Hace cuatro años que Bruno Toro no estrenaba nueva música desde el lanzamiento de su álbum La Costa, el primer trabajo discográfico que reunió varias canciones entre las que se destacaron, Cicatriz junto a Estefi Arias, 1990, Entre Velos, y La Costa, la canción que le dio nombre al álbum. El disco salió en plataformas digitales con la disquera mexicana Casette del reconocido Camilo Lara, creador del Instituto Mexicano del Sonido. El Fin es el primer sencillo de su segundo disco El Desierto, es un disco que será hecho cien por ciento en México, las canciones hablarán de sus vivencias en el país azteca, donde Bruno ha recibido el apoyo y reconocimiento del público. ¿Quién está detrás? Esta canción fue compuesta hacer casi tres años por Bruno después del terremoto de México en el 2017. El Fin se grabó en los estudios Sinesquare Mx y fue producida por Memo Rodhes reconocido en la escena indie mexicana. ¿A qué suena? Bruno ha sido uno de los representantes del pop electrónico nacional y continúa con esta bandera, pero esta vez suma los sonidos de la escena disco italiana de los 80. Inspirado también en grandes íconos como Pet Shop Boys, Erasure y Giorgio Moroder. Un gran equipo de diferentes nacionalidades complementa esta canción, Pablo de la Muela/Plan Perkins (español) estuvo a cargo de las guitarras, Karla Molkovic en el bajo (mexicana) y Sofi Maiorana (argentina) vocalista de la banda Kunyaza en los coros, los teclados y las secuencias estuvieron a cargo de Memo Rodhes (mexicano) que también es el productor de El Fin. ¿De qué trata la canción? “El Fin es una metáfora sobre la continuidad del tiempo, cuando notamos que todo en la vida es cíclico, con un principio y un fin, aprendemos a valorar el presente como lo único importante y dejamos atrás la nostalgia del pasado y la ansiedad del futuro. Pienso que también tiene un tinte dramático que evoca la TV mexicana de los 80 y 90, que recuerdo de pequeño”. - Bruno ¿Cuál es la historia detrás del video? Es el primer video de Bruno hecho en realidad aumentada, la pandemia impidió que pudieran grabar en alguna locación, por eso surgió la idea de hacerlo animado y ubicarlo en Paris. Un video que despierta nostalgia, romance y melancolía. “Los tonos en blanco y negro y la animación acentúan el drama de la letra y me recuerdan a Take on me de A-ha uno de los videos más icónicos de los años 80” – Bruno. ¿Cuándo escucharla? Todo el tiempo, cuando necesite darle un poco de ritmo a su día o para relajarse después de un pesado día de tele trabajo.
Cómo muchas canciones Me enamora, surgió en esos momentos creativos cuando están reunidos haciendo videoclips. Nació durante la grabación de Recuerdo la canción que hicieron junto a Tini. En el camerino empezaron a escribirla, con la idea inicial que les envió Juan Morelli, con quién han trabajado antes. “Fue una experiencia súper chévere, sentimos mucha emoción cuando la escribimos, con el firme propósito de comunicar un mensaje bonito, que impacte y llegue a la gente. Antes uno escribía canciones con muchas inspiraciones, por ejemplo; esperaba que a la chica que le escribiste la canción, la escuchara, ahora la inspiración más importante es la gente, que la escuche y sentirse relacionado con la canción, suena a cliché pero la musa es el público, que la vuelve suya”. Para el lanzamiento del videoclip de Me enamora, habían planeado una gran estrategia, en las salas de cine de principales ciudades en muchos países, pero todo cambió con la situación actual del mundo. Pero no quieren dejar a sus seguidores sin un momento especial, por eso están invitando a que vean su video, y dejen un comentario, la persona con el comentario que tenga más likes, pasará una tarde de cine con ellos y 29 amigos. El video fue hecho por la reconocida productora de Medellín 36 grados. El clip protagonizado por ellos, recrea un autocine, con escenas que recuerdan a las comedias románticas de los 80. El equipo de 36 grados les planteo la idea, que recibió la aprobación inmediata de Mau y Ricky, les gustó mucho. “Nos gusta mantener el buen sentido del humor, y ellos vibraron con eso mucho, nos llevamos muy bien y nunca chocamos cabezas con las ideas. Ahora queremos que todos nuestros videos tengan ese toque de humor que nos representa muy bien”.
Nik Salazar no ha parado de componer y hacer música, acaba de estrenar un nuevo sencillo, entre todas las canciones que tiene listas para este 2020. Conmigo es una canción más romántica con un toque urbano, pero conservando la esencia de la balada. Producida por Alenoise y su equipo de trabajo MasterWaves Récords. Según Nik con esta canción quería darle un respiro a la línea de canciones que ya había presentado antes, Tuparami y Negrita, “quería que esta fuera más suave y romántica que las anteriores, una canción para dedicar”. A esto le sumamos que es un tema muy personal, la persona que lo inspiró, sabe que es para ella. Y quien sabe cuántas canciones más vendrán con dedicatoria personal en su próximo trabajo discográfico. No hay fecha exacta, pero, lo que sí sabemos es que vienen más canciones en los próximos meses. La dirección del videoclip estuvo a cargo de Tridente Films, lo grabaron en Guasca Cundinamarca, es la historia de una pareja de enamorados que están empezando a compartir tiempo, antes de irse a vivir juntos, un video que recrearon esos momentos de la relación. Nik es uno de los protagonistas de esta relación.
Delirio Tenaz, es un sencillo que pertenece al álbum Canto al amor, de La Tenaz, una canción que se destacó en el 2018. La historia llamó la atención de Collaboration is culture, un grupo de talentosos creativos, realizadores, artistas y emprendedores de todo el mundo que se unieron para contar en imágenes su propia versión. Delirio Tenaz, fue rodado en Brooklyn y Manhattan, New York, allí el director quiso representar a través de la danza contemporánea el delirio por la ciudad, por eso junto al director de arte Sergio Jara, y a la productora Alejandra Ramírez (Drim Films) armaron la historia donde la bailarina canadiense, Laurie Déziel protagonista del video, se dejará llevar por las calles rudas y fuertes de East Williamsburg. Ella entró en el papel de una manera tan fuerte, que en el video se ve reflejada la nostalgia que ella misma siente por la ciudad y la montaña rusa de emociones que la misma le genera. Ésta es la primera colaboración del colectivo que tienen la firme intención de trabajar en conjunto para crear, transformar y potencializar las ideas y los proyectos en diferentes partes del mundo. El video clip de Delirio Tenaz es una idea entre el director de cine y publicidad Daniel Zambrano radicado en New York y Tana Vallejo a.k.a Latenaz: “Delirio Tenaz es una canción que habla del conquiste y el preámbulo a un encuentro de pasión en una etapa del amor, pero esto no lo sabía Dani, quién le da vuelta a la historia y con su equipo de trabajo la transforman en una conexión con su vida en una ciudad ajena, ellos son artistas defendiéndose en esa gran mole de ciudad, donde vieron esa nostalgia, soledades y sensaciones muy personales”, afirma La Tenaz.
Darkiel ha logrado reconocimiento en la música, gracias a sus composiciones saturadas de emociones que intentan dejar siempre un mensaje positivo a sus seguidores, con el que ha conseguido mantener una relación cercana. El cantante puertorriqueño está convencido que la cotidianidad y los hechos similares que vivimos todos nos acercan y nos mantienen conectados con lo que pasa a nuestro alrededor. Movido por las situaciones que pasan a diario, estrenó junto a Shaggy y Maffio, Me siento bien, una canción que intenta enviarle un mensaje positivo a todas las personas que están pasando por alguna situación difícil. “Esta vida es una, yo no sé cuánto me quede por eso abraza a quien quieres, no esperes ahora que puedes” afirma su letra que además rinde homenaje a Kobe Bryant. Darkiel: la nueva sangre del género urbano El videoclip filmado en Kingston, Jamaica fue dirigido por Ramón Cruz, en este corto podemos ver imágenes reales de los terremotos que sacudieron Puerto Rico y de los incendios de Australia que conmovieron el mundo entero. Lo que quisieron hacer estos tres artistas es aprovechar la música para ser portadores de un mensaje de esperanza que contagie el mundo entero.
A Lo peridol es una canción original de Radio Paila, que fue descubierta por Consulado en una sala de ensayo, pero a este encuentro explosivo le faltaba algo que llevara al límite las emociones que tenía la letra y los sonidos. Por eso había la posibilidad de un tercero para completar el feat. La canción tiene bases de hip hop que necesitaban aprovechar, decidieron sumar a Nano de Nepentes y completar esta colaboración masiva de tres grandes representantes de la escena independiente nacional. Los tres lograron encontrar en la guitarra algo en común, un riff poderoso que los unía perfectamente. Las líricas y los instrumentos juegan con la inestabilidad, los paradigmas, la incoherencia, la esquizofrenia, que querían compartir en el sencillo. La grabación, la mezcla y la pasterización estuvo a cargo de Godi Gaviria de Radio Paila. Nano colaboró desde la distancia y envió su voz. Este lanzamiento viene acompañado de un videoclip dónde los protagonistas evidencian la ansiedad y la locura que los une.
El dúo argentino comienza el año presentando dos canciones incluidas en Momoto, su primer EP del 2020., las canciones son inspiradas en dos especies endémicas de la selva Tepozteca. El Momotus mexicanus y la Plestiodon brevirostris (una elegante lagartija conocida comúnmente como Salamanquesa). México es un país que ha inspirado mucho el trabajo de Klik & Frik, precisamente estrenan nueva música a través de la plataforma mexicana Onda Mundial, el colectivo de Dj y artistas de la escena electrónica latinoamericana, que reúne los sonidos de diferentes rincones de América Latina. Ellos tienen clara la definición de estás dos canciones, Momoto cuenta con elementos introspectivos y una progresión casi cinematográfica, un paisaje sonoro por el cual se pasea un curioso pájaro matutino. Y Salamanquesa, nos transporta al sonido de las orquestas cumbieras de los años 50, entrecruzando los clarinetes del virtuoso músico mexicano Chirimoyo con sintetizadores que nos sumergen en un mood nostálgico y festivo a la vez.
Fontana es un cantante que ha estado muy cerca de la música desde su adolescencia: toca instrumentos, baila y ha sido parte de obras musicales. En Colombia participó en A otro nivel, en el 2017, y se destacó entre los 10 finalistas. En el 2019 estrenó Por el cuello, junto a Xantos, una canción producida por Tainy, reconocido por su trabajo junto a artistas como J Balvin, Cardi B, Bad Bunny, Selena Gómez, Daddy Yankee, entre muchos otros. La colaboración junto a Marconi surgió porque el director de videos Gustavo Camacho le mostró a Fontana la canción Frío pingüino de Marconi. Fontana recuerda que este “feat.” surgió muy rápido. “Estábamos grabando una cantidad de canciones cuando salió Calienta, un tema como romántico y necesitaba darle un toque fuerte. Gustavo la escuchó y propuso a Marconi, hablo con él y aceptó de una, a los dos días envió la grabación”. Fotos Javier Quintana // jquintanar8 “Lo que me llamó la atención de la canción fue lo diferente. En Puerto Rico tenemos una maqueta, un tipo de tiempo más ligero, el contenido, la letra, hasta los sonidos son diferentes. Cuando escuché la propuesta, era un reto para mí, no había hecho algo así, y además confío en el proyecto de Fontana”, cuenta Marconi. Para ambos era claro que querían destacar los sonidos latinos, el pop, el reggaetón, y especialmente, el equilibrio de su raíces puertorriqueñas y colombianas. “Nich, el productor, le metió un cuatro atrás en el fondo del tema para hacerle un poco más el sonido de reggae de playa, pero Marconi cambió el beat, logró organizar un buen colchón para acoplar las voces”, dice Fontana. El tema que consagró a Marconi fue Frio pingüino, tuvo aceptación de todo el público, especialmente de los niños en Puerto Rico. Esto hizo que su mensaje tuviera un objetivo claro: hablarle a todo el mundo y que su música sea para todas las edades. Él define su música como ‘traptón’, una mezcla de reggaetón con trap, Según Marconi, “Puerto Rico es la cuna del reggaetón, pero allí también han surgido grandes exponentes del trap”. Ambos coinciden que la música no tiene una fórmula y que hay que buscar las audiencias donde se escuchen sus canciones, la era digital les permite a los artistas hacer carrera en países donde ni siquiera han hecho un show en vivo. Fontana estará en Puerto Rico y México haciendo música y Marconi en Puerto Rico esperan seguir hacer la tarea y continuar conquistando países.
Bunbury presentará Posible, su próximo álbum el 17 de abril, pero antes de su estreno ha presentado dos sencillos Deseos de usar y tirar y Hombre de acción, el videoclip de este último fue filmado en Los Ángeles bajo la dirección de Alex Morante. Un video que logra trasmitir la fuerza de la canción, protagonizado por el mismo Bunbury quién es el maestro de ceremonias de un combate que inicia con sumo, seguido por kickboxing, lucha libre, y ninjas. Estas escenas fueron animadas por el fotógrafo Pablo Diez y el director de arte Markos Keyto ayudados por el ilustrador Jose Luis Ramos. La portada del disco, la contraportada y la lista de las 10 canciones ya fueron reveladas por Bunbury en sus redes sociales. Las fotografías son de Jose Girl. ‘Las letras de esta nueva placa discográfica giran en torno a las distintas versiones de uno mismo que hemos dejado pasar y las infinitas opciones y posibilidades con las que podemos moldear nuestro futuro individual'. La gira de Bunbury recorrerá Francia, España, México, Argentina, Alemania, Costa Rica, el turnio para Colombia será el 14 de julio en Medellín y el 16 de julio en Bogotá.
El dúo colombiano de Sebastian Villanueva (Ensamble Zocoró - Colombia/Paris, Matatitgres, Cumbia y Cardón - Paris) y Camila Moreno (Odio a Botero, La Tenaz, Chongo de Colombia) no para de hacer música y empieza el 2020 con nuevas canciones. Nativo, el EP, reúne cinco temas (en digital) que se hicieron durante viajes, conciertos, al tiempo de otros proyectos musicales. Esta nueva placa discográfica. que también contará con versión fisica que incluirá tres temas más como bonus track, surgió de la investigación y la búsqueda de sonidos tradicionales colombianos sumados al funk y la electrónica de bandas de los 90. Aunque Sebastián está radicado en Europa y Camila en Colombia, no pierden tiempo y están en constante comunicación para hacer música. El año pasado fueron una de nuestras apuestas musicales, por eso no les perdemos la pista. Hablamos con ellos desde Barcelona acerca de los sonidos y la música que los mueve hoy. Hay una temática común en las canciones, ¿de qué querían hablar en este EP? Nativo hace referencia del lugar de donde se proviene y las circunstancias que nos forjan como individuos. Colombia es un lugar con una idiosincrasia particular, donde se demoniza la libertad de expresión, la sexualidad, el credo, y se normalizan las masacres o el asesinato de líderes y la corrupción. Nuestra temática artística puede ser común y habitual para nuestra sociedad, pero no para el resto de humanidad, debemos ser conscientes de que somos una de las naciones más desiguales del mundo. La ultra violencia que vivimos a diario, desde el transporte público, hasta los hogares en conflicto, el desamor tóxico, y muchas cosas más son heridas que debemos trabajar desde todos los aspectos como individuos, como comunidad, y como raza. De eso hablamos, de un personaje, de Gil de Gils, el que siempre comete errores y los cuenta a sus hermanos para que vean el espejo. Musicalmente también es rico en sonoridades, ¿cuál es esa propuesta? Gil de gils suena a músicas tradicionales colombianas traducidas a canciones que hablan de lo cotidiano, que denuncian injusticias, que recuerdan lo que hemos olvidado históricamente, una sociedad que entre sus dificultades sigue adelante, y lucha por sus sueños. Sus letras navegan en armonías, arreglos y melodías inspiradas en los viajes, en las expediciones al currulao, porro y tamborito, en la vivencia de sentirse orgullosamente colombiano. Son letras que resuenan mediante efectos análogos, psicodelia con distorsión, que se entretejen entre la tradición y las músicas actuales. Somos el resultado del mestizaje urbano, sonamos a una nueva Colombia que sigue buscando nuevas opciones para salir adelante. Foto Cortesía Gil de Gils El Diablo es un tema muy bogotano, ¿los sigue inspirando la capital? Sí, El Diablo por más diablo que sea, se traumatiza en Bogotá, es una de las ciudades del mundo más duras, diversas y desiguales. También es una adaptación de narraciones y leyendas tradicionales. ¿De qué habla esta canción? La historia es sobre el Diablo quien, buscando cualquier manera de subsistir, se montó a robar en el sistema principal de transporte de Bogotá y un viejo lo “emburundangó”. El Diablo despertó malherido y en un pastal, recordó que a Cali fue, se enamoró de una morena que lo engatusó y lo secuestró entre El cerro de las Tres Cruces y Cristo obrero (en referencia a una conocida leyenda en Cali según la cual un demonio vive en este cerro). Al escapar fue a Medellín y conoció al Patrón, quien lo estafó, y dolido comenzó a contarle su historia a un ladrón que terminó desesperándose por su quejadera, y lo robó. Pobre Diablo, allí hay más diablos que el Diablo, allí es donde roban a los ladrones. El proyecto de ustedes está articulado en dos lugares, ¿qué les aporta eso musicalmente? Musicalmente ha generado dos reacciones: una parte técnica genera un diálogo entre músicas del mundo y nuestra interpretación de las músicas tradicionales colombianas, algo que vendrá en nuestro próximo trabajo. Es el resultado de entender el funcionamiento de las músicas tradicionales tanto de Medio Oriente como en Europa y Europa del Este, esto nos permite generar nuevas posibilidades entre las sonoridades que estamos buscando. Esto se traduce en el desarrollo de un show enfocado en el mundo, en la gente, nuestro público. Comprendimos el poder de transformación que tiene la música, y que sigue siendo el lenguaje más universal que existe. El segundo y más importante aporte es que comprendimos que la música es la más poderosa arma de construcción masiva que puede cambiar el mundo. Lo digo porque trabajo también en la calle, en el metro etc… y lo veo, veo gente llorando cuando le cantas la canción indicada. No sabes cuándo puedes cambiarle la vida a alguien, lo veo en mis compañeros de batalla, y con cualquier colega llegamos a la misma conclusión, nos tienen miedo, por eso el artista tiene la peor condición dentro del sistema. Porque el arte y la música nos unen como raza, nos hacen latir al mismo ritmo. Cómo perciben la música desde afuera, ¿han logrado capturar público nacional? Sí, gracias a la tecnología, y las nuevas dinámicas de globalización hemos podido fortalecer nuestras redes, hemos encontrado el público al que nos queremos dirigir, a los jóvenes y adultos que están generando transformación social, a los que les gustan las músicas tradicionales, pero también les gusta la distorsión, le llegamos al que le gusta bailar y poguear. Ha sido grato regresar y ver que referencian a Gil de Gils por la calle, que hay personas que publican y nos mandan fotos de nuestro logo en lugares donde hemos estado, desde México hasta Bretaña, porque ese logo está pegado por todo lado. También vemos que nuevas generaciones muestran interés en nuestro contenido artístico. Es inevitable sentir a Europa como un centro de intercambio cultural, un punto estratégico en el planeta donde casi todas las culturas del mundo tienen que ver, y nos ha mostrado un horizonte de festivales y escenarios culturales que son fértiles para generar intercambios culturales. Estamos construyendo redes de festivales, bares y medios de comunicación entre España Francia y Alemania, con el fin de facilitar nuestra circulación entre Europa y América y fortalecer lazos con otras bandas en Colombia y en Europa. Ahora las dinámicas entre tecnología y globalización nos permiten saltar el charco con mayor facilidad, soñar sin miedo. Una anécdota de la grabación de este EP Este es EP es un proyecto de vida, es un espejo de lo que soy y lo que he vivido y las lecciones que me ha dado luchar por este sueño son: “Dele duro sino viene otro y le da más duro”. Eso me lo enseñó en el Pacífico el maestro Guillermo Rentería, mientras aprendíamos a tocar bombo, si no tocabas bien, llegaba otro y te lo quitaba, y así con todo. Tenemos una vida muy corta, debemos disfrutar el presente al máximo porque no hay nada más. Sin duda empiezan el año muy bien, nueva música y nueva gira (España, Francia, Bélgica y Alemania). Ha publicado tres videoclips, Me parece mentira, Limonar, y Tres pies". Este dúo ya lleva casi cuatro años, haciendo lo que les apasiona, la música mezclada entre el amor y el dolor cómico, y la sátira política de nuestra realidad.
Juancho López: no soy rockero, soy rocanrolero es el documental que narra la vida de esta figura emblemática del rock colombiano, conocido por ser “el rockero más viejo de Colombia”. (Documental compelto más abajo)El equipo de Radiónica Medellín hizo una investigación de las rutinas, conciertos y sueños de Juancho, así como en la historia de la emblemática banda Los Yetis, clave en los inicios del rock colombiano. Después de años de trabajo, han logrado concretar una visión clara para plasmar esta crónica visual.El documental ofrece una mirada íntima a la vida cotidiana, la soledad y la nostalgia que rodea la vida de Juancho López, reconocido como el "Abuelo del rock colombiano" por su contribución fundamental al inicio del género en el país.“Ningún rockero colombiano debería perderse este documental, básicamente porque es la semilla, nuestra raíz, el inicio de nuestro rock, la forma en la que nosotros nos concebimos como rockeros colombianos", opina Diego Londoño, director del documental. "Pero no solo los rockeros, ninguna persona debería perderse las experiencias, la visión y la vida de este hombre que por supuesto ha transversalizado la cultura musical rockera de Colombia”, agrega. Los Yetis: banda pionera del rock colombiano Los Yetis nacen como trío vocal en 1965, fundadores son: el cantante y guitarrista Juan Nicolas Estela y los hermanos Juancho e Iván Darío López. En febrero del 66, invitados por la compañía discográfica Discos Fuentes, Los Yetis participan en la grabación de un long play: 14 impactos juveniles!, que tuvo gran éxito. Por eso el sello les pide grabar su primer LP, simplemente llamado Los Yetis. Tras su disco debut, llegaron Los Yetis Vol. 2, en 1967 y Olvídate, de 1968. El grupo se disolvió a finales de los 60, y en 2003se reúne de nuevo hasta 2005 con la participación de Darío Marín, Pedro Pablo Arias,Victor Hugo Acevedo, Jhon Cano, Juan Nicolás Estela y Juancho López, estos últimos, miembros fundadores del grupo.
La pelea Kendrick Lamar vs. Drake empezó hace casi una década. Se dijeron muchas cosas el uno al otro, pero en esa correspondencia de canciones entre los dos raperos salieron dos “argumentos” acusatorios que me generaron más ruido que los demás. Drake dijo que Kendrick era un abusador físico con su esposa, Whitney, en la canción ‘Family Matters’:"When you put your hands on your girlIs it self-defense 'cause she bigger than you?"Kendrick acusó a Drake (una noticia ya vieja) por buscar, cortejar y “amigarse” con menores de edad."Say, Drake, I hear you like 'em youngYou better not ever go to cell block one"No vamos a discutir cuál acusación puede ser más cierta que la otra o cuál aproximación fue peor. Ambas fueron desastrosas.No he visto a la industria, ni a los manes de mis redes sociales, tan preocupados por la violencia de género tanto como cuando dos hombres decidieron usarla para punzarse el uno al otro.Tampoco conocía ese afán por castigar la paternidad ausente. En Colombia se estima que el 40% de hogares se sostienen solo por una mujer, según cifras del DANE del 2022. Y ese número no causa tanto revuelo en línea.Traigo a Colombia y a los hombres a mi alrededor a colación, porque fue ese cinismo el que inspiró y le dio forma a este texto.Santiago Cembrano lo dice muy bien en su artículo: “aunque el rap es el campo en el que el dolor se vuelve entretenimiento, no se trata de que esos versos sean parte de un coro pegadizo.”Y si bien fue el beef de Kendrick y Drake el que agitó esto lo suficiente para empezar a cuestionarnos las formas de algo tan “tradicional” del hip hop como las tiraderas, el cuento va mucho más allá.La deuda la tiene toda la industria. Me parece interesante, por mantenerlo en términos amables, que las personas que estamos en la industria, o los que consumimos música sistemáticamente, le asignemos una cualidad transformadora a la música. Algunos, dicen, que la música les cambia la vida o la forma de ver el mundo.Pero esa responsabilidad que ponemos en la música, y en quienes la hacen, es una camiseta que se puede quitar o poner a nuestro antojo.¿Cuáles son los límites de la corrección política en el arte? Quién sabe, quizá no existen o deberían existir. Entendemos a la música como algo que puede transformarnos y, por eso, a veces, se le pide corrección política.Pero esto va más allá de lo que se le puede pedir o lo que no.No hay que confundir este reclamo con una “necesidad” de corrección política en el arte. Eso es otra conversación mucho más grande.Pero a mí, como mujer y como víctima, me hace ruido la atención fervorosa que recibieron las palabras de Kendrick y Drake: más que mostrar indignación por la(s) posible(s) mujer(es) violentada(s), la audiencia sintió emoción por los egos masculinos que fueron lastimados en el proceso.A los hombres les parece más urgente prestar atención a la violencia cuando se entrega en una cajita de entretenimiento entre estrellas del pop, no cuando le pasa a las mujeres que tienen al lado. O cuando las víctimas son las mujeres cuya música consumen.Hay streamers que reaccionan a gritos porque le “sacaron los trapitos” al otro, no porque detrás de esas barras, que los hacen alucinar de la emoción, puedan haber mujeres abusadas o violentadas; hay medios investigando a fondo lo que puede ser uno de los mejores diss de la historia del hip hop, pero no las acusaciones que, de ser ciertas, deberían tener consecuencias legales.Y ahí está la deuda: acusaciones de pedofilia y violencia intrafamiliar que se quedan en versos de canciones de rap, artistas con denuncias que siguen llenando estadios y mientras tanto mujeres artistas, como Megan Thee Stallion, que tienen que convencer al mundo que lo que pasó fue verdad.La violencia contra las mujeres indigna, o llama la atención, siempre y cuando entretenga. La espectacularización, más que gestionar esa violencia de cara a la reparación, la instrumentaliza para la monetización.Entonces, mientras la mayoría de casos quedan archivados porque se vencen los términos, mientras a las mujeres se les pide ser “la víctima perfecta” y tener todo tipo de pruebas, Twitter se enciende por un par de barras y nos condiciona, nuevamente, a ser únicamente cifras en aumento.
Alicia en el País de las Pesadillas se estrena en los cines del país este 16 de mayo. Esta es una versión tenebrosa y retorcida de las aventuras de Alicia en el País de las Maravillas que lleva al público por un viaje inolvidable hacia lo más profundo de la oscuridad.Después de la trágica pérdida de sus padres, Alicia se ve obligada a mudarse con su tía Beth Crimisy a Wonderland, la imponente mansión familiar. Sin embargo, lo que comienza como una aparente escapatoria se convierte rápidamente en una pesadilla surrealista, cuando Alicia comienza a presenciar eventos cada vez más perturbadores y a encontrarse con figuras misteriosas que la arrastran hacia un mundo habitado por criaturas terroríficas y pesadillas insondables.Alicia en el País de las Pesadillas es una apuesta del director británico Richard John Taylor, conocido por trabajos previos que exploran los rincones más oscuros de la psique humana. En esta ocasión, Taylor se sumerge en el clásico de Lewis Carroll para ofrecer una experiencia que desafía los límites de la imaginación y sumerge al espectador en un mundo paralelo lleno de pesadillas y criaturas terroríficas.Esta adaptación cinematográfica no solo rinde homenaje al legado literario de Carroll, sino que también se une a una creciente tendencia de reinterpretaciones oscuras de cuentos clásicos.En un mundo donde las fronteras entre la realidad y la fantasía se desdibujan, Alicia en el País de las Pesadillas ofrece una visión perturbadora y visceral de un clásico atemporal.Alicia en el país de las maravillas: inspiración para terror Esta no es la primera adaptación de Alicia en tono de terror. En 2010 se estrenó Alice in Murderland. En esta historia, Alice Lewis, de veinte años, cumple 21 y está molesta por ello. Sus hermanas quieren animarla y deciden celebrar una fiesta de cumpleaños con temática de Alicia en el país de las maravillas en casa de Charlene Glass. Alice sabe que en el sótano de esa casa, su madre, Ann Lewis, fue brutalmente asesinada a machetazos por un asesino enmascarado 20 años antes. Las niñas establecieron la regla de que no se permitirán teléfonos celulares ni niños.Alice or the Last Escapade se estrenó en 1977 y está vagamente inspirada en la novela.
La 'Bichota' terminó su gira por Sudamérica con un último show en Brasil, sin embargo, la cantante paisa no llenó en São Paulo. Karol G estuvo en el país carioca el pasado diez de mayo y tras lo ocurrido compartió un mensaje en sus redes sociales.Aunque Karol G se ha convertido en una de las artistas más importantes a nivel mundial, y un referente en su género, no logró cerrar esta fase del tour con la asistencia que esperaba. Luego de su concierto en Brasil la artista detrás de canciones como 'Amargura' y 'TQG' hizo una reflexión en su cuenta de Instagram.“Es increíble como un día podemos tener un show de 60 mil personas y al otro uno de 13 mil y sentirse igual de lindo, igual de grande, igual de especial. La vida me sigue enseñando que nunca estamos en la cima de nada … por eso es mejor recordar de dónde vienes que creerte mucho en donde estas y así poder empezar de cero en cada lugar que sea necesario. Siempre hay un nuevo reto, nuevos desafíos, nuevos sueños por cumplir", se puede leer en su post.Así mismo habló del recorrido que ha hecho desde hace varios años para lograr que su música suene en otros países: "Hace 5 años estuve haciendo promoción de mi música en este pais y entendí que tenía que ir por partes , paso a paso, enfocarme primero en unos países, después en otros y así poder llevar mi mensaje a mi ritmo, sin afán, con mi música, en mi esencia y en los tiempos de Dios.", agregó.Finalmente, agradeció a las personas que fueron a verla en Sao Pablo y al país que, en sus palabras, la recibió y la hizo sentir especial. Este show fue el primer concierto oficial de Karol G en Brasil y el último de la gira por Latinoamérica de 'Mañana Será Bonito Tour'.La cantante regresará a tierras cariocas en septiembre para presentarse en Rock in Rio, un de los festivales más importantes del país.**Si son fanáticos de la bichoca les recomendamos leer: Karol G y las referencias en 'MAÑANA SERÁ BONITO' (Bichota Season), su último álbum.
Laüra Bonsai y Felinna Vallejo conforman Las Ninyas del Corro, una de las formaciones más interesantes de la nueva escuela del rap español. Nuestro colaborador Santiago Cembrano las visitó en su barrio para hablar con ellas y contarnos la historia de su álbum, Bitches in Business. ***—Es como ver follar a tus padres.El sol se derrama con placidez sobre la Plaça de la Vila, en Sant Adrià de Besòs: la periferia de Barcelona. Son las 7 de la tarde de un viernes de abril. En las terrazas no cabe nadie y el saltarín infantil está lleno: las risas y los gritos de júbilo llenan el aire. Una mujer antigua esquiva el partido de fútbol improvisado que atraviesa la plaza y se sienta con su esposo, que la espera en un banco, bajo la sombra de un árbol robusto. Él pone su mano sobre la rodilla de ella y observan a los vecinos que pasan.Laüra Bonsai es de aquí, de Sant Adrià. La rapera de 28 años está en casa, pero, entre sorbos de Cola-Cola, narra una experiencia extraña:—Es como ver follar a tus padres. Así es conocer la industria musical por dentro: "¡Buah! ¿Qué estoy viendo? ¿Cómo funciona esto?" Por eso queríamos explicarles a los demás que estar donde estamos no es lo que parece.Felinna Vallejo tiene 25 años y es de Bon Pastor, un barrio aledaño que se conecta con Sant Adrià a través de un puente, uno como el que está en el logo de Las Ninyas del Corro, el grupo que ambas conforman. Se presentaron como guerreras de ceño fruncido con Onna Bugeisha en 2021 y así construyeron una habitación propia con los códigos noventeros. Giraron por conciertos y festivales de toda España y así conocieron de contratos y adelantos, horarios y rutinas, el negocio que se escondía tras el sueño de la música. Bitches in Business de Las Ninyas del CorroDe esa experiencia, Las Ninyas del Corro hicieron su segundo álbum, Bitches in Business, publicado en marzo de 2024. Tres años después de su debut, agrietan la solemnidad con la que entraron a la cancha. Ahora se ríen más, y cuando escucha a su compañera, Felinna ríe de nuevo:—Cuando empezamos éramos dos chavalillas, había que imponer respeto. Ahora lo tomamos de otra forma, nos hemos dado cuenta de que podemos vacilar. Nos hemos atrevido, sin miedo de explorar. Me he sentido mucho más libre para decir lo que me de la gana sin censurar nada.Y tan libre. A las baterías violentas que Esse Delgado, productor del grupo y del disco, dispone en 'Las Meninas' Felinna les añade un guiño burlón que rompe el corset estricto. Luego de celebrar que ya no la agobian los kilos de más ni algunos rastros de acné, hace lo que en el debut habría sido inimaginable: "Me suda todo el coño, ni la acabo", rapea de salida, con la misma seguridad que la de Sabrina Ionescu cuando asiste sin mirar. Es un gesto de chulería que sintetiza el cambio de atmósfera entre ambos discos.—Antes estábamos más enfadadas. Pero no estábamos enfadadas, sino que entrabas así o no había manera de entrar —me explica Laüra—. Ahora hemos soltado, le hemos quitado importancia a muchas cosas. Nos hemos relajado.Los primeros temas que hicieron con la intención de crear un nuevo álbum rondaron el drumless, pero pensaron que podía aburrir al público de sus conciertos.—Nosotros hacemos todo el tiempo lo que queremos, pero también hay que pensar en lo que funciona. Vivimos esa dualidad todo el rato —explica Felinna, y yo pienso que esas consideraciones son las que hacen parte de un negocio.Un camp para hacer música en Vallirana, en el bajo Llobregat, las desconectó de las distracciones de la ciudad y puso los cimientos de lo que venía. Les gustó tanto el formato que lo repitieron en Tarragona y, luego, en Castellón, en el verano de 2023. Esse Delgado también ama el drumless; Sunday Truce, su colaboración con el madrileño Franco Carter, se sintoniza con texturas góspel y soul que se repiten sin prisa. Sin embargo, Bitches in Business, además del boom bap con el que empezaron, es hogar del repiqueteo de hi-hats y la energía ágil del trap, trap&B y sonidos que conversan con referentes contemporáneos como Kendrick Lamar, Tyler, The Creator, Pusha T, Travis Scott y Beyoncé. También caben el canto y los coros pegadizos, como en “Nasty Girl”, una canción que les enseñó que podían expresar su mensaje sin dejar de divertirse, sin quitarle naturalidad al proceso y el resultado.—Que tu madre te diga que le mola un tema tuyo, como 'Punto de partida', muestra que con los temas más melódicos Bitches in Busines ha podido llegar a más gente. Nuestros amigos lo están escuchando porque les gusta, y no porque somos sus amigas, como en Onna Bugeisha: eso mola —sentencia Laüra—. Incluso a nosotras un disco entero de boom bap nos aburre.***Bitches in Business de giraLas bocas se abren hacia lo alto en la primera fila de la Sala Apolo, y Felinna las bendice con un chorro de ron para que la fiesta siga. Es el 11 de mayo: inicio de la gira de Bitches in Business. Cientos de personas saltan y saltan y saltan y saltan con 'The Wave', un corte electrónico, impetuoso, y las sílabas se deslizan con habilidad de la boca de Laüra al micrófono. Quizás como resultado de conocer la industria por dentro, Laüra juega a la defensiva en varios momentos de Bitches in Business, como si se anticipara al rechazo de una escena que les recriminaría el nuevo estilo, que eran mejores antes.—Pensábamos que la gente del rap nos iba a odiar. Con el primero nadie te conoce, eres nueva. Toda la gente siempre nos ha dicho que el segundo disco es el más difícil. Era como Buah, este disco puede pasar desapercibido. Eso lo primero. Y lo segundo es que siempre te van a decir que molabas más antes: me pasó con Natos y Waor, los escuchaba antes. Pero es verdad que predijimos eso y no ha sido así. A la gente le ha gustado más de lo que pensábamos —me explica Laüra en Sant Adrià.Las Ninyas del Corro avanzan por caminos que C. Tangana, Recycled J y demás artistas que oxigenaron el rap español ayudaron a pavimentar. Del primero Laüra dice que es como un héroe, al infiltrar el pop para luego diversificarlo más allá de Alejandro Sanz y compañía. Desde Rosalía hasta Dellafuente, insiste, en el espectro de lo urbano están las claves de lo más interesante de la música en España. Por otro lado, Recycled era tildado de “maricón”, recuerda ella, por sus melodías y sus sentimientos: era un blandito, y por eso fue decisivo para que el paradigma cambiara y se abriera.De reivindicar lo más puro que salió de una Nueva York gélida a finales del siglo XX, Las Ninyas del Corro pasaron a celebrar a los que retaron, expandieron y reinterpretaron esa herencia en España. Bitches in Business es un álbum que dialoga con todas las posibilidades que han surgido en la última década, así como con sus artífices. Pero. Hay un gran pero.—Por suerte, tú preguntas por raperas de España y nuestro nombre se va a decir. Eso para nosotras es mucho, pero sigue faltando mucho, también. El caso de las mujeres siempre es más exigente y difícil —me dice Laüra, con voz cansada—. Todavía no es suficiente.—Solo hay pibes, yo estoy hasta el coño —la secunda Felinna, y lo repite, esta vez con mayor énfasis en cada palabra, masticando cada una, para que quede claro—. Solo. Hay. Pibes. Madre mía.Las Ninyas del Corro en la sala ApoloLa sala Apolo está llena, agitada. Laüra propone que, como no las invitan a nada, que las lleven a dirigir una sesión de cardio. Sigue cayendo ron como agua bendita, y ya no sé si es sudor esa humedad en la cara de una mujer que canta cada tema como si la hubiera escrito ella. Casi la mitad somos hombres, casi todos con la mano arriba con cada barra. Las Ninyas se refieren al público como “vosotras” y celebran lo guapas que están todas hoy. El punto de vista cambia y las mujeres, que suelen corear versos de manes para manes, quedan en el centro. La diferencia se nota. En el escenario, Laüra y Felinna no solo rapean con precisión y temple, sino que despliegan coreografías, codo a codo con dos bailarinas, que elevan cada tema. El punto de vista cambia, insisto, y yo lo agradezco tanto. Una bebé se eleva en los hombros de su padre y toda la sala le canta el feliz cumpleaños a la mamá de Felinna. Barbas salpimentadas conviven con la juventud. No cabe nadie más acá. Y cuando llega el momento de “Bagaje”, un break amenazante, Laüra cambia de óptica. Pasa a las barreras generacionales: "La vieja escuela desconsidera a la nueva, la nueva desprestigia a la nueva, qué pena".—Aprendimos mucho trabajando con LaBlackie. Ella vino, escribió y se tiró la letra de golpe. Envidio esa frescura —me había dicho Laüra esa vez en su barrio.Hay que ser exigente, pero también tener el coño de decir "Me gusta como queda y así lo tiro, porque me da igual". Eso es muy difícil que nos pase. Entonces sí, es una pena que los de antes no valoren a los nuevos, porque tienen mucho qué aprender de ellos.La canción se llama 'Deena, Snooki & Jwoww', un corrientazo que me estremece entero. Laüra y Felinna rapean juntas la estrofa de LaBlackie. El final, lo saben todas las presentes, va a estallar, y abren un círculo que se funde en una masa de carne y huesos: frenesí.—Rosalía no cantaría lo que canta si no hubiera estudiado el flamenco. Para transformarlo lo ha respetado. Se trata de respetar no solo a los que había antes que tú, sino a la música que estás haciendo —continúa el ensayo de Laüra—. Por eso también me apena que los nuevos no valoren a los que estaban. Estar informado es básico. No digo que el que está empezando tenga que saber todo, pero yo sí valoro que alguien investigue. Por eso me he sentido muy orgullosa y privilegiada cuando Elio Toffana nos invitó a su disco. La Laüra de hace diez años habría matado por una colabo con él, con Kase.O, con el Tote, con la Mala. Y ahora, cuando todo parece más fácil, sin importancia, agradezco que pase. Por respeto a mi historia y a mi trayectoria, ¿cómo no lo voy a hacer?—¡Y qué colabo! —tercia Felinna—. Yo lloré cuando el Elio nos la pasó, ya terminada. También es un tema de identidad, de sentirte dentro de la movida. Los que nos sentimos como parte del rap sentimos que es necesario entender de dónde viene.Otra forma de ver Bitches in Business: hay pesos muertos que no hay que cargar más en la mochila, y compromisos que estructuran lo que se ha hecho y lo que viene. El álbum se trata de identificar cuál es cuál.***Las Nunyas del Corro desde el barrio obreroLa pizzería, en una esquina de la Plaça de la Vila, se llama La Font. La mesera saluda a Laüra con confianza y la rapera le responde que quizás este verano deba pedir trabajo ahí, para ajustar las cuentas, llegar a fin de mes. La mesera, sonriente, le responde que qué va, que ella va a ser muy grande y me pregunta si estoy de acuerdo. Yo le digo que sí, que por eso estoy ahí. Laüra no está tan segura.—Joder, es que parece que es un momento guay para mí, pero a veces no me siento así —confiesa."Lo bueno de vivir en San Roque es que nadie roba en San Roque", rapea Laüra en 'Tridente dorado' sobre el barrio de Badalona en el que vive desde hace unos años, a un par de kilómetros de Sant Adría: uno de los más calientes de Cataluña, según titulares alarmistas de medios apocalípticos. Las Ninyas del Corro rapean desde el margen y muestran el revés de una Barcelona que opera como un parque temático de sí misma para los miles de turistas que llegan cada día. La conciencia de clase, una de las banderas que ondearon en Onna Bugeisha, sigue intacta. Se manifiesta, por ejemplo, cuando Laüra rapea, en 'Las Meninas', que en Barcelona o heredas o te las apañas. Ok, el turismo trae riqueza: ¿pero para quién?—No hemos crecido en Barcelona, sino en los barrios obreros que rodean a Barcelona —afirma Felinna.Este margen es tan geográfico como simbólico. En 'Las Meninas' Felinna se aleja tanto del lujo del barrio de Pedralbes como del centro de Barcelona donde solo hay guiris (turistas blancos) con axilas malolientes y pijos vestidos de Nude Project. Y una de las bombas llega cuando dice esto: La catalanidad de Las Ninyas del Corro es otro de los puntos de tensión: si a ella no la reconocen como catalana, me explica Felinna, pues que se jodan: ella tampoco lo llamará pan tumaca, sino pan con tomate. Laüra, por otra parte, reconoce reflejos de su caso en la historia reciente: cuando le dieron el premio Sant Jordi a Estopa, algunos catalanes protestaron porque cantaban en castellano.—Me da rabia ese elitismo, esa línea entre la burguesía y los catalanes de a pie —continúa Felinna—. Hacemos música en castellano, y por eso parece que no somos referentes en Cataluña. Pero somos raperas catalanas.—Se nota mucho el clasismo de la burguesía catalana —insiste Laüra—. Acá nosotras somos purria, escoria, como lo fueron hace tiempo los andaluces que venían aquí y supuestamente les quitaban el trabajo a los catalanes. Nuestras familias vienen de allí. Acá solo importa lo moderno, lo guay, lo fashion. Pero en este conflicto con la cultura, con la lengua, pueden existir distintas identidades además de la que se espera.El título de Bitches in Business salió en la recta final del proceso. Empezaron con una espíritu más tremendista, color azul oscuro, que plasmara su angustia. Al final eligieron un camino para sublimarla, hacerla divertida. El título es un guiño sarcástico a todo lo que han conseguido, a lo que aspiran, a todo lo que les falta y a cómo estas tres dimensiones se confunden. Un guiño que nos dice, ya lo decía Laüra, que las cosas no son lo que parecen.Felinna llegó a la entrevista luego de su primer día en un nuevo trabajo. Es temporal, me explica, para ajustar algunos números. Y Laüra, que rapea sobre cómo devuelve los trajes de diseñador que compra para un solo uso, me muestra sus manos. Sus dedos tienen marcas de pegante: esa mañana tuvo que pegar la etiqueta de un vestido para poder devolverlo.—Gitaneo, es lo que hay —admite.En ese banco de la otra esquina de la plaza todavía están él y ella, recostados en el amor silencioso y seguro que se sedimenta como la arena que cae al fondo del reloj de cristal. Antes de que nos levantemos y caminemos, yo hacia el metro —hacia el centro— y ellas hacia sus casas, acá cerca, Felinna reseña su propio álbum.—Eso es ser bitches in business —dice, entre risas—. Se trata de buscarse la vida.***¿Quieren leer más sobre rap en Español? En el camerino con Ill Pekeño y Ergo Pro