Chamana Moon Fest, es un festival que celebra a la mujer y su creatividad, un espacio para que las mujeres artistas, emprendedoras, abuelas indígenas y terapeutas, encuentren una plataforma para promocionar sus proyectos.La primera edición del Chamana Moon Fest será una experiencia circular, 360º alrededor de la música, las artes plásticas, visuales y escénicas, charlas, espacios holísticos y sabiduría ancestral.El Festival se podrá disfrutar de manera virtual a través de la plataforma de streaming Gotok Live y tiene como objetivo ayudar a la comunidad Wayúu de la Guajira con el recurso más preciado y más escaso en la región: el agua. Las boletas Luna Nueva y Luna Llena se consiguen aquí.La diseñadora e ilustradora Catalina Estrada, en alianza con la Fundación Fucai y el apoyo de @chamanamoonfest, ha diseñado un pañuelo mágico que contiene la simbología de un canto Wayúu por el agua. La compra de cada pañuelo representa 5.000 Litros de AGUA para 5 familias Wayúu, agua para beber, para sembrar, para que la vida pueda continuar; el pañuelo se adquiere con la compra de la boleta Luna Llena, con la que también se tendrá acceso al festival. El país invitado de esta primera versión del Festival es Chile. Las Chamanas Musicales que participarán son reconocidas mujeres del ámbito musical que se unen con su voz y su experiencia por esta causa social, humana y cultural: Ana Tijoux (Chile), Li Saumet, de Bomba Stereo (Colombia), Catalina Garcia, de Monsieur Periné (Colombia), Pascuala Ilabaca y fauna (Chile) y Ania Ivania (Chile).Chamanas de las artes, la palabra y la sabiduría:Patricia Bermúdez, Actriz y Cantautora (Colombia), Juliana Reyes, Dramaturga de L´Explose – Danza (Colombia), Xiomy Xibille, Ecóloga Humana de Diosas vitales y atemporales (Colombia), Catalina Estrada, Ilustradora y amante de la naturaleza (Colombia), Sonia Durán, Gerente de Educación, Cultura y Productividad de Colsubsidio (Colombia) y Luisa Piñeros, Periodista Musical y Comunicadora Social (Colombia).Conversatorio LunarEste es un círculo de palabra en torno a la luna, la mujer y el agua, abordado desde distintas cosmovisiones indígenas por estas Chamanas:Beatriz Pichi Marlen, Cantautora Mapuche (Argentina), Carolina Trujillo, Directora y fundadora de Gotok Music (Colombia), Ati Quigua, Consejala Arhuaca (Colombia), Mariposa Solar, Cantautora y Terapeuta holística (Colombia) y Ruth Chaparro.
Aquí estamos, como de costumbre, con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial con reseñas de discos colombianos (álbumes de estudio y EP) para que se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo a los mejores temas y álbumes nacionales en este especial con lo mejor del 2020 . En esta oportunidad les recomendamos once nuevas canciones colombianas para empezar febrero con el pie derecho.Feeling – Eichem, Tostao, DJ ZaaPura energía del pacífico colombiano. Invitación directa a disfrutar el sonido de la marimba de chonto.Tropitransformación – Conector, Lido Pimienta, Vozterra, Camilo Colmenares, Yonny BuenañosUna cumbia espacial, electrónica y bailable que busca llevar un mensaje de esperanza en medio de esta crisis mundial.Ella – Gavilla ChangoretaLa agrupación paisa muestra una faceta más íntima en esta composición. Pronto saldrá su nuevo álbum de estudio.Agua – Bomba EstéreoEl primer lanzamiento de ‘Deja’, el nuevo disco de Simón y Li que está divido en cuatro partes, cada una inspirada en los elementos naturales.Volviendo – Maréh, Cielo BernateEsta nueva canción viene acompañada por un video maravilloso donde se puede apreciar la belleza del páramo, los frailejones y la Laguna Negra del Valle del Cauca.Búhoz – Briela OjedaCon el lanzamiento de este track Briela anuncia que el próximo 19 de febrero conoceremos el álbum ‘TEMPLO KOMODO’, escrito y grabado a lo largo del 2020.Adiós – Sebastian YatraEl paisa regresa las baladas donde los únicos elementos son la voz y el piano. Una composición a la que se le pueden dar muchas interpretaciones.Vas – BlssomEl dúo radicado en Nueva York presenta su nueva canción, que viene acompañada de un video que vale la pena ver una y otra vez.Piloto en la loquera - Ácido PanteraUn tema que pide pista de discoteca bogotana. Diego Veira y Juanpordios lo hicieron de nuevo.Las calles oscuras - Amado LeónLlegó el momento de conocer el proyecto solista de Sergio Acosta, integrante de Doctor Krápula. Un tema en el que participa Markus Milian.BOFFF – Kevin RoldánEl nuevo disco del caleño trae 18 temas y colaboraciones con Lyanno, Ryan Castro, Davo, JD Pantoja y Briant Myers.#LaMúsicaNosUne
Aquí estamos, como de costumbre, con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial con reseñas de discos colombianos (álbumes de estudio y EP) para que se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo a los mejores temas y álbumes nacionales en este especial con lo mejor del 2020 . En esta oportunidad les presentamos Agua de Bomba Estéreo.AGUA - BOMBA ESTÉREO¿Quién está detrás? Bomba Estéreo es una de las agrupaciones que reescribió la música alternativa colombiana. Su propuesta electro tropical y de cumbia psicodélica ha sido aclamada en festivales de todo el mundo. Gracias a sus trabajos discográficos han sido merecedores de varios premios Shock, siete nominaciones a los premios Latin Grammy y una nominación a los Grammy Awards.Para recordar | Bomba Estéreo ganador mejor artista o agrupación Premios Shock 2016¿De qué trata? Agua es la primera canción de Bomba en mucho tiempo. Es el primer sencillo de Deja, el próximo álbum de estudio de la agrupación. Este tema representa la conexión profunda de la música con la naturaleza, en palabras de Li y Simón “la tierra es agua, nosotros somos agua y gracias al agua es que estamos vivos”.¿A qué suena? Es una propuesta que nace del bullerengue, un sonido poderosamente afro y místico. La canción tiene el toque único de la voz cantora de Li Saumet y la exploración electrónica que le inyecta Simón.Dato coctelero: Conceptualmente, el álbum Deja está dividido en cuatro secciones que corresponden a los cuatro elementos: Agua, Aire, Tierra, y Fuego.¿Sobre el video qué? Fue filmado en la costa caribeña de Colombia cerca de la casa de Li. “El video surge de una idea que tuve sobre un ritual, de entrar en un universo paralelo en el que nos encontramos en una conexión más profunda con la naturaleza, de una manera más surrealista y femenina”, explica Li, codirectora del video con Jhoy Suárez.¿Cuándo escuchar? Agua es un canto de agradecimiento al planeta y lo ideal es acompañarlo con las nuevas canciones del álbum que ya están publicadas. Deja y Soledad ya están disponibles en todas las plataformas digitales.Para ver | Born This Way de Lady Gaga: 10 años del himno LGBTI que marcó a una generación¡La música nos une!
El 18 de noviembre se estrenará, a través de YouTube, Sonic Forest, un documental producido por la organización ambientalista Stand For Trees en el que Simón Mejía hace un recorrido por las selvas del pacífico colombiano con el fin de visibilizar las acciones en pro de la conservación de los bosques de esta región. Este es un proyecto musical y documental sobre el gran bosque del Pacífico colombiano y los líderes afro e indígenas que protegen los millones de árboles que ahí habitan. Cuando presentamos el proyecto solista del beatmaker y cofundador de Bomba Estéreo, Monte, les contamos que el artista se preparaba para el lanzamiento de este proyecto, del cual además compuso y produjo la banda sonora. Con Sonic Forest la organización añade a Colombia en su plataforma, enfocándose en la selva tropical del Pacífico para su conservación. Simón Mejía viajó conociendo desde las comunidades afrocolombianas de la costa hasta las comunidades indígenas de las montañas para conocer el proyecto de reforestación de la selva tropical del Pacífico que las conecta. Grabando sonidos a lo largo del camino, Simón expresa el poder de la experiencia de la manera en que mejor lo hace: con música. La dirección de Sonic Forest estuvo a cargo del documentalista colombiano Simón Hernández y el cineasta de National Geographic Josh Thome. Joaquin Phoenix también hace parte del equipo de producción. Sobre el documental Phoenix afirma que "Mantener los bosques que quedan en el mundo es fundamental para hacer frente a nuestra crisis climática y ecológica. El trabajo de Comunidades de Bosques del Pacífico presentado en Sonic Forest es una parte inspiradora de la solución". Pueden registrarse para ver el estreno del documental en el siguiente enlace: https://sftre.es/bomba-yt-en. También, ingresando a https://standfortrees.org/es/sonicforest/ pueden adquirir certificados Stand For Trees. Cada certificado comprado ayuda a la lucha contra la deforestación tropical, el cambio climático y a proteger a las comunidades y la vida silvestre que habitan en dichos territorios. Si quieren aprender más sobre estos certificados y cómo operan, pueden ingresar a este enlace.
Fotos cortesía de M3. Hace 10 años Camila Saravia y Juan Sebastián Ortiz de Zaldumbide fundaron M3 Music, una compañía colombiana de management y representación de artistas, que se especializa en el desarrollo del talento musical y la proyección de artistas locales hacia el mundo. Junto a Camila y Juan Sebastián, el equipo actualmente está también encabezado por Daniel Zawadski y Daniel Álvarez. Durante estos 10 años de trabajo M3 ha manejado a bandas como Monsieur Periné, Superlitio, Systema Solar, El Freaky, Diamante Eléctrico, Bomba Estéreo, Mitú, y solistas como Santiago Cruz y Vicente García, con quienes han construido más que una carrera sólida, una relación de amistad y miles de anécdotas que hoy compartieron con nosotros. En la actualidad, M3 está conformado por un equipo de trabajo que se encarga del marketing, A&R y promoción de estas bandas, además de coordinar giras internacionales, lograr acuerdos con importantes disqueras, publicistas y los agentes de booking más relevantes de la industria. Hablamos con Camila y Juan Sebastián sobre esos momentos que han marcado la historia de M3. Así, recopilamos 10 anécdotas que se meten en el backstage de estos artistas y recorren el mundo. 1. En 2015 lanzamos Fiesta, el sencillo, antes del lanzamiento del álbum Amanecer y empezó a sonar por todas partes. Un día después de haber lanzado el álbum estábamos en la oficina y nos llegó un correo de nuestra disquera diciendo que Will Smith había oído la canción y que quería participar en un remix de Fiesta. Nosotros no lo creíamos. ¿Will Smith? Y sí. Él no había hecho nada de música durante un poco más de diez años y su retorno a la música fue en una canción de Bomba Estéreo. En algún momento de ese año Will Smith y Marc Anthony estuvieron en Ibagué durante las fiestas de San Pedro y resulta que Marc tenía a Bomba Estéreo en su iPod y se lo puso a Will, y a él le gustó mucho, entonces cuando lanzamos el sencillo él ya estaba siguiendo a la banda. Al escucharlo dijo: "I need to be on that" y de ahí en adelante ya la disquera puso en marcha todo un plan de mercadeo, sacaron presupuesto extra para rodar un video con todos los estándares de calidad de Hollywood. El rodaje en Los Ángeles fue una cosa de locos, y después que nos invitaran a tocar en los Latin Grammy junto con Will Smith fue una locura, fue algo que no nos esperábamos. De hecho Li tenía como seis meses de embarazo y se puso la diez para tocar ese show. Ese fue uno de los espectáculos más lindos que hemos tenido. 2. Otra gran anécdota fue la gira que hicimos con Arcade Fire. Nació de una invitación de ellos, nosotros nunca los buscamos ni estuvimos detrás de la banda. Cuando Bomba Estéreo tocó en un festival de Canadá nos enteramos, por el público, que Will Butler de Arcade Fire estuvo entre la audiencia y que le encantó el show. Pasaron varios años y después Will nos contactó directamente para ofrecernos abrir los conciertos de su gira en Europa, Estados Unidos y Latinoamérica. El show más esperado de toda la gira fue el de Colombia y hubo una serie de problemas técnicos bastante graves. Se cayeron la tarima y las luces la noche antes del concierto después de haber hecho las pruebas, y digamos que en un caso de esos Arcade Fire probablemente hubiera cancelado el concierto, pero sabiendo que era en Colombia y con Bomba Estéreo ellos dijeron que no importaba, que se montaban y hacían el show así. También nos invitaron a hacer una canción con ellos, que tampoco estaba en los planes, pero hubo tan buena química entre ambas bandas que hicimos una versión de Everything Now, el sencillo que ellos estaban promocionando en ese momento. 3. Cuando New Order iba a tocar en el Sónar, la noche antes del concierto nos fuimos de fiesta con ellos y a la salida la teclista se cayó y se fracturó el hombro. Obviamente nosotros nos sentimos super culpables viéndola en el escenario tocando con su brazo enyesado. En ese mismo Sónar tocó Mitú y en esa fiesta/comida en la que ella se cayó nos pusimos a hablar y establecimos un contacto. Después de ese show nos encontramos con ellos en varios festivales y entablamos una buena relación y un poco después de la gira de Bomba con Arcade Fire estábamos montando una gira para Mitú. Vimos que New Order anunció fechas para Suramérica y quisimos hacer lo mismo que hizo Bomba con Arcade Fire, pero con Mitú. Les dijimos que nos llevaran con ellos de gira y la respuesta fue que les parecía un poco raro y complicado porque había que negociar con todos los promotores locales, sin embargo nos dijeron que tenían un show sold out en el Alexandra Palace de Londres y nos pidieron abrirles allá. Fue un show muy bonito porque fue el encuentro de dos generaciones de música electrónica de dos vertientes diferentes, pero sin duda una es influencia de la otra. Que Mitú abriera el concierto de una banda tan grande como New Order en Londres, en su casa, era algo sin precedentes y fue una grandiosa experiencia. 4. La primera gira que hicimos con Bomba Estéreo en un tour bus en Europa. Li acababa de tener un hijo, su bebé tenía tres meses y ella se fue con él, tres meses, de gira en un bus, lactando. Ella terminaba de lactar, se montaba a la tarima y hacía el show, se bajaba, le daba al bebé. Fue una locura. También estaba la hija de Julian en ese tour bus entonces fue un momento de convivencia muy loco. Recordábamos que en esta gira, en algún momento en el verano por el sur de España hacía tanto calor que el bus se recalentó y nosotros con dos bebés, la banda, de camino al otro show tuvimos que parar en medio del desierto, sin aire acondicionado y esperar a que el bus volviera a funcionar para seguir nuestro camino. 5. Cuando Bomba iba a tocar en San Petersburgo, Rusia, Liliana se enfermó y no pudo tomar el vuelo con los demás. Tomó un vuelo más tarde, llegó a tiempo y todo en orden. Habíamos contratado a un tour manager español pues nos salía más barato tener a alguien directamente en Europa que llevarlo desde Colombia. Nosotros pensamos que como los colombianos no necesitábamos visa para Rusia, pues que los españoles mucho menos iban a necesitarla. Fue algo que asumimos por default. Resulta que finalmente Li llegó al concierto a la hora, pero al tour manager español lo deportaron porque los rusos sí les piden visa a los europeos. El show estuvo en peligro porque él no solo era tour manager sino stage manager, técnico y roadie. Además se perdió el equipaje, los equipos, porque teníamos que ir por Italia y allá se quedaron los equipos. Ellos llegaron a Rusia sin cantante, sin tour manager y sin equipos. Nos tocó alquilar equipos, allá a Simón le tocó frentear todo en ruso, ver cómo lograba conseguir equipos y cuando lo logró y estaban listos para montarse a la tarima, cuando iba a arrancar el festival comenzó una tormenta eléctrica y cancelaron el festival. Al festival lo aplazaron al fin de semana siguiente pero nosotros ya teníamos la gira planeada y no pudimos re-programar. Entonces llegamos a Rusia, aunque no pudimos tocar. 6. En el Estéreo Picnic de 2018 Bomba tocó antes de Gorillaz. Teníamos el show listo, organizado, planeado y hubo un problema con la consola de luces y nos demoramos en salir. Cuando ya arrancamos el show se me acerca el tour manager de Gorillaz y me dice: "Damon Albarn no se monta a una tarima, en ningún país del mundo, después de las 12 de la noche. Tienen que acabar antes". Ya eran las 11:30 y nos tocó hacerle señas a Simón y a Li para que quitaran canciones y hacer un show más corto. A pesar de eso fue un momento muy especial por la respuesta del público colombiano. Siempre tocar en la casa es más difícil, ¿no? Como que uno siente más presión y que debe responderle a la gente porque finalmente fue el público colombiano el primero en apoyarlos y están donde están gracias a los fans colombianos quienes estuvieron apoyando desde el comienzo. Se sentía esa responsabilidad de dar un buen show y fue maravilloso ver esa tarima llena como si fuéramos un artista internacional. Recuerdo que al bajarnos de la tarima el promotor nos dijo "Ustedes de verdad son un headliner". 7. Yéndonos muy al inicio de M3, hacia el 2011, cuando lanzamos Sultana: manual psicodélico del ritmo Vol. I de Superlitio tuvimos la idea de hacer la alianza con Shock para lanzar el disco como un inserto de la revista. Entonces lanzamos 20.000 copias que llegaron a las manos de las personas que compraron la revista y esa fue una de las primeras alianzas que hicimos con un medio de comunicación que tuvo alcance y relevancia a nivel nacional. Si uno ve los números de ventas físicas en la actualidad, incluso de ese momento, llegar a vender 20 mil copias era una locura y la única forma de hacerlo fue llegándole al usuario a través del tiraje de Shock. 8. Otra colaboración inesperada fue la de Systema Solar con Blondie. Nos llegó un mail de Chris Stein diciendo que le encanta Systema Solar, la música caribeña, que quería que hiciéramos algo. Finalmente Debbie Harry terminó cantando con Systema Solar una canción que se llama Artificial y fue uno de los juntes con ídolos e íconos musicales nuestros. Uno todo el día trabajando y que de repente llegue un mail del creador de Blondie pidiendo colaborar fue muy chévere. 9. A Mitú le tocó el terremoto en México en plena tarima. Nosotros siempre viajamos con los artistas. Daniel, nuestro socio, iba en camino y por el huracán Irma no pudo viajar. Entonces les tocó a Julian y a Lamparita estar allá solos, se sacó todo adelante, comenzó el show y en pleno comenzó el terremoto. Les tocó evacuar la tarima y fue una locura, una de las experiencias más caóticas que hemos tenido. 10. Así como fue el terremoto en México para Mitú, a Vicente García y a Bomba les tocó la revuelta en Chile. Eso fue en octubre de 2019 y claramente no hubo ni festival, ni concierto, ni nada, no solo por seguridad y orden público, sino por respeto a la situación que estaba pasando ese país. Eso fue una locura. Vicente, afortunadamente, no alcanzó a llegar a Chile. Bomba sí estaba allá y estábamos en la prueba de sonido cuando llega el promotor y nos avisa que hay toque de queda y que nos teníamos que ir. "Váyanse al hotel y no salgan de allá", nos dijo. Nosotros veíamos en las noticias lo que pasaba, estábamos encerrados. Afortunadamente Li pudo tomar un vuelo esa noche y el resto de la banda sí se tuvo que quedar en Chile, casi que no pueden salir. 11. Yo [Camila] siempre fui fan de Arcade Fire, desde que sacaron su primer disco. Recuerdo haber ido a verlos a un show en Barcelona cuando viví allá haciendo una maestría y admirarlos desde siempre. Recuerdo que cuando estuvieron en Colombia fuimos a parchar a la casa de Simón. Ellos, Win y Régine de Arcade Fire, tienen un hijo de 5 años y yo tengo uno de 4 años. Recuerdo a los niños jugando y es ese tipo de momentos en los que pienso "uf, en qué momento pasé de estar viéndolos como fanática en un concierto a estar compartiendo estos momentos con ellos".
El próximo sábado primero de agosto desde las 10 de la mañana se llevará a cabo una nueva edición del Unión Festival Digital en el que se estrenarán nuevas experiencias, entre ellas el Planeta Caracol Televisión que incluirá dentro de él una experiencia musical poderosa curada por Shock y que estará a cargo de Sofi Tukker, Black Pumas, MNKYBSNSS y Salt Cathedral. Para la cuarta edición del festival el Banco de Bogotá se ha unido dándole vida al Planeta Cambiando Contigo, un nuevo espacio para la solidaridad. Este nuevo planeta estará ubicado en el centro del universo Unión, y en su interior se llevará a cabo una subasta de objetos extraordinarios para recaudar fondos y ayudar a la niñez más vulnerable de Colombia de la mano de UNICEF. Entre los objetos donados se encuentran: - El EPK Solo Clásicos Vol. II - Edición Especial (Estuche de Lujo) de Peter Manjarrés (sólo 1500 unidades en el mundo). - Un parche de bombo de la gira Reptilectric de Zoé. - Una chaqueta de Li Saumet de Bomba Estéreo. - Un disco de oro de Aterciopelados - Una guitarra autografiada por Fonseca. - A esta iniciativa se une también Sebastian Yatra, Morat, Paulina Vega, Suso, DJ Pope, entre otros. Creadores y creadoras que han inspirado a millones de personas y que se han reunido alrededor de este nuevo planeta. Planeta Cambiando Contigo: objetos extraordinarios de creadores legendarios, un objetivo solidario y su participación. Conectémonos con #UNICEFChallenge y compartamos en esta subasta el sábado 1 de agosto desde las 10am en www.unionfestivaldigital.com Esta es la invitación de Sebastián Yatra para participar en esta subasta. Para ver | Una guía de estilo por Bogotá con Sofi Tukker #LaMúsicaNosUne
Aquí estamos, como de costumbre, con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial completo con reseñas de discos colombianos (albumes de estudio y EP) para que conozcan y se empapen de la diversidad musical del país. También puede echarle un ojo a los mejores temas y álbumes nacionales del 2019 en este especial. Mirla - Monte ¿Quién está detrás? Bomba Estéreo es uno de los proyectos alternativos de música colombiana más exitosos de este siglo y con el que Simón Mejía ha recorrido varios territorios del planeta. En este momento, el fundador y beat master de la banda, presenta su nuevo proyecto Monte, que nace de su exploración con la música y convirtiendo sus sentimientos y emociones. ¿Cuál es la historia detrás de la canción? Mirla es el centro emocional del proyecto y está basada en la experiencia que Mejía tuvo con un pájaro que lo visitaba en su casa cada mañana. Simón se dio a la tarea de grabarlo durante varias sesiones en las que, en sus palabras, “Cada día se acercaba más a mi terraza, y – esto es un poco loco – yo sentía que él me miraba mientras lo grababa y empezaba a cantar aún mejor. Una mañana el pájaro se estrelló contra la ventana y murió. No se por qué, si era alguna señal, o simplemente el azar, el caso es que lo enterré con ritual. Lloré y todo. Creo que es una historia triste pero bella a la vez. La canción es un homenaje a este pájaro¨. ¿A qué suena? Simón desea que su proyecto Monte tenga videos y música relacionados con la naturaleza. Por eso en cada viaje a la naturaleza graba sonidos que él quiere mezclar con instrumentos ofreciendo una nueva experiencia auditiva y electrónica. ¿Sobre el video qué? Es una propuesta en la que se muestran siluetas de pájaros mezcladas con imágenes aéreas de Bogotá y efectos visuales que capturan la atención de la mente humana. ¿Cuándo escucharla? La canción logra, sin importar desde donde se escuche, una conexión fuerte con la naturaleza. Valdría la pena hacer que este tema sea utilizado en pro de la flora y fauna colombiana en campañas a favor del medio ambiente. Recomendado| Li Saumet, Sofi Tukker y Pabllo Vittar en Coachella 2019 | All Access Shock #LaMúsicaNosUne
En medio de la cuarentena mundial por el Coronavirus se ha estrenado la cuarta parte de la serie en español más exitosa de los últimos tiempos: La Casa de Papel creada por el escritor Álex Piña. La trama de la serie gira en torno a un grupo de personas que siguen el plan de un hombre para atracar en un principio la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre y después El Banco de España. Este es el trailer oficial de esta temporada en la que Tokio, Lisboa, Rio, Denver, Nairobi, Palermo, Estocolmo y la inspectora Murillo siguen siendo protagonistas. Uno de los aspectos más llamativos de la serie desde su inicio es la música que juega un papel decisivo en la evolución de la historia. Temas como Bella Ciao se han convertido en himnos a los que se le han hecho remixes y suenan en discotecas del mundo entero. Otras canciones usadas en la serie son Feeling Good de Muse, Lonely Boy de The Black Keys, La deriva de Vetursta Morla o Timebomb Zone de The Prodigy. No vamos a dar ningún spoiler, pero en uno de los nuevos capítulos de La Casa de Papel aparece la música de la banda colombiana Bomba Estéreo en una escena en la que se habla de motivación y esperanza. El tema seleccionado por la producción es Fuego, canción de 2009 incluida en el álbum Estalla/Blow Up. En su tiempo Fuego recibió nominaciones a los Premios Shock y Premios Nuestra Tierra, siendo considerada la canción que definió el futuro exitoso que ha tenido Bomba Estéreo en esta década. En 2016 la banda ganó el Premio Shock a Mejor Artista o Agrupación. Recomendado: Li Saumet, Sofi Tukker y Pabllo Vittar en Coachella 2019 | All Access Shock #LaMúsicaNosUne
La atención del planeta se ha volcado en el Amazonas, luego de que se conocieran imágenes de un incendio que ha afectado esta zona que ha sido llamada por muchos "el pulmón" del planeta. Pero más allá de la atención efímera que generan las poderosas imágenes del fuego destruyendo una región clave para nuestra vida en la tierra, varios músicos colombianos han asumido un compromiso constante con el planeta tanto en su música como en acciones concretas. Aquí algunos ejemplos. Bomba estéreo En 2018, la banda liderada por Li Saumet creó una campaña contra la deforestación en el país, que en el último año alcanzó las 280.000 hectáreas afectadas en Colombia, denominada Siembra conciencia. “Hace un año hicimos un pagamento en la Sierra Nevada al grabar nuestro álbum Ayo. De ahí salió el tema ‘Siembra’, que abre nuestro nuevo disco. Prácticamente desde ese momento hemos adquirido mayor conciencia frente a devolver lo que la música nos ha dado en acciones y proyectos que ayuden a que el impacto que causa el hombre sobre la tierra sea cada vez menor”, explicó Simón Mejía, integrante de la banda, en el lanzamiento de la campaña, que contó con el apoyo del Ministerio de Ambiente y Desarrollo Sostenible, el Instituto Humboldt, entre otras entidades. Bomba realizó una gira de conciertos por varias ciudades de Colombia para recaudar fondos y erradicar esta problemática. Systema Solar En su canción Pa’ sembrar, Systema da un mensaje contundente a favor del cuidado de los árboles y contra la manipulación genética de semillas. El video fue grabado con la comunidad de la vereda Puerto Mesitas del corregimiento de Santo Domingo de Meza, en Montes de María, que muestra el trabajo de los campesinos y comunidades étnicas. Systema Solar y Bomba Estéreo fueron embajadoras de la Gran Alianza contra la deforestación y en 2018 recibieron distinciones de los entonces ministros de Ambiente de Colombia y Noruega, Luis Gilberto Murillo y Olga Elvestuen. Doctor Krápula La banda bogotana ha sido constante en su compromiso por el medio ambiente. Recientemente el grupo emprendió una campaña en alianza con la Corporación Autónoma de Cundinamarca para recuperar el Río Bogotá. Durante los primeros meses de 2019, la banda visitó 44 municipios aledaños a las cuencas del Río Bogotá para visibilizar las prácticas sostenibles para la conservación del río y ofrecer un espacio de diálogo e intercambio con la comunidad. Sergio Acosta, teclista de Dr. Krápula, afirma que el mundo está en una situación crítica de cambios climáticos, excesos de plástico en mares y ríos razón por la que “es importante que las bandas que tienen un poder mediático empiecen a darse cuenta de que es necesario hablar del medio ambiente y que mejor que el arte para lograrlo”. Aterciopelados Otra banda bogotana que siempre ha manifestado su interés por el planeta. Desde su álbum Caribe atómico han enviado un mensaje a favor de la protección de los recursos y el disco Río fue una declaración a favor del planeta. Héctor Buitrago, cofundador del grupo, también es el creador de Canto al agua, una iniciativa para crear conciencia sobre la importancia de preservar las fuentes hídricas. En 2008, la banda fue activa en la campaña del Referendo por el agua, que eventualmente se hundió en el congreso. Un canto al agua con Héctor Buitrago desde el Río Bogotá
Las dos agrupaciones colombianas que frentean la movida del tropicalismo electrónico, los nombres más célebres a la hora de construir el repertorio de las nuevas músicas colombianas, Systema Solar y Bomba Estéreo, se juntaron, por primera vez, para hacer una canción. Un himno fiestero para iluminarse, para carnavalear: ‘Carnavalera’. Por Fabián Páez López // Fotos: cortesía M3 Cada año, con la lectura del Bando, una especie de decreto leído por el alcalde de la ciudad y en el que se da vía libre al jolgorio, se da inicio oficial al precarnaval de Barranquilla. Las llaves de la ciudad son otorgadas a los reyes del carnaval, dos figuras que representan la disposición del pueblo desde la proclamación del decreto: el espíritu fiestero, recochero o raspacucayero se hace (aún más) protagonista en la vida de los barranquilleros. Luego viene la fiesta brava, los cuatro días de carnaval. Esa celebración, que desborda el tiempo ritual y que ha sido declarada oficialmente por la Unesco como Obra Maestra del Patrimonio Oral e Intangible de la Humanidad, tiene hoy un nuevo himno: Carnavalera, un tema orquestado por dos de los más célebres nombres del tropicalismo electrónico, un par de agrupaciones claves en la reinvención de la fiesta y del folclor colombiano: Bomba Estéreo y Systema Solar. Después de años intentando concretar una colaboración, de consolidarse en el frío bogotano y de encontrarse en giras por Europa y Estados Unidos, se reunieron en Taganga para cantarle al espíritu carnavalero. “Eso es lo que somos nosotros. De ahí viene nuestra música, del carnaval. Es la expresión más parecida a lo que somos nosotros como músicos porque mezcla culturas, razas, edades, el baile y es un asunto de peso. El carnaval marca cada una de las bandas, porque cada una es electrónica, pero su origen es el folclor”, cuenta Li Saumet, vocalista de Bomba Estéreo. (Vea también: La otra Barranquilla: la playlist alternativa del carnaval) Li, aunque nacida en Santa Marta, bailaba desde niña en una comparsa que organizaba su tío. El percusionista de esas comparsas solía ser Batata, ‘el tamborero mayor’, miembro de una de las dinastías de percusionistas más importantes y legendarias de la región Caribe. Hoy sigue participando en comparsas con nuevos mensajes. Carnavalera es, además de un tema bailable, un encuentro con los elementos que componen una de las celebraciones más importantes de Colombia: la percusión, el baile como ritual y el folclor Caribe. Cuenta Walter de Systema Solar que “el carnaval organiza la vida de todo el caribeño. Para mí, el carnaval no son solo cuatros días. Barranquilla los 365 días está conectada al carnaval. Primero, por la energía de prepararse para quienes son hacedores. Y segundo, porque usar la creatividad y la cotidianidad es la materia prima de todo lo que se muestra luego del carnaval: eso es estar atento viviendo y teniendo todo en cuenta todo para conectarlo. El carnaval no es solo desfiles y por eso también cuando las empresas privadas intentan comercializar una fiesta que es de arraigo popular, siempre va a ser inútil. Es como una energía que fluye por la cotidianidad de la gente del Caribe”. En los barrios, lejos de los reflectores y de las zonas de comparsas que han sido objeto de críticas por los cobros estratificados, todos los que están, “están carnavalizados, porque todo el mundo está feliz de sentirse bien, de sentirse en familia”. De ahí que, además de la alegría, carnavalear sea también adoptar una actitud crítica: “las organizaciones sociales buscan promover las reclamaciones pendientes con la administración pública: situaciones sociales que no están bien, los arroyos, la inequidad o la discriminación. Ahí se muestran y se evidencian esas denuncias, pero con energía creativa. Esa es la característica de cómo se vive el carnaval en el barrio.” Déjese contagiar por la alegría y póngase en modo carnavalero
Disney tiene una larga lista de personajes que transitan muy bien por la fantasía, princesas, hadas, seres mitológicos y héroes. Pero sus villanos son legendarios, los antagonistas perfectos, algunos tienen club de fans y logran despertar más admiración y devoción que los buenos de la película.Maléfica en La bella durmiente, La Reina Malvada en Blanca nieves y los siete enanitos, El capitán Garfio en Peter Pan, Shan Yu en Mulán, Úrsula en La Sirenita, entre muchos más, que demuestran que para completar historias fantásticas se necesita luchar contra la maldadCruella de Vil en 101 dálmatas hace que la vida de perros sea otra cosa. Amante de las pieles y de la vida glamorosa, su personaje se desarrolla en una época más real. Glenn Close le dio vida al personaje en 1996, cuando llevaron el live action al cine. Emma Stone, será Cruella , una de las películas más esperadas del 2021.El personaje de Cruella de Vil se lo debemos a la escritora Dodie Smith, actriz fracasada, que dedicó gran parte de su vida a escribir obras de teatro y novelas, su novela 101 dálmatas fue adaptada por Disney en 1961.101 dálmatas está basado en episodios reales que vivió la escritora, tenía un perro llamado Pongo, el padre dálmata que apareció en la película en 1961. Dos años antes de escribir la novela tuvo cachorros en su casa. La película animada consiguió la admiración de la escritora por el resultado que Disney logró con su historia.Marc Davis es el encargado de crear el personaje de Cruella de Vil para la película animada. En sus manos nacieron personajes como Blancanieves y los siete enanitos (1937), Cenicienta (1950), Alicia (en el país de las maravillas, 1951), Tiker Bell de Peter Pan (1953) y Maléfica de La bella durmiente (1959). El personaje de Cruella de Vil fue un reto para el diseñador, quería que fuera más real y moderno."Tenía varios modelos parciales en mente cuando dibujé a Cruella, incluida una mujer que conocí que era simplemente un monstruo: era alta y delgada y hablaba constantemente. Quería que el personaje se moviera como alguien que no te gustaría. Cruella es mala pero ridícula, loca y egoísta. Ella nunca se detiene a pensar. No imagino que asesinar perros haya estado nunca en su mente, todo lo que vio fueron los abrigos de piel que quería hacer con ellos" afirmó Marc Davis en una entrevista en Los Angeles Times.Marc Davis no estaba trabajando de cero el personaje de Cruella de Vil, siguió y mejoró las ilustraciones de las gemelas Janet y Anne Grahame Johnstone que ya habían creado para la novela de Dodie Smith. Davis invitó a la actriz Mary Wickers para que le diera voz a Cruella, de esa forma probó el personaje y terminó de construirla.La voz de Cruella de Vil en la película animada la hizo la actriz Betty Lou Gerson "En la primera sesión de grabación, me dijeron que viera qué se me ocurría. No quería que Cruella fuera totalmente aterradora como Maléfica, así que la interpreté con un toque de humor en mi voz. Muchos de los villanos de Disney son realmente aterradores, pero creo que Cruella es más cómica que malvada” afirmó la actriz en una entrevista para Los Ángeles Times.Cruella de Vil es un personaje que se ha movido muy bien en diferentes décadas. En 1996, 101 dálmatas con Glenn Close, la actriz vuelve a protagonizar en el 2000, 102 dálmatas. En 2015 Disney Channel hace una película para televisión Descendientes, protagonizada por la actriz Wendy Raquel Robinson, se convirtió en la primera afroamericana en darle vida a Cruella. El 28 de mayo de este 2021, terminará la espera para comprobar si Emma Stone hará honores al personaje de Cruella. La película se desarrolla en los 70 en Londres y contará un poco la vida de la villana en su juventud, antes de convertirse en enemiga de los dálmatas.
Dicen que perro que ladra no muerde, pero el refrán jamás aplicó para DMX. El rapero de Yonkers, Nueva York —que murió el 9 de abril de 2021, a sus 50 años, luego de pasar sus últimos días inconsciente tras un paro cardiaco—siempre tuvo los colmillos afilados listos para el ataque y un ladrido potente (y melódico) que, junto con sus barras llenas de dolor y lucha, lo encumbró como una leyenda del hip hop y, en un momento, el MC más grande del mundo: su récord de cinco álbumes seguidos que debutaron en el número uno en ventas sigue imbatido en el rap, y probablemente así se mantendrá por siempre.Por Santiago Cembrano | @scembranoParadójicamente, lo que diferenció a DMX desde su debut It’s Dark and Hell It’s Hot (1998) fue lo oscuro y agresivo de su música, a través de la cual buscó exorcizar los problemas que lo atormentaron hasta las últimas. Mientras que, en el panorama confuso tras las muertes de 2Pac y Biggie, Diddy y Bad Boy hacían canciones extravagantes sobre los placeres de la vida millonaria a partir de reconocibles samples ochenteros, las de DMX eran de cómo te iba a robar. Y, a la vez, mucho más que eso: había un delicado balance entre lo sagrado y lo profano. Junto con la violencia había espiritualidad cristiana, lucha por ser mejor y una vulnerabilidad dolorosa.¿Cómo la antítesis de lo comercial logró vender más que lo fabricado para vender? La respuesta está en la honestidad evidente en cada línea que ladraba, con la que estableció una conexión potente con cada uno de sus millones de oyentes, tan potente como la energía que inyectaba en cada canción, como si se aferrara al micrófono y a la vida con las mismas ganas. Tras el halo amenazante de cada track estaba el alma de alguien que desde que nació había conocido el día a día como una pendiente inclinada que le dificultaba cada paso. Y esa alma era casi palpable en su icónico registro, endurecido por su bronquitis asmática y la violencia que recibió y emitió a partes iguales.Bautizado por sus padres como Earl Simmons, desde niño se hizo amigo de los perros callejeros, con los que pasaba la mayoría de su tiempo. Era un niño desobediente y rebelde, y se entendía mejor con ellos —animales con la guardia alta, pero nobles y cariñosos— que con los humanos. Su padre se fue y su madre y los novios de ella solían golpearlo. Su infancia y adolescencia las pasó en hogares colectivos o en centros de detención juvenil. Como contó en su autobiografía E.A.R.L.: The Autobiography of DMX, robar se volvió su forma de comer y sobrevivir: “Me dedicaba a asaltar. Robaba tres veces al día: antes del colegio, luego del colegio y por la noche”. En esta misión no necesitaba arma, lo acompañaba su perro. Y su perro también le hacía los ad-libs en las batallas de rap con las que demostró su talento en su barrio a finales de los 80.Antes de rapear, hacía beatbox. Su nombre artístico lo tomó de la máquina de percusión Oberheim DMX. Su guía era el también rapero Ready Ron, que lo acogió bajo su ala como un hermano menor. Cuando tenía 14, recibió un blunt que Ready Ron le pasó. Fumó, pensaba que era marihuana. También tenía crack, y así empezó una adicción que lo persiguió y atormentó por décadas. “Las drogas eran un síntoma de un problema más grande. Hubo cosas que viví en mi niñez que simplemente bloqueé, pero solo puedes bloquear hasta cierto punto antes de quedarte sin espacio. Realmente no tenía a nadie con quien hablar de eso. Muchas veces hablar de tus problemas es visto como un signo de debilidad, cuando realmente es lo más valiente que puedes hacer”, dijo en el podcast de Talib Kweli, People’s Party.Nada le llegó fácil, un Sísifo en Yonkers empujando la piedra una y otra vez cuesta arriba. Nunca se rindió, con el rap como salida de esas arenas movedizas. Esa ambivalencia entre adicciones, robos y la redención que buscaba desesperadamente la plasmó en sus discos. Nada le llegó fácil, ni en el rap. Luego de que apareciera en la sección de “Unsigned Hype” de la revista The Source en el 91, fue firmado por Ruffhouse, pero no duró más que un par de sencillos. Tuvo que esperar varios años para su segunda oportunidad, que llegó con Def Jam, luego de una racha de colaboraciones que demostró su potencia y carisma, así como su habilidad por prender el fuego desde la primera oración que escupía en el micrófono. Ma$e, The Lox, Mic Geronimo y LL Cool J fueron algunos de los artistas que lo invitaron a sus tracks, que mejoraron inmensamente con su presencia.En mayo del 98 lanzó It’s Dark and Hell Is Hot, una compilación hardcore de relatos callejeros y lamentos profundos propulsados por una producción tan enérgica como su voz, de la que se hizo cargo, principalmente, Dame Grease. La portada roja sangre y el título ya indicaban hacia dónde iba a tirar el trabajo. Así lo confirmó, por ejemplo, “Damien”, un track sobre la toma de decisiones entre tentaciones y plegarias, sobre la guerra contra sí mismo y su entorno. Un tema con la energía de una tractomula como “Ruff Ryders’ Anthem” (ubicua en barberías y playlists de ejercicio, e himno del sello que representaba y lideraba) explicaba su situación “Todo lo que conozco es dolor/Todo lo que siento es lluvia/¿Cómo me mantengo?”. Aún hoy el álbum mantiene ese vigor y esa complejidad, que invita a pensar dos veces antes de juzgar a las personas como buenas o malas.Tras el éxito de su primer disco, Lyor Cohen, ejecutivo de Def Jam, le hizo una propuesta que no pudo rechazar: se llevaría un millón de dólares si le entregaba a la disquera un álbum nuevo en un mes. Lo hizo, y en diciembre del 98 DMX publicó Flesh of My Flesh, Blood of My Blood. En la portada, DMX seguía cubierto de sangre, como si acabara de salir del averno o de asesinar lentamente a más de un humano. Muerte en las calles, pesadillas y sufrimiento de por vida fueron las temáticas del disco, junto con la siempre presente aspiración espiritual de salvación. Así completó uno de los años más exitosos, a nivel comercial y según la crítica, de la historia del rap.A pesar del éxito sin precedentes de su primer año, su trabajo más vendido llegó en 1999 con ...And Then There Was X, propulsado por sencillos como “Party Up” y “What’s My Name”, en la que empieza afirmando que no es una buena persona. Junto con su exploración cinematográfica de esa época (protagonizó Belly de Hype Williams y apareció en varias películas más), su fama y reconocimiento estaban en sus niveles más altos. Y el dolor nunca se fue, como lo consignó en el título de su siguiente disco The Great Depression (2001). Con Grand Champ (2003), cerró su racha dorada de cinco trabajos en el número uno y se retiró por unos años. Volvió con Year of the Dog … Again (2006) y luego Undisputed (2012), pero no pudo recobrar la atención masiva del inicio. El panorama del rap de esos años era cambiante y en transición y, si le creemos al refrán, no le puedes enseñar trucos nuevos a un perro viejo.La energía oscura y violenta de sus canciones no era solo un tema artístico. Ya como súper estrella fue arrestado por distintos cargos de armas, robo, drogas, violencia y violencia animal. En 2018 fue sentenciado a un año de cárcel por evasión fiscal. Y nunca pudo librarse de la adicción y el abuso de sustancias, a pesar de varios intentos de rehabilitación y sobriedad. Cuando salió de la cárcel, volvió a firmar con Def Jam. No alcanzó a vivir para publicar su nuevo álbum, que incluiría colaboraciones de Bono, Pop Smoke y Griselda. La lucha que planteó en “Slippin’”, uno de sus sencillos icónicos, no acabó. Su determinación por vencer frente a los obstáculos tampoco: “Me estoy resbalando, me estoy cayendo, no puedo pararme / Me estoy resbalando, me estoy cayendo, tengo que pararme / Ponerme de pie para destruir esta mierda”.Su música y su vida fueron contradictorias. Un balance de su carrera muestra que era explosivo, arrogante, introspectivo y sagaz, muchas veces todo a la vez. En sus canciones hay amor, miedo, rabia, alegría, tristeza, energía y violencia. Siempre fue auténtico, y el éxito masivo nunca implicó ponerse bozal que acallara sus ladridos o evitara que sus mordidas desgarraran. Esto se hacía presente en sus presentaciones en vivo, legendarias por su poderío y dinamismo: se conectaba con el público como con pura fuerza de voluntad. La imagen de una multitud de miles en Woodstock del 99, pogueando mientras X rapea con un overol rojo, una mirada determinada y un paso alegre, hace parte de las memorias del álbum familiar del hip hop.En “24 Hours To Live”, de Ma$e, DMX consideró cómo sería el final de su existencia. Lo hizo con violencia, remordimiento y esperanza: “He estado viviendo con una maldición, y ahora todo va a acabar / Pero antes de que me vaya, saluda a mi pequeño amigo / Pero tengo que hacerlo bien, reconciliarme con mi madre / Tratar de explicarle a mi hijo, decirle a mi mujer que la amo”. Era 1997. De cierta forma, en la ferocidad de su rap parece haber escondida una certeza de que estaba viviendo tiempo prestado. Quizás por eso, a pesar del dolor, se acercó a la vida con tanta alegría: tras su muerte han surgido videos de él bailando en la calle, en una boda de albaneses y con canciones de Michael Jackson. Que no se olvide su lado más alegre y jovial.Su búsqueda vital fue la de la tranquilidad. ¿La alcanzó? le dijo a su colega Noreaga en un episodio de Drink Champs: “Si me muriera ya, mi último pensamiento sería que viví una buena vida”. Al final, todos los perros van al cielo.
Mucho se habla del impacto que ha tenido la cultura japonesa en Latinoamérica. Desde el anime, pasando por la arquitectura hasta las actuales vtubers, pero ¿les sorprendería saber que hubo un grupo salsero japonés que saltó al estrellato? Esta es la historia de La Orquesta de la Luz.Por Juan Camilo Ospina DeazaPara hablar de la relación entre la música latina y Japón es necesario hacer un sobrevuelo por el magnetismo cultural y los flujos migratorios que conectaron a las faldas del Monte Fuji con los senderos que conducen a Monserrate. Por ejemplo, fueron las letras las que atrajeron a los primeros inmigrantes japoneses. Más específicamente: las descripciones que hizo Jorge Isaacs en su novela María (1867) de la hacienda El Paraíso y sus alrededores, en pleno Valle del Cauca.La historia está bien documentada. Fueron esas imágenes las que cautivaron tanto la curiosidad de un grupo de migrantes que terminó por convertirse en la primera colonia nipona en territorio colombiano, en la década de 1920. Uno de ellos, el jardinero Tomohiro Kawaguchi, es, de hecho, el primer migrante japonés en Colombia de quien se conoce su nombre y oficio.Fue entre 1929 y 1935 que tres grupos de japoneses que venían con la intención de establecerse en el Cauca ingresaron por Buenaventura. Eran en total 159 personas, la mitad de las cuales tenía menos de 14 años. Mientras que en 1984 la población de latinoamericanos residentes en Japón sólo llegaba a 4260 personas, en 1990 aumentó a 72.673 y en 1995 se había triplicado a 223.812. Estas migraciones fueron estimuladas por Japón, pues acababan de abrir sus fronteras para que sus nacionales pudieran irse del país y les resultaba estratégico para el fortalecimiento de las relaciones internacionales y los negocios.Ya en la isla se pueden encontrar muchos artistas que han sido cautivados por los ritmos latinos. El tango, por ejemplo, llegó durante el periodo conocido como Democracia Taisho (1912-30) con la llegada de marineros argentinos a las costas niponas.Para la apropiación del tango fueron fundamentales la Orquesta Típica de Tokyo y la famosa cantante Ranko Fujisawa. Como explica el historiador Hosokawa: “los ritmos sudamericanos fueron percibidos como muestra de la pasión latinoamericana”.La rumba (de origen cubano) entró a Japón gracias al hit El Manicero, de Moisés Simons. Uno de los temas más populares entre europeos y estadounidenses que tenían negocios con los japoneses. El cine Hollywoodense fue, desde luego, otro de los vehículos para que los japoneses escucharan a los músicos cubanos.Sin embargo, al hablar de la música latina en Japón no podemos olvidar a Los Turpiales, una banda de latinos migrantes en Japón, compuesta por un argentino, un colombiano y un brasileño.Ellos comenzaron a tocar boleros al estilo puertorriqueño, mexicano y canciones populares brasileñas en parques de la ciudad y estaciones de tren. A medida que su repertorio se hizo popular, fueron invitados a actuar en lugares formales y desarrollaron una pequeña base de fans.Álvaro Ríos, el cantante colombiano de Los Turpiales, fue invitado a cantar con los Tokyo Cuban Boys, un grupo que tocaba música cubana desde la década de 1940. Roberto Pino, otro miembro de la banda de Argentina, se convirtió en DJ en una estación de radio de Tokio y, eventualmente, produjo un programa de radio latino, especializándose en lo que él llamó "música tropical bailable”. Sobre la salsa ya veremos el impacto de La Orquesta del Sol y La Orquesta de la Luz.En épocas recientes, las colaboraciones musicales entre Japón y Latinoamérica se han intensificado. Desde Martha Cecilia Yokoi (que ha dedicado su vida en este país a la misión de divulgar la cultura colombiana a través de su grupo musical Fiesta Esmeralda), pasando por el Minyo Cumbiero (el proyecto del Frente Cumbiero con Minyo Crusaders) o el junte entre el músico experimental ibaguereño Julián Mayorga con el japonés Ryota Miyake, Flash Amazonas, hasta artistas japoneses que tocan ritmos latinos y afrocaribeños como Ska Flames, Nahki (Reggae), Lisa Ono (bossa nova), Lucia Shiomitsu (Paraguayan harp) y Ranko Fujisawa (tango). Y ni qué decir de las influencias japonesas en Colombia. Se puede rastrear un círculo de nicho de J-rock de bandas colombianas como Kira, Damask, Soryu, Eikon Klaein, RAION, Neko Machine, Ragnarok, Invaders Must Die (IMD) y Merlotte.Los miembros de las bandas colombianas de J-rock aman la cultura japonesa, a pesar de no conocer del todo el idioma. Su repertorio es, en su mayoría, en español y en inglés, pero cuando acuden al japonés lo hacen usando el rōmaji, un sistema que convierte los sonidos japoneses al alfabeto romano.La salsa en JapónEntre tantas idas y vueltas la salsa (que bien sabemos ha anidado particularmente en Nueva York, Puerto Rico, Cuba y Colombia) ha sido, sin duda, la escena latina más extendida en Japón. Hoy hay una movida que conjuga bares, escuelas de baile y eventos.Desde principios de los 90, de hecho, también se establecieron festivales de música latina en Japón con salsa y merengue, como el Festival de Baile Latino o el Día anual de la Salsa (sannmarusan) en Tokio; y el Festival Latino de la Isla de la Salsa en Fukuoka.Además de los festivales, la productora Japonicus de Shogo introdujo la cumbia en la escena alternativa con sus propias noches: Rebel Fiesta Party, Pachamama y Clandestino. Esto propició también el desarrollo de una escena cumbia local con bandas como DF7B, Rojo Regalo, Tequila Cokes, Copa Salvo, Real Thing, Mexican Club Band, Los Oxxos Sexos e incluso tiendas de discos locales como Discos Papkin.La Orquesta del Sol (OS) y La Orquesta de la Luz (OL)En cualquier caso, no hay duda en que dos nombres resuenan sobre los demás en este panorama. El primero de ellos es el de La Orquesta del Sol, que tal vez no hubiera existido si no es porque Tito Puente y la Fania All Stars recorrieran Japón desde los 60.Gracias a estas visitas "Pecker" Hashida creó en 1978 la Orquesta del Sol, el primer grupo de salsa japonés.El segundo de ellos es la La Orquesta de la Luz, formada por Nora Suzuki (también cantante de La Orquesta del Sol) a mediados de los 80.Cerca de 1987, Suzuki ahorró y viajó sola a Nueva York para buscar managers que pudieran financiar un tour para la Orquesta de la Luz en esa ciudad. Esta decisión, según Nora, marcó la diferencia entre La Luz y la Orquesta del Sol, que no se hizo tan famosa fuera de Japón.En esta visita logró contactarse con Richie Bonilla, famoso por lanzar las carreras de Willie Colón y Héctor Lavoe. Así describió el encuentro Nora a BBC Mundo:"Escuchó el casete, le enseñé las fotos de La Luz y entendió que éramos una orquesta japonesa que tocaba salsa. Primero no lo podía creer. Estaba muy sorprendido (…) Le dije que tocar nuestra salsa en Nueva York era nuestro sueño y me prometió que organizaría presentaciones de la Orquesta en vivo".Aunque la banda de la Luz gustó mucho, Bonilla les puso una condición: el grupo debía pagarse sus pasajes a Nueva York. Ellos tuvieron que ahorrar US$2.000 por cada uno, en lo que tardaron más de dos años.Solo tuvieron que aterrizar en Nueva York y llenaron todas las plazas en las que tocaron. Cuenta Bonilla que "Cuando vinieron, la salsa estaba por el piso, a causa del merengue. Pero cuando La Luz apareció en escena, todo el mundo quería verlos”. Este éxito les aseguro la posibilidad de grabar su primer disco. "Entonces Ralphie dijo 'que alguien los grabe en Japón y yo los distribuyo'", cuenta Bonilla.A esta tarea mandaron a Sergio George, quien afirmaba que “la comunicación fue completamente en inglés o en japones, nada de español, en español solamente era ella cantando, pura fonética, no sabía lo que decía”.La grabación fue un reto ya que ¡en Japón no existían lugares donde se pudiera grabar salsa! El disco salió en Japón con el sello BMG Víctor y RMM lo distribuyó en América Latina en 1990.El álbum encabezó la lista Billboard de música latina durante 11 semanas. George produjo otros dos álbumes de La Luz en Japón: Salsa no tiene frontera y Somos diferentes. En 1993 La Luz recibió la Medalla de la Paz de Naciones Unidas. La primera mitad de los 90, Bonilla organizaba tres tours, de cinco semanas al año, por varias ciudades de Estados Unidos, Europa, y países de América Latina y el Caribe como Perú, México, Puerto Rico, Colombia, Venezuela, Panamá, Ecuador, Chile, Costa Rica, Guyana Francesa, Martinica, Aruba, Curacao, Saint Marteen. Pero volvieron a juntarse en 2002 y desde entonces siguen actuando juntos en Japón y otros países.En 2019 lanzaron un álbum para celebrar su aniversario número 35, Gracias Salseros, y desde 2015 tienen un plan para "latinizar Japón". Apenas unos meses después de lanzar su primer disco, la Orquesta De La Luz tocó en uno de los escenarios más importantes del mundo: el Madison Square Garden, en Nueva York.En el concierto, ocurrido en 1991, no solo cantaron el que ya era su gran éxito, Salsa caliente del Japón, sino que compartieron micrófonos con dos leyendas del género: Oscar D'León, el faraón de la salsa, y Tito Puente, "el rey de los timbales".A La Luz no le llegaron críticas por su música como se puede pensar hubiera ocurrido hoy, cuando más se discute sobre la apropiación cultural. Sin embargo, su experiencia pone en evidencia algunas de las tensiones internas de la salsa. Un género profundamente narrativo, que cuenta historias de amor, vivencias cotidianas, luchas de opresión y, como explica la analista Luisa Fernanda Coy, profundamente relacionado con la identidad latinoamericana.Esta tensión la vivieron tan a flor de piel que los nombres de sus hits discuten esa relación entre ritmo y tierra de nacimiento: Salsa no tiene frontera y Salsa caliente del Japón. Esta última se puede interpretar como una carta de presentación del grupo en la que se cuenta la historia de la Orquesta de la Luz y afirman que “no importa de dónde sean, ellos tienen ritmo y corazón”.Frente a este panorama uno podría preguntarse ¿Cómo puede un no-latino cantar salsa? ¿pueden los japoneses ser “verdaderos” salseros?”. Tal vez esta pregunta no es tan inocua cuando se tiene en cuenta el orgullo con el que los “locales” se burlan de aquellos que intentan bailar salsa y no tienen el “swing”, o como se plantea desde algunos sectores “es que eso se lleva en la sangre”.Desde otro ángulo, el analista Shuhei Hosokawa afirma: “OL, en cambio, despolitiza y deserotiza la salsa con el propósito de la recepción internacional”. Para Hosokawa, La Orquesta de la Luz se desmarca de las características propiamente étnicas de la salsa y esto se ve reflejado en su distanciamiento de la llamada “salsa romántica”; es decir, salsa con letras sensuales y arreglos de influencia bolero. En cualquier caso, el aparato industrial de apropiación ha sido dispar en ambas vías. Mientras los productos culturales japoneses se han convertido en objetos de consumo masivo en Latinoamérica, no ocurrió lo mismo en la dirección opuesta, a pesar de intentos como el de La Orquesta de la Luz.
Aquí estamos, como de costumbre, con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial completo con reseñas de discos colombianos (álbumes de estudio y EP) para que conozcan y se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo a los mejores temas y álbumes nacionales del 2020 en este especial. En esta oportunidad les presentamos Lenguajes iguales de Lady Arias.Lenguajes iguales -Lady Arias.¿Quién está detrás? Lady Arias ha soñado desde pequeña con vivir de la música, entiende que tiene una voz armónica, pero con el paso de los años ha pulido su forma de componer. Este tema es, de cierta forma, su debut en la industria colombiana. Fue participante del concurso de tv Factor X y ahora quiere demostrar que su impacto tiene más duración que el reality.¿De qué trata? En Lenguajes Iguales la cantautora utiliza todas sus armas para retratar el contacto mágico y enérgico de la sexualidad. Ella lo describe como “una canción para oídos sexualmente sensibles, mentes abiertas y cuerpos comunicativos”.¿A qué suena? La cantante nacida en Yopal lleva esta canción sus influencias musicales. Un poco de soul, otra pizca de R&B y cierta dosis de pop latino.¿Sobre el video qué? Se rodó en Yopal, capital de Casanare, y ciudad donde nació la artista. Fue dirigido por David Puentes en colaboración con Lady Arias. Una pieza audiovisual donde se abordó el concepto de resonancia límbica y la conexión que se genera a través de los sentidos, el alma, el cuerpo y la mente, esa que va más allá del género, la raza, el color de piel o la identidad sexual.¿Cuándo escucharla? Pronto Yopal va a estar en la mira de todos por el talento de Lady, su voz, interpretación y concepto artístico. Vamos a estar atentos a esta llanera.Para ver | Colectivos de mujeres que cambian el panorama de la música.¡La música nos une!
Aquí estamos, como de costumbre, con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial completo con reseñas de discos colombianos (álbumes de estudio y EP) para que conozcan y se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo a los mejores temas y álbumes nacionales del 2020 en este especial. En esta oportunidad les presentamos Uno de Ali A.k.a Mind.Uno - Ali A.k.a Mind¿Quién está detrás? Ali Rey Montoya en Bogotá y ha recorrido la ciudad de esquina a esquina. A los dos años se fue a vivir a una plaza cercana, Soacha, donde estudió sus primeros años de colegio y jugó fútbol. Colgó los guayos y empezó a rodar en skate. Luego el rap lo encontró, lo rescató de una depresión y empezó a grabar canciones. Hoy por hoy es uno de los rostros más conocidos del género en colombiano.¿De qué trata? Ali se presenta esta vez como un guerrero que guarda cicatrices de grandes batallas. Es el inicio de una aventura y el ocaso de una rutina, es la combinación del mundo de ALI y su alter ego Manjit, la fusión del amor, la paz, la salud, la gratitud y la fe, todos estos elementos propios de su ideología y su universo creativo.¿A qué suena? Para este track, Ali convocó al ganador de Latin Grammy Kiko Castro, en conjunto con T-Chord en el beat, JBeat en el master y la mezcla y los scratches por DJ J.L.P, en la producción ejecutiva Maind Pro. Una calidad muy alta, con aliados estratégicos.¿Sobre el video qué? El director Santiago Diaz Vence junto a Pivote Cine y Luis Celedón, fueron los encargados de darle vida al visual de la canción. Cuenta con la participación especial de Alejandro Riaño y allí interpreta al director de un comercial, un tema que se integra con el resto de la narrativa para contar una historia con tinte cinematográfico.¿Cuándo escucharlo? Esta obra que transita por lugares profundos del alma y la mente. Es ideal para escuchar muy temprano, en esos momentos donde la mente está más despejada y menos ocupada.Para ver | Ali A.K.A. Mind, Nanpa Básico y LosPetitFellas hablan sobre el rap latino - Videogalería Shock¡La música nos une!