The Suicide Squad, dirigida por James Gunn, ya ha recibido más reseñas positivas en el portal Rotten Tomatoes que cualquier otra película de DC o Marvel que se ha estrenado antes. Su llegada a los cines será el próximo 5 de agosto. La cinta se basa en los villanos de DC, que hicieron su primera aparición en los cómics en 1959. En la película vemos de regreso a miembros originales como Margot Robbie, así como nuevas incorporaciones como Idris Elba como Bloodsport, John Cena como Peacemaker y Sylvester Stallone como la voz de King Shark. Su primera versión, estrenada en 2016, fue un éxito de taquilla, aunque no tuvo mucho éxito con los críticos. Se llevó un Óscar en la categoría de Mejor maquillaje y peinado. Al 29 de julio, el filme tiene 63 reseñas en Rotten Tomatoes y tiene un 97% de aprobación en el sitio, seguida de cerca por The Dark Knight, con un 94. Así van las más populares del sitio de los personajes de DC Comics. The Suicide Squad – 97 %The Dark Knight – 94%Superman – 94%Wonder Woman – 93%Shazam! – 90%The Dark Knight Rises – 87%Superman II – 86%Batman Begins – 84%The Suicide Squad con su 97% también le va ganando a varias de las más populares de Marvel. Black Panther – 96%Avengers: Endgame – 94%Iron Man – 94%Thor: Ragnarok – 93%Spider-Man: Homecoming – 92%Guardians Of The Galaxy – 92%The Avengers – 91%Spider-Man: Far From Home – 90%Captain America: Civil War – 90%La cinta de James Gunn ha tenido reacciones muy positivas por parte de la crítica. "The Suicide Squad es tan divertida, irreverente y violenta como se prometió. Sin embargo, lo que más me gustó fue su corazón. Gunn realmente equilibra lo tonto y lo serio de una manera que los dos se complementan realmente bien", afirmó el periodista Germain Lussier.
Sin duda Joker (Guasón) fue una de las películas más importantes de 2019: fue un éxito de taquilla, recibió 11 nominaciones a los Premios Óscar y ganó como Mejor banda sonora original y Mejor actor principal (Joaquin Phoenix). También fue el disfraz más popular de Halloween y una pesadilla para quienes vivían cerca a sus locaciones. Aunque en noviembre de 2019 varios medios informaron que una secuela de la cinta no estaba en planes, The Hollywod Reporter (THR) no descarta que una segunda parte de la cinta de Todd Phillips se encuentre en proceso. THR publicó recientemente un artículo sobre la búsqueda de un director para el próximo Superman. En el texto se menciona que Warner Bros. tiene en desarrollo una "planeada" secuela de Joker. Hasta el momento, no hay ninguna confirmación oficial al respecto. Lo cierto es que, según la publicación, Joker se mantendrá independiente y no formaría parte de un eventual "multiverso" de D.C Comics. Además de The Flash, el universo DC entonces tiene varias novedades, con el Escuadrón Suicida de James Gunn prevista para agosto de 2021, The Batman, protagonizada por Robert Pattinson (marzo de 2022) y The Flash (prevista para noviembre 2022)."Cuando una película gana mil millones de dólares y cuesta 60 millones, por supuesto que surge (la idea de una secuela)", dijo Phillips a Deadline en diciembre de 2019. “Pero Joaquín y yo realmente no lo hemos decidido. Estaban abiertos. Quiero decir, me encantaría trabajar con él en cualquier cosa, francamente. Entonces, ¿Quién sabe? Pero tendría que tener una resonancia temática real de la forma en que lo hizo este, en última instancia, sobre el trauma infantil y la falta de amor, y la pérdida de empatía. Todas esas cosas son realmente las que hicieron que esta película funcionara para nosotros, así que tendríamos que tener algo que tuviera la misma resonancia temática ", añadió el director.
En 2014 fue el estreno de Gotham, una serie que nos muestra los orígenes de algunos de los personajes del universo de Batman y DC Cómics. Tuvo gran éxito con los fans y la crítica, que la llamó “una versión más estilizada del mito de Batman”. Oscura y muy intrigante, Gotham fue llamada “una serie de superhéroes sin superhéroes” que permitió explorar el origen de algunos personajes icónicos. Terminó en 2019. El actor David Mazouz interpretó a Bruce Wayne en esta serie, y desde muy joven ha tenido papeles pequeños en series como Padre de familia o The Office. Por su actuación en Gotham recibió una nominación a los Young Artist Awards, así como a los Kids Choice Awards, y Saturn Awards. Hablamos con él en el marco de su participación en el FICCI.¿Cuál fue el mayor reto para interpretar a Bruce Wayne?No fue tan retador, pero sí fue una oportunidad muy emocionante. La verdad tenía solo 12 años cuando me gané el papel, nunca sentí la presión ni entendí lo que implicaba hacer un personaje que los fans han admirado por 75 años y que por eso esperaban algo de mí. Para mí fue más como “me gané este papel, está muy cool, voy a ser Batman, haré lo mejor y será genial” y así fue.Nunca sentí esa presión y eso fue muy bueno, porque sé que, si hubiera obtenido el papel ahora, me habría preocupado mucho, pero en términos de cómo lo hice, realmente no sentí la responsabilidad, porque no me sentía como el único haciendo el personaje. Tuve mucho poyo de los escritores, productores y mis compañeros de elenco. También tuve inspiración de las películas y los cómics, así que solo tuve que hacer mi trabajo. ¿Eras fan de Batman antes de hacer la serie?No necesariamente, pero una vez me gané el papel empecé a investigar, solo para saber qué estaba haciendo y me convertí en un gran seguidor. Ahora sí me considero fan y leo cómics por diversión, porque me encanta. Te podría mostrar los cómics y figuras de acción que tengo en mi habitación, genuinamente hoy soy fan de Batman y DC. Cuando salió el Snyder Cut, estaba muy emocionado por eso y fue genial.¿Tienes algún modelo a seguir en tu carrera?Mucha gente: Christian Bale es uno de ellos, ayudó que él hiciera este personaje justo antes que yo, Leonardo DiCaprio también ha sido uno de mis referentes, casi cualquiera que sea bueno en su trabajo lo voy a admirar. A Edward Norton también lo he visto recientemente. Pero sin duda Christian Bale y Leonardo DiCaprio siempre me han parecido soberbios y transformadores. Casi que no los reconoces en sus papeles, y ese es el nivel que quisiera tener.Tras tantas décadas, ¿Por qué crees que la gente sigue disfrutando tanto las historias de Batman?Siento que sé la respuesta porque es la razón por la cual me siento conectado con Batman. Es porque el personaje trae un sentido de habilidad en las personas. Cuando miras los hechos, Bruce Wayne es una persona normal, sin ninguna habilidad especial: no estuvo en un laboratorio, o un accidente, ni viene de otro planeta, ni es Dios. Al mismo tiempo, opera al mismo nivel que estos héroes que sí pasaron por eso.En Snyder Cut se hace muy claro. Es un ser humano, pero al mismo tiempo, es un miembro de La Liga de la Justicia y no solo eso, sino que es el creador de La liga de la Justicia y tal vez sea el más poderoso de todos. Batman me dice a mí y les dice a todas las personas que a veces miran a grandes figuras en el mundo y piensan que nunca podrán estar a su nivel, que sí puedes y tienes la habilidad de trascender tu humanidad y convertirte en más de una persona: una idea que la gente pueda admirar, y los criminales puedan temer y pueda ser una pizca de esperanza. Eso es lo que significa Batman para la gente él: que si pones tu mente en algo, vas a lograrlo, sin importar lo inconcebible que parezca.¿Qué crees que aportó Gotham al universo de Batman?Algo que siento que la serie logró muy bien, entre muchas otras cosas, fue conectar a los personajes y que pasaran, de gente normal a encontrar su camino individual de trascendencia y convertirse en más que una persona, operan a un nivel de cómic.Eso no es solo para alguien como Bruce Wayne, sino los villanos también, alguien como El Pingüino. Cuál es el dolor y qué fue lo que tuvo que experimentar para convertirse en alguien tan despiadado y miedoso como es él. Eso lo vimos en la temporada 5, mientras que en la temporada 1 era un chico normal. Podría dar este ejemplo para cada personaje y eso es lo genial de la serie: toma a cada persona, de humano a idea. La mayor parte de películas y series de Batman se concentran en la versión que trasciende de cada personaje, pero lo interesante de Gotham es que le dio raíces humanas, la serie demostró cómo la gente puede convertirse en esas versiones fascinantes.¿Cuál de los vilanos de Batman es tu favorito?The Joker. Heath Ledger, Joaquin Phoenix, Jared Leto hicieron hecho un gran trabajo trayendo este personaje a la vida. Hay mucho que este personaje puede traer, especialmente en la versión Heath Legder hay mucha filosofía, una especie de anarquía moralista. El mensaje del Joker es que todos decimos que tenemos valores porque la sociedad lo dice, pero casi nunca llegamos a vivir circunstancias en las que necesitemos poner a prueba esos valores. Tan pronto son puestos a prueba, solo nos interesa nuestra propia supervivencia, es algo sumamente interesante. El Joker es la antítesis perfecta de Batman, por eso es mi favorito.
El pasado 18 de marzo, el mítico ‘Snyder Cut’ de Liga de la Justicia finalmente fue lanzado mediante HBO Max y otros servicios de streaming. Nosotros ya hablamos de la curiosa historia detrás de esta versión de la película que se estrenó originalmente en 2017, así que nos vamos a enfocar en el futuro. ¿Qué sigue para Universo Expandido de DC? ¿Restaurarán el llamado ‘Snyderverso’? ¿Qué pasó con el movimiento en línea que hizo posible que este nuevo montaje llegará a ojos del público?Por: Julián Ramírez // @Sir_LagunaLa reacción crítica y de los fanáticos a La Liga de la Justicia de Zack Snyder ha sido generalmente positiva. Aunque tuvo una notable cantidad de comentarios negativos que se enfocaron en sus efectos especiales, exagerada duración, poco desarrollo de algunos personajes e inclusión de escenas innecesarias, la mayoría están de acuerdo en que es una mejora considerable sobre la versión que llegó a los cines y cuya dirección fue terminada por Joss Whedon.Por si no lo recuerdan, la existencia de esta nueva versión se debe en parte a la campaña #ReleaseTheSnyderCut. Este grupo de fanáticos no solo hizo presión en redes sociales y contactando directamente a los empresarios de Warner Bros. Pictures, sino que realizó campañas de donación a favor de la prevención del suicidio (el suicidio de su hija fue la razón por la que Snyder no pudo terminar la película) e incluso usaron vallas publicitarias.Las buenas reacciones hacia el ‘Snyder Cut’ no acabaron con este movimiento, sino que lo revitalizaron. Solo unas horas después del estreno de la nueva versión apareció en Twitter y otras redes sociales el hashtag #RestoreTheSnyderVerse (“Restauren el Snyderverso”), impulsado por muchos de los mismos usuarios de la anterior campaña.La trilogía de la Liga de la Justicia según Zack SnyderVerán. Este director tenía un plan determinado no solo para una, sino tres películas de Liga de la Justicia. De hecho, conocemos cuál es la historia de esta trilogía en la que las “pesadillas” de Bruce Wayne que vimos tanto en Batman v Superman como en el ‘Snyder Cut’ cobrarían sentido.Según reveló Snyder en una entrevista con Vanity Fair, Liga de la Justicia 2 se enfocaría en la batalla contra Darkseid, quien eventualmente encontraría la Ecuación Anti-Vida y la usaría para destruir la Tierra, creando el escenario apocalíptico que vimos en las visiones de Batman. También acabaría con la vida de Lois Lane, que —por alguna razón— tuvo un amorío con Bruce, dejando a Superman destrozado y convertido en un sirviente del villano.Esto continuaría en Liga de la Justicia 3, la cual hubiera involucrado viajes en el tiempo para impedir el apocalipsis. Batman se sacrificaría para evitar la muerte de Lois y todo terminaría con una gran batalla de los héroes de la Tierra contra las tropas de Apokolips lideradas por Darkseid para impedir que se apoderara de la Ecuación Anti-Vida. Snyder también planeaba incluir una escena final en la que, 20 años después, el hijo de Superman y Lois adoptaría el manto de Batman.¿Qué quieren los fanáticos con la campaña #RestoreTheSnyderVerse?Principalmente, buscan que Warner Bros. Pictures le devuelva a Zack Snyder el control creativo sobre las películas del Universo Extendido de DC. Ellos también han impulsado el hashtag #RestoreTheAyerCut, el cual quiere que le permitan al director David Ayer crear su propio montaje de Escuadrón Suicida, otra película muy mal recibida por la crítica y que es considerada parte del “Snyderverso”.Muchos de los fanáticos que participan en estas campañas no están contentos con el rumbo que están tomando las películas de DC. Consideran que filmes como Shazam, Aves de Presa y Aquaman, a pesar de haber sido mejor recibidas por la crítica que las películas supervisadas por Snyder, se alejan demasiado del estilo “serio y oscuro” que identificó a las primeras de la franquicia.El problema es que Warner ya dijo que no tiene ninguna intención de “restaurar el Snyderverso” ni de lanzar un “Ayer cut” de Escuadrón Suicida.En una entrevista con Variety, Ann Sarnoff —CEO de WarnerMedia Studios— dijo que La Liga de la Justicia de Zack Snyder es el final de la trilogía de superhéroes del director dentro de la franquicia en DC, confirmando que no piensan traer a Zack Snyder de regreso. Rechazó la idea del ‘Ayer Cut’ y condenó la toxicidad y comportamientos abusivos que tristemente marcaron gran parte de la campaña por la nueva versión.Pero los fanáticos se niegan a darse por vencidos.En las últimas semanas hemos visto cómo se disparó el uso del hashtag en redes sociales, superando el millón y medio de mensajes. La negativa de Warner no los desanimó porque, después de todo, inicialmente se habían negado a lanzar el ‘Snyder Cut’ y ya ven cómo terminó todo. Están seguros de que pueden lograrlo.Tristemente, no todas sus tácticas son amables.El fandom tóxico contraatacaLa campaña #ReleaseThe SnyderCut se había vuelto infame por culpa de fanáticos extremadamente groseros y desagradables. Muchos usaron el hashtag para acosar e incluso amenazar a aquellos que se atrevieron a criticar el trabajo de Zack Snyder o demostraron ser fanáticos de Marvel en lugar de DC. Como era de esperar, la campaña #RestoreTheSnyderverse heredó algunos de estos elementos negativos. Los insultos y el acoso comenzaron de nuevo contra algunos críticos y espectadores que hablaron mal del ‘Snyder Cut’.Otro ejemplo de comportamiento tóxico de la comunidad es el bombardeo de críticas. Por ejemplo, una buena parte de ellos decidió “castigar” a Warner Bros. por sus comentarios contra el Snyderverso dando malas puntuaciones y reseñas a Godzilla vs. Kong en sitios como IMDB.Esta definitivamente no es la forma más saludable de lograr lo que quieren.El futuro de las películas de DC ComicsPor ahora, parece que el Universo Extendido de DC continuará sin involucrar a Zack Snyder. En este momento se encuentran en producción The Batman, en la que el hombre murciélago será interpretado por Robert Pattinson y no por Ben Affleck; The Flash, que parece querer introducir el multiverso a las películas; El Escuadrón Suicida, que tendrá un tono más cómico que la versión anterior; Black Adam; las secuela de Shazam y Aquaman; Hourman y Zatanna, que será dirigida por la responsable de la nominada al Oscar Hermosa Venganza (Promising Young Woman).Como se ha podido ver, la mayoría de estas películas se alejan del tono oscuro que caracterizó los trabajos de Snyder durante su paso por DC. Es poco probable que, a pesar del recibimiento del ‘Snyder cut’, Warner quiera volver a un estilo que le trajo tantas críticas negativas y resultados inferiores de taquilla.Sin embargo, es difícil saber qué va a pasar en el futuro. Tal vez los fanáticos que siguen trinando el hashtag #RestoreTheSnyderVerse vean su sueño cumplido en algunos años.
Recientemente se dio a conocer el tráiler de la segunda parte de The Suicide Squad, que se estrenará en agosto de 2021. Hay bastante expectativa gracias a la llegada de James Gunn, director de Guardianes de la Galaxia. En el tráiler vimos a un villano que llamó la atención: Starro que, si bien no es tan conocido como The Joker o Harley Quinn, históricamente ha tenido un papel importante en este universo.Su nombre completo es “Starro el conquistador” y su primera aparición ocurrió en Brave and the Bold Vol. 1 #28 en 1960. En esta oportunidad, Superman, Wonder Woman, Batman, Green Lantern, Flash, Aquaman y Martian Manhunter se unieron para derrotarlo. En los cómics fue fundamental para la creación de La liga de la justicia.Su poder consiste en controlar las mentes creando miles de copias de sí mismo y pegándose a los rostros de sus víctimas. A través de cada uno de sus parásitos puede comunicarse telepáticamente con sus presas, controlándolas como si fueran marionetas. Starro también es capaz de regenerarse, puede volar, tiene 5 brazos con tentáculos y un ojo gigante en el centro de su cuerpo con el que puede absorber la energía de sus presas. Aunque parezca inofensivo, es sumamente poderoso y entre sus planes está conquistar la mayor cantidad de territorios y planetas posible.En su primer enfrentamiento contra La Liga de la Justicia fue derrotado con Quicklime, un producto usado para cuidar el paso. Sin embargo, dada su capacidad de regenerarse, logró curarse y hacer nuevas apariciones después de ello. Eso sí: una de sus principales debilidades es el frío extremo, pues ha sido derrotado varias veces al ser expuesto a él.Starro ha hecho varias apariciones en varias series de TV y videojuegos de DC Comics, como Superman: The Animated Series, Batman, the Brave and the Bold, entre otras. Su primera aparición en cine será en The Suicide Squad 2 de 2021. ¿Cómo creen que le irá?
Recientemente el portal estadounidense Deadline dio a conocer que Warner Bros. y DC Cómics se encuentran trabajando en una película del personaje Hourman, del universo de la icónica editorial. Según este medio, los guionistas Gavin James y Neil Widener, quienes estuvieron detrás de la reciente trilogía de El Planeta de los Simios, serán los encargados de escribir la cinta, que hasta el momento no tiene fecha confirmada de estreno.Hourman es uno de los superhéroes más antiguos. Su primera aparición ocurrió en Adventure Comics #48, en marzo de 1940. Este personaje fue creado por Ken Fitch y Bernard Baily. El nombre real de Hourman es Rex Tyler, un científico que creó una sustancia llamada Miraclo, que le otorga súper fuerza y súper velocidad por una hora. Por supuesto, Hourman decide usar sus poderes para combatir el crimen, pero pronto la historia se hace más compleja al plantear que el Miraclo es posiblemente una sustancia adictiva.En años siguientes, Hourman aparece regularmente en los cómics, también con el primer equipo de superhéroes de la Sociedad de la Justicia de América. Hourman fue miembro fundador junto a Linterna Verde y Hombre Halcón, pero fue sustituido por Starman en el número 8 de diciembre de 1941.Luego de la posguerra, su popularidad declinó, pero regresó en 1963 al equipo de la Liga de la Justicia, Desde entonces hizo pequeños cameos en cómics de otros personajes. Falleció en 1994, pero su hijo Rick continuó usando su nombre y pese a que su padre no estaba de acuerdo, también tomó Miraclo, que le causó leucemia. Esto no le impidió usar sus poderes para el bien. En cuanto a televisión y cine, padre e hijo han tenido pequeñas apariciones en series animadas como Justice League Unlimited o Batman: The Brave and the Bold. En 2013, se anunció que estaba en proyecto una serie en live-action de este personaje para el canal CW. Sin embargo, no se conoció nada más al respecto. Rick hizo su debut en live-action en la serie Stargirl.Rex y Rick nos son los únicos Hourman. En el siglo 853, un androide fue creado con el ADN de Rex. Su nombre es Matthew Tyler.
¿Cómo los cómics, además ser una fuente (casi infinita) de múltiples universos ficticios, lograron estructurar y sostener en el siglo XXI una industria tan poderosa como es la del entretenimiento? ¿Por qué Spider-Man sigue siendo un fuerte referente en la cultura pop? ¿Por qué se le considera uno de los superhéroes más grandes de la historia? Es momento de conocer al personaje más allá de su máscara.Por Nick Martínez // @NickXtaticEsta no es una profunda disección al personaje conocido como el Hombre Araña, pero sí es un viaje que va más allá de los muros de Nueva York y las telarañas, uno que examina aquellos autores clave que le dieron vida desde el primer día y que lo llevaron a un pedestal tal y como los griegos lo hicieron con los Dioses del Olimpo, pero en los cómics.Estas personas no son solo las que ponen palabras en las páginas, sino también los que han vestido a este superhéroe. Los que por su ingenio y capacidad de visualizar lo increíble, marcaron un antes y un después en la conceptualización desde aquella Era de oro de los cómics (1938-1955).No todo es gloria y grandes cantidades de dinero cuando se habla de cómics, en este caso Marvel. Intentar resumir este paisaje sobre cómo se ha llegado hasta este punto en la industria del entretenimiento y la cultura pop, dejando de lado sus competidores, es contar historias de más de 300 personajes en por lo menos 80 años, esto si tenemos en cuenta que Marvel una vez fue conocida como Timely Comics (1939-1950) y luego como Atlas Comics (1951-1961), para luego convertirse en Marvel Comics (1962-presente). Bastante dispendioso, ¿no?Los orígenes de Spider-Man nos remonta a 1962, en plena Era de plata del cómic (1956-1969), contar su historia, página por página, nos tomaría por lo menos mil horas de lectura sin parar. ¡SERÍA GENIAL, SÍ! Pero esto es solo si hablamos del impreso, recuerden que hay series animadas, películas y videojuegos. Dicho esto, profundicemos en aquellos que le dieron vida al “trepamuros” favorito de todos en estos casi 60 años de existencia del personaje.No podríamos empezar este viaje sin Stan Lee. Sí, el legendario Stan… "El hombre detrás del mito" como se le conocía popularmente. ¿Qué sería de Marvel sin su gran apoyo? Un hombre que en varios momentos se luchó lo que terminó convirtiéndose en un universo con infinitas posibilidades. Algo que han venido replicando otros autores y la competencia décadas después, por ejemplo, el caso de John Byrne con Superman en el especial de “Crisis en tierras infinitas”, y bueno, esos que pretendían llevar el ocultismo a un mismo espacio y tiempo.En sus comienzos, algo muy particular sucedió con Stanley Martin Lieber (Stan Lee). Siendo solo un joven apasionado por el cine, a sus 17 años llegó a Timely Comics gracias a que era primo de la esposa de Martin Goodman, dueño de esa editorial que sementaría el suelo para Marvel.Lean también: Stan Lee, el hombre que soñó con jamás dejar de soñarAllí, el mismo Lee lo cuenta con gracia, no era más que una persona que hacía los encargos, incluso el co-creador del Capitán América (símbolo clave en la Segunda Guerra Mundial), Joe Simon junto con Jack Kirby, comentaban en varias entrevistas que Lee les ayudaba con el correo y el café. Stan Lee pasó de hacer el café a ser la figura principal detrás de toda una franquicia.Con el crecimiento de Timely Comics, Stan Lee logró hacerse camino y así dar con la oportunidad de escribir un texto de dos páginas para nada más y nada menos que el Capitán América en “Foils the Traitor’s Revenge”, publicado en mayo de 1941.En ese primer escrito, Stanley Martin Lieber firmaría por primera vez como “Stan Lee”, ¿la razón? Él quería reservar el uso de su nombre de nacimiento para aquella “gran novela americana”, una digna de admirar y no para unos cómics. Por supuesto, esto nunca pasó por razones que son obvias, y sin predecirlo este seudónimo se convirtió décadas después en su nombre principal. Ahora, ¿cómo llegó Spider-Man a las listas de Marvel?Para llegar a él hay que hacer una breve parada por la creación de su primer éxito comercial: Los 4 Fantásticos. Esta saga no solo puso a Stan Lee y a su equipo en el ojo del mundo, sino que cambió el rumbo “aburrido” con el que venían presentándose los cómics en ese entonces: personajes vacíos, sin una historia detrás de ellos. Personalidad que llaman por ahí.Con la introducción de Los 4 Fantásticos, el factor humano, ese que presenta sin mesura los problemas de una persona de carne y hueso, convirtieron la figura del superhéroe en algo más cercano, una en la que las personas podían sentir una profunda identidad natural a pesar de la fantasía.A solo meses de la primera publicación en 1961, Stan Lee junto a los ilustradores Jack Kirby, Steve Ditko y John Romita, de quienes hablaremos más adelante, empezaron con una increíble racha de creación de personajes en la que hoy es conocida popularmente como La Casa de las Ideas (Marvel Comics). Desde ahí nacieron superhéroes como Hulk, Doctor Strange, Namor y Dr. Doom. Éxito tras éxito.Como en cualquier situación en la que a victoria se sirve en la mesa, viene la presión y la ansiedad, pues nacía la necesidad de seguir creando y es ahí cuando el personaje favorito de todos nace.En un principio, Lee le pide al maestro de maestros, Jack “El Rey” Kirby (1917-1994), dibujante de cómics creador de Hulk, Thor, X-Men, Iron Man, Silver Surfer, Los Vengadores, Capitán América y Los 4 Fantásticos, a que plasmara en una hoja cómo él imaginaba a un adolescente de 15 años, con poderes basados en una araña, con la capacidad de pegarse a las paredes para poderlas escalar y además con problemas personales. Esta idea ya había sido desechada por el editor. Sin embargo, él continúo con ella.De la idea al conceptoEntre bocetos e ideas, Stan Lee decide que no quería continuar con Jack Kirby ya que veía un personaje muy heroico y decidió darle ese trabajo de conceptualización a Steve Ditko, otro de los pesos pesados del dibujo del cómic en Estados Unidos.Entre ideas dibujadas sobre papel, Stan Lee queda asombrado por la creación de Ditko y fue así como nació Spider-Man. Pueden disfrutar de esta historia con mucha más profundidad en el documental de 2010 “With Great Power: The Stan Lee Story” de los directores Terry Dougas, Nikki Frakes, Will Hess.Esta creación fue puesta en la última edición de Amazing Fantasy, un tomo a punto de desecharse porque no se estaba vendiendo muy bien y, con el riesgo de que no funcionara, todo lo opuesto sucedió. El éxito fue inmediato y Lee comienza a trabajar con Ditko en Spider-Man. Este dibujaría las primeras 38 ediciones antes de dejar Marvel debido a una diferencia por el crédito de “co-creador”.¿Pero quién era Steve Ditko? Para poder hacerlo debemos mencionar el término “Método Marvel”, uno que a la hora de cocinar estas grandes y complicadas tramas narrativas, era el pan de cada día para el desarrollo de los personajes en La Casa de las Ideas.Steve Ditko nació el 2 de noviembre de 1927 en Johnstown, Pensilvania y falleció el 29 de junio de 2018 en Nueva York. Estudió en el Cartoonist and Ilustrators School en la ciudad de Nueva York. Él siempre demostró una personalidad bastante particular, dejando claro que no podía soportar cómo el mundo entero veía en Stan Lee ese autor legítimo de todo lo que sucedía en un cómic.Lean también: ‘Spider-Man: un nuevo universo’, una nueva joya de la animaciónIncluso el mismo Lee recalcaba cómo la gente confundía su figura como la del escritor, el dibujante y el creador absoluto como si el mundo creyera que no existía un equipo que ilustrara, pintara y trazara los textos en el papel, algo con lo que él nunca estuvo de acuerdo, por esa razón se empieza a ver cómo se introducen los respectivos créditos en las ediciones de 1963 respetando los trabajos de los dibujantes, los escritores y todos aquellos que aportaban a la creación del clásico cómic de 22 páginas.Durante este desacuerdo, llegó un punto en el que el “Método Marvel” empezó a jugar una mala pasada en la concepción de las ediciones. Este método se compone por medio de una estrategia de “bullets”, frases o palabras clave que eran entregadas a los dibujantes para que, a partir de ahí, se extendiera el discurso y gráficamente presentaran lo que pasaba en cada página.Luego de esto, se le presentaba a Stan Lee, quién ya estaría asumiendo el rol de editor en jefe en Marvel, para que agregara los textos en cada una de las situaciones. ¿Cómo es eso de que esto empezara a jugar una mala pasada?En el caso de Spider-Man, Stan Lee le había dado vía libre a Steve Ditko para que visualizara el 100% de las situaciones narrativas en cada edición, y él cada vez estaba más involucrado en la narrativa de la historia de Peter Parker y el universo que lo rodeaba. Por esa razón él sentía que el reconocimiento frente al éxito de Spider-Man no era equitativo.Esto “explotó” después de una entrevista en la que Stan Lee decidió que no hablaría si Steve Ditko no estaba presente en ella también, el problema radicó en que el periodista “idolatró” a Lee, pero Ditko pasó a ser solo una observación de un par de frases al final del texto. Debido a esto él abandona Marvel después de 38 ediciones trabajando en el joven arácnido. Si quieren saber más al detalle, los invito a ver el documental de la BBC4: In Search of Steve Ditko del 2007 .In Search of Steve Ditko es un documental de la BBC4 presentado por el autoproclamado fanático de los cómics Jonathan Ross. Allí él se hace un recorrido por carrera de Steve Ditko en la que además lo busca para que poder hacerle una entrevista exclusiva. Cosa que nunca pasa.La evolución del legadoLuego de la determinante partida de Steve Ditko, llega otra figura a darle vida al Hombre Araña: John Romita (padre), clave en el cambio de un Peter Parker marginado a un ser más heroico, sin dejar de lado los problemas personales que lo han caracterizado desde el primer día.Nacido en Brooklyn, Nueva York (ciudad natal del Capitán América, Steve Rogers), John Romita (padre), graduado de la Escuela de Arte Industrial, ya había participado en Marvel cuando aún era conocida como Atlas Comics en 1951, para 1965 ya tenía la tarea de darle a vida a Matt Murdock (Daredevil).Al regresar a Marvel Comics Stan Lee lo probaría para ver su capacidad de llevar al papel a Spider-Man, permitiendo que Peter Parker fuese el invitado al universo de Daredevil. ¿Cuál fue el acto seguido? Romita debuta en el número 39 del Hombre Araña.Siete años después de esto, John Romita aún sentía que no era más que un invitado en la saga por las constantes preguntas sobre el regreso (qué nunca se daría) de Steve Ditko, quién además solo estuvo por tres años. Esto ocasionaría una pequeña fricción y falta de apropiación hacía el personaje, pero con el paso del tiempo, el lápiz de Romita afinaba más a Spider-Man al punto de haberle dado la identidad visual “definitiva” que todos conocemos.Es decir, fue gracias a John Romita que este personaje encontró personalidad en el papel, en la televisión, en los videojuegos y en el cine. Hasta que, a finales de 1980, Todd McFarlane tomara el estandarte y le diera un nuevo aire visual a Spider-Man.Lean también: Venom: Conozca todas las variaciones del personaje en el Universo MarvelMcFarlane también revolucionó el cómic con un estilo más “sucio” además de crear rupturas en las viñetas, lo que significó a Marvel millones de dólares a favor con las ventas. A pesar de esto, en 1992 decidió renunciar para crear su propia empresa y presentar a uno de los personajes que también revolucionó la industria del cómic: Spawn. Uno de mis personajes favoritos debo añadir.Volviendo con Romita y su atención al detalle con sus contundentes pinceladas, su técnica le brindó el toque realista que tanto necesitaba Spider-Man. Por ejemplo, la mochila de telarañas donde guardaba sus cosas mientras usaba el traje rojo y azul. Una “bobada” para algunos, pero una es una clave atención al detalle.Su aporte fue tan importante que ya empezaba a trabajar en los hilos narrativos junto a Stan Lee, quién volvió a apropiarse de la narración después de los conflictos con Ditko, e incluso Lee le pedía apoyar la serie del Capitán América y la serie de Los 4 Fantásticos.Su ascenso y popularidad fue tan virtuosa que en 1967 ya era el director artístico de Marvel Comics. Esta posición le permitió dar identidad a Wolverine y a El Castigador. Su legado fue vital para Spider-Man ya que su hijo John Romita Jr., también dibujante de cómics, le dio vida al arácnido junto a M.J. Stracinsky en los guiones en múltiples ediciones en la década de los 90.No solo los ilustradores han ido cambiando con el tiempo, también ha pasado con escritores y hay uno en especial que recuerda los pasos del mismo Stan Lee. En 1972 Lee deja Marvel Comics y su cargo de director editorial para ser sucedido por Roy Thomas, su mano derecha en La Casa de las Ideas. En este proceso hay dos detalles importantes en la historia de Spider-Man y el rumbo que tomaría a partir de ese momento crucial.Antes del retiro de Lee, que se daba por cuestiones de negocios y nuevos rumbos en el mundo del entretenimiento como el cine y la televisión, él había prometido que estaría en cabeza de los guiones de “The Amazing Spider-Man” hasta llegar a las 100 ediciones; incluso llega de manera constante al número 110. Después de esto llegaría nada más y nada menos que Gerry Conway.Conway, nacido en Brooklyn, Nueva York en 1952, tomó la responsabilidad y continúo la historia de Spider-Man con tan solo 19 años, ¡sí, 19! Como dato curioso: cuando tenía 14 años una de sus cartas fue publicada en la edición 50 de 'Los 4 Fantásticos'.Las pruebas en las que se mediría el calibre y calidad de Conway llegaron con Iron Man y Daredevil, aunque en un principio Stan Lee no se sorprendió demasiado con sus propuestas, fue Roy Thomas quien recomendó a Conway para que asumiera la serie principal de Peter Parker y compañía: The Amazing Spider-Man, a partir del número 111.Esta vinculación de Conway con el arácnido fue bastante acertada, pues no había nadie mejor que escribiera sobre un superhéroe adolescente que… un mismo adolescente. Una ventaja descomunal que abrió más puertas narrativas a la trama de Peter Parker como nunca.Del legado a la cúspideMuchas han sido las personas que han pisado Marvel Comics, desde las máximas cabezas a cargo de este gigante de los cómics, pasando por excepcionales escritores, editores y dibujantes.Casos recientes como el del artista Mark Bagley, su espectáculo detrás del lápiz en “Ultimate Spider-Man” le imprimieron dinamismo y agilidad a la historia en 2011 y junto a Brian Michael Bendis en el guion, nos entregaron una de las portadas e historias más impactantes de la saga: la muerte de Peter Parker en los brazos de su amada Mary Jane.Vale la pena hacer menciones de honor a los directores editoriales Len Wein (1974-1975), Jim Shooter (1978-1987), Tom DeFalco (1987-1994), Joe Quesada (2000-2011), Axel Alonso (2011-2017) y C. B. Cebulski (2017-presente), cada uno de ellos para bien o para mal han dado su toque a las historias de Spider-Man permitiendo construir un universo de infinitas posibilidades.Cabe resaltar que Marvel en 2015 comunicó que reiniciaría por completo su universo en los cómics. Es decir, que lo que se vino construyendo desde 1961, encontraría un fin justo y necesario para empezar a reactivar nuevas historias, ideas y propuestas en las que Spider-Man y en general los más de 300 personajes conocidos, puedan vivir de nuevo bajo otras perspectivas que refresquen su mítico legado. A que no sabían esto…Lean también: Ya no hay espacio en este mundo para el viejo SupermanTodo lo que vemos en el cine y plataformas de streaming gracias al ya constituido Universo Cinematográfico de Marvel no es nada comparado a lo que podemos encontrar en las páginas. Hay muuucho que no se puede apreciar, pero que está allí impreso.Lo que en 2021 vemos en la gran pantalla y en general la industria del entretenimiento, no es más que un espejo construido de los clásicos creados por las figuras que acaban de conocer o recordar.Es por eso por lo que se evidencia un éxito sin precedentes, pues para aquellos que disfrutaron de los cómics durante el siglo XX, ven cómo eso que se imaginaban y veían en las páginas, cobra vida de una manera épica que excede esas primeras experiencias. Una fascinante construcción industrial cuyo motor es la nostalgia.Esta es una increíble biblioteca que nos permite soñar, sentir y crear. Stan Lee y compañía se preocuparon por construir una personalidad a cada personaje y no aislarlo como un simple alter ego con poderes. Por eso nos identificamos con el Hombre Araña, el superhéroe de nuestro tiempo.Para escuchar: Spider-Man: Into the Spider-Verse (Soundtrack From & Inspired by the Motion Picture)
Uno de los estrenos más esperados de 2020 fue Wonder Woman 1984, que llegó el 25 de diciembre a las pocas pantallas habilitadas alrededor del mundo para hacer proyecciones y asegurar la seguridad de sus asistentes. La segunda película de la franquicia protagonizada por Gal Gadot y Chris Pine nos presenta a una nueva villana: Cheetah, protagonizada por Kristen Wiig.En la película Cheetah es el alter ego malvado de la doctora Barbara Minerva, una antropóloga británica que se embarcó en una expedición para encontrar la ciudad perdida de Urzkartagan en la jungla africana, donde se vio involucrada en un ritual en el que su cuerpo se convierte en el anfitrión de un espíritu ancestral llamado Cheetah.Sin embargo, en la historia de DC Comics ha habido más de una Cheetah. Cuatro, en total: Priscilla Rich, Deborah Domaine y Sebastián Ballesteros. Y claro, Barbara Minerva, quien es tal vez la Cheetah más reconocida y quien fue elegida como la villana de la nueva película, Wonder Woman 1984.Esta antropóloga británica es la tercera Cheetah que ha aparecido en los cómics de la Mujer Maravilla. Fue creada en 1986 por George Pérez después de que DC terminara de publicar la serie de la Crisis en las tierras infinitas, publicación que se considera el punto de partida para la continuidad de los cómics de DC.Después de la Crisis la historia de la Mujer Maravilla necesitaba una nueva biografía oficial, unas nuevas historias de origen tanto para la heroína como para su universo y sus enemigos. En una entrevista para 13th Dimension citada por Vulture, Pérez contó que él fue el único ilustrador que se ofreció a trabajar en esta nueva etapa para la Mujer Maravilla. dice que “No me había dado cuenta que desde la muerte de los creadores de la Mujer Maravilla ningún escritor ni ilustrador se había ofrecido a hacer ese libro. Nadie quería hacer a la Mujer Maravilla. Yo fui el primer voluntario, particularmente en un momento en el que pude haber pedido cualquier proyecto y me hubieran dicho que sí”.Pérez se embarcó entonces en la tarea de reescribir la historia de la Mujer Maravilla, centrándose en los orígenes griegos de la superheroína. Así, reescribió a Diana, a las Amazonas y creó villanos como Ares, el dios de la guerra y a quien conocimos en la película de 2017.Con la mitología como eje central Pérez trabajó en nuevas historias para otros enemigos de la Mujer Maravilla, como Cheetah. Antes de la Crisis ya habíamos conocido a dos Cheetahs: Priscilla Rich y Deborah Domaine, ambas mujeres sin superpoderes que se pusieron el traje de Cheetah y lucharon contra Diana movidas por los celos y la envidia.Pérez, entonces, introdujo a la doctora Barbara Minerva, una arqueóloga millonaria, fanática de los artefactos antiguos y dispuesta a hacer cualquier cosa por poseer estar riquezas y conocer sus secretos. Es una mujer desagradable, inescrupulosa, egoísta, profana de esas culturas a las que dice estudiar. Es, además, la primera Cheetah con superpoderes.Ya en la introducción les hicimos un breve resumen de cómo la doctora Minerva obtuvo sus poderes. El origen de Cheetah tiene un trasfondo colonial. Una mujer blanca que llega a una tribu en África y aprende que tienen un ritual por medio del cual encarnan a su dios. Ella luego exige que este ritual se haga con ella para así obtener los poderes de esta dios felino. Sin embargo no todo sale como lo esperado, pues para llegar a buen término el sujeto debe ser virgen, y la doctora Minerva no lo era, así que sufre de terribles dolores y sufrimientos cuando está en forma humana, pero de poder y fuerza sobrenatural cuando se transforma en Cheetah.La enemistad entre Cheetah y la Mujer Maravilla yace en un solo elemento: el lazo dorado de Tesmyschira. Como arqueóloga y despojadora de reliquias antiguas, para Barbara Minerva el lazo es un objeto invaluable que desea poseer y añadirlo a su colección de objetos hist´oricos. George Pérez dejó de trabajar en la Mujer Maravilla en 1992, en el tomo #62 del cómic. Lo último que Pérez escribió para este personaje fue una poción que le daría los poderes de Cheetah permanentemente, a cambio de poner todo su poder al servicio de otra enemiga de la Mujer Maravilla: Circe. Varios escritores han seguido la historia de Barbara Minerva, restándole agencia y poder al personaje. Por ejemplo, William Messner-Loebs la "atrapó" durante 30 tomos dentro de una dimensión paralela, para luego "ser liberada" por una líder mafiosa que quiso utilizarla como arma para mantener su régimen. John Byrne, otro escritor del cómic, retomó su arco narrativo llevándola a Argentina donde Sebastian Ballesteros se robó sus poderes brevemente convirtiéndose en el cuarto Cheetah en la historia de DC. Fue hasta 2007 que Gail Simone, la escritora que durante más tiempo ha escrito los cómics de la Mujer Maravilla, decidió devolverle ese poder con el que Pérez la escribió por primera vez en 1986. Tanto así que durante la serie Rise of The olympian es Barbara Minerva en su forma humana la que representa una amenaza para la Mujer Maravilla.La Barbara Minerva que conocemos en Wonder Woman 1984 es distinta a la que conocemos de los cómics, y su historia de origen también lo es. El personaje de Kristen Wiig es más maleable, menos detestable. Si bien hay magia en su origen, no hay chamanes y rituales ancestrales. Sin embargo es una digna contrincante de Diana y la villana perfecta para Wonder Woman 1984.
Cuando La Liga de la Justicia llegó a los cines en noviembre de 2017, nadie esperaba mucho de ella. La primera aparición en la pantalla grande del equipo conformado por Superman, Batman, Mujer Maravilla, Flash, Aquaman y Cyborg debía ser el evento cinematográfico del año, pero terminó pasando por los cines con más pena que gloria. Por Julián Ramírez // @Sir_Laguna Aunque no se puede decir que le fue mal en taquilla —recaudó más de 600 millones de dólares, duplicando su costo de producción—, Warner Bros. esperaba que este filme alcanzará el billón de dólares. Además, la crítica lo destrozó. El desinterés de la audiencia fue justificado a causa de la terrible recepción que tuvieron Batman v Superman y Escuadrón Suicida, las cuales resultaron demasiado serias y violentas para el tipo de personajes que las protagonizaban. Mujer Maravilla y Aquaman, que se alejaron del estilo oscuro de las anteriormente mencionadas, terminaron superando por mucho a La Liga de La Justicia en taquilla y los fanáticos las recibieron con más cariño. Las siguientes entregas del Universo Extendido de DC —Shazam! y Aves de Presa— tuvieron un estilo más desenfadado y cómico. Parecía que el mundo había superado rápidamente el fracaso de esta película, pero las cosas no pararon ahí. Un grupo de fanáticos comenzó lo que parecía ser una “teoría de la conspiración”. Según ellos, Warner Bros. tenía una versión diferente de La Liga de la Justicia que no estrenó en cines y se dedicaron a una intensa campaña para que la pusieran al alcance del público. Y ganaron. Esta es la historia del infame Snyder’s Cut o ‘versión del director’ de La Liga de la Justicia. Quienes vieron La Liga de la Justicia, ya fuera en cine, Blu-Ray o ‘streaming’, se pudieron dar cuenta que los créditos dicen que su director es Joss Whedon, conocido por Buffy: La Cazavampiros, Firefly y dirigir las dos primeras películas de Avengers. Sin embargo, casi toda la producción del filme se hizo bajo la supervisión de Zack Snyder, quien dirigió El Hombre de Acero y Batman v Superman. Antes de que pudiera terminar su trabajo, una catástrofe familiar lo obligó a dejarlo atrás, por lo que el estudio contrató a Whedon no sólo para que terminara la película, sino para que le diera un nuevo rumbo. Verán, los rumores dicen que Warner Bros. y Snyder no se estaban entendiendo. El estudio quería abandonar el ‘estilo oscuro’ de los anteriores filmes, pero el director no daba su brazo a torcer. No solo eso, sino que su visión era un filme extremadamente largo, no adecuado para cines. Cuando Whedon llegó, le pidieron cambiar todo eso. El trabajo del director de Avengers no fue fácil. Son varios los cineastas que han expresado lo difícil que es trabajar con algo que ha sido filmado bajo la batuta de otra persona. Convertir el trabajo de Snyder en algo más colorido y divertido requirió no solo un extenso trabajo de edición, sino grabar nuevas escenas que crearon su propia controversia. Por ejemplo, Henry Cavill se negó a cortarse el bigote para grabar (lo necesitaba para Misión Imposible: Repercusión), lo que resultó en un mediocre efecto de CGI. Finalmente, fue un filme poco interesante. Algunos argumentan que Whedon hizo lo mejor que pudo con lo que tenía. También dicen que el ambiente de trabajo bajo ese director fue terriblemente tóxico. Pero para el momento en que llegó Whedon, el corte de Snyder debía estar bastante avanzado. Todas las escenas que grabó y que eliminaron del filme que llegó al cine debían estar en algún lado. Esto es lo que llevó a muchos a creer en la existencia del ‘Snyder Cut’. De inmediato surgió una petición en línea para que lanzaran esta versión que logró casi 180.000 firmas. Los fanáticos crearon el popular hashtag #ReleaseTheSnyderCut en redes sociales que ganó bastante tracción. De este modo comenzó una campaña que incluyó enormes anuncios en Comic-Con y hasta donaciones masivas a campañas de prevención del suicidio. Todo en aras de promover el lanzamiento de esta versión de La Liga de la Justicia. El mismo Snyder dijo que apoyaba el movimiento, echando leña al fuego al decir que efectivamente había un corte de más de tres horas que él mismo supervisó al que “solo le faltaba un poco de CGI”. Actores como Jason Momoa (Aquaman), Gal Gadot (Mujer Maravilla) y Ben Affleck (Batman) publicaron fotos en Twitter apoyando el hashtag y el mismo Snyder comenzó a mostrar fotos de producción que revelaban elementos nunca antes vistos en la red social Vero. Pero había un problema. El ‘Snyder Cut’ no existía en realidad. Es verdad que podían haber versiones preliminares del filme (que suelen ser llamadas ‘workprints’), pero no estaban en ningún estado que se pudiera mostrar al público. ¿Recuerdan una versión de Wolverine que se filtró al mercado pirata y tenía escenas sin CGI o efectos de sonido? Algo así. Terminar una versión como esta podía requerir millones de dólares más y el trabajo de decenas de personas. Por si fuera poco, había fanáticos extremadamente tóxicos que apoyaban la campaña de formas groseras y desagradables. El hashtag #ReleaseThe SnyderCut comenzó a ser usado para acosar a personas que criticaban el trabajo de Zack Snyder o que expresaban preferencia por las películas de Marvel Studios. Esto causó que el movimiento se volviera infame y que sus miembros tuvieran fama, a veces injustamente merecida, de ser abusadores que no toleraban visiones del universo DC que no fueran oscuras, violentas y ‘serias’. Comportamientos tóxicos o no, el movimiento a favor del Snyder Cut ganó su batalla. En mayo de 2020, la cuenta oficial de HBO Max anunció que Zack Snyder’s Justice League, la versión de La Liga de la Justicia de acuerdo a la visión de su director original, llegaría en 2021 exclusivamente a ese servicio de ‘streaming’. Efectivamente, el ‘Snyder Cut’ no existía, pero el lanzamiento de HBO Max y la necesidad de crear contenido para éste fue una buena oportunidad de darle al director el dinero que necesitaba para terminar su obra. Ya se dijo que esta no será una película como tal, sino que será presentada en formato de miniserie, con una duración de más de cuatro horas. Desde entonces, han surgido nuevos detalles sobre esta nueva versión de La Liga de la Justicia. La mayor revelación fue el tráiler presentado en el evento digital DC Fandome, que mostró nuevas escenas, al villano Darkseid, un nuevo diseño para Steppenwolf y a Superman en un traje negro como que el lució en algunos cómics de los años noventa. Algo que vale la pena mencionar es la musicalización del tráiler. Esta canción es Hallelujah, de Leonard Cohen, la cual ha sido usada en infinidad de filmes. Snyder ya la había usado en una escena de Watchmen, lo cual atrajo numerosas críticas negativas. Que haya decidido usar esta canción en este momento es considerado por muchos como una burla o respuesta hacia todos sus críticos. Sin embargo, este tráiler no cayó bien a todos. El CGI usado aquí, especialmente para representar a Darkseid, ha sido calificado de mediocre. Muchos temen que el presupuesto que le dieron al director para terminar el ‘Snyder Cut’ no sea suficiente para ofrecer elementos visuales de calidad. ¿Será el ‘Snyder Cut’ una mejor versión de La Liga de la Justicia que la que vimos en cines? ¿Era en realidad una obra insalvable? Nos daremos cuenta cuando se transmita en 2021 a partir del 18 de marzo, exclusivamente en HBO Max.
En la tercera semana de agosto se llevó a cabo el DC FanDome, un evento digital que ha dejado avances de buena parte de los estrenos cinematográficos de Warner/DC Comics para la próxima temporada. Una de las grandes sorpresas fue el primer trailer de The Batman, dirigida por el estadounidense Matt Reeves y que cuenta con un reparto lleno de estrellas como Zoë Kravitz, Jeffrey Wright y Paul Dano. Este es el violento tráiler que rápidamente se hizo tema de conversación en redes sociales. El tráiler muestra que el británico Robert Pattinson, universalmente conocido como el vampiro Edward Cullen de Crepúsculo, está en las condiciones actorales necesarias para meterse en la piel del hombre murciélago. El clip deja ver a un Batman novato que es sensible a la ira, pero que no tendrá una personalidad fácil de manejar. Recomendado: Batman, Wonder Woman y Superman ahora son creadores de contenido en Spotify Walter Hamada, jefe de las películas de DC, que ha enfatizado en el panel 'Multiverse 101' lo que ya se ha sugerido desde hace tiempo para justificar distintas versiones de héroes y villanos, malos o buenos: existe un multiverso DC, y este Batman no habita en el mismo que el resto de los héroes de la Liga de la Justicia. De esa manera, el Guasón de Joaquin Phoenix no pertenece a ninguno de esos mundos. Hamada informó que las empresas de entretenimiento quieren centrarse en "contar historias individuales potentes". Para ver: Cosplayers del ‘Joker’ evalúan la actuación de Joaquin Phoenix - Videogalerías Shock La mala noticia es que falta MUCHO para que The Batman llegue a las salas de cine. Su fecha de estreno está programada para el primero de octubre de 2021, justo para que el Hombre Murciélago sea uno de los disfraces más utilizados en Halloween del próximo año. Vea en Shock | Una charla con cast de 'Maldita', la serie de Netflix #ElLadoSDelCine
“Lollapalooza se fundó con base en la diversidad, la inclusión, el respeto y el amor. Con eso en mente, DaBaby ya no actuará en Grant Park esta noche. La actuación de Young Thug ahora tendrá lugar a las 9:00 pm en el Bud Light Seltzer Stage, y G Herbo actuará a las 4:00 pm en el T-Mobile Stage”. Así anunció el festival su rechazo a los comentarios de DaBaby. La semana pasada, durante una actuación en el festival Rolling Loud de Miami, el cantante originario de Ohio lanzó una serie de comentarios despectivos sobre los hombres homosexuales, el VIH y el SIDA. Se disculpó, pero empeoró las cosas, lanzando un video donde usaba nuevamente el SIDA como un insulto.Durante un concierto presencial el rapero hizo una pausa para analizar los ánimos del público. Todo parecía normal hasta que dijo: “enciendan la luz de su celular si no se están aquí con VIH, SIDA u otras de esas enfermedades de transmisión sexual que hacen que te mueras en dos o tres semanas (...) chicas, si su vagina huele a agua, enciendan la luz del celular; chicos, si no chupan pene en los parqueaderos, enciendan la luz del celular”.El momento se viralizó rápidamente en internet y los comentarios de desaprobación a sus declaraciones lo llevaron a ser tendencia, especialmente porque ha colaborado con cantantes femeninas que son íconos para la comunidad LGBTIQ+.Los comentarios homofóbicos provocaron reacciones violentas en la industria, y varios artistas se pronunciaron. Anitta, Demi Lovato, Elton John y Dua Lipa, quien colaboró con el rapero en un remix de su canción Levitating. Madonna publicó en su Instagram: “Un mensaje para DaBaby: si va a hacer comentarios llenos de odio a la comunidad LGBTQ + sobre el VIH / SIDA, es mejor que conozca sus datos:Después de décadas de investigación científica ganada con esfuerzo, ahora hay medicamentos que salvan vidas disponibles para los niños que nacen con el VIH, para las personas que contraen el VIH a través de transfusiones de sangre, agujas sucias o intercambio de fluidos corporales. ¡Estos nuevos ARV pueden mantener viva a una persona con SIDA por el resto de su vida! El SIDA no se transmite estando al lado de alguien en una multitud.Quiero encender mi celular y rezar por tu ignorancia, ya nadie muere de SIDA en 2 o 3 semanas. Gracias a Dios. Y tus comentarios sexistas sobre las mujeres cuyos vaginas necesitan oler a agua solo fomentan una mayor discriminación contra las mujeres que luchan a diario contra la opresión de vivir bajo las limitaciones de la mirada masculina.Las personas como tú son la razón por la que todavía vivimos en un mundo dividido por el miedo. Todos los seres humanos deben ser tratados con dignidad y respeto independientemente de su raza, género, preferencia sexual o creencias religiosas. AMÉN”.
La Media Torta es uno de los escenarios más diversos de la capital colombiana, por su tarima han pasado expresiones artísticas y culturales que han marcado generaciones que reúnen el imaginario cultural bogotano.Este año para su aniversario 83, el Teatro Al Aire libre La Media Torta celebrará su cumpleaños con una gran programación donde los sonidos tradicionales colombianos con nuevas mezclas sonoras y rítmicas serán los protagonistas. Los invitados a esta gran celebración son Guetto Kumbé y Phonoclorica. La entrada será libre hasta completar aforo.En sus inicios la programación de La Media Torta buscaba ser pedagógica, educar al pueblo con conferencias, sinfonías y diferentes variaciones de la música clásica. Fue en las décadas de 1950 y 1960, cuando los habitantes de la zona pidieron canciones del pueblo y, gracias al auge del cine mexicano, las rancheras llegaron al escenario en voces de artistas como Miguel Aceves Mejía, Antonio Aguilar, Pedro Vargas y María Félix. Hasta los setentas, La Media Torta fue el escenario predilecto y de esparcimiento para las clases obreras.A finales de 1970, este escenario presentó a reconocidos artistas internacionales. Durante la administración de Hernando Durán Dussán, se firmó el Decreto 0974, que obligaba a la presentación gratuita de artistas internacionales en el escenario. De este paso obligado por la Media Torta fueron protagonistas Armando Manzanero, Sandro, Celia Cruz, Mercedes Sosa, Leonardo González, Nelson Ned, Raphael y Leonardo Favio.Después de esto, La Media Torta entró en un largo período de crisis, inseguridad, cierres (en 1974) y deterioro de su planta física. En 1978 se conformó el Instituto Distrital de Cultura y Turismo que replanteó la programación y remodeló en 1981 las instalaciones, con lo que aumentó la capacidad de 3.000 a 7.000 espectadores.En 1995, entre el 25 y 26 de mayo, tendría lugar la primera edición de Rock al Parque en la Media Torta, festival que albergó es su primera edición 43 bandas nacionales, entre las que se destacaban agrupaciones que aún continúan vigentes como Aterciopelados y 1.280 Almas. La Media Torta también acogió los inicios de festivales como Jazz al Parque, Rap al Parque, Festival de Música Colombiana y el Festival niños y niñas al parque.La lista de artistas y celebraciones que se han llevado a cabo en este escenario es bastante amplia, por eso nos unimos a esta importante celebración. ¡Feliz cumpleaños 83 Media Torta!
Una de las instituciones de ballet folclórico más importante del país cumple 60 años. El Ballet de Colombia está listo para celebrar con los capitalinos este aniversario dedicado a su creadora Sonia Osorio.Un recorrido musical por las regiones del país, con un vestuario espectacular y los bailarines insignes de la compañía, llevarán al público a un viaje musical durante dos noches de celebración, el viernes 6 y el sábado 7 de agosto en el escenario del Teatro Jorge Eliécer Gaitán. El aforo presencial será limitado para las dos funciones, y el día 7, simultáneamente habrá transmisión vía Live Stream para todo el mundo a través de la plataforma, Tu Boleta Play.Son 60 años de recorrer los escenarios más importantes del mundo, con el legado de una de las gestoras culturales más importantes de nuestro país, la legendaria, Sonia Osorio, alma y nervio de la compañía por más de 50 años.Medio centenar de artistas en escena, entre bailarines y músicos en vivo le darán vida a un espectáculo con repertorios de gran exigencia escénica, con el fin de mostrar la riqueza cultural, la fuerza y la pasión de los colombianos.Haber logrado la mezcla perfecta entre la pureza del folclor y la sofisticación de las danzas modernas, le ha permitido al Ballet participar en los más importantes festivales de danza, y presentarse siempre triunfante en los más reconocidos escenarios a nivel mundial, obteniendo ovaciones, primeros premios y galardones.El Ballet Nacional un Legado de Sonia Osorio, ha bailado en los mejores teatros de París, Tokio, Berlín, Washington, New York, Chicago, Miami, Budapest, Moscú, Varsovia, Belgrado, Roma, México, Buenos Aires, São Paulo, Santiago de Chile, Lima, Quito, Santo Domingo, Puerto Rico, Panamá, Bruselas, Tel Aviv, Jordania, Egipto, Montecarlo, Hollywood, Madrid, Beijing, entre otros.El Ballet Nacional de Colombia, un legado de Sonia Osorio, hoy está bajo la dirección de Silvana Obregón Osorio hija de Sonia Osorio y de su nieto Martín Viera Obregón quienes continuarán con el concepto artístico, la escuela y el estilo que lo has hecho únicos en el mundo.
A pesar de que la pandemia paralizó al sector musical, sirvió como catapulta para muchos artistas que decidieron arriesgarse y enfrentar creativamente aquel panorama desolador de inicios del 2020. En Perú, dos experimentadas artistas sonoras le dieron vida a Silveria, un prometedor proyecto musical que ahora nos presenta Volver, su sencillo debut.Integrado por Noelia Cabrera (voz y líder de Kusama y Blue Velvet) en las voces y bajos y Natalia Vajda (guitarrista Mercury Toys y directora de Warmi Rock Camp) en las guitarras, la propuesta de Silveria mezcla elementos del new wave, postpunk, electrónica y rock alternativo con matices pop que invitan al baile.Volver plantea representar, a través de sus líricas, la partida del ser humano en el plano terrenal y su eterna presencia viviente en el recuerdo. Es una canción con cierta carga melancólica que nos invita a la reflexión, sobre todo en tiempos inciertos como los que vivimos. Así mismo, la canción cuenta con un fashion film en el que reforzaron el concepto artístico con flores intervenidas manualmente y maquillaje avant-garde, estos representan el lado femenino y elegante de Silveria a nivel visual.“Volver es el primer single de 3 sencillos que planeamos sacar en el 2021. Cada single contará con una sofisticada temática y propuesta audiovisual de editorial avant-garde distinta, planeando asimismo cada single con el acompañamiento de un video”, comenta la banda respecto al single.En cuanto a su sonoridad, la canción lleva un beat en onda new wave, con cajas de ritmos que por momentos nos invitan al techno. Las guitarras arman riffs y melodías envueltas en capas de delays, chorus y distorsiones junto a los sintetizadores. Todos estos sonidos arman las bases para las voces en distintas tonalidades que construyen armonías tejiendo las texturas sonoras y líricas que acompañan el manifiesto del viaje terrenal hacia el plano astral.
El afrofuturismo es, sin duda, una de las revoluciones sociales y estéticas más prominentes de los últimos tiempos. Una movida que plantea disolver los límites estilísticos para reivindicar lo afro. Para la muestra estas tres animaciones japonesas basadas en la estética afrofuturista. Por David Luján Shedda | @davidlujanshedaEn 2003 James Spooner dirigió la película documental AFROPUNK - "The Rock and Roll Nigger Experience", que exploraba las visiones y problemáticas de músicos y fanáticos de la escena punk norteamericana sobre la etnicidad, la clase y los asuntos raciales. Todos profesaban la identidad anárquica de la escena punk, en la que los afrodescendientes son minoría. Destaparon los roces entre los núcleos minoritarios dentro de las comunidades alternativas. Dos años después, Spooner y Matthew Morgan fundaron la plataforma Afropunk, reconocida mundialmente por su festival musical itinerante que amplió los márgenes de la escena del punk rock afro de Los Ángeles y Nueva York hacia diferentes ciudades del mundo, e incluyó otras músicas como el neo-soul y el hip hop, e incorporó en sus banderas la lucha contra la homofobia, la gordofobia y el racismo.Casos como el de Afropunk plantean lugares expresivos de libertad y reivindicación de las clases populares a través de una producción estética afro sin márgenes estilísticos concretos. Una apuesta que puede enmarcarse dentro del concepto de afrofuturismo, que se ha aplicado también al mundo audiovisual y que abarca un conjunto heterogéneo de reivindicaciones, identidades rebeldes y expresiones artísticas desprendidas de una tradición anclada al territorio. Para aprender más recomendamos leer | Afrofuturismo: la revolución cultural que se viene detrás de Pantera NegraComo campo estético, el afrofuturismo es un campo alternativo. Incluye diversas visiones artísticas no solo musicales o cinematográficas, sino también identidades sexuales, activismo social y posturas políticas paralelas al movimiento Black Lives Matter. Entre esos cruces artísticos, producto del afrofuturismo, aparecen estas tres animaciones japonesas que han sido protagonizadas y musicalizadas por personajes afro. Afro SamuraiAfro Samurai (2007-2009), originalmente un manga creado por Takashi Okazaki, es un proyecto que cuenta con dos entregas: una serie de una temporada con cinco capítulos y una película titulada Resurrección, que fue llevada al anime por estudio Gonzo.La serie está ambientada en un Japón futurista y postapocalíptico. Samuel Jackson hace la voz en el papel principal en una historia que conjuga las artes marciales con la historia del guerrero samurái Afro, quien busca vengarse del hombre que asesinó a sangre fría a su padre Rokutaru, uno de los mejores guerreros y quien poseía en su cabeza el cinto del guerrero número uno.La música, en sus dos entregas, es conducida por el veterano Rza, miembro de Wu Tang Clan. Tiene, de hecho, dos álbumes extensos acompañados de diferentes artistas invitados como Talib Kweli, GZA, Method Man, Kool G. Rap, Q-Tip, Big Daddy Kane y demás afiliados al Clan.Ambos discos recrean un estilo de cierto tipo de hip hop oriental bajo la mística del Wu y el kung-fu lírico que históricamente han profesado en sus canciones.Esta serie presenta el inicio de una vertiente en el anime que centra su argumento en recrear la vida de un personaje extranjero en una sociedad bélica. Aunque Rza afianza el estilo musical presentado previamente en Kill Bill, el giro hacia un personaje protagónico llamado enfáticamente Afro, crea un puente intercultural que provoca una ruptura con la tradición oriental del anime convencional.Por otra parte, es el hip hop el encargado de transmitir la fuerza necesaria para complementar el despliegue sanguinario de la serie.¿Dónde ver Afro Samurai? Actualmente no se encuentra disponible en ningún servicio de streaming, aunque han publicado algunos de los capítulos en YouTube. YasukeLa exitosa serie Yasuke (2021) es una apuesta japonés-estadounidense de Netflix. Fue creada por el multifacético LeSean Thomas, y cuenta con LaKeith Stanfield, quien da vida a la voz principal del proyecto.El anime se basa en la increíble historia real de un barquero que llegó a Kioto (Japón) en el siglo XVI y pasó a ser el primer guerrero samurái extranjero del cual se tenga noticia. Al lado del señor feudal Oda Nobunaga, Yasuke llegó a los campos de batalla dominando el japonés con fluidez, y llamando la atención por donde pasara. Así lo relata el escritor franco-marfileño Serge Bilé en su libro biográfico sobre Yasuke. La historia central de la serie relata la misión que emprende Yasuke por proteger a una niña con súper poderes. Animada por el estudio japonés MAPPA, la estética de la serie recrea personajes místicos envueltos en luchas a muerte en escenarios oníricos donde se despliegan intensas batallas y diálogos exuberantes. La ciencia ficción y esta historia fantástica se conjugan de manera inquietante en lo que parece ser una versión del Japón medieval en un universo paralelo.La banda sonora está a cargo del angelino Flying Lotus, un conocido vanguardista de la escena del hip hop, la electrónica y el jazz fusión, quien ahora es, sin duda, un referente sólido del mundo del anime.Mediante una estética cyberpunk decididamente afro, Flying retoma con delicadeza la producción artística sonora japonesa de finales de los ochenta y comienzos de los noventa.El tema principal de la serie, Black Gold, es presentado por el brillante Thundercat en la parte vocal y Lotus en la música, trayendo cierta nostalgia a partir de brasses o vientos electrónicos propios de sintetizadores modulados de manera retro, instrumentos musicales de percusión de madera y baterías minimalistas que evocan los clásicos del anime japonés.Flying impregna la banda sonora, además, con los hoy usuales ritmos de baterías 808 del trap. Incluye una colaboración, como es habitual en su discografía, con Denzel Curry en la canción African Samurai, una pieza minimalista desarrollada sobre una base drumless o sin batería, característica del hip hop moderno en su última versión, apoyada en coros onomatopéyicos que recuerdan el estilo clásico de los cantos responsoriales africanos.Blade Runner Black Out 2022Blade Runner Black Out 2022 (2017) es un corto de anime cyberpunk tech-noir dirigido por el respetado Shinichiro Watanabe inmortalizado por su trabajo en el anime de culto Cowboy Bebop. La entrega es una precuela de la película Blade Runner 2049 (2017) dirigida por Denis Villeneuve y forma parte de la clásica historia Blade Runner (1982) dirigida por Ridley Scott.Este corto es animado por Sola Digital Arts y llena el vacío que dejó el desarrollo de la historia futurista inicial, de ahí que su título retome la fecha del año 2022. Explica el apagón que tuvo lugar en la costa oeste de Estados Unidos en aquel año, cuando los humanos y los replicantes del modelo Nexus 8 continúan en un conflicto que incluye varios asesinatos por parte de la secta Supremacía Humana.En la trama los dos personajes centrales se confabulan para tumbar la energía de Los Ángeles, como parte de una acción del Movimiento Libertad Replicante, para bloquear el futuro accionar humano y borrar su memoria.La banda sonora del proyecto fue realizada, también, por un Flying Lotus con una visión musical del sci-fi impecable. El estilo musical mutante de Flying se torna introspectivo, logrando una asociación íntima con el despliegue filosófico de la obra. Pretende, quizá, presentar a los humanos como una especie asesina de todo aquello que no puede controlar a su antojo.A partir de sintetizadores y síntesis computacionales, el músico crea atmósferas futuristas. Aunque hay rasgos musicales similares en el catálogo sonoro de Flying, la banda sonora logra encapsular la ecuanimidad emocional de los replicantes, un rasgo característico de la historia.Los tres trabajos logran captar la experiencia de creadores afrodescendientes en el mundo del anime, centrando el foco en romper el canon musical y literario de la industria; en una expresividad rebelde y contestaría que concibe la cultura punk más allá de ser un estilo musical juvenil.
