Un grupo de artistas circenses se ven obligados a huir de su circo perseguidos por el Dueño de Todas las Cosas. Y emprenden una aventura por mar y en su travesía recorren distintos lugares del planeta conociendo diferentes personajes, dejando a cada paso una huella imborrable con su música y forma de ver el mundo. Esta historia estará en temporada desde el 12 de mayo hasta el 1 de septiembre. Fotos: katherine Fresneda // @ktfresneda Burning Caravan en su circo, interpreta Benvenuti a Tutti dando inicio a su espectáculo. Durante el número de Matrioska la intrépida clavadista en valde de agua, irrumpe en escena El Dueño de Todas las Cosas, reclamando la posesión del circo. La banda se niega a entregar su circo y se monta en su barco Neptuno, perseguidos por el Barco Acorazado del Dueño de Todas las Cosas, comenzando una persecución por el mar. Llegan a las costas de la Selva Africana y deben escapar de los animales Salvajes. Siguen por el Atlántico con rumbo Norte y llegan a la Costa de Francia, donde conocen a Sam y Gullivier los cocineros, conocen la campiña francesa y al horrible Monstruo más tierno de la región. Llega el Dueño de Todas las Cosas a Francia, la persecución se reanuda. Navegan hacia el sur por el Atlántico hasta atravesar el Portal mágico de Ciudad Faro y llegan a la costa de Chile dónde conocen a Pablo Neruda. Vuelven al mar perseguidos por el Dueño de todas las cosas. Se enfrentan a diversos piratas en el mar caribe, hasta que Neptuno es destrozado por el Acorazado del dueño de todas las cosas. Ellos Naufragan y llegan a Colombia donde son entrevistados en un programa de televisión. El Dueño de Todas las Cosas aparece nuevamente, pero esta vez ha perdido todos sus bienes en la travesía, dando paso a un final inesperado. Las frases célebres de los personajes Matrioska - Diana Osorio “El monstruo, en agradecimiento por haberlo liberado, nos mostró su tesoro: su misterioso Jardín secreto”. Sam- Javier Ojeda “Atravesamos el portal de Ciudad Faro y las ballenas azules nos acompañan durante todo el recorrido por los antiguos mares australes”. Don Pablo- Francisco Marti “Ahora soy un oráculo. Ayudo a los exiliados a pasar de una dimensión a otra, con un sorbo de este caldito”. Mario Romero “Martinez también nos enseñó los ritmos de la costa caribe, como la cumbia. ¿Quieren escuchar?” Pablo Muñoz “Si no tienen memoria van a vivir con miedo huyendo de sus verdugos, escapando por siempre de un dueño o de otro”. Gullivier- Olivier Lestriez “Nuestra desventura de ser prófugos y tener que escapar por el mar, se transformó en una aventura de vida”. Micaela Morello - Director de actores - Entrevistadora “Naufragaron! ¡Que emocionante! ¿Qué se siente naufragar? ¿Tragaron mucha agua? ¿Qué sabor tiene el mar Caribe?”
Una actividad que busca promover y visibilizar la dramaturgia nacional y acercarla a los espectadores. Para lograrlo el público será el verdadero jurado del torneo, que votará por su favorito en un enfrentamiento donde el texto teatral será el único protagonista. Los interesados deben presentar un texto inédito elaborado exclusivamente para el Torneo de Dramaturgia, el cual debe tener una duración de máximo 45 minutos y estar escrito para dos personajes. Los dramaturgos deberán presentar sus propuestas bajo la modalidad de seudónimo, por lo que los textos presentados no deben revelar su identidad, puesto que es causa de descalificación. Un jurado invitado por el Teatro Colón seleccionará los ocho textos finalistas entre todos los participantes. Se enfrentarán por parejas en tres rondas (cuartos de final, semifinales y final), hasta seleccionar el campeón. Los nombres de los ganadores de cada fase se revelarán únicamente al final del torneo y cuando el campeón haya sido seleccionado. Los textos finalistas se darán a conocer el 19 de julio y el Torneo de Dramaturgia se realizará del 30 de julio al 27 de agosto en el Teatro Colón de Bogotá. Este año, los dos finalistas participarán en una clínica de dramaturgia del 28 al 30 de agosto y el ganador recibirá un total acumulado de $14.500.000. Toda la información de la convocatoria aquí. Es importante resaltar que el Torneo de Dramaturgia es una idea original de Jordi Casanovas desarrollada conjuntamente con el Festival Internacional Temporada Alta de Girona (España).
Después de varios meses de arduo trabajo en el estudio, Los Rolling Ruanas presentaron oficialmente su nueva placa discográfica, Sangre Caliente. Aunque durante el 2017 estuvieron ocupados girando, por varias ciudades del país, tuvieron tiempo para trabajar en nuevas canciones y en un álbum que define muy bien su sonido y con el que comienzan nuevamente un viaje musical. El álbum está compuesto por trece tracks, donde sobresalen canciones como Fan Django su primer lanzamiento, Sangre caliente, con pequeños matices de cumbia y música del altiplano colombiano, Rajaleña un ritmo propio del altiplano mezclado con líricas, entre otras canciones, que ya pueden escuchar en todas las plataformas de streaming. En el álbum cuentan con colaboraciones de artistas como Inti. Illimani de Chile, Rap Bang Club, y Fémina de Argentina. El pasado cuatro de mayo el Teatro Colón fue el escenario que recibió a los cuatro hijos de la carranga. Un show memorable, poderoso, con un público que seguramente tenía la sangre caliente, con las nuevas canciones de Los Ruanas. 10 momentos memorables del concierto Fotos: Daniel Álvarez // @daniel.alvarez9 1. El intro animado contaba la historia de cuatro personas que se pierden en el bosque y caen bajo un hechizo de una bruja que les da súper poderes para interpretar instrumentos de cuerda. 2. Las visuales que usaban en cada canción creadas por MireAver, eran un lienzo pintado exclusivamente para cada canción. 3. Lo primeros invitados a subir al escenario fue un grupo andino amigo de Los Ruanas, para interpretar La edad primera, canción que grabaron con el grupo chileno Inti-Illimani. 4. La fuerza de las líricas de Rap Bang Club, se mezclan con la música tradicional andina en el escenario, para interpretar Rajaleña. 5. Juan Diego, mostró todos sus dotes de actor en Mr. Gringo, durante un corto tiempo entretuvo a los asistentes con su papel del gringo encantado de la cultura colombiana o mejor, de la chicha. 6. El ciclismo y sus protagonistas merecían un homenaje en el escenario del Colón, Caballo de acero, es una canción que reconoce a cada uno de nuestros héroes sobre ruedas. 7. Otro de los protagonistas fue el productor del disco Mario Galeano, que fue invitado al escenario para interpretar Ojos de serpiente. 8. Las ruanas también fueron el outfit que predominó, el público acudió al show, vistiendo esta prenda en honor a la banda. 9. Sin duda los covers fueron su carta de presentación, el momento de Toxicity, de System Of a Down logró la euforia del público y un exorcismo de la banda. 10. Al final del show, no queda duda que hay un gran equipo detrás de Los Ruanas, y que el trabajo en conjunto los ha colocado en el radar de las nuevas propuestas de la música colombiana.
El Crimen del siglo, novela de Miguel Torres, narra las situaciones que llevaron a Juan Roa Sierra, presunto asesino de Jorge Eliécer Gaitán, a cometer el magnicidio que cambió la historia política del país en el siglo XX. Esta novela es llevada a las tablas por su mismo autor. La obra, apuesta del Teatro Colón y el Ministerio de Cultura, no intenta resaltar el personaje de Roa Sierra, ni liberarlo de la culpa, busca ahondar en su vida para identificar todas las situaciones que lo llevaron a ser el instrumento de este asesinato. Hablamos con el director, Miguel Torres, acerca de la obra, la violencia colombiana, y tomamos algunas frases clave de sus personajes. ¿Cuál fue el reto más grande de llevar El Crimen del siglo a las tablas? Me metí en la grande. Yo había hecho eso con otro tipo de autores novelistas: García Márquez, Orwell, Kafka y estoy sufriendo en carne propia mi atrevimiento porque creo que es la experiencia más difícil que he tenido. Convertir una novela en una obra de teatro es una transformación fascinante pero muy pedregosa y complicada y lo he sufrido durante los últimos cuatro meses. Sin embargo, el salto es muy lindo y estoy muy contento de haberlo hecho. ¿Por qué cree que a la gente le apasiona tanto las historias de los asesinos? La historia ha hecho un gran mito del asesinato, el arte también ha contribuido un poco a eso. Shakespeare, por ejemplo, creo que debió haber sido una especie de psicótico, en todas sus obras mataba un montón de gente. En el fondo lo que pasa es que los autores, como mucha gente, sentimos deseos de matar a alguien por rabia, o por determinadas circunstancias pero nunca llegamos allá, hay una franja moral que nos lo impide, entonces utilizamos a los personajes para hacer las cosas que no nos atrevemos a hacer, como matar, reclamar, gritar contra el poder, contra la injusticia, contra la iniquidad, contra la corrupción, cosas que por lo general no podemos hacer en la vida porque no tenemos los medios, ni los micrófonos. Entonces tomamos la vocería de mucha gente que no tiene estos medios, las asumimos y las damos en nuestros personajes de las novelas o de las obras de teatro. Después de 70 años de este crimen, ¿Cómo ve la situación política y social de Colombia? Yo diría que está peor: tenemos la violencia de las autodefensas, de la misma guerrilla y del Estado. La corrupción nunca había sido tan alta, y la impunidad cubre todos los hechos que han enlutado a este país. El Palacio de Justicia, por ejemplo: el Estado hizo la retoma, entonces hagámosle, porque cualquier general dice que todo está permitido. Fotos: Jonathan Edery Los personajes y sus frases memorables. Juan Roa Sierra (Julián Román) “Solo tengo que hacer la vida y solo tengo que seguir.” Encarnación Sierra (Carmenza Gómez) “Yo lo único que sé, es que ya la plata no me alcanza para nada.” El Ayudante (Diego León Hoyos) “Si seguimos dependiendo de usted Roa Sierra, ese negro va a llegar primero a la presidencia.” María de Jesús (Isabel Gaona) “Usted cree que el general Santander, dado el caso de que esa vaina de la reencarnación exista, iba ser tan majadero en venir a reencarnar en un pobre diablo como usted.” El Loco (Elkín Díaz) “Un buen fierro no debe valer menos de cien pesos, si se consigue.” Luis / Rafael (Lucho Velasco) “Mientras usted le siga poniendo la plata en la mano, él no va a mover un dedo para conseguir trabajo, de eso puede estar segura." El Mandamás (Ramsés Ramos) “Trato es trato ya sabe, aquí tengo la plata.” Urrutia (Humberto Dorado) “Tienes que esperar a alguien en una esquina con el motor encendido, pero tendrás que estar muy tranquilo y no perder la paciencia.” El pote (Ulises González) “Sabe cuándo se acaba esta vaina, el día que alguien con las "güevas" bien puestas, mande a matar a ese negro presumido.” Umland (Joe Broderick) “Esos grandes destinos, de los que usted habla, no aparecen en las líneas de sus manos.” Lozano (Jorge Herrera) “O es que cree que los muertos se van a despertar cuando oigan el balazo.” Tom (Anton Tarasov) “La operación se realizará muy pronto, en ese sentido no sobra decirle que usted debe seguir guardando silencio en forma indefinida, y le aconsejo que lo haga, ¿estamos?.” Narrador (Diego Trujillo) “La noche del jueves ocho de abril envuelven las sombras a un país convulsionado por la violencia, devastado por las furias de la intolerancia irracional y sumido en el caos, propiciado por la política oficial y oscura y tenebrosas fuerzas guiadas por odios irreconciliables.”
Shakespeare enamorado, la obra, se centra en todos los pormenores que suceden detrás de una de las comedias románticas más recordada de la historia del cine, ahora adaptada al teatro cuenta con todos los recursos de montaje y artísticos, para lograr que el público se sienta parte de la historia. La obra exalta a las mujeres por su búsqueda del amor a través de la libertad y el arte, y hace un homenaje a la literatura y al oficio teatral. La dirección de arte está a cargo de Laura Villegas, quien diseñó una escenografía capaz de trasportar al público a espacios como palacios, balcones, mansiones tabernas y teatros. El vestuario marcado con una influencia Isabelina, servirán como mecanismo para el desarrollo de la historia. El elenco está compuesto por: Kepa Amuchástegui, Carmenza Gómez, Jairo Camargo, Gloria Gómez, Andrés Suárez, Álvaro Bayona, Mario Duarte, Carlos Gutiérrez, Andrés Mejía, Jimmy Rangel y Miguel González. La directora musical del espectáculo es Josefina Severino, y el encargado de la iluminación es el destacado director español Juanjo Llorens. Fotos: Daniel Álvarez // @daniel.alvarez9 Hablamos con Diego León Hoyos, para que nos contara cómo se logró traer la obra a Colombia y el reto que implicaba tener esta obra en el Colón. ¿Cuándo surgió la idea de traer Shakespeare enamorado? Felipe Gamba es un amigo nuestro que maneja desde Disney la gestión internacional de los derechos de las obras y él quería que lo hiciéramos aquí en Colombia sumado a que yo fuera el director, y que el escenario fuera el Teatro Colón. Una vez me propone eso me da mucha felicidad, si algo he amado es Shakespeare in Love, la película, porque el texto es extraordinario de Tom Stoppard ¿Cómo se armó la obra? Primero fue concebir el equipo, yo conocí profesionalmente hace cinco años a Laura Villegas y amé su trabajo, hubo una sintonía muy grande respecto a la adaptación visual, al lenguaje que íbamos a utilizar y estoy convencido que desplegó lujosamente todo su talento. Y de la misma manera la traducción que hicimos con Juan Gabriel Vásquez que es el gran novelista colombiano, joven promesa de la literatura colombiana. ¿Cómo se escoge el elenco para una obra que requiere tanto compromiso de interpretación? La mayoría de ellos son compañeros de mi vida, porque son mis amigos, y como los conozco espero haberlos escogido tratando de que su talento, su físico, sus características emocionales se adapten a la de los personajes y creo que así es. ¿Por qué Shakespeare es tan importante para el teatro? Porque Shakespeare tiene la condición de lo universal, y del clásico, ¿qué es el clásico? Cuando hablamos de clásico, es algo que, trascurrido un mes, cinco o cincuenta años o siglos sigue teniendo vigencia y belleza y eso ocurre con Shakespeare y con Cervantes. El clásico es algo que captura de una manera tan inteligente, tan aguda, tan sensible el momento de su época que esa época deja de pertenecer a un tiempo preciso y se vuelve universal y patrimonio de la humanidad. ¿Cuál cree que es el gran valor de la adaptación de la obra? Yo creo que se reúnen cosas importantes de la comedia romántica, está llena de sentimientos, llena de humor, de equívocos y de belleza. Las frases célebres de los personajes Viola de Lesseps: (Carolina Ramírez) "Yo podría vivir pobre, pero tú no podrías vivir sin el teatro. Sin palabras eres hombre muerto, y yo sería tu asesina. No puedo ser la mujer que le negó al mundo entero las palabras de Shakespeare". Shakespeare: (Nicolás Montero) "He venido a buscar a alguien capaz de hacer que mis palabras fluyan como el río. Ahora encuentro a alguien que me hace enmudecer. Te amo más que todo lo que se ha escrito. Te amo más que a la vida". Nodriza: (Gloria Gómez) "El teatro no es lugar para damas de buena familia. En estos tiempos, ser de familia rica es lo mismo que ser de familia buena, y estar bien casada es mejor que las dos". Reina Isabel I: (Carmenza Gómez) "No tengo nada contra el teatro. Pero los dramaturgos no enseñan nada del amor. Lo vuelven lindo, lo vuelven cómico o lo vuelven lujurioso. Pero no pueden volverlo verdadero". Kit Marlowe: (Andrés Suárez) "No te distraigas, William. Deja el engaño para los que lo hacen mejor. Vete a tu casa y termina la obra. Podrías ser el mejor de todos nosotros". Lord Wessex: (Jairo Camargo) "Necesito una dote y su familia necesita un título. Parece que la fortuna nos quiere unir. Las finanzas y el futuro están unidas inextricablemente". Henslowe: (Álvaro Bayona) "Permítame que le explique cómo funciona el negocio del teatro. La situación natural es una serie de obstáculos insuperables que se encuentran en el camino hacia el desastre inminente. Pero al final, todo sale bien". Burbage: (Mario Duarte) "Si necesito una obra, ahí tengo una que me espera: una comedia de Shakespeare. Que sepan todos que somos hombres de talento. Somos una fraternidad y una profesión seremos". Julieta: (Miguel González) "¿Quién es, nodriza, el caballero aquel? Busca su nombre, si casado está. Mi tumba será mi lecho nupcial".
Hablamos con Jan St. Werner, del dúo alemán de música electrónica Mouse On Mars sobre el caos, la anarquía, y las infinitas posibilidades de trabajar con sonido. Mouse On Mars estará presentándose en Bogotá el próximo 2 de septiembre en el Teatro Colón. Por Lina Cepero // @lamusique Jan St. Werner y Andi Toma, mejor conocidos como Mouse On Mars, vienen trabajando juntos desde 1993. En el 92 se encontraron en un concierto de metal en Alemania y desde entonces han colaborado juntos en la búsqueda de nuevas formas de aproximación al sonido. Ya cuentan con doce álbumes (incluyendo la edición de colaboraciones de 2014) y esperan el lanzamiento de uno nuevo: Lichter, el próximo 2 de septiembre. Sus primeros discos son hoy el testimonio de búsquedas iniciales, y otros son sólo intentos algo ingenuos, como lo ha dicho antes St. Werner sobre Vulvaland, su primer trabajo. Cada uno ha sido una investigación y un estudio juicioso en el tiempo para acercarse a nuevas formas de comprender, disfrutar, y potenciar la composición musical de forma experimental, sin las estructuras tradicionales. Entre composiciones puramente electrónicas y electroacústicas, e improvisaciones caóticas y combinaciones inesperadas, Mouse On Mars ha incluido el ambient a sonidos del dub, siempre intercalando melodías pop, y por momentos, se ha distanciado de cualquier género musical. Al hablar con St. Werner se hace claro porqué Mouse On Mars le ha ofrecido a su audiencia sonidos tan polifónicos; siempre diferentes, cambiantes y complejos. St. Werner es un entusiasta del sonido en todas sus dimensiones, más allá de la música. Ha trabajado desde los 90, en proyectos de música aleatoria y orgánica, en la que se experimentan cambios de frecuencias dinámicos y extremos. En su versión como solista Lithops sacó también dos placas, varios sencillos y diversas colaboraciones. Ha compuesto piezas para ensambles, orquestas, y fue el director artístico para el Instituto de Música Electrónica de Amsterdam. Hoy es profesor de las universidades MIT y NYU. Todo el trabajo de Mouse On Mars es coherente porque St. Werner cree firmemente en que el resultado es libre, en que cada proceso es siempre nuevo, y en la fuerza de la naturaleza de canalizar su propio caos en la creación humana. Su concepción de la música es filosófica y viva, y quizás es eso lo que le permite acercarse con curiosidad a algo que lleva haciendo desde hace más de 20 años. Alguna vez dijo que la música que creaba era pura anarquía, ¿podría desarrollar un poco más esa idea? Así quisiera que fuera. Tendríamos que entender que la mente humana y la naturaleza están conectadas, son una fuerza creativa, y hacer música no es más que la naturaleza creándose a sí misma. Incluso si creamos algo sólo en nuestra mente. La música como el caos, como la naturaleza, es inherente al ser humano y para mí se asemeja a un sistema anárquico del que somos parte y que hace parte de nosotros. No hay una única forma de organizarla. La música es el alegre resultado de una combinación compleja de movimientos de aire que viajan por ahí. Tan pronto creamos algo valioso solemos querer agarrarnos a ello, pero eso es volverse dogmático y posesivo, y no somos dueños de lo que creamos. Podemos compartir la misma emoción y algo de la experiencia pero la música es diferente para todos. Entre más música creamos, más espacio estamos haciendo para nueva música y para que otros escuchen, especialmente porque todos escuchamos los sonidos diferente. Incluso si lo que creamos es parte de algo organizado, o si creamos certezas, no podemos limitar lo caótico y absurdo de la naturaleza en el resultado, o en la experiencia de los otros. Creo que es algo hermoso en la exploración del sonido, y es lo que yo llamaría anarquía.
Frikstailers y Sonido Gallo Negro presentaron un tremendo cumbión futurista sobre el escenario del Teatro Colón en Bogotá.El primer acto de este ritual sonoro lo dirigieron los argentinos de los Frikstailers. Un par de dj´s que ya tienen un buen recorrido por las tarimas de Bogotá, pero que nunca desentonan con un show luminoso y lleno de juguetes. Como buenos frikis, esta pareja argentina volvió a tocar como en Guitar Hero, a bailar en su tapete de Play Station, y a disparar sonidos con sus controles de Wii. 15 minutos de interludio y la oscuridad se tomó el escenario. El Sonido Gallo Negro, desde México apareció en tarima para meterle misticismo a la cumbia que profesan, una mezcla de la furia rockera combinada con las raíces populares de este ritmo nacido en Colombia. Sus adornos: flauta, theremín y calaveras. Fotos: Santiago Acosta.
Lisando y Rafael son las dos cabezas de un dúo que funciona como imán de almas danzantes. Con lo que ellos llaman “música electrónica tropical extraterrestre” se han paseado por el mundo con la firme intención de crear exorcismos a punta de cumbia digital y otros sonidos que hacen parte de su repertorio experimental. Los Frikstailers son argentinos, hace cinco años se mudaron a México y en el 2014 estuvieron en Rock al Parque, el próximo 5 de agosto tienen la revancha en Colombia y será en el Teatro Colón (Toda la información del concierto aquí) Por: Nadia Orozco @Cornfake Hablamos con Rafale antes de su llegada a Colombia Hace cinco años aterrizaron en México y ahí se quedaron. ¿Qué fue lo que los conectó con ese país? En ese momento todavía no existía en México una noción de escena sobretodo en cuanto al público, no habían cosas ocurriendo que hicieran dar cuenta a la gente. Te diría que hace como tres años, empezó a explotar todo acá y no ha parado, creo que muchos artistas han empezadoa venir para México porque han notado que hay potencial de convertirse en un lugar para la cultura latinoamericana más de avanzada. Argentina ha sido un país pionero de la cumbia digital. Fiestas, productores y un sello como ZZK es una bandera en el mund. ¿Cómo está la movida en estos momentos?En Argentina hay como casi una tercera generación, de lo que empezó hace unos 10 años con las fiestas de ZZK y ZZK Records. En esa época empezamos con ocho productores, frikstailers, fauna, chancha via circuito, tremor.. fue como una primera camada y yo estoy viendo ahora que eso mismo se sigue expandiendo y que siguen apareciendo nuevos artistas y productores que son derivados como Barrio Lindo, Calima. Por ejemplo Chancha dio talleres de música y producción y luego varios de sus alumnos se convirtieron en productores. Sigue apareciendo gente que está replanteando a su manera el cruce de sonidos más nuevos y cosas que forman parte de las raíces de América Latina Desde que se presentaron en el Boiler Room han tenido la posibilidad de viajar por todo el mundo. ¿Cómo es el recibimiento de nuevos sonidos en países que tal vez nunca han escuchado algo parecido?Cada lugar es una experiencia muy diferente. Nos ha pasado que visitamos dos veces el mismo sitio y depende del contexto lo disfrutas mucho o lo sufres mucha,. En Suiza tocamos en Paleo que es el festival al aire libre más grande de Europa y nos fue súper bien, nos programamos un buen horario, el público estaba curioso, se bailó todo. Luego volvimos a Suiza a un club, tenía un público acostumbrado a otra cosa, muy tecno de ultraderecha y cosas muy rápidas en velocidad y nosotros llegamos con el bpm mas cumbiero se mal viajaron un poco y de repente nos pasa que vamos a Alemania, donde nos sorprende lo bien que nos reciben en general, uno pensaría que es un público más cuadrado, y están muy curiosos. El último show fue con systema solar en un club que se llama Lido y se llenó de colombianos, hay mucha colectividad latinoamericana, se puso precioso. Si bien la cumbia ha sido una parte importante del proyecto, hay muchas sonidos que también han explorado, muchos influencias africanas. ¿Qué más están explorando ahora? Hay muchas cosas para ver que están ocurriendo; para nosotros Colombia sigue siendo un lugar donde nos nutrimos mucho a nivel musical. Acabamos de hacer el primer remix de nuestra primera champeta y estamos muy felices, estamos muy contento porque es la primera vez que incursionamos con ese género y hace rato veníamos escuchándolo, salió con Palenque records, para hacer un remix de una de las bandas con que trabajan que es COlombiafrica e hicimos el remix y nos fascina lo que quedó. Nos da muchas ganas de seguir incursionando un poco más. la música del Pacífico colombiano siempre tiene una cosa interesante para investigar. Precisamente en ritmos como la champeta el baile es una parte fundamental, al igual que en la cumbia claro y no solo como un baile, sino como una experiencia. ¿Cómo pasa esto en sus shows? Para nosotros es fundamental no solo sobre el ritmo y la sabrosura, sino sobre la profundidad de lo que está pasando en el show. Nos quita el sueño el tema de que la música no solo sea divertida sino que también tenga como un viaje, que la gente que pueda entrar en algo contemplativo también, además del viaje. Y ustedes cómo lo viven… Ahora el sábado pasado tocamos en una festival en México y el público estaba adentro de la idea, de lo que estaba pasando entonces cuando pasa eso, se arma algo muy lindo porque nosotros le ponemos mucho tiempo a esto de que el show si sea como un ritual y que ocurra algo que te hipnotice y te lleva a lugares que están buenos, entonces se da ese intercambio con la gente y terminamos todos energizados, tanto la gente como nosotros. Pero luego cuando no se da, terminamos nosotros destruidos. Ocurre cuando te programan en un sitio que está descontextualizado, que la gente está cerrada a otras cosas es más difícil. Y de ñapa, una playlist especial de Los Frikstailers para Shock.coLas siguientes canciones son una fiel representación de lo que al menos nosotros escuchamos cuando queremos prender la rumba dentro de nosotros mismos. En ella hay canciones nuevas, otras no tan nuevas y otras que ya son clásicos. Sonidos de Argentina, Colombia, Perú y otras partes del mundo que vibran en sintonía con el enorme aporte cultural de África a Latinoamérica, de su mezcla con la herencia indígena y de su forzosa relación con Europa desde su invasión histórica hasta la actualidad.
Y la ñapa: el playlsit de Sonido Gallo Negro para prender hasta una primera comuniónSonido Gallo Negro es una banda mexicana, dos de sus integrantes son argentinos y sus exploraciones los han llevado a viajar a los recovecos de la chicha peruana y la cumbia ecuatoriana. Ser rockeros de corazón no fue ningún obstáculo para convertirse a la cumbia, y es que contrario a lo que la mayoría piensa, estos dos géneros tienen muchas cosas en común. El próximo 5 de agosto llegan al Teatro Colón en Bogotá y prometen un ritual sonoro y bailable de primera mano (Toda la información del concierto aquí)Hablamos con Gabriel López de Sonido Gallo NegroPor: Nadia Orozco Hace un buen tiempo en Colombia se están gestando proyecto como El Frente Cumbiero, Ondatrópica, Meridian Brothers que están haciendo exploraciones sonoras con géneros como la cumbia. ¿Qué está pasando en México?Sí, hay un revival de la cumbia, la gran mayoría con influencia electrónica, retomando y haciendo remixes, desde hace un tiempo vienen saliendo agrupaciones con un tono más fiestero. En México siempre ha habido un sector cumbiero que no es revival, es el sonidero popular que es más de barrio y se ha popularizado mucho. El público está muy pendiente de eso y hay una revaloración de la cultura cumbiera.En el caso de México ¿Por qué creen que hay cierta necesidad por volver a la música tradicional?Pienso que tal vez el terreno musical se agotó, especialmente el rock; nosotros venimos de una escuela rockera, de mucha búsqueda través del rock y de repente en el 2000 como que se estancó un poco y no hubo otra oleada sino que se hizo muy mainstream y eso nos obligó a buscar otros ritmos sobre los cuales experimentar. Por eso muchos músicos como nosotros empezamos a buscar ritmos para plasmar nuestras ideas fuera del rock.¿Cómo llegaron a la cumbia?Llegó a nosotros a través de las fiestas sonideras, de djs que iban a Perú, Ecuador y Colombia y traían vinilos para amenizar todos esos bailes. Así fue como nosotros vivimos y convivimos con la cumbias desde nuestra infancias, nos gustara o no. Luego empezamos a escuchar grabaciones con guitarra eléctrica y órganos y eso nos sonó muy interesantes, incluso como rockeros y ahí fue que se nos abrió todo un mundo.Son mexicanos, tienen integrantes argentinos y han explorado desde la raíz la chicha peruana. ¿Qué conclusiones salen de la cumbia en Latinoamérica?Que es muy diferente, creo que a lo largo de los años por lo menos nosotros hemos ido encontrado un estilo propio a la hora de escribir y también de reinterpretar. Ahora para nuestra tercer disco siento que empezamos a es tener un estilo más sólido y cuando hacemos una reinterpretación ya tiene ese toque Gallo Negro,¿Cuáles son esos sonidos que han explorado y que han ayudado a formar la identidad sonora de Sonido Gallo Negro?Los discos pasados se basan totalmente en la chicha y la cumbia amazónica; ahora estamos trabajando con influencias de la música cubana, el danzón y lo transportamos a nuestro estilo propio. Ese es el resultado de Mambo Cósmico, nuestro nuevo disco.Además de ser un baile ligado con el baile, hay mucho ritual y misticismo detrás. ¿Esto tiene cabida en su show en vivo de alguna manera?Sí, precisamente hemos pensado mucho en eso y es precisamente lo que nos diferencia y le da un toque especial a la manera como la ejecutamos. Nos gusta ser solemnes y también nos gusta que la gente baile. Con todo el tema de la experimentación sonora, en el resultado es un plus lograr sonidos diferentes y que la gente los pueda bailar. Eso es lo que más nos gusta y es algo que investigamos.En todos sus trabajos la psicodelia es casi que la columna vertebral.La psicodelia está implícita en lo que hablábamos de los rituales y esta conexión, es una manera de liberarte y dejarte ir a través de la música ya que hoy en día estamos rodeados de gobiernos, leyes, de economía.. malas noticias- Es una puerta tanto para nosotros dejarnos llevar y hacer música y para la gente que nos escucha, vean la vida de otra manera.A veces se piensa que las letras revolucionarias solo hacen parte de algunos géneros que lo hacen explícito. ¿De qué manera su música también es, de alguna u otra forma, revolucionaria?Sí, lo acabas de decir, nuestra música tiene ese sentido de aportar algo sin ser explícito, parte de las revoluciones es que se comienza desde abajo porque si expresas un grito muy claro o fuerte te llegan a apagar. El mensaje oculto y que la gente lo interprete de diferentes formas es muy importante, estamos muy a gusto, no necesitamos explicarlo, la gente lo entenderá, lo hará suyo o lo reinterpretará.Y por último, canciones influyentes para Sonido Gallo Negro:Chicken y sus comandos - avioncito de guerraOlmedo torres - ponchito de coloresLos Zafiros - Bossa CubanaThe Jokers - El CumbancheroPablo Beltrán Ruiz - Quien SeraMario y sus Diamantes - El Cable Pérez Prado y Carmén Salinas - Cuando calienta el sol
Este lunes 28 de septiembre la banda colombiana presentó su nuevo álbum en el Teatro Colón. Por: Luis Fernando Mayolo @mayolito // Fotos: Daniel álvarez. Nacieron en la época en la que proyectos como la Mojarra Eléctrica y La 33 también despegaron. Cerca de 15 años de historia musical que los catapulta a una de las repisas clásicas de las nuevas músicas colombianas, aquellas que partiendo de nuestras raíces más arraigadas lograron reinterpretarlas dejándose permear por toda una serie de nuevas experiencias musicales del mundo.Así podemos definir a grandes rasgos a Curupira, un sexteto colombiano integrado por artistas de largo recorrido dentro del jazz, el pop y el rock colombiano, que desde hace mucho tiempo decidieron además defender las banderas de nuestro folclor nacional, eso si, desde su propia perspectiva.Por eso es de celebrar el que se encuentren estrenando su sexto álbum: 'La gaita fantástica', luego de un encuentro mágico en Nueva York con algunos de los músicos más importantes del circuito del jazz y una sesión de improvisación que podría definirse como legendaria.Sin pretensiones comerciales radicales y con la experimentación musical bajo el brazo, la banda nos presenta el resultado más contemporáneo de su largo periodo de investigación musical.Ustedes son un parche tan diverso desde el punto de vista musical, que solo así se entiende la riqueza de su propuestaDespués de 15 años de investigación, creación y formación en la músicas tradicionales, grabamos este disco en Nueva York, resultado del proceso evolutivo de nosotros seis como músicos. Cada uno de nosotros tiene una experiencia paralela y diferente en la escena musical, lo que enriquece nuestro trabajo y confluye en este proyecto. Por encima podemos decir que Andrés Felipe Salazar ha sido integrante de varios grupos de jazz y tocaba con Alerta Kamarada; Maria José ha sido percusionista y musicóloga y tocaba con Andrea Echeverri y Maria Mulata; Jorge Sepúlveda, baterista de Antonio Arnedo; Julián Sarmiento, integrante de Pestilencia, Aterciopelados y 1280 Almas; Camilo Velazquez, guitarrista de los Aterciopelados y Juan Sebastián Monsalve, productor musical de Kraken, las Almas y la Filarmónica, etc.Lograron grabar este disco en Nueva York con un dream team de músicos bastante interesante, definitivamente un escalón más arriba en su carrera musicalSin pretensiones comerciales hemos estructurado un proyecto en el que este es el sexto disco. Depronto terminamos grabando con la plana mayor del jazz neoyokino, lo cual no es gratuito, porque hemos venido improvisando e interactuando durante estos 15 años con los mejores. Conocimos acá en Bogotá a los músicos de Chick Corea. Nos hicimos muy amigos de Jeff Ballard el baterista en ese momento, Juan Sebastián grabó un disco como solista en NY con él y otros músicos muy importantes como Anat Cohen y Jason Lindner, que participan en este nuevo disco de Curupira.Asimismo la otra cuyuntura fundamental para este disco fue la interacción con el músico de vanguardia Johm Zorn, que de cierta manera fue el padrino de este proyecto, porque fue él quien nos recomendó a los demás músicos del proyecto que exploraban las músicas étnicas con relación la vanguardia. Por ejemplo nos guío hacia Shanir Blumenkranz, quien toca gimbri africano y Oud del medio oriente; con el bombardinista israelí Rafi Malkiel, y también con una cantante virtuosa de vanguardia que se llama Sofía Rey de Argentina. Quedamos asombrados con su virtuosidad. Un momento culminante para nuestra carrera.Por qué dicen que en este disco se amplificó su búsqueda musicalNosotros empezamos a investigar el folclor tradicional colombiano y marcó cierta pauta acá, hay muchos amigos y gente afín que siguieron ese camino. Nosotros nacimos al tiempo de la Mojarra Eléctrica, con La 33 y gente que se tomó en serio ese cuento de explorar las raíces tradicionales para hacer música moderna y urbana. Hemos interactuado con músicos de Guapi, del Golfo de Urabá, Islas del Rosario y con músicos internacionales. En este disco se amplificó esta búsqueda con Diego Obregón, marimbero de Guapi, y con Will Pantoja, un bullerenguero del Golfo de Urabá. Todo esto hace parte de una obra musical para orquesta sinfónica y gaita, en la que está inspirada el repertorio de La Gaita Fantástica. Queremos seguir interactuando con músicos del mundo y con los más tradicionales de nuestros autores.Siempre que se habla de nuevo folclor, es como si apenas hubiera surgido hace dos años ¿Curioso que esto suceda no, conociendo tanta tradición?Las fusiones no son algo de ahora, la salsa, la cumbia y el son cubanos son fusiones que se van estandarizando, eso es un proceso natural de las músicas vivas, nosotros nos consideramos parte de ese proceso. Curupira se caracteriza por no crear música para complacer a cierto perfil del mercado, sino con mucha libertad estética y experimental. Esta ha sido nuestra aproximación a la fusión.¿Cuáles han sido las conclusiones a las que han llegado con su investigación y experimentación con la música tradicional?Hasta este momento Colombia está construyendo conocimiento a partir de sus músicas tradicionales. Es un momento que inicia de acuerdo a la investigación y producción desde la academia. Otra es que hace parte de nuestra tradición tanto la cumbia de Soledad Atlántico, como Pearl Jam o Nirvana. Pertenecemos a un mundo globalizado y la influencia externa es una realidad en nuestros conceptos. Por eso no podemos excluir o negarlo. Nuestra búsqueda no va con banderas nacionalistas, sino sobre una reflexión como seres humanos habitantes de este planeta, rompiendo fronteras. Eso nos hace falta, aprender a tolerar nuestras diferencias.¿Cuáles fueron sus consideraciones para elegir como sencillo 'Suavecito'?Es difícil para un grupo que transgrede géneros e improvisa dentro del jazz el encontrar el promocional. Escogimos una de las canciones vocales del grupo, porque es más digerible y además tenía un mensaje con nuestra manera de ver la vida, con una estructura cercana a los temas radiables. Igual sigue siendo experimental (risas).Para terminar cuéntenos los momentos claves para entender la evolución de la banda.La historia de la banda se sigue a través de nuestras grabaciones. El primero más instrumental, el segundo con el aporte de Malpelo, bien cartagenero, dedicado a Encarnación Tovar, más vocal. Nos sumergió en la exploración de la música afrocolombiana, el tercero en donde ya interactúa el Cholo Valderrama, Gualajo, Sixto Silgado. Luego volvimos al formato de sexteto, luego de todos estar cada uno en su proyecto en el cuarto disco, para posteriormente hacer un recopilatorio o compilado hasta llegar a este.
Hay casi un 40% menos de contenido sexual en las grandes películas que a principios del milenio. Esa fue la conclusión principal de un informe encargado por The Economist al analista de datos Stephen Follows. El informe recopiló datos sobre las 250 películas más taquilleras cada año desde 2000, y encontró que las películas estrenadas en 2023 tenían poco más del 60% del contenido erótico que normalmente se encontraba entre las 250 principales en 2000. Es decir, el contenido sexual en las películas se ha reducido en un 405. Por género cinematográfico, la caída fue más pronunciada en las películas de acción (una caída de aproximadamente el 70% durante el mismo período), mientras que las películas románticas registraron muchos menos cambios, con una caída de poco menos del 20%.Al mismo tiempo, el porcentaje de películas más taquilleras sin ningún contenido sexual aumentó significativamente, de aproximadamente el 18% en 2000 al 46% en 2023. "No sólo hay menos actos sexuales en la pantalla, sino que se concentran proporcionalmente en menos películas", dice Follows. ¿Por qué cada vez hay menos escenas de sexo en el cine?Follows sugiere una serie de posibles razones detrás del declive de la cantidad de escenas sexuales, incluidos cambios en los gustos de la audiencia con una "preferencia por contenido que evita los temas sexuales por completo o los maneja con más sutileza"; la preocupación de que las escenas de sexo puedan afectar el estreno mundial “dando lugar a clasificaciones de edad o censura más restrictivas, reduciendo así el alcance potencial de una película”; y la creciente influencia de los “coordinadores de intimidad”, que toman protagonismo después del #MeToo y la importancia de espacios ¿Qué son los coordinadores de intimidad?La coordinación de la intimidad es un campo relativamente nuevo y en crecimiento, de acuerdo con CBS News. La primera producción en contratar y acreditar a un coordinador de intimidad designado fue "he Deuce de HBO, protagonizada por James Franco y Maggie Gyllenhaal, que se estrenó en 2017 y describió la industria del porno en la ciudad de Nueva York de los años 70.Hoy hay más de 100 coordinadores de intimidad certificados que trabajan en sets de cine y televisión. Su salario está más o menos en línea con el de los coordinadores de especialistas, cuyas tarifas mínimas fija el sindicato son alrededor de 1.500 dólares por día. Ganan, en promedio, entre 60.000 y 90.000 dólares al año.
El mes pasado, el cantante de Orgy, Jay Gordon, contó haber escuchado que Linkin Park se podría reunir con una cantante femenina en lugar del fallecido Chester Bennington. Sin embargo, se echó para atrás con sus declaraciones luego que estas se volvieran virales. "Va a ser difícil sin Chester, pero ya veremos", dijo. "He oído que ahora tienen una cantante... Eso debería ser interesante", afirmó en el programa de radio Wired In The Empire.Aunque con mucha especulación al respecto, los fans comenzaron una conversación en redes sociales sobre el posible regreso de la icónica banda y sobre la pregunta más grande: ¿quién daría vida a las voces de Bennington?El 30 de abril Billboard afirmó en un artículo que Mike Shinoda, Brad Delson y Dave Farrel estarían pensando en incluir a una vocalista en la banda para honrar la memoria del ex cantante de Linkin Park. Según la nota, la agencia de reservas WME estaría aceptando ofertas para una posible gira de reunión y actuaciones como cabeza de cartel de algunos festivales. A los miembros de la banda se les uniría un cantante aún sin nombre, pero una fuente le dice a la publicación que "la banda espera encontrar una vocalista femenina".Los rumores llegaron hasta los oídos de la vocalista de Evanescence, Amy Lee, quien negó que ocuparía el lugar de Chester dentro de Linkin Park en el programa de radio canadiense iHeartRadio, en el cual también bromeó diciendo: "no me han contactado, pero eso es increíble. Deberían preguntarme sobre eso. No tengo mucho tiempo libre, pero podría hacerlo a tiempo parcial”.Los integrantes no se han pronunciado al respecto, únicamente Shinoda quien afirmó que“siempre circulan rumores. La gente siempre pregunta qué sigue para la banda, y la mejor respuesta que puedo darle a alguien es que cuando haya algo que decirles, se los diremos. Cuando haya que hacer un anuncio, será en LinkinPark.com. Si lo escuchan de otra persona, pueden confiar en esa información tanto como quieran”.**Lean acá Linkin Park: "El rock de ahora apesta,por eso hicimos música visceral y ruidosa"
Los detectives muertos, la nueva serie de Netflix y spin-off de The Sandman, se estrenó el 25 de abril del 2024. Esta historia está basada en el cómic de DC y en el universo de Neil Gaiman, una de las mentes más poderosas de ciencia ficción detrás de historias como The Sandman, Coraline y American Gods. La serie iba a ser originalmente de MAX pero, después de que la plataforma de streaming la rechazara (por no encajar en los nuevos planes de la compañía, Netflix compró los derechos para tener todo el universo del reconocido autor de ciencia ficción. Sin embargo, Netflix no le tenía mucha fe a este proyecto y por eso Los detectives muertos no tuvo una gran promoción y se concentró en otros estrenos como El caso de Asunta y Baby Reindeer. Muy pocos días después de su estreno, Los detectives muertos tiene una calificación de 7,6 en IMDb (casi igual de bien calificada como The Sandman que tiene 7,7) y un 92% en Rotten Tomatoes. Estas cifras demuestras que Netflix cometió un gran error al no confiar en la expansión del mundo de The Sandman y en la mente de Neil Gaiman. ¿De qué trata 'Los detectives muertos'?Edwin Payne (George Rexstrew) y Charles Rowland (Jayden Revri) son dos adolescentes, que nacieron en décadas diferentes, que se hicieron amigos después de su muerte. En su vida como fantasmas tienen una agencia de detectives y se dedican a resolver misterios y casos paranormales. A sus misiones se les une la médium Crystal (Kassius Nelson) y Niko (Yuyu Kitamura), su amiga del mundo de los vivos. Los cuatro deben enfrentarse a brujas malvadas y a la propia Muerte. Trailer de 'Los detectives muertos'¿Cómo se conecta 'Los detectives muertos' en el universo de Neil Gaiman? Tanto Edwin Payne como Charles Rowland aparecen por primera vez en el universo de Gaiman en la cuarta entrega de la colección de historietas, Sandman: Estación de Nieblas. También aparecieron en La Cruzada de los Niños y empezaron a tener cameos regularmente en los relatos de Neil Gaiman. Hablando específicamente de la línea narrativa, The Sandman y Los detectives muertos se cruzan en 1991 cuando Lucifer (Gwendoline Christie en la serie) renuncia y se abren las puertas del infierno. Cuando el reino queda sin gobernante, Dream (Tom Sturridge) conoce a Charles y a Edwin (una relación que sirve para la historia se conecte y muestre lo que sucede en la Tierra). Y es que, precisamente, con las puertas del infierno abiertas, Charles comienza a divagar en el internado donde murió hacía años y conoce a Edwin, un amigable fantasma que murió en la misma escuela. Lo que sigue después de eso, su amistad y la agencia de detectives, es lo que se cuenta en el spin-off. ***Les recomendamos: The Sandman: ¿Por qué su creador esperó más de 3 décadas para adaptar su historia?
Dread Mar I se presentará en el Movistar Arena de Bogotá este 6 de julio, como parte de su Tour Dread Mar I 2024. Las entradas están disponibles en Tuboleta y los precios oscilan entre 221.000 y 494.000 pesos. Con una larga trayectoria conocida en toda Latinoamérica que comenzó en Argentina, Dread Mar I ha sido una figura muy conocida en el reggae latinoamericano desde su debut solista en 2005 con el álbum "Jah guía". Su éxito Tú sin mí catapultó su carrera, llevándolo a los primeros lugares de las listas y a nominaciones de varios premios, incluyendo el Grammy Latino. La canción obtuvo el récord de canción de rock argentino más escuchada en Youtube, con 1000 millones de reproducciones hacia enero de 2021."Tú sin mí se volvió un súper hit, pero no me lo esperaba. En YouTube hay 30 millones de personas que vieron el video", dijo el artista en entrevista con El Clarín. Además de ser el primer artista de Reggae Rock argentino en dominar los mercados de Argentina, México y Brasil, Dread Mar I ha recibido numerosos reconocimientos, incluyendo el premio 'Quiero' al 'Mejor Video de Reggae' y el premio Gardel al 'Mejor Álbum de Reggae y Música Urbana'. Su capacidad para llenar estadios se confirmó cuando tocó frente a 100,000 personas en Mar del Plata, y sigue siendo uno de los artistas argentinos más escuchados en plataformas digitales.Los fanáticos pueden esperar una noche de algunos grandes éxitos como “Hoja en Blanco”, “Así fue” y “Nada”.
Duki llega por segunda vez a la capital del país con su A.D.A TOUR 2024 en el Movistar Arena, el próximo 4 de mayo. El argentino regresa a Bogotá y la encargada de abrir el concierto será la colombiana Nath. Duki es un rapero y compositor de 27 años. En el 2021 se posicionó como el artista argentino más escuchado en el mundo. Entre sus canciones más conocidas está Goteo (que se mantuvo 24 días en el puesto número 1 de Argentina) con más de 300 millones de reproducciones en Spotify, She Don´t Give Fo con más de 400 millones de escuchas y Marisola - Remix.Después de agotar dos conciertos en el River Plate en Argentina (con capacidad de más de 150.000 personas), ser el único artista del género en vender toda la boletería del Bernabeu Del Real Madrid y hacer sold out en menos de 24 horas en el Palacio de losDeportes en México, Duki vuelve a Bogotá para cantar en uno de los escenarios más reconocidos de la ciudad.¿Quién es Nath? Nath creció en Medellín, admirando a iconos de la música local, como J Balvin, Maluma y Karol G. Ha colaborado con artistas como Ryan Castro, Goyo, Pirlo, Blessed, Piso 21 entre otros.El coro de la iglesia fue el escenario en el que cantó por primera vez. La música la emocionaba, así como ver cantantes. A veces le costaba encontrar las palabras precisas para expresar sus emociones, pero en la música, que tenía que sonar y acompañarla hiciera lo que hiciera, encontró sentido.En las baladas románticas de Ricardo Montaner, Reik y Sin Bandera, de ahí la inflexión romántica de sus canciones hoy, y también en la escritura. Si las palabras la eludían, tomaba una hoja y un lápiz, escribía una carta, y todo se aclaraba. Así convencía a su mamá de que le devolviera su baraja de Yu-Gi-Oh!A partir de 2020, esas cartas encontraron un destinatario más grande. En el concierto de Karol G fueron cuarenta mil personas. Ese día cantó 'La culpa', una colaboración con Goyo al ritmo de lo que ella llama pop urbano; 'KLKNTOKI', una colaboración con el caleño Pirlo —del que dice que, a diferencia de la mayoría de hombres, respeta mucho a las mujeres—, que fue viral en TikTok antes de su publicación; 'Deseándote', con Ryan Castro, un apoyo constante en su carrera; y también 'Rikota', su último sencillo, dedicado a las mujeres, a su felicidad."Es una locura ver que otras personas canten y griten y lloren con lo hiciste, que se conecten contigo y te escriban para decirte que les salvaste la vida. Se siente el éxtasis máximo. En ese momento es cuando más cordura tienes que tener y los pies sobre la tierra pa’ no elevarte. Es una responsabilidad muy grande que llevo con mucho amor. Antes era un tabú cantarle a las mujeres. Llevo ya tres añitos mostrando que no tiene que ser un tabú, que tenemos derecho a enamorarnos de quien sea. Creo que he logrado diferenciarme un poco".