Marcos Efraín Masís, mejor conocido como Tainy, es considerado hoy como uno de los productores más exitosos y respetados del género urbano. Tan es así que, recientemente, fue premiado con múltiples galardones en la primera edición de los Spotify Awards, y también en Tu Música Urbano. La canción Callaíta, junto a Bad Bunny, ya se acerca a los 500 millones de reproducciones, y Adicto, una colaboración con Anuel AA y Ozuna, ya pasó por ahí hace un buen rato. Tenía solamente 16 años cuando dio las primeras señas de su talento como productor musical con su participación en un álbum recopilatorio junto al dúo dominicano Luny Tunes. Desde entonces, su carrera ha ido en ascenso. Su EP The Kids That Grew Up On Reggaetón: Neon Tapes, del que ya vieron la luz tres canciones: Mera, en colaboración Álvaro Díaz y Dalex; Lento, en la que participan la artista revelación Cazzu, Mozart la Para y Sean Paul; y Nada junto a Lauren Jauregui y el rapero español C. Tangana, ratifican el nivel de productor del que estamos hablando. La lista de colaboraciones de Tainy es bastante extensa. Desde Wisin y Yandel, Janet Jackson, Jennifer Lopez, Alejandro Sanz, y Shakira, hasta Arcángel y Ozuna, entre muchísimos otros. La buena noticia para los jóvenes talentos del género urbano, es que el productor puertorriqueño creó recientemente, junto a Lex Borrero, ex VP de Roc Nation Records, una incubadora para desarrollar artistas. Entre los primeros artistas en ser firmados por NEON16, se encuentra un colombiano: el actor y compositor barranquillero Dylan Fuentes. Hablamos con Tainy sobre su gran apuesta por los nuevos talentos, el lanzamiento de su más reciente EP, la historia del reggaetón, y de como Michael Jackson, Juan Luis Guerra y Limp Bizkit lo influenciaron. Por Mariangela Rubbini Q. // @bilirubbini Fotos Cortesía Paola España Press Shock: El género urbano pasa por un gran momento, hay demasiados artistas lanzando música todos los días, y muchos nuevos talentos dándose a conocer. Usted ha decidido crear una incubadora musical para apoyar y acompañar el crecimiento de estos artistas. Entre tantos que hay, ¿cómo escoge a quiénes firmar? Tainy: Antes de decidir entrar a trabajar al estudio con algún artista, en lo que realmente me fijo es en que tenga una visión clara de lo que quiere hacer y de lo que quiere lograr. Que vea que hay algo diferente en lo que está proponiendo, y que no busca únicamente replicar a otros. Que no está buscando copiar algo que ya existe o que se hizo antes. Para mí, es muy importante que esté convencido de que podemos hacer algo especial si nos juntamos. Creo que eso es lo primordial. Eso me llena mucho más que recrear algo que estoy seguro de que va a funcionar, o que va a sonar en la radio. La fórmula con la que vas a lo seguro, o que va a tener los resultados más rápidos. Queremos que en este proyecto todos seamos fanáticos de lo que estemos haciendo. Solo así va a cautivar a otros. Shock: ¿Cuántos artistas tiene pensado firmar? ¿O eso se irá dando en el camino? Tainy: No creo que exista un número límite, pero apenas estamos comenzando y quisimos firmar solo a dos artistas inicialmente. Creo que por ahora es suficiente, para así poder darles la importancia que se merecen, y tener el tiempo suficiente para ayudarlos a crear su sonido y darle forma a un estilo propio. No queremos sobrecargarnos de trabajo y hacer las cosas bien. Seguramente, poco a poco se irá incrementando el número de artistas, así como también el equipo de trabajo. Contaremos seguro, más adelante, con más productores, compositores y personas que podrán ayudarlos a consolidar sus propuestas musicales. Shock: Se decía que el reggaetón sería un fenómeno pasajero, pero no fue así. ¿Qué pensó Tainy cuando inició todo este boom? ¿A qué cree que se debe que se mantenga, incluso más fuerte y global que cuando inició en Puerto Rico? Tainy: Yo se lo atribuyo, sobre todo a la evolución que ha tenido el género en los últimos años. El reggaetón no estaba formado completamente cuando recién explotó, cuando salieron los primeros exponentes. Tuvo un auge muy grande en Puerto Rico, y luego salió, y se hizo fuerte en diferentes países, en los que comenzaron a sumarle otros elementos, y empezaron a darle un sonido diferente, le aportaron unas temáticas diferentes, un estilo diferente. Yo creo que eso es lo más importante que le puede pasar a cualquier género, y es que la gente pueda escuchar algo refrescante y nuevo. Eso fue lo que se le dio al género, y por lo mismo se ha mantenido vigente. Hay que ver cómo se tomó el mundo. A eso súmale que es un ritmo super pegajoso y muy contagioso. Shock: ¿Usted cree que, precisamente a eso le aportaron especialmente los artistas del género urbano en Colombia? Puerto Rico ya tenía un sonido, había construido un camino y le había dado un posicionamiento importante en todo el continente, pero llegaron los artistas colombianos con otra mirada diferente. Tainy: Ese primer gran cambio del género sí se le debe mucho a Colombia. Es algo innegable. Fue el primer país, después de Puerto Rico, donde se empezó a crear una identidad para el género. Eso es lo principal. En Colombia se lo apropiaron y le metieron sus influencias, su sonido, le dieron su toque, que era muy diferente a lo que se estaba haciendo en ese momento en la isla. Por decirlo de alguna manera, le dieron una nueva oportunidad. Y gracias a eso, y también al aporte de otros países que empezaron a llevar el género a otro nivel, es que hoy estamos viendo que el urbano es número 1 en el mundo. Bueno, y también la música latina en general. Es impresionante ver como en cualquier parte del mundo, la gente se conecta con una canción de reggaetón, así sea solamente con su melodía y el coro. El simple hecho de escuchar el ritmo y poder pasarla bien, hace que la gente lo disfrute. Eso, definitivamente ha ayudado a que el género haya llegado a niveles que jamás nos imaginamos. Creo que también, la cantidad de colaboraciones que se han hecho entre muchos artistas ha ayudado a que se riegue por el planeta entero. Shock: En estos momentos, usted es considerado una máquina de hacer éxitos. Casi que podríamos decir que está en el mejor momento de tu carrera. ¿Cómo seguir haciendo éxitos sin repetirse? ¿Cómo reinventarse todos los días y crear algo distinto para cada artista que le llega al estudio? Tainy: Es cierto lo que dices. No es un proceso tan fácil. No es como que tienes una receta para hacer canciones, una detrás de la otra, sino que debes tener esa mentalidad de saber reinventarte con cada canción que trabajas, con cada producción que aceptas hacer. Se trata de proponer algo diferente para cada proyecto que te llega. Se trata también, de no tener miedo de experimentar, así te digan que algo no va a funcionar. Se trata de tener la creatividad andando al 100% y de explorar siempre con cosas nuevas. Yo soy un convencido de que la gente conecta mucho más con eso, que si te limitas a darle solamente lo que está esperando y lo que está acostumbrada a oír, lo que sabemos que a la fija va a funcionar. Cada artista que llega es especial, cada uno me inspira de una forma diferente, y eso siempre me motiva a crear algo nuevo. La idea es que una canción no se parezca a la otra. Yo ya llevo un buen tiempo en esto, sabes, y he aprendido en el camino a cómo hacer las cosas, pero también a cómo no hacerlas. Lo más importante para mí, es no tener miedo de qué puede pasar. Shock: ¿Qué otras músicas, ritmos, sonidos y artistas distintos al género urbano, escucha? Tainy: Yo escucho todo tipo de música, y últimamente me ha dado mucho por escuchar esa música con la crecí en mi familia, esa que escuchaba mi padre. Juan Luis Guerra, por ejemplo, me acuerda mucho a mi niñez. Como que vas creciendo y aprendes a apreciar lo increíble y lo genios que eran muchos de esos artistas a la hora de crear música. Uno absorbe, sin darse cuenta, mucho de la música con la que crece, pero luego es que se da cuenta de eso. El rock clásico también me encanta. Me influenciaron mucho, artistas de mi adolescencia como Linkin Park, Limp Bizkit y System of a Down. También el rap, y ahora viendo el auge y la fuerza que están cogiendo el trap y la música latina. Me gusta escuchar mucho R&B y música alternativa. Rosalía me encanta, por ejemplo, porque lo que ella hace es algo que no había escuchado antes. Toda esa música, y esos artistas de los que te hablo, me han influenciado y me ayudan mucho a la hora de crear. Shock: Se habla mucho de que no todos los productores funcionan para todos los artistas. Como productor, ¿ha tomado distancia con artistas que han querido que usted los produzca, pero con los que no se sentiría cómodo trabajando? Tainy: Sabes que no me ha ocurrido algo así. Yo siempre trato de darme la oportunidad, así piense que no soy el más indicado. Y lo hago porque en la música nunca sabes. He tenido sesiones en las que pienso que no va a funcionar, y al final terminamos haciendo una canción super cool. Uno nunca sabe. Así como puede pasar también al revés, porque no fluye la química en el estudio. Yo siempre trato de darme la oportunidad con el artista que sea. No importa si es muy reconocido y está en el top de los listados, o si es un talento nuevo con el que simplemente me dan ganas de sentarme a trabajar. Solo después de una sesión vas a poder saber si funcionó o no. Shock: Hablemos del lanzamiento de su nuevo EP. Tainy: Todos crecimos escuchando reggaetón, pero cada uno ha creado su propio sonido. Gracias a eso, y si escuchas el proyecto, vas a poder darte cuenta de que ninguno se parece al otro. Es algo increíble ver como todos nos influenciamos de alguna manera del mismo género, pero cada uno tiene su esencia y su identidad. Su propio estilo, su propio color. El secreto de este EP está precisamente en la variedad que existe en esos 7 temas que trae. Somos todos talentos, algunos relativamente nuevos, y otros ya tienen su trayectoria. Lo que este EP muestra es que se trata también de crear un nuevo sonido para que el género se siga reinventando y podamos contribuir a que surjan nuevas super estrellas. Shock: ¿Por qué decidió firmar a Dylan Fuentes? ¿Qué vio en él? Tainy: De verdad que es impresionante su motivación por querer ser alguien grande en el género. Por lograr ser el mejor en lo que está haciendo con su sonido. Dylan definitivamente quiere encontrar su identidad y dar su todo. ¿Y sabes qué es lo que lo hace diferente? Que hay muchas personas que quieren ser artistas, pero no necesariamente están dispuestas a sacrificarse y a dedicarse 100% para crear algo realmente especial. Él sí que tiene ese deseo. Su voz es increíble, y tiene una cantidad de influencias que le dan un estilo muy particular. Poder entrar a ayudarlo a moldear eso, y a descifrar cuál va a ser su diferencial frente al resto de artistas, es algo que me emociona demasiado. Ayudarlo a encontrar ese estilo propio. Sé que la gente va a disfrutar mucho lo que yo estoy seguro que podemos lograr con el proyecto de Dylan Fuentes. Apenas estamos comenzando a hacer canciones. Estoy realmente muy emocionado con lo que está por venir. Shock: Ya para finalizar, ¿Hay algún artista que ya no esté en este plano terrenal al que le hubiera gustado producir? Tainy: Definitivamente Michael Jackson. ¡Wow! me hubiese encantado, por la influencia que ejerció sobre mí, y sobre la música en general. Para mí, hubiera sido increíble, el simple hecho de estar en el estudio con él y verlo crear sus canciones. Era un genio en lo que hacía, muy detallista en la creación de sus canciones.
Miguel Ángel Ospino Herrera nació para la música. Su infancia estuvo rodeada de notas y coros que escuchaba en su natal Santa Marta, sus padres pertenecían a la coral de la casa de la cultura y la sala de su casa era el lugar de encuentro donde ensayaban casi 30 personas. Esa presencia de cantos lo motivó desde el comienzo a interesarse por la música y le ayudaba a su papá a digitalizar las partituras. La tecnología también le llamaba la atención, por eso mezcló tan bien la computación y la música que a los 14 años fue el productor de un gran hit musical que todavía se escucha en las fiestas. Yera, como se conoce en la industria musical, actualmente es uno de los productores colombianos más buscados por muchos artistas, logró construir un nombre gracias a su entrega y pasión por la música, y ha conseguido en corto tiempo ser el rey Midas de la industria, todos sus proyectos son exitosos. Después de su lanzamiento con Morat y antes de sus próximos estrenos, nos sentamos a hablar con él acerca de sus comienzos, de cuál es el secreto de una buena producción y de lo que significa Trapical Minds en su camino. ¿Qué significa hacer un hit a los 14 años? Cuando tenía 12 años, encontré los programas de producción musical. No sabía que existían y vi la luz por primera vez cuando me topé con eso, me dije “no puedo creer que uno mismo pueda hacer su música”. En esos años, mi aprendizaje fue empírico, también participaba en muchas bandas cuando estaba en la escuela, en danzas, toqué muchos instrumentos, siempre estuve muy enfocado en la música era lo que yo quería, y básicamente empecé mi carrera como productor musical a los 12 años. Mi primera canción que fue un hit a nivel nacional y a nivel Latinoamérica fue Amigos especiales, de Blindaje 10, que también eran artistas samarios. Fue mi primer boom. ¿Cómo llega esta invitación a producir ‘Amigos especiales’? Ya llevaba un tiempo dando lora en Santa Marta con la producción, y los chicos de Blindaje 10, que ya tenían una carrera mucho más larga, me buscaron. Nos encontramos en mi casa y me mostraron esta canción, la produjimos en una habitación de la casa, no fue en un estudio, fue lo más rudimentario en esa época, no había equipos y básicamente así nació Amigos especiales. Hoy en día todavía suena y fue el primer logro, me di cuenta de que esto era lo mío, me tenía que ligar a la música como fuera. ¿En qué momento hace la transición de productor a cantante? Durante muchos años estuve produciendo para otros artistas, siempre me gustó cantar. Aunque me gustaba mucho más el tema de hacer música, hasta hace poco menos de dos años por el impulso de Trapical, de Lalo, Skynni Happy y muchos compañeros que sabían que yo cantaba me dieron el motor y ese empujón de: “bueno ya es hora de que saques tu música”, y ahí fue donde abrí las puertas y presenté Borracha, una canción que salió hace ya casi dos años. Fue muy importante para mi carrera artística, una canción que marcó mucho en Colombia y hoy en día gracias a eso Yera Music está entregado al canto y la producción, explorando todos los géneros musicales. ¿Qué es Redsnapper Music? Entre Lalo, L’Omy, Luis Jimenez y yo creamos una pequeña compañía, un colectivo que se llamaba Redsnapper Music, así empezamos y fue donde nacieron canciones como La Traba, Me gustas tú, las del L’Omy Di que sí. El L’Omy fue un artista muy importante para mí en este proceso de crecimiento como productor, como artista. Se dio a conocer un nuevo sonido que estaba paralelo al reggaetón, no era reggaetón, pero causa la misma sensación. También a este colectivo Redsnapper Music hicimos muchas canciones y construimos el sonido de lo que es hoy en día Trapical Minds. Redsnapper y Trapícal es lo mismo, es una mutación que hubo con otros artistas. ¿Cuál es ese diferencial sonoro de Trapical Minds? Pensamos no solo en lo local, o sonido criollo, ahora pensamos en el mundo y el universo entero. Yo creo que nuestra música está pensada en eso, tendemos a hacer una mezcla para fusionar sobre todo nuestra cultura musical colombiana, el vallenato, la champeta, lo mezclamos con reggaetón, con trap, y ahora últimamente nos estamos metiendo con géneros como el pop, la cumbia mexicana, y explorando más sonidos para conquistar corazones en el resto del mundo y no quedarnos solo en Colombia. ¿El trabajo del productor hasta dónde llega? Uno como productor se vuelve como psicólogo, tiene que aprender a leer las personas, a entender su mundo, su modo: de qué quieren hablar, cómo quieren expresarse. Cuando yo trabajo para mí, obviamente fluye más rápido, tengo mis ideas un poco más claras, sé lo que quiero decir, a mi manera, usando mis palabras y a través de los sonidos que yo ya tengo preestablecidos para usar. Cada vez que viene un artista nuevo hay una charla, un diálogo que hay que tener para conocer a esa persona, conocer su género, lo que ha hecho, pero casi todos los artistas me han dado la confianza y me dejan ser libre a la hora de hacer la música, me dejan guiarlos, escoger el tema de que se va a hablar la canción y qué tipo de sonido vamos a usar. Ya confían en mí, eso es gracias a los trabajos que he hecho anteriormente. Esa es una ventaja de haber comenzado por la producción: empecé a conocer a los artistas a los diferentes tipos de personalidades que hay un mundo, era una manera distinta de contar las canciones. ¿Cuál es el filtro que usa para producir a un artista? Yo estoy abierto a trabajar con cualquier artista, no me importa el género, me gusta el proceso. Obviamente hoy en día todo es más complicado por los compromisos que tengo, como productor y cantante: se mezcla y se vuelve más limitado. Pero todo es posible si la buena vibra lo permite. Cada semana me siento con dos o tres artistas aparte de hacer mi música y la de Trapical. Si alguien quiere hacer una canción conmigo simplemente me escribe por Instagram, yo estoy pendiente, o puede hablar con la oficina de management. Lo importante aquí es tener una idea pre establecida de algo, es lo mismo que cuando uno quiere vender una idea, tiene que exponerla. Ese artista me muestra la idea, la escucho y si uno le ve el brillo de esa idea hay que explotarla. ¿Cómo ve los lanzamientos masivos de canciones cada semana? Hoy en día hay un término que se usa y define muy bien esas canciones, música desechable, pero no desechable porque sea de usar y botar, sino porque hay un flujo de música demasiado grande. Un viernes pueden salir 1.500 canciones nuevas y eso obviamente gracias a la era digital que lo permite. Tú para hacer música simplemente necesitas un computador, para lanzarla y ponerla en las distintas plataformas, no necesitas viajar a otro país, o ir a una oficina para que te publique. Si eres un artista nuevo y quieres mostrar tus canciones, yo creo que los medios te lo permiten perfectamente. Sumémosle a esto las redes sociales que son la vitrina que uno tiene para mostrar no solamente la música sino parte de la vida personal, a la gente le gusta ver cómo es que vive el artista un día casual, y ese es un punto que más toca el corazón mostrar que es una persona real. Nosotros somos afortunados, contamos con YouTube, Spotify, Deezer y un montón de plataformas por donde se distribuye la música. El flujo de artistas y canciones cada día es incontable, ¿No hay temor de que la producción masiva haga que las canciones pierdan calidad? Nosotros creemos que la música es como los tatuajes, y la única forma de podérselos quitar es con una cirugía o algún proceso complicado y costoso. La música es así: sacas una canción, la publicas, la pones al aire y no se va a perder nunca, puede que no sea exitosa, o puede que sea muy exitosa pero la canción no va a desaparecer nunca de la red y seguramente habrá personas que se conecten con ella. ¿De qué está hecho un hit musical? Uno nunca sabe qué va a pasar con una canción cuando la hace, la lanza y no sabe si va a conectar o no, pero hay un orden. Yo lo asocio con la estructura narrativa de cualquier historia, tiene un inicio, un nudo, un desenlace, dos giros, un clímax, tiene que ser divertida. No necesariamente tiene que contar una historia, pero si la cuenta tiene que ser más entretenida a través de la música. A nosotros se nos facilita mucho dividirnos el trabajo, empezamos al revés, por la música, haciendo el beat y encima del beat eso nos da un universo donde vamos a describir ciertas opciones. Ya teniendo una pista, un orden, una estructura, un verso, una estrofa, nos vamos repartiendo: Lalo escribe los raps, yo me encargo de escribir los coros con Skynni, nos vamos turnando y de esa manera las canciones salen super fuertes. Un ejemplo la canción que hicimos con Juanes, Todo bien, salió en tres horas de trabajo. El beat estaba hecho, nos sentamos a componer, de hecho, Juanes no comprendía qué era lo que estábamos haciendo, él es de la vieja escuela, compone de otra manera, primero con la letra, y va en orden, nosotros somos locos y empezamos por el final, después vamos al principio. ¿Qué artista lo ha sorprendido? Hay muchos tipos de artistas y cada quién tiene su estilo. Sin embargo, yo disfruté mucho la sesión con Morat, porque son muy inteligentes en la música, son muy claros con lo que quieren decir, me ayudaron mucho a corregir cosas de la letra para que los mensajes fueran más claros, me ayudaron a meterme un poco al mundo del pop que me sienta bien y me gusta, (risas). También tuve la oportunidad de trabajar con Maikel de la Calle, nuestro primer encuentro fue en mi estudio, me encontró tocando guitarra y se sentó al lado a improvisar como por 20 minutos, loquísimo, super talentoso, canta muy bien. Hay muchos más Gusi, Martina La Peligrosa. Gusi es una persona muy musical también compartimos demasiado y además es un gran amigo mío, compartimos el gusto por la guitarra. ¿Cómo es el ejercicio cuando los produce otra persona? También nos sentamos con otros productores, nos toca irnos turnando. Tenemos un productor que se llama Tsunami, que también es nuestro Dj en los shows en vivo, tiene un Grammy con ChocQuibTown, viene del Pacífico, tiene otra onda, de la costa Pacífica, pero estamos en la misma vibra. Confío en que si él se sienta a producir probablemente va a hacer algo que yo tenga en mente. Otros productores son Izasa de Morat, él coprodujo Mejores amigos, le dio un toque suave a la canción, porque yo cargo un toque más fuerte por cuestiones de género. Con Mango y Nabález produjimos El viajero y los tres logramos un sonido distinto, tiene de lo mío y de esa balada de Nabález, esa suavidad y el saborcito que le pone Mango. ¿Esas multiproducciones no complican el resultado? Uno a veces piensa que son tres mentes produciendo algo distinto, pero al final todo se engrana y todos se ponen de acuerdo: va dirigido a este público, vamos por este género, se establecen como ciertas reglas o tips antes de empezar. Así que no hay enredo. ¿Productor o cantante? Pasar de esa faceta de productor a cantante fue un gran primer paso, haber hecho eso me ha dejado más responsabilidades porque si empecé algo ahora tengo que terminarlo. Hay gente a la que le está gustando, y esperan que saque canciones, entonces tengo ese compromiso con quienes están conectados y los que hay por conectar. Es una carrera larga y yo creo que estoy puesto para ella de aquí hasta la muerte. ¿Cómo manejan sus carreras por separado? Todos compartimos los fans, compartimos nuestro público y el éxito de uno es el éxito de todos. Obviamente todos estamos involucrados en cada canción, siempre nos gozamos el triunfo entre todos. ¿Estamos en el mejor momento de la música nacional? De hace una década hasta ahora hemos sido una vitrina no solo para los artistas locales sino para los de afuera. De hecho, vienen a Colombia a buscar ese saborcito que nos caracteriza, ese habladito paisa que ha conquistado al mundo: J Balvin, Maluma, Karol G, un montón de artistas que han puesto el nombre del género urbano en alto. Colombia tiene un presente y un futuro muy prometedor en la música, sentimos una responsabilidad gigante y hace algún tiempo decíamos “¿Cómo hacemos para superar estos manes?”, pero la música habla por sí sola. De hecho, estos artistas ahora se han sumado a las colaboraciones con nosotros, por ejemplo: Lalo con Juanes, J Balvin, un montón de colaboraciones que además nos ha impulsado muchísimo a nosotros como productores, como Trapical Minds, y como artistas individuales. ¿Cómo mantenerse actualizado en una industria que va a mil? Uno tiene que irse adaptando con lo que pasa en la música, en los géneros, no se puede quedar atrás, hay que estar actualizado. Todo el tiempo estoy con Spotify descargando lo que sale para saber por dónde va la música. Vamos mutando el estilo: Yera de hace 10 años no produce igual que el de hoy, ahora soy más minimalista, antes solía cargar mucho y uno va entendiendo cuáles son los elementos que son importantes. Hay que pensar que la música hay que hacerla para la gente, hacerla comercial, lo más sencillo y lo más entendible posible. Eso es lo que describe el proceso musical de hoy en día. ¿En qué anda por estos días? Ahora estoy trabajando con Ximena Sariñana y Danny Ocean. Se viene una colaboración con Mau y Ricky en una canción que se llama Cositas Ricas, y voy a estrenar un EP de cinco canciones en las que se muestra Yera fuera de esa onda reggaetonera, hay funk, balada, y hay una canción con Lalo que se llama Camellando. Siempre estamos viajando, en el estudio o en un show. Tenemos un proyecto que se llama TrapoHouse es la casa de nosotros los Trapical, donde tenemos cinco estudios que están haciendo música, todos los días, son cuatro o cinco estudios trabajando por día, son 5 canciones que se hacen por día, es una fábrica de hacer canciones y obviamente es muy difícil para mí solo poder con todo, entonces cada quien tiene sus primeros pasos. Happy es productor, Skynni es productor, Lalo compone, Tsunami, que es nuestro productor, está dándole todo el tiempo. Nuestra vida gira en torno a la música.
Hablar de Nadir Al-Khayat, mejor conocido como RedOne, es hacer una lista interminable de éxitos que ha producido para artistas como Lady Gaga, Jennifer López, Nicki Minaj, Enrique Iglesias, Marc Anthony, Akon, Jason Derulo, One Direction, Shakira, entre muchos más. Su carrera musical comenzó a los 19 años en Suecia, donde integró varias bandas de música, cantando y tocando guitarra. Todo ese aprendizaje alimentó su espíritu musical que parecía insaciable. Por eso decidió hacer música para otros y producir, con un sello que él identifica como una mezcla de muchas culturas. Es de origen marroquí y muy cercano a los sonidos latinos y africanos. Aprovechamos su visita a Colombia por primera vez y hablamos con él del secreto de una buena canción, de su carrera como productor y de su regreso al escenario como cantante. Su más reciente lanzamiento: Boom Boom, junto a Dadde Yankee, French Montana y Dinah Jane, ya supera los 115 millones de visitas en YouTube. Sin duda estamos ante uno de los artistas que ha hecho grandes contribuciones a la música en esta década. La lista de artistas es extensa, pero nos interesa en especial que nos cuente como fue el aporte que usted hizo en la carrera de Lady Gaga. ¿Cómo fue la experiencia de trabajar con ella? Yo conocí a Gaga después de mi primer gran éxito a nivel mundial, Whine up, con Kat DeLuna. Esa canción me abrió las puertas para trabajar con grandes artistas. Mi ex manager me llamó y me dijo: tenemos una chica que canta muy bien y que escribe increíble, le dije ¿tiene algún contrato? La respuesta fue, no, la acaban de despedir de la casa discográfica, no tiene nada. Y pensé, estoy en mi momento quiero trabajar con grandes artistas, y como adivinando mi respuesta me dijo, bueno sino grabas puedes trabajar con ella como escritora. Cuando me encontré con Gaga, la vi y el primer hola, me sacudió, sentí algo especial, su aura, su carácter, la manera como hablaba, me di cuenta inmediatamente que era una chica diferente, después hablamos de música y me sorprendió el conocimiento que ella tenía acerca del rock y de todos los géneros musicales, y sin pensarlo le dije podemos ir al estudio y hacer algo. En el estudio me mostró lo que tenía, tocaba el piano y cantaba, me recordó a Leila K, una cantante Sueca que causó un gran impacto en mi carrera musical. Le propuse a Gaga que viera los videos de Leila y sus canciones, para inspirarnos a hacer un sonido nuevo para el mundo, su respuesta fue afirmativa, y empezamos a hacer canciones, yo la llevaba conmigo a todas las sesiones que tenía con otros artistas, la manera de escribir canciones de Gaga es única. Una casa discográfica se interesó en ella. En esa época yo trabajaba con Akon, que era muy amigo de Jimmy Lovine el dueño de Interescope, cuando hicimos Just dance, Poker face, y otras, fuimos donde Jimmy para que las escuchara, le gustaron las canciones, pero nos dijo que se parecía mucho a Pussycat Dolls. Las dudas de Jimmy sirvieron para que Akon le diera la aprobación y el apoyo total al proyecto de Gaga. Cuando sacamos Just dance, la gente no la entendía muy bien, era algo novedoso, tardó 11 meses para que la gente se enganchara, Suecia fue el primer país donde fue número uno, después Canadá y después el resto del mundo. En un año, el mundo entero se dio cuenta de quién era Lady Gaga, el resto es historia. ¿Cuál es ese diferencial que usted ve en un gran artista? Debe de tener aptitud, la energía y el aura. Son cosas que no se ven en la belleza, pero sí se sienten en un artista real. Bono, Michael Jackson, Gaga, Beyoncé, cuando hablan, lo que proyectan es muy importante. A veces escuchas a muchos artistas que cantan bien pero no tienen la magia, y logran que al público les gusta la música pero hasta ahí, no pasa nada más, no tienen ese rollo que engancha y eso es importante para mí, la buena energía, algo que atrapa la gente y que seguramente los más grandes artistas lo tienen. ¿Qué debe de tener una gran canción para convertirse en hit? Son muchas cosas, la parte artística que está en la música, el artista, la calidad de la canción, de la melodía, es un conjunto y la otra parte que es marketing para que la canción pegue fuerte, eso es muy importante, a veces hay canciones que no son tan buenas hay marketing y algo pasa con la canción. Pero cuando todo es perfecto, el artista, la canción y el marketing logras un gran éxito histórico. Lo que yo hago primero es enfocarme en la calidad de la canción, la melodía y la música son primero y a veces cuando alguien viene con una letra y dice quiero hablar de eso, le digo perfecto, entonces tenemos que hacer la melodía para que ese mensaje le llegue a la gente, aunque a veces hay un éxito mundial que llega a países donde no entienden nada pero terminan pegados a la melodía y el ritmo. Para lograr un éxito mundial hay que tener ese lenguaje universal que conecta la melodía y el ritmo, un sonido que se queda pegado y es fácil de recordar. Eso sumado a la letra para conseguir un éxito local donde se entiende lo que dices: por ejemplo si es en español, tiene que ser una letra que tenga algo especial que agarre a la gente con la melodía, son esas dos cosas. Hay canciones que fueron éxito como Gangnam style,de PSY, tenía algo, nadie sabía lo que decía, pero tenía algo la melodía y la frase Gangnam style, la recordaba la gente. Otro ejemplo es Despacito, cuando suena des-pa-ci-to, la gente que no habla español se le graba y lo termina cantando, son canciones que tienen los loops y la melodía para ser recordadas. ¿Cuál es el gran sonido de esta década? La música latina, las raíces culturales, world music, un conjunto de ritmos, y melodías. Un buen ejemplo es la canción X, de Nicky Jam Y J Balvin, esa melodía que empieza a los 26 segundos, atraviesa todas las aduanas del mundo, se siente, puedes ser marroquí, africano, colombiano, inglés…no tienes que ser latino para sentirlo, las letras son fáciles de cantar. Un sonido global y que está ligado a la cultura de algún país, está pegando y va a pegar por algunos años más, porque la gente quiere oír esas canciones y se sienten identificados. ¿Con qué artistas quiere trabajar? Quiero trabajar con Nicky Jam, de hecho ya estamos en conversaciones, con J Balvin, Maluma, Bad Bunny, hay varios nuevos que me gustan y quiero descubrir. Acabo de sacar un sencillo para el Mundial que se llama One world con Adelian, una artista nueva, y Now United. Es un grupo de 14 chicos y chicas de muchas partes del mundo, uno de cada país, el ritmo es un sonido global. Para lograr armar este grupo se hizo un gran trabajo, con audiciones en cada país para descubrir los talentos. El genio detrás del grupo es Simon Fuller, el creador de las Spice Girls, American Idol, etc. siempre está creando algo revolucionario en la música ahora acabamos de empezar este nuevo proyecto musical. ¿Qué tan importante son los sonidos latinos en sus producciones? La música latina me gusta, los sonidos urbanos, Ozuna, J Balvin, Daddy Yankee, desde que empecé Kat DeLuna ya estaba explorando ese ritmo desde mucho antes de que se volviera moda. He tenido canciones que son éxitos con artistas como J Lo, Marc Anthony, Shakira y otros, los sonidos latinos siempre han estado cerca y me siento muy satisfecho de ser parte de ese sonido donde el público está descubriendo y siendo receptivo. La música africana también es protagonista para mí, por estar cerca de Marruecos de donde soy. Artistas como Davido, Maitre Gims, son increíbles: tienen algo muy especial y el mundo está volviéndose uno, cada año que pasa el mundo está más cerca con la música. Cuando hicimos Boom Boom, con Daddy Yankee en Marruecos él se volvió loco, la cultura, la gente es muy parecida a los colombianos, en Marruecos somos afectivos, amistosos con el extranjero. RedOne es apasionado cuando habla de música, sin dudarlo afirma que ha podido hacer lo que siempre quiso, resultado de un trabajo duro. Antes de que llegara el éxito, cantó y tocó en muchos grupos, tenía tanta música en la cabeza que la mejor forma de sacarla era produciendo para otros. Navega por todos los estilos: el rock, el pop, el R&B, los sonidos étnicos, el mundo metido en una gran consola le dieron la clave para entender que él es una mezcla de música del mundo, y que su trabajo como productor, cantante, escritor ha estado en una constante evolución y lo más importante es un trabajo con el cuál se sigue divirtiendo.
Si hablamos de David Trujillo García, tal vez no le suene mucho, pero este productor tiene amplia experiencia en la escena musical. Con el seudónimo Cid Branko trabajó con artistas como Bako, Bautté, entre otros. Esa experiencia y talento le sirvió para crear García, el proyecto que le permite hacer la música que más le gusta, pero para él mismo. Sus sonidos van desde el reggae, el soca, el denbow, la cumbia y todos los ritmos latinoamericanos, que son protagonistas en su EP homónimo. De vez en cuando y Domingo recibieron buenos comentarios de la crítica especializada, del público. Las plataformas de streaming las han posicionado en los listados de lanzamientos y playlist destacados. Hablamos con él de su paso de productor a cantante y de los sonidos que lo influencian para crear su propia música. Fotos: Brayan Garnica // @brayangarnicaph ¿Por qué hasta ahora se lanza como cantante? La época de productor fue un tiempo de aprendizaje. Antes de este proyecto todo lo que hice en producción para otros artistas, era, sin saberlo, toda la escuela que necesitaba para medirme en este proyecto. Ser productor es algo que siempre hará parte de mí, pero ya era el momento de empezar a hacer mi propia música. ¿Cuál fue esa gran enseñanza que aplica en su música? Yo creo que cuando produces música para alguien más, hay muchas cosas que tienes que dejar a un lado. Es meterte en los zapatos de otro artista, con deseos específicos para su música que no necesariamente son coherente con lo que yo quiero realmente. El gran valor como productor es aprender a meterse en los zapatos de los otros. Yo creo que eso es un factor importante para lograr que mi música sea diferente a la de todos los artistas con los que he trabajado. Sin embargo, creo que en la música que produzco para los demás hay una pequeña dosis de mi feeling en sus canciones. ¿Qué libertades se dio en sus canciones? La sinceridad. Me fijo mucho en las letras, me gusta mucho escuchar y sentir todo lo que me trasmite una buena letra. Los artistas que más me gustan a mí son grandes poetas y escritores. Siempre me fijo en eso, busco la manera de enviar el mensaje, para alguien o para algo en específico, pero mi mayor libertad ha sido hacerlo a mi manera. ¿Y qué libertades se ha dado en la música? Ser productor me ha permitido saber qué límites quiero romper, y cuáles no me interesan. En este momento, quiero crear música que la gente pueda apreciar, ser suya y que también sea completamente coherente conmigo, entonces afortunadamente mis gustos musicales y lo que quería explorar es muy a fin con lo que me sucede ahora. Mi música es latina, yo lo definiría así, no podría darle un rótulo más, porque recoge los sonidos latinoamericanos. Hay canciones donde hay soca, o sonidos caribeños, otras tienen sonidos de reggae, guasca, y percusión colombiana con trap. ¿Dónde está el límite para no sonar urbano? No sonar a urbano es una premisa fundamental para García, pero sobre todo no caer en esa presión, alrededor de mi hay personas que me ha persuadido de hacerlo, me ha dicho como debería hacer un reggaetón y estoy convencido que no lo haré, no, porque no me gusta, sino porque nunca he pensado que mí música sea para la fiesta, no quiero vender un momento de fiesta, para eso está el reggaetón. García, track by track El EP contiene seis canciones que son importantes porque han sido parte de la vida de Garcia. De vez en cuando es la que abre el EP, habla de una relación que termina, pero que sin embargo quieres desearle al otro que sea feliz. Una de mis conclusiones es que los errores son grandes maestros, y cometemos errores sin querer con esa persona que quieres y te das cuenta de cosas que no deberías haber dicho o hecho. Encontrarte habla de esa persona que no ha llegado. Mantengo la teoría de que todos tenemos alguien allá afuera, en algún lugar que está perfectamente configurado para uno. Domingo habla de regalarle el día más importante de la semana a alguien que te gusta mucho. El domingo no se lo das a cualquier persona, es el día en que te quedas en tú casa con tú perro o haciendo lo que más te gusta, y si quieres conquistar a alguien es la oportunidad de hacerlo. Es especial cuando te regalan tiempo un domingo.
Lo conocimos siendo un rebelde del EDM, viajó por el moombahton, por los sonidos fuertes y los beats estallados, pero maduró. Renunció a su vida en la radio para dedicarse de lleno a producir, a crear sonidos, a conocer el dancehall, el pop y mezclarlo con electrónica. Creó su ritmo bajo el nombre de Mik Mish y con su canción Take it Easy se posicionó en lo más sonado de Spotify. Empezó el año en Europa tocando en Madrid y Barcelona, de ahí cruzó el charco y hoy se da el lujo de decir que ha sido el primer colombiano en tocar en Andorra en el Winter Snow Festival. Está próximo a sacar un EP en compañía de Argüello en donde cogieron a grandes de la música colombiana y los pusieron a cantar al ritmo de electrónica. Mik Mish es una de esas piezas que le faltaba a la escena para ampliar el horizonte, para no quedarse en la fórmula de sonidos que llegaron desde Europa y crear mezclas con Pop colombiano, rap e inclusive reggaetón. Hay que estar pilas a lo que hace este man porque estamos seguros que lo vamos a escuchar hasta en la sopa. Por: Johana Arroyave @JohanaArroyave ¿Cuéntenos sus propuestas para hacer que su género se fortalezca? Abrir espacios para artistas colombianos que crean fusiones de música electrónica para que puedan mostrar su talento. Hacer tracks en español, mezclar sonidos de todo el mundo con música electrónica y adicionalmente empezar a fortalecer la figura de que un dj es un artista completo y no solo el que se para a poner canciones en una tarima Nombre las problemáticas que identifica en la industria musical colombiana 1. Estamos posicionados en el mundo, pero en Colombia no se dan cuenta de eso y no hay apoyo a los artistas 2. Entre los mismos artistas no se apoyan. 3. La gente que está alrededor de la música en el mismo país cree más en lo de afuera 4. Muchos productores se quedaron en las tendencias pasadas y no quieren innovar y proponer nuevos sonidos ¿Cuál sería su compañero de fórmula o vicepresidente? (en otras palabras, el featuring para ganar) ¡Argüello! Es una persona muy talentosa con la cual venimos muy pendiente el uno del otro. Hicimos una colaboración hace dos años y este año pensamos sacar un álbum. Compartimos la misma visión y eso nos ha ayudado a tener una buena química de trabajo. ¿Cuáles cree que son los mayores errores que se han cometido en su género? Mucha gente aún no tiene la visión de lo que podemos lograr, debemos creer en lo que tenemos y buscar exportarlo. Muchos productores se quedaron en las tendencias pasadas y no quieren innovar y proponer nuevos sonidos. Hay que buscar nuevas propuestas y no tenerle miedo a hacer algo diferente. Además de eso quienes ya traspasaron fronteras se quedan viviendo en un solo logro y no ven que hay que seguir construyendo carrera. ¿Cómo enmendar esos errores? En el momento que los artistas empiecen a abrir camino y permitir que los que están creciendo se den cuenta que hay muchas posibilidades de romperla. Ningún dj/artista/productor en Colombia ha logrado ser top mundial, y hay mucho trabajo en muchas partes del mundo para mostrarse; es un camino difícil de hacer pero si todos se lo propusieran seguro estaríamos en otro punto. ¿Cómo construye paz desde la música que está haciendo? Proponiendo y descubriendo caminos. Musicalmente hablando se puede dar una luz de esperanza para los que creen que estar en el top es solo Tomorrowland y el Ultra, pero hay 1000000 spots más donde se puede estar, son importantes y ayudan a la carrera de todos ¿Su carrera está en pro de la legalización? Sí. ¿Hay alguna causa política con la que se sienta comprometido directa o indirectamente? Sí, proponer algo nuevo para el mundo desde este género que los artistas logren salir de Colombia a mostrar su música, que la gente sienta que los latinos djs, productor y artista son muy grandes y que no se queden solo en las figuras europeas. Cuáles son sus planes para este 2018 Mis planes para este 2018 son sacar el álbum en español, sacar un par de sencillos en ingles y seguir la internacionalización; tenemos pendientes varios shows en México, Estados Unidos y España
Desde sus inicios hace casi 3 décadas, Rage Against the Machine ha alzado la voz contra la injusticia social y racial. Aunque en 2020 la banda había anunciado una gira de regreso por Estados Unidos y otras ciudades del mundo, las medidas de seguridad para evitar la propagación del COVID-19 la impidieron.Pero no es común que Rage Against The Machine se quede callada ante la injusticia y el racismo . Por eso la banda se unió al colectivo internacional de artistas The Ummah Chroma (que traduce algo como “comunidades de color”) para crear el corto documental Killing in Thy Name, disponible en el cana de YouTube del grupo. La icónica canción Killing In The Name suena varias veces en la película (no es spoiler). Killing In The Name es una de sus canciones más famosas, un sencillo contundente contra el abuso de autoridad y uno de los temas insignia de la banda. "Algunos de los que trabajan en las fuerzas son los mismos que queman cruces", dice una de sus líneas, en una clara referencia al Ku Klux Klan.“Escribir canciones que tengan algo que decir sobre lo que está pasando social y políticamente para nosotros no es una opción, es una obligación”, dijo a Loudwire el bajista Tim Commerford. El guitarrista Tom Morello añadió: “Mi madre es una mujer blanca con una voz radical. Durante 3 décadas fue una profesora progresista en un colegio conservador inspirando a los estudiantes a retar el sistema. En sus acciones y palabras siempre me ha enseñado que el racismo nunca debe ser ignorado y siempre confrontado”.Por su fusión de géneros como el rock y el rap, así como por su férreo activismo político, RATM es considerada una de las bandas más relevantes de las últimas décadas. Vendió más de 16 millones de discos en el mundo y ganó 2 Premios Grammy y 6 nominaciones.Vean Killing In Thy Name más abajo:
Aquí estamos, como de costumbre, con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial completo con reseñas de discos colombianos (álbumes de estudio y EP) para que conozcan y se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo a los mejores temas y álbumes nacionales en este especial con lo mejor del 2020 .SUSHI - RELYD MOLINA¿Quién está detrás? El músico samario Relyd Molina lleva mucho tiempo camellándole a su proyecto artístico, pero hasta 2019 empezó a ver cómo su propuesta lograba conectar con las personas, eso fue con el sencillo La Juma. El artista quiere que la gente empiece a ver todo el talento que sale de la ciudad costera de Colombia. En 2020 estuvo mucho tiempo en el estudio de grabación para preparar los lanzamientos de 2021.¿De qué trata? Sushi es una canción llena de erotismo, sensualidad y coqueteo. De forma creativa logró conectar la gastronomía asiática con la conexión sexual. Los compositores de este tema son Carlos Urueta, Raul Huerfano, Eriberto Serrano y Diler Catalán Molina, nombre de pila de Relyd.Recomendado | Reggaetón clásico vs reggaetón actual: ¿Qué los diferencia?¿A qué suena? Hecha por Super Amigos Records, es una canción de reggaetón que se puede perrear parejo, pero contiene elementos sonoros muy alejados de lo que se espera de un tema del género. La canción está llena de versos, haciendo que el flow recaiga sobre los versos interpretados por Relyd.¿Sobre el video qué? Si en La Juma nos mostraba una fiesta muy fancy, en este sencillo deja ver un fin de semana de desconexión en el que una pareja se deja llevar por el deseo. Fue dirigido por la productora Sidestory.¿Cuándo escucharla? Sushi va directo a ese listado de canciones de reggaetón muy sensuales para dedicar. Propia para meterla en esa playlist en que están canciones de Balvin, Bad Bunny y Maluma.Para ver | Reggaetón: 10 años después de la portada en Shock que juntó a la movida paisa¡La música nos une!
En Netflix se estrenó Acosador nocturno: a la caza de un asesino en serie, una miniserie atrapante sobre cómo se produjo la captura del asesino en serie Richard Ramírez, que entre 1984 y 1985 en varias ciudades de California asesinó a 14 personas. Las víctimas eran de todos los géneros y edades y Ramírez utilizó todo tipo de armas: desde pistolas hasta machetes y una cruceta. Nunca mostró arrepentimiento por sus crímenes Ramírez fue condenado a la pena capital, pero falleció por linfoma, a los 53 años, en 2013."Me encanta matar gente. Me encanta verlos morir. Les disparo en la cabeza y veo como se retuercen por todo el lugar y luego simplemente se detienen. O los corto con un cuchillo y veo cómo se ponen blancos. Amo toda esa sangre. Una vez le dije a una anciana que me diera todo su dinero y me dijo que no. Así que la corté y le saque los ojos", dijo alguna vez. El juez declaró que los delitos de Ramírez mostraban “crueldad e insensibilidad más allá de cualquier entendimiento humano”.Ramírez aterrorizó a la sociedad de su tiempo y eso le ganó un lugar en la cultura pop. Aquí 5 canciones que mencionan o se refieren a Richard Ramírez.Kamikaze – Eminem“Richard Ramírez está aquí matando cada beat” dice Eminem en esta canción de 2018 que estuvo en su álbum Kamikaze. El rapero lo mencionó también en la canción Godzilla en la que afirma: “El Richard Ramirez original, Christian Rivera, porque mis letras nunca sientan bien, quieren darme la silla eléctrica”.Richard Ramírez - SKYND La canción referencia varias de sus víctimas y frases conocidas, una de las cuales pronunció cuando se enteró de que iba a se ejecutado: "Gran cosa. a muerte siempre ha estado en el territorio. Nos vemos en Disneylandia". Snake Eyes and Sissies - Marilyn MansonEl disco Portrait Of An American Family fue el primero de Marilyn Manson y recibió buenos comentarios. La canción Snake Eyes and Sissies samplea una frase pronunciada por Ramírez en una entrevista: “matar es matar, así lo hagas por deber, dinero o por diversión”.Knight Stalker - Shadow ProjectEsta banda tenía una mezcla particular de metal gótico y rock alternativo. La canción está dedicada a Ramírez. “Richard, ¿No te das cuenta de que me tienes hipnotizado? Mira mis ojos, mírame a tu lado”.Richard Ramirez Died Today Of Natural Causes - Sun Kil MoonEsta canción hace un recorrido por toda la historia de Richard Ramírez, y habla de cómo estas noticias se convierten en referentes del paso del tiempo y nos recuerdan qué hacíamos en la época en la que ocurrieron.
Un 15 de enero, pero de 2018 falleció Dolores O Riordan, reconocida como la vocalista de la icónica banda noventera The Cranberries. Dolores O´Riordan junto a su bajista Mike Hogan, el baterista Fegal Lawler y el guitarrista Noel Hogan, dejaron una huella en el rock alternativo. Fueron 7 álbumes de estudio y más de 40 millones de discos vendidos los que hicieron que The Cranberries nunca sea olvidada.Sin duda, una de las canciones más exitosas del grupo fue Linger. Lanzada en 1993 fue la primera que le dio reconocimiento internacional y la primera que escribieron sus integrantes, pues inicialmente se dedicaban solo a hacer covers. Según dijo Dolores, es una canción sobre el rechazo y nunca se imaginó que iba a ser un hit.“Me inspiró una noche que estuve en un club llamado Madonna’s. Un chico me invitó a bailar y me pareció que era encantador. Hasta entonces siempre había pensado que poner la lengua en la boca de otra persona era asqueroso, pero cuando él me dio mi primer beso tuve que dejarlo seguir”, dijo Dolores a Irish Times.“No podía esperar para verlo de nuevo. Pero, en la siguiente discoteca, me ignoró y sacó a bailar a una amiga mía. Yo estaba devastada. Todo el mundo vio cómo me rechazaron públicamente. Todo es muy dramático cuando tienes 17, así que dejé salir todo en la canción”.Dolores añade que años después, cuando Linger fue un éxito, el chico que inspiró la canción le escribió una carta que decía: “Sé que la canción es sobre mí. Nunca quise herir tus sentimientos. ¿Podemos vernos?”. Para ese entonces, Dolores ya estaba casada con alguien más, así que pensó “Es muy tarde, ¡Tú me rechazaste!”, y nunca le respondió.Tras varias décadas, la canción sigue sonando en las bandas sonoras de distintas series de televisión y películas como Community o NCIS. Una de las apariciones más recordadas de la canción fue en Click, con Adam Sandler, en donde Dolores también hizo un cameo.Luego de la muerte de Dolores en 2018, la canción volvió a los listados de popularidad. Sin duda, se mantendrá como un himno por muchas décadas más.
Aquí estamos, como de costumbre, con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial completo con reseñas de discos colombianos (álbumes de estudio y EP) para que conozcan y se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo a los mejores temas y álbumes nacionales en este especial con lo mejor del 2020 .BALADA PARA PERREAR - LAS VILLA¿Quién está detrás?Hace casi 25 años nacieron en Bogotá Laura y Lucía Villa quienes desde muy temprana edad se dieron cuenta de su conexión con la música y el baile, así que decidieron empezar a camellarle a su proyecto y a buscar un sonido con identidad propia. Nadita fue su primer sencillo que las dio a conocer en gran parte de América Latina y en este 2020 ya han empezado a hacer colaboraciones y a ser producidas por pesos pesados del reggaetón como Ovy On The Drums y Tainy.Para ver | Las Villa se le miden a nuestro reto: ¿Quién es quién?¿De qué trata? Balada para perrear es una canción inspirada en una mujer que está cansada de sentirse triste después de una ruptura amorosa y que se mamó de llorar por lo que decide salir, divertirse, disfrutar del momento y pasar el trago amargo de otra manera.¿A qué suena?Producida por los colombianos Mango y Nabález (Katy Perry, Aitana, Sebastián Yatra, Juanes) es un tema con un inicio sonoro oscuro que evoluciona en un perreo. Cada nuevo tema de Las Villa va construyendo un estilo único gracias al tono vocal de las cantantes.¿Sobre el video?Danza contemporánea feat. perreo intenso, así se podría resumir el concepto visual de este tema. Un video en el que resalta el rojo pasión que simboliza la intensidad del sandungueo. El clip conceptual fue rodado en Miami, Estados Unidos, bajo la dirección de GUS.¿Cuándo escuchar? Las hermanas recomiendan darle play a todo volumen a esta canción cuando esté con el corazón roto por un amor fallido, puede que les ayude a cambiar de humor.Para ver | Ovy On The Drums, Karol G y su eficaz relación productor-cantante¡La música nos une!