intrascendencia.14. 2K – Saygi, Oblivion´s Mighty TrashSaygi, el paisa detrás de los beats de Oblivion´s Mighty Trash, montó su propio paisaje en un álbum propio. Acá colabora con su secuaz de siempre en una canción en dos actos.15. SOFIA – Fuerza Regida, Major Lazer, AlokFuerza Regida estrenó álbum, PERO NO TE ENAMORES. Una de las cabezas del corrido mexicano colabora con uno de los nombres más importantes del EDM de la década pasada, Major Lazer.Estas son las canciones de la Recarga LatinX del 19 de julio. ¡La música nos une!
En 1992, se estrenó el capítulo de Los Simpson La primera palabra de Maggie (temporada 4 capítulo 10). Mientras intentan que Maggie hable, Marge cuenta la historia sobre cómo llego la familia a la casa cuando Bart era pequeño y Marge estaba embarazada de Lisa, en el marco de los Olímpicos de 1984, que ocurrieron en Los Ángeles. Como subtrama de ese capítulo, vemos a Krusty ofreciendo una promoción de Hamburguesas Krusty: recibe una tarjeta raspa y gana con tu pedido y, si Estados Unidos gana una medalla en el evento de tu tarjeta, ganas una hamburguesa. Luego Krusty se sorprende cuando los países comunistas boicotean los Juegos Olímpicos, lo que le da a Estados Unidos victorias fáciles y lo obliga a ofrecer mucha comida gratis. La promoción real de hamburguesa en la que se inspiró Los SimpsonLo que sucedió en el capítulo, sucedió también en la vida real, en Mc Donald's. La promoción funcionó la forma muy similar a como se describe en el capítulo: al comprar una hamburguesa en Mc Donald's, el cliente recibía una tarjeta para raspar con un evento olímpico. Si el equipo estadounidense ganaba el oro en ese evento, el cliente recibía una Big Mac. Si el equipo ganaba la plata, el cliente recibía papas fritas. El bronce significaba una gaseosa gratis. El lema era "Estados Unidos gana, tú ganas".Hubo un factor que la marca no tuvo en cuenta: la Unión Soviética no se uniría a los Juegos. Estados Unidos había boicoteado los Juegos Olímpicos de 1980, celebrados en Moscú, debido a la invasión soviética en Afganistán. A su vez, los soviéticos (así como Alemania del Este y varias otras naciones comunistas) rechazaron la invitación para ir a Los Ángeles en los de 1984 La ausencia de los comunistas también significó la ausencia de los gimnastas soviéticos, los nadadores de Alemania del Este y los fenómenos del tenis de mesa de Corea del Norte. Esto significó que Estados Unidos continuaría arrastrando a la oposición por el barro. Si bien los estadounidenses habían obtenido 94 medallas en los Juegos Olímpicos de 1976 (34 de ellas de oro), terminarían sumando 174 medallas en 1984, con 83 de ellas en primer lugar.Mucha gente recibió comida gratis. Un artículo del New York Times de 1984 señaló que "algunos de los 6.600 locales de McDonald's en Estados Unidos se habían quedado sin Big Macs". Los representantes de McDonald's se negaron a dar una estimación de cuánto desembolsarían por la promoción (probablemente para evitar la vergüenza de la prensa), pero el Times había asumido que la suma era "alucinante".LAist publicó el testimonio de un hombre al quien la promoción le ayudó a mantener a su familia por semanas. Sin duda una estrategia de marketing costosa, pero dejó huella.
Roger Waters, miembro fundador de la icónica banda de rock Pink Floyd, manifestó su apoyo a Nicolás Maduro antes de las elecciones presidenciales en Venezuela del 28 de julio.Waters publicó un video en sus cuentas oficiales de redes sociales instando a los venezolanos a votar por Maduro. En el video, enfatizó que Venezuela pertenece a su gente, no a las corporaciones extranjeras, y elogió la Revolución Bolivariana en curso a pesar de sus desafíos.En su publicación, Waters criticó a Juan Guaidó, recordando la agitación de años pasados, y expresó sus esperanzas de una victoria de Maduro. La elección ha atraído una atención regional significativa, con las calles de Caracas repletas de partidarios de ambos bandos, según reporta Ámbito. Maduro busca un tercer mandato consecutivo, mientras que González tiene el respaldo de la líder de la oposición María Corina Machado.El músico es conocido ampliamente por su activismo político. En 2022, pidió a los colombianos apoyar a Gustavo Petro en las elecciones, y en 2023, durante su visita a Bogotá instó al mandatario a lazar su voz contra el genocido al pueblo palestino¿Cuándo son las elecciones en Venezuela?Las elecciones presidenciales en Venezuela serán el domingo 28 de julio de 2024, con el fin de elegir al presidente para un mandato constitucional de seis años. Los venezolanos votarán este domingo 28 de julio por el presidente de la República para el período 2025-2031, en un proceso que, según Voice of America, llevará a una “consolidación autoritaria” o a un proceso de “transición democrática” en el país.En estos comicios son 10 candidatos, pero de ellos son dos los candidatos principales: el aspirante a la reelección, Nicolás Maduro y el candidato opositor, Edmundo González Urrutia. Los otros candidatos son: Enrique Márquez, Antonio Ecarri, Daniel Ceballos, Luis Eduardo Martínez, Javier Bertucci, Benjamin Rausseo, Claudio Fermín y José Brito.La toma de posesión del mandatario electo ocurrirá el 10 de enero de 2025, como establece la Constitución venezolana.