La sexta versión del festival Jazztropicante tendrá 5 eventos con 6 agrupaciones y 2 Dj sets, en Bogotá, con algunas fechas más por confirmar en otras ciudades. El festival se realizará del 18 al 25 de marzo de 2023.La creación inédita que reúne a Edredón Sensible, un cuarteto de la ciudad de Toulouse (Suroeste de Francia) y Orito Cantora & Jenn Tambó, un dúo de Barranquilla, a las agrupaciones francesas Zoufris Maracas y The Bongo Hop Dj Set y las colombianas Sonora Mazuren, Rizomagic, DJ Dirty Salsa y Dorado Kandua.Esta fusión musical intercultural es posible a los aliados: el Instituto Francés, la Embajada de Francia, el Centro Cultural Uniandes, la Alianza Francesa de Bogotá, Latino Power y Matik Matik, y por supuesto, l’ADAMI y la SPEDIDAM de Francia, que apoyan a los intérpretes franceses.PROGRAMACIÓN OFICIAL FESTIVAL JASSTROPICANTE 2023ZOUFRIS MARACAS: En 15 años de existencia, y 6 discos, se han impuesto como los provocadores de la nueva canción francesa, mestiza, exótica, militante, rebelde y exigente.SONORA MAZUREN: Ese potente septeto colombiano está combinando los sabores de la música latina popular con los sonidos tropicales nutridos de ritmos latinoamericanos, africanos, y repertorio caribeño.THE BONGO HOP DJ SET: Creado por el trompetista/trotamundos francés Etienne Sevet, es una mezcla muy bailable de muchos sonidos e influencias diferentes, desde el afrobeat, creando una tormenta tropical con ritmos afro poderosos, sonidos eléctricos y voces celestiales que dejan aflorar las emociones.ORITO CANTORA Y JENN TAMBÓ: Dupla explosiva de percusiones y cantos de ritmos tradicionales del caribe colombiano, donde la ejecución de chalupas, cumbias, garabatos y mapalés se convierten en herramientas de empoderamiento femenino sin fronteras y sin límites.DORADO KANDUA: Colombeat, etnofuturismo y mestizaje musical. Cantando en lenguas nativas en lenguajes sonoros intercontinentales, logran transmitir la nostalgia y alegría que significa hacer parte de la humanidad. El beat africano, caribeño, colombiano e indígena en un sólo tejido sonoro de danza y éxtasis.EDREDÓN SENSIBLE: 2 bateristas/percusionistas creando sonidos inspirados en ritmos brasileños, marroquíes y otras delicias afrolatinas. 2 saxofonistas (Tenor y Barítono) ejecutando melodías extremas. Música tribal, festiva, emocionante, cruda e hipnótica y rítmica.RIZOMAGIC: Dúo de música electrónica con música del caribe afrocolombiano y el IDM (Inteligent Dance Music) con una fuerte influencia de sonidos étnicos del mundo como el canto de los indígenas Embera, la música del pueblo Bambara de Mali o la música de Gamelan de Bali.DJ DIRTY SALSA – Colombia: Juan Pablo Varela, alias Dirty Salsa, es un enamorado de las sonoridades latinas y oldschool, sus humores musicales oscilan entre salsa, latin soul, guaracha y guaguancó, en un giro de emociones cálidas que sólo las músicas sudamericanas y caribeñas saben procurar.El 25 de marzo tendrá lugar la presentación inédita de esta creación colectiva en Bogotá.EDREDON SENSIBLE (Fr) + ORITO CANTORA & JENN DEL TAMBÓ (Col). Un encuentro que resultará en un viaje místico en el Centro Cultural de Los Andes.La directora artística de Jazz Tropicante Sarah Marechal, añade que "este espacio de creación que hemos consolidado desde 2017, sigue siendo un lugar privilegiado donde los y las artistas de Francia e invitados de Colombia pueden explorar las maneras de combinar sus visiones artísticas y sus cualidades interpretativas, desde el jazz, los sonidos contemporáneos o las músicas tradicionales”.¡La música nos une!
Este año Medejazz cumple 25 años, y desde el 15 al 29 de junio, están abiertas las inscripciones para que grupos locales en los géneros de jazz, jazz latino, blues y ritmos afrolatinos se inscriban para ser parte de MedeJazz 2021. La convocatoria busca promover la cultura del jazz y resaltar el talento musical de los grupos locales.Medejazz es un evento organizado por Medearte. El Festival nació en 1997, por iniciativa de Óscar Mario Castañeda quien era actor del teatro Matacandelas y componía la música para las obras. Su primera edición se celebró en el Teatro Matacandelas y a lo largo de su historia ha pasado por diversos lugares de Medellín como el Pequeño Teatro, el Teatro Metropolitano, el Centro Comercial El Tesoro e incluso, ha llegado a otros municipios de Antioquia como Carolina del Príncipe. Grupos locales e internacionales como Puerto Candelaria, Willie Colón, Tito Nieves, Siguarajazz y Jazz Capital, entre muchos otros, han sido parte de su programación.La convocatoria es para grupos locales del Área Metropolitana en los géneros del jazz, jazz latino, blues y ritmos afro latinos.Criterios de selecciónGrupos, músicos solistas y orquestas que tengan como domicilio cualquiera de los municipios de Área Metropolitana del Valle de Aburrá.Experiencia mínima de dos años de conformación.Calidad interpretativa, puesta en escena, ensamble, grabaciones realizadas.No haber participado en las tres últimas versiones del MedeJazz, años 2018, 2019 y 2020.InscripcionesEl formulario de inscripción lo pueden diligenciar desde la página web corporacionmedearte.La inscripción es gratuita, los documentos solicitados se deben enviar en formato PDF al siguiente correo electrónico, convocatoriasfestivalmedejazz@gmail.com en el caso de enviar fotografías y videos que requieran mayor capacidad, se deben enviar estos archivos por WeTransfer Fecha de inscripciónEntre el martes 15 de junio y el viernes 29 de junio a las 6:00 p.m., hora de cierre de la convocatoria.Fecha de publicación de resultadosMiércoles 14 de julio de 2021.Las propuestas serán revisadas por tres jurados profesionales en música, los cuales tendrán en cuenta los criterios de selección arriba mencionados.
La historia del jazz es más importante para la música moderna de lo que muchos creen. El jazz es omnipotente, está en todas partes. En él convergen los orígenes de la música.Por Diana RomeroCon estos cuatro documentales, disponibles en Netflix, pueden armar una radiografía de la historia del jazz, específicamente, en uno de sus momentos de apogeo: los 60. Algunos de los artistas que definieron esa época cruzaron las fronteras del jazz y aportaron a la evolución de otros géneros, mientras abrieron paso a las luchas sociales desde la música.'What happened, miss Simone?'Duración: 1h 42mDirectora: Liz GarbusAño: 2015Liz Garbus nos muestra la vida de Nina Simone y su activismo por los derechos civiles en un documental visceral, en el que aparecen las de declaraciones de su hija sobre la etapa más difícil de la artista, sus luchas internas y la violencia que sufrió por parte de su mánager y esposo, Andy Stroud.Con imágenes de archivo inéditas y entrevistas remasterizadas retrata la vida de la icónica pianista y cantante, quien vivió en los años treinta en Tryon, Carolina del Norte, en donde comenzó a tocar el piano desde niña.Su activismo en contra del racismo logró penetrar su vida artística, que comenzó en los clubes nocturnos de Nueva York en donde dejó de llamarse Eunice Waymon, para ser reconocida como Nina Simone. Un nombre que surge de la composición entre ‘niña’, como la llamaban algunos de sus amigos latinos, y Simone, en referencia a Simone Signoret, la reconocida actriz francesa.En los 60 ya la vemos como artista monumental, grandiosa en el escenario y con un firme pensamiento político y social a favor de la igualdad racial. Después de un par de años sabáticos en África, decide volver a la escena en Francia, donde se destaca con el mismo ímpetu.I Called Him Lee MorganDuración: 1h 31mDirector: Kasper CollinAño: 2016El cineasta sueco cuenta la historia de Lee Morgan en Nueva York, a partir del relato de Helen Moore, su esposa y asesina. El talento del trompetista hizo parte del clásico disco Blue Train de John Coltrane y posteriormente formó parte de la reconocida agrupación Art Blakey and The Jazz Messengers.No obstante, como la gran mayoría de los artistas de su época se hizo adicto a la heroína, obstruyendo poco a poco su trayectoría hasta ser expulsado de la banda y vivir en las calles de Nueva York.Para entonces conocer a Helen, quien se encarga de su desintoxicación y rehabilitación logrando convertirlo en una de las más grandes figuras del jazz. Morgan alcanza su culmen con The Sidewinder, una grabación instrumental y de hard bop, en 1964.Lejos de encontrarnos con la exposición cronológica de la vida del artista, en la que se interceptan figuras destacas del jazz de la época, asistimos al giro que toma la vida del trompetista años más tarde, cuando es asesinado por su esposa, quien está a cargo de la narración del documental, emplazado con un montaje delicado de fotografías de la época y filmaciones de sus calles.QuincyDuración: 2h 4mDirectores: Rashida Jones, Alan HicksAño: 2018En un encuentro inesperado con artistas como Ray Charles, Dizzie Gillespie, Miles Davis, Michael Jackson y Frank Sinatra, vemos cómo la figura de Quincy Jones traspasó los límites de la composición musical y se convirtió en uno de los productores musicales más importantes del siglo XX.Su hija, Rashida Jones, en colaboración con Alan Hicks, retrata la obra y la vida de su padre, con imágenes de archivo y material inédito, desde su época como trompetista hasta el momento en que se convirtió en la figura trascendental de varios artistas en diferentes géneros musicales, que van desde el jazz, hasta el hip hop, el gospel, el funk, el soul y el pop.El documental nos muestra a la figura de un artista integral que permea todas las aristas de la creación artistica. Quincy produjo canciones que todos hemos escuchado, compuso bandas sónoras de películas que todos hemos visto y la múscia de series con las que crecimos.Miles Davis, Birth Of The CoolDuración: 1h 55mDirector: Stanley NelsonAño: 2019Quienes conocen a Miles Davis no se sorprenderán al ver el documental narrado con con su particular voz seca y rasposa, basada en las declaraciones de su autobiografía e imitada por el actor Carl Lumbly. Su genialidad artística está plasmada de una forma perfecta en la que se ve claramente la personalidad del trompetista, con sus problemas de drogas y violencia amorosa, y la potencia creativa que lo llevo a ser tan aclamado en la escena musical.Con material fotográfico y videos, Stanley Nelson logra un retrato genuino del trompetista, que comienza a sus 18 años con su participación en la orquesta de Billy Eckstine, donde también tocaron Charlie Parker y Dizzy Gillespie, y en la que queda evidenciado su carácter influyente y respetado en la escena del jazz y la indumentaria de la época.En Miles Davis nacen las vertientes de varios géneros que hasta el día de hoy no pasan desapercibidos. En el transcurso del documental vemos las distintias mutaciones del artísta por el jazz, el funk, el soul, el house, el pop y la música electrónica, acompañadas por testimonios de artistas como Quincy Jones, Carlos Santana, Herbie Hancock o Ron Carter. Su personalidad fue siempre flexible ante los nuevos sonidos, creó el jazz modal, hizo parte del bebop emergente, creó el cool jazz, pasó por el hard bop y fusionó el jazz con el rock hasta adentrarse en la psicodelía.
JazzTropicante es un festival que desde sus inicios ha explorado la creatividad musical de sus participantes y la diversidad de los sonidos colombianos y franceses. El año pasado el festival se iba a realizar en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo, pero la pandemia cambio todo y no se pudo llevar a cabo.La cuarta edición de JazzTropicante será de manera virtual, 24 artistas en escena, 8 laboratorios y 2 ciclos musicales pintarán de colores las pantallas de ambos países. Del 5 a 11 de abril, desde la 1:00 p.m. a través de la página de JazzTropicante y de las redes sociales, el público podrá disfrutar de una programación especial creada para esta edición.Aprovechando todos los recursos tecnológicos los músicos colombianos y franceses trabajaron de manera sincrónica, intercambiando ideas, sentires y herencias, para lograr temas realmente inéditos. Las piezas audiovisuales que complementan esta mezcla perfecta de los dos territorios, estuvieron bajo la dirección, creación artística y técnica de Árbol Naranja y Altiplano.Este años la programación presenta el ciclo de Comadres Musicales, conformado solamente por mujeres artistas de Bogotá y Francia, y Ecos Regionales conformado por intérpretes musicales de Francia y Colombia, incluyendo intérpretes de músicas populares de cuatro regiones del país, Barranquilla, Quibdó, Barrancabermeja y Villavicencio.En el cartel del festival también están: AnaLu Muñoz, Boris Pokora, Brina Quoya, César Pérez, Dani Boom, Duvan Uscategui, El Propio Kachaco, Gabriela Sossa, Gaël Horellou, Grégory Privat, Jenn del Tambó, Jhon Socha, Juan Manuel Toro, Kaes Jackson Martínez, Kamy Drums, La Ruka, Leonel Merchan, Maria Elena Anchico Solis, María Vanedi, Mariazú, Mathida Haynes, Morgan Carnet, Natasha Rogers y Stephane Montigny.La programación tendrá también una parte académica de conversatorios. El lanzamiento del festival el 5 de abril será junto a Shock y reunirá el poder femenino en Colectivos de Mujeres que cambian el panorama de la música. Territorio y cultura junto a la Revista Cartel Urbano. Conversaciones sobre puentes que se tejen entre folclor y música urbana; junto a Music Machine. Nuevos Modelos de distribución para la escena independiente, junto Boonet.co.
Este 11 de febrero se conoció la muerte del legendario pianista Chick Corea. El músico falleció a los 79 años de edad el pasado 9 de febrero a causa de un cáncer, según un comunicado emitido en su página oficial de Facebook. Chick Corea nació en Chelsea, Massachusetts, el 12 de junio de 1941."A lo largo de su vida y su carrera, Chick disfrutó de la libertad y de la diversión que se tenía en crear algo nuevo, y en jugar a los juegos que hacen los artistas. Fue un amado esposo, padre y abuelo, y un gran mentor y amigo para muchos. A través de su cuerpo de trabajo y las décadas que pasó recorriendo el mundo, tocó e inspiró la vida de millones de personas", sigue el comunicado publicado en la página oficial del músico en la red social.Corea formó parte del conjunto de Miles Davis y creó el grupo Return to Forever en 1971, considerado pionero en la fusión electrónica en el jazz. A lo largo de su carrera tocó con músicos como Herbie Hancock, Gary Burton, y Keith Jarret. Se le considera uno de los pianistas más influyentes de las últimas décadas. Sus composiciones Spain, 500 Miles High, La Fiesta, Armando's Rhumba y Windows son consideradas estándar del jazz. La familia compartió un mensaje que Corea tenía "para todos aquellos que conocía y amaba, y para todos aquellos que lo amaban", aun cuando "él sería el primero en decir que su música decía más que las palabras nunca podrían":"Quiero agradecer a todos aquellos a lo largo de mi viaje que han ayudado a mantener los incendios musicales brillando. Tengo la esperanza de que aquellos que tienen un tintero para jugar, escribir, actuar o de otra manera, lo hagan. Si no es por ti mismo, entonces por el resto de nosotros. No es solo que el mundo necesita más artistas, sino que también es solo mucha diversión. Y a mis increíbles amigos músicos que han sido como familia para mí desde que los conozco: ha sido una bendición y un honor aprender y tocar con todos vosotros. Mi misión siempre ha sido traer la alegría de crear donde pudiera, y haberlo hecho con todos los artistas que admiro tanto ha sido la riqueza de mi vida."
Miles Davis: El nacimiento de una estrella es dirigido por el escritor, productor y director de documentales Stanley Nelson, quien ha sido aclamado por largometrajes como The Black Panthers: Vanguard of the Revolution (2015) y Jonestown: la vida y la muerte de Peoples Temple (2006). El director llega con un nuevo documental que trae lo más trágico, honesto, emocionante y triunfante del trompetero, casi 30 años después de su muerte y narrado por el actor estadounidense Carl Lumbly (Doctor sueño, 2019). El ícono del jazz pasó su vida rompiendo barreras y viviendo la vida bajo sus propios términos. Inmortalizado por su música, por su rechazo a la tradición y su increíble visión, dejó su huella en la historia del jazz, de la música orquestal, del rock and roll y hasta del hip-hop. Conozca este ícono de la música Celebre el talento excepcional de esta leyenda. Funciones únicas el 13 y 14 de febrero y descubra al hombre detrás de la trompeta en 12 ciudades colombianas: Bogotá, Medellín, Cali, Barranquilla, Bucaramanga, Cartagena, Ibagué, Manizales, Armenia, Villavicencio, Pereira y Popayán.
En Aruba, una pequeña isla en el Caribe con poco más de 102.000 habitantes, conviven también montones de ritmos. Esa fue la gran conclusión de la edición 12 del Caribbean Sea Jazz Festival, los pasados 21 y 22 de septiembre, que reunió a decenas de bandas internacionales de diferentes géneros. Vimos jazz a cargo de Yellowjackets y Di Mongo, disco con Sister Sledge, salsa con la Orquesta Anacaona y rock con DI-RECT, entre otros. El Caribbean Sea Jazz Festival de Aruba ha tenido en su escenario a artistas emblemáticos como Earth Wind and Fire, George Benson y hasta el grupo Niche. Este año tuvo 3 escenarios y cuenta también con espacios de gastronomía y artistas locales. “Trato de hacer algo variado para todo el mundo e intento priorizar la calidad de la música”, nos dice Erik Eaman, director y fundador de este festival, uno de los más importantes de Aruba. La isla tiene eventos musicales muy destacados, como el Soul Beach Music Festival (mayo) que ha tenido en su escenario a artistas como Mary J Blige, Tony Braxton, Alicia Keys, Usher, The Roots, Robin Thicke, entre otros. También está el Aruba Summer Festival (junio) que ha traído a Nicky Jam, Ozuna, Fonseca, Nacho, Eddie Herrera. En noviembre también será el Island Takeover, con artistas como Bad Bunny y el arubiano Jeon, reconocido por su colaboración con J Balvin en Machika, una palabra en papiamento (idioma oficial de Aruba) que significa romper. ¿Qué escucha la gente en Aruba? “Música bailable. A mucha gente le gusta la salsa, merengue y claro, reggetón”, opina la cantante holandesa residente en la isla Virgina Rasmijn, quien se presentó en el Caribbean Sea Jazz Festival con un tributo a Sade. Sin embargo, para ella, los sonidos del jazz se complementan bien con los ritmos tropicales de la isla. Aquí algunos de los géneros y grandes leyendas que vimos en el Caribbean Sea Jazz. Salsa: Orquesta Acaona Anacaona (1474-1503) fue una cacica aborigen taína de la isla Bohío y quedó inmortalizada en la canción de Cheo Feliciano. Es un nombre más que apropiado para la orquesta femenina Anacaona, conformada desde 1932, siempre por mujeres. Durante su presentación en el primer día del Caribbean Sea Jazz Festival, llamadas como “las anacaonas”, mostraron todas sus décadas de experiencia y pusieron a bailar al público con sus nuevas versiones de clásicos de la salsa. La orquesta también rindió homenaje a Habana Vieja All Stars, otra banda invitada al festival que hace música fusión cubana. “Somos cubanos con mucho orgullo y nos quedamos en la isla porque nos gusta vivir en la isla y nos sentimos bien. En Cuba, la orquesta Anacaona es amada, querida, respetada, entonces ¿A dónde vamos a ir?”, nos dice Georgia Aguirre, una de sus líderes. “Mucha gente piensa que porque somos una orquesta femenina solo va a ver mujeres bonitas que muestren las piernas, pero lo que vas a encontrar es música de la buena”, agrega Georgia. Disco: Sister Sledge En 1979 conocimos un himno inolvidable del Disco: We Are Family, de Sister Sledge. Casi 40 años después de su lanzamiento, los asistentes al Caribbean Sea Jazz Festival pudimos apreciar a la tercera generación de esta banda emblemática. En momentos en los que el disco y el funk están haciendo su regreso, Sister Sledge demostró por qué es una de las más importantes de este género. Son ganadoras de varios Grammys y han vendido más de 15 millones de copias en el mundo. Vallenato: Jorge Celedón El guajiro hizo historia al convertirse en el primer artista de vallenato en el Caribbean Sea Jazz Festival. Es un evento con muchas manifestaciones musicales del Caribe, así que ¿Por qué no el vallenato? Celedón abrió con Parranda en el cafetal uno de sus mayores hits, y puso a bailar al público (no solo a los colombianos). Aunque tal vez muchos prefieran el vallenato más tradicional como referente, en lugar de los toques "pop" de Celedón, el guajiro demuestra que también es un referente obligado en este estilo. Rock: Di-rect Esta banda holandesa fue una de las grandes sorpresas de la noche. Su vocalista, Marcel Veenendaal, se robó el show con su carisma y movimientos muy histriónicos. Formada en 1999, y con más de 2000 presentaciones en su historia, el grupo estuvo a la altura del evento y demostró que sí tenían cabida en un evento con sonidos del Caribe. Just The Way I Do, Inside My Head y Times are Changing son algunos de los hits con los que podrá conocerlos un poco mejor. Jazz: Di Mongo Aunque el festival se abrió a todos los géneros, el jazz fue, naturalmente, uno de sus protagonistas. La banda Di Mongo con su propuesta que une jazz, funk y soul fue una de las más apreciadas y mostró una propuesta sólida y dinámica de este género con toques latinos. Agradecimientos: Autoridad de Turismo de Aruba.
El Jazz, ese ritmo que mezcla la mística del saxofón, el bajo, el piano, el trombón, el clarinete y la trompeta con una deliciosa voz que hace de sus sonidos una delicada y compleja combinación que demuestran sus raíces en el R&B y la música africana, tuvo su cita el fin de semana en el parque El Country. Un género que forma cultura, mantiene tradiciones y que brinda un sinónimo de paz interna, libertad y armonía cuando pasa por los oídos de los de que se atrevieron a escuchar toda la descarga musical de Jazz al Parque 2018. Con un homenaje a las mujeres, Bogotá sintió los sonidos del piano, la trompeta, el saxofón, la batería, la guitarra y, por supuesto, los instrumentos autóctonos (de agrupaciones como Cumbia & Jazz fusión) de las gaitas, la flauta de millo, los tambores raizales y las congas que pusieron a bailar a los asistentes. En familia, en parche, en pareja o solo, el público no se perdió la oportunidad de escuchar en vivo a 16 agrupaciones nacionales e internacionales que participaron en la edición número 23 de uno los festivales de Jazz gratuito más grandes de Latinoamérica. Durante este evento, nos pusimos en la tarea de realizar una gran encuesta sobre cuál es el género musical que escuchan las personas que asisten año tras año, en qué momento prefieren escuchar Jazz, cuál es el artista favorito, cuánto pagarían para ver a una banda nacional y con quién le gusta asistir a Jazz al parque. Este fue el resultado: ¿En qué momento prefiere escuchar Jazz? Cuando tiene una cena romántica 39% Cuando sale a tomar cerveza 31% Cuando está aburrido 13% Cuando va al trabajo 17% ¿Cuál es su artista/ agrupación favorita de Jazz? René Marie 22% Ella Fitzgerald 27% Ornette Coleman 9% Nina Simone 29% Thelonious Monk 13% ¿Qué generó musical escucha con más frecuencia? Rock 57% Reggaetón 16% Salsa 18% Vallenato 9% ¿Cuál es su banda nacional de Jazz preferida? Cumbia & Jazz fusión 55% La Pris Cuarteto 13% Los Magaretos 6% Zazous 19% Itapoa Cuarteto 7% ¿A cuántos festivales de Jazz ha asistido? Es la primera vez 50% Entre 1 a 5 40% Entre 5 a 10 10% ¿Cuánto pagaría por ver un grupo nacional de Jazz en concierto? $100.000 67% $200.000 22% $300.000 11% ¿Con quién le gusta asistir a Jazz al parque? Con su pareja 18% Con amigos 57% Con su amante 14% Solo 11% ¿Cuál es la artista femenina que más le gusta escuchar? René Marie 50% Dayme Arocena 12% Billie Holiday 22% Diana krall 16%
Por primera vez en Colombia, en vivo, y con los instrumentos originales que la leyenda del jazz estadounidense Charles Mingus hubiese querido haber tenido a la mano, se celebrarán los 42 años del proyecto que unió por primera vez a un jazzista de primera línea de los Estados Unidos con el sonido vernáculo de Colombia por excelencia: la cumbia. ‘Cumbia & Jazz Fusion’ fue un proyecto de 4 canciones que lanzó el contrabajista y compositor de jazz Charles Mingus en 1976. Mingus fue una figura clave en las luchas contra el racismo y un representante de la vanguardia en el jazz. Compartió orquesta con el gigante Duke Ellington y grabó también con otros nombres importantes como el pianista Don Pullen y el trompetista Jack Walrath. El domingo 23 de septiembre, en el Festival Jazz al Parque, revivirán estas piezas los músicos colombianos que colaboraron en su momento con uno de los más grandes compositores de jazz.
La carrera de Lina Posada no es nueva, todo lo contrario. Ella ha perpetuado su voz en tarimas pequeñas, medianas y gigantes como la de Jazz al Parque y desde hace años viene recorriendo, a pulso, el sendero de un artista independiente en Colombia. Por eso que lidere Hello Yak no es una sorpresa, hace tiempo esperábamos escuchar su voz en una banda y el milagrito se ha cumplido. Esta mezcla de jazz, country, surf y rockabilly es el desenlace de todas las influencias de Lina en una especie de “mini big band” que entre sus filas tiene a músicos virtuosos que le hacen honores a canciones llenas de poder rockanrollero como Plutarco Guío, Carlos Cañón, William Suárez, entre otros. El camino es el álbum debut de esta banda y queremos que ustedes escuchen tanto como nosotros está banda que es carne fresca, puro deleite. CARNE FRESCA
Adult Swim ha sabido convertirse en un gran repositorio de animación para adultos con propuestas arriesgadas y fuera de lo convencional. Un ejemplo es Ballmastrz 9009, que tuvo 2 temporadas en 2018 y hace algunas semanas entrenó un especial titulado Ballmastrz: Rubicon, que continúa donde terminó la segunda temporada, aunque funciona también como historia independiente. Ballmastrz parodia los animes de acción, deportes y superhéroes en un universo visual único. La serie está disponible en HBO Max. Hablamos con Christy Karacas, creador de la serie, sobre el más reciente especial y el presente y pasado de la animación. Definitivamente se nota influencia del anime... Es raro, siempre he amado el anime, y cuando empecé la serie dije “tal vez haga un show tipo anime, pero mi versión", y eso fue más o menos lo que sucedió. Con las primeras temporadas lo hicimos como si fuera un anime real. Me encanta el anime y lo he amado durante mucho tiempo, así que hacer este show fue muy divertido… Uno de los elementos de esta serie es que es una serie deportiva, algo que no estaba en Adult Swim en ese momento. Pero con el anime tienes todo tipo de deportes, desde los más normales com basketball o tenis, o cosas así pero también está patinaje, natación y hasta ping pong.El ping pong fue una gran inspiración porque pensé “si pueden hacer una animación de ping pong se puede hacer animación sobre algun deporte loco, futurista y raro que no tenga sentido".En ese momento salieron series como Kill la Kill o One Punch Man, o no sé si salieron en ese momento, pero fue ahí que las conocí y me emocionaron. ¿Cuál es el mayor reto al momento de hacer series para adultos?Otras de mis series tenían un humor adulto, pero creo que un gran reto aquí fue que no fuera choqueante en extremo, sino que tuviera… es difícil de describir, pero tal vez cierto tipo de humor y ciertos tropos en los personajes. Ace es como alguien de Pokémon, un niño inocente, y luego tienes a Flip que es un guerrero iracundo y agresivo. Estabamos pensando en tropos del anime, pero como un equipo y la forma en la que trabajaban juntos. También tomamos referentes de muchas pelícuas deportivas, donde hay algún personaje que en algún momento fue lo mejor y ahora es lo peor pero se redime. Creo que el anime pasa similar, hay muchas series en las que el personaje trata de creer en sí mismo y ser el héroe.Todos estos tropos y temas combinados, pero también con el toque estrafalario de Adult Swim. En este especial estuvo Natasha Lyonne. ¿Cómo fue trabajar con ella?Fue increíble, me sorprendió que quisiera participar. Me asustó, mentiras, es muy amable. Es como una superestrella, así que me siento muy afortunado de que haya participado en la serie. Es increíble. Lee los guiones y simplemente es perfecta. Tiene una energía y una personalidad que sale a relucir. Increible.Además del anime, ¿Hay otro referente importante en Ballmastrz 9009?Sin duda, soy un gran fan de la lucha, de películas distópicas de serie b de los 70, películas western deportivas,como Major League. En muchas de estas películas es el menos pensado que trata de ganar, es frecuente que apoyemos al "underdog". Algo de glam metal tal vez.¿Cómo lograron combinar todos esos referentes?No hubo propiamente una combinación, simplemente quisimos unir todo, también el musical. ¿Conoces Starlight Express? van en patines, bailan, estas cosas algo tontas. Es difícil animar a personas patinando y muchos de los animadores no querían hacerlo, así que hicimos trampa. Starlight Express fue una gran influencia.¿Cómo lograron lo musical en la serie?Soy un mal músico, creo que me faltan habilidades, pero Joe Wong (encargado de la música en la serie) lo hace muy bien... Yo estaba en una banda que se llama Cheeseburger e hicimos la canción de Superjail! (otra serie de Karacas), también tocábamos con otra banda que se llama Parts in labour y Joe Wong estaba en ella y él empezó a hacer la banda sonora de algunas series. Siempre quisimos una canción loca de anime para la banda sonora. Teníamos un amigo que estaba en una banda llamada Diamond Nights pero también ha estado con Justice, Kavinsky, cosas más electrónicas. Él vive en Suecia y lo llamamos y le dijimos "Morgan: ¿Poodrías cantar esta canción?" Resultó muy fácil,y fue muy divertido. Me gustaría que tuviera más musica, el próximo podría ser un musical.¿Cómo fueron tus comienzos en la industria?Los más dificíl fue el comienzo. Mi primer trabajo fue en Daria, yo era diseñador de fondos y tienes que aprender y construir tu camino. En ese momento me hubiera gustado hacer una serie, pero me dirían “no puedes hacer una serie, eres solo un animador". Entonces hacía cortos y así obtuve Superjail!, intentando aprender haciendo. Dicen que si quieres ser escritor solo debes escribir y por eso hacía cortos, iba a festivales tratando de aprender haciendo.Empecé a trabajar tal vez en 1997, tomó algo de tiempo, pero sigues trabajando supongo.Empezaste en Daria: ¿Cómo describes la animación actual y el cambio que ha tenido?Ha cambiado un montón. Es muy interesante porque antes no había tantos canales, ni streaming ni tantas series, era diferente, había muy poco para ver. Es bueno pero también siento que ahora hay tantas series buenas que siento que es raro, pero supongo que es bueno.
Cigarettes After Sex, la banda liderada por Greg González, se convirtió en el 2012 en una de las agrupaciones más importantes del dream pop noir luego del lanzamiento de su EP debut I.Las voces arrulladas, el eco de las guitarras empapadas de reverberaciones, el hit-hat suave de la batería, el bajo neblinoso y los sintetizadores ambientales de la banda suelen crear un sonido melancólico que nos da la sensación de ir a la deriva y de estar incompletos.Sin duda, ese sonido no sería posible sin la voz de Greg: una voz susurrada, andrógina y cuya melodía uniforme es simplemente fabulosa. En definitiva, hablamos de un ritmo sepulcral y nostálgico que, como el mismo González lo manifestó en una entrevista hace cinco años, está hecho para “hacer llorar a las personas y para combatir la ansiedad del sueño” (para permitirnos dormir placenteramente).Esta cualidad en la música de Cigarettes After Sex se hace más visible, por ejemplo, en canciones como Starry Eyes, originalmente una canción de Roky Erickson que González adaptó pensando en el dolor que le produjo la ruptura con su novia.“Starry eyes / How can I get to you, my true little / Starry eyes / What can I say or do for you, my little / Starry eyes / Starry eyes forever / Shall be mine” [Ojos de Estrella / Cómo puedo llegar a ti, mi pequeña / Ojos de Estrella / Qué puedo decir o hacer por ti, mi pequeña / Ojos de estrella / Ojos de estrella que para siempre serán míos].La canción evoca la devastación emocional debido a la perdida, la lenta y dolorosa retirada del objeto, ese lamento desesperado por querer la compañía de alguien.La forma de conjurar el dolor, nos recuerda González en su canción Cry, es a través de afectarnos (e infectarnos) con su pena:“It's making you cry every time / You give your love to me this way / Saying you'd wait for me to stay / I know it hurts you / But I need to tell you something / My heart just can't be faithful for long / I swear I'll only make you cry [Te hace llorar a cada momento / Me das tu amor de esta manera / Diciendo que esperarías a que me quedara / Se que te duele / Pero necesito decirte algo / Mi corazón no puede ser fiel por mucho tiempo / Te juro que sólo te haré llorar].Si Cigarettes After Sex sigue vigente hoy más que hace doce años es porque está captando el espíritu de soledad melancólica que caracteriza a nuestro tiempo.A pesar de todos los dispositivos que supuestamente conectan a las personas, la sensación de soledad es uno de los grandes problemas contemporáneos; hay un sentimiento extendido de incomunicabilidad que ha sido producido por la apatía y la propia intersubjetividad.Esos gritos de “libertad” y búsqueda de sí mismo (obsesión únicamente por mi “Yo”) de nuestros tiempos llevan a las personas a sentir que viven en un desierto infernal.Y lo que manifiesta Cigarettes After Sex en una canción como Cry es un pedido por la soledad: [Mi corazón no puede ser fiel por mucho tiempo / Te juro que sólo te haré llorar] (el nombre de la banda ya nos dice que luego de tener sexo no quieren saber nada de ti, solo quieren fumar).Lo paradójico y extravagante es que el deseo de estar solo (“déjame solo”, “solo te haré llorar”, “no puedo ser fiel por mucho tiempo”) se convierte en dolor.Es decir, deseo y dolor son la cara de una misma moneda, es el punto de llegada al desierto en el que el deseo luego resulta ser intolerable e invivible. Como dice el filósofo francés Gilles Lipovetsky: “cada uno exige estar solo, cada vez más solo y simultáneamente no se soporta a sí mismo, cara a cara. Aquí el desierto ya no tiene ni principio ni fin”.Y Cigarettes After Sex lo que ha sabido hacer es traducir esa paradoja, musicalizarla y convertirla en canciones.
En 2023 los Premios Latin Grammy tendrán varios cambios: el primero es que por primera vez la ceremonia no se realizará en Estados Unidos, sino en una ciudad de España. Los otros tienen que ver con nuevas categorías y cambios en los requisitos de ciertos apartados.Por medio de un comunicado dieron a conocer las novedades, presentadas por Manuel Abud, CEO de La Academia Latina de la Grabación. La explicación de cada apartado fue tomada de la página web oficial de la entidad.Mejor Compositor del AñoComo parte de la recién creada Área de Composición, esta nueva categoría reconoce la excelencia escrita, la profesión y el arte de componer canciones. Los compositores deben tener un mínimo de seis canciones recién escritas en las que reciben crédito como compositor o co-compositor y en la que no son intérpretes, productores o ingenieros.NUEVAS CATEGORÍAS DEL LATIN GRAMMY:Mejor Canción de CantautorPara ser elegible en esta nueva categoría en el Área de Cantautor, por lo menos el 51% de la letra del sencillo o el corte debe ser en español, portugués o cualquier dialecto autóctono regional, y deben pertenecer a un álbum actual de cantautor que compite en la categoría de Álbum de Cantautor ese año.Mejor Interpretación Urbana en Lengua PortuguesaEsta nueva categoría dentro del Área de Lengua Portuguesa reconoce la enorme cantidad de música urbana que se está creando en Brasil y Portugal. Los sencillos o cortes pueden incluir una fusión de estilos urbanos con otros géneros siempre que el carácter urbano predomine.MODIFICACIONES ADICIONALES A CATEGORÍAS:Álbum del AñoPor lo menos el 51% del tiempo total de los álbumes en el Área General debe ser material recién grabado. Se otorga al artista o al(a los) productor(es), ingeniero(s), mezclador(es), masterizador(es) y compositor(es) de 33% del tiempo total del álbum si no es el propio artista quien lo recibe.Categorías de CanciónAhora es obligatorio incluir la fecha de composición cuando se inscribe un producto en todas las categorías de Canción.Nuevos criterios para Mejor Ingeniería de Grabación para un ÁlbumSe otorga al(a los) ingeniero(s) de grabación e ingeniero(s) de mezcla acreditado(s) con al menos un 33% del álbum y masterizador(es) acreditados con al menos 51% del álbum dentro del Área de Producción.¡La música nos une!
Alicia Keys, una de las neoyorquinas más conocidas de la música moderna, ha confirmado las fechas oficiales de su gira mundial por América Latina. La buenísima noticia es que incluyó un concierto en el Movistar Arena de Bogotá, Colombia. Contenido recomendado | Karol G y Billie Eilish, cabezas de cartel en el festival Lollapalooza de Chicago, Estados UnidosLa cantante escribió en su cuenta de Instagram: "Familia Latinoamericana, esto finalmente está sucediendo. He estado soñando con esto y me han estado preguntando mucho así que teníamos que hacerlo realidad (...) no puedo esperar a verlos y perdernos en la música".Las fechas de la gira son: Inicia el 3 de mayo en Rio de Janeiro Brasil, luego se presentará en Sao Paulo el 5, más adelante estará en Buenos Aires, Argentina, el 7 de mayo, avanza en Santiago de Chile, parará en el Movistar Arena de Bogotá el 11 de ese mes y finalizará con tres fechas en México: 14 en Monterrey, 17 en la CDMX y el 19 en Guadalajara.El concierto en Colombia será el jueves 11 de mayo en el Movistar Arena de Bogotá y para él no se habilitó el tercer piso: la entrada más económica es de 299.000$ sin incluir el servicio, la más costosa 600.000$ sin incluir el costo del servicio.PRECIOS ALICIA KEYS EN COLOMBIAPlatea 102: 599.000$ sin servicio Tribuna Fan Sur $599.000 sin servicio Platea 101 y 103: $550.000 sin servicio Platea 104 y 106: 499.000$ sin servicio Piso 2: 206 a 214: 399.000$ sin servicio Piso 2: 202 a 205 y 215 a 218: 350.000$ sin servicio Piso 2: 201 a 219: 299.000$ sin servicioLas entradas para el "World Tour 2023" de la múltiple ganadora de Premios Grammy se venderán por medio de Tu Boleta a partir del viernes 24 de marzo. ¡La música en vivo nos une!
Lollapalooza Chicago es uno de los grandes festivales musicales de Estados Unidos que ya tiene presencia en gran parte del mundo, como por ejemplo en Brasil, Argentina y Chile. Karol G, quien ha sido parte de eventos como el Coachella en Indio, California, será una de las artistas cabeza de cartel para 2023.Contenido recomendado | 5 referencias en 'MAÑANA SERÁ BONITO', el último álbum de Karol GOdesza, Lana del Rey, The 1975, Tomorrow X Together, Billie Eilish y Kendrick Lamar serán los otros artistas principales del icónico evento musical que se realizará del 3 al 6 de agosto de este año en el Grant Park de Chicago, capital del estado Illionis.Entre los otros invitados hay bandas de todo el mundo, América Latina tendrá presencia con Usted Señálemelo, Junior Mesa y Jessie Reyez, por mencionar algunos.MAÑANA SERÁ BONITO, NUEVO ÁLBUM DE KAROL GEl cuarto álbum de la paisa cuenta con colaboraciones de Shakira, Angel Dior, Bad Gyal, Carla Morrison, Justin Quiles, Maldy, Quevedo, Romeo Santos, Sean Paul y Sech.Referencias en 'MAÑANA SERÁ BONITO'El primer guiño musical del álbum lo podemos escuchar justo al comienzo con el sample de 'Don't Worry be Happy' en 'MIENTRAS ME CURO EL CORA'. Junte que tiene mucho sentido pues en la canción la paisa habla de estar en paz con sentirse mal.En 'X SI VOLVEMOS', canción en colaboración con Romeo Santos, Karol G canta al final el conocido, y amado por muchos, “hoy es noche de sexo” con el mismo ritmo de la canción original de 2005 de Wisin y Yandel en feat con Aventura.En 'CAROLINA' la paisa hace un homenaje a uno de los clásicos del cantante español Miguel Bosé, en los primeros segundos de la canción: 'Morena Mía'En el track número quince, 'AMARGURA', Karol G samplea el primer verso de la canción de 1985 de Frankie Ruiz: ‘La Cura’. Lo curioso, además, es que en el cuarto verso de esta salsa, Frankie dice: Amargura, señores, que a veces me da; La cura resulta más mala que la enfermedad.¿Será otro guiño al “papá de la salsa rosa”?Finalmente, llegamos a la canción más comentada del álbum: 'TQG', en colaboración con nuestra otra reina, Shak. Antes de hablar del video, hablemos del “Shakira Shakira” de Karol antes de que la barranquillera empiece a cantar, una referencia clara y directa al temazo de 'Hips Don't Lie' del 2005.Pero bueno ¿y el video? si tienen Twitter seguramente han visto la gran cantidad de análisis que le han hecho por su referencias a la película de 1999 protagonizada por Jim Carrey, The Truman Show. Aunque las razones podrían nunca estar claras sí es evidente que tomaron escenas de la película como inspiración para el video.¡La música nos une!
