Recientemente, J Balvin ha sido tema de conversación en redes por un video publicado en Twitter en el que se observa que es borrado un grafiti con su imagen en la Comuna 13 de Medellín. Según el usuario que publicó el video en Twitter, la imagen fue borrada por “su indiferencia ante el sufrimiento del pueblo”.Sin embargo, según el diario El Tiempo, esa no fue la razón por la que el grafiti fue borrado. El mural de J Balvin fue pintado el pasado 4 de mayo, días antes del lanzamiento de su documental El niño de Medellín, en Amazon Prime Video. Había un contrato para que el mural permaneciera por un mes, que ya se cumplió, para luego ser reemplazado por la obra de otro grafitero, de acuerdo con una fuente citada por el diario.El video causó polémica en redes sociales y planteó dudas sobre la importancia de los símbolos en el espacio público. Juanes se pronunció al respecto. “Me da tristeza esto. ¿Hasta dónde vamos a llegar? ¿Cuál es la línea que divide lo bueno de lo malo? ¿La verdad de la mentira? ¿Acaso no hay muchas verdades a la vez? ¿La de cada uno? Los invito a reflexionar”, dijo el músico en una publicación en su cuenta de Twitter, que posteriormente fue borrada.Lo cierto es que J Balvin ha sido criticado en múltiples ocasiones por su silencio frente a la situación política en Colombia, inicialmente en 2019 y nuevamente ahora.Pero esta no es la única crítica que ha recibido Balvin por estos días. En entrevista con El País publicada el pasado 5 de junio, el músico afirmó: “este es el mal de esta década, las enfermedades de salud mental. Creo que hemos salvado más vidas que cualquier psiquiatra. La música tiene un poder muy grande sobre las masas”. Balvin añadió: “las leyendas, hicieron más que música. Tocaron temas de los que pocos se atrevían a hablar: Madonna, por ejemplo, con la comunidad LGTBQ. A mí me tocó lo de la salud mental”.En los últimos años, Balvin ha sido abierto sobre su lucha con la ansiedad y la depresión. “Ansiedad y depresión son una realidad, tal vez es parte de mi misión en la Tierra hablar de cosas que pocos aceptan y simplemente aceptar que soy humano como todos”, dijo el músico en una publicación en sus redes sociales en 2019. Sin embargo, su frase en la entrevista no cayó muy bien, pues se interpretó como un rechazo a la psiquiatría y al tratamiento médico profesional, algo que resulta contradictorio con declaraciones anteriores en las que invitaba a las personas a ser tratadas por un psicólogo o psiquiatra si padecían alguna enfermedad mental.
Ayer se llevó a cabo el día más "rockero" en la jornada del festival. Punk, rock, garage, surf tronaron con fuerza a lo largo del día. Decidimos preguntarles a los responsables de poner a poguear al público del festival por esos discos inmortales que los han marcado y esto fue lo que nos respondieron.
Desde México llegó Natalia Lafourcade para hacernos cantar a grito herido al ritmo de sus ya conocidas melodías románticas. Por más de una hora el escenario Tigo Music acogió a una de las artistas que tiene ganado el corazón de los bogotanos.
Fotos por Sonografo // @visualreportLa quinta edición del Festival Centro cerró con broche de oro el pasado domingo 12 de enero.Palmeras de Urabá, Papaconyuca, Bendito Parche, Eduardo Cabas, Ensamble Tríptico, Armando Velásquez, Nidia Góngora, Alci Acosta, Los Alegres de Genoy y Sidestepper fue el combo encargado de musicalizar este sexto día donde la música hecha en casa fue la protagonista.Una jornada llena de clásicos colombianos que hicieron que la mayoría de los asistentes llorarán con estas bellas canciones que de seguro nuestros abuelos escuchaban sin parar.- Ver crónica en video - Ver todo el especial
Por: Alfred Lord y Cristian Hernández.La quinta edición del Festival Centro cerró con broche de oro el pasado domingo 12 de enero.Palmeras de Urabá, Papaconyuca, Bendito Parche, Eduardo Cabas, Ensamble Tríptico, Armando Velásquez, Nidia Góngora, Alci Acosta, Los Alegres de Genoy y Sidestepper fue el combo encargado de musicalizar este sexto día donde la música hecha en casa fue la protagonista.Una jornada llena de clásicos colombianos que hicieron que la mayoría de los asistentes llorarán con estas bellas canciones que de seguro nuestros abuelos escuchaban sin parar.- Ver crónica en video - Ver todo el especial
Realización: Cristián Hernández.
Toño Barrio, Tribu Baharú, Comadre Araña, Rancho Aparte, Integración Casanova, Changó y La Orquesta de Lucho Bermúdez, fueron el combo que prendió la fiesta en la Gilberto Alzate Avendaño. Una jornada cargada de salsa, pero también de champeta. Una mezcla de sonidos con todo el sabor propio de la riqueza cultural de los rincones de nuestro páis.
Hay casi un 40% menos de contenido sexual en las grandes películas que a principios del milenio. Esa fue la conclusión principal de un informe encargado por The Economist al analista de datos Stephen Follows. El informe recopiló datos sobre las 250 películas más taquilleras cada año desde 2000, y encontró que las películas estrenadas en 2023 tenían poco más del 60% del contenido erótico que normalmente se encontraba entre las 250 principales en 2000. Es decir, el contenido sexual en las películas se ha reducido en un 405. Por género cinematográfico, la caída fue más pronunciada en las películas de acción (una caída de aproximadamente el 70% durante el mismo período), mientras que las películas románticas registraron muchos menos cambios, con una caída de poco menos del 20%.Al mismo tiempo, el porcentaje de películas más taquilleras sin ningún contenido sexual aumentó significativamente, de aproximadamente el 18% en 2000 al 46% en 2023. "No sólo hay menos actos sexuales en la pantalla, sino que se concentran proporcionalmente en menos películas", dice Follows. ¿Por qué cada vez hay menos escenas de sexo en el cine?Follows sugiere una serie de posibles razones detrás del declive de la cantidad de escenas sexuales, incluidos cambios en los gustos de la audiencia con una "preferencia por contenido que evita los temas sexuales por completo o los maneja con más sutileza"; la preocupación de que las escenas de sexo puedan afectar el estreno mundial “dando lugar a clasificaciones de edad o censura más restrictivas, reduciendo así el alcance potencial de una película”; y la creciente influencia de los “coordinadores de intimidad”, que toman protagonismo después del #MeToo y la importancia de espacios ¿Qué son los coordinadores de intimidad?La coordinación de la intimidad es un campo relativamente nuevo y en crecimiento, de acuerdo con CBS News. La primera producción en contratar y acreditar a un coordinador de intimidad designado fue "he Deuce de HBO, protagonizada por James Franco y Maggie Gyllenhaal, que se estrenó en 2017 y describió la industria del porno en la ciudad de Nueva York de los años 70.Hoy hay más de 100 coordinadores de intimidad certificados que trabajan en sets de cine y televisión. Su salario está más o menos en línea con el de los coordinadores de especialistas, cuyas tarifas mínimas fija el sindicato son alrededor de 1.500 dólares por día. Ganan, en promedio, entre 60.000 y 90.000 dólares al año.
El mes pasado, el cantante de Orgy, Jay Gordon, contó haber escuchado que Linkin Park se podría reunir con una cantante femenina en lugar del fallecido Chester Bennington. Sin embargo, se echó para atrás con sus declaraciones luego que estas se volvieran virales. "Va a ser difícil sin Chester, pero ya veremos", dijo. "He oído que ahora tienen una cantante... Eso debería ser interesante", afirmó en el programa de radio Wired In The Empire.Aunque con mucha especulación al respecto, los fans comenzaron una conversación en redes sociales sobre el posible regreso de la icónica banda y sobre la pregunta más grande: ¿quién daría vida a las voces de Bennington?El 30 de abril Billboard afirmó en un artículo que Mike Shinoda, Brad Delson y Dave Farrel estarían pensando en incluir a una vocalista en la banda para honrar la memoria del ex cantante de Linkin Park. Según la nota, la agencia de reservas WME estaría aceptando ofertas para una posible gira de reunión y actuaciones como cabeza de cartel de algunos festivales. A los miembros de la banda se les uniría un cantante aún sin nombre, pero una fuente le dice a la publicación que "la banda espera encontrar una vocalista femenina".Los rumores llegaron hasta los oídos de la vocalista de Evanescence, Amy Lee, quien negó que ocuparía el lugar de Chester dentro de Linkin Park en el programa de radio canadiense iHeartRadio, en el cual también bromeó diciendo: "no me han contactado, pero eso es increíble. Deberían preguntarme sobre eso. No tengo mucho tiempo libre, pero podría hacerlo a tiempo parcial”.Los integrantes no se han pronunciado al respecto, únicamente Shinoda quien afirmó que“siempre circulan rumores. La gente siempre pregunta qué sigue para la banda, y la mejor respuesta que puedo darle a alguien es que cuando haya algo que decirles, se los diremos. Cuando haya que hacer un anuncio, será en LinkinPark.com. Si lo escuchan de otra persona, pueden confiar en esa información tanto como quieran”.**Lean acá Linkin Park: "El rock de ahora apesta,por eso hicimos música visceral y ruidosa"
Los detectives muertos, la nueva serie de Netflix y spin-off de The Sandman, se estrenó el 25 de abril del 2024. Esta historia está basada en el cómic de DC y en el universo de Neil Gaiman, una de las mentes más poderosas de ciencia ficción detrás de historias como The Sandman, Coraline y American Gods. La serie iba a ser originalmente de MAX pero, después de que la plataforma de streaming la rechazara (por no encajar en los nuevos planes de la compañía, Netflix compró los derechos para tener todo el universo del reconocido autor de ciencia ficción. Sin embargo, Netflix no le tenía mucha fe a este proyecto y por eso Los detectives muertos no tuvo una gran promoción y se concentró en otros estrenos como El caso de Asunta y Baby Reindeer. Muy pocos días después de su estreno, Los detectives muertos tiene una calificación de 7,6 en IMDb (casi igual de bien calificada como The Sandman que tiene 7,7) y un 92% en Rotten Tomatoes. Estas cifras demuestras que Netflix cometió un gran error al no confiar en la expansión del mundo de The Sandman y en la mente de Neil Gaiman. ¿De qué trata 'Los detectives muertos'?Edwin Payne (George Rexstrew) y Charles Rowland (Jayden Revri) son dos adolescentes, que nacieron en décadas diferentes, que se hicieron amigos después de su muerte. En su vida como fantasmas tienen una agencia de detectives y se dedican a resolver misterios y casos paranormales. A sus misiones se les une la médium Crystal (Kassius Nelson) y Niko (Yuyu Kitamura), su amiga del mundo de los vivos. Los cuatro deben enfrentarse a brujas malvadas y a la propia Muerte. Trailer de 'Los detectives muertos'¿Cómo se conecta 'Los detectives muertos' en el universo de Neil Gaiman? Tanto Edwin Payne como Charles Rowland aparecen por primera vez en el universo de Gaiman en la cuarta entrega de la colección de historietas, Sandman: Estación de Nieblas. También aparecieron en La Cruzada de los Niños y empezaron a tener cameos regularmente en los relatos de Neil Gaiman. Hablando específicamente de la línea narrativa, The Sandman y Los detectives muertos se cruzan en 1991 cuando Lucifer (Gwendoline Christie en la serie) renuncia y se abren las puertas del infierno. Cuando el reino queda sin gobernante, Dream (Tom Sturridge) conoce a Charles y a Edwin (una relación que sirve para la historia se conecte y muestre lo que sucede en la Tierra). Y es que, precisamente, con las puertas del infierno abiertas, Charles comienza a divagar en el internado donde murió hacía años y conoce a Edwin, un amigable fantasma que murió en la misma escuela. Lo que sigue después de eso, su amistad y la agencia de detectives, es lo que se cuenta en el spin-off. ***Les recomendamos: The Sandman: ¿Por qué su creador esperó más de 3 décadas para adaptar su historia?
Dread Mar I se presentará en el Movistar Arena de Bogotá este 6 de julio, como parte de su Tour Dread Mar I 2024. Las entradas están disponibles en Tuboleta y los precios oscilan entre 221.000 y 494.000 pesos. Con una larga trayectoria conocida en toda Latinoamérica que comenzó en Argentina, Dread Mar I ha sido una figura muy conocida en el reggae latinoamericano desde su debut solista en 2005 con el álbum "Jah guía". Su éxito Tú sin mí catapultó su carrera, llevándolo a los primeros lugares de las listas y a nominaciones de varios premios, incluyendo el Grammy Latino. La canción obtuvo el récord de canción de rock argentino más escuchada en Youtube, con 1000 millones de reproducciones hacia enero de 2021."Tú sin mí se volvió un súper hit, pero no me lo esperaba. En YouTube hay 30 millones de personas que vieron el video", dijo el artista en entrevista con El Clarín. Además de ser el primer artista de Reggae Rock argentino en dominar los mercados de Argentina, México y Brasil, Dread Mar I ha recibido numerosos reconocimientos, incluyendo el premio 'Quiero' al 'Mejor Video de Reggae' y el premio Gardel al 'Mejor Álbum de Reggae y Música Urbana'. Su capacidad para llenar estadios se confirmó cuando tocó frente a 100,000 personas en Mar del Plata, y sigue siendo uno de los artistas argentinos más escuchados en plataformas digitales.Los fanáticos pueden esperar una noche de algunos grandes éxitos como “Hoja en Blanco”, “Así fue” y “Nada”.
Duki llega por segunda vez a la capital del país con su A.D.A TOUR 2024 en el Movistar Arena, el próximo 4 de mayo. El argentino regresa a Bogotá y la encargada de abrir el concierto será la colombiana Nath. Duki es un rapero y compositor de 27 años. En el 2021 se posicionó como el artista argentino más escuchado en el mundo. Entre sus canciones más conocidas está Goteo (que se mantuvo 24 días en el puesto número 1 de Argentina) con más de 300 millones de reproducciones en Spotify, She Don´t Give Fo con más de 400 millones de escuchas y Marisola - Remix.Después de agotar dos conciertos en el River Plate en Argentina (con capacidad de más de 150.000 personas), ser el único artista del género en vender toda la boletería del Bernabeu Del Real Madrid y hacer sold out en menos de 24 horas en el Palacio de losDeportes en México, Duki vuelve a Bogotá para cantar en uno de los escenarios más reconocidos de la ciudad.¿Quién es Nath? Nath creció en Medellín, admirando a iconos de la música local, como J Balvin, Maluma y Karol G. Ha colaborado con artistas como Ryan Castro, Goyo, Pirlo, Blessed, Piso 21 entre otros.El coro de la iglesia fue el escenario en el que cantó por primera vez. La música la emocionaba, así como ver cantantes. A veces le costaba encontrar las palabras precisas para expresar sus emociones, pero en la música, que tenía que sonar y acompañarla hiciera lo que hiciera, encontró sentido.En las baladas románticas de Ricardo Montaner, Reik y Sin Bandera, de ahí la inflexión romántica de sus canciones hoy, y también en la escritura. Si las palabras la eludían, tomaba una hoja y un lápiz, escribía una carta, y todo se aclaraba. Así convencía a su mamá de que le devolviera su baraja de Yu-Gi-Oh!A partir de 2020, esas cartas encontraron un destinatario más grande. En el concierto de Karol G fueron cuarenta mil personas. Ese día cantó 'La culpa', una colaboración con Goyo al ritmo de lo que ella llama pop urbano; 'KLKNTOKI', una colaboración con el caleño Pirlo —del que dice que, a diferencia de la mayoría de hombres, respeta mucho a las mujeres—, que fue viral en TikTok antes de su publicación; 'Deseándote', con Ryan Castro, un apoyo constante en su carrera; y también 'Rikota', su último sencillo, dedicado a las mujeres, a su felicidad."Es una locura ver que otras personas canten y griten y lloren con lo hiciste, que se conecten contigo y te escriban para decirte que les salvaste la vida. Se siente el éxtasis máximo. En ese momento es cuando más cordura tienes que tener y los pies sobre la tierra pa’ no elevarte. Es una responsabilidad muy grande que llevo con mucho amor. Antes era un tabú cantarle a las mujeres. Llevo ya tres añitos mostrando que no tiene que ser un tabú, que tenemos derecho a enamorarnos de quien sea. Creo que he logrado diferenciarme un poco".
El proyecto musical de Anabel y Cristabel Acevedo llegará desde República Dominicana a los rincones de la Fundación Gilberto Alzate Avendaño (de la ciudad de Bogotá) para brindarnos un espectáculo cargado de folk y dream pop en esta nueva edición del Festival Centro.Su sonido alegre ha llegado a festivales como ‘Viva La Canción’ (de Madrid) y ‘El Mapa de Todos’ (de Brasil). Así mismo, hay que resaltar su participación en el ‘Latin Alternative Music Conference’ en Nueva York.Por: Pilar Rendón - @MariaMarchitaShock (S): Contémosle a las personas en Colombia que no conocen mucho de ustedes ¿quiénes son Las Acevedo? ¿Cómo surge la idea que crear este proyecto?Anabel Acevedo (AA): Las Acevedo es un proyecto musical de Anabel y Cristabel Acevedo, somos dos hermanas gemelas. El proyecto ya tiene tres años y en si somos dos personas que hacen indie pop folk, básicamente esos somos (risas)Empezamos subiendo videos a Facebook, haciendo covers de otras bandas y luego un día decidimos formar nuestra propia banda, haciendo nuestras propias canciones (que ya habíamos escrito en la casa). Es que a la gente le gustaba mucho lo que hacíamos en Facebook entonces nos pedían hacer más y más canciones y así fue como terminamos formando esta banda.S: ¿Qué le podemos contar a la gente en Colombia de la escena musical independiente en República Dominicana? AA: La escena de la música independiente en República Dominicana hasta ahora está surgiendo, está muy en sus inicios, hay muchas bandas que están saliendo pero no hay tanto público para presentarle los proyectos por eso mismo nosotras decidimos lanzar nuestras producciones netamente por Internet. Le hemos dado mucho difusión por este medio y así hemos logrado tocar en Madrid, Brasil, Puerto Rico, Nueva York mientras que acá en República Dominicana hemos tocado como dos veces (risas)Desde que empezamos a darnos a conocer como Las Acevedo hemos logrado grabar 3 EP, al principio solo lanzábamos nuestros sencillos y ya, pero luego, con las primeras 4 canciones que dimos a conocer, hicimos un EP que se llamó 'The Weather Smells Like Oranges' y luego de eso empezamos a hacer viajes y demás.S: En una generación que está dominada por lo digital ¿creen que el valor del formato físico ya perdió la importancia que tenía años atrás? AA: Las nuevas generaciones hemos nacido con el lema de lo digital pegado en la frente, entonces es algo que viene integrado ya a nuestro desarrollo, a lo que nosotros conocemos, es muy difícil ver a personas jóvenes comprando discos por estos días, a menos que sean para colección y de seguro es porque tú eres muy fanático de una banda y desear tener el disco de recuerdo o algo así.La versión digital de la música es lo que está dominando en la actualidad y ahí estamos nosotras. Sin embargo, sentimos que ya estamos en una madurez conceptual bastante amplia como para lanzar un disco al mercado, de seguro eso será lo que van a hacer Las Acevedo próximamente. No sabemos si va a ser en formato físico, puede que sí.S: Previamente, hablábamos sobre los EP que han dado a conocer a sus seguidores y cómo éstos les han brindado la oportunidad de viajar por el mundo ¿Qué tan bien han recibido en otros países la música de Las Acevedo? AA: Hemos sentido muy buena recepción, incluso acá, porque cuando no hay una escena y tú lanzas tu música la gente la recibe sin prejuicios, internacionalmente ha sido igual. A la gente le gusta mucho el sonido de Las Acevedo. Ahora que vamos a tocar en Bogotá recuerdo que nos escribían mucho: "Ah, que cuándo van a venir a tocar, que cuándo vienen a Colombia...", pues bueno ya podemos decir que nos presentaremos allá.S: Dirían ustedes que salir de República Dominicana y darse a conocer en otros países ¿fue una tarea sencilla?AA: La verdad sí. Fue fantástico, porque además de darnos a conocer también hemos conocido mucho. Cada vez que vamos a otro país nos empapamos de su cultura de su música y eso nos aporta muchísimo. A veces sentimos que irnos de ese lugar en el que estamos de visita es como dejar a nuestra propia familia. En todos los países hemos hecho muy buenas amistades.Salir de República Dominicana fue muy fácil nosotras ni siquiera lo intentamos, estábamos un día subiendo videos a Facebook y de repente empezamos a recibir mucho feedback internacional. El segundo concierto que tuvo la banda fue en Madrid. Primer tocamos acá y luego en España, realmente fue inesperado. S: ¿Qué expectativas tienen con respecto al Festival Centro?AA: La verdad, esperamos que a la gente le guste mucho. Siempre que tocamos nos divertimos mucho en el performance por tanto queremos que la gente nos reciba de muy buena manera y que disfruten de todo lo que nosotras les llevamos, que reciban el amor que nosotras llevamos con nuestra música.S: ¿Conocen algo de la escena alternativa que existe acá en Bogotá?AA: Sí. Una de las bandas que más me gusta es Bomba Estéreo, igualmente Andrés Gualdrón y Los Animales Blancos, que también van a estar en el festival, y Andrés Correa me gustan mucho. Con Andrés Correa nos conocimos en Madrid cuando tocamos en el festival ‘Viva la canción’ y nada, siento que va a ser una experiencia muy bonita porque escuchar a los músicos colombianos es algo bien bonito. S: En estos tres años de carrera artística ¿qué músicos las ha influenciado en la creación de su sonido?AA: Nosotras estudiábamos música clásica, al principio escuchábamos mucho Chopin, Mozart, Bach y demás, pero después tuvimos una etapa de escuchar mucho metal (risas)... así como My Bloddy Valentine y toda esa onda, es nuestro pasado oscuro. Después de eso llegaron The Beatles, que para nosotras fue como una revelación, luego viene mucho rock and roll de los 60, 70... Hemos sido influenciadas por diversos géneros lo que nos ha permitido crear un estilo de música bastante variado.S: ¿Existe alguna fórmula para la música de Las Acevedo? ¿Cómo la describirían? AA: La fórmula de Las Acevedo es música frutal, porque cuando yo escucho nuestras canciones siempre digo que es como para escuchar debajo de una mata de mango o de un árbol de frutas o en un picnic, algo así, pero siempre es con mucho cariño, muchos colores, cosas bonitas y las situaciones de la vida endulzadas, esa sería la manera ideal de describir nuestra fórmula musical.Todo lo que pasa en la vida, pero coloreado con muchos colores pastel.S: De los países que han tenido la oportunidad de visitar ¿cuál ha sido el que más las ha sorprendido? (hablando de la escena musical alternativa)AA: Un país que nos sorprendió en 2013 fue Puerto Rico, nosotras fuimos en 2012, pero debo reconocer que la movida de estos últimos dos años ha sido increíble. La banda Dávila 666 nos gustó bastante, para nosotras lo mejor de la movida alternativa salió de Puerto Rico (en la escena latina). Cuando uno viaja a países conoce otra música. En México conocimos a Jessy Bulbo, que es una veterana, y nos gustó bastante.S: Para terminar ¿con qué artista les gustaría hacer una colaboración musical a futuro?AA: Me gusta mucho la música de Juan Cicerón, es un músico que yo amo y me gustaría trabajar algún día con él. También me gustaría hacer algo con AJ Dávila, que es todo un tipazo. Quizá son muy roqueros, pero se presta para hacer una combinación como chévere.S: ¿Y un artista colombiano?AA: Además de querer trabajar con Bomba Estéreo nos gustaría hacer algo con Esteman y Dr. Krapula.
Fotos: Santiago Castro. Estuvimos en la Fundación Gilberto Alzate Avendaño en el segundo día del Festival. Una jornada pasada por agua pero que estuvo a reventar y de la que destacamos la soberbia presentación de Velandia y la Tigra y la sabrosura de la agrupación chilena Chico Trujillo. Junto a ellos estuvo la leyenda argentina Ariel Rot, los mexicanos de Porter y las bandas nacionales Schutmaat Trío, Planes y Frankie Ha Muerto.
El primer día del Festival Centro se llevó a cabo en la Fundación Gilberto Alzate Avendaño con tres bandas que dejaron cada una de sus propuestas en el escenario y que pusieron a vibrar los rincones de este lugar que por quinto año recibe lo mejor de la música alternativa nacional e internacional. Al ritmo de La Otra Banda, Alkolirykoz y Revolver Plateado el público asistente disfruto minuto a minuto de estos tres shows que se robaron más de un aplauso. Fotos por: Alejandra Mar - @Alejandra_Mar_
Comenzó una nueva edición del Festival Centro, un espacio capitalino que año tras año reúne en un mismo escenario a las nuevas propuestas musicales alternativas que se apoderarán durante los próximos 365 días de la escena musical nacional.Para darle inicio a esta nueva versión el día ‘señal radiónica’ nos presentó a tres exponentes musicales que nos pusieron a cantar a todos los asistentes a la Fundación Gilberto Álzate Avendaño.La cuota rockera corrió por cuenta de El otro grupo, agrupación samaria cuyas canciones influencias por el sonido de bandas como Zoé y Los Bunkers están comenzando abrirse camino dentro de la radio nacional; y por Revolver Plateado, un trio que el año pasado recibió por parte del público el premio en la categoría ‘Shock Fest Tigo’.Ahora bien, la cuota hiphopera estuvo a cargo de los paisas de Alcolirykoz quienes con sus letras cargadas de sátira y humor negro le dieron la perfecta bienvenida a seis días de buena música hecha en las distintas regiones del globo.Vea también --> Festival Centro 2014: Un primer día cargado de propuestas alternativas
Días previos a que empiece el festival hablamos con Juan Gromgyer, percusionista y parte de la fundación de Chico Trujillo, uno de los proyectos alternativos más interesantes del país austral.Por: Antonio “Rolo” Alarcón - @elroleins Para empezar ¿Cómo recibieron esa buena noticia de venir a presentarse a Bogotá y a Colombia por primera vez?Primera vez, y de hecho, teníamos muchas ganar de ir desde hace mucho. Hubo un par de invitaciones para el aniversario de Bogotá, para Rock al Parque, pero nunca se pudo concretar por temas de logística. Así que llega, por fin.Era una parada obligada, finalmente, ustedes son representantes de un sonido que también es muy importante para nosotros como la cumbia¡Claro! Es como si un grupo colombiano va a tocar tango a la Argentina (risas). Para nosotros ir a tocar cumbia a Colombia es emocionante, surrealista. Pero bueno la cumbia existe en toda América, así que, vamos con nuestra versión.Su música es básicamente una mixtura de sonidos que podrían entenderse como un sentimiento sudaka. ¿De dónde nace esa necesidad por explorarlos?Bueno sí, somos tres los fundadores. Tres miembros que empezamos la banda, tenemos otro proyecto que mezcla punk, rock, reggae, música afro. Es mucho más sicodélica, más agresiva, en algunos momentos más canábica (risas); es como mucho más amplia y menos bailable. En el 99 estábamos en gira por varios países de Europa como Holanda, Austria, Alemania, y allá se nos ocurrió que teníamos que hacer una banda que generara más fiesta, que fuera más latinoamericana, más bailable y la cumbia apareció por si sola, naturalmente sin preguntarse. Va en la sangre y aflora naturalmente, así que, después de esa gira del 99 llegamos a Chile y empezamos a probar sonidos, a invitar gente y a los dos años ya teníamos un formato. La idea era formar una banda que representara más a nuestro continente. Todo lo que es la pachanga.Es como un pensamiento colectivo latinoamericano Sí, eso creo yo. Es como la panamericana musical. Es más que una manifestación. Es nuestra versión de este estilo maravilloso que yo lo cuento hasta sagrado.¿Qué estaban consumiendo, musicalmente hablando, para llegar a producir un sonido tan particular como el suyo?Nosotros somos de ensayar mucho. Encontrar versiones que tenemos en el interior, en el subconsciente, así como jugando; no es como de laboratorio o de sentarse con un lápiz a escribir notas para ver cómo es la teoría, no. Tocando, ensayando e improvisando se van dando cosas que luego se van haciendo parte del arreglo de un tema. Eso es lo rico, que es supervivo, espontáneo.¿Cómo ha reaccionado la gente en distintos lugares del mundo con la música, con el proyecto en vivo?Súper bien. Hemos tenido giras desde que empezó Chico Trujillo. Fuimos a Europa en el 2002, casi todo el año de hecho. Hemos estado hasta en África; en Marruecos. Ahora estamos yendo a Canadá, México y Estados Unidos. Por ahí tocamos en Brasil, en Argentina, Perú… en todos lados. Nos ha ido súper bien en países donde ni siquiera conocen la cumbia. Como ya somos conocidos hay países a donde llegan muchos chilenos, mucho latino que ya la ubica. Ahora nos queda el reto más difícil que es conquistar a los padres de la cumbia (risas). ¿El año de la banda va a transcurrir en giras? Sí, así será. Vamos a recorrer todo Chile, que como sabes bien es muy largo, en festivales de distintas índole en varias ciudades durante el verano y luego en el invierno hay una arrancadita para Europa. En marzo y junio vamos a tener un pequeño espacio de tiempo porque si no, andaríamos muy cansados. En Colombia pasa algo y es que para una banda alternativa es más fácil que gente de otros países y otros continentes les preste atención, sin contar con apoyo o reconocimiento dentro de su propia tierra y para su propia gente ¿funciona igual para ustedes? Sí, un poco. Nosotros antes de ser famosos acá en el circuito viajamos mucho a Europa, tocamos mucho allí, pero yo creo que el reconocimiento máximo lo tenemos acá en Chile. Desde el 2008 o 2009 aquí la cosa se puso muy popular. Los niños cantan los temas y sus padres y sus abuelos también. La música de Chico Trujillo abarca muchas generaciones, suena mucho en la radio, en programas de televisión, en teleseries, entonces como que hubo una cosa mediática fuerte. Y los que no prestan atención a radio o televisión nos ven en vivo en su ciudad. Nosotros hacemos muchos conciertos y al final ese reconocimiento es bien grande aquí.La buena música finalmente, trasciende edades, generaciones y fronterasSí, eso yo lo digo por los conciertos cuando vamos. Como mis hijos también que cantan las canciones, les gustan, los amigos míos son fanáticos y así los abuelos también, entonces como dices tú, traspasan generaciones y también todos los niveles socio-económicos. Es para todos, la población de abajo, la población de arriba. Todo está integradoSí, claro, eso es bueno, eso habla bien de la banda, que la energía del sonido que emitimos está buena.Integrando también a Latinoamérica, sé que han tenido la oportunidad de compartir escenario con bandas colombianasClaro. Hemos tocado con Bomba Estéreo y Systema Solar en festivales como el Roskillde en Dinamarca y el Vive Latino en México. Estuvimos, de hecho en camerinos junto a ellos, compartimos camerino y conocimos un poco más de bandas colombianas que nos gustan como ellos. Bandas alternativas que no necesitan de circuitos populares. Nosotros somos una banda que con lo que hemos logrado no necesitamos ni queremos hacer parte de un festival como el Viña del Mar que resulta ser muy televisivo y muy farandulero. Al final preferimos vivir tranquilos con nuestras ideas tranquilas y no sobrexponernos tanto, y hay un montón de bandas que están en las mismas también, tocando tanto como sea posible. Estamos viendo a toda Latinoamérica en estos últimos 10 años creciendo rápidamente en estos aspectos. Europa y Estados Unidos quizá nos llevan un poco la delantera en eso de lo técnico y lo operativo, pero ahora nosotros tenemos la delantera en la música, que es una música con mucha más garra, mucho más sentimiento y que hace bailar hasta al mas tieso de los alemanes, entonces, tenemos ese poder en nuestras manos, falta concretarlo y hacer mejores festivales.
Por: Pilar Rendón - @MariaMarchitaVideo: Javier Salguero - @Salguero_JavierFotos: Alejandra Mar - @Alejandra_Mar_ La música del mundo nos llevó a experimentar un encuentro ancestral en compañía de Mucho Indio, el colectivo del que hace parte el productor Teto Ocampo y que a través de su diversidad sonora intenta “transmitir ese legado indígena tan nuestro y al que tan poca importancia le damos actualmente”. Entre flautas, percusiones, voces y guitarras el auditorio de la Fundación Gilberto Alzate Avendaño dio inicio a un nuevo día del Festival Centro 2014 (Ir al especial).Tras deleitar a los oídos durante una hora con sonidos provenientes de nuestra cultura colombiana llegó el turno de escuchar a un artista uruguayo, que acompañado de dos guitarras (acústica y eléctrica) y una variedad de efectos sonoros cautivó al público asistente: Martín Buscaglia. Un hombre sencillo que se siente inspirado por el rock, pero que decidió romper los esquemas de aquel estilo musical para llevarlos a un nivel más espiritual.A las cinco de la tarde un cuarteto procedente de Ucrania nos hizo reír, bailar, y tararear al son de su folclor: Dakha Brakha. Tres hermosas mujeres y un hombre con actitud de maestro dieron a entender el significado del “género” World Music. Voces impecables y una sincronía de elementos e instrumentos perfecta, así definimos tan magna presentación que, sin duda, podría ser considerada como una de las mejores que tuvo esta edición del Festival Centro.Mitú y su estilo electro colombiano, Kat Dahlia y su flow agresivo, Helado Negro y sus sonidos tropicales; y Canalón de Timbiquí con sus arrullos y currulaos dieron fin a un día cargado de música alternativa en la Fundación Gilberto Alzate Avendaño.-Ver la crónica del cuarto día (video)-Ver fotos
Por: Pilar Rendón @MariaMarchita - Fotos: Alejandra Mar.La música del mundo nos llevó a experimentar un encuentro ancestral en compañía de Mucho Indio, el colectivo del que hace parte el productor Teto Ocampo y que a través de su diversidad sonora intenta “transmitir ese legado indígena tan nuestro y al que tan poca importancia le damos actualmente”. Entre flautas, percusiones, voces y guitarras el auditorio de la Fundación Gilberto Alzate Avendaño dio inicio a nuevo día del Festival Centro 2014.Tras deleitar a los oídos durante una hora con sonidos provenientes de nuestra cultura colombiana llegó el turno de escuchar a un artista uruguayo, que acompañado de dos guitarras (acústica y eléctrica) y una variedad de efectos sonoros cautivó al público asistente: Martín Buscaglia. Un hombre sencillo que se siente inspirado por el rock, pero que decidió romper los esquemas de aquel estilo musical para llevarlos a un nivel más espiritual.A las cinco de la tarde un cuarteto procedente de Ucrania nos hizo reír, bailar, y tararear al son de su folclor: Dakha Brakha. Tres hermosas mujeres y un hombre con actitud de maestro dieron a entender el significado del “género” World Music. Voces impecables y una sincronía de elementos e instrumentos perfecta, así definimos tan magna presentación que, sin duda, podría ser considerada como una de las mejores que tuvo esta edición del Festival Centro.Mitú y su estilo electro colombiano, Kat Dahlia y su flow agresivo, Helado Negro y sus sonidos tropicales; y Canalón de Timbiquí con sus arrullos y currulaos dieron fin a un día cargado de música alternativa en la Fundación Gilberto Alzate Avendaño.
Fotos: Alejandra Mar / @Alejandra_Mar_Estuvimos en el tercer día del Festival Centro 2014. Una jornada que lamentablemente contó con poca asistencia por parte del público capitalino pero que sin importar se llevó a cabo con completa normalidad.El día del pop estuvo protagonizado por artistas de talla nacional e internacional: Diana Ángel y Juan Gabriel Turbay, Las Acevedo (República Dominicana), Comisario Pantera (México), Julián Mayorga, Andrés Gualdrón y Los Animales Blancos, Ulises Hadjis (Venezuela) y el increrible cierre a cargo de Natalia Bedoya.Vea nuestra crónica del tercer día AQUÍIr al especial
Por Jessica Luchini y Cristian HernándezEl día del pop llegó al tercer día del Festival Centro 2014, una sección musical comandada por siete exponentes alternativos de este género a nivel mundial.A pesar de la poca asistencia por parte del público capitalino a las instalaciones de la Fundación Gilberto Álzate Avendaño, las propuestas musicales de distintas partes del globo no se hicieron esperar y cautivaron con cada una de sus canciones.Por una parte estaban las melodías románticas perfectas para dedicar hechas Diana Ángel y Juan Gabriel Turbay, el venezolano Ulises Hadjis y las boricuas de Las Acevedo.Ahora bien, no solo el pop fue protagonista, también las propuestas musicales que fusionan este género con otros ritmos se hicieron presentes en este día. Por una parte los mexicanos de Comisario Pantera nos presentaron sus canciones que combinan ritmos como el rockabilly y el rock clásico. O la agrupación colombiana Andres Gualdrón y los animales blancos quienes le dan vida a canciones con un sonido netamente experimental.El blues también estuvo presenté en el tercer día del Festival centro 2014 y se alzó en la voz de Natalia Bedoya, encargada de cerrar con broche de oro esta jornada, quien nos presentó gran parte del repertorio de su trabajo discográfico titulado Martini Blues.En la crónica de hoy decidimos preguntarle a los protagonistas de esta jornada cómo han logrado abrirse paso dentro de la escena musical y así mismo cómo logran llegar a un público masivo que en muchas ocasiones tiene mayor cercanía con el pop comercial.Ver video AQUÍLas mejores imágenes del tercer díaIr al especial
De un parche de músicos (de los más brillantes que ha parido este país) que se fueron juntando y haciéndose amigos, del jamming que se armaba en la casa de alguno de éstos cuando la mayoría pedía que la fiesta no terminara.De la cabeza del llegando desde Goyo (ChocQuibTown), Jimena Ángel, Érika Muñoz (Eka), Humberto Pernett, Liliana Montes, Kike Egurrola, y Janio Coronado, entre muchos otros de los actuales abanderados de la nueva música colombiana que está tomándose el mundo, larse en la radio), Hoy tenemos y Lo gozo, sino que un nuevo disco también parece estar preparándose bajo la dirección de Blair. La banda quinceañera es, de lejos, la mamá de los pollitos. El referente más importante Sidestepper inglés Richard Blair y sus experimentos improvisando letras y fundiéndole nuevos sonidos a sus bases electrónicas en una fiesta que debió hacer sudar hasta las paredes, nació Sidestepper.La banda, que se formó como un gran soundsystem al que fueron este 2011 cumplirá 15 años de haber sido oficialmente formada. Y para celebrarlo no sólo ha decidido publicar bajo el sello Polen Records The best of 1996-2011 con canciones emblemáticas como Deja, Más papaya (la única que por la época pudo coque tiene hoy la nueva electropical colombiana. ¡Salud, gran sensei!
Julián nació en Ibagué, le saca chiste a todo, ama el ruido y la experimentación sonora, manipula juguetes musicales electrónicos, tiene proyectos alternativos como Bicicleta, Pedro Huérfano y La Pequeña Sintética, co-fundó un colectivo artístico llamado Mantarraya, hace dibujos e ilustraciones, y a veces se arriesga a hacer videos y animaciones. Pero cuando se trata de su proyecto en solitario, las canciones toman un color más suave y acogedor. La delicada voz de Julián se junta con acordes de guitarra acústica, una superposición de loops y texturas digitales y, a veces algo de beat- box.Luego de haber distribuido algunos Ep de manera independiente, en el 2010 lanzó su primer disco físico titulado 'Maquinaria para desmedir el tiempo', en el 2011 'Manual para moverse libremente bajo la lluvia, y actualmente se encuentra promocionando su más reciente trabajo discográfico 'Criptobiosis'.
Por Santiago Arango @Santiagohagalau Foto MaxíazUn grupo que nació en medio de la guerra del narcotráfico en la Medellín de los 90 eligió el rock como metáfora para frentear la muerte. Damas y caballeros: los primeros góticos de Colombia.No dejes que te atrapen los esparcidores de pasiones tristes”. Sin duda, una hermosa frase de una hermosa canción. Llamada La culpa, muchas personas han interpretado este tema como un llamado a descargar ese madero pesado, esa carga que tan bien saben administrar las religiones. Los creadores de esa reflexión son ‘los primos’, como suelen saludar en la calle o en conciertos a los fundadores del post punk (para otros, también, los papás del gótico antioqueño) en Medellín.Con casi 21 años de trayectoria, cuando el circuito musical de Medallo aún era pipiolo, este combo fue el primero en la historia de la escena paisa en arriesgarse a incorporar elementos escénicos como flores, muñecas ahorcadas, maquillaje, megáfonos, televisores destruidos, danza y otros elementos en su show. Considerados en la ciudad como una banda de culto, respetados justamente como un enigma que tarda en descifrarse, a lo largo de su carrera ‘los primos’ han sido capaces de mutar como un camaleón pero sin jamás perder su sello de búsqueda, transformación y pensamiento.La trascendencia de este grupo se entiende porque desde su primer álbum homónimo, lanzado en 1995, consolidó un discurso y sonido propios (nadie en Medellín suena como Los Frankie), destacándose por su capacidad de crear universos y personajes apocalípticos y cotidianos como el Señor X para contar historias que ayuden a preguntarse por la realidad nacional a inicios de los 90. En su clásico Padre Nuestro, el sicario implora bendiciones antes de asesinar: “Madre Santa, Virgen pura, protégeme al matar…” Es una banda generacional.Hablar de este grupo es rastrear el poder de la palabra, de su fuerza transformadora y veneno enloquecedor.Eso queda claro en líneas tan contundentes como “un filo cortante en mi boca: la palabra” de la canción Medellín p.m.: La conflagración, o en fragmentos como “todos los muertos llevan afán” de Mortaja de letras, un llamado a hacer un stop a las rutinas salvajes (pues finalmente todos seremos polvo). Atrevidas e inteligentes, las canciones de sus tres álbumes son verdaderos himnos que hablan de la necesidad de reflexión y de zafarse de las violencias, de la importancia del valor máximo final: el de la humanidad.Por eso no es extraño encontrar ideas en sus canciones en torno a la obra de grandes como Rimbaud, Nietzsche o Bataille, quienes han sido alimento al igual que otros autores en el discurso frankista. Postpunk gótico, tintes de metal y hasta fraseos hip hop, hacen de este un grupo ecléctico de rock teatral con personalidad propia, reconocido además por contar con uno de los mejores letristas de la música local: Fabio Garrido, su vocalista quien es acompañado por Mario en los tarros, Juan y Caliche en las guitarras, Alex en el bajo y Luna en el teclado.Después de pasar por el Festival Estéreo Picnic 2011, tocar en el Festival Internacional Altavoz y tras ser la primera banda de rock en dar un concierto en el Festival Internacional de Poesía de Medellín, entre muchos otros logros, el grupo actualmente presenta su cuarto álbum de estudio, una placa dedicada, según Garrido, “a todos los que padecen esa tragedia de la desaparición y el desplazamiento forzado, a sus familias que soportan el drama y a todos aquellos que por su silencio obligado se han convertido en Extraños en este país”, tal como se titula el trabajo. Al álbum, grabado en estudios El Pez y producido por el grupo, lo recubre un manto sombrío, casi existencialista. Las catorce canciones que lo integran están divididas en dos caras, a lo casete: Cara A, Extraños en este país, y Cara B: Diles por favor que no me maten.
Por Jenny Cifuentes// @Jenny_CifuFoto Gustavo Martínez // @tavomartinez_Lo que comenzó en el 2008 como un cabildo entre indígenas y artistas urbanos para mantener vivo el pensamiento ancestral, terminó en un encuentro sónico-espiritual. Esta es la última visión de un visionario musical.Cantos indígenas amplificados en tarimas citadinas. Melodías ancestrales hermanadas con bajos, baterías, secuenciadores. Rockeros, jazzeros y grafiteros aliados con músicos de los pueblos originales, haciendo canciones de las tribus, tatuándolas en las paredes de la urbe con stencil. Así es Mucho Indio, un combo liderado por el guitarrista, estudioso del folclor Cantos indígenas amplificados en tarimas citadinas.Melodías ancestrales hermanadas con bajos, baterías, secuenciadores. Rockeros, jazzeros y grafiteros aliados con músicos de los pueblos originales, haciendo canciones de las tribus, tatuándolas en las paredes de la urbe con stencil. Así es Mucho Indio, un combo liderado por el guitarrista, estudioso del folclor homónima en solitario, con proyectos como Los Virus, Manguala y La Latonera, y con la agrupación que aún engrosa, la gran propagadora del electrocumbé y otros demonios: Sidestepper.Desde hace años, Ocampo y sus amigos realizan expediciones a las fuentes de ritmos indígenas en el Cauca, la Sierra Nevada de Santa Marta, La Guajira y el Amazonas, encontrándose allí con artistas ancestrales que les han compartido su sapiencia sonora. Con taitas que, por dosis controladas y de viaje en viaje, han ido revelándoles los misterios de su música sagrada. Todos estos hallazgos se reflejan en un primer disco fascinante, homónimo, grabado por completo en los lugares recorridos y en el que participan intérpretes nativos como Julio Torres, Victoriano Piñacué y la arhuaca María Teresa Villafañe, con cortes en los que instrumentos wayúu de pastoreo o flautas nasa –que para muchos serían piezas de museo– se mezclan con guitarras, bajos, baterías y percusiones ejecutadas por Teto, Gilbert Martínez, Pedro Acosta y Carlos Rengifo, en composiciones en las que se desengrasa el esquema rítmico de géneros urbanos como el rock o el jazz y se ahonda en las frecuencias, tiempos y afinaciones de las músicas de nuestros indios.En la placa, conducida por Teto, producida por Richard Blair, mezclada por John Dent (que reluce en los créditos de trabajos de Santogold o PJ Harvey), y puesta en los oídos de la gente desde agosto por Polen Records (Bomba Estéreo, La Derecha), se oyen piezas basadas en música ritual del pueblo cubeo del Vaupés y en cantos arhuacos de la Sierra Nevada de Santa Marta, evocaciones de melodías de marcha de la comunidad nasa del Cauca, canciones inspiradas por el toque de trompa de un palabrero del desierto en La Guajira… Según el guitarrista, “el sonido de Mucho Indio es costeño y boyacense, es la sonoridad del acordeón arhuaco, son los pasillos nasa, las canciones muinane, las tonadas de los huitoto, pero de ninguna manera música andina. Es la búsqueda del futuro en el pasado”.Con este proyecto, Mucho Indio pretende rescatar para las nuevas generaciones la sabiduría ancestral y, por medio de la música, mantener la conexión con lo indígena. Como Teto lo plantea: “Mucho indio’, una expresión usada por algunos como un insulto, para nosotros es música, un escape del caos, es nuestra guía espiritual. El encuentro con nuestros ancestros: la llave para entrar en los nuevos tiempos”.
Por Jenny Cifuentes// @Jenny_CifuFoto Gustavo Martínez // @tavomartinez_Las descargas picoteras se mudan a la capital con una banda de sangre caliente que les mete candela a los oídos rumberos y que capta cada vez más peregrinos que siguen la vía del baile.Bajo las consignas del vacile, encomendados al alto voltaje, al colorido, a los sonidos de los picós (gigantes soundsystems), y buscando subir el volumen champetero, músicos de Barranquilla, Cartagena, San Basilio de Palenque, Turbaco, Apartadó y Moniquirá, armaron un combo “afrochampetúo” en Bogotá.Marcados por el soukous, la soca y el calypso, agarrados a lo más root de la champeta, e inspirados por vibraciones de Kanda Bongo Man, Louis Towers o Anne Swing, funcionan siete cerebros prolíficos que rebosan de sabor: Boricua (guitarrista, productor y compositor), Makambille y Shaka (vocalistas), DJ Monosóniko Champetúo (teclado, placas y efectos), Chindo Bass (bajo), El Rob (saxófon), Moniki (congas) y Pocho (director y baterista). “Nuestro objetivo es instrumentalizar la música picotera, la que tiene raíz africana y que llegó al país a través del picó, una cultura que crece aquí hace más de seis décadas. Estamos enfocados en el baile, buscamos compartir el ambiente picotero y ponerlo en tarima. Somos como un picó, pero en vivo”, explica Pocho.Esta tribu que hace mover el esqueleto al público desde sus primeros compases, despliega letras jocosas centradas en las mujeres y los amantes del baile, y ha logrado sacudir caderas en encuentros como El Sierra Mar Fest en Santa Marta y El Mercado Insular de Expresiones Culturales de San Andrés con canciones como Ingrid o El Besito.Hace un par de semanas publicaron su EP Pa’l más exigente bailador, que incluye los cortes El Negro del Caribe y Made In Tribu Baharú: tracks con vientos, placas y guitarras deliciosas que bombardean al subconsciente el “ponte bacano que hay baile hoy” que cantó el Joe Arroyo, y con los que, como ellos dicen: “cualquiera se bebe una plata ajena”.
Por: Luis Fernando Mayolo - @mayolitoAriel Rot no se considera ni argentino, ni español, afirma que a estas alturas de su vida no entiende porque una persona no puede ser de todas partes, tal vez porque se ha pasado recorriendo el mundo con su música, pero sobre todo viviendo con intensidad algunos de los momentos más eufóricos del siglo pasado en España y Argentina.Para los que no lo conocen su historia con Tequila y Los Rodríguez lo catapultaron a la fama a finales de los 70 y principios de los 90, pero sería su faceta como solista la que lo consolidaría como músico.De eso ya hace cerca de 30 años.Curiosamente sería en este momento de su vida, con un corazón maduro y machacado, como dice en el prólogo de su más reciente álbum 'La huesuda' el periodista Federico Oldenburg, que en su ruta se metería nuestra querida Bogotá.Rot se presentará el próximo 8 de enero en el Festival Centro, con un espectáculo íntimo en el que estará solo en el escenario interpretando varios instrumentos y mostrando cómo se reinventa un artista todos los días.Hablamos con él sin afanes poco más de 20 minutos, aprovechando uno de sus momentos de esparcimiento al caer la tarde en su hogar. El resultado, una diáologo sobre el rock and roll, la libertad, su historia y por supuesto, sobre 'La huesuda'.Shock: La Huesuda' es un viaje musical por el rock and roll británico, la melancolía del rock argentino, el tango, el jazz y muchos otros ritmos que generan muchas emociones. ¿Cuál es la visión que tiene usted de su propio disco?Ariel Rot: Es probable que sea mi disco más sensible y personal, que se sale de muchos clichés del rock an roll que siempre estuvieron muy emparentados conmigo. No es la primera vez que aparecen diversos géneros en mi propuesta, pero en esta ocasión me lo tomé con más libertad, eso sí, siempre desde el rock. Están presentes además mis raíces, el rock argentino de los años 60 y 70 de los que soy contemporáneo, que se filtró de una manera natural en mí, porque era un chico inquieto que iba a todos los conciertos que podía.Cuando habla de alejarse de los clichés del rock and roll, ¿a qué se refiere?Hay muchos clichés, pero me refiero a una cuestión de sonido y composición ligada a los Rolling Stones, Chuck Berry y Tequila. Eso sería una larga charla tal vez para otra oportunidad, porque el rock que surgió como un sinónimo de vanguardia y de libertad, pero con el tiempo se fue uniformando y adoptado clichés basados más en el envoltorio que en la sustancia. Hablo de las vestimentas, los tatuajes e incluso de la actitud.Debe ser muy difícil reinventarse después de 13 discos como solista. ¿Cómo hace para no repetirse y explorar nuevos caminos?A veces son las circunstancias las que marcan eso. Este disco está muy influenciado por una gira que hice el año pasado, con la que llegaré a Bogotá, 'Sólo Rock'. En este tour por primera vez salí solo al escenario, sin músicos, interpretando el piano, la guitarra eléctrica y la acústica. El show que estará dividido en tres tercios será el mismo que presentaré en el Festival Centro. Este formato tiene un importante grado de dificultad, lo que me obligó a darme otro empujón como artista y descubrir nuevos matices para expresar mi música. Esto ha sido un antes y un después en mi carrera. Este show que llegó de manera casual a mi vida, se transformó en algo importante, a tal punto que 'La Huesuda' parte de ahí, ya que la compuse en esta atmósfera. Son cosas que inyectan una nueva energía en tu obra.En el librito del disco hay una frase de Federico Oldenburg que dice: "si de lo que se trata es de escribir canciones sensibles y cantar dolorosas verdades, es más apropiado un corazón maduro y machacado, que un jovial arrebato". Es una idea que justamente está en la ruta de lo que hablamos...El rock siempre se asocia a la etapa juvenil de la existencia, con buenas dosis de rebeldía y diversión, pero cada etapa de tu vida tiene un mensaje detrás y el rock se acopla perfecto a ello. Eso lo estamos demostrando muchos de mi generación, tal cual como Lou Reed, hasta la muerte.¿Qué recuerdos tienes de esa era maravillosa del rock argentino?. De Charly, Fito, Cerati..Casi que lo viví como espectador, porque me radiqué en España desde muy chico. Tal vez la única vez que coincidí con ellos fue en Caracas en un festival. Con los Rodríguez apenas estábamos comenzando y no nos conocía nadie. Fue muy divertido porque ahí estábamos todas las bandas en un mismo hotel.Esta época la vivió como un espectador porque se tuvo que ir a España huyendo de la dictadura argentina... Esa década la viví mitad en Madrid, mitad en Buenos Aires y tuve la oportunidad de vivir los momentos más eufóricos de los dos países. Llegué a España en el 76 y viví todo el cambio y la explosión de la libertad y la puesta al día en la modernidad. Ahí no fui solo un espectador, sino protagonista con Tequila. Luego me fui en el 85 para Argentina y experimenté ese estallido de la democracia, de poder vivir la calle sin temor. Eso evidentemente hizo surgir toda clase de grupos y actividades interesantes.¿Entonces se siente argentino o español?No podría explicarlo, pero a estas alturas no me siento ni español, ni argentino. No entiendo porque uno tiene que ser solo de una parte.En su momento fue un acto de valentía el lanzarse como solista luego una historia memorable en Los Rodríguez y Tequila...Nunca había sido solista, eso fue lo más complicado de todo. Había tenido una experiencia de la cual salí bastante tocado, porque nunca me sentí cómodo en aquella época. Pero cuando se acabaron Los Rodríguez no encontraba una ruta para tener otra banda. Tuve que hacer entonces un trabajo emocional y musical, y pasar de ser un guitarrista que estaba en un costado del escenario a ponerme en el centro, ser autosuficiente, componer mis propias canciones, cantarlas y ser el frontman del espectáculo. Fui de a pocos, lento. Con un año de anterioridad sabíamos que Los Rodríguez terminarían, pero se pospuso por una gira que nos propuso Joaquín Sabina. Un año raro en el que prácticamente no hubo actividad con la banda. Entonces aproveché y armé una agrupación pequeñita en la que hacíamos varias canciones, que luego hicieron parte de mi primer disco. Ahí adquirí tablas sin compromiso. Cuando llegó la hora de la verdad, ya tenía cierta experiencia y seguridad.¿Por qué reinterpretar 'Debajo del puente' en 'La Huesuda'?Es curioso lo que pasa con un repertorio sobre todo cuando ya tienes más de 30 años de carrera. Los temas de repente aparecen. Hoy mismo le he dado una nueva vuelta a una canción mía de hace 15 años. ¿Por qué? estaba aquí con la guitarra y de repente surgió pensando en el show de Bogotá. De esta manera le di a un rock and roll un aire más de blues y ranchera. Es curioso. Así apareció 'Debajo del puente', no fue una visión mercantil. De todas maneras fue el primer texto adulto que escribí y se adapta perfectamente a mi repertorio actual. Hoy ese mundo marginal que retrato tiene una nueva lectura, que había que sumergirse para encontrarlo, hoy ya salió a la superficie. Lo vemos en la calle, en las oficinas y en los despachos.Hay canciones que el público adora y los artistas nunca vuelven a interpretarlas. En su caso, ¿cómo manda al olvido temas que le ayudaron a construir su carrera?Hay distintos motivos. Cuando sacas un nuevo disco es como un cambio de piel y hay trozos que se quedan en el camino. En el show tienes que decidir cuántos temas nuevos vas a interpretar y cuántos vas a rescatar del pasado. En ese momento hay canciones que pasan al olvido y ahí se quedan, hasta que el público te los pide. No tengo complejos en ese tema y no me hago de rogar mientras esa canción tenga sentido. Sino tocaríamos 100 canciones en los conciertos.¿Cuáles son sus expectativas sobre su presentación en el Festival Centro?A estas alturas de mi vida no creo en los milagros. Para mí es ya algo impresionante poder ir a sitios donde nunca he estado para que conozcan mis canciones y mi música. El gran objetivo sería, si hay suerte, que Colombia se convierta en uno de esos destinos donde me invitan a tocar de manera frecuente, sin pensar en grandes estadios, ni grandes despliegues. Espero incorporarlo a mi ruta.Finalmente, ¿por qué seguir siendo un testaduro rockero?El rock es dejarse llevar, es triste que se convierta en uniforme. Es libertad, ser uno mismo.