La legendaria banda británica Iron Maiden se quedó por fuera del Salón de la Fama del Rock 2021. Este año, entrarán The Tina Turner, Foo Fighters, Jay-Z, The Go-Gos, Carole King y Todd Rundgren. Fueron en total 16 artistas nominados y entre quienes no fueron incluidos están Rage Against The Machine, New York Dolls, Kate Bush, Fela Kuti, Devo, Dionne Warwick y LL Cool J. Es la primera vez que Iron Maiden era nominada. Esta diversa generación de nuevos y talentosos miembros refleja el compromiso del Salón por honrar a artistas cuya música creó el sonido de la cultura joven", dijo John Sykes, director de la Rock and Roll Hall of Fame Foundation. El Salón de la Fama del Rock es un espacio para honrar a aquellos artistas y bandas que con su arte han revolucionado la historia de la música. Grandes nombres de la música han sido homenajeados en sus cerca de 35 años de historia. Para ser incluido en el Salón de la Fama del Rock hay que tener como mínimo 25 años de carrera y "haber creado música cuya originalidad, impacto e influencia haya cambiado el curso del rock and roll", según el propio Salón. La ceremonia de entrega será el próximo 30 de octubre. Algunos fans no están de acuerdo con que se hayan excluido bandas destacadas dentro del metal, como Judas Priest, Soundgarden, Thin Lizzy, Motörhead o Slayer, mientras se incluyan artistas que no forman parte del rock, como Whitney Houston o Notorious B.I.G. En su amplia carrera, Iron Maiden han vendido cerca de millones de álbumes en todo el mundo y han dado más de 2000 conciertos. Fue una banda determinante para el desarrollo del heavy metal. "Independientemente de si les importa, que Maiden no esté en el Salón de la Fama es una LOCURA", tuiteó en abril pasado Paul Stanley de Kiss, cuya banda fue admitida en 2014. "Independientemente de quién esté escribiendo o no, el Comité debe admitirlos. Han ayudado a generar todo un género musical. ¿Qué más necesitas hacer?".
Para el 16 de diciembre de 2021 quedó aplazada la charla de Bruce Dickinson, de Iron Maiden, según lo anunció la empresa Move Concerts en sus redes sociales. La conversación iba a realizarse el próximo 20 de agosto. La cita será en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán. El músico venía a Latinoamérica como parte de la gira promocional de su autobiografía, titulada What Does This Button Do? (2017), la cual da nombre al evento. Según informó Move, quienes ya tenían entrada para la primera fecha, podrán usarla para esta oportunidad. El evento se divide en 2 partes: la primera consiste en un recorrido por algunos momentos clave de su vida con anécdotas inéditas. El segundo es una sesión de preguntas espontáneas del público. Si hay alguien con una vida sumamente fascinante, ese es Bruce Dickinson. Además de su exitosa carrera como líder de Iron Maiden, el músico británico también es locutor radial, productor, historiador, novelista, piloto de avión, esgrimista y también tiene su propia marca de cerveza. Dickinson nació en Worksop, Nottinghamshire, Inglaterra el 7 de agosto de 1958. Su primer nombre en realidad es Paul. Fue expulsado de la escuela Oundle, luego de orinarse en la comida que iban a servir al rector. Inicialmente quería tocar la batería hasta que descubrió su pasión por el canto. Es graduado en historia y en 2011 obtuvo un doctorado honorífico de la Queen Mary University, de Londres. Como esgrimista, fue invitado al equipo olímpico inglés, pero tuvo que rechazar la participación por los compromisos de gira con Iron Maiden. Dickinson fue diagnosticado con cáncer en la lengua en 2015 y superó la enfermedad en 2017. Ha escrito varias novelas y también el guion para la película Chemical Wedding.
Si la composición de una canción suele ser difícil imagínense el nivel de complejidad para la creación de un álbum completo con más de 8 canciones. A eso agréguenle que cada uno de esos trabajos debe ser bautizado con un nombre llamativo y que, en muchas ocasiones, debe estar ligado a un concepto. Todos los artistas que mencionaremos en esta nota encontraron inspiración en El Dorado para sus canciones, discos o giras musicales. Por: Sebas Peña | @SebasNews El Dorado es una leyenda latinoamericana que circuló desde el siglo XVI en el Virreinato de Nueva Granada, territorio que hoy conocemos como Colombia. En resumen, la historia cuenta que había una zona con grandes minas de oro y donde el rey indígena realizaba ritos en los que se cubría el cuerpo con polvo de oro y realizaba ofrendas en una laguna sagrada. Ese lago existe y está ubicado a 40 minutos de Bogotá y fue bautizado como Guatavita, nombre del Municipio donde está ubicado. El Dorado, durante la conquista, fue el tesoro que motivó a muchos saqueadores a explorar la geografía colombiana. La llamativa historia es parte de la cultura popular desde hace muchas décadas y ha sido llevada al cine, a los videojuegos y a series de televisión, pero el nombre El Dorado ha recorrido el mundo moderno y se ha reinventado en la cultura pop principalmente por músicos de diferentes países que se basaron en la leyenda para sus propuestas musicales. Shakira, Marina and the Diamonds, Aterciopelados, Iron Maiden, entre otros, son parte de ese combo que encontraron en la leyenda colombiana la ruta ideal para su música. DISCOS Y CANCIONES SOBRE ‘EL DORADO’ Aterciopelados El segundo álbum de estudio de Héctor Buitrago y Andrea Echeverri es considerado uno de los discos más importantes del rock en español. Su riqueza musical está en la fusión y evolución de ritmos propios del folclore latinoamericano. Este disco significó el debut internacional de Aterciopelados e incluye temas legendarios como Bolero Falaz y Florecita Rockera. Iron Maiden The Final Frontier es el decimoquinto álbum de la banda y su primer sencillo fue El Dorado, tema merecedor de un premio Grammy a Mejor Interpretación de Metal. La canción tiene una duración de seis minutos y medio fue escrita por Bruce Dickinson, Adrian Smith y Steve Harris. Marina and the diamonds En Froot, tercer álbum de la cantautora británica, hay un track llamado Golden en el que se hace referencia a la leyenda de El Dorado. A lo largo de la canción hace referencias a mitos famosos, pero se centra en la leyenda colombiana. Shakira Luego del nacimiento de su segundo hijo la cantante barranquillera confesó que pasó por una etapa de bloqueo donde no se sentía en la capacidad de hacer música al punto de considerar retirarse de la música. En entrevistas declaró que gracias al apoyo de su pareja Gerard Piqué volvió a encontrar inspiración para crear canciones y que eso significó para ella como encontrar un tesoro perdido. El Dorado también fue el nombre que le dedicó a su gira mundial de conciertos que finalizó el 3 de noviembre de 2018 en Bogotá. EXO El Dorado llegó al fenómeno más grande de los últimos años: el K-pop. EXO es una banda formada en 2011 por la empresa de entretenimiento SM Entertainment y que fue considerada por Forbes como la boy band más influyente de Corea entre 2015 y 2017. El track El Dorado hace parte del álbum Exodus lanzado en 2015. Elton John El británico fue llamado por DreamWorks para ser parte de la banda sonora de la película animada The Road to El Dorado. La película no fue un mega-éxito taquillero, principal razón para que esta canción haya pasado desapercibida en premios como Oscar, Globo de Oro o Grammy. Marcus King El sur californiano de 23 años, líder del grupo The Marcus King Band, nombró su álbum debut como solista El Dorado por lo terapéutico que es para él hacer música. Este disco fue grabado en solo tres días y fue producido y co-escrito por Dan Auerbach de The Black Keys. Revolver El Dorado fue el tercer álbum de estudio de la banda española considerada referente del pop-rock hispano de los 90. Este disco es un homenaje que el artista Carlos Goñi le hace a Bruce Springsteen, uno de sus referentes musicales. BNMP & FINESSE Los dos colectivos, uno de España y otro de México, se unieron para fusionar sus estilos alrededor del romanticismo y la sensualidad. El álbum tiene una participación gigante de Jesse Báez, artista nacido en Chicago, pero que creció en Guatemala. El Dorado fue un experimento maravilloso para ver cómo se unen musicalmente varias nacionalidades. Gizmo Varillas Este español radicado en Londres es un mago de la música: toca múltiples instrumentos y es ingeniero, compositor y productor de sus dos primeros álbumes de estudio. En 2017 estrenó el disco El Dorado, nombrado por varios medios musicales como uno de los mejores álbumes de ese año. La portada del álbum es animada y allí se muestra a un individuo saliendo de una laguna dorada; Guatavita. #LaMúsicaNosUne
En febrero de 2019 se estrenó el Ion Maiden, un videojuego desarrollado por Voidpoint y publicado por 3D realms que es en realidad una precuela del juego de acción Bombshell. En Ion Maiden, el jugador asume el rol de Shelly Harrison, una desactivadora de bombas profesional alineada a la Fuerza de Defensa Global. Hasta ahí todo normal; un juego más que tiene la formula para volver adictos a muchos gamers. El rollo llegó cuando la banda británica de heavy metal Iron Maiden empezó a recibir comentarios que los asociaban con el videojuego, siendo que son dos cosas que no tienen relación alguna. Este es el trailer. Dos millones de dólares es el monto que la agrupación está exigiendo a 3D realms por presuntamente hacerles creer a los compradores que los productos de su marca son aprobados por los demandantes. Entre las pruebas que se recogieron para esta denuncia están varios comentarios de usuarios en redes sociales que llegaron a pensar que Ion Maiden era un videojuego creado por los intérpretes de The Trooper. La banda de Bruce Dickinson alega que el monto solicitado es por daños y perjuicios ocasionados a ellos y a los seguidores de su música. Además, solicitan que el video juego sea retirado y que la página web que lo promociona desaparezca. Recomendado: Liga Movistar 2019, la batalla final de League of Legends
Eddie, el personaje emblemático de Iron Maiden, perdió su energía por culpa de una fuerza misteriosa. El reto que tendrán los gamers es resolver el misterio y ayudarlo a salir de su crisis.
Por: @chuckygarcia. Años atrás fui jurado de la eliminatoria de bandas bogotanas de Rock al Parque, lo que quiere decir que junto con otras dos personas (uno músico, el otro periodista) me senté por un mes a escuchar una caja con 300 discos, entre demos y álbumes de estudio. Casi todos los demos eran cortos, cuestión de tres canciones, y uno en particular me detuvo al final de la maratónica escucha: el nombre de la banda, que ya no recuerdo me resultaba desconocido, pero sus canciones en inglés, no. Su sonido me era familiar, de algún modo, y sonaba tan bien para ser una banda amateur que saqué el demo aparte. Tras terminar de escuchar todas las propuestas locales que aspiraban a tocar en el festival me acosté a dormir, y a las pocas horas me paré de la cama como un resorte, como en uno de esos ataques de ansiedad en los que uno cree que se va a morir de un infarto: en medio del sueño mi cabeza reconoció uno de los temas del demo en cuestión, y no era precisamente una buena noticia. Al levantarme lo primero que hice fue ir por el único disco que había coleccionado de Iron Maiden, “The Number of the Beast”, tercero de la banda británica, publicado a comienzos de los años 80 y catapultado a la fama sobre todo por los alcances que tuvo su sencillo “Run to the Hills”. Según la red, es una de las 40 “Greatest Metal Songs” que alguna vez contabilizó el canal VH1, y en su letra habla “de la conquista de los indígenas americanos por parte de los ingleses”. Pero aquí la cosa era a otro precio: por broma o sabotaje, alguien con mucha malicia indígena había agarrado “Run to the Hills” y otras dos canciones más de Maiden, las había quemado en un CD, le había hecho una portada, se había inventado un nombre de banda y se había tomado la molestia de inscribirla en la convocatoria de bandas distritales de Rock al Parque. De haber clasificado, los jurados habríamos hecho un ridículo más grande que el nuevo avión privado de Iron Maiden (un Boeing 747-400 Jumbo), y el festival sumaría otro de esos eventos inusitados y controversiales que también hacen parte de su historia, como la granizada del 2007 que obligó a cancelar su primer día de programación y las acusaciones de plagio de su afiche oficial en 2013 (basado en una foto del banco de imágenes Shutterstock.com). Nunca he sido fan de Maiden, y además de “The Number of the Beast” tengo poca cosa más que un picture disc en vinilo de edición limitada y algunas canciones recopiladas en los casetes en los que grababa el programa de radio “Metal en Estéreo” de 88.9 FM. Y nunca me hizo falta tener más. Con “The Number of the Beast” fue como acceder a un prototipo temprano de lo que la banda grabaría en sus siguientes 30 años y, de hecho, de lo que había publicado previamente en 1981 y 1980. Decir que los 16 álbumes de estudio que desde entonces han grabado son totalmente idénticos es falso, pero que giran en torno al mismo patrón musical, no. Como esa gente que siempre se pone la misma chaqueta y nadie nota que se cambió de camisa; o como si uno todos los días solo se cambiara la ropa interior. Da lo mismo. Decir que los 16 álbumes de estudio que desde entonces han grabado son totalmente idénticos es falso, pero que giran en torno al mismo patrón musical, no. “The Book of Souls” (2015) es el título del más reciente y doble LP de Iron Maiden y sus canciones de cinco, ocho, diez, trece y hasta dieciocho minutos de duración, a la larga, lo llevan al mismo lugar al que a uno lo remite “Run to the Hills”. Leyendo las reseñas en los medios encuentro que casi nadie habla de eso ni del alma del disco, es decir, del valor de la música como tal, y a lo que casi siempre se remiten es a lo que el grupo británico ha sido capaz de sacrificar por sus fans, lo cual no es novedad: no duden que serían capaces de cortarse una mano para autografiarla y regalársela a la gente que paga para escucharlos o verlos. Mientras las demás bandas organizan las sesiones de escucha de sus nuevos álbumes con algunos periodistas en las oficinas de su sello, Maiden llevó a París a un grupo de fanáticos en su avión y durante el viaje –piloteado por su propio cantante Bruce Dickinson– les puso las canciones de “The Book of Souls”. Cuando uno aterriza el elepé, sin embargo, encuentra que no es necesario viajar en el famoso Ed Force One porque en casa o mientras viaja en bus es palpable que dieciséis discos después no hay nada nuevo más allá de la portada, y eso que la de “The Book of Souls” es bastante similar a las de los discos “The X Factor” de 1995 y “Virtual XI” de 1998. Solo con escuchar el primer sencillo, “Speed of Light”, uno se puede hacer una idea del resto del doble repertorio, de ese vademécum de canciones tan largas que parecen no tener fin y tan repetitivas que para justificarlas sus propios creadores como Dickinson o el bajista Steve Harris tienen que hablar de “integridad”. Un eufemismo de “amamantar”, la verdad sea dicha, o una reducción de la expresión “sigamos tocando así hasta que los seguidores y los hijos de estos sigan comprando los discos y yendo a los conciertos de la gira”, que justamente pronto pasará por Suramérica aunque Colombia esta vez se quedó por fuera. Aquí los fans no son pocos, e incluso en menos de cuatro años, entre 2008 y 2011, se gastaron en promedio $770.000 pesos viendo en primera fila y en tres ocasiones un show casi idéntico. Dirán que es imposible que una agrupación de tanta trayectoria no se repita en su directo y que no es la única que lleva 35 años grabando el mismo tipo de álbum; pero eso es como investir al fanático con el grado de carcelero y como tener una casa por cárcel, y no lo digo con despotismo sino con la mirada de alguien que en todo caso le debe a Iron Maiden el que lo haya librado de un oso sin par.
El lanzamiento el próximo 4 de septiembre de 'The Book of Souls', el nuevo álbum de Iron Maiden sigue moviendo la prensa con toda clase de nuevos inventos y creaciones. Casi que podríamos decir que la musa de la inspiración hace rato que no rondaba con tanta intensidad.Por eso el nuevo avión de la banda es un detalle que no podía pasar inadvertido. Un coloso conocido como 'La Reina de los Cielos', un Boeing 747-400 Jumbo Jet casi que el doble de grande que su predecesor.El nuevo 'Ed Force One' llevará a la banda, su staff y más de 12 toneladas de equipo a través de los 88,500 Km que recorrerá la gira por todo el planeta, visitando más de 35 países.“El mayor beneficio de viajar en un 747 es que debido a su colosal tamaño y capacidad de carga podemos llevar nuestra puesta en escena y todo nuestro equipo de escenario en la bodega de carga sin tener que hacer ninguna de las inmensas modificaciones estructurales que fueron necesarias en el anterior 757”, explica el cantante y piloto de Iron Maiden, Bruce Dickinson, quien se encuentra en clases aceleradas para adaptarse al nuevo juguete.Aunque se desconocen con precisión las fechas se reveló que iniciará en los Estados Unidos el próximo mes de febrero, con Ed Force One volando por 3 ciudades más de la Unión Americana antes de dirigirse hacia México y Centroamérica, donde por primera vez visitarán El Salvador y regresarán a Costa Rica. Luego el destino será Argentina y Chile para después llegar a Brasil y cumplir con una serie de shows dentro de la nación carioca, antes de regresar a los Estados Unidos para visitar 10 ciudades más y Canadá durante el mes de abril.Su tan esperado regreso a tierras japonesas sucederá a principios de Mayo. La banda además tocará por primera vez en su historia en China antes de dirigirse hacia Nueva Zelanda y Australia hasta principios de junio. Sudáfrica será el último punto antes de dirigirse hacia Europa para completar la gira que comenzará en junio y culminará hasta entrado el mes de Agosto.
La banda británica Iron Maiden estrenó este viernes el videoclip de 'Speed of light', primer sencillo de 'The book of souls', el nuevo disco doble que publicarán el próximo 4 de septiembre. El videoclip fue producido y dirigido por Llexi Leon con animaciones y efectos visuales de The Brewery Production Company. Pero más allá de los créditos y la noticia del primer lanzamiento, el video es impresionante y se roba todos los elogios, porque hace un repaso a 40 años de videojuegos, relacionándolos con los 40 años de historia visual de Iron Maiden, teniendo como protagonista a Eddie en muchos formatos y una pinta ochentera bien peculiar, haciendo fatalities mientra lucha por no perder puntos de vida mientras cumple las misiones.
Iron Maiden publicó 30 segundos de un solo de guitarra que parece pertenecer a 'The Book Of Souls', el decimosexto álbum de estudio grabado por el grupo, que saldrá a la venta el 4 de septiembre. Este es el primer álbum doble en la carrera de la banda formada en 1975 por el bajista Steve Harris, que tendrá una duración de 92 minutos e incluirá 11 canciones nuevas.'The Book Of Souls' es también el primer álbum de estudio que la banda publica en cinco años, tras alcanzar el número uno en 28 países en 2010 con "The Final Frontier".Además, es la primera vez desde el álbum "Powerslave" (1984) que el vocalista Bruce Dickinson compone dos temas en solitario, y uno de ellos, "Empire Of The Clouds", es el más largo de Iron Maiden, con una duración que supera los 18 minutos.Steve Harris ha compuesto siete canciones para el nuevo disco, seis de ellas con los guitarristas de la banda y otra en solitario. Y otros dos de los temas del álbum, "Speed Of Light" y "Death Or Glory" son creaciones conjuntas de Bruce Dickinson y del guitarrista Adrian Smith."Hicimos este álbum de una forma diferente. Varias de las canciones las escribimos mientras estábamos en el estudio, las ensayábamos allí y las grabábamos, manteniendo así su frescura", explicó Harris en la nota distribuida por la discográfica."Estoy muy orgulloso de "The Book Of Souls", todos lo estamos, y no podemos esperar a que los fans puedan escucharlo, y especialmente a tocarlo en directo el año que viene", aseguró Harris en la nota.El nuevo álbum, que comenzó a grabarse en París, a finales de 2014, con el productor habitual de la banda, Kevin "Caveman" Shirley, dispondrá de una edición limitada, una estándar, un triple vinilo y un álbum digital que ya se puede pedir anticipadamente en iTunes.EFE
La banda británica Iron Maiden anunció este martes la publicación del nuevo disco "The Book Of Souls", el decimosexto de estudio grabado por el grupo, que saldrá a la venta el 4 de septiembre, informa Warner Music. Este es el primer álbum doble en la carrera de la banda formada en 1975 por el bajista Steve Harris, que tendrá una duración de 92 minutos e incluirá 11 canciones nuevas. "The Book Of Souls" es también el primer álbum de estudio que la banda publica en cinco años, tras alcanzar el número uno en 28 países en 2010 con "The Final Frontier". Además, es la primera vez desde el álbum "Powerslave" (1984) que el vocalista Bruce Dickinson compone dos temas en solitario, y uno de ellos, "Empire Of The Clouds", es el más largo de Iron Maiden, con una duración que supera los 18 minutos. Steve Harris ha compuesto siete canciones para el nuevo disco, seis de ellas con los guitarristas de la banda y otra en solitario. Y otros dos de los temas del álbum, "Speed Of Light" y "Death Or Glory" son creaciones conjuntas de Bruce Dickinson y del guitarrista Adrian Smith. "Hicimos este álbum de una forma diferente. Varias de las canciones las escribimos mientras estábamos en el estudio, las ensayábamos allí y las grabábamos, manteniendo así su frescura", explicó Harris en la nota distribuida por la discográfica. El grupo que ya ha vendido más de 90 millones de discos en todo el mundo a lo largo de sus 40 años de carrera decidió retrasar el lanzamiento del nuevo álbum para que Bruce Dickinson pudiera recuperarse completamente tras haber superado un cáncer hace unos meses. "Estoy muy orgulloso de "The Book Of Souls", todos lo estamos, y no podemos esperar a que los fans puedan escucharlo, y especialmente a tocarlo en directo el año que viene", aseguró Harris en la nota. El nuevo álbum, que comenzó a grabarse en París, a finales de 2014, con el productor habitual de la banda, Kevin "Caveman" Shirley, dispondrá de una edición limitada, una estándar, un triple vinilo y un álbum digital que ya se puede pedir anticipadamente en iTunes.EFE
“Lollapalooza se fundó con base en la diversidad, la inclusión, el respeto y el amor. Con eso en mente, DaBaby ya no actuará en Grant Park esta noche. La actuación de Young Thug ahora tendrá lugar a las 9:00 pm en el Bud Light Seltzer Stage, y G Herbo actuará a las 4:00 pm en el T-Mobile Stage”. Así anunció el festival su rechazo a los comentarios de DaBaby. La semana pasada, durante una actuación en el festival Rolling Loud de Miami, el cantante originario de Ohio lanzó una serie de comentarios despectivos sobre los hombres homosexuales, el VIH y el SIDA. Se disculpó, pero empeoró las cosas, lanzando un video donde usaba nuevamente el SIDA como un insulto.Durante un concierto presencial el rapero hizo una pausa para analizar los ánimos del público. Todo parecía normal hasta que dijo: “enciendan la luz de su celular si no se están aquí con VIH, SIDA u otras de esas enfermedades de transmisión sexual que hacen que te mueras en dos o tres semanas (...) chicas, si su vagina huele a agua, enciendan la luz del celular; chicos, si no chupan pene en los parqueaderos, enciendan la luz del celular”.El momento se viralizó rápidamente en internet y los comentarios de desaprobación a sus declaraciones lo llevaron a ser tendencia, especialmente porque ha colaborado con cantantes femeninas que son íconos para la comunidad LGBTIQ+.Los comentarios homofóbicos provocaron reacciones violentas en la industria, y varios artistas se pronunciaron. Anitta, Demi Lovato, Elton John y Dua Lipa, quien colaboró con el rapero en un remix de su canción Levitating. Madonna publicó en su Instagram: “Un mensaje para DaBaby: si va a hacer comentarios llenos de odio a la comunidad LGBTQ + sobre el VIH / SIDA, es mejor que conozca sus datos:Después de décadas de investigación científica ganada con esfuerzo, ahora hay medicamentos que salvan vidas disponibles para los niños que nacen con el VIH, para las personas que contraen el VIH a través de transfusiones de sangre, agujas sucias o intercambio de fluidos corporales. ¡Estos nuevos ARV pueden mantener viva a una persona con SIDA por el resto de su vida! El SIDA no se transmite estando al lado de alguien en una multitud.Quiero encender mi celular y rezar por tu ignorancia, ya nadie muere de SIDA en 2 o 3 semanas. Gracias a Dios. Y tus comentarios sexistas sobre las mujeres cuyos vaginas necesitan oler a agua solo fomentan una mayor discriminación contra las mujeres que luchan a diario contra la opresión de vivir bajo las limitaciones de la mirada masculina.Las personas como tú son la razón por la que todavía vivimos en un mundo dividido por el miedo. Todos los seres humanos deben ser tratados con dignidad y respeto independientemente de su raza, género, preferencia sexual o creencias religiosas. AMÉN”.
La Media Torta es uno de los escenarios más diversos de la capital colombiana, por su tarima han pasado expresiones artísticas y culturales que han marcado generaciones que reúnen el imaginario cultural bogotano.Este año para su aniversario 83, el Teatro Al Aire libre La Media Torta celebrará su cumpleaños con una gran programación donde los sonidos tradicionales colombianos con nuevas mezclas sonoras y rítmicas serán los protagonistas. Los invitados a esta gran celebración son Guetto Kumbé y Phonoclorica. La entrada será libre hasta completar aforo.En sus inicios la programación de La Media Torta buscaba ser pedagógica, educar al pueblo con conferencias, sinfonías y diferentes variaciones de la música clásica. Fue en las décadas de 1950 y 1960, cuando los habitantes de la zona pidieron canciones del pueblo y, gracias al auge del cine mexicano, las rancheras llegaron al escenario en voces de artistas como Miguel Aceves Mejía, Antonio Aguilar, Pedro Vargas y María Félix. Hasta los setentas, La Media Torta fue el escenario predilecto y de esparcimiento para las clases obreras.A finales de 1970, este escenario presentó a reconocidos artistas internacionales. Durante la administración de Hernando Durán Dussán, se firmó el Decreto 0974, que obligaba a la presentación gratuita de artistas internacionales en el escenario. De este paso obligado por la Media Torta fueron protagonistas Armando Manzanero, Sandro, Celia Cruz, Mercedes Sosa, Leonardo González, Nelson Ned, Raphael y Leonardo Favio.Después de esto, La Media Torta entró en un largo período de crisis, inseguridad, cierres (en 1974) y deterioro de su planta física. En 1978 se conformó el Instituto Distrital de Cultura y Turismo que replanteó la programación y remodeló en 1981 las instalaciones, con lo que aumentó la capacidad de 3.000 a 7.000 espectadores.En 1995, entre el 25 y 26 de mayo, tendría lugar la primera edición de Rock al Parque en la Media Torta, festival que albergó es su primera edición 43 bandas nacionales, entre las que se destacaban agrupaciones que aún continúan vigentes como Aterciopelados y 1.280 Almas. La Media Torta también acogió los inicios de festivales como Jazz al Parque, Rap al Parque, Festival de Música Colombiana y el Festival niños y niñas al parque.La lista de artistas y celebraciones que se han llevado a cabo en este escenario es bastante amplia, por eso nos unimos a esta importante celebración. ¡Feliz cumpleaños 83 Media Torta!
Una de las instituciones de ballet folclórico más importante del país cumple 60 años. El Ballet de Colombia está listo para celebrar con los capitalinos este aniversario dedicado a su creadora Sonia Osorio.Un recorrido musical por las regiones del país, con un vestuario espectacular y los bailarines insignes de la compañía, llevarán al público a un viaje musical durante dos noches de celebración, el viernes 6 y el sábado 7 de agosto en el escenario del Teatro Jorge Eliécer Gaitán. El aforo presencial será limitado para las dos funciones, y el día 7, simultáneamente habrá transmisión vía Live Stream para todo el mundo a través de la plataforma, Tu Boleta Play.Son 60 años de recorrer los escenarios más importantes del mundo, con el legado de una de las gestoras culturales más importantes de nuestro país, la legendaria, Sonia Osorio, alma y nervio de la compañía por más de 50 años.Medio centenar de artistas en escena, entre bailarines y músicos en vivo le darán vida a un espectáculo con repertorios de gran exigencia escénica, con el fin de mostrar la riqueza cultural, la fuerza y la pasión de los colombianos.Haber logrado la mezcla perfecta entre la pureza del folclor y la sofisticación de las danzas modernas, le ha permitido al Ballet participar en los más importantes festivales de danza, y presentarse siempre triunfante en los más reconocidos escenarios a nivel mundial, obteniendo ovaciones, primeros premios y galardones.El Ballet Nacional un Legado de Sonia Osorio, ha bailado en los mejores teatros de París, Tokio, Berlín, Washington, New York, Chicago, Miami, Budapest, Moscú, Varsovia, Belgrado, Roma, México, Buenos Aires, São Paulo, Santiago de Chile, Lima, Quito, Santo Domingo, Puerto Rico, Panamá, Bruselas, Tel Aviv, Jordania, Egipto, Montecarlo, Hollywood, Madrid, Beijing, entre otros.El Ballet Nacional de Colombia, un legado de Sonia Osorio, hoy está bajo la dirección de Silvana Obregón Osorio hija de Sonia Osorio y de su nieto Martín Viera Obregón quienes continuarán con el concepto artístico, la escuela y el estilo que lo has hecho únicos en el mundo.
A pesar de que la pandemia paralizó al sector musical, sirvió como catapulta para muchos artistas que decidieron arriesgarse y enfrentar creativamente aquel panorama desolador de inicios del 2020. En Perú, dos experimentadas artistas sonoras le dieron vida a Silveria, un prometedor proyecto musical que ahora nos presenta Volver, su sencillo debut.Integrado por Noelia Cabrera (voz y líder de Kusama y Blue Velvet) en las voces y bajos y Natalia Vajda (guitarrista Mercury Toys y directora de Warmi Rock Camp) en las guitarras, la propuesta de Silveria mezcla elementos del new wave, postpunk, electrónica y rock alternativo con matices pop que invitan al baile.Volver plantea representar, a través de sus líricas, la partida del ser humano en el plano terrenal y su eterna presencia viviente en el recuerdo. Es una canción con cierta carga melancólica que nos invita a la reflexión, sobre todo en tiempos inciertos como los que vivimos. Así mismo, la canción cuenta con un fashion film en el que reforzaron el concepto artístico con flores intervenidas manualmente y maquillaje avant-garde, estos representan el lado femenino y elegante de Silveria a nivel visual.“Volver es el primer single de 3 sencillos que planeamos sacar en el 2021. Cada single contará con una sofisticada temática y propuesta audiovisual de editorial avant-garde distinta, planeando asimismo cada single con el acompañamiento de un video”, comenta la banda respecto al single.En cuanto a su sonoridad, la canción lleva un beat en onda new wave, con cajas de ritmos que por momentos nos invitan al techno. Las guitarras arman riffs y melodías envueltas en capas de delays, chorus y distorsiones junto a los sintetizadores. Todos estos sonidos arman las bases para las voces en distintas tonalidades que construyen armonías tejiendo las texturas sonoras y líricas que acompañan el manifiesto del viaje terrenal hacia el plano astral.
El afrofuturismo es, sin duda, una de las revoluciones sociales y estéticas más prominentes de los últimos tiempos. Una movida que plantea disolver los límites estilísticos para reivindicar lo afro. Para la muestra estas tres animaciones japonesas basadas en la estética afrofuturista. Por David Luján Shedda | @davidlujanshedaEn 2003 James Spooner dirigió la película documental AFROPUNK - "The Rock and Roll Nigger Experience", que exploraba las visiones y problemáticas de músicos y fanáticos de la escena punk norteamericana sobre la etnicidad, la clase y los asuntos raciales. Todos profesaban la identidad anárquica de la escena punk, en la que los afrodescendientes son minoría. Destaparon los roces entre los núcleos minoritarios dentro de las comunidades alternativas. Dos años después, Spooner y Matthew Morgan fundaron la plataforma Afropunk, reconocida mundialmente por su festival musical itinerante que amplió los márgenes de la escena del punk rock afro de Los Ángeles y Nueva York hacia diferentes ciudades del mundo, e incluyó otras músicas como el neo-soul y el hip hop, e incorporó en sus banderas la lucha contra la homofobia, la gordofobia y el racismo.Casos como el de Afropunk plantean lugares expresivos de libertad y reivindicación de las clases populares a través de una producción estética afro sin márgenes estilísticos concretos. Una apuesta que puede enmarcarse dentro del concepto de afrofuturismo, que se ha aplicado también al mundo audiovisual y que abarca un conjunto heterogéneo de reivindicaciones, identidades rebeldes y expresiones artísticas desprendidas de una tradición anclada al territorio. Para aprender más recomendamos leer | Afrofuturismo: la revolución cultural que se viene detrás de Pantera NegraComo campo estético, el afrofuturismo es un campo alternativo. Incluye diversas visiones artísticas no solo musicales o cinematográficas, sino también identidades sexuales, activismo social y posturas políticas paralelas al movimiento Black Lives Matter. Entre esos cruces artísticos, producto del afrofuturismo, aparecen estas tres animaciones japonesas que han sido protagonizadas y musicalizadas por personajes afro. Afro SamuraiAfro Samurai (2007-2009), originalmente un manga creado por Takashi Okazaki, es un proyecto que cuenta con dos entregas: una serie de una temporada con cinco capítulos y una película titulada Resurrección, que fue llevada al anime por estudio Gonzo.La serie está ambientada en un Japón futurista y postapocalíptico. Samuel Jackson hace la voz en el papel principal en una historia que conjuga las artes marciales con la historia del guerrero samurái Afro, quien busca vengarse del hombre que asesinó a sangre fría a su padre Rokutaru, uno de los mejores guerreros y quien poseía en su cabeza el cinto del guerrero número uno.La música, en sus dos entregas, es conducida por el veterano Rza, miembro de Wu Tang Clan. Tiene, de hecho, dos álbumes extensos acompañados de diferentes artistas invitados como Talib Kweli, GZA, Method Man, Kool G. Rap, Q-Tip, Big Daddy Kane y demás afiliados al Clan.Ambos discos recrean un estilo de cierto tipo de hip hop oriental bajo la mística del Wu y el kung-fu lírico que históricamente han profesado en sus canciones.Esta serie presenta el inicio de una vertiente en el anime que centra su argumento en recrear la vida de un personaje extranjero en una sociedad bélica. Aunque Rza afianza el estilo musical presentado previamente en Kill Bill, el giro hacia un personaje protagónico llamado enfáticamente Afro, crea un puente intercultural que provoca una ruptura con la tradición oriental del anime convencional.Por otra parte, es el hip hop el encargado de transmitir la fuerza necesaria para complementar el despliegue sanguinario de la serie.¿Dónde ver Afro Samurai? Actualmente no se encuentra disponible en ningún servicio de streaming, aunque han publicado algunos de los capítulos en YouTube. YasukeLa exitosa serie Yasuke (2021) es una apuesta japonés-estadounidense de Netflix. Fue creada por el multifacético LeSean Thomas, y cuenta con LaKeith Stanfield, quien da vida a la voz principal del proyecto.El anime se basa en la increíble historia real de un barquero que llegó a Kioto (Japón) en el siglo XVI y pasó a ser el primer guerrero samurái extranjero del cual se tenga noticia. Al lado del señor feudal Oda Nobunaga, Yasuke llegó a los campos de batalla dominando el japonés con fluidez, y llamando la atención por donde pasara. Así lo relata el escritor franco-marfileño Serge Bilé en su libro biográfico sobre Yasuke. La historia central de la serie relata la misión que emprende Yasuke por proteger a una niña con súper poderes. Animada por el estudio japonés MAPPA, la estética de la serie recrea personajes místicos envueltos en luchas a muerte en escenarios oníricos donde se despliegan intensas batallas y diálogos exuberantes. La ciencia ficción y esta historia fantástica se conjugan de manera inquietante en lo que parece ser una versión del Japón medieval en un universo paralelo.La banda sonora está a cargo del angelino Flying Lotus, un conocido vanguardista de la escena del hip hop, la electrónica y el jazz fusión, quien ahora es, sin duda, un referente sólido del mundo del anime.Mediante una estética cyberpunk decididamente afro, Flying retoma con delicadeza la producción artística sonora japonesa de finales de los ochenta y comienzos de los noventa.El tema principal de la serie, Black Gold, es presentado por el brillante Thundercat en la parte vocal y Lotus en la música, trayendo cierta nostalgia a partir de brasses o vientos electrónicos propios de sintetizadores modulados de manera retro, instrumentos musicales de percusión de madera y baterías minimalistas que evocan los clásicos del anime japonés.Flying impregna la banda sonora, además, con los hoy usuales ritmos de baterías 808 del trap. Incluye una colaboración, como es habitual en su discografía, con Denzel Curry en la canción African Samurai, una pieza minimalista desarrollada sobre una base drumless o sin batería, característica del hip hop moderno en su última versión, apoyada en coros onomatopéyicos que recuerdan el estilo clásico de los cantos responsoriales africanos.Blade Runner Black Out 2022Blade Runner Black Out 2022 (2017) es un corto de anime cyberpunk tech-noir dirigido por el respetado Shinichiro Watanabe inmortalizado por su trabajo en el anime de culto Cowboy Bebop. La entrega es una precuela de la película Blade Runner 2049 (2017) dirigida por Denis Villeneuve y forma parte de la clásica historia Blade Runner (1982) dirigida por Ridley Scott.Este corto es animado por Sola Digital Arts y llena el vacío que dejó el desarrollo de la historia futurista inicial, de ahí que su título retome la fecha del año 2022. Explica el apagón que tuvo lugar en la costa oeste de Estados Unidos en aquel año, cuando los humanos y los replicantes del modelo Nexus 8 continúan en un conflicto que incluye varios asesinatos por parte de la secta Supremacía Humana.En la trama los dos personajes centrales se confabulan para tumbar la energía de Los Ángeles, como parte de una acción del Movimiento Libertad Replicante, para bloquear el futuro accionar humano y borrar su memoria.La banda sonora del proyecto fue realizada, también, por un Flying Lotus con una visión musical del sci-fi impecable. El estilo musical mutante de Flying se torna introspectivo, logrando una asociación íntima con el despliegue filosófico de la obra. Pretende, quizá, presentar a los humanos como una especie asesina de todo aquello que no puede controlar a su antojo.A partir de sintetizadores y síntesis computacionales, el músico crea atmósferas futuristas. Aunque hay rasgos musicales similares en el catálogo sonoro de Flying, la banda sonora logra encapsular la ecuanimidad emocional de los replicantes, un rasgo característico de la historia.Los tres trabajos logran captar la experiencia de creadores afrodescendientes en el mundo del anime, centrando el foco en romper el canon musical y literario de la industria; en una expresividad rebelde y contestaría que concibe la cultura punk más allá de ser un estilo musical juvenil.
