En 1988 lo bautizaron como Rakim en honor a una leyenda del rap. Hoy, el rapero, director y estrella del pop conocido como A$AP Rocky (ASAP Rocky), es una de las figuras del cartel de Estéreo Picnic 2022. Esta es la historia de su carrera desde la cuna en Harlem. Por Santiago Cembrano @scembranoHarlem: que el estilo propio siempre brille por lo altoHarlem es el lugar en el que todo el mundo quiere verse fresco, pero no como todo el mundo. Entre los años 20 y 30, un periodo recordado como el Renacimiento de Harlem, cristalizó allí un movimiento cultural y vibrante de literatura, arte y música negros. Al ritmo del jazz, a mediados del siglo XX, estaban los que jugaban dados o números, los que vendían lo prohibido y disfrutaban sus réditos, los hustlers y shakers, la cultura callejera viva con grandes carros y atuendos espectaculares. Vean aquí el cartel del Festival Estéreo Picnic 2022Harlem, tierra de Dapper Dan, el sastre del hip hop que revolucionó la moda urbana con cuero y chinchilla mezclados con Gucci; el hogar del Teatro Apollo y de cientos de memorias de canciones y relatos. Alrededor corría la sangre y se hacía lo que había que hacer para sobrevivir. La premisa se mantuvo constante: que el estilo propio siempre brille por lo alto.La cuna de A$AP Rocky En Harlem, al norte de Manhattan, Nueva York, también nació Rakim Mayers. Era octubre de 1988 y su madre, joven y religiosa del hip hop, lo bautizó como Rakim, aquel MC que un año antes había revolucionado el juego con rimas complejas y un flow frío y sereno en su álbum Paid In Full. Quizás porque su nombre le marcó un destino creció y se hizo rapero. Tal vez por su barrio y toda su historia creció y se apodó Lord Pretty Flacko Jody II, aunque no fue su tierra la que le dio la cara bella de la que no evita presumir. Su hermano mayor fue asesinado. Él, como su padre, estuvo preso por vender droga y por posesión ilegal de armas. Además de hacer canciones, Rakim Mayers es director, productor y modelo. Y tras una carrera que ya se extiende por más de una década y que incluye mixtapes de culto, álbumes aclamados por la crítica y bangers callejeros, el artista hoy conocido como A$AP Rocky se presentará en Colombia por primera vez en el Festival Estéreo Picnic 2022.Para 2011, la historia del rap de Harlem ya era rica. Mase, Herb McGruff, Big L y, sobre todo, Dipset —con Cam’Ron como líder— eran la manifestación del hip hop harlemita, con rimas tan desenfadadas y burlonas como violentas y contundentes; y, claro, siempre chorreando estilo en cada prenda. Y qué decir del rap de Nueva York: por algo es la Meca. Sin embargo, para 2011 el Sur de Estados Unidos era la región que más fuerza tenía en el hip hop: ciudades como Houston, Memphis, Atlanta y Nueva Orleans eran polos de innovación y desarrollo para la cultura, las que marcaban su ritmo con sonidos que no descendían del boombap neoyorquino clásico noventero. Es más, para 2011 no era clara cuál era la importancia de la geografía y el lugar de enunciación en el rap: internet y sus blogs, redes sociales y comunicación ilimitada e inmediata debilitaron las fronteras y las distancias. Lo que antes estaba a miles de kilómetros ya estaba a solo un clic.LIVE.LOVE.A$APEse era el telón de fondo, y el fondo de la sopa, cuando en 2011 A$AP Rocky decidió dejar de mover sustancias y saltó al ruedo con LIVE.LOVE.A$AP, su mixtape debut. Los sencillos Peso y Purple Swag sintetizan la pregunta principal del disco: ¿qué significa hacer “rap neoyorquino” en la era de la información, con miles de influencias a la mano? La respuesta es una conversación virtual entre Harlem y Houston que se aleja de la ortodoxia del boom bap para favorecer los 808 y la onda chopped and screwed y que aun así logra sacar bombas callejeras. Los beats —la mayoría cortesía de Clams Casino— son adormilados y avanzan lento aunque con energía, se sienten como una nube, una cargada de rayos. Las letras exhiben una moral descreída: mujeres, compraventas ilícitas, pasarla bien mientras el mundo arde. El flow despreocupado y perezoso, no se apresura nunca. La certeza absoluta es que él es hermoso y su gusto, exquisito. Era la época del swag: Rocky lo tenía por toneladas.LONG.LIVE.A$APNo se puede hablar de Rocky sin hablar de A$AP Yams, la cabeza del colectivo A$AP Mob. Yams para Rocky era como Diddy para Biggie: el que lo ayudó a formar su sonido, a encontrar un balance entre las calles y los rankings, el que lo hizo una super estrella en un mercado como Nueva York, luego de años de sequía comercial en la ciudad. El sonido y la identidad que forjaron Rocky y Yams estaba patente en el primer mixtape y se expresaron con mayor claridad ante un público más grande con LONG.LIVE.A$AP (2013), su major label debut. Se mantuvieron constantes la atmósfera nubosa, los rapeos jactanciosos que celebraban su estilo de vida, la conversación entre Harlem y Houston vía internet y las progresiones que mostraban un gusto ecléctico y un olfato atrevido para la creación de canciones. A esto le sumó una intención comercial pop más clara, colaboradores de la talla de Drake, Kendrick Lamar y Skrillex y una facilidad para sonar cómodo en cualquier situación. En los sencillos Goldie, Fuckin’ Problems, Wild for the night y Fashion Killa —todos distintos, todos exitosos— brilla la maleabilidad que lo confirmó como una estrella pop. También fue evidente que lo suyo no eran las letras profundas sino toda la experiencia completa; las vibras y la energía de su música, si se quiere.AT.LONG.LAST.A$APA$AP Yams murió en enero de 2015. En mayo de ese año salió AT.LONG.LAST.A$AP, que por momentos se siente como una despedida (aun si Yams estuvo involucrado en casi todo el proceso del álbum), o como una transición hacia la madurez artística que deja atrás la piel del primer disco. Producido ejecutivamente por Yams y Danger Mouse, A.L.L.A es enorme y espiritual, con una producción progresiva y amplia que invita a dejarse ir y flotar en un viaje lisérgico góspel. La inseguridad o la falta de rumbo nunca fueron problemas para Rocky, pero en este trabajo se siente más dueño de su talento y sus ideas. Colabora con influencias como Bun B y Juicy J, por un lado, y Mos Def, por el otro. Kanye, Lil’ Wayne y Future dicen presentes. Joe Fox, un músico que tocaba en Londres a cambio de monedas hasta que Rocky lo conoció y lo invitó a trabajar juntos, aparece varias veces. La mejor versión de Rocky es la curatorial, la que equilibra influencias de distintas áreas con distintas marcas de ropa con distintas experiencias de vida y las cubre con una capa de extravagancia y otra de visión 20/20 que marca el rumbo. LPJF2, Everyday y LSD muestran este espectro, sin necesidad de intentos tan comerciales como en el disco anterior, aun si la misoginia casual se mantiene. A.L.L.A es el mejor disco de A$AP Rocky.TestingTesting (2018) es el disco más reciente de Rocky. Es el primero sin Yams, y se nota: está lleno de preguntas, de exploraciones sónicas, de ruido y búsqueda. La ruptura es su columna vertebral. Y esto se sabe desde el título, que anuncia este rumbo beta en el que Rocky se mueve rápido y rompe cosas a su paso. Si en Harlem todo el mundo quiere verso fresco, pero no como todo el mundo, Testing es la expresión de cómo Rocky se desmarca de la corriente principal del rap y el pop de finales de la década pasada. Más experimental que nunca, quizás buscando un nuevo rumbo sin Yams como guía, Rocky no entrega un resultado final sino deja apreciar el proceso. Por eso es un disco interesante. Por eso también suena como algo que no estaba preparado para salir a la luz pública. Los invitados, eso sí, se mantienen de lujo: Frank Ocean, Skepta, FKA Twigs, Mobi, Kid Cudi, T.I. y más. Canciones como A$AP Forever y Praise The Lord capturan el poder de la intuición de Rocky como brújula, aun si el disco flaquea más de lo deseable cuando esa intuición trastabilla para encontrar el norte.Esta es la historia y la carrera del artista que tomará el escenario principal de Estéreo Picnic el 27 de marzo a las 8:45 P.M. No es el que mejor rapea, y ya pasaron varios años desde su último momento musical relevante. Pero lo que lo hará un show imperdible será lo mismo que cautivó al público una década atrás cuando estaba empezando: sus instintos y su creatividad, su frescura y su estilo, su búsqueda y el mundo que ha construido. Y la certeza de que nadie combina todo eso como él.
Desde que llegó a nuestras Apuestas 2020, Combo Chimbita se ha mantenido como una de las propuestas más intrigantes de la nueva música colombiana.“Una exploración y una combinación de ritmos del Caribe, de Latinoamérica, de África y de Estados Unidos, en donde principalmente el soul y el afro-beat, se fusionan con sonidos más electrónicos; fusión de texturas y de sonidos contemporáneos; re-imaginación de nuestra identidad desde una perspectiva migrante; una banda psicodélica; un concepto que se resume como futurismo tropical y que implica una reconexión con las raíces dándoles nuevos matices y reinterpretaciones”, así se describe esta agrupación.IRÉ es el nombre de su tercera producción. La trascendencia afrocaribeña, los cánticos desconcertantes, los tambores en auge y la distorsión psicodélica sientan las bases rítmicas de IRÉ, un testimonio del alcance cada vez mayor de la paleta sónica de Combo Chimbita y sus modos de resistencia en los reinos tanto espiritual como terrestre, según describe un comunicado de prensa.El disco fue grabado en Arecibo, Puerto Rico. "Estuvimos allá en una casa frente al mar por un mes, sin ninguna idea de lo que iba a salir, pero con ganas de hacer algo diferente", nos cuenta Carolina Olivero, vocalista de la agrupación.Para Combo Chimbita, cada uno de sus discos es como la pieza de un rompecabezas que también conforma una historia mayor. "Los discos cuentan una sola historia y cada disco es un pedacito", dicen sus integrantes. IRÉ es un disco más "claro" y "luminoso" que sus trabajos anteriores. "Los otros discos tienen un toque más oscuro, sin decir que sean depresivos o algo así. Este, por el contexto en el que se hizo, intencionalmente tiene un color un poquito más claro, más de luz"."Es un álbum con más optimismo, porque es el contexto de la humanidad en que vivimos. Obviamente el arte que hacemos nace de la realidad. Como artista, es lindo cuando logras hacer algo que conecte con lo que está sucediendo y haga que la gente sienta un alivio. Este disco tiene tonos más esperanza, que es lo que necesitamos en momentos de caos".Combo Chimbita, representado por Carolina, nos desmenuzó su nuevo disco canción por canción:OyaEsta canción está inspirada en un músico que se llama Polibio Mayorga, ecuatoriano, que transfirió melodías indígenas al sintetizador. Oya es una deidad afrocubana, representa el viento y la tormenta.En esta canción primero surgió la parte instrumental y no sabíamos a dónde iba a ir. No teníamos ninguna letra, pero fue "a ver para dónde me lleva”. Fue un proceso de sentir hacia dónde navegaba la canción, como un ritual y sentir cómo iba apareciendo.BabalawoSignifica “el padrte de los secretos". Es una figura de la cultura yoruba y tiene una influencia de la rara, un estilo musical de Haití.Cuando uno empieza a escudriñar cosas con los tambores, se le empiezan a revelar muchas cosas: los sueños son un medio de revelación infalible, pero la gente no lo toma en serio.La canción tambén es una conversación que tuve con un babalawo (sacerdote yoruba). La letra es la descripción real de una consulta con un babalawo. Me fuiEl primer tema que creamos. Me parece que refleja la alegría que sentíamos al estar en un lugar tan bonito. Fue algo que hicimos para soltar la imaginación. Hay muchas cosas que se hacen intencionales, otras se dan en el momento. Esa canción fue el comienzo creativo.MemoriaUsamos un "sample" de una cumbia de una biblioteca de samples. Siempre habíamos querido hacer una canción con un sample. La canción era cumbia, pero yo tenía la idea de un bolero.La relación que tengo con el bolero es bien intensa porque me lleva a mi infancia Mi abuelo es la razón por la que hoy canto y el me cantaba boleros.Empecé a meterme en crear un bolero. Narra justo cuando mi abuelo murió, pero no quise hacerlo tan directo. Me gusta que la letra sea más libre e interpretatriva.Arranca como un bolero, pasa por la sicodelia hasta una cumbia sonidera.La perlaEs un sector en San Juan, ver la música tradicional en Puerto Rico fue un enriquecedor. El álbum tiene diferentes ingredientes: uno de ellos es compartir un llamado a disfrutar, a gozar, a bailar. No todas las canciones son introspectivas, hay espacios prara eso. Queríamos una canción para la gozadera.Desde hace rato queríamos hacer algo bien energético, alegre y que fuera para la gente, como ”juemadre de acabó el COVID-19”.Sin tiempoPrimera vez que el Combo Chimbita hace una canción así, por eso me parece muy especial, fue la última que escribí. Fue un reto personal porque uno siempre se va por una corriente.Yo pensaba en las canciones que cantaba mi mamá de Rocío Durcal, una vibra así, pero con el estilo Combo Chimbita, más moderno. Como una balada gótica cumbiambera.Yo me lo merezcoYo hago música pa'l que quiera, pero también pa' mí. Es una canción escrita de mí para mí misma para abrazar y para reafirmar que como sociedad nos merecemos muchas cosas: poder salir en libertad sin tener miedo a ser atacada, por ejemplo.Esta canción es todo eso, nos merecemos una sociedad diferente, muchos cambios, pensar en un futuro y un presente positivos.IndiferenciaEsta canción también es parte de una tanda de una potencia tropical, una especie de rocksteady. Con respecto a la letra, queríamos decir que lo que más mata es la indiferencia: matan a alguien y lo primero que haces es sacar el celular y grabar.Cuando uno está en esta área del arte, todo el mundo está en una competencia grande por "likes". Si tienes tantos likes te ponen en un pedestal: tu arte está valorizado por eso.De frenteYo quería hacer como un merengue “ripiao”. Tenía una idea de melodía y cada quien le fue poniendo lo suyo. A mí me gusta Banda Real, un grupo de merengue típico. Habíamos dicho que queríamos una canción así, muy sencilla. Es como una canción de “tiradera”, como “háblame de frente”, muy ”tigresa”.Lo que es mío, es míoEl reggaetón del disco. Fue una de las primeras canciones que salió en Puerto Rico, el reggaetón se respira allá. Queríamos comunicar esa frescura, esa alegría, la vibra caribeña que es sanadora y, viniendo de la ciudad, te impregna.Una canción que no nos tomamos muy en serio. Nos atrevimos a arriesgarnos y componer desde otro lugar. Ese “beat” es de reggaetón pero forma parte del Caribe, es un ritmo de otras músicas también.Es una letra más relajada y sin tanta cabeza, hacemos lo que nos da la gana. El mensaje es que podemos hacer lo que queramos pero siempre vamos a ser nosotros.Mujer jaguarEl jaguar aparecde en todos los discos del Combo Chimbita porque es una guía espiritual, estamos siempre tratando de conectar con la ancestralidad, y en todos los discos hay al menos una mención al jaguar.El jaguar representa el balance: es muy importante en las espiritualidades ancestrales, por eso siempre lo tenemos en cuenta.Cuando la escribimos estaba ocurriendo lo de las manifestaciones en Cali y yo sentía que esta canción me llevaba a un estado de lucha, como de" vamos a la calle y nos vamos a manifestar sin miedo".Es una canción que no quería decir nada explícito más que una carga energ´etica muy fuerte. Jugué con onomatopeyas para darle un sentido más de dinámica en la voz. Es un grito de guerra.Todos SantosEsta y Mujer Jaguar nacieron en la realización de un video. Este video se realizó en Cali a comienzos de agosto, llegamos a Cali en agosto en medio de todo esto.Fue hecho por La ruta, un grupo de gente joven que hace trabajo audiovisual en Cali, fue especial haber podido hacer parte. Era un momento en donde no todo el mundo quería exponerse y meterse en esta cuestión creativa porque socialmente todo estaba muy caótico.Lo bonito de la experiencia fue colaborar con gente que quería hacer algo y plasmar todo esto que estaba pasando. Para nosotros realmente fue una bendición empalmar nuestras ideas musicales con lo audiovisual.
A punta de malabares, Laura Stangl coronó un 2021 equilibrando su vida personal, su carrera musical y su etapa final como estudiante de medicina. La disciplina ha sido vital para sacar todo a flote, pero es consciente de que cada movimiento que hace la ayuda a acercarse a las metas que se trazó.Conozca todas las Apuestas Musicales Shock del 2022Laura es caleña y, aunque muchos creen que Stangl es parte de un nombre artístico, lo cierto es que es el apellido de su padre de origen alemán. Inicialmente, su pasión era el deporte. Debía guardar mucho reposo en casa y durante ese tiempo decidió enfocar su energía en una guitarra que encontró en el sótano. Una vez conoció el instrumento empezó a preguntarse sobre la forma de crear acordes, escribir letras y tener curiosidad por el camino que artistas como Shakira han tenido que recorrer para llegar al reconocimiento público.Su primera composición se dio en la niñez con el tema Más grande que el sol, una canción que a ella no le gusta, pero que su mamá adora y que, con suerte, podría estar incluida en una futura producción musical.En la adolescencia estuvo muy influenciada por el pop colombiano, mexicano y alemán. También era adicta a ver conciertos en YouTube para vivir desde la pantalla de su computador la euforia de los actos en vivo.Laura Stangl y la medicinaA la par de la música creció en ella el gusto por la medicina, carrera que eligió para estudiar una vez salió del colegio. Escogió la Universidad para profesionalizarse como médico pensando en dividir el tiempo entre sus dos pasiones. Mantener un equilibrio entre las dos profesiones no ha sido fácil y ella lo resume con gracia diciendo: "Me siento como Hannah Montana: de día médico y de noche músico".Antes de lanzar su carrera profesionalmente publicó videos hablando de su vida y covers de canciones, contenidos que la llevaron a ganar seguidores en Internet. El equipo Con el productor musical Otto Orjuela como coequipero creativo estrenó entre 2020 y 2021 tres sencillos: Casa en la montaña, Segunda parte y Cuento de hadas. Temas que tienen en común el sonido que Laura ha construido y que tendrá su clímax absoluto con el lanzamiento de su primer álbum.Dato curioso: estos temas fueron los que interpretó en su primer show oficial en el salón de conciertos Sutton de Bogotá.Este año planea visitar las ciudades que más la escuchan de acuerdo a información arrojada por sus métricas de plataformas digitales.Tanda de preguntas con Laura Stangl.Relate la historia de su carrera como si fuera un cuento para niños.Había una vez una niña de Cali que encontró una guitarra vieja en el sótano de la casa y pensó "¿será que puedo hacer una canción?" y se dio cuenta que solo necesitaba cuatro acordes y un poquito de imaginación. Diez años después esa niña decidió sacar su primera canción y tuvo suerte de encontrar una comunidad de personas que le gustó, que conectó con la letra y hoy en día hace lo que más ama. Parece mentira.¿Cuál sería el cartel del festival de sus sueños?Es una mezcla un poco rara, pero sería así:ShakiraEminemCarlos VivesMachine Gun KellyColdplayOne RepublicCalle 13Frank SinatraThe ChainsmokersAvicii¿Cuál es el personaje de una serie que mejor describe su personalidad?Sería Phil de Modern Family o Luke un poquito. Una mezcla entre los dos porque me encanta ayudar a las personas, hacerlos reír y también soy un poco despistada.¿Cuál es la serie o película que mejor describe su salud mental en este momento?Tal vez Son Como Niños de Adam Sandler o la primera de El paseo porque estoy feliz contenta, tranquila.¿Qué actriz le gustaría que la interpretara en una película sobre su vida?Esa es fácil, serían Natalie Portman o Blake Lively. Me han dicho que me parezco mucho a Natalie y, pues, es Natalie Portman y obviamente sería una gran película.¿Cuál es el videojuego al que más tiempo le has dedicado?Hay dos: el primero la serie de juegos de Assassin's Creed porque tiene mucha historia y seguramente no todo es históricamente correcto, pero me encanta. El otro es Call Of Duty porque soy adicta a él y ahora que hay versión del celular es peor, además descubrí cómo conectar un control al celular... ya se imaginarán todas las horas que le invierto a ese juego.Playlist oficial de la música favorita de Laura Stangl en Amazon Music¡La música nos une!
Kalinchis. Así le decía su abuela a Karla: Kalinchis. Y a esa palabra volvió ella a la hora de elegir un nombre artístico. La adaptó un poco y así salió Kei Linch, ocho letras que guardan su historia familiar, su lucha y el destino que ella ha construido un peldaño a la vez en forma de rap y de música. Estas son las 12 Apuestas musicales Shock 2022.Son ocho letras que fungen como escudo frente a los golpes que la vida sigue propinándola. Ocho letras desde las que no se deja tumbar, se encuentra a sí misma y encuentra la única forma de expresar lo que lleva dentro y le duele.El dolor está tan presente en la vida de Kei Linch como el aire que respira, o como su pelo rojo y azul que representa la resistencia y la melancolía. Creció en Madrid, Cundinamarca, con oportunidades limitadas. Para su familia, la música no era una salida válida. Ella incluso llegó a creérselo. Pero cuando conoció el rap y sintió la libertad que le traía, que en un beat cabía todo lo que le inquietaba, que cada rima se acomodaba para expresar lo que ella no había podido hasta entonces plasmar en palabras, se enamoró y no lo soltó más. En resumen: frente al miedo, el rap le permite decir lo que se le da la gana como se le da la gana.Eso es lo que ha hecho la artista de 20 años también conocida como Anarkía. De escuchar a raperos como Canserbero y absorber su fuerza pasó a hacer Red & Blue Sad Doll EP, su debut. Y de ahí se impulsó para vencer su miedo de que no era capaz de hacer música: se coronó campeona de Caciques, un torneo de rap, y llegó a la final del Factor X, experiencia que describe como lo más difícil que ha hecho en su vida. El dolor continúa: hace unos meses su abuela, la que le decía Kalinchis, su segunda mamá, murió. Se ha dedicado desde entonces a explorar sus emociones, su tristeza, para plasmarlas en la música. Pero el dolor ya no es lo único: también ha intentado no hacer música solo desde la tristeza, sino lograr ser cada vez mejor, que sus experiencias la impulsen y no la amarren.Canciones como De la esquina al cielo, Bendita, No sé si tú, Diabla y Parchao sintetizan el estilo de Kei Linch. Cuando rapea su voz es profunda y gruesa, como un susurro del averno. Cuando canta, entona melodías que cargan toda su pasión. Habla de desamores, de cómo el rap le salvó la vida e incluso celebra y se va de fiesta. Puede expresarse sobre rap tradicional, sobre samples de boleros que le recuerdan a la música que sonaba en su casa y sobre dembows. No duda: se considera rapera, lo que venga después es abrir su horizonte, pero no olvida cuál fue la música en la que empezó, con la que se encontró. Kei Linch afirma que en sus temas no hay personajes, son sus vivencias y las de nadie más. Rapea con la esperanza de que haya otros que se sientan como ella y encuentren refugio en su música. Hace canciones que le habría gustado escuchar cuando pasaba por malos ratos y no sabía a qué aferrarse. Con esa convicción su proyecto ha ido creciendo.Para el 2022, la mujer que se define en Dominatrix como pa’l ñero ya muy gomela y pa’l gomelo ya muy ñera tiene preparado material de sobra. Ha escuchado que su 2021 fue activo, pero ella lo sintió pausado. Ahora sí va a pisar el acelerador al fondo. Viene un EP en honor a su abuela en el que el duelo se hace canción, colaboraciones con artistas nacionales e internacionales y varios sencillos. Sobre todo, viene Kei Linch con la determinación que logró desde que afrontó que quiere vivir de la música, que el miedo no la puede detener, que si le mete todo el amor posible a su música, lo va a recibir de vuelta.Kei Linch cuenta su histora - Versión para niñosEso está bien raro porque nunca me contaron cuentos. A ver, había una vez una niña que vivía en un barrio difícil y tenía opciones reducidas. Cuando ella estaba en casa, todo el tiempo escuchaba música, se ponía al lado de su grabadora y sacaba las palabras que sentía que rimaban para escribir sus propios poemas. Escuchaba un montón de música de planchar, boleros, rock, salsa. Pero cuando salía a parchar lo que sonaba era rap. Eso fue lo que realmente la enamoró. Empezó a escucharlo, a estudiarlo, a entenderlo. Y ese amor al proceso, más toda esa montaña de adversidades que estaba viviendo, convirtió al rap en su terapia. Le metía muchísimo amor, todos los días escribía, todos los días se probaba ella misma puliendo cositas para lo que le esperaba. Y aunque tenía a su entorno y a ella misma en contra, tenía muy buenos panas que siempre estuvieron apoyándola. Gracias a eso logró pulirlo todo hasta llegar al punto de enfrentarse al reto más grande de su vida, que fue estar en un reality musical haciendo lo que realmente le gustaba. Logró enseñar todo lo bonito que tiene el rap. Ahorita está haciendo mucha música. Está feliz viviendo de su música. La moraleja es que siempre hay que seguir los sueños, por más difíciles que sean. Siempre ponerse la 10. Siempre pensar en lo que trae felicidad. La historia continuará.El festival de sus sueños?Tocaría revivir a muchos. Estarían Amy Winehouse, Guns N’ Roses, Michael Jackson, 2Pac, Jay-Z, Janis Joplin, obviamente Canserbero, Kase.O, Original Juan, Kraken, Proyecto Uno, Vico C, Los Panchos. Sería algo bien variado.El personaje de una serie que mejor la describeTony, el protagonista de Afterlife. Me siento muy identificada con la personalidad del man. Por el momento, por cómo se ve la vida después de una pérdida. Uno se da cuenta de que el mundo no es tan malo. Estoy en ese proceso. Puedo vivir lo suficiente para hostigar al mundo o puedo vivir lo suficiente para valorar y disfrutar las pequeñas cosas.La actriz que le gustaría que la interpretara en una película sobre su vidaMe tramaría que fuera Elliot Paige. Es tremendo. Me gusta la gente que es ella misma, que se siente libre con lo que es.Su videojuego favoritoYo soy poco de videojuegos, pero me marcó The King of Fighters. Siempre me escogía al flaquito del peinado rojo.
Kasbeel nació, creció y estudió toda la vida en Buenaventura, pero Internet llevó su proyecto a diferentes lugares del mundo. La viralidad ayudó a que mucha gente empezara a conocer su proyecto artístico, con el que ha soñado desde pequeña y por el que lleva trabajando varios años.Conozca todas las Apuestas Musicales Shock del 2022Su registro de nacimiento dice que se llama Flore Verónica Riascos, un nombre femenino que le pusieron en 1998, pero ella quiere algo diferente. Inicialmente, quería encontrar uno que abreviara su nombre con el de su mamá Lucero y fusionarlo con el anime.Un ángel que representaba la libertadEn esa búsqueda de una palabra unisex que no representara un género recordó una historia que su bisabuela le contó sobre el Libro de Enoch (uno de los textos que fue excluido de la biblia por algunas religiones como la católica y la cristiana). La historia que le contaron es que Kasbeel era un ángel que representaba la libertad.Durante el colegio, tuvo varios encuentros con sus compañeros producto del matoneo. Todo aquello que la hace diferente se ve reflejado en lo que ha proyectado hasta ahora como Kasbeel en su música. Especialmente, en un sencillo destellante lanzado en 2021 Yo Soy Dios, elegido por Shock como una de las canciones colombianas del año.En la época estudiantil conectó con mucha música, pero recuerda con mucha añoranza el hecho de que se veía inspirada por Eminem y Residente en su etapa de Calle 13. Sin embargo, pensaba que no podría ser nunca como ellos por el hecho de ser mujer, imaginario que ha ido desapareciendo a medida que apareció Kasbeel.Monólogos, poesía y teatralidadEn 2018 Riascos debutó en plataformas digitales contando historias, haciendo monólogos, recitando poemas y respondiendo preguntas de las personas que conectaron con ella en redes sociales. Uno de sus videos más populares de esa etapa ‘youtuber’ fue la publicación de Don José, una canción fuerte que revela la historia de una violación a una mujer por parte de un vecino acosador. El tema fue inspirado en sucesos personales y cercanos al círculo de Kasbeel.Dos años después de que Don José fuera viral, Kasbeel publicó la versión oficial en plataformas digitales haciendo del tema su sencillo debut. La cantante, que estaba acostumbrada al control absoluto de su proyecto, fue contactada por varios productores musicales y, revisando sus mensajes directos, leyó uno del caleño Sammy El Comandante.Sammy, junto con el músico Colombo, viajaron a Buenaventura, conocieron en persona a Kasbeel y la guiaron para hacer la producción musical de sus primeras canciones. En ese momento la bonaverense se dio cuenta de que sí o sí necesitaba un equipo de trabajo como ese para materializar en música el arte que tenía en su mente.Kasbeel está en la recta final de su licenciatura de arte dramático de la Universidad del Valle, sede Buenaventura. Durante su carrera ha contado con el respaldo de muchas personas. De hecho, en el video oficial de Yo Soy Dios la mayoría de los participantes son compañeros suyos de la licenciatura y quienes aportaron su talento para ese trabajo visual.Otra BuenaventuraSer bonaverense y seguir viviendo en Buenaventura ha significado para Kasbeel cargar con un peso cultural. Se le encasilla como una artista de música folclórica o tropical, pero ella quiere demostrar que el municipio puede ofrecer nuevas propuestas que para algunos se consideren alternativas.Durante este tiempo ha notado el interés de muchas personas sobre su proyecto, ha sido entrevistada en medios nacionales, pero ha contado con el respaldo de muchas personas afuera de Colombia y hasta tiene NFTs ligados a sus obras musicales. Es una promesa de Buenaventura y espera que el impacto que pueda causar con sus lanzamientos ayude a que la gente de su municipio tenga más herramientas y apoyo al momento de hacer exploraciones artísticas.La historia de Kasbeel contada por ella mismaHabía una vez una mariposa que vivía encerrada en una jaula. Esa mariposa tenía muchos sueños, pero aunque tenía muy pocas oportunidades para poder realizarlos siempre insistió para cumplirlo. Aunque no tenía las herramientas para salir de la jaula siguió luchando hasta que pudiese salir de ella. Poco a poco adquirió la forma para salir de ahí, pero se fue dando cuenta que en lugar de escapar esa jaula comenzó a ser parte de su vida, de su identidad y de lo que la definía.La jaula la enseñó a ser más fuerte y hoy en día entre ella y la jaula están construyendo un mejor futuro.La actriz que la interpretaría en una película sobre su vidaLupita N’yongo, porque la conocí en 12 años de esclavitud y he sentido una conexión con ella. Es difícil de describir, pero yo la quiero y la admiro mucho.¿Qué serie describe su salud mental en este momento?Hace rato no veo muchas series, pero diría que Osamu Dazai de Bungo Stray Dogs. Es un man que todo el tiempo está pensando en que se quiere matar.Su videojuego favoritoMe gustaba Sims, pero es más difícil jugarlo ahorita. También Plantas Vs Zombies.Esta es la playlist oficial de los gustos musicales de Kasbeel en Amazon Music¡La música nos une!
En 2021, la banda Buha 2030 nos sorprendió con su primer disco Amoral Inmortal, uno de nuestros favoritos del año. El disco consta de 10 canciones en las que convergen jazz, rock progresivo, experimentación y hasta música andina.Estas son las 12 Apuestas musicales Shock 2022“Nos gusta mucho la música andina, campesina, indígena, con eso crecimos, y a pesar de que Buha parezca un extraterrestre, tiene esa marca de la cordillera (de Los Andes)”, nos cuentan.Buha 2030 es resultado del encuentro de 4 amigos. El sonido de la banda no se construyó premeditadamente, según nos cuentan. Aunque venían haciendo música desde 2018, fue Amoral Inmortal el trabajo que puso la atención en ellos. “El balance que hacemos de Amoral Inmortal es super lindo, pese a que hubo una organización y unas estrategias la acogida fue orgánica, lo hicimos sin el apoyo de una agregadora, y los medios empezaron a interesarse una vez lo lanzamos. La acogida que tuvo el álbum superó nuestras expectativas y nos llenó de más ganas de seguir”.Para 2022, Buha 2030 tiene canciones consolidadas que espera lanzar en este primer semestre del año. Para el segundo semestre esperan seguir tocando y lanzar su segundo trabajo”.BUHA 2030 cuentan su historia - Versión para niñosHabía una vez unos muchachos un poquito tristes, raritos, marginales, que les dolía el corazoncito y decidieron irse a divagar. En eso llegó un cuarto compañerito y en la “divagada” nacieron canciones raritas que le gustaron mucho al público bogotanito que también es adolorido. Continuará…El cartel del festival de sus sueñosSusana Baca, Trencito de los andes, Omar Rodríguez López, Trío Los Brillantes, Dúo Benítez, Acoustic Ladyland, Kilapayun, Camila Moreno. Briela Ojeda, Lucio Feuillet, Bambarabanda, Andrés Guerrero, Inti-Illimani.El personaje de una serie que los representaGabriela: Yo no veo series. Solo Instagram. Pero de películas, en la adolescencia me identificaba con el personaje de Melancolía de Lars von Trier.Camilo: de la película Addiction, de Abel Ferrara.El actor que les gustaría que los interpretara en una película sobre su vidaGabriela: Charlotte Gainsbourg. Su videojuego favoritoCamilo: Donkey Kong en Super NintendoGabriela: Super Mario.
Nacida en Bogotá, Ana Sanz es cantante y compositora, con una propuesta en la que convergen el shoegaze, dreampop, el indie, y el pop-rock latinoamericano. A sus 20 años, ha sabido destacarse dentro de las propuestas independientes gracias a sencillos como Sigo o Sin ver atrás.Estas son las 12 Apuestas musicales Shock 2022“Desde chiquita empecé a hacer música. Mi mamá me metió a clases de piano porque era su sueño frustrado. Me obsesioné con seguir experimentando con otros instrumentos y llegué a la guitarra y me encantó, por lo que pensé “tengo que seguir explorando", y me pasé a la composición. Llevo como 2 años componiendo en forma”, nos cuenta.Desde hace varios meses está trabajando con el productor Juan Antonio Toro (Armenia), con quien se encuentra componiendo las canciones de un próximo trabajo. Siempre me encantó el rock, nos pusimos a hacer cosas más rockeras y explorar fusión de géneros como pop, funk, electrónica". Para 2022, Ana planea lanzar 2 EP basados en una teoría que ha sido constante en su vida. “Yo siempre he percibido a las personas por colores. “Esta persona es morada”, algo así. Hace unos años empecé a clasificar a las personas entre naranja y azul, algo así como los hemisferios del cerebro: el azul un poco más imaginativo y el naranja más realista. Son 2 colores que me han perseguido”.Ana Sanz cuenta su historia - Versión para niñosTodo empieza cuando conozco un amigo. Ha sido emocionante, a veces abrumador, y asusta un poco darse cuenta de lo que estás sintiendo y ponerlo en una canción. Entregué mi vulnerabilidad más grande porque van a escuchar algo muy personal, pero uno entiende que todos se sienten diferentes, pero son experiencias cercanas a la de uno. No soy tan buena hablando y lo puedo hacer con la música, encontrar esa terapia fue lo mejor.El cartel del festival de sus sueñosDuplat, Las yumbeñas, Soda Stéreo o Cerati. Armenia, Aterciopelados Zoe, Angele, Cage the Elephant, Margarita siempre viva, Paul McCartney, Quemarlo todo por error, Charly Garcia, Bebe.Un personaje de una serie que la representaAunque no me identifico, hay un personaje por el que siento mucha empatía: Bojack Horseman, es como muy guardado en sus emociones, tal vez por eso me identifico con él. También Bruno de Encanto.La actriz la interpretaría en una película de su vidaEmma Stone. Me parece una actriz sorprendente.Su videojuego favoritoCreo que Wii Sports, con mi hermana.
Steve Bronski nació en Castlemilk, Glasgow, se mudó a Londres en 1983, y en ese año formó el trío Bronski beat junto a Jimmy Somerville y Larry Steinbachek (quien murió en 2017 a causa de un cáncer).El primer sencillo que lanzaron se convirtió rápidamente en éxito. Smalltown Boy, logró ubicarse en el número tres en las listas de ventas británicas y se convirtió en clásico de los 80.Muchos chicos gays se identificaron la letra de la canción, sobre todo los que emigraban de sus ciudades natales para vivir en Londres y otras grandes ciudades.Steve Bronski nunca quiso que se le reconociera como representante del movimiento gay. Rechazó la invitación de Paul Morley para firmar con su sello ZTT porque según contaron en entrevistas, “su idea era que usáramos y comercializáramos camisetas que básicamente decían que éramos homosexuales, porque tendrían impresas palabras como 'QUEER' o 'POOF'». En su lugar Morley firmó con Frankie Goes to Hollywood.En 1983, Bronski Beat representó un papel fundamental en la campaña Lesbianas y gays apoyan a los mineros, al ser cabeza de cartel del concierto Pits and Perverts en el Electric Ballroom de Londres, que se retrata muy bien en la película nominada al BAFTA Pride.Su música seguía dialogando de homosexualidad, Why, hablaba desde un punto de vista más combativo hacia los prejuicios. El trío siguió cosechando éxitos, su colaboración con Marc Almond 'I Feel Love (Medley)' y con 'Hit That Perfect Beat'.Jimmy Somerville abandonó la banda por diferencia personales, en su lugar llegó John Foster. Somerville se fue a The Communards en 1985, una época difícil que casi les cuesta el final de Bronski Beat.Su discografía reúne tres álbumes, The Age Of Consent (1984), Truthdare Doubledare (1986) y Rainbow Nation (1995). Ese mismo año se separaron definitivamente, y Bronski se mudó a Tailandia y se dedicó durante casi dos décadas a producir a otros músicos como Jayne County, Darryl Pandy o Strawberry Switchblade. En el 2016 Bronski Beat regresó con una nueva formación Ian Donaldson (teclado y programaciones) y Stephen Granville (voz). Con ellos grabó una versión renovada de The Age of Consent titulada The Age of Reason. “Deberíamos estar viviendo en una era de la razón, ya que la comunidad trans no debe vivir con miedo y los niños homosexuales no deben ser acosados. Hemos recorrido un largo camino, pero aún queda un largo camino por recorrer” afirmo Steven Bronski en una entrevista.Steve Bronski siguió en la música en 2007, hizo dos remezclas que se destacaron Stranger to None de la banda británica de rock alternativo All Living Fear, y Flowers in the Morning de la banda de electrónica de Irlanda del Norte, Electrobronze.Jimmy Somerville, escribió en sus redes sociales un mensaje a su compañero. “Es triste escuchar que Steve ha muerto. Era un hombre talentoso y muy melódico. Trabajar con él en las canciones, y hacer la única canción que cambió nuestras vidas y la de tantas otras personas, fue un momento divertido y emocionante. Gracias por la melodía Steve”.
La Galería Santa Fe recibe los ocho proyectos seleccionados por el XIV Salón Nacional de Arte Joven (SNAJ). La exposición Habitar con otros, reúne las obras de los artistas que exploran el espacio de la Galería Santa Fe y proponen formas de interpretar el lugar habitado, de habitar el lugar y, sobre todo, de habitar con otros.Así, el espacio expositivo se convierte en una maqueta que intenta esbozar, sobre los ámbitos personal, histórico y orgánico, cuestiones que confluyen para dar cuenta de un momento histórico que reformula la corporeidad.Los ocho artistas definen su obra en una frase.Julia Bejarano habita a otros y los invita a habitar a través de sonidos de la naturaleza, versos poéticos, coros de personas.Germán Benincore habita entre las cosas que nos rodean y su relación con ellas, en un ejercicio de reconocimiento de sí mismo.Jonathan Chaparro habita en el recuerdo para generar una relación íntima a través del recorrido por el espacio.Esteban Ferro habita la memoria desde la reconstrucción de la historia y lo colectivo a través de la voz y la activación del archivo.Pedro Jiménez habita a partir del territorio para desentrañar relatos sobre un paisaje y una geografía que desconocemos.Ana María Roa habita el tejido como herramienta de reflexión entre el ser humano, el entorno y la naturaleza.Carlos Saavedra habita con los otros, en un ejercicio de construcción de memoria colectiva, desde lo ritual y personal, hasta la catarsis y la reconciliación.Juanita Espinosa habita desde el ruido para resignificarlo —materializarlo— para crear nuevas aproximaciones al origen del sonido.Galería Santa Fe: Carrera 1A entre calles 12C y 12D. Primer piso de la Plaza de Mercado La Concordia.Horarios: martes a sábado de 12:00 p.m. a 6:00 p.m. Último domingo de cada mes de 12:00 p.m. a 4:00 p.m.Para asistir a la exposición debe llenar el siguiente formulario de inscripción. Y cumplir con los protocolos de bioseguridad.
Ucronio: Laboratorio del conocimiento, es una plataforma creada por productores, managers, comunicadores, y artistas que quieren y entienden la importancia de compartir experiencias adquiridas desde las diferentes líneas de negocios. El propósito de Ucronio es compartir, debatir, analizar y reinterpretar a través de una formación práctica y dinámica todo el conocimiento de la industria del entretenimiento que cada día crece más en el país. Lo que busca esta nueva plataforma académica es garantizar que todos los que quieran fortalecer sus habilidades creativas y de gestión en las artes en especial en la música, como un proyecto de vida a largo plazo, encuentren los elementos conceptuales y prácticos para hacerlo en cada sesión.La invitación no es solo para los que quieren mejorar sus conocimientos, sino también para todos los que pertenecen y trabajan en la industria del entretenimiento, Ucronio pretende que se vinculen en este proceso de aprendizaje y construcción de líderes para el sector de la música. Desde hace cuatro años el grupo empresarial Árbol Naranja de Bogotá trabajó en este proyecto que hoy presenta al país.Con la ayuda de grandes nombres reconocidos en la industria, esta nueva plataforma pretende que todos aquellos que quieren trasmitir y crear proyectos encuentren en Ucronio un lugar donde puedan desarrollarlos y concluirlos. Enfrentar sucesos como el COVID-19 con herramientas útiles y eficaces para continuar trabajando en sus planes.Esta es la oferta de cursosCursos PlanetaIntroducción al rigging para construcción de escenariosIntroducción al audio en vivoIntroducción a la iluminación escénicaProducción musical con Ableton LiveIntroducción al mundo visual del Vj y su ejecuciónCursos Satélite¿Cómo aprovechar las oportunidades de la industria musical?¿Cómo construir y desarrollar alianzas estratégicas para proyectos culturales?Expresión gráfica para proyectos musicalesTaller de Fotografía musicalConcepto de los espectáculos público como proyecto de negocioIntroducción al tour management para artistas y agentes de la industriaHablamos con Juan Quiroz coordinador académico de Ucronio.¿Cuándo se creó Ucronio?Ucronio nace en 2017, en un experimento que surge del Árbol Naranja con la intención de compartir con nuestra comunidad, el conocimiento que íbamos adquiriendo en distintos saberes alrededor de la música como arte, como industria y como modelo de negocio. Ucronio realmente se materializa con el impulso de un proyecto de formación de productores musicales que hicimos en conjunto con Idartes, llamado Modulación y Enfoca. Adicionalmente, varios de los socios del Árbol ya éramos docentes en diferentes instituciones académicas del país , y quisimos usar nuestros conocimientos en pro de fortalecer nuestra comunidad y darle inspiración y herramientas que no se entregan en instituciones de educación formal. Ucronio es un laboratorio donde lo primordial es compartir experiencias e ideas basadas en el camino recorrido y el conocimiento adquirido por nuestros miembros en diferentes frentes de la industria, a nivel local, nacional, e internacional.¿Qué campos y temas van a cubrir en esta primera etapa?En este primer ciclo vamos a cubrir 11 cursos. Cinco cursos corresponden a los saberes desarrollados por Árbol y sus líneas de negocio y seis cursos satélites corresponden saberes que han órbitado durante nuestra vida, dictados por colegas y amigos allegados al árbol. Y vamos a cubrir todos los frentes, artistas, técnicos, gestores, managers, medios de comunicación y prensa, hasta el mismo público. Todos son eslabones que necesitan crecer y profesionalizarse proporcionalmente.¿Cómo puede el público aprovechar al máximo esta plataforma?La página es realmente sencilla de navegar y los cursos con sus contenidos y requisitos, cronogramas y precios, tienen la información necesaria. Ahí mismo en la plataforma, estarán las aulas privadas para este primer ciclo. Esperamos tener el segundo ciclo para después de Semana Santa. Y el tercer y cuarto ciclo para el segundo semestre del 2021. Cada curso entregará un certificado de asistencia, con calificaciones hechas por los docentes a cada uno de los estudiantes. Esperamos que nuestros estudiantes se conviertan en parte de nuestro equipo para lo que sigue después de la post pandemia. Así mismo esperamos que todos se den el chance de ver diferentes cursos y empaparse de los diferentes temas que ofrecemos. Las clases nunca se van a cruzar unas con otras. Está en nuestros planes robustecer la plataforma con contenidos como entrevistas, podcasts, vídeos y noticias de nuestra industria para complementar el conocimiento que será compartido en cada curso.
Dos años después de Quimera (2020), su primer trabajo en plataformas, Juliana Meluk, DJ colombiana, lanzó: Paupérrimo Miserable (2022), un proyecto que explora nuevas formas de agitación corporal y deja poco espacio para la quietud y el silencio. La influencia del EBM, el darkwave y el electroclash se siente cuando nos congrega a movernos al ritmo de sonidos industriales. Una apuesta ambiciosa pero bien lograda, pues aunque la letra puede volverse algo repetitiva; los bajos, contundentes pero distintos, hacen de cada remix un baile único. Kat Yusti y Diego Veira (Ácido Pántera), DJ's de Bogotá; The Virginia Valley, de Medellín y Amantra, de Venezuela; son los encargados del "spin off" de este EP.Si bien el paupérrimo miserable al que va dirigido es un personaje ficticio, representa de una manera general este arquetipo de hombre que a pesar de que puede llegar a camuflar la misoginia detrás de una careta, la tiene latente en él. Las letras son cortas y contundentes, y continúan construyendo la historia de este personaje ambiguo.La influencia de bandas de minimal synth y minimal wave como el grupo estadounidense, Boy Harsher y la banda, Lebanon Hanover, es clara en cada track. La composición y la producción, hecha en su totalidad por ella, es influenciada por la música que escucha, como afirmó en la entrevista.También les podría interesar: Lo que (se) fue de Julio Victoria: un álbum para ver de lejos la realidadLos techneros saben que en cada set, y en cada kick, hay un intención distinta. Aunque casi siempre pretende hacernos bailar de cierta forma, como si estuvieran jalando las cuerdas de un títere de la manera correcta, también puede reflejar las emociones de la persona que lo está creando. "Fue también un escape a una situación luego de un grave accidente familiar", cuenta Juliana. La oscuridad presente en cada minuto no es gratuita. Es producto de unas sensaciones que encontraron por allí una puerta de salida abierta y la usaron.Pero, ¿quién dice que toda la oscuridad es mala?Las presentaciones de música en vivo son un ejercicio de comunicación constante. La posición en la que esta un DJ no es diferente. " Se ejerce un poder sobre las personas", menciona.La fascinación por las parte oscura, paranormal, de la vida y el misticismo que en ella se encuentra, le da a Juliana la idea para su nombre artístico. Un guiño a la magia de manipular desde la intensidad de los beats y a los espacios, habitualmente considerados oscuros, en los que este tipo de electrónica fluye.Voodoo Meluk tiene planes de dejar el país, sin embargo, afirmó que vienen varias colaboraciones. Una de ellas, que pronto estará en plataformas, es con el productor paisa de música electrónica: Brain Una manipulación, pronto internacional, hacia el disfrute y la libertad del cuerpo en la pista de baile.
Se despiertan y es día de Pride: el sol brilla, los pájaros cantan. Tienen la pinta lista, el maquillaje pensado y el trepe organizado. Nosotros les traemos esta pequeña lista para que preparen su mañana y le canten a sus vecinos mientras se bañan. Así que, sin más:5 canciones para cantar en la ducha en el día del Pride1) I'm coming out - Diana Ross: La vocalista de The Supremes y, posteriormente, ícono del soul en la historia de la música, comenzó su carrera como solista en 1969. Un año después, se escucharía en todo el mundo su primer, y reconocido, éxito: Ain't no montain High enough (1970). Diez años después, sacó su segundo sencillo, canción que se convertiría en un himno para la comunidad LGBTIQ+ por más de 40 años.I'm coming out (1980), su segundo sencillo, fue producido por Nile Rodgers y Bernard Edwards (fundadores de la banda Chic). Rodgers, en una entrevista con el New York Post, contó que la canción nació de una experiencia en el baño de GG's Barnum Room, un reconocido bar transgénero en Manhattan. 2) Freedom! '90 - George MichaelMichael fue un cantante, compositor y productor musical de Londres que se dio a conocer con su grupo Wham! junto a Andrew Ridgeley en los años 80. A finales de esa década debutó como solista con el álbum Faith (1987). Se convirtió en un referente de la música pop con canciones como I Want Your Sex (1987), Jesus to a Child (1995), Fast Love (1996), entre otras. En 1990, George Michael "salió del closet" con su segundo álbum, Listen Without Prejudice vol. 1 (1990). Reconstruyó la canción Freedom (1984) de Wham! y compuso Freedom! '90, en la que desmintió la idea original en la que se hablaba de una relación monógama heterosexual. El videoclip fue dirigido por David Fincher y contaba con algunos de los modelos más reconocidos de la época.3) I Am What I Am - Gloria GaynorDe Newark salió una de las voces más importantes del disco y el soul de los 70's y 80's. Gloria Gaynor, que además de ser cantante también era actriz, comenzó su carrera en el grupo Soul Satisfiers y sacó su primer sencillo como solista llamado: She'll Be Sorry / Let Me Go, Baby (1965).I Am What I Am es, originalmente, una canción del musical de Brodway, La cage aun folles (1983/1987). Esta obra fue creada por tres hombres homosexuales: Arthur Laurents (director), Harvey Fierstein (dramaturgo) y Jerry Herman (compositor). Narra la historia de una familia conformada por dos hombres homosexuales y su hijo que se encuentra en una situación en la que debe fingir ser una familia tradicional. Gaynor regrabó el sencillo en 1983 y se convirtió en una canción de referencia para la comunidad LGBTIQ+, junto a otro de sus éxitos: I Will Survive (1979)4) Vogue- MadonnaMadonna, que comenzó su carrera como cantante en 1979, ha apoyado públicamente en muchas ocasiones a la comunidad. Esto le ha dado un lugar dentro de la misma como un ícono que logra visibilizar a través de su música, con canciones como Express Yourself (1989) y su quinto disco, Erótica (1992), en el que habla sobre la homosexualidad y el sida, temas que eran tabú en esa época.En el video de Vogue (1990), también dirigido por David Fincher, la artista muestra algunos pasos de voggueing, performance que nació en los ball rooms en Nueva York y que se convirtió en un espacio donde las personas afroamericanas, latinas y otras minorías, podrían expresarse libremente. 5) Born this way - Lady GagaNo podíamos acabar este especial sin la canción que todas, todos y todes hemos cantado a pulmón herido al menos una vez (como mínimo): Born This Way (2011) de Gaga, famosa por ser disruptiva con sus letras, su estética y su performance, la llevó a ser una de las artistas más reconocidas a nivel internacional durante esa década.En distintas ocasiones ha contado que Carl Bean, cantante, activista religioso, negro y homosexual que predicó en las décadas de los 70's y 80's sobre "nacer así"; fue la inspiración para el álbum, homónimo de la canción, que sigue representando a la comunidad LGBTIQ+ en distintos espacios.¡Celebremos la diversidad con música!
La actriz y cantante argentina Tini Stoessel es uno de los íconos juveniles del sur del continente. Después de una carrera exitosa en televisión inició una trayectoria musical que la ha llevado a ofrecer conciertos en diferentes continentes. Su actual gira, llamada 'TINI TOUR 2022', pasará por Colombia en agosto luego de presentarse en Bolivia, Chile, Paraguay, Uruguay y España.Contenido recomendado | “Las relaciones a distancia son lo más difícil de girar”: TINIEl concierto se realizará el próximo jueves 25 de agosto en el Movistar Arena de Bogotá y contará con localidades en los tres pisos del venue. La venta de boletería general arranca el 5 de julio de 2022 a las 10 de la mañana. Las entradas están disponibles a la venta en Tu Boleta: la más barata cuesta 81.000 pesos más servicio y la más costosa 342.000 más servicio.¿Cuáles son las canciones más populares de TINI?Estos son los sencillos más famosos de la cantante argentina en plataformas de música en streaming: La Triple T, Miénteme con María Becerra, Fantasi con Beéle, Bar con L-Gante, Consejo de amor con Morat, Carne y Hueso, La niña de la escuela con Lola Índigo y Belinda, Maldita foto con Manuel Turizo y 2:50 con Duki y MYA.Set list oficial de la gira TINI TOUR 2022Estas son las canciones que la argentina interpreta en vivo.Te quiero másQuiero volver Suéltate el peloDueleRecuerdoMaldita Foto2:50Por qué te vasOye Un beso en Madrid Carne y Hueso AcércateElla dicePlayaHighFresaFantasiLa Triple TBar 22Miénteme¡La música nos une!
Julio es el nombre del mes que le da inicio al segundo semestre del año, pero también el nombre propio de millones de hombres en el mundo. De esos personajes hay muchos que son santos, periodistas, escritores, políticos, periodistas y cantantes.Desde hace unos años hay memes en los que se usa la imagen de los 'Julios' para empezar a hablar del séptimo mes del año. Hoy vamos a recordar cuáles son los más famosos en la cultura pop. JULIO IGLESIASEs el rey de los memes sobre Julio. Iglesias, nacido en Madrid, España, es uno de los cantantes más importantes de la música del siglo XX. En su catálogo musical hay temas en múltiples idiomas y se estima que ha vendido más de 300 millones de discos. Por si fuera poco es padre del también cantante Enrique Iglesias.JULIO CORTÁZARNació en Bruselas, creció en Argentina y murió en Paris. Durante sus 69 años se desempeñó como escritor y traductor. Fue uno de los escritores del boom latinoamericano de literatura y su álbum Rayuela de 1963 es su obra más destacada.JULIO JARAMILLOBoleros, vals, pasillos, rancheras y tangos, fueron los géneros que popularizaron al cantante ecuatoriano en toda Latinoamérica. El Ruiseñor de América, Mr Juramento y La Voz de Oro fueron algunos de sus apodos. Nuestro juramento, Ayer y Hoy, Reminiscencias, Rondando tu esquina y Ódiame son algunas de sus canciones más populares.Júlio César Soares EspíndolaEl futbolista carioca ejerció como arquero y obtuvo grandes reconocimientos en su carrera deportiva. Fue campeón de Italia y Europa con el Inter de Milán y también ganó una Copa América y dos Copas Confederaciones como guardameta de la Selección de Fútbol de Brasil.Otros Julios famososEn Colombia son muy populares los actores Julio César Herrera, Julio Medina, Julio Sánchez Cóccaro, Julio César Luna, el empresario musical Julio Correal, el periodista Julio Sánchez Cristo, los cantantes Julio Nava y Julio César Meza y el Dj Julio Victoria.¡El lado S de la cultura pop!
Álbum del año nuevo artista y Top rising star masculino fueron las categorías que el paisa Feid coronó en la reciente edición de los Premios Tu Música Urbano 2022. Para celebrarlo el Ferxxo anuncio el primer gran concierto que ofrecerá en su natal Medellín.Feid presentará FERXXO NITRO JAM 2022, su nueva gira de conciertos, en el Centro de Eventos La Macarena de Medallo. El concierto se realizará el próximo viernes 9 de septiembre.Las boletas para el concierto de Feid en Medellín se empezarán a vender desde el primero de julio en la página oficial de La Tiquetera. Habrá cuatro localidades: genera 'Nitro Jam', preferencial 'Arepa Estéreo', Arena ' Vacaxiones Mor Velásquez' y Palcos 'Muy pupi mor'. La entrada más barata cuesta 70:000$ más servicio y los palcos tienen un costo de 8'000.000$ + servicio para 10 personas.Feid ha colaborado con Greeicy, J Balvin, Nicky Jam, Maluma, Justin Quiles, Alejo, Robi, Sky, Ryan Castro, entre otros. Lleva activo más de una década como compositor, productor e intérprete.En video | FEID: ¿Por qué le dicen Ferxxo si su nombre es Salomón? | Retos + Preguntas ShockFeid se ha ganado a pulso su puesto en la élite del reggaetón con temas y colaboraciones que ya hacen parte de los libros de historia del género. Con más de una década de carrera artística, el músico y compositor paisa ha creado un estilo único e identificable entre tantas propuestas del llamado 'género urbano', además tiene una personalidad muy antioqueña que lo ha ayudado a captar una legión de apasionados seguidores en todo el mundo que lo llaman 'mor'. En el marco del lanzamiento de su disco 'INTER SHIBUYA - LA MAFIA', lo invitamos a salirse un poco de su atmósfera de estrella de perreo y lo pusimos a hacer algunos retos en los que demostró su chispa "nea" de principio a fin.¡La música nos une!
