En 2012, aunque con una avalancha de críticas, se incluyó una nueva categoría en los Premios Grammy llamada Mejor albúm urbano contemporáneo que, para muchos, era una categoría hecha para la música realizada por músicos negros y que estos no pudieran ser finalistas o favoritos a álbum del año. En años anteriores el premio fue otorgado a I Love You de Lizzo, Everything Is Love de Beyoncé y Jay-Z, Starboy de The Weeknd y Lemonade de Beyonce. Pero a partir del 2020 eso cambiará… ¿Por qué es racista y clasista la categoría “urbano” en la música? Este cambio se da en un momento crucial para la historia de la comunidad afroamericana de los Estados Unidos y muchas industrias, incluyendo la musical, está analizando actos que pueden ser considerados como micro racismos. En el pasado Tyler, The Creator habló abiertamente de que para él el termino ‘urban’ era racista y que esperaba algún día eso pudiera cambiar. En esa misma carta se indicó que las categorías latinas también tendrán una restructuración porque a veces no representan fielmente el género musical de sus nominados. Aun así, el término ‘urban’ sí seguirá con vida para los apartados de música en español. Ahora los Grammy tienen una categoría llamada mejor álbum latino de pop o urbano que antes se conocía como mejor álbum latino de rock, urbano o alternativo. Otras nuevas reglas para destacar son: - En la categoría de mejor nuevo artista los votantes deberán enfocarse en las presentaciones y no en los elementos de la producción musical. - Los nominados en las categorías country deben representar 100% el género y no mezclarse con otros elementos rítmicos que desdibujen su esencia. - Para ser finalista a álbum del año el producto discográfico debe tener al menos 5 canciones que en total duren más de 15 minutos. También será válido menos tracks, pero cuando el álbum en total tenga una duración de 30 minutos. - Se les recomienda a los votantes que en la categoría Mejor Álbum de Teatro Musical considerar exclusivamente las canciones sin dejarse guiar por el guion o la producción escénica del nominado. - La competencia desleal va a ser castigada y ninguno de los nominados o sus allegados podrá hablar mal de aquellos proyectos con los que compite. Recomendado | Black Lives Matter: artistas se unen a las protestas en Estados Unidos #LaMúsicaNosUne
El domingo7 de febrero de 2021 el show de medio del Super Bowl con The Weeknd registró miles de tweets, tal vez, muchos más que el mismo juego final del fútbol profesional americano. El espectáculo musical, que incluyó los más grandes hits del canadiense se convirtió en tendencias de todas las redes sociales.En 2020 Shakira y Jennifer López fueron destacadas por la prensa al ofrecer un espectáculo diverso en el que no solo el baile fue protagonista. En el Hard Rock Stadium de Miami, cada una celebró a su manera, sus raíces, herencia latina, música que las ha influenciado y principalmente la fuerza de dos talentos globales.Con el show de The Weeknd, queda claro una vez más que el halftime del SuperBowl es una de las tarimas musicales más importantes del mainstream. Por ello, armamos un listado con 10 actos que nos gustaría ver en ese evento de la NFL.Rihanna La cantante de Barbados es una de las artistas femeninas más exitosas del siglo XXI en Estados Unidos. Ya ha sido invitada a protagonizar el espectáculo musical, pero se ha negado a participar, principalmente por la polémica de que esa organización (la NFL) es injusta con los derechos de la comunidad deportiva afroamericana. En una entrevista con Vogue declaró que ni ella, ni su raza ganarían algo de presentarse en el SuperBowl. Rihanna ha sido #1 en Norteamérica con temas como Umbrella, Rude Boy, Don’t Stop the music, We Found Love, Work y Diamonds, tiene un catálogo de éxitos que merecen un espectáculo con el presupuesto que maneja SuperBowl.MetallicaLa banda de thrash metal lleva activa desde 1981 y en su historia musical tienen 9 Grammys, varios Billboard, un montón de premios MTV y, además hacen parte del Salón de la fama del Rock. La banda tiene un espectáculo de admirar, su más reciente gira de estadios ha tenido la mayoría de las fechas agotadas y sus canciones son conocidas en cada rincón del mundo. Valdría mucho la pena ver un acto de metal ser protagonista del medio tiempo de ese evento deportivo.PinkEn 2018 Pink cantó el himno nacional de los Estados Unidos en el SuperBowl y muchos empezaron a apostar que la estrella de pop protagonizaría el espectáculo de medio tiempo de 2019; pero no fue así. La cantante de So What? Ha demostrado que tiene todo para levantar un estadio: es acrobática, tiene una voz poderosa, varios hits y puede volar (con la ayuda de gruas y de seguridad, claro está). Ojalá pronto la veamos mostrar todo su potencial en esa tarima.EminemEl domingo 9 de febrero vimos a Eminem subiéndose a la tarima de los Oscar cantando su clásico Lose Yourself, por eso nos gustaría mucho ver al rapero ser parte de más eventos como este. Marshall Mathers es considerado el artista masculino de ese género con mayores ventas en Estados Unidos y uno de los más exitosos de su generación. En su historial de colaboraciones figuran estrellas como Rihanna, Beyonce, Ed Sheeran y Kendrick Lamar.AdeleLa británica logró en la década del 2010 más hits que ningún otro. Sus tres álbumes han sido #1 y tiene sencillos conocidos a nivel global como Rolling In The Deep, Hello, Someone Like You o Set Fire To The Rain. En sus giras ha demostrado que su poderosa voz puede prestarse para un show audiovisual impactante apoyándose en otros elementos como el agua o el fuego. Por mucho que deseemos ver a Adele en el medio tiempo del SuperBowl, lo más seguro es que nos vamos a quedar con las ganas. En 2016 la artista dijo que su música no se prestaba para este tipo de eventos y que no estaba interesada en realizarlo.Daft Punk Al SuperBowl le ha faltado electrónica y house, un género que aún es considerado de nicho en Estados Unidos. Por eso sería grandioso ver al dúo francés en esa tarima acompañado de grandes músicos que los han acompañado en sus hits como Pharrell Williams, Stevie Wonder, Julian Casablancas, The Weeknd, Arcade Fire o Kanye West.Taylor SwiftLa estrella de pop y country ha vendido más que ninguna otra cantante femenina en Estados Unidos, ha ganado múltiples Grammys con sus álbumes de estudio y es de las pocas solistas que ha tenido una gira de estadios exitosa. Su música va y viene entre diferentes géneros y siempre está apoyada por pirotecnia, bailarines y una banda poderosa. Un eventual show suyo en el SuperBowl podría estar acompañado por colegas que han colaborado en sus canciones Brendon Urie de Panic! At The Disco, Zayn Malyk, Ed Sheeran, Kendrick Lamar y hasta Madonna.Kendrick LamarEl californiano de 32 años lleva una década muy exitosa que incluye varios premios y #1, además de ser considerado una de las personas más influyentes en el mundo. El rapero ha demostrado que no solo es bueno lanzando dardos llenos de verdad y reflexión, sino que también es un gran performer, con una banda de primer nivel y un espectáculo llamativo para la vista. Además, estamos seguros que usaría sus segundos del show de medio tiempo para hablar de justicia, igualdad y poder racial.Ozuna, Nicky Jam, Daddy YankeeCon la llegada de Shakira y Jlo al medio tiempo del SuperBowl se abre una puerta gigante a los músicos latinos. En 2020 vimos unos minutos en tarima a J Balvin y Bad Bunny apoyando a sus colegas femeninas, por eso, no sería descabellado un nuevo espectáculo latino en el evento deportivo. Ozuna, Daddy Yankee y Nicky Jam podrían unir fuerzas, fusionar sus hits y cranearse un show lleno de baile, perreo y poder latino. Estos tres han sido los reggaetoneros más exitosos de la historia musical de Estados Unidos y podrían estar acompañados por otras artistas que han colaborado con ellos como Selena Gómez, Cardi B, Katy Perry o Karol G.Justin Bieber, Avril LavigneEn el medio tiempo del 2020 el tiempo fue repartido por porciones iguales: 6 minutos para Shakira, 6 minutos para Jlo, razón por la que soñamos más espectáculos compartidos. ¿Qué tal uno con Justin Bieber y Avril Lavigne? Sería la unión perfecta entre pop y rock. Dos estrellas canadienses con varios hits radiales y una presencia escénica envidiable.En las redes de Shock nos puede decir qué otros artistas les gustaría ver en la tarima del espectáculo de medio tiempo del SuperBowl.#LaMúsicaNosUne
El 2018 ha arrancado lento hablando de lanzamientos musicales en el mundo y en parte se lo debemos a un 2017 marcado por placas discográficas de altas dimensiones como DAMN, de Kendrick Lamar, Drunk de Thundercat o Humanz de Gorillaz. Pero poco a poco se empiezan a revelar álbumes que se meterán en nuestro ADN y quedarán para la historia como el soundtrack de un nuevo año. Arranquemos entonces con las reseñas de discos que han atravesado el charco para llegar a nuestros tímpanos. Los que reseñan: Fabián López (FL), Willian Martínez (WM), Muchacho Berraco (MB), Paula Ricciulli (PR), Nadia Orozco (NO) Kali Uchis - Isolation Desde hace tiempo la tenemos en el radar por varios de sus sencillos, por sus colaboraciones con Gorillaz o Tyler the Creator y por un EP de nueve canciones que lanzó en 2015, titulado Por vida. PeroIsolation es, por fin, el primer álbum de estudio de la pereirana, que se formó como artista en los Estados Unidos y vino al Estéreo Picnic 2018 a ratificarse como figura determinante de la música alternativa en su tierra natal. Su placa debut es una muestra del amplio rango de referencias temporales, territoriales, visuales y sonoras que convergen en su música. Su apariencia de diva ochentera, una voz que transcurre entre el soul y el R&B moderno, colaboradores como Tyler the Creator y otra joven joya del R&B como Jorja Smith y una dosis de “latinidad” al juntarse con el reggaetonero paisa Reykon hablan de un fenómeno multicultural que coqueta con la etiqueta pop. (FL) Daniel Avery - Song For Alpha El nuevo álbum de Daniel Avery, DJ británico de 31 años, es ejemplo del tipo de música electrónica que está burbujeando en algunas discotecas del mundo. Es techno para la contemplación, sin fuertes descargas. Con influencias de artistas como Brian Eno y William Basinski, Song For Alpha, el segundo larga duración del británico, expone atmósferas largas, desaceleradas. Pero no estamos hablando de un sonido ambiente propicio para la relajación, sino de canciones con repeticiones certeras que transmiten cierta tensión y, al mismo tiempo, libertad. Por su carácter experimental y todavía insipiente, probablemente este álbum no estará en el top 10 de ningún listado. Pero puede ser un buen descubrimiento para los aficionados del ambient. (WM) Thievery Corporation - Treasures from the Temple El undécimo álbum del dúo de música electrónica, formado en Washington en 1995, muestra mayor influencia del reggae y los sonidos isleños. Treasures from the Temple cuenta con las colaboraciones de Mr. Lif, Notch, Racquel Jones, LouLou Ghelichkani (Estados Unidos) y Natalia Clavier (Argentina). Fue grabado en los estudios Gee Jam de Jamaica y es una continuación del álbum Temple of I & I (2017), grabado en Por Antonio. Se trata de un álbum limpio, ameno, sin rupturas radicales, cuyo principal potencial es la diversidad de las voces invitadas. (WM) Centavrvs – Somos uno Somos uno empieza con los versos de un poeta de origen indígena y cierra con un canto de cuna. Con éste, su segundo álbum de estudio, el cuarteto mexicano Centavrvs entró en la onda de la globalidad. Y lo hizo ensamblando sus tradicionales ritmos electrónicos con sonidos bailables, como la salsa, la ranchera y los beats africanos. Esta entrega cuenta con la colaboración de varios percusionistas, coristas y trombonistas reconocidos en la escena musical, como Rey David Alejandro, quien tocó durante más de una década con Willie Colón, mientras que la producción estuvo a cargo de Tweety González, productor de Soda Estéreo. (WM) The Weeknd - My Dear Melancholy, Este EP salió reseñado en todos los portales rosa porque para todos se trató de un trabajo construido a través de la tusa por Selena Gómez. Pero Abel Makkonen Tesfaye siempre ha sabido jugar sus cartas e incluso detrás de súbito arranque por abrir su corazón destrozado, está inmersa la maniobra de crear una capa más de su trabajo musical. Mucho más parecido a House of Balloons y Echoes of Silence – sus primeras producciones - The Weeknd resuelve retornar a un lugar musicalmente lóbrego, sin despegarse todo del terreno pop de Starboy que lo mandó a la estratósfera mediática. Por eso resulta ser un trabajo en la mitad de ambas caras y nos deja con la necesidad de entender si este es un puente hacía un disco o simplemente una terapia de choque para curar el despecho. Con la participación de Skrillex, Nicolas Jaar, Guy-Manuel de Homem-Cristo de Daft Punk deja claro ante todo busca la contundencia. (NO) Stone Temple Pilots - Stone Temple Pilots Es el primer álbum del cuarteto californiano en ocho años. Es el primero sin su cantante original, Scott Weiland, quien murió en 2015. Es la vuelta al ruedo de una agrupación de grunge que tuvo eco en los años noventa y que después perdió peso. En esta entrega, Stone Temple Pilots decidió recurrir a un programa cazatalentos, El Factor X, para encontrar su nueva voz. El resultado es una voz sin matices personales: Jeff Gutt prefirió rendir culto a Weiland. Con la diferencia de que Gutt, aunque tiene un registro impecable, no cuenta con la sordidez ni el dejo nostálgico de Weiland. Es un álbum con 12 canciones de rock alternativo —el grunge aparece cada vez menos— bien interpretadas, compactas y, sobre todo, sin intenciones rotundas de renovación. (WM) Kylie Minogue – Golden Después de más de 30 años ganando su lugar en la realeza del pop, Kylie Minogue decidió apostarle al country para su decimocuarto álbum. Aunque conserva el dance y los sonidos disco que tanto nos gustan de ella, la mezcla con country se siente forzada, como siguiendo una fórmula genérica porque está en tendencia. Dancing y Raining Glitter son dos de las canciones en las que más sentimos la esencia de Kylie. Se destaca también Music Too Sad Without You, una catarsis tras la ruptura difícil con su expareja Joshua Sasse. Aunque fue un buen riesgo probar un estilo distinto, este disco palidece ante sus trabajos previos. No trates como Fever o Body Language a quien te trata como Golden. (PR) Cardi B – Invasion of Privacy La historia de Cardi B es el paso de la pobreza al éxito que tanto gusta: de pertenecer a una pandilla pasó a ser cajera de supermercado, stripper, invitada de Bruno Mars en Finesse, y la primera rapera en alcanzar el primer lugar de Bilboard Hot 100 en cerca de 20 años. Invasion of Privacy, su debut, dejó callados a quienes pensaban que era simplemente una figura efímera de reality show. Cardi B puede ser fuerte, contundente y desvergonzada, pero también vulnerable y delicada. I Like It, con colaboración de J Balvin y Bad Bunny y sample del clásico I Like It Like That de Pete Rodríguez, es un homenaje a sus raíces dominicanas y la mejor muestra de que es una poderosa máquina de hacer hits. (PR) The Vaccines – Combat Sports Como insolente, entretenida y enérgica podríamos describir la propuesta de The Vaccines. En este álbum, el cuarto en su carrera, vuelven con más de los que nos gusta de ellos: Rock n roll potente con especial protagonismo de la guitarra. Su sonido, aunque muy actual, tiene aires clásicos, por lo que es imposible no pensar en The Ramones, The Clash, Blur y hasta en los Beach Boys. Combat Sports marca su regreso tras varios problemas personales y de salud que tenían agarrados a sus integrantes. “Queríamos hacer nuestro mejor disco hasta ahora”, según declaró su vocalista, Justin Young. Y lo lograron. (PR) Albert Hammond Jr - Francis Trouble Muy seguramente, para Albert Hammond Jr. su proyecto solista ha sido un respiro creativo para encontrarse a sí mismo sin el peso de una marca como The Strokes, banda con la que se sabe no tienen mucho contacto desde el lanzamiento del EP Future Present Past EN 2016. Con Francis Trouble, su cuarto álbum, Hammond Jr. parece haber encontrado una historia personal a través de la cual contarse a sí mismo. Según ha declarado a la prensa internacional, mucha de la inspiración del álbum viene de haber conocido que creció en el vientre de su madre con un hermano gemelo que no nació; y que, de hecho, él fue parido con uña que heredó, producto de una colisión con su hermano no nacido. Pero por encima de la curiosidad, se puede decir que es un álbum que transcurre sin muchos sobresaltos y que encuentra su poder en la lírica. Hay que decir también que el álbum tiene cortes con un innegable parentesco con la banda madre The Strokes. (FL) Jack White – Boarding House Reach Después de su aclamado álbum “Lazzaretto”, Jack White nos sorprende con un nuevo trabajo discográfico el cuál viene cargado con su característico rock visceral pero nos muestra una faceta de exploración de nuevos sonidos. Máquinas de ritmos, percusiones y sintetizadores hacen de este disco algo único ya que la sonoridad se hace a partir de capas sonoras que crean un sonido oscuro pero al mismo tiempo épico. Why Walk a Dog es una de las canciones con las que más propone, dejando a un lado las poderosas baterías y reemplazándolas con un beat básico y con sonoridad melancólica. Para algunos puede ser un disco bizarro y para otros puede tener la firma de Jack White pero lo que si se puede decir es que es una propuesta original de una leyenda que siempre está reinventando su estilo y rompiendo las fronteras de cómo producir y componer canciones en el siglo XXI. Track Recomendado: Respect Commander. (MB) 30 Seconds to Mars - America Tras 5 años de silencio, la banda de los hermanos Leto vuelve con su quinto álbum de estudio. Al parecer han olvidado el sonido que los llevó a ser un ícono del rock con sus primeros trabajos. Americaestá lleno de elementos pop los cuáles hacen que este disco pertenezca más a un proyecto solitario de Jareth Leto y no a un disco de una banda de rock. Las participaciones de otros artistas como A$AP Rocky son bastante flojas y el contenido lírico en general se queda limitado bajo un mensaje político un poco difuso y falto de agresividad. Es un intento de volver con un sonido actual forzado, pasando por casi todos los clichés de la industria musical. Desde EDM hasta folk, este álbum es una colcha de retazos sin identidad que deja una gran inquietud de ver cómo se interpretará sus canciones en vivo junto a los temas sus producciones anteriores. No creo que sus verdaderos fans estén muy felices con este álbum. Track que se salva: Monolith . (MB) The Voidz – Virtue Se creía que The Voidz era un capricho pasajero de Julian Casablancas, pero con este segundo disco queda claro que es un proyecto que está a la vanguardia de lo que pasa con el rock hoy en día. Virtue contiene 15 tracks cargados de elementos new wave, electro y glam rock fusionados con riffs guitarreros que hacen de este disco una mezcla perfecta. Las líricas están llenas de críticas políticas y sociales escritas de manera tan básica que a veces confunden y crean significados profundos sin importar su simplicidad. Se construye un mundo al revés donde lo oscuro es lo pop y el rockstar es ese que no quiere ser reconocido y quiere disfrutar la soledad. Es un viaje donde se complace desde al más crudo de los rockeros hasta el más fan del sonido de los ochentas y esto hace a “Virtue” un álbum digno de estar en una colección al lado de New Order y de Depeche Mode. Track recomendado: Pyramid of Bones . (MB) Warhol Oliveira – Yo no sé donde va mi vida El mismo Warhol describe este álbum como “Mick Jagger y John Lennon teniendo sexo en un baño a las 3 am en un club nocturno”, pero yo a esto le adicionaría que ese baño estaba en un concierto de Eagles of Death Metal y que Iggy Pop hacia parte de la faena. Este disco es una banda de rock de garaje en su máxima expresión donde escuchamos guitarras con overdrives pasando por el estilo de Brian Setzer hasta los ya mencionados EODM. Las letras utilizan un lenguaje coloquial para poder expresar momentos de la cotidianidad de la vida. Las canciones llaman a baile y contienen un grado de libertad y despreocupación que van ligados a una fuerte influencia del punk. Si quiere salir de la monotonía y hacer lo que se le de la gana este disco puede ser la banda sonora de su rebeldía.Track recomendado: No paro . (MB)
‘He was never there’ es el nombre del mini documental de The Weeknd en el que le da una mirada más cerca al proceso de grabación de su más reciente álbum que es acutlamente #1 en listas de más de 40 países. El video de seis minutos muestra en tonos opacos y oscuros el trabajo del intérprete de ‘Starboy’, guiándose por su esencia visual. El artista se presentará en los próximos días en el Festival Coachella Las seis pistas del EP ‘My Dear Melancholy’ debutaron en el listado Hot 100 de Billboard logrando ser un éxito inmediato
Hace unos días The Weeknd sorprendió a sus fanáticos con el lanzamiento de su nuevo EP, My Dear Melancholy. Un trabajo de seis canciones donde explora la angustia y nos mete de una manera íntima en su cabeza y lo que para muchos es el resultado de un desamor. La placa ha logrado sorprender y ahora nos explica cómo fue el proceso con un video que es casi tan bueno como el mismo disco. El artista acaba de publicar un detrás de cámaras dirigido por Joachim Johnson, una especie de corto que se bautiza como una de las canciones: I Was Never There. En este se ven imágenes distorsionadas, a The Weeknd en el estudio y audios donde de él y los colaboradores.
The Weeknd, una de las joyas del R&B moderno estrenó hace unos días un sorpresivo nuevo EP que ha sido más popular por la supuesta dedicatoria que hace a su exnovia, Selena Gómez, que por sus canciones. Después de poner a rodar una exitosa canción para la película Black Panther con Kendrick Lamar, su nueva placa se titula My Dear Melancholy y tiene seis cortes que, en efecto, por sus letras, parece ser una necesaria liberación de sus historias personales de desamor. Muchos medios han encontrado en el track Call Out My Name referencias muy claras a la relación que tuvo Abel Tesfaye con la cantante estadounidense, pareja de Justin Bieber. Cierto o no, las seis nuevas canciones de The Weeknd suenan más como baladas tristes, mucho menos eléctricas que lo que encontramos en el álbum lanzado de 2016 Starboy y más como las de su primer disco Kissland. Pero a pesar de ser menos fiestero y más cortavenas, el disco fue producido por manos muy finas de la música electrónica: Guy-Manuel de Homem-Christo (Daft Punk), Gesaffelstein, Mike WiLL Made-It, Skrillex y Frank Dukes. Acá lo compartimos vía YouTube
Coachella anunció su cartel para el 2018. Sus tres grandes headliners son Beyoncé, quien tuvo que suspender su participación el año pasado por su maternidad y fue reemplazada por Lady Gaga. La cabeza del cartel la completan The Weeknd y Eminem. La lista está para todos los gustos con artistas como SZA, Kygo, Jamiroquai, St Vincent, The War On Drugs, Vince Staples, Soulwax, Jean-Michel Jarre, Daniel Caesar y Kali Uchis, Los Ángeles Azules, Alan Walker, los viernes 13 y 20. Haim, Tyler the Creator, David Byrne, alt-J, Post Malone, Fleet Foxes, Chromeo, los Chic de Nile Rodgers, BØRNS, Louis the Child, Angel Olsen, Black Madonna, Jungle y Mø, los sábados 14 y 21. Los días 15 y 22 de abril, se podrá ver a Odesza, Portugal the Man, Migos, A Perfect Circle, Cardi B, Miguel, King Krule, Kamasi Washington, French Montana o LANY, entre otros. Varios de estos artistas presentaron tremendos discos durante el 2017 y fueron parte de nuestra selección a lo mejor del año. Artistas como X X X, estrenaron álbumes que definitivamente hay que oír. Acá repasamos algunos: Jamiroquai - Automaton 21 años después del lanzamiento del que fue, sin duda, su mejor álbum, Travelling Without Moving, y tras siete años de silencio, Jamiroquai volvió al ruedo con Automaton. Un disco al que le podrán criticar que no propone nada nuevo, que suena parecido a lo que produjeron en la era dorada. ¿Acaso hay que pedirle más al tipo que hizo popular el acid jazz y que concretó el disco de funk más vendido de la historia? Después de lanzar Automaton, un primer sencillo en el que parecía que Jamiroquai volvería con un sonido más electrónico, tal vez más cercano al modern disco o al french house, Jay Kay nos recordó que era el dueño de un sello y de un estilo, canciones como Cloud 9, Superfresh, Something About You y Carla hacen que su regreso valga la pena. French Montana - Jungle Rules Este fue el regreso a la vida -literalmente- de French Montana. Después de cientos de problemas personales, uno de sus mejores amigos asesinados y el lanzamiento no autorizado de su disco, bajo el nombre de MC4, el francés volvió con todos los poderes para presentar un álbum que mezcla los sonidos más deliciosos de la vida: trap, dancehall y hip hop. Una entrega llena de luz para los fans y para el mismo cantante, quien gracias a Jungle Rules volvió a Marruecos, su ciudad de origen, e incluyó en Unforgettable las raíces más destacadas de este lugar. Encontró un grupo de jóvenes bailarines por Youtube e hizo de esta canción un éxito completo, tanto que lo trajo a Latinoamérica y se atrevió a hacer un remix con J Balvin. El álbum cerro el año encabezando el top 100 de los mejores discos de 2017 en el listado de los Bilboard. Vince Staples - Big Fish Theory Una canción que representa muy bien el sonido de Vince en su segundo álbum de estudio es Love Can Be, donde los beats electrónicos y los secuenciadores se mezclan perfectamente con la propuesta musical del artista californiano. Hip hop refrescado totalmente por los sonidos actuales que no se dejan encasillar en ningún género. Vince es de los nuevos Mc que se hace cada vez más grande con cada track de álbum; Crabs in a Bucket, Big Fish, 745, BagBak o SAMO, solo por nombrar algunas de sus canciones que tienen identidad propia. St. Vincent - MASSEDUCTION Tras ganar el Grammy por Mejor álbum alternativo con su penúltimo disco St. Vincent, Annie Clark era comparada con genios creativos como Prince y David Bowie por su estilo único y porque más allá de la música es una propuesta artística con todos los juguetes. MASSEDUCTION es su quinto álbum, fue producido por Jack Antonoff y es donde muestra su lado más oscuro: habla del suicidio (Smoking Section) del desamor (New York) y del miedo a envejecer (Los Ageless). Cuando todos pensaron que se iba a volcar a lo comercial por su gran aceptación y por trabajar con el productor de Lorde, Carly Rae Jepsen y Taylor Swift, St. Vincent reafirma su autenticidad con un álbum que guarda las particularidades de siempre, como su guitarra eléctrica distorsionada. Haim - Something to tell you Tras el ruido que generó su primer disc,o Days are Gone (2013), el trío de hermanas californianas, de la mano de Rostand Batmanglij (ex Vampire Weekend) y su usual colaborador, Ariel Rechtshaid, se avientan con una placa muy pop, enriquecida con soft rock y algunos elementos del R&B. Letras de amor y desamor, despecho y anhelos; canciones dotadas de riqueza melódica que acuden a recursos como voces distorsionadas o ruidos para adivinar con audífonos: faxes y relinchos de caballos, muestran diferentes colores. Desde Want you back, chicle para radio, a Night so Long, que cierra el disco voces celestiales, se palpa a Haim menos retro que en su debut y aunque aún hacen remembrar a Stevie Nicks (Fleetwood Mac), lucen brillo actual. The XX - I See You Que Jamie XX haya pasado un buen tiempo dedicado a su proyecto en solitario resultó ser un hecho culminante para que The XX retornara con un sonido más robusto, hecho con manos más inquietas y laboriosas. Se dice que Romy Madley Croft participó en un campamento de escritura junto al escritor y productor Robin Hannibal para aprender la ciencia de los himnos pop y que junto a Oliver Sim (quien dejó el alcohol para grabar este álbum) fueron los primeros en echarle mano a los demos de los diez temas que habían venido trabajando desde marzo del 2014 y que terminaron por componer el I See You. Con Jamie de nuevo concentrado en la maquinaria, después de su éxito con In Colour, The XX hizo combustión y el resultado fueron canciones con un sonido menos dramático como On Hold o Dangerous, que sin duda representan un salto del minimalismo y a la melancolía que le habíamos escuchado a este trio en sus dos álbumes anteriores. I See You, sin duda, fue el primer gran lanzamiento del 2017.
Tell Your Friends es un tema que parecía archivado en el baúl de futuros clásicos del joven Abel Tesfaye. Originalmente publicado en el álbum de 2015, Beauty Behind the Madness, de The Weeknd, Tell Your Friends revivió hoy con una selección de colaboradores bastante jugosa. Por primera vez, The Weeknd se junta con uno de los reyes del capricho de la industria, Kanye West, quien dirigió la producción de remix. El tema, que ya había sido intervenido por Drake y Ghostface Killah, ahora tiene en esta versión, entre su lista de invitados, al mismísimo Kanye, Drake, Ghostface, NAS y Belly. El remix apareció en el nuevo Soundcloud de XO. Acá se los compartimos:
La neoyorkina Lana Del Rey estrenó Lust for Life, el sencillo que le dio el nombre a su próximo LP, cuya fecha de lanzamiento es incierta. El tema, que fue prsentado durante una entrevista en la BBC Radio, es una combinación con la joya del R&B Abel Tesfaye, mejor conocido como The Weeknd, con quien ya había colaborado un par de veces. Hablando de la pista en una entrevista con Courtney Love, Lana del Rey dijo: "Tal vez es algo raro tener una colaboración como sencillo principal del LP, pero me encanta esa canción”. Lust for Life es de hecho una balada ultra romántica y lenta que raya en lo cursi, sobre todo si la vemos con el videoclip que circula en Internet, en el que Tesfaye y Lana del Rey aparecen sentados en la esquina del icónico letrero de Hollywood.
El mes pasado The Weeknd apareció en los Grammy junto a los papás del french house, Daft Punk, interpretando una de las dos colaboraciones que hicieron en su disco Starboy. Se trata del último track del álbum I Feel it Coming, el segundo sencillo en el que aparece la firma del dúo de Thomas y Guy-manuel después del track homónimo al álbum. Lo del Grammy fue el aviso del lanzamiento del videoclip de este nuevo sencillo, en el que Daft Punk vuelve a figurar en un video y, al parecer, es el cierre del universo visual que creó The Weeknd alrededor de este álbum. Warren Fu fue el director encargado de visualizas este evento apocalíptico en el que Abel Tesfaye sigue cantando hasta el momento de la destrucción de la Tierra. Al final, son los robots intergalácticos que aparecen examinando la destrucción.
La plataforma de streaming anunció que tiene planes de rodaje para un nuevo reality show inspirado en Willy Wonka. En 2021 Netflix adquirió los derechos del famoso personaje creado por Roahl Dahl.La decisión se tomó luego del éxito que tuvieron las tres películas basadas en el libro de Dahl: 'Wonka' (2023), 'Charlie y la fábrica de chocolate' (2005) y 'Willy Wonka y la fábrica de chocolate' (1971), con Timotheé Chalamet, Johnny Depp y Gene Wilder, respectivamente.Según un artículo de Deadline, Netflix le ha presentado la idea de un concurso a varias productoras como Fremantle, Wall to Wall, Nobody's Hero y the Garden, una de ls productoras que estuvo detrás de 'El Juego del Calamar: El desafío'.Se espera que Warner Bros. Discovery, que también opera en varias divisiones estadounidenses de programas sin guión, como Warner Horizon, participe de alguna forma incluso si Wall to Wall no consigue la serie debido a sus vínculos con las películas. Si bien actualmente no hay ningún acuerdo centre la compañía dirigida como David Zaslav y Netflix, si el reality utilizara clips de alguna de las películas, tendría que trabajar con el estudio.Lean acá: 'El Juego del Calamar: El Desafío': los concursantes demandarán a NetflixAunque aún se desconoce el concepto que tendría el programa, se sabe que será un programa del formato reality show inspirando en Willy Wonka con algo relacionado a cocina al estilo bake off."Los horneados son una epidemia y los odiamos", dijo a Deadline uno de los principales productores de realities. “En los viejos tiempos, de vez en cuando había enfrentamientos, pero por lo general, las cadenas elegían una compañía de producción que conocían y en la que confiaban y simplemente se asociaban y hacían que funcionara. Pero ahora, como los mercados están tan mal, tienen la oportunidad de hacer que la gente haga una audición. Es la pesadilla de nuestra existencia”, añadió.Esto se produce a medida que más empresas controlan propiedad intelectual valiosa que puede convertirse en programas de juegos y formatos de competencia que tienen acuerdos con estas empresas, quieren involucrarse en la televisión sin guión.
LIFETIME celebra el Día de la Madre y presenta un especial de cinco películas que destacan las historias de mujeres que han debido enfrentar distintos desafíos que van desde la crianza de los hijos siendo madre y padre a la vez, hasta la búsqueda de una hija desaparecida.El bloque especial incluye los largometrajes '¡Hombre al Agua! (Overboard)', una comedia romántica protagonizada por el mexicano Eugenio Derbez, Anna Faris, Eva Longoria y John Hannah. La trama sigue a una madre viuda estadounidense de clase trabajadora que convence a un millonario playboy mexicano con amnesia de que son una pareja casada. A continuación, 'Colorea Mi Mundo Con Amor (Color My World With Love)', la historia de Kendall y Brad, dos jóvenes con Síndrome de Down que se enamoran, pero la madre de Kendall se opone y se ve en una encrucijada. Por un lado, quiere proteger a su hija, pero a la vez sabe que debe dejarla crecer. Protagonizada por Lily D. Moore, David DeSanctis, Erica Durance y Ben Ayres.El especial de Lifetime continuará con 'Lista De Toda Una Vida (List Of A Lifetime)', un drama protagonizado por Kelly Hu, Shannen Doherty, y Sylvia Kwan que narra la historia de Brenda Lee, una mujer a quien diagnostican cáncer de mama triple negativo. Ante esta noticia ella emprende un viaje para encontrar a la hija que hace años dio en adopción y así advertirle de esta mutación genética que es hereditaria. Cuando Brenda finalmente conoce a Talia, la joven tiene muchas preguntas y entre otras cosas le pide a su madre biológica que haga una lista de deseos.Las historias de madres seguirán con la película 'Carta desde el Cielo (My Mom´S Letter From Heaven)' protagonizada por Barry Watson y Jordyn Ashley Olson. El film muestra como Connor Johnson es un hombre viudo que está devastado por la muerte de su esposa y se ve enfrentado a criar solo a su hija Zoe. Sin embargo, antes de su muerte, su esposa le deja una carta para que se la lea a su hija cuando lo necesite. Han pasado 12 años y Zoe se ha convertido en una adolescente rebelde y todo indica que ha llegado el momento de leer esa carta.Y, para finalizar el especial, 'Hasta Encontrarte (Black Girl Missing)', un largometraje protagonizado por Betsy Baker, Linda Park, Iyana Halley y Garcelle Beauvais, que cuenta la historia de Cheryl, una madre cuya hija ha desaparecido. Las autoridades y los medios descartan su búsqueda ya que piensan que la joven simplemente ha huido del hogar, mientras se enfocan en otra niña desaparecida, que es blanca.Sinopsis de las películas del especial del Día de la Madre¡Hombre al Agua! (Overboard)Después de caer de su yate, un vividor, rico, mimado y con amnesia (Eugenio Derbez) es convencido por una madre soltera (Ana Faris) que es su marido, y le hace trabajar por la primera vez en su vida, pero ¿podrá una mentira mantener un nuevo amor?Colorea Mi Mundo Con Amor (Color My World With Love)Cuando Emma, la madre de una joven con síndrome de Down, descubre que su hija ha decidido dar un nuevo paso en su relación y comprometerse con su pareja (que también tiene síndrome de Down), deberá luchar contra sus propios prejuicios y confiar en las decisiones de su hija. ¿Será capaz de aceptarlo?Lista De Toda Una Vida (List Of A Lifetime)Cuando a Brenda le diagnostican cáncer de mama, decide buscar a Talia, la niña que dio en adopción años antes. Cuando la conoce, Talia le pide que haga una lista de deseos antes de morir para ayudarla en su trabajo como escritora. Este tiempo juntas las acercará y ayudará a que Brenda luche por su vida.Carta Desde El Cielo (My Mom's Letter From Heaven)Un padre soltero mantiene una relación tirante con su rebelde hija adolescente. Pero cuando parece que nunca podrán solucionar sus problemas, milagrosamente encuentran una carta dirigida a la joven y escrita por la madre en su lecho de muerte. ¿Logrará que las cosas entre ellos mejoren?Hasta Encontrarte (Black Girl Missing)Cuando su hija Lauren desaparece tras una discusión sobre abandonar la universidad, Cheryl busca ayuda de las autoridades y los medios de comunicación. Pero queda horrorizada al descubrir la disparidad con que la policía y los medios tratan los casos de personas desaparecidas negras.
El 3 de mayo, La Casa del Teatro Nacional estrenó 'El Cadáver de Pensarte', una obra de ficción contemporánea protagonizada por Camila Valenzuela, quien expone una conversación con Manuelita Sáenz, una mujer que es un ejemplo para las generaciones actuales. El monólogo es dirigido por William Guevara.La obra es una adaptación para teatro del libro 'El cadáver de pensarte' de Pablo Velásquez Urzola sobre la vida de Manuela Sáenz, un reconocimiento a sus alegrías y tristezas, a la pasión y lucha de una mujer independentista avanzada para su época.Sinopsis de la obra La actriz Camila Valenzuela nos narra el misterioso encuentro que tuvo una noche de viernes con Manuela Sáenz de Vergara y Aizpuru, en el apartamento de Pablo Velásquez, en pleno Chapinero. En esta sorpresiva cita, la mujer rebelde, la independentista, la enamorada, la olvidada, con nostalgia le cuenta pasajes fundamentales de su vida, que dan fe de su pasión y lucha por la libertad de una región, que vivió defendiendo a través de los ideales bolivarianos, a pesar de su compleja relación con el amor de su vida… y su muerte: Simón.Es una adaptación escrita a través de un encuentro de la mujer independentista con una joven en la actualidad, con el propósito de acercar hechos históricos a los espectadores actuales.¿Quién fue Manuelita Sáenz?Manuela Sáenz de Vergara y Aizpuru, nacida en Quito en 1797, fue una figura crucial en las luchas por la independencia de América del Sur. Conocida como "La Libertadora del Libertador", su relación con Simón Bolívar y su activismo político la convirtieron en un ícono de la resistencia contra el dominio español.Desde temprana edad, Manuela demostró un espíritu rebelde e inconformista. Su inteligencia la llevó a desafiar las normas sociales de la época, convirtiéndola en una mujer admirada y temida a partes iguales. En 1822, su vida se entrelazó con la de Simón Bolívar, con quien forjó una profunda conexión que trascendía lo romántico.Juntos, Manuela y Bolívar recorrieron los caminos de la Gran Colombia, donde Manuela se destacó por su astucia política, su valentía en el campo de batalla y su ferviente apoyo a la causa independentista. Participó activamente en la Batalla de Junín, donde alcanzó el grado de Coronel, y en la conspiración Septembrina, donde salvó la vida de Bolívar. Tras la independencia, Manuela y Bolívar se exiliaron en Perú, donde su relación se vio envuelta en la turbulenta política postcolonial. A pesar de las dificultades, Manuela nunca dejó de defender los ideales de libertad e igualdad que habían inspirado su lucha. Murió en Paita, Perú, en 1856. Su figura representa la valentía, la inteligencia y la pasión de las mujeres que participaron en las guerras de independencia de América Latina.Pueden encontrar las boletas y la programación en la página web de La Casa del Teatro Nacional.
Steve Albini, legendario productor de rock alternativo, falleció el pasado 8 de mayo. Albini trabajó en discos emblema, como In Utero de Nirvana, Surfer Rosa de Pixies, Rid of Me de PJ Harvey, entre otros. Ae le conoció por su enfoque de grabación único y su compromiso de ofrecer sonidos honestos y auténticos,. Era frecuente que defendiera los derechos de los músicos en sus tratos con los sellos discográficos, según reporta Futuro,cl. En homenaje, la cuenta en X (Twitter) de Nirvana publicó una carta de cuatro páginas, en la que Albini escribió a la banda sobre su enfoque y metodología de la música y cómo planeaba manejar la grabación de In Utero, tercer y último disco de Nirvana. En la carta de cuatro páginas, Albini declaró que “si se tarda más de una semana en hacer un disco, alguien la está cagando”."Creo que lo mejor que pueden hacer en este momento es exactamente lo que están diciendo: sacar un disco en un par de días, con alta calidad pero una 'producción' mínima y sin interferencias de los jefes de la oficina principal", escribió . "Si eso es realmente lo que quieren hacer, me encantaría participar".“Si, en cambio, se encuentran la posición de ser consentidos temporalmente por la compañía discográfica, sólo para que en algún momento los boten por el inodoro (molestándolos para que reelaboren canciones/secuencias/producción, llamando a pistoleros contratados para "endulzar" su disco, entregarle todo a algún DJ, lo que sea…) entonces les espera un fastidio y no quiero ser parte de ello”.La carta continúa: “Sólo estoy interesado en trabajar en discos que reflejen legítimamente la percepción que la banda tiene de su música y su existencia. Si se comprometen con eso como principio de la metodología de grabación, entonces me romperé el trasero por ustedes. Trabajaré en círculos a su alrededor”.Albini escribió sobre su metodología de grabación: “Considero que la banda es lo más importante, como la entidad creativa que generó tanto la personalidad como el estilo de la banda y como la entidad social que existe las 24 horas de cada día. No considero que sea mi responsabilidad decirte qué hacer o cómo jugar. Estoy bastante dispuesto a dejar que se escuchen mis opiniones (si creo que la banda está haciendo un gran progreso o cometiendo un gran error, considero que es parte de mi trabajo decírselo), pero si la banda decide seguir algo, buscaré que se haga”.Luego señaló que le gusta “dejar espacio para los accidentes y el caos”. "Si cada elemento de la música y la dinámica de una banda está controlado por pistas de clic, computadoras, mezclas automatizadas, puertas, samplers y secuenciadores, entonces el disco puede no ser incompetente, pero ciertamente no será excepcional".Albini también rechazó los derechos de autor por producir y mezclar el álbum en su propuesta, escribiendo: “No quiero ni aceptaré derechos de autor por ningún disco que grabe. Sin puntos. Período. Creo que pagar regalías a un productor o ingeniero es éticamente indefendible. La banda escribe las canciones. La banda toca la música. Son los fans de la banda quienes compran los discos. La banda es responsable de si es un gran disco o un disco horrible. Las regalías pertenecen a la banda”.“Me gustaría que me pagaran como un fontanero: yo hago el trabajo y ustedes me pagan lo que vale. La discográfica esperará que le pida un punto o un punto y medio. Si asumimos tres millones de ventas, eso equivale a unos 400.000 dólares. De ninguna manera aceptaría tanto dinero. No podría dormir”.
Eden Golan, representante de Isreel en el festival Eurovisión, uno de los más importantes de Europa, fue abucheada luego de pasar a la final del concurso, que se lleva a cabo en Malmo, Suecia. Se estima que en la ciudad sueca, marcharon cerca de 10.000 personas con las consignas “Palestina libre” e “Israel es un estado terrorista”. Los carteles acusaban a Eurovisión de ser cómplice de genocidio. Golan, de 20 años, recibió el apoyo del primer ministro israelí, Benjamín Netanyahu, quien la elogió por su desempeño a pesar de “enfrentarse a una fea ola de antisemitismo”. “Así que sean bendecidos y sepan que cuando los abucheen, los animaremos”, dijo.La canción con la que participa Golan es una balada titulada Hurricane, pero ese no era su nombre original. La canción se llamó inicialmente “October Rain”, en una no mu ysutil referencia al ataque de Hamás del 7 de octubre. Eso infringía las reglas del concurso que prohibían el contenido "político" en la música. La canción retitulada contiene una letra menos específica sobre cómo pasar por un momento difícil y afirma que “el amor nunca morirá”.¿Quién es Eden Golan? Nacida en Israel de padres de la ex Unión Soviética, Golan pasó gran parte de su infancia en Rusia y actuó en programas de talentos televisados allí antes de regresar a Israel. Cita a Beyoncé, Ariana Grande, Whitney Houston y Justin Timberlake entre sus inspiraciones.¿Por qué el boicot a Israel en Eurovision? En Finlandia, cientos de artistas firmaron una petición para vetar a Israel de Eurovision, en febrero pasado. "No está de acuerdo con nuestros valores que a un país que comete crímenes de guerra y continúa una ocupación militar se le dé un escenario público para pulir su imagen en nombre de la música", dice la petición.Esto debido al conflicto de Israel con con Hamás, que ha dejado 35.000 personas en Gaza. La guerra comenzó con el ataque sorpresa de Hamás al sur de Israel en octubre, en el que el grupo militante mató a unas 1.200 personas, en su mayoría civiles, y tomó como rehenes a otras 250, de acuerdo con AFP. ¿Por qué Israel participa en Eurovisión?Israel participa porque es miembro de Eurovisión desde hace mucho tiempo. El servicio de televisión del país se creó bajo la dirección de expertos europeos, incluido Stuart Hood de la BBC.Israel también es miembro de la UER. Ganó el concurso de canciones en 1978 y nuevamente en 1979, cuando fue televisada desde Jerusalén. Después de ganar por segunda vez, tuvo el derecho de albergar nuevamente la competición en 1980, pero lo cedió a Países Bajos por falta de fondos.¿Qué es Eurovisión y por qué es tan importante?Eurovisión es un concurso televisivo anual en el que participan intérpretes cuyos países son miembros de la URE.Eurovisión es el evento musical más grande del mundo y una importante fuerza cultural en la región. El concurso ha ayudado a lanzar las carreras de algunas de las estrellas más importantes del mundo como ABBA, que ganó para Suecia en 1974, y Céline Dion, que se llevó la corona para Suiza en 1988 (los cantantes no tienen que ser nativoa del país al que representan).