Hace cuatro años que Bruno Toro no estrenaba nueva música desde el lanzamiento de su álbum La Costa, el primer trabajo discográfico que reunió varias canciones entre las que se destacaron, Cicatriz junto a Estefi Arias, 1990, Entre Velos, y La Costa, la canción que le dio nombre al álbum. El disco salió en plataformas digitales con la disquera mexicana Casette del reconocido Camilo Lara, creador del Instituto Mexicano del Sonido. El Fin es el primer sencillo de su segundo disco El Desierto, es un disco que será hecho cien por ciento en México, las canciones hablarán de sus vivencias en el país azteca, donde Bruno ha recibido el apoyo y reconocimiento del público. ¿Quién está detrás? Esta canción fue compuesta hacer casi tres años por Bruno después del terremoto de México en el 2017. El Fin se grabó en los estudios Sinesquare Mx y fue producida por Memo Rodhes reconocido en la escena indie mexicana. ¿A qué suena? Bruno ha sido uno de los representantes del pop electrónico nacional y continúa con esta bandera, pero esta vez suma los sonidos de la escena disco italiana de los 80. Inspirado también en grandes íconos como Pet Shop Boys, Erasure y Giorgio Moroder. Un gran equipo de diferentes nacionalidades complementa esta canción, Pablo de la Muela/Plan Perkins (español) estuvo a cargo de las guitarras, Karla Molkovic en el bajo (mexicana) y Sofi Maiorana (argentina) vocalista de la banda Kunyaza en los coros, los teclados y las secuencias estuvieron a cargo de Memo Rodhes (mexicano) que también es el productor de El Fin. ¿De qué trata la canción? “El Fin es una metáfora sobre la continuidad del tiempo, cuando notamos que todo en la vida es cíclico, con un principio y un fin, aprendemos a valorar el presente como lo único importante y dejamos atrás la nostalgia del pasado y la ansiedad del futuro. Pienso que también tiene un tinte dramático que evoca la TV mexicana de los 80 y 90, que recuerdo de pequeño”. - Bruno ¿Cuál es la historia detrás del video? Es el primer video de Bruno hecho en realidad aumentada, la pandemia impidió que pudieran grabar en alguna locación, por eso surgió la idea de hacerlo animado y ubicarlo en Paris. Un video que despierta nostalgia, romance y melancolía. “Los tonos en blanco y negro y la animación acentúan el drama de la letra y me recuerdan a Take on me de A-ha uno de los videos más icónicos de los años 80” – Bruno. ¿Cuándo escucharla? Todo el tiempo, cuando necesite darle un poco de ritmo a su día o para relajarse después de un pesado día de tele trabajo.
Cómo muchas canciones Me enamora, surgió en esos momentos creativos cuando están reunidos haciendo videoclips. Nació durante la grabación de Recuerdo la canción que hicieron junto a Tini. En el camerino empezaron a escribirla, con la idea inicial que les envió Juan Morelli, con quién han trabajado antes. “Fue una experiencia súper chévere, sentimos mucha emoción cuando la escribimos, con el firme propósito de comunicar un mensaje bonito, que impacte y llegue a la gente. Antes uno escribía canciones con muchas inspiraciones, por ejemplo; esperaba que a la chica que le escribiste la canción, la escuchara, ahora la inspiración más importante es la gente, que la escuche y sentirse relacionado con la canción, suena a cliché pero la musa es el público, que la vuelve suya”. Para el lanzamiento del videoclip de Me enamora, habían planeado una gran estrategia, en las salas de cine de principales ciudades en muchos países, pero todo cambió con la situación actual del mundo. Pero no quieren dejar a sus seguidores sin un momento especial, por eso están invitando a que vean su video, y dejen un comentario, la persona con el comentario que tenga más likes, pasará una tarde de cine con ellos y 29 amigos. El video fue hecho por la reconocida productora de Medellín 36 grados. El clip protagonizado por ellos, recrea un autocine, con escenas que recuerdan a las comedias románticas de los 80. El equipo de 36 grados les planteo la idea, que recibió la aprobación inmediata de Mau y Ricky, les gustó mucho. “Nos gusta mantener el buen sentido del humor, y ellos vibraron con eso mucho, nos llevamos muy bien y nunca chocamos cabezas con las ideas. Ahora queremos que todos nuestros videos tengan ese toque de humor que nos representa muy bien”.
Nik Salazar no ha parado de componer y hacer música, acaba de estrenar un nuevo sencillo, entre todas las canciones que tiene listas para este 2020. Conmigo es una canción más romántica con un toque urbano, pero conservando la esencia de la balada. Producida por Alenoise y su equipo de trabajo MasterWaves Récords. Según Nik con esta canción quería darle un respiro a la línea de canciones que ya había presentado antes, Tuparami y Negrita, “quería que esta fuera más suave y romántica que las anteriores, una canción para dedicar”. A esto le sumamos que es un tema muy personal, la persona que lo inspiró, sabe que es para ella. Y quien sabe cuántas canciones más vendrán con dedicatoria personal en su próximo trabajo discográfico. No hay fecha exacta, pero, lo que sí sabemos es que vienen más canciones en los próximos meses. La dirección del videoclip estuvo a cargo de Tridente Films, lo grabaron en Guasca Cundinamarca, es la historia de una pareja de enamorados que están empezando a compartir tiempo, antes de irse a vivir juntos, un video que recrearon esos momentos de la relación. Nik es uno de los protagonistas de esta relación.
Delirio Tenaz, es un sencillo que pertenece al álbum Canto al amor, de La Tenaz, una canción que se destacó en el 2018. La historia llamó la atención de Collaboration is culture, un grupo de talentosos creativos, realizadores, artistas y emprendedores de todo el mundo que se unieron para contar en imágenes su propia versión. Delirio Tenaz, fue rodado en Brooklyn y Manhattan, New York, allí el director quiso representar a través de la danza contemporánea el delirio por la ciudad, por eso junto al director de arte Sergio Jara, y a la productora Alejandra Ramírez (Drim Films) armaron la historia donde la bailarina canadiense, Laurie Déziel protagonista del video, se dejará llevar por las calles rudas y fuertes de East Williamsburg. Ella entró en el papel de una manera tan fuerte, que en el video se ve reflejada la nostalgia que ella misma siente por la ciudad y la montaña rusa de emociones que la misma le genera. Ésta es la primera colaboración del colectivo que tienen la firme intención de trabajar en conjunto para crear, transformar y potencializar las ideas y los proyectos en diferentes partes del mundo. El video clip de Delirio Tenaz es una idea entre el director de cine y publicidad Daniel Zambrano radicado en New York y Tana Vallejo a.k.a Latenaz: “Delirio Tenaz es una canción que habla del conquiste y el preámbulo a un encuentro de pasión en una etapa del amor, pero esto no lo sabía Dani, quién le da vuelta a la historia y con su equipo de trabajo la transforman en una conexión con su vida en una ciudad ajena, ellos son artistas defendiéndose en esa gran mole de ciudad, donde vieron esa nostalgia, soledades y sensaciones muy personales”, afirma La Tenaz.
Darkiel ha logrado reconocimiento en la música, gracias a sus composiciones saturadas de emociones que intentan dejar siempre un mensaje positivo a sus seguidores, con el que ha conseguido mantener una relación cercana. El cantante puertorriqueño está convencido que la cotidianidad y los hechos similares que vivimos todos nos acercan y nos mantienen conectados con lo que pasa a nuestro alrededor. Movido por las situaciones que pasan a diario, estrenó junto a Shaggy y Maffio, Me siento bien, una canción que intenta enviarle un mensaje positivo a todas las personas que están pasando por alguna situación difícil. “Esta vida es una, yo no sé cuánto me quede por eso abraza a quien quieres, no esperes ahora que puedes” afirma su letra que además rinde homenaje a Kobe Bryant. Darkiel: la nueva sangre del género urbano El videoclip filmado en Kingston, Jamaica fue dirigido por Ramón Cruz, en este corto podemos ver imágenes reales de los terremotos que sacudieron Puerto Rico y de los incendios de Australia que conmovieron el mundo entero. Lo que quisieron hacer estos tres artistas es aprovechar la música para ser portadores de un mensaje de esperanza que contagie el mundo entero.
A Lo peridol es una canción original de Radio Paila, que fue descubierta por Consulado en una sala de ensayo, pero a este encuentro explosivo le faltaba algo que llevara al límite las emociones que tenía la letra y los sonidos. Por eso había la posibilidad de un tercero para completar el feat. La canción tiene bases de hip hop que necesitaban aprovechar, decidieron sumar a Nano de Nepentes y completar esta colaboración masiva de tres grandes representantes de la escena independiente nacional. Los tres lograron encontrar en la guitarra algo en común, un riff poderoso que los unía perfectamente. Las líricas y los instrumentos juegan con la inestabilidad, los paradigmas, la incoherencia, la esquizofrenia, que querían compartir en el sencillo. La grabación, la mezcla y la pasterización estuvo a cargo de Godi Gaviria de Radio Paila. Nano colaboró desde la distancia y envió su voz. Este lanzamiento viene acompañado de un videoclip dónde los protagonistas evidencian la ansiedad y la locura que los une.
El dúo argentino comienza el año presentando dos canciones incluidas en Momoto, su primer EP del 2020., las canciones son inspiradas en dos especies endémicas de la selva Tepozteca. El Momotus mexicanus y la Plestiodon brevirostris (una elegante lagartija conocida comúnmente como Salamanquesa). México es un país que ha inspirado mucho el trabajo de Klik & Frik, precisamente estrenan nueva música a través de la plataforma mexicana Onda Mundial, el colectivo de Dj y artistas de la escena electrónica latinoamericana, que reúne los sonidos de diferentes rincones de América Latina. Ellos tienen clara la definición de estás dos canciones, Momoto cuenta con elementos introspectivos y una progresión casi cinematográfica, un paisaje sonoro por el cual se pasea un curioso pájaro matutino. Y Salamanquesa, nos transporta al sonido de las orquestas cumbieras de los años 50, entrecruzando los clarinetes del virtuoso músico mexicano Chirimoyo con sintetizadores que nos sumergen en un mood nostálgico y festivo a la vez.
Fontana es un cantante que ha estado muy cerca de la música desde su adolescencia: toca instrumentos, baila y ha sido parte de obras musicales. En Colombia participó en A otro nivel, en el 2017, y se destacó entre los 10 finalistas. En el 2019 estrenó Por el cuello, junto a Xantos, una canción producida por Tainy, reconocido por su trabajo junto a artistas como J Balvin, Cardi B, Bad Bunny, Selena Gómez, Daddy Yankee, entre muchos otros. La colaboración junto a Marconi surgió porque el director de videos Gustavo Camacho le mostró a Fontana la canción Frío pingüino de Marconi. Fontana recuerda que este “feat.” surgió muy rápido. “Estábamos grabando una cantidad de canciones cuando salió Calienta, un tema como romántico y necesitaba darle un toque fuerte. Gustavo la escuchó y propuso a Marconi, hablo con él y aceptó de una, a los dos días envió la grabación”. Fotos Javier Quintana // jquintanar8 “Lo que me llamó la atención de la canción fue lo diferente. En Puerto Rico tenemos una maqueta, un tipo de tiempo más ligero, el contenido, la letra, hasta los sonidos son diferentes. Cuando escuché la propuesta, era un reto para mí, no había hecho algo así, y además confío en el proyecto de Fontana”, cuenta Marconi. Para ambos era claro que querían destacar los sonidos latinos, el pop, el reggaetón, y especialmente, el equilibrio de su raíces puertorriqueñas y colombianas. “Nich, el productor, le metió un cuatro atrás en el fondo del tema para hacerle un poco más el sonido de reggae de playa, pero Marconi cambió el beat, logró organizar un buen colchón para acoplar las voces”, dice Fontana. El tema que consagró a Marconi fue Frio pingüino, tuvo aceptación de todo el público, especialmente de los niños en Puerto Rico. Esto hizo que su mensaje tuviera un objetivo claro: hablarle a todo el mundo y que su música sea para todas las edades. Él define su música como ‘traptón’, una mezcla de reggaetón con trap, Según Marconi, “Puerto Rico es la cuna del reggaetón, pero allí también han surgido grandes exponentes del trap”. Ambos coinciden que la música no tiene una fórmula y que hay que buscar las audiencias donde se escuchen sus canciones, la era digital les permite a los artistas hacer carrera en países donde ni siquiera han hecho un show en vivo. Fontana estará en Puerto Rico y México haciendo música y Marconi en Puerto Rico esperan seguir hacer la tarea y continuar conquistando países.
Bunbury presentará Posible, su próximo álbum el 17 de abril, pero antes de su estreno ha presentado dos sencillos Deseos de usar y tirar y Hombre de acción, el videoclip de este último fue filmado en Los Ángeles bajo la dirección de Alex Morante. Un video que logra trasmitir la fuerza de la canción, protagonizado por el mismo Bunbury quién es el maestro de ceremonias de un combate que inicia con sumo, seguido por kickboxing, lucha libre, y ninjas. Estas escenas fueron animadas por el fotógrafo Pablo Diez y el director de arte Markos Keyto ayudados por el ilustrador Jose Luis Ramos. La portada del disco, la contraportada y la lista de las 10 canciones ya fueron reveladas por Bunbury en sus redes sociales. Las fotografías son de Jose Girl. ‘Las letras de esta nueva placa discográfica giran en torno a las distintas versiones de uno mismo que hemos dejado pasar y las infinitas opciones y posibilidades con las que podemos moldear nuestro futuro individual'. La gira de Bunbury recorrerá Francia, España, México, Argentina, Alemania, Costa Rica, el turnio para Colombia será el 14 de julio en Medellín y el 16 de julio en Bogotá.
El dúo colombiano de Sebastian Villanueva (Ensamble Zocoró - Colombia/Paris, Matatitgres, Cumbia y Cardón - Paris) y Camila Moreno (Odio a Botero, La Tenaz, Chongo de Colombia) no para de hacer música y empieza el 2020 con nuevas canciones. Nativo, el EP, reúne cinco temas (en digital) que se hicieron durante viajes, conciertos, al tiempo de otros proyectos musicales. Esta nueva placa discográfica. que también contará con versión fisica que incluirá tres temas más como bonus track, surgió de la investigación y la búsqueda de sonidos tradicionales colombianos sumados al funk y la electrónica de bandas de los 90. Aunque Sebastián está radicado en Europa y Camila en Colombia, no pierden tiempo y están en constante comunicación para hacer música. El año pasado fueron una de nuestras apuestas musicales, por eso no les perdemos la pista. Hablamos con ellos desde Barcelona acerca de los sonidos y la música que los mueve hoy. Hay una temática común en las canciones, ¿de qué querían hablar en este EP? Nativo hace referencia del lugar de donde se proviene y las circunstancias que nos forjan como individuos. Colombia es un lugar con una idiosincrasia particular, donde se demoniza la libertad de expresión, la sexualidad, el credo, y se normalizan las masacres o el asesinato de líderes y la corrupción. Nuestra temática artística puede ser común y habitual para nuestra sociedad, pero no para el resto de humanidad, debemos ser conscientes de que somos una de las naciones más desiguales del mundo. La ultra violencia que vivimos a diario, desde el transporte público, hasta los hogares en conflicto, el desamor tóxico, y muchas cosas más son heridas que debemos trabajar desde todos los aspectos como individuos, como comunidad, y como raza. De eso hablamos, de un personaje, de Gil de Gils, el que siempre comete errores y los cuenta a sus hermanos para que vean el espejo. Musicalmente también es rico en sonoridades, ¿cuál es esa propuesta? Gil de gils suena a músicas tradicionales colombianas traducidas a canciones que hablan de lo cotidiano, que denuncian injusticias, que recuerdan lo que hemos olvidado históricamente, una sociedad que entre sus dificultades sigue adelante, y lucha por sus sueños. Sus letras navegan en armonías, arreglos y melodías inspiradas en los viajes, en las expediciones al currulao, porro y tamborito, en la vivencia de sentirse orgullosamente colombiano. Son letras que resuenan mediante efectos análogos, psicodelia con distorsión, que se entretejen entre la tradición y las músicas actuales. Somos el resultado del mestizaje urbano, sonamos a una nueva Colombia que sigue buscando nuevas opciones para salir adelante. Foto Cortesía Gil de Gils El Diablo es un tema muy bogotano, ¿los sigue inspirando la capital? Sí, El Diablo por más diablo que sea, se traumatiza en Bogotá, es una de las ciudades del mundo más duras, diversas y desiguales. También es una adaptación de narraciones y leyendas tradicionales. ¿De qué habla esta canción? La historia es sobre el Diablo quien, buscando cualquier manera de subsistir, se montó a robar en el sistema principal de transporte de Bogotá y un viejo lo “emburundangó”. El Diablo despertó malherido y en un pastal, recordó que a Cali fue, se enamoró de una morena que lo engatusó y lo secuestró entre El cerro de las Tres Cruces y Cristo obrero (en referencia a una conocida leyenda en Cali según la cual un demonio vive en este cerro). Al escapar fue a Medellín y conoció al Patrón, quien lo estafó, y dolido comenzó a contarle su historia a un ladrón que terminó desesperándose por su quejadera, y lo robó. Pobre Diablo, allí hay más diablos que el Diablo, allí es donde roban a los ladrones. El proyecto de ustedes está articulado en dos lugares, ¿qué les aporta eso musicalmente? Musicalmente ha generado dos reacciones: una parte técnica genera un diálogo entre músicas del mundo y nuestra interpretación de las músicas tradicionales colombianas, algo que vendrá en nuestro próximo trabajo. Es el resultado de entender el funcionamiento de las músicas tradicionales tanto de Medio Oriente como en Europa y Europa del Este, esto nos permite generar nuevas posibilidades entre las sonoridades que estamos buscando. Esto se traduce en el desarrollo de un show enfocado en el mundo, en la gente, nuestro público. Comprendimos el poder de transformación que tiene la música, y que sigue siendo el lenguaje más universal que existe. El segundo y más importante aporte es que comprendimos que la música es la más poderosa arma de construcción masiva que puede cambiar el mundo. Lo digo porque trabajo también en la calle, en el metro etc… y lo veo, veo gente llorando cuando le cantas la canción indicada. No sabes cuándo puedes cambiarle la vida a alguien, lo veo en mis compañeros de batalla, y con cualquier colega llegamos a la misma conclusión, nos tienen miedo, por eso el artista tiene la peor condición dentro del sistema. Porque el arte y la música nos unen como raza, nos hacen latir al mismo ritmo. Cómo perciben la música desde afuera, ¿han logrado capturar público nacional? Sí, gracias a la tecnología, y las nuevas dinámicas de globalización hemos podido fortalecer nuestras redes, hemos encontrado el público al que nos queremos dirigir, a los jóvenes y adultos que están generando transformación social, a los que les gustan las músicas tradicionales, pero también les gusta la distorsión, le llegamos al que le gusta bailar y poguear. Ha sido grato regresar y ver que referencian a Gil de Gils por la calle, que hay personas que publican y nos mandan fotos de nuestro logo en lugares donde hemos estado, desde México hasta Bretaña, porque ese logo está pegado por todo lado. También vemos que nuevas generaciones muestran interés en nuestro contenido artístico. Es inevitable sentir a Europa como un centro de intercambio cultural, un punto estratégico en el planeta donde casi todas las culturas del mundo tienen que ver, y nos ha mostrado un horizonte de festivales y escenarios culturales que son fértiles para generar intercambios culturales. Estamos construyendo redes de festivales, bares y medios de comunicación entre España Francia y Alemania, con el fin de facilitar nuestra circulación entre Europa y América y fortalecer lazos con otras bandas en Colombia y en Europa. Ahora las dinámicas entre tecnología y globalización nos permiten saltar el charco con mayor facilidad, soñar sin miedo. Una anécdota de la grabación de este EP Este es EP es un proyecto de vida, es un espejo de lo que soy y lo que he vivido y las lecciones que me ha dado luchar por este sueño son: “Dele duro sino viene otro y le da más duro”. Eso me lo enseñó en el Pacífico el maestro Guillermo Rentería, mientras aprendíamos a tocar bombo, si no tocabas bien, llegaba otro y te lo quitaba, y así con todo. Tenemos una vida muy corta, debemos disfrutar el presente al máximo porque no hay nada más. Sin duda empiezan el año muy bien, nueva música y nueva gira (España, Francia, Bélgica y Alemania). Ha publicado tres videoclips, Me parece mentira, Limonar, y Tres pies". Este dúo ya lleva casi cuatro años, haciendo lo que les apasiona, la música mezclada entre el amor y el dolor cómico, y la sátira política de nuestra realidad.
Nick y Aaron Carter: ídolos caídos es una docuserie en dos partes de Investigation Discovery que explora las vidas de los hermanos Nick y Aaron Carter, el primero conocido por su participación en lso Backstreet Boys. La serie se estrenará en Max con su primera parte el 27 de mayo y la segunda el 28 de mayo. Además, estará disponible en Discovery a partir del 7 de junio a las 22:00 hs (Colombia) en un formato de cuatro episodios de una hora, con el estreno de un capítulo cada semana.¿De qué trata Nick y Aaron Carter: ídolos caídos?Desde su meteórica fama a finales de los años 90 y principios de los 2000 hasta los conflictos que los llevaron a los titulares en años recientes, la docuserie revela la tensa dinámica familiar de los Carter y un lado no tan conocido de su ascenso a la fama. Nick y Aaron Carter: ídolos caídos examina las acusaciones de abuso sexual contra Nick Carter, realizadas por tres mujeres, mientras aborda las luchas de Aaron Carter con la salud mental, el abuso de sustancias y la ruptura entre los hermanos tras el apoyo de Aaron a las denunciantes de Nick.En 2017, Nick Carter fue acusado de abuso sexual por Melissa Schuman, ex miembro del grupo musical femenino DREAM, mientras él y los Backstreet Boys estaban en la cúspide de su fama. En los años siguientes, otras mujeres, Ashley Repp y Shay Ruth, presentaron acusaciones similares. Durante este tiempo, Aaron Carter apoyó a quienes denunicaron a Nick, mientras lidiaba con sus propios problemas de adicción y salud mental, lo que llevó a una disputa pública entre los hermanos antes de la trágica muerte de Aaron en 2022. La serie profundiza en las acusaciones contra Nick y cómo se entrelazaron con la volátil relación entre los hermanos.La serie cuenta con entrevistas exclusivas a Melissa Schuman, Ashley Repp y Shay Ruth, quienes ofrecen perspectivas emotivas e impactantes sobre sus acusaciones contra Nick. Nick y Aaron Carter: ídolos caídos busca ofrecer una comprensión más profunda de las denuncias, y narrar la intensa reacción que las denunciantes han enfrentado desde que decidieron hablar públicamente, y el impacto duradero en sus vidas. La docuserie también incluye testimonios de un miembro de la familia Carter y amigos cercanos, como la ex novia de Nick, Kaya Jones, y la ex prometida de Aaron, Melanie Martin, brindando una mirada íntima a cómo la intensa fama y los conflictos provocaron una ruptura entre los hermanos.
Desde hace años en algunos conciertos en Colombia se vienen implementando los palcos, es decir, espacios delimitados frente al escenario destinados a grupos más grandes, normalmente de 10 personas . Es una modalidad usada principalmente en conciertos de reggaetón o música popular. Recientemente, Nicky Jam se pronunció al respecto. Nicky Jam dio una entrevista al canal de video 'Mario VI TV' y habló sobre la organización de conciertos en el país. Según el puertorriqueño, la forma en que se organiza al público en los escenarios en Colombia. a menudo dificulta la conexión con los artistas. Por eso dijo que "los conciertos de Colombia son los más difíciles", en un fragmento de la entrevista que se viralizó en X (Twitter). "El promotor pone palcos donde están los ricos, mientras que la masa que realmente canta las canciones está en las zonas generales. No sientes al público, porque los que están al frente no gritan ni hacen nada", comentó el cantante.Los palcos suelen tener costos más elevados que la taquilla general: recientemente para el concierto de Karol G, los costos del palco superaban los 24 millones de pesos. Además, Nicky Jam señaló que en algunos conciertos combinan artistas urbanos con intérpretes de vallenato y música popular, lo cual provoca que los fans del reguetón terminen en las zonas generales, mientras que aquellos que prefieren otros géneros ocupan los palcos. El cantante no está de acuerdo con esta forma de organización, ya que considera que el espectáculo debería ser para todos."Yo soy de energía. Si estoy en el escenario y no siento a la gente gritando, me desanimo inmediatamente", complementó el artista. Nicky Jam destacó al estadio Atanasio Girardot en Medellín como un buen escenario: "Me gusta cómo prepararon el Atanasio. Es sin palcos, por eso se siente como un verdadero concierto con el pueblo. Me encanta cantar y estar cerca de la gente, sentir que puedo chocar los cinco con alguien. Pero eso es lo que hacen los promotores de allá, y mis respetos para ellos por seguir contratándome", concluyó.Nicki Jam forma parte del cartel de La Eterna, evento que se celebrará el próximo 3 de agosto, precisamente en el Estadio Atanasio Girardot.
Pimpinela, el dúo argentino compuesto por los hermanos Lucía y Joaquín Galán, fue un éxito a finales de los 80 y principios de los 90, gracias a asus cancioens dramáticas con diálogos cantados. Canciones como A esa, Olvídame y pega la vuelta, Ahora decide y Ese estúpido que llama. En uno de los videos de Pimpinela hay un cameo que aún hoy, más de 30 años después de su estreno, sigue llamado la atención: eld el actor Christopher Reeve, conocido por interpretar a Superman. El video musical de Heroína Solitaria"debutó en 1993 como parte del álbum Pimpinela 92. El vídeo retrataba una fantasía romántica que involucraba a una joven secretaria que trabajaba para un poderoso hombre de negocios. A lo largo del vídeo, la trama se desarrolla con deseos reprimidos entre la "heroína solitaria" y su misterioso jefe, que inteligentemente nunca aparece del cuello para arriba, manteniendo un aire de misterio como el objeto secreto de su afecto.La interacción entre Lucía y Joaquín en la canción refleja una lucha constante entre mantener la profesionalidad y ceder ante los sentimientos. El título se refiere a su gran esfuerzo para mantenerse profesional en una situación que claramente la afecta emocionalmente. Mientras el dúo argentino interpreta su sentida canción ante un público cautivado, la trama se complica cuando el jefe olvida sus billetes de avión para un viaje crucial. En una carrera desesperada por entregarlos, la secretaria lo alcanza y le revela que no es otro que el propio Superman, interpretado por el querido actor Christopher Reeve. Reeve reconoce gentilmente su esfuerzo y queda cautivado por la joven.El video fue filmado justo antes del trágico accidente de Christopher Reeve en 1995, que resultó en una lesión en la médula espinal que lo dejó paralizado. A pesar de sus desafíos posteriores, Reeve, quien inmortalizó al superhéroe Superman, continuó inspirando a muchos hasta su fallecimiento, el 10 de octubre de 2004.
El lunes 6 de mayo del 2024, cuatro mujeres lesbianas sufrieron de un grave ataque homófobo en el hostal donde se estaban quedando. Todo indica que el responsable fue el propietario del lugar, Justo Fernando Barrientos de 67 años. El hombre lanzó una botella llena de líquido inflamable dentro de la habitación en donde se hospedaban las cuatro mujeres. Solo una de ellas logró sobrevivir. Pamela Cobbas, de 52 años, murió unas horas después del ataque y su pareja, Mercedes Roxana (52), murió después de agonizar más de 48 horas debido a que su cuerpo estaba en un 90% lleno de quemaduras. Otra de las mujeres, Andrea Amarante (42) logró sobrevivir un poco más. Sin embargo, a pesar de los esfuerzos del equipo médico, murió a la semana del asesinato. La pareja de Andrea, Sofía Castro Riglos, de 49 años, es la única que logró sobrevivir. Sigue bajo cuidado médico en el hospital. El presunto responsable fue encontrado por la policía tiempo después de los hechos intentando quitarse la vida con una motosierra. Lo que sucedió según los testigosSegún otros inquilinos que se quedaban en el mismo hostal de las mujeres, los gritos los levantaron después de la medianoche. Al verlas envueltas en llamas intentaron apagarlas con un extintor pero no fue posible. Por esto, las llevaron a la ducha más cercana. El incendio causado por la botella con líquido inflamable fue de tal magnitud que tuvieron que evacuar a unas treinta personas más ya que se extendió por una parte del edificio. Las manifestacionesPara exigirle al gobierno de Javier Milei y a las autoridades de que se haga justicia, el 13 de mayo del 2024 un grupo de 200 personas se reunió en la Plaza Colombia, donde tuvo lugar el asesinato, con pancartas donde se leí que era necesario abordar la violencia homofóbica. Sin embargo, el presidente Milei afirmó que este no era un crimen de odio y pidió mayor investigación.
Ya se estrenó en salas de cine If: amigos imaginarios, escrita y dirigida por John Krasinski y protagonizada por Ryan Reynolds. En un mundo donde la vida adulta y la realidad a menudo desvanecen la imaginación, Amigos Imaginarios explora esta premisa: “¿y si nunca es demasiado tarde para volver a conectarte con ella? Volver a ser niño, aunque sea por un momento". If: amigos imaginarios: ¿De qué se trata?La película lleva a los espectadores a un viaje lleno de asombro y maravilla, donde la fantasía se convierte en realidad y los amigos imaginarios son más que simples recuerdos.Amigos Imaginarios sigue el viaje de Bea, una niña de 12 años que descubre un extraordinario superpoder: la capacidad de ver a los amigos imaginarios de todos. En la cúspide de su adolescencia, lista para dejar atrás lo que significa ser una niña, una noche de verano mientras visita a su abuela en Brooklyn, su vida cambia."Contamos esta historia a través de los ojos de una niña que, al igual que mis hijos, está tratando de lidiar con lo cambiado que está su mundo", dice Krasinski en un comunicado de prensa. "Al hacer eso, podemos capturar la idea de que la imaginación no solo es una herramienta poderosa para divertirse, sino también un enorme mecanismo de afrontamiento que nos ayuda a dar sentido a las cosas que de otro modo podrían ser demasiado difíciles".Amigos Imaginarios es más que una película; es un recordatorio de que nunca es demasiado tarde para volver a conectar con nuestra imaginación interior. Una película que celebra la imaginación y la capacidad de creer en lo imposible. Mientras se embarca en la misión de conectar los corazones de todos, jóvenes y adultos por igual, recordándonos el valor de mantener vivos nuestros sueños más preciados. If: amigos imaginarios: ¿Cuál fue la inspiración? La inspiración para este viaje fueron los propios hijos de Krasinski, "Durante los primeros días de la pandemia, pude pasar mucho tiempo con mis hijas de 8 y 6 años y ver el poder de su imaginación. Pero a medida que avanzaba la pandemia, comencé a ver que sus luces disminuían. Habían estado tan llenos de energía y emoción, pero se estaban volviendo más cautelosos con todo" afirmó el director.