En 2009 en Georgia se formó Migos, trío poderoso de raperos que cuenta con la creatividad de Quavo (Quavious Marshall), Offset (Kiari Cephus) y Takeoff (Kirshnik Ball). Los tres no solo son amigos, también los une el ser familia cercana: Quavo es el tío de Takeoff y Offset es el primo de Quavo.Para leer | J. Cole trabaja duro en 'The Off-Season'Este 2021 lanzan su cuarto álbum de estudio y el tercero de la trilogía Culture. Las dos primeras partes fueron estrenadas en 2017 y 2018. En este proyecto se destacan sus ágiles improvisaciones, barras a prueba de balas, hooks que hacen mover la cabeza y una química insustituible entre los tres.El disco está plagado de coprotagonistas de primer nivel, incluidos Drake, Cardi B, Justin Bieber, Future, Polo G, Youngboy NBA, los difuntos Juice WRLD y Pop Smoke, por nombrar algunos.Para celebrar el estreno también lanzaron el video musical de Modern Day donde, entre motos de agua, automóviles, aviones privados y el humo, Migos intercambia rimas que ya son una especie de oración sagrada en algunas comunidades de Estados Unidos.Lea también | El club de los mil millones: ¿Qué nos dicen los videos más vistos de YouTube sobre la música?Culture se ha destacado entre los mejores álbumes de hip-hop. Certificado platino, el álbum alcanzó #1 en Billboard Top 200 en 2017 y fue nominado en 2018 en la categoría “Mejor álbum Rap” y “Mejor presentación Rap” en los Grammy. Pisándole los talones, Culture II, su segundo álbum elevó aún más a los Migos. No sólo se hicieron del #1 en Billboard Top 200, y obtuvieron una certificación doble platino, sino que fue el primer grupo de rap en alcanzar a The Beatles con más canciones simultáneas.En video | Aerophon regresó: Ruzto y Frank Takuma presentan el disco 'Onix' - Shock¡La música nos une!
Desde hace varios días se vive una fuerte crisis humanitaria en la Franja de Gaza que ha dejado 12 muertos en Israel y 227 en Gaza, según cifras del New York Times. El rapero de 12 años MC Abdul creó una canción para denunciar la violencia que está ocurriendo, con el beat de Cleanin’ Out My Closet, de Eminem: se llama Palestine y se ha hecho viral en los últimos días: tiene más de 4 millones de reproducciones."Palestina ha estado ocupada durante décadas, pero un hogar durante siglos. Esta tierra tiene generaciones de los recuerdos de mi familia", dice la canción publicada en su cuenta de Instagram. "Imagínate que te sacaran de la única casa que conoces. Rezamos por nuestras almas mientras depredan nuestros hogares". El hecho de que el reconocido músico e influencer DJ Khaled la haya compartido en su cuenta sin duda contribuyó al rápido crecimiento de la canción. “Esta semana ha sido difícil para Gaza. Quiero que el mundo conozca la situación en Palestina”, declaró MC Abdul en la descripción del video.Si bien Palestine ha sido su video más exitoso, en su cuenta existen varios videos de su “freestyle” con diferentes beats.La reciente crisis entre Israel y Palestina ocurrió luego de que la policía israelí bloqueara la Puerta de Damasco, donde los árabes palestinos suelen reunirse para el Ramadán, mes de ayuno para los musulmanes. Esto condujo a un ataque contra judíos ortodoxos, que a su vez llevó a la policía israelí al asalto de la mezquita de al-Aqsa.Este 21 de mayo se dio inicio de manera oficial el cese al fuego, tras 11 días de ataques. El acuerdo fue anunciado horas antes, luego de que Hamás acordara un alto el fuego “mutuo y simultáneo” y el Gabinete de Seguridad del primer ministro israelí, Benjamin Netanyahu, votara a favor de detener la actividad militar en la franja de Gaza.
Death Row Records nació a comienzos de los 90 y se convirtió en una de las disqueras más importantes del hip hop, con artistas como Dr. Dre (confundador del sello), Tupac, Nate Dogg, Snoop Dogg, entre muchos más. Con motivo de su aniversario 30, Death Row creó un museo interactivo virtual que hace un homenaje a algunos de sus nombres más representativos. Se llama The Death Row Experience y permite hacer un recorrido con fotos y videos de algunos de sus artistas, anécdotas y curiosidades. Pueden conocerlo aquí. A partir del 30 de junio, los "visitantes" al museo podrán también enviar sus propios elementos relacionados con el sello, como fotos o entradas a los conciertos de los artistas de Death Row. Death Row se ganó el apodo de "la disquera más peligrosa del mundo". Esto en gran parte por Suge Knight, uno de sus fundadores llamado por la prensa gringa “el hombre más temido del hip-hop". Death Row llegó a producir 100 millones de dólares al año a punta de intimidación y cizaña.La fama de Knight en el hampa fue creciendo en paralelo con su influencia en el rap. En los 90 mantuvo a varios miembros de la pandilla de los Bloods en su nómina y las noticias sobre el uso de la violencia en sus negociaciones fueron usuales. Por ejemplo, bien conocida es la historia de la negociación del contrato de Dr. Dre con Ruthless Records, propiedad de Eazy-E (1964-1995), gestionada a punta de encuentros con bates de béisbol y armas blancas.Tras el asesinato de Tupac, Death Row perdió mucha fuerza. Dr. Dre creó su propia disquera: Afthermath, y Knight pasó varios años en la cárcel. Luego de varios lanzamientos que pasaron casi que inadvertidos, el sello se declaró en bancarrota en 2006. Sin embargo, es innegable su legado e importancia dentro del hip hop.
Aquí estamos, como de costumbre, con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial con reseñas de discos colombianos (álbumes de estudio y EP) para que se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo a los mejores temas y álbumes nacionales en este especial con lo mejor del 2020. En esta oportunidad les presentamos Dominatrix de Kei Linch.Dominatrix - Kei Linch¿Quién está detrás? Nacida y criada en Madrid, Cundinamarca, a Carla nunca le ha gustado su nombre de pila, por eso, desde que empezó a escribir canciones surgió en ella la necesidad de encontrar una especie de alias que englobara todo lo que representa artísticamente. Primero se puso Anarkía, nombre con el que logró un avance importante en la música, pero después recordó que su abuela le decía Kalinchis y sintió que debía inclinarse por ahí. Fue así como su alter ego evolucionó hasta Kei Linch¿De qué trata? Kei Linch logró llegar a muchos hogares de Colombia por su participación en el Factor X, pero con esta canción abre una nueva era en su música. En Dominatrix canta sobre la evolución que ha tenido, le escupe ciertas verdades a aquellos que han hablado a espaldas de ella, pero se enfoca en entender que tiene una carrera brillante por delante donde nadie le debe decir qué hacer o sobre qué cantar.Para leer | Melancolía y resistencia: Kei Linch, una cacique del rap colombiano¿A qué suena? Es una canción de rap donde se resalta el verseo de Kei Linch. Dominatrix tiene el beat, el máster y la mezcla de Alka Produce.¿Sobre el video qué? Es un video lyric donde Kei Linch le canta directo a la cámara y que también tiene como protagonista a la Represa del Sisga, en el municipio de Chocontá.. Fue grabado por Julián Cardenas, animado por Stephanie Arenas y editado por Baumhaus Cinema.¿Cuándo escucharla? Kei Linch hace parte de una nueva generación de cantantes femeninas de rap que están definiendo y liderando un estilo llamativo de hacer música.Para ver | Ritmo Exótico: la música caliente que invadió al Chocó¡La música nos une!
Dicen que perro que ladra no muerde, pero el refrán jamás aplicó para DMX. El rapero de Yonkers, Nueva York —que murió el 9 de abril de 2021, a sus 50 años, luego de pasar sus últimos días inconsciente tras un paro cardiaco—siempre tuvo los colmillos afilados listos para el ataque y un ladrido potente (y melódico) que, junto con sus barras llenas de dolor y lucha, lo encumbró como una leyenda del hip hop y, en un momento, el MC más grande del mundo: su récord de cinco álbumes seguidos que debutaron en el número uno en ventas sigue imbatido en el rap, y probablemente así se mantendrá por siempre.Por Santiago Cembrano | @scembranoParadójicamente, lo que diferenció a DMX desde su debut It’s Dark and Hell It’s Hot (1998) fue lo oscuro y agresivo de su música, a través de la cual buscó exorcizar los problemas que lo atormentaron hasta las últimas. Mientras que, en el panorama confuso tras las muertes de 2Pac y Biggie, Diddy y Bad Boy hacían canciones extravagantes sobre los placeres de la vida millonaria a partir de reconocibles samples ochenteros, las de DMX eran de cómo te iba a robar. Y, a la vez, mucho más que eso: había un delicado balance entre lo sagrado y lo profano. Junto con la violencia había espiritualidad cristiana, lucha por ser mejor y una vulnerabilidad dolorosa.¿Cómo la antítesis de lo comercial logró vender más que lo fabricado para vender? La respuesta está en la honestidad evidente en cada línea que ladraba, con la que estableció una conexión potente con cada uno de sus millones de oyentes, tan potente como la energía que inyectaba en cada canción, como si se aferrara al micrófono y a la vida con las mismas ganas. Tras el halo amenazante de cada track estaba el alma de alguien que desde que nació había conocido el día a día como una pendiente inclinada que le dificultaba cada paso. Y esa alma era casi palpable en su icónico registro, endurecido por su bronquitis asmática y la violencia que recibió y emitió a partes iguales.Bautizado por sus padres como Earl Simmons, desde niño se hizo amigo de los perros callejeros, con los que pasaba la mayoría de su tiempo. Era un niño desobediente y rebelde, y se entendía mejor con ellos —animales con la guardia alta, pero nobles y cariñosos— que con los humanos. Su padre se fue y su madre y los novios de ella solían golpearlo. Su infancia y adolescencia las pasó en hogares colectivos o en centros de detención juvenil. Como contó en su autobiografía E.A.R.L.: The Autobiography of DMX, robar se volvió su forma de comer y sobrevivir: “Me dedicaba a asaltar. Robaba tres veces al día: antes del colegio, luego del colegio y por la noche”. En esta misión no necesitaba arma, lo acompañaba su perro. Y su perro también le hacía los ad-libs en las batallas de rap con las que demostró su talento en su barrio a finales de los 80.Antes de rapear, hacía beatbox. Su nombre artístico lo tomó de la máquina de percusión Oberheim DMX. Su guía era el también rapero Ready Ron, que lo acogió bajo su ala como un hermano menor. Cuando tenía 14, recibió un blunt que Ready Ron le pasó. Fumó, pensaba que era marihuana. También tenía crack, y así empezó una adicción que lo persiguió y atormentó por décadas. “Las drogas eran un síntoma de un problema más grande. Hubo cosas que viví en mi niñez que simplemente bloqueé, pero solo puedes bloquear hasta cierto punto antes de quedarte sin espacio. Realmente no tenía a nadie con quien hablar de eso. Muchas veces hablar de tus problemas es visto como un signo de debilidad, cuando realmente es lo más valiente que puedes hacer”, dijo en el podcast de Talib Kweli, People’s Party.Nada le llegó fácil, un Sísifo en Yonkers empujando la piedra una y otra vez cuesta arriba. Nunca se rindió, con el rap como salida de esas arenas movedizas. Esa ambivalencia entre adicciones, robos y la redención que buscaba desesperadamente la plasmó en sus discos. Nada le llegó fácil, ni en el rap. Luego de que apareciera en la sección de “Unsigned Hype” de la revista The Source en el 91, fue firmado por Ruffhouse, pero no duró más que un par de sencillos. Tuvo que esperar varios años para su segunda oportunidad, que llegó con Def Jam, luego de una racha de colaboraciones que demostró su potencia y carisma, así como su habilidad por prender el fuego desde la primera oración que escupía en el micrófono. Ma$e, The Lox, Mic Geronimo y LL Cool J fueron algunos de los artistas que lo invitaron a sus tracks, que mejoraron inmensamente con su presencia.En mayo del 98 lanzó It’s Dark and Hell Is Hot, una compilación hardcore de relatos callejeros y lamentos profundos propulsados por una producción tan enérgica como su voz, de la que se hizo cargo, principalmente, Dame Grease. La portada roja sangre y el título ya indicaban hacia dónde iba a tirar el trabajo. Así lo confirmó, por ejemplo, “Damien”, un track sobre la toma de decisiones entre tentaciones y plegarias, sobre la guerra contra sí mismo y su entorno. Un tema con la energía de una tractomula como “Ruff Ryders’ Anthem” (ubicua en barberías y playlists de ejercicio, e himno del sello que representaba y lideraba) explicaba su situación “Todo lo que conozco es dolor/Todo lo que siento es lluvia/¿Cómo me mantengo?”. Aún hoy el álbum mantiene ese vigor y esa complejidad, que invita a pensar dos veces antes de juzgar a las personas como buenas o malas.Tras el éxito de su primer disco, Lyor Cohen, ejecutivo de Def Jam, le hizo una propuesta que no pudo rechazar: se llevaría un millón de dólares si le entregaba a la disquera un álbum nuevo en un mes. Lo hizo, y en diciembre del 98 DMX publicó Flesh of My Flesh, Blood of My Blood. En la portada, DMX seguía cubierto de sangre, como si acabara de salir del averno o de asesinar lentamente a más de un humano. Muerte en las calles, pesadillas y sufrimiento de por vida fueron las temáticas del disco, junto con la siempre presente aspiración espiritual de salvación. Así completó uno de los años más exitosos, a nivel comercial y según la crítica, de la historia del rap.A pesar del éxito sin precedentes de su primer año, su trabajo más vendido llegó en 1999 con ...And Then There Was X, propulsado por sencillos como “Party Up” y “What’s My Name”, en la que empieza afirmando que no es una buena persona. Junto con su exploración cinematográfica de esa época (protagonizó Belly de Hype Williams y apareció en varias películas más), su fama y reconocimiento estaban en sus niveles más altos. Y el dolor nunca se fue, como lo consignó en el título de su siguiente disco The Great Depression (2001). Con Grand Champ (2003), cerró su racha dorada de cinco trabajos en el número uno y se retiró por unos años. Volvió con Year of the Dog … Again (2006) y luego Undisputed (2012), pero no pudo recobrar la atención masiva del inicio. El panorama del rap de esos años era cambiante y en transición y, si le creemos al refrán, no le puedes enseñar trucos nuevos a un perro viejo.La energía oscura y violenta de sus canciones no era solo un tema artístico. Ya como súper estrella fue arrestado por distintos cargos de armas, robo, drogas, violencia y violencia animal. En 2018 fue sentenciado a un año de cárcel por evasión fiscal. Y nunca pudo librarse de la adicción y el abuso de sustancias, a pesar de varios intentos de rehabilitación y sobriedad. Cuando salió de la cárcel, volvió a firmar con Def Jam. No alcanzó a vivir para publicar su nuevo álbum, que incluiría colaboraciones de Bono, Pop Smoke y Griselda. La lucha que planteó en “Slippin’”, uno de sus sencillos icónicos, no acabó. Su determinación por vencer frente a los obstáculos tampoco: “Me estoy resbalando, me estoy cayendo, no puedo pararme / Me estoy resbalando, me estoy cayendo, tengo que pararme / Ponerme de pie para destruir esta mierda”.Su música y su vida fueron contradictorias. Un balance de su carrera muestra que era explosivo, arrogante, introspectivo y sagaz, muchas veces todo a la vez. En sus canciones hay amor, miedo, rabia, alegría, tristeza, energía y violencia. Siempre fue auténtico, y el éxito masivo nunca implicó ponerse bozal que acallara sus ladridos o evitara que sus mordidas desgarraran. Esto se hacía presente en sus presentaciones en vivo, legendarias por su poderío y dinamismo: se conectaba con el público como con pura fuerza de voluntad. La imagen de una multitud de miles en Woodstock del 99, pogueando mientras X rapea con un overol rojo, una mirada determinada y un paso alegre, hace parte de las memorias del álbum familiar del hip hop.En “24 Hours To Live”, de Ma$e, DMX consideró cómo sería el final de su existencia. Lo hizo con violencia, remordimiento y esperanza: “He estado viviendo con una maldición, y ahora todo va a acabar / Pero antes de que me vaya, saluda a mi pequeño amigo / Pero tengo que hacerlo bien, reconciliarme con mi madre / Tratar de explicarle a mi hijo, decirle a mi mujer que la amo”. Era 1997. De cierta forma, en la ferocidad de su rap parece haber escondida una certeza de que estaba viviendo tiempo prestado. Quizás por eso, a pesar del dolor, se acercó a la vida con tanta alegría: tras su muerte han surgido videos de él bailando en la calle, en una boda de albaneses y con canciones de Michael Jackson. Que no se olvide su lado más alegre y jovial.Su búsqueda vital fue la de la tranquilidad. ¿La alcanzó? le dijo a su colega Noreaga en un episodio de Drink Champs: “Si me muriera ya, mi último pensamiento sería que viví una buena vida”. Al final, todos los perros van al cielo.
En la mañana del sábado 3 de abril se conoció que el rapero DMX fue hospitalizado por una aparente sobredosis de drogas, según confirmaron representantes del músico a Billboard. Todo indica que la sobredosis le ocasionó un infarto. Rolling Stone Estados Unidos confirmó la noticia y compartió un comunicado oficial emitido por los representantes del rapero y escrito por su familia."Nos entristece profundamente anunciar hoy que nuestro ser querido, DMX, cuyo nombre de nacimiento es Earl Simmons, falleció a los 50 años en White Plains Hospital con su familia a su lado después de haber sido sometido a soporte vital durante los últimos días". (...) “Earl fue un guerrero que luchó hasta el final. Amaba a su familia con todo su corazón y apreciamos el tiempo que pasamos con él. La música de Earl inspiró a innumerables fanáticos en todo el mundo y su legado icónico vivirá para siempre. Agradecemos todo el amor y apoyo durante este momento increíblemente difícil. Pedimos respetar nuestra privacidad mientras lamentamos la pérdida de nuestro hermano, padre, tío y el hombre que el mundo conocía como DMX. Compartiremos información sobre su servicio conmemorativo una vez que se ultimen los detalles ".Simmons empezó a rapear a los 13 años. Un rapero local le pidió que hiciera de beatbox para él, y Simmons aceptó, tomando el nombre de DMX de una máquina digital de sonido. Al final, decidió intentar convertirse seriamente en rapero, y perfeccionó sus habilidades.Es uno de los raperos que más álbumes ha vendido en la historia. Entre sus hits más conocidos se encuentran Party Up (Up in Here), Ruff Ryders' Anthem, I Miss You, Where the Hood At?, entre otras.Paz en su tumba.¡La música nos une!
Actualización: Murió el rapero DMX a los 50 años en Mount Vernon, New York. Detalles de su deceso y comunicado oficial revelan que el músico estaba acompañado por su familia más cercana.Para leer | MF DOOM es eterno: la historia del villano favorito del rapEn la mañana del sábado 3 de abril se conoció que el rapero DMX fue hospitalizado por una aparente sobredosis de drogas, según confirmaron representantes del músico a Billboard. Todo indica que la sobredosis le ocasionó un infarto. En la noche del jueves tomó fuerza el rumor de su muerte, pero rápidamente Steven J. Rifkind de SRC Records publicó un video en Instagram en el que le pide a los fans del músico no compartir rumores o información no confirmada sobre DMX.Lo que sí está plenamente confirmado es que DMX no ha recuperado ninguna función cerebral. De acuerdo con TMZ, la familia tendrá que enfrentarse pronto a tomar la decisión de retirar el soporte que aún lo tiene con signos vitales.En 2019, el músico tuvo que cancelar una de sus giras, para ingresar a un centro de rehabilitación. Ha sido detenido varias veces por posesión de drogas.Earl Simmons, su nombre real, debutó en 1998 con el disco It's Dark and Hell Is Hot.Simmons empezó a rapear a los 13 años. Un rapero local le pidió que hiciera de beatbox para él, y Simmons aceptó, tomando el nombre de DMX de una máquina digital de sonido. Al final, decidió intentar convertirse seriamente en rapero, y perfeccionó sus habilidades.Es uno de los raperos que más álbumes ha vendido en la historia. Entre sus hits más conocidos se encuentran Party Up (Up in Here), Ruff Ryders' Anthem, I Miss You, Where the Hood At?, entre otras.Noticia en desarrollo...¡La música nos une!
Fue bautizado como Marion Hugh Knight Jr. y creció en una de las canteras de los raperos más prolíficos: la ciudad de Compton, en el condado de Los Ángeles, estado de California. El mismo lugar que vio emerger artistas como N.W.A., Kendrick Lamar o The Game.Por David Luján Shedda*Suge Knight, como se le conoce en el mundo del rap, carga con uno de los historiales delincuenciales más violentos que la industria de la música haya visto. En una entrevista de 1996 una periodista del Times le preguntó sobre las amenazas a su vida y él declaró: "Tienes que darte cuenta de algo (…) La gente miente, y yo soy un demonio, y no pueden lidiar con eso. Están asustados".Conocido en su momento como el director ejecutivo del sello Death Row Records (traducido de manera habitual como Corredor de la muerte), fundado junto a Andre “Dr. Dre” Young, Curry y Richard Griffey en 1991, Suge condujo la carrera de una serie de estrellas mundiales del hip hop de la costa oeste de Estados Unidos.Nombres hoy consagrados como Snoop Dogg, RBX, The D.O.C. (quién introdujo a Suge con la banda N.W.A.), Nate Dogg (1969-2011), Lady of Rage, DJ Quik, Tha Dogg Pound y Tupac Shakur (1971-1996). Este último, uno de los más célebres y queridos raperos de todos los tiempos; el ídolo que fue arrastrado por la truculencia detrás del manejo de Death Row.La sola presencia de Suge fue, de entrada, intimidante. Su pasado como jugador de futbol americano y guardaespaldas de famosos como Bobby Brown lo respaldaban; además, claro de una enorme corpulencia de 1.93 metros de estatura y 300 libras.El grosor de su humanidad estuvo ligado siempre a su verdadera habilidad: la conducción de un sello de rap gánster que llegó a producir 100 millones de dólares al año a punta de intimidación y cizaña. La prensa gringa lo llegó a apodar “el hombre más temido del hip-hop", y el actual “John Gotti”.Su fama en el hampa fue creciendo en paralelo con su influencia en el rap. En los 90 mantuvo a varios miembros de la pandilla de los Bloods en su nómina y las noticias sobre el uso de la violencia en sus negociaciones fueron usuales. Por ejemplo, bien conocida es la historia de la negociación del contrato de Dr. Dre con Ruthless Records, propiedad de Eazy-E (1964-1995), gestionada a punta de encuentros con bates de béisbol y armas blancas.El pandillismo en Los Ángeles ha sido descrito como una verdadera epidemia y un problema de grandes dimensiones. Suge, de hecho, estuvo desde niño afiliado a los Bloods. En Compton los territorios estaban delimitados entre grupos rivales: los Bloods y los Crips. De ahí la expansión del término gangsta rap, surgido entre Compton, Long Beach y partes del este de Los Ángeles.Sin duda otro de sus episodios bélicos más recordados ocurrió la noche del 3 de agosto, en la entrega de los premios de la revista Source en Nueva York. Al recibir el premio a la mejor banda sonora cinematográfica del año por la película Above The Rim (Death Row, 1995), Suge dijo, refiriéndose a Puff Daddy (dueño de Bad Boy Records): "Cualquier artista que quiera ser un artista y seguir siendo una estrella, y no tenga que preocuparse de que el productor ejecutivo intente estar en todo, en los videos, en todo el disco, bailando... ¡Venga a Death Row!". Inmediatamente, se escuchó un coro por parte del público abucheándolo. La rivalidad entre la costa oeste y estaba caliente por ese entonces.En los 90 existió una disputa entre algunos raperos de la costa oeste y este de Estados Unidos atizada, principalmente, por los medios, pero que le cayó muy bien a la personalidad de Suge. Dos de los raperos más conocidos de su época, Tupac Shakur (californiano, de la costa oeste) y Notorius B.I.G. (neoyorquino, de la costa este) se convirtieron casi que sin querer en los líderes públicos de esta contienda.Ambos cayeron muertos por hechos relacionados con el accionar de pandillas de la ciudad de Los Ángeles. La sombra de Suge rodeó ambos asesinatos (incluso el del miembro de su propio sello, Tupac). Shakur fue asesinado en septiembre del 96 y Biggie en marzo del 97.Suge es recordado por ser quien conducía el automóvil en el que Shakur fue asesinado a tiros en Las Vegas al salir de una pelea de Mike Tyson y Bruce Seldon. Aunque Tupac fue baleado, él resultó prácticamente ileso.El historial de encuentros de Suge con la ley se remonta a 1992, cuando fue acusado de dos cargos de asalto con un arma mortal hacia dos raperos en un estudio de grabación en Hollywood. Uno de ellos fue golpeado en la cabeza con una pistola.En 1996 fue enviado a prisión por casi cinco años después de vencer a un rival a puños en un hotel de Las Vegas. Este video es recordado pues junto a él aparece Tupac 3 horas antes de su muerte.En 2002 Suge fue acusado de asociarse con pandilleros de Los Ángeles y posteriormente encarcelado por violar su libertad condicional. Para el siguiente año, de nuevo violó su libertad condicional al golpear a un asistente del estacionamiento de un club nocturno de Hollywood.En el 2005 recibió un disparo en una pierna durante una fiesta celebrada a Kanye West, previa a los MTV Video Music Awards. Para el 2009 fue hospitalizado después de una pelea en un hotel en Scottsdale, Arizona. En el año 2014 Suge disparó y recibió seis disparos durante un altercado en el club 1 Oak de West Hollywood, en una fiesta ofrecida por el cantante de R&B Chris Brown.Finalmente, en el año 2015 fue detenido bajo sospecha de haber asesinado a Terry Carter, a quién arrolló con su camioneta en una hamburguesería de Compton. Hecho donde estuvo involucrado el actor Cle ‘Bone’ Sloan, antiguo enemigo de Suge y asesor de la biopic de N.W.A. Straight Outta Compton. Tiempo atrás, el director de esta película, F. Gray Gray, había declarado recibir amenazas por parte de Suge.Suge fue encontrado culpable en el año 2018 de homicidio y sentenciado a 28 años de prisión con un acuerdo de cumplir 22 años encarcelado por los delitos de homicidio involuntario, voluntario y una tercera violación que duplicó la sentencia debido a las condenas anteriores y su historial delictivo bajo la ley estatal de tres strikes. No impugnó el homicidio voluntario.Sin embargo, a pesar de sus tácticas dudosas de negociación fue para muchos como un superhéroe poseedor de una enorme inteligencia mercantil y visión musical. Él mismo no pudo mantenerse fuera de las portadas de revistas y se convirtió en una figura pública, lo cual lo puso en un primer plano en innumerables situaciones. Su fama de protector de sus artistas también fue destacada apoyándolos en sus procesos legales e infracciones de la ley, a quienes cuidaba como a sus propios hijos: Taj Knight, Andrew Knight, y Legend Knight.Su comportamiento glamuroso de padrino mafioso hacía de él alguien único en su especie. Su sello era una suerte de familia gánster. A mediados de los noventa en su oficina, una fortaleza decorada con el color rojo de la pandilla de los Bloods con una enorme pecera llena de pirañas, y un tono de voz suave e intimidante decía: "les doy de comer ratas, a veces ratones".
En la mañana del sábado 3 de abril se conoció que el rapero DMX fue hospitalizado por una aparente sobredosis de drogas, según confirmaron representantes del músico a Billboard. Todo indica que la sobredosis le ocasionó un infarto.El abogado de DMX, Murray Richman, le dijo a Pix11 que el rapero había sufrido un ataque cardíaco y que ya "le quitaron el sistema de soporte vital. A ese medio también añadió, "sería poco sincero por mi parte sugerir que no soy un hombre preocupado". Posteriormente, declaró a Rolling Stone que había recibido información equivocada y efectivamente el rapero se encuentra con soporte vital. Varios raperos le han enviado sus mensajes de solidaridad a través de las redes sociales. En 2019, el músico tuvo que cancelar una de sus giras, para ingresar a un centro de rehabilitación. Ha sido detenido varias veces por posesión de drogas. Earl Simmons, su nombre real, debutó en 1998 con el disco It's Dark and Hell Is Hot. Simmons empezó a rapear a los 13 años. Un rapero local le pidió que hiciera de beatbox para él, y Simmons aceptó, tomando el nombre de DMX de una máquina digital de sonido. Al final, decidió intentar convertirse seriamente en rapero, y perfeccionó sus habilidades.Es uno de los raperos que más álbumes ha vendido en la historia. Entre sus hits más conocidos se encuentran Party Up (Up in Here), Ruff Ryders' Anthem, I Miss You, Where the Hood At?, entre otras. Además de su éxito en la música, DMX también ha incursionado en la actuación. Debutó en el cine con las películas Belly y Romeo Must Die. También tuvo su propio reality show titulado DMX: Soul of a Man. Ha hecho cameos en series como South Park, MadTV, Moesha, The Chris Rock Show, entre muchos otros.
Si hay algo que en un momento del siglo XX era un “pecado” e “imposible” de existir, era el de unir las caras del hip hop y el metal en una misma moneda. Los seguidores más ortodoxos de cada género no se esperaban que de esta mezcla derivarían vertientes musicales que dominarían cuanta lista musical existía en todo el mundo. Sobre todo aquellas canciones que añadían el scratch en el metal.El nu metal, el rap metal y el rap rock son la muestra de lo que esta fórmula significó para la música durante décadas. Pero ojo, esta mística de sonidos, como con cualquier otra en la historia de la humanidad, NO fue de un día para otro, sin embargo, canciones como Rock Box (1984) de Run-D.M.C., Rock Hard (1984) de los Beastie Boys e incluso I'm The Man (1987) de Anthrax, son bases sólidas que permitieron popularizar esta mezcla que ya venía evolucionando varios años atrás, por ejemplo, Walk This Way (1975) de Aerosmith junto a Run-D.M.C.Pueden leer también: Notorious B.I.G.: ¿Por qué fue tan importante para el hip hop?Hablar al detalle de cómo se dio esta unión, es una historia que merece libros completos. Aquí solo disfrutaremos del primer volumen de un listado de canciones que incorporaron el scratch en sus canciones y sustituyeron los gloriosos solos de guitarra del heavy metal por una aguja y un disco de vinilo, una incorporación que estalló en cadena y puso a brincar a más de una generación. Recomendación antes de seguir, ponerlas a todo volumen.Limp Bizkit - My Generation (2000)Si hay alguien que sabe cómo llevar el scratch a nuevos niveles ese es DJ Lethal, una de las mentes detrás del éxito de Jump Around (1992) de House of Pain, una canción que ha envejecido tan bien como buen un whiskey irlandés. Aquí, en compañía de Fred Durst, John Otto, Wes Borland y Sam Rivers, le dio el toque explosivo a una de las canciones insignias de Limp Bizkit. Solo de scractch: 02:56Kid Rock - Bawitdaba (1998)Así como no puede faltar una copa de vino para acompañar la cena, aquí no puede faltar la guitarra para acompañar el scratch. La carrera de Kid Rock y su cuarto álbum de estudio Devil Without a Cause (1998) le deben todo a Bawitdaba, una canción que incluso, hoy en día, cuesta entender qué carajos significa la frase que siempre la acompaña, no es un scat, pero tampoco un beatbox, en todo caso, sin ella perdería toda la esencia. Solo de scractch: 02:26P.O.D. - Rock the Party (Off the Hook) (2000)En agosto de 1999 conocimos el tercer álbum de P.O.D. y el primero bajo la sombrilla de un sello discográfico. The Fundamental Elements of Southtown que les valió su primer disco platino y en el que su sencillo Rock the Party (Off the Hook) fue un experimento en el que el scratch es el protagonista de inicio a fin. Solo de scractch: 01:53Linkin Park - With you (2000)A la fecha es bien conocido que Linkin Park siempre contó con Joe Hahn en la tornamesa para adornar sus canciones con las tonalidades electrónicas y de hip hop que los caracterizó desde Hybird Theory. En esa exploración de sonidos contaron con la ayuda de Dust Borthers para darle a With You esa textura musical dando paso a uno de los solos de scratch más recodados de la banda. Solo de scractch: 02:20Crazy Town - Butterfly (2000)Definitivamente sin los Red Hot Chili Peppers no existiría esta canción. El sampleo que sale de una sección de Pretty Little Ditty (1989) de los Chili Peppers le funcionó a Crazy Town para darnos una de las canciones de rap metal más populares de principios de siglo XXI: Butterfly. Si bien no cuenta con un exorbitante solo de scratch, fue una adición coqueta que nos recuerda Rock Box de Run-D.M.C., influencias de casi dos décadas que directa o indirectamente pavimentaron el camino para el uso de los discos de vinilo como parte de una fórmula musical épica. Solo de scractch: 02:19Hay muchas bandas y canciones que marcaron un antes y un después con sus experimentos musicales en compañía de una aguja y un vinilo, ¿cuáles son las que más recuerdan ustedes además de estas? Hasta aquí el primer volumen de Scratch en el metal.
Recientemente, Disney llamó la atención por ubicar una advertencia en algunas de las producciones de su plataforma de streaming, por ser consideradas racistas. Pero Disney no es la única productora que tiene obras problemáticas en su catálogo: un grupo de caricaturas de los Looney Tunes producidas y distribuidas por Warner Bros dejó de emitirse desde 1968, por sus representaciones consideradas racistas y estereotipadas a la comunidad afroamericana. Este grupo de caricaturas recibió el nombre de The Censored Eleven (Los 11 censurados) y comprende 11 cortos animados creados entre 1931 y 1944. Si bien algunas escenas de caricaturas han sido eliminadas por esta razón, en el caso de The Censored Eleven se consideró que ningún tipo de edición podría hacerlos aceptables para ser emitidos.Por ejemplo, en All This and Rabbit Stew, vemos que Bugs Bunny es perseguido por un cazador negro representad de forma estereotípica. Goldilocks and the Jivin' Bears de 1944, se basa en Ricitos de oro y los 3 osos, pero los osos son reemplazados por músicos de jazz haciendo “blackface”, algo considerado sumamente ofensivo hoy.Angel Puss, de 1944, tiene a un niño afroamericano representado solo con clichés llamado "Li'l Sambo". Incluso entonces, este corto fue criticado por la prensa a causa del racismo en su personaje principal.Si bien los cortos de The Censored Eleven no se han emitido en televisión desde 1968, si han llegado a algunos videos piratas y, por supuesto, a Internet. Algunos de ellos incluso son de dominio público se convierten en un testimonio clave del racismo que vivieron miles de personas durante siglos. Este es el listado completo de cortos: Hittin' the Trail for Hallelujah Land (1931)Sunday Go to Meetin' Time (1936)Clean Pastures (1937)Uncle Tom's Bungalow (1937)Jungle Jitters (1938)The Isle of Pingo Pongo (1938)All This and Rabbit Stew (1941)Coal Black and de Sebben Dwarfs (1943)Tin Pan Alley Cats (1943)Angel Puss (1944)Goldilocks and the Jivin' Bears (1944)
Este 17 de junio de 2021 estrenará en la plataforma de Streaming Paramount+ la nueva temporada de iCarly, considerado uno de los shows juveniles más exitosos de la cadena Nickelodeon. La serie oficialmente finalizó en noviembre de 2012 luego de seis temporadas y 97 episodios.Desde hace mucho se supo que Sam (Jennette McCurdy) no hará parte de la producción, luego de que renunciara a su carrera como actriz por problemas personales. La decisión la tomó cuando falleció su mamá y tras un análisis introspectivo sobre lo que ella era. Jennette contó en una entrevista que su tiempo en iCarly fue dificil y que la llevaron a tener problemas de salud, además, reveló que le daba vergüenza ver los personajes que hizo en la pantalla chica.En el marco de la promoción para este nueva era de iCarly, los actores han ido revelando elementos que se encontrarán a lo largo de los episodios. En una entrevista para el medio de internet Page Six el actor Jerry Trainor contó que por primera vez se hablará de situaciones sexuales entre los personajes.Nathan Kress de 28 años, y quien ya es padre de dos niños, decidió aclarar que este no era un programa infantil: “es un show de adultos para adultos y no específicamente uno apto para niños”. Tal vez esta es la razón por la que iCarly estrena en una plataforma de streaming y no en Nickelodeon, el canal que hizo famoso al proyecto.Este es el trailer de la nueva temporada de iCarly para Paramount+ICarly se creó para mostrar el impacto que podían tener las redes sociales y los medios digitales en un momento en que internet estaba tomándose el mundo por sorpresa. De cierta forma Carly, Sam y Freddie fueron la guía para el inicio de que muchos adolescentes crearan su propio contenido y se volvieran Youtubers.¡El lado S del cine y la tv!
La chocoana Rhiana Asprilla acaba de cumplir 20 años, es una orgullosa mujer trans y gracias a su talento en la danza se ha convertido en una de las líderes del colectivo artístico Black Boys, que tiene su sede principal en Quibdó, capital del Chocó. Su transición empezó en la compleja etapa de adolescencia, aunque desde muy pequeña sentía que era mujer así su círculo social le dijera lo contrario. Contenido relacionado | Juana Jiménez la actriz trans que conquistó la pantalla giganteConstruir su identidad no ha sido tarea sencilla, pero ella encontró refugio en el baile, una disciplina que según sus palabras "la empodera y hace sentir completa". Esta es su historia, misma que ha servido de inspiración para muchos niños y niñas afro en el departamento del Chocó. Hay muchas personas que no conocen sobre diversidad, pero he aprendido que todos los puntos de vista son importantes aunque sean diferentes. (...) Gracias a lo que he aprendido en estos años, y a mi talento, me he convertido en una líder del grupo de baile donde me admiran y me respetan": Rhiana, bailarina chocoanaUna historia que apenas inicia y que está cargada de sueños para Rhiana, quien se ve en el futuro como trabajadora social, activista de la comunidad LGBTIQ+, modelo y representante afro de su natal Quibdó.En el marco del mes del Orgullo LGBTIQ+ les recomendamos cinco contenidos en Shock.co sobre la comunidad y sus luchas.Identidad de género: "esto es ciencia, no política o religión"10 artistas trans latinoamericanos para tener en el radarEl líder que cambió la historia de la lucha LGBT en Colombia11 películas sobre la experiencia LGBTIQ+ que hicieron historia en el cineVisibilidad trans y no binaria: 10 personajes de Netflix que celebran la diversidadEn video | Manifiesto Orgullo LGBTIQ+: un mensaje para la comunidad ¡El lado S de la diversidad!
El nombre de Jennifer López, también conocida como J.Lo, le ha dado la vuelta al mundo gracias a sus hits como cantante donde se destacan los sencillos On The Floor, Qué Hiciste, Love Don’t Cost a Thing o Waiting For Tonight. Lo que muchas veces no se le reconoce a la neoyorquina es su labor como actriz, donde tiene un repertorio de lujo.Para ver | Hay planes para que ‘El diablo viste a la moda’ sea serie de televisiónLa biografía de Jennifer López en Wikipedia nombra que ella es “actriz, cantante, bailarina, compositora, productora discográfica, diseñadora de modas, empresaria, productora de televisión, coreógrafa y perfumista”, pero la verdad es que todo eso se resume en una palabra: 'entertainer', un término gringo para resaltar su habilidad para conectar con el público en diferentes plataformas.Se estima que ha vendido más de 11 millones de copias de sus discos en todo el mundo, pero hoy queremos resaltar su trabajo como actriz. Debutó en 1987 en una serie de televisión, pero la fama universal la recibió cuando protagonizó la película biográfica de Selena en 1997 con la que se ganó el cariño de la prensa internacional que le valieron su primera nominación a los premios Globo de Oro en la categoría de Mejor Actriz.Su primer golpe taquillero fue Anaconda donde, si bien fue criticada por su actuación, recibió mucho (muchísimo) dinero. En la década de los noventa se consagró en la comedia romántica y se encasilló en papeles de la pobre adulta a la que le rompen el corazón constantemente.En la década del 2010 continúo en el mismo género, pero se aventuró también a explorar el suspenso y el drama con películas que le mostraron a Hollywood que Jennifer López tenía mucho más por ofrecer como actriz.Antes de regresar a la comedia romántica con la película Marry Me, donde co-protagoniza con Maluma, JLo fue aplaudida por su papel de una stripper de Nueva York en la película Hustlers, basada en hechos reales. Por ese personaje recibió múltiples reconocimientos, pero no le alcanzó para ser nominada al Óscar.Estos son los papeles que han marcado la carrera actoral de Jennifer LópezSelenaAnacondaOut of sightThe Weeding PlannerMaid In ManhattanShall we dance?El CantanteEl Plan BWhat to Expect When You're ExpectingThe Boy Next DoorShades of blueHustlers¡El lado S del cine y la tv!
J. Cole estaba borracho y trabado cuando, en la mitad de una fiesta, sintió el peso de la vida aplastar su pecho. Salió al patio a tomar aire y, en unos minutos, se vio envuelto en una intervención de parte de sus amigos. Por Santiago Cembrano | @scembrano Era 2007, tenía 22 años y ya se había graduado con honores de la universidad de St. Johns. Estaba quebrado, pero no pensaba ejercer su título de comunicaciones. Había publicado el mixtape The Come Up, y esperaba un contrato discográfico que le cambiara la vida. Esa noche, en el patio de la casa donde estaban, sus amigos lo retaron: si tanto amaba el rap y quería construir una carrera como MC, ¿por qué siempre estaba de fiesta? ¿por qué estaba tan relajado si no había logrado nada? Él pensó en el basket, su otra gran pasión; en por qué no había llegado a la NBA, como soñaba de niño. La respuesta: no había trabajado lo suficiente, no lanzaba mil tiros al día. Si quería lograr una carrera en el rap, tenía que esforzarse y trabajar más. Mucho más.El rapero de Fayeteville, Carolina del Norte, empezó a escribir y hacer beats todos los días. Se retaba y hacía ejercicios para empujarse y elevar su habilidad. De esa revelación y ese enfoque vigoroso y renovado surgió The Warm Up (2009), su segundo mixtape. En la portada, un joven Cole, encapuchado, abraza un balón. La metáfora del baloncesto como rap, y viceversa, se extendió a la portada de su tercer mixtape, Friday Night Lights (2010): la silueta de un jugador, que se agarra la cabeza preocupado, sobre un balón. Incluso está presente en su álbum debut Cole World: The Sideline Story (2011). Y es a esa mentalidad, a esa ética, a ese acercamiento al rap y a la vida, a los que J. Cole retorna con The Off-Season, su nuevo disco, publicado el 14 de mayo de 2021 por Dreamville (Roc Nation Records), y su primero desde KOD (2018). En la portada, un Cole de 36 años, con experiencia y veteranía, descansa frente a un aro de baloncesto en llamas.J. Cole es uno de los raperos más grandes de su generación. Se ha constituido como un autor que puede elaborar proyectos conceptuales con ambición de profundidad sin sacrificar ni un ápice de éxito comercial: todos sus álbumes han sido discos de platino, con más de un millón de copias vendidas cada uno. Ha rapeado sobre el entorno en el que creció (2014 Forest Hills Drive), contado historias que honran la memoria de sus amigos muertos (4 Your Eyez Only) e incluso, con los años, asumido el rol de mentor para advertirles a los raperos más jóvenes sobre los peligros de los excesos de la fiesta y la fugacidad de la plata y la fama (KOD). Lo logró. El trabajo duro no fue en vano. Pero la situación es esta: ¿qué hace un rapero de 36 años con varios discos de platino, dos hijos y la vida solucionada? Jugar basket en la liga africana, como hizo Cole en el mes pasado cuando firmó por algunos partidos con el Patriots Basketball Club y mostró que como basquetbolista es buen rapero. No, pero en serio, la respuesta de Cole a esa pregunta es The Off-Season.A diferencia de sus últimos tres álbumes, la plantilla de The Off-Season, el mejor disco del primer semestre del 2021 para el portal Complex, está cargada de colaboraciones: en el micrófono, Cole invita a 21 Savage, Morray, Bas, Lil Baby y 6LACK; en la producción, a Boi-1da, Timbaland, Jake One, TaeBeast, T-Minus y DJ Dahi. Su enfoque también es mucho más abierto, un contraste claro frente a la insularidad que lo había caracterizado recientemente. En general, se siente ligero: salta de flow en flow y aborda distintos temas como quien está en la cancha puliendo sus movimientos (los tiros libres, el juego de pies en el poste, la media distancia saliendo de la triple amenaza) para competir por el anillo una vez más la temporada que viene, como si fuera LeBron James, uno de tantos jugadores de la NBA que referencia. Y en 1 0 0 . m i l hace una gran afirmación, en consonancia con LeBron y ese es el momento en el que reconoce su lugar en la historia del rap: “I’m on that Mount Rushmore / You niggas can’t front no more”.La comodidad es el enemigo claro para J Cole en este momento de su vida, como lo revela en el minidocumental Applying Pressure, que captura el proceso de The Off-Season, y en una entrevista con Brandon “Jinx” Jenkins para la mítica revista Slam. ¿Cómo mantener su lapicero afilado y evitar la complacencia? Cole cuenta que luego de hacer 2014 Forest Hill Drive pudo estar tranquilo por primera vez en años. Se permitió ver series, jugar videojuegos y vivir de una forma de la que antes huía porque debía seguir trabajando para mejorar. “Me di ese tiempo. Y con ese tiempo vinieron pensamientos muy cómodos. Como ‘Hey, más o menos llegaste a donde siempre querías llegar, ¿ahora qué?’”, le confesó a Jenkins. Como no había maximizado sus habilidades, siguió empujando con más fuerza. Después de todo, Jordan nunca dejó de entrenar, ni cuando era claramente el mejor del mundo y acumulaba anillos año tras año. Es más, porque entrenaba como lo hacía era que se mantuvo en la cima tanto tiempo mientras lo intentaban tumbar. Añade Cole: “The Off-Season representa el trabajo que toma llegar a lo más alto de lo alto, las horas y meses y años que toma llegar a un estado óptimo”.Aunque The Off-Season no tiene un concepto único, hay dos ejes temáticos que lo impulsan: el entorno violento de Fayeteville al que Cole sobrevivió y su estatus como uno de los grandes de la historia del rap. Ambos están entrelazados, como si los uniera una relación causal (que Cole no explicita): es grande precisamente por lo que vivió. En 9 5 . s o u t h, que abre el disco, presume lo fácil que se le da rapear y lo mucho que vende, e inmediatamente yuxtapone esta afirmación con recuerdos de la época cuando manejaba de Carolina del Norte a Nueva York y el asfalto a su alrededor estaba lleno de casquillos de plomo. En a m a r i celebra sus triunfos y resalta el hambre que aún lo impulsa y en m y . l i f e se adentra en la historia de adicción que corroe a familia y la pobreza que precedió su éxito en el rap. Y no sería un disco de J. Cole si no incluyera pasajes que para sus fans son regaños y consejos necesarios y para sus detractores sermones insoportables que muestran su peor versión: en a p p l y i n g . p r e s s u r e invita a los raperos que fingen tener plata y ni pueden pagar la hipoteca de su casa a ser honestos y abrazar que están quebrados, así como él lo estaba cuando empezó.J. Cole suena rejuvenecido en The Off-Season, equilibra la ética neoyorquina de las barras que lo crio con flows doble tempo y experimentos melódicos más cercanos al sur de Estados Unidos y de su casa en Carolina del Norte. En la producción, por momentos hay boom bap contemporáneo, así como elementos de trap. Es la evolución lógica del sonido de J. Cole, versión 2021, tras años de buscar el balance entre sus distintas influencias e intereses sonoros (y comerciales), y su propia forma de incorporar todo lo aprendido. Dentro de su entrenamiento es claro que le importa la versatilidad: quiere dominar todos los flows, partir todo tipo de beats. En esta misión le ayudan invitados como 21 Savage y Lil Baby, dos de los nombres más rutilantes del firmamento rapero actual, que claramente inspiran el estilo de Cole en el disco. No lo dice ni en la entrevista ni en el documental, pero seguro que parte de las horas de trabajo también está direccionada a adaptarse al panorama, a mantener sus fundamentos de vieja escuela con los sabores de la nueva camada, como un poste que aprende a lanzar triples para mantenerse vigente.La disposición de Cole a evolucionar puede ser una fortaleza de The Off-Season, pero también es la principal debilidad del álbum. Al medir su flow moderno con sus invitados suele quedar en evidencia, como si Shaq se midiera con Curry en lanzamientos desde media cancha. Sobre todo, la búsqueda de nuevos estilos ha diluido su sonido persona, su huella digital, lo que es suyo y de nadie más en el rap. ¿Qué diferencia a J. Cole del resto de raperos del 2021 cuando él voluntariamente está surfeando olas exitosas propulsadas por otros? Además de Lil Baby, por ejemplo, en The Off-Season se escucha la marca de raperos como Future y Swae Lee. Y a J. Cole no le quedan mal estas estructuras, pero ya hay otros que lo hacen mejor. Si un caballito de mar invierte 10.000 horas en intentar volar, por más que se esfuerce difícilmente alcanzará a un halcón.Pero si Cole confía tanto en los frutos que resultan del trabajo duro es porque fue lo que lo elevó de un rapero interesante a una súper estrella global. Lo suyo no es el talento innato ni el carisma magnético. No se puede olvidar que su primer disco, Cole World: The Sideline Story, fue un trabajo mediocre, y varios de los problemas de ese proyecto se trasladaron a su segundo álbum, Born Sinner. Pero a punta de esfuerzo y voluntad subió de nivel. A partir de Forest Hill Drive encontró su lugar, una forma más contundente de expresar sus ideas y una atmósfera sonora que se adaptaba a las historias que quería narrar. Mejoró en todos los campos. No pudo eliminar todas sus debilidades, pero, en retrospectiva, sí es notable cómo logró establecerse como un rapero de alto nivel a través de una jornada que se asemeja al sueño americano del rap, en el que el sudor desemboca en un océano de éxito.El problema es que Cole, lo ha dejado claro desde el principio, aspira a ser más que un rapero de alto nivel: quiere estar entre los nombres que se nombran cuando la pregunta es quién es el mejor. Sus referentes son Jay-Z y Nas y todo un panorama de clásicos, nombres indelebles que, más allá de gustos, cuentan con el respeto absoluto de todo el hip hop. Ellos construyeron un mundo propio, formas de rapear, de escribir y de encarnar la cultura, tanto así que no se puede morder su estilo, so pena de ser centro de burlas y dedos acusatorios. Por eso es confusa la decisión estética de Cole de avanzar por caminos que raperos más jóvenes que él construyeron: su identidad propia, lo que lo hace distinto, se diluye en la misma medida que sus canciones se adaptan bien a la corriente principal del rap en el 2021.En 1 0 0 . m i l’, además de enunciar su pertenencia al monte Rushmore, Cole afirma que sigue mejorando, incluso después de quince años en el juego. A diferencia del basket, en el que las horas en el gimnasio no pueden derrotar el paso del tiempo, J. Cole sabe que su nivel no tendría por qué disminuir si él no baja la guardia ni se duerme en sus laureles. “Si bajara de nivel, sería porque lo permití. Puedes ser víctima de eso y aceptarlo y seguir haciendo música porque sí o por negocio, o puedes de verdad trabajar las horas, meses y años que necesitar para maximizar tu habilidad. Así, cuando mires atrás podrás decir cómo ‘De verdad me empujé tan fuerte como pude’”, le dice a Jenkins para Slam. Insiste en el tema de las horas, porque para él es la diferencia entre los talentosos y las leyendas.Y acá es donde su teoría de las horas de trabajo se queda coja. Kevin Durant trabaja duro, claro, pero su habilidad para anotar 30 puntos por noche con la misma facilidad que su vecino se para de la cama no viene solo del entrenamiento: hay un talento anterior que el entrenamiento potencia y resalta, pero que no depende de la voluntad ni el esfuerzo. Andre Drummond, el poste de Los Lakers, seguro trabajó duro durante toda su carrera, pero así hubiera trabajado el doble no habría alcanzado a ser ni la sombra de postes como Hakeem Olajuwon o Kareem Abdul-Jabbar. La gracia de los mejores raperos es que hacen parecer fácil algo que para el 99% de la humanidad es imposible, y uno de los problemas de J. Cole es la intensidad con la que se marcan las venas de su frente, el esfuerzo máximo que se nota en sus canciones y él mismo se encarga de resaltar. Cuanto más destaca las horas de trabajo invertidas, más se aleja J. Cole de ese panteón de los que exudan talento solo con abrir la boca y decir hey yo.The Off-Season es un disco decente y J. Cole es un buen rapero. La pasión con la que se acerca al rap, y esa determinación de no dejar que nadie trabaje más duro que él son entrañables. Seguramente pasará a la historia como uno de los principales nombres de su generación y su racha de discos platino sin colaboraciones será recordada, aún si sus barras no son tan notables como a él le gustaría pensar. Al final, más allá del monte Rushmore y de su estatus en el ranking histórico del rap, la gracia de ese espacio entre temporadas a la que remite The Off-Season es retarse a uno mismo, seguir mejorando, pulir los puntos débiles. No por nada este disco, que puede pensarse más como un mixtape, antecede su siguiente álbum, The Fall-Off, que continuará su batalla contra la complacencia y la comodidad, con ese momento en el que supuestamente los raperos empiezan a decaer. Aunque apunta al MVP, todo su trabajo le ha hecho merecedor de otro premio, que simboliza su carrera: el del jugador que más ha mejorado. Pero Julius Randle no es Nikola Jokić.Sígannos también en Instagram
