Recientemente se publicaron los resultados de la encuesta de críticos de la revista Sight and Sound para determinar las mejores películas de todos los tiempos. El sondeo se realiza solo una vez por década desde 1952. La película Jeanne Dielman 23, quai du Commerce, 1080 Bruselas, de 1975, fue considerada la mejor de toda la historia. Es la primera vez que una cinta dirigida por una mujer, Chantal Akerman, alcanza una posición tan alta en el listado. El sondeo de Sight and Sound reúne opiniones de más de 1600 críticos y 480 directores.La llegada del filme al listado no fue bien recibida por algunos. “Durante 70 años, la encuesta de Sight & Sound ha sido una medida fiable del consenso y las prioridades de la crítica. Las películas han subido en la lista, otras han bajado, pero esto siempre llevaba tiempo”, escribió en su perfil de Facebook Paul Schrader, director y guionista. “La aparición de Jeanne Dielman en el nº1 socava la credibilidad de la encuesta de S&S. Da la sensación de estar fuera de lugar, como si alguien hubiera manipulado la balanza. Y creo que lo ha hecho. Como señaló Tom Stoppard en su obra Jumpers, en democracia no importa tanto quién obtiene los votos como quién los cuenta. Al ampliar la comunidad de votantes y el sistema de puntos, la encuesta de S&S de este año no refleja una continuidad histórica, sino un reajuste políticamente correcto".Las 10 mejores películas de todos los tiempos según Sight and Sound Jeanne Dielman 23, quai du Commerce, 1080 Bruselas (Chantal Akerman, 1975)Vértigo (Alfred Hitchcock, 1958)Ciudadano Kane (Orson Welles, 1941)Historia de Tokio (Yasujirō Ozu, 1953)Con ganas de amar (Wong Kar Wai, 2000)2001: Una odisea en el espacio (Stanley Kubrick, 1968)Beau travail (Claire Denis, 1998)Dr. Mulholland (David Lynch, 2001)Hombre con una cámara de cine (Dziga Vertov, 1929)Cantando bajo la lluvia (Gene Kelly y Stanley Donen, 1952)Desde 1992, la revista también ha realizado una encuesta separada que recoge los votos no de críticos sino de directores de cine, que este año colocó a 2001 en el número uno. Su top ten también incluye selecciones como 8½ de Federico Fellini, Mirror de Andrei Tarkovsky y Close-Up de Abbas Kiarostami.La lista completa aquí.
En 2003, Todopoderoso, protagonizada por Jim Carrey, fue un éxito de taquilla, recaudando más de 484 millones de dólares en el mundo. Recientemente, se conoció que iba a lanzarse una secuela en la que Bruce Nolan recibía los poderes de Satanás.Dirigida por Tom Shadyac, la película de comedia de fantasía de 2003 siguió al reportero en apuros Bruce Nolan a quien, después de quejarse con Dios (Morgan Freeman) de que no está haciendo su trabajo correctamente, se le ofrece la oportunidad de convertirse en Dios durante una semana.En la noche del estreno, los guionistas de la película, Steve Koren y Mark O'Keefe, presentaron una secuela del productor Michael Bostick, titulada Brucifer, donde Bruce obtiene los poderes de Satanás. La idea se presentó más tarde a Universal en 2010 pero, tras el fracaso de taquilla de la secuela Todopoderoso 2 (Evan Almighty) en 2007, la idea de una tercera entrega nunca prosperó. La secuela derivada Todopoderoso 2, protagonizada por Steve Carell, recaudó menos de su presupuesto de 175 millones de dólares en todo el mundo.“El manager (de Carrey) y él querían hacer Brucifer”, dijo Steve Koren, guionista de la película, a Syfy Wire. “Entramos y la lanzamos, pero nunca funcionó del todo, porque fue más tarde… habría sido otra película gigante y no creo que quisieran hacerla. Simplemente no funcionó por alguna razón, pero a mucha gente le encantó, incluido Jim”."Iba a ser El libro de Job, esencialmente. El mundo no había seguido su camino desde que él era Dios. Todo fue genial por un tiempo; estaba casado y todo se vino abajo. Una vez más estaba cuestionando todo y luego obtuvo una forma diferente de resolver las cosas”.La motivación para que Bruce recurriera a Satanás habría sido la muerte de su novia Grace (Jennifer Aniston), con la idea de que intentaría resucitarla. Después de que Carrey escuchó la idea de los guionistas, sugirió que Grace primero debería regresar como un cadáver zombificado.Hablando sobre la respuesta de Carrey, Koren dijo: “Recuerdo que cuando lo lanzamos, se estaba partiendo de risa. Porque la hicimos regresar como Jennifer Aniston. Él dijo: 'No, primero tiene que verse como un zombi y luego la haremos hermosa de nuevo'. Pensamos que era brillante".
"Inclusión Forzada", le dicen. Cada vez que Disney anuncia un nuevo personaje que no sea blanco o heterosexual, el público se siente atacado: ¿cómo se atreven a hacer una película que muestre que la gente LGBT y racializada existe? La nueva película de Disney, Un Mundo Extraño, tendrá un personaje adolescente abiertamente gay. Su nombre es Ethan Clade, y el comediante Jaboukie Young-White le dará vida con su voz. Con el anuncio del romance gay, a pesar de que hay muchas personas que dan su apoyo a esta iniciativa (el mismo Jaboukie dijo que le gustaría haber tenido representación así a su edad), muchos otros han llamado a boicotear la película por "forzar" personajes diversos.La razón es la de siempre: "¿un hombre negro de protagonista, que además es gay? Están imporniendo eso, la normalización es imposición, todo lo quieren forzar, qué desgastante". Es gracioso cómo la gente se encuentra tan acostumbrada a que se borre a la gente racializada y LGBT que les parece imposición su sola existencia.Recientemente hubo una controversia similar, cuando Disney presentó a su "primera Sirenita negra". Pocos sabían que no es la primera, en la serie animada de La Sirenita de 1989 un personaje recurrente es una sirena negra que habla en lengua de señas (doble inclusión, qué miedo).Inclusión forzada es que en un mundo en el que el 20% de la población no es heterosexual y dos tercios de la población no es blanca; la gran mayoría de los personajes en el entretenimiento sean blancos y heterosexuales. Eso no tiene sentido. No nos están incluyendo, nos están dejando de excluir.Disney tiene un historial de asociar la blanquitud con pureza y la negritud con maldad para empujar ideas segregacionistas. En su película de 1940 Fantasía, los personajes blancos de las niñas centauro tienen una empleada doméstica negra y torpe que en lugar de ser mitad caballo, es mitad burro. En su película de 1941 Dumbo, el tierno elefante sufre burlas por parte una pandilla de cuervos haraganes que pretenden representar a los hombres negros de la época (de hecho su lider se llama Jim Crow, como la ley de segregación entre negros y blancos).Además se supo de la boca de empleados de Pixar que por muchos años Disney se encargó de censurar y cortar de las películas a los personajes LGBTQ+: "hemos presenciado hermosas historias con maravillosos personajes salir de las juntas corporativas de Disney reducidos a migajas de lo que eran". Por muchos años se han censurado historias de romances LGBT por ser considerados "demasiado adultos" para la pantalla grande o chica.Las personas negras y LGBT existimos y somos muchas, y negar nuestra existencia es sólo parte del borrado histórico que hemos sufrido. Disney, después de décadas de intencionalmente borrarnos o representarnos mal, está dejando de hacerlo.Ahora, ¿es una práctica nueva esto de tener "primeros" personajes LGBT y racializados? No. Aunque la gente se escandaliza con cada nuevo anuncio, Disney viene apostándole a deshacerse de este imaginario blanco y heterosexual hace mucho tiempo. Si bien muchos son "el primer adolescente", "la primera pareja casada", "el primer beso", "la primera sirena" o "la primera princesa", no son la primera aparición de estos personajes. Se siente así porque la estrategia de Disney ha sido absurdamente gradual.Por ejemplo, cuando empezó a tener protagonistas negros, Disney se aseguraba de que no se vieran negros en la mayor parte de la película. En la Princesa y el Sapo, Tiana pasa tan solo 17 minutos de la película como una mujer negra, el resto lo pasa como un sapo. En la película Soul, el protagonista pasa la mayor parte de la película como un alma, un gato, todo menos un hombre negro.Por otro lado, los personajes LGBT han aparecido de manera pasajera y oculta. Por ejemplo, la ruidosa pareja gay que vive al lado de Judy Hopps en Zootopia no da a entender que sea necesariamente gay, pues su relación se presenta como la de compañeros de piso, y si usted no es de leer créditos, no va a notar que tienen apellido de casados. En Buscando a Dory una pareja de lesbianas aparece en pantalla por tan solo 3 segundos.Nos han dosificado la diversidad a tal punto, que el público conservador siente como una "nueva imposición" la aparición de estos personajes. Les tenemos una noticia: Disney tiene hasta la fecha 435 personajes racializados y 17 personajes LGBT. No es nada nuevo, no le están forzando nada, le llevan mostrando que existimos por años.Si usted es de las personas a las que le molesta que aparezcamos en las películas, sepa que le han lavado el cerebro. Que usted piense que es antinatural vernos en pantalla cuando nos ve en la calle todos los días, es absurdo. Disney no le está apostando a los personajes diversos para "incluirnos", está dejando de excluirnos, y eso se siente.
Quentin Tarantino es uno de los directores más destacados en las últimas décadas gracias a películas como Pulp Fiction, Perros de reserva, Bastardos sin gloria, Érase una vez en Hollywood, entre muchas otras. Recientemente, Tarantino enumeró siete películas que cree que son "inexpugnables", incluidos títulos de terror, comedia y ciencia ficción.El director de Pulp Fiction dijo recientemente que La masacre en Texas de 1974 es una de las únicas películas "perfectas" de Hollywood. Tarantino hizo la afirmación en su nuevo libro Cinema Speculation. “Bueno, no hay muchos de ellos (filmes "intocables"), eso solo nos muestra que el cine es un arte difícil”, declaró Tarantino cuando fue invitado al show de Jimmy Kimmel el pasado 27 de octubre. "Mira, cuando dices películas perfectas, estás hablando de la estética de cualquier persona individual, pero incluso tratando de dar cuenta de todas las estéticas... las películas perfectas cruzan todas las estéticas en un grado u otro", añadió el director. El ganador del Oscar continuó explicando que si bien su siete perfecto puede no ser el ideal de nadie más, la gente debería aceptar que todos tienen sus favoritos. “No hay nada que puedas decir para bajar [esa lista]”, agregó.Películas perfectas según Quentin Tarantino Masacre en Texas (1974)Tiburón (1975)El exorcista (1973)Annie Hall (1977)El joven Frankenstein (1974)Volver al futuro (1985)La pandilla salvaje (1969)Desmintiendo a Kanye West Recientemente, Tarantino también desminitió al rapero Kanye West, quien, a comienzos de octubre, afirmó que le había presentado la idea del filme Django sin cadenas (2012) a Tarantino y Jamie Foxx como el video musical de su éxito de 2005 Gold Digger. “No hay nada de cierto en la idea de que a Kanye West se le ocurrió la idea de Django y luego me lo dijo, y dije: ‘Oye, wow, esa es una idea realmente genial. Déjame tomar la idea de Kanye y hacer Django Unchained a partir de ella. Eso no sucedió”, dijo Tarantino, también en el show de Jimmy Kimmel.
Desde mediados de julio de 2022 podemos ver en Colombia la película Depredador: la presa en el servicio de ‘streaming’ Star+. Este resultó ser un excelente filme que regresó a los elementos básicos de la franquicia. Sin embargo, hay un pequeño pero ruidoso grupo de supuestos fanáticos que la han criticado por supuestamente introducir “políticas de género” en la saga.Por: Julián Ramírez // @Sir_LagunaDepredador: la presa cuenta la historia de Naru, una miembro de los comanche en las grandes planicies de Norteamérica durante el siglo XVIII. Aunque es una talentosa sanadora, ella quiere ser una cazadora. La oportunidad de probarse a sí misma llega cuando un ser extraño comienza a cazar en los territorios de su tribu. Aquí pueden leer una reseña en español para que entiendan qué es lo que hace tan genial a este filme.Como pueden notar, lo que parece molestar a esos críticos es que la protagonista en esta ocasión es una mujer y que ella logra derrotar al depredador al final sin otra ayuda más que la de su perro. Tienen razón en que esta es una película sobre las llamadas “políticas de género” porque es literalmente una historia sobre una chica que desafía las tradiciones de su tribu para realizar actividades que no solían ser consideradas “para mujeres”. Pero están equivocados en otra cosa: esta no es la primera película sobre género de la franquicia.La primera película de la saga Depredador, estrenada en 1987, es literalmente sobre esas “políticas de género”.¿No nos creen? Vamos a hacer memoria.En el filme de John McTiernan, protagonizado por Arnold Schwarzenegger, seguimos a un grupo de mercenarios estadounidenses que se adentran en la jungla de una nación centroamericana para una supuesta misión de rescate. Pero no saben que hay algo más en la selva: un cazador de otro mundo que los ha elegido como presas.Aquí tenemos a los hombres más grandes, fuertes y peligrosos de la Tierra. Están armados hasta los dientes con lo mejor que la industria militar les puede ofrecer. A pesar de eso se ven transportados al lado incorrecto de la cadena alimenticia. Dejan de ser depredadores y se convierten en presas. Por si no ha quedado claro, Depredador es una película que habla sobre la masculinidad y no precisamente para celebrarla.Los miembros del escuadrón de Dutch son los que muchos describirían sin ironía alguna como “machos alfa”. Hombres muy musculosos que se comunican entre ellos mediante competencias de fuerza y hablan solo con terminología militar y chistes groseros. Uno de ellos incluso se describe a sí mismo como un “tiranosaurio sexual”. Cuando se encuentran con sus enemigos, los despachan rápidamente con sus tácticas y armamento superiores. Mejor dicho, son “hombres de verdad”.Pero esos “hombres de verdad” se comienzan a desmoronar cuando enfrentan una amenaza que no entienden y a la que no pueden derrotar mediante fuerza bruta. Dejan caer su fachada de superhombres mientras son cazados uno por uno.El mejor ejemplo de esto es el Sargento Mac, interpretado por Bill Duke. Él es probablemente el más estoico del grupo, pero también el que más se ve afectado por la situación. Cuando ve morir a Cooper y cree detectar al enemigo, descarga todo el poderío balístico de su equipo contra él, incluyendo el de la ridículamente enorme ametralladora gatling. No tener éxito de esta manera es lo que hace que comiencen a entrar en desesperación. A los hombres nos han enseñado que con demostraciones de fuerza como esta podemos lograrlo todo. Si eso no funciona, ¿qué nos queda?35 años después, cuando Depredador: la presa decidió usar el tema de los roles de género, estaba siendo totalmente fiel a la película original. Los protagonistas del primer filme son un ejemplo perfecto del “ideal masculino”, al menos del “ideal” esa época. Están ejerciendo el rol de fuertes guerreros que se supone debemos asumir los hombres. La crítica del filme hacia esta ideología dice que esto es solo una fachada que ofusca la humanidad de cada persona. Es solo cuando la desesperación y el miedo se comienza a apoderar de ellos que comienzan a referirse entre sí como amigos y no como soldados.Irónicamente es Dutch, aparentemente “el más macho de todos”, quien subvierte esas ideas. Desde el comienzo del filme, él rechaza que sus hombres sean “reemplazables” y que la misión debe ser puesta por encima de todas las cosas. Estas son ideas importantes pero absolutamente ‘tóxicas’ de la “masculinidad militar”. También es él quien finalmente logra derrotar al enemigo usando su astucia, no la fuerza ni la superioridad armamentística.El depredador también representa ciertas políticas de género. La ‘caza deportiva’ no es una práctica exclusivamente masculina, pero tradicionalmente se asocia la idea del “cazador” con los “hombres”. A diferencia de la cacería de subsistencia y supervivencia, esta actividad tiene como objetivo demostrar la superioridad sobre otras especies y por esto es fuertemente criticada. En Depredador: la presa se hace un paralelo muy inteligente entre ambas formas de cazar.Si creen que esta es una lectura demasiado forzada de esta película, tengan en cuenta que la siguiente obra del director John McTiernan también tiene temas similares. Duro de Matar no es una película sobre la navidad, pero sí es sobre un hombre que ve su masculinidad amenazada por el éxito laboral y económico de su esposa y que debe recuperarla a punta de violencia. Como vemos en las secuelas de ese filme, eso no salvó su matrimonio.Es posible que ustedes no estén de acuerdo con esta interpretación de estas películas, pero de lo que no cabe duda es que, sin importar si sus protagonistas son hombres o mujeres, ambas entregas de la saga Depredador son verdaderas joyas del cine de acción.
Protagonizada por Jamie Foxx, y con aparición de Snoop Dogg, Turno de Día es una de las películas más vistas actualmente en Netflix. El filme nos muestra la historia de un padre trabajador, que busca mantener a su hija y usa su trabajo de limpieza de piscinas como fachada para su verdadero oficio: cazar y matar vampiros.Si les gustó la mezcla de comedia y terror con temática de vampiros, aquí les recomendamos 5 películas que hacen muy bien esta unión. What We Do In The Shadows (Casa Vampiro) Dirigido por Taika Waititi, en este falso documental tres vampiros hacen lo posible por adaptarse a la sociedad moderna, con un pequeño detalle: son inmortales y tienen que alimentarse de sangre humana. Una comedia absurda y muy divertida, como Waititi nos tiene acostumbrados. Dark Shadows (Sombras tenebrosas)Barnabas Collins (Johnny Depp) es unn mujeriego rico y poderoso. Cuando él rompe el corazón de una bruja llamada Angelique (Eva Green). Angelique transforma a Barnabas en un vampiro y lo entierra vivo. Jóvenes del mal (The Lost Boys)En un tranquilo pueblo de California comienzan a suceder acontecimientos extraños: corre el rumor de que en el pueblo se está organizando una pandilla de jóvenes vampiros. Un clásico sumamente exitoso al que se le atribuye un gran cambio en la representaciòn de los vampiros en el cine. Vampiros vs. El Bronx Un trío de amigos descubre un siniestro complot para destruir su barrio, así que deciden unirse para salvar su ciudad de los vampiros. Una comedia divertida con un mensaje nada sutil sobre la gentrificación en los barrios. Drácula, muerto pero feliz Protagonizada por el genio de la comedia Leslie Nielsen, esta película de Mel Brooks es una parodia de todas las cintas de Drácula. El conde busca saciar su apetito con Mina, la prometida de un joven notario. .
¿Duro de Matar es una película de Navidad? John McTiernan, director de la película, ofrece respuesta a un debate que ha existido durante décadas, desde que se estrenó el filme original en 1988. “No nos corresponde a nosotros decirlo, es la gente. Es para que la audiencia lo diga", dijo McTiernan en The Empire Film Podcast. "Si el público decide que quiere que sea una película navideña, es una película navideña. Resulta de esa manera. No tenía la intención de ser una película navideña, o el hecho de que se construyó deliberadamente en torno a la Navidad, pero no tenía la intención de ser una película navideña. Pero el hecho de que fuera una película navideña tuvo mucho que ver con, ya sabes, porque en realidad es, desde la distancia, políticamente muy estridente, y la única razón por la que sobrevivió fue que las personas en el estudio que la habrían detenido fueron engañados porque pensaron que era solo una película de acción sobre una fiesta de Navidad que sale mal”, agregó el directores. Duro de Matar es la historia de John McClane, un detective de policía de Nueva York que viaja a Los Ángeles el día de navidad para estar con su familia. Su matrimonio se encuentra en una etapa difícil, ya que su esposa se llevó a sus hijos al otro lado del país para aceptar un gran trabajo en contra de los deseos de su esposo. De repente, el edificio en el que se encuentra con su mujer es invadido por un grupo de supuestos terroristas que toman a todos los que se encontraban allí como rehenes, excepto a McClane, que es el único que puede enfrentarlos a pesar de encontrarse solo, cansado y descalzo.Lo que sigue a continuación es una intensa serie de secuencias de acción en las que el protagonista se enfrenta uno a uno a los terroristas, busca la forma de alertar a la policía y trata de rescatar a su mujer. Mientras tanto, los villanos desarrollan poco a poco su plan maestro a pesar del inesperado visitante que podría arruinarlo todo.
Ya está en salas de cine Buena suerte, Leo Grande. En el filme, Emma Thompson interpreta a Nancy Stokes, una profesora de educación religiosa jubilada. Su esposo, quien falleció dos años antes, fue su única pareja sexual. Ella contrata a Leo (Daryl McCormack) con la esperanza de vivir las experiencias sexuales que no había tenido la oportunidad de lograr.Cuando se trata de sexualidad nos solemos encontrar con asociaciones como “belleza, juventud y cuerpos productivos”, en contraposición con la “fealdad, vejez y cuerpos no útiles”.Esta forma de pensar hace que desconozcamos la sexualidad de los/las adultos mayores, quienes son percibidos como “viejos verdes” o “viejas desvergonzadas” cuando expresan deseo por otros.Este hecho da cuenta de un desinterés por comprender al otro y de no reconocer que, aunque los cuerpos cambian con los años, eso no debería ser una barrera para expresar emociones y sentimientos. Series como Grace & Frankie, por ejemplo, tienen otra aproximación a la sexualidad de adultos mayores. Buena suerte, Leo Grande también apunta a dejar de "infantilizar" a los adultos mayores. Considerar a esta población como “puros”, “inocentes” y “tiernos” limita su capacidad de decisión y acción¿Es tan descabellado pensar que nuestra abuela o abuelo descubra su pasión por el BDSM en su vida adulta y que rompa nuestra ilusión de que solo ama desde un ideal de heteronormatividad?La película transcurre en una sola locación, por lo que todo el peso se lo llevan los actores y su guion, con diálgogos cotidianos y muy reveladores. Una historia íntima en apariencia sencilla, pero con un mensaje poderoso sobre cómo la búsqueda del placer es una contante a cualquier edad o momento de la vida para todos los seres humanos. Su invitación es a romper asociaciones negativas a nuestro propio físico y entender el placer como una necesidad para todos, sin importar edades y cuerpos.
En la década de los 90, Blockbuster fue uno de los principales servicios de alquiler de películas en el mundo. Aunque la compañía se disolvió definitivamente en 2014, un mensaje que apareció hace unos días en redes sociales resultó sumamente intrigante. "Volvimos de la tumba" se lee en una publicación de su cuenta de Twitter, la primera en 2 años. Una teoría dice que se trata de una estrategia de marketing para una película próxima a estrenarse. Existen rumores de que podría tratarse de una alianza con Netflix, algo que hasta el momento no se ha confirmado. Pero Blockbuster podría tener un regreso más significativo. En 2021 se conoció que se había formado un grupo financiero para comprar los derechos de propiedad intelectual de Blockbuster con el fin de reformar y cambiar el nombre de la empresa, de acuerdo con Movieweb. El grupo se llama Blockbuster DAO y provienen de las criptomonedas. La DAO, abreviatura de Organización Autónoma Descentralizada, pondría la nueva forma de streaming de Blockbuster en blockchain (servicio de exploración de bloques de Bitcoin), y tendría más influencia por parte de los miembros de la organización sin un tomador de decisiones central en la parte superior.El plan para esta opción de streaming de Blockbuster es que DAO recaude dinero (estimado en $ 5 millones) para comprar los derechos del nombre Blockbuster de su actual propietario, Dish Network. El plan para DAO, después de comprar el nombre, sería convertirlo en la primera plataforma deFilm (una versión de Defi o finanzas descentralizadas), de acuerdo con Giant Freaking Robot.Blockbuster ue fundada en 1985 por David Cook,. En su mejor momento llegó a controlar el 25% de la cuota de mercado mundial de videoclubes. En 2004 contaba con más de 9000 tiendas en el mundo. En 2010, Blockbuster declaró la bancarrota con una deuda superior a los 1000 millones de dólares. Aunque Dish Network se hizo con la empresa para convertirla en un servicio de streaming, los planes no prosperaron: las 300 tiendas propias que aún operaba la compañía fueron cerradas en enero de 2014. Solo queda una tienda de Blockbuster en el mundo y se ubica en Bend, Oregon (EE. UU.)
Todo en todas partes al mismo tiempo se estrenó recientemente en cines y será, sin duda, una de las películas más exitosas y comentadas de 2022. La película nos muestra la historia de Evelyn, una mujer propietaria de una lavandería que debe luchar contra los desconcertantes peligros del multiverso y así lograr salvar su mundo. ¿Se habían dado cuenta del hit pop del 2000 que está en la película? Durante un punto al principio del filme, una versión del esposo de Evelyn le explica a cómo puede sentir que algo anda mal. “Tu ropa nunca luce tan bien al día siguiente. Y tu cabello nunca cae de la misma manera”, le dice. Esas líneas forman parte de la letra de Absolutely (Story of a Girl) de una banda llamada Nine Days. La canción se lanzó originalmente en el 2000. "Las palabras simplemente salieron de mis dedos, sin saber de dónde venían", dijo Daniel Kwan, escritor y director, a Mashable. “Las musas llenaban mi cuerpo. Y escribí: 'Tu ropa nunca luce tan bien al día siguiente, tu cabello nunca cae de la misma manera'. Y yo estaba como, "Oh, eso se siente bien. Pero definitivamente lo robé de alguna parte, y no recuerdo dónde". Así que lo busqué en Google y dije: "Oh, mierda"".Pero la coincidencia fue más allá: John Hampson, vocalista de Nine Days, escribió una nueva letra para Absolutely (Story of a Girl) que estuvo en diferentes versiones del multiverso. ¿Cuando suena Absolutely (Story of a Girl) en Todo en todas partes al mismo tiempo?La primera vez es en la escena del ascensor que ya mencionamos. Luego, en una casa rodante en un universo casi paralelo, se reproduce una versión alternativa en la radio mientras Evelyn y su esposo Waymond hablan sobre el divorcio. Para esta escena la canción fue en versión balada country. Más tarde, Evelyn entra en un universo en el que es una chef con una temible rivalidad laboral. En el fondo de la escena del restaurante suena una canción con la letra "Esta es la historia de un chef". Finalmente, la última versión personalizada suena en la radio cuando Evelyn está trabajando en un club BDSM. (Todas las versiones disponibles aquí). Como los personajes de la película, la canción va cambiando según su ubicación en el multiverso.
El dúo venezolano Servando y Florentino regresa a Bogotá, como parte del cierre especial a la gira En Tu Ciudad World Tour 2022. La cita será el próximo 14 de diciembre en el Movistar Arena. Con la gira En Tu Ciudad World Tour 2022 los hermanos Servando y Florentino Primera han visitado más de 50 ciudades del mundo. Bogotá ha sido seleccionada para brindarnos una segunda función en el cierre de gira. Los venezolanos cantarán algunos de sus éxitos como Una fan enamorada, Alíviame,Te encontré, Estas hecha para Mí, De sol a sol, entre otros. También tendrán invitados especiales. Servando & Florentino son dos de cuatro hermanos (Servando, Florentino, Sandino y Juan Simón), hijos del fallecido cantautor y activista Alí Primera. Servando & Florentino se hicieron famosos en Latinoamérica cuando fueron los cantantes principales de la orquesta Salserín entre 1993 y 1997. Ese mismo año, y hasta 2022, se unieron a la discográfica de Ricardo Montaner, Hecho a mano, con la cual produjeron sus dos primeros materiales, Los Primera y Muchacho solitario y la serie de álbumes Entre panas, además de su tercera producción Paso a paso en conjunto con Sony Music. En 2004, el duo grabó su cuarto álbum de estudio, llamado Servando & Florentino. El álbum fue lanzado en Venezuela y en 2006 en el resto el mundo. Su último álbum llamado It's a Wrap / Se Acabó, que tiene como primer sencillo, Me vas a recordar, se lanzó en 2010. El duo venezolano vendió 5.000.000 de copias de sus discos, solo en su país y reunió más de 500.000 perosnas en sus conciertos. Servando y Florentino también protagonizaron su primera película titulada La primera vez.
Tove Lo es una de las artistas más interesantes del pop actual. Aunque la conocimos desde comienzos de la década pasada, lleva haciendo música desde 2006, cuando creó la banda de rock Tremblebee. El álbum debut de la sueca, Queen of the Clouds se lanzó en 2014 y abrió en el número 14 en la lista Billboard 200 de EE. UU. en octubre de 2014. De este trabajo se desprendieron sencillos exitosos como Habits (Stay High) y Talking Body.Su segundo álbum, Lady Wood, fue lanzado en octubre de 2016 y debutó en el número 11 en el Billboard 200. Su sencillo principal, Cool Girl, se convirtió en un éxito internacional.A este disco le siguieron Blue Lips (2017) y Sunshine Kitty (2019). De este último surgió Glad He's Gone, que fue nominada a un premio Grammy al Mejor Video Musical.Además de su trabajo en solitario, Lo ha coescrito canciones para otros artistas como Lorde o Ellie Goulding. Ha colaborado con artistas como Duran Duran, Charli XCX, Alesso, Flume, SG Lewis, Channel Tres, Nick Jonas, Seven Lions, Broods, Urban Cone, Ava Max, Dua Lipa, Kylie Minogue y Coldplay.La sueca recientemente lanzó su nuevo disco Dirt Femme, con letras sumamente personales en donde sigue explorando sonidos del dance de la segunda mitad de los 90.Hablamos con ella a propósito de su nuevo lanzamiento y de su presencia en el festival Estéreo Picnic 2023.2 die 4 fue el primer sencillo de tu disco y tiene un guiño a la famosa Crazy Frog…Básicamente tuve una sesión con uno de mis productores favoritos. Estábamos en Suecia y hablamos de las diferentes eras de la música dance: el house, trance y el techno y cómo inspiró mucha música pop. Yo dije “yo lo odiaba cuando era niña”, pero ahora me encanta y él empezó a poner ese patrón rítmico, ese es el intro de la canción, y me fascinó.Luego, no sé cómo, pero en mi mente sonó la melodía de Crazy Frog (la canción samplea la canción Pop Corn, que después originaría el famoso de los 2000) y empecé a cantar y encajó a la perfección. Así que decidí por primera vez hacer un sample de algo y ver si podríamos hacerlo.Realmente no sabía qué escribir, quería hacer algo positivo, como una canción para sentirte mejor, algo coqueta. Encajó muy bien en el “mood”. La terminamos en un día, que rara vez pasa. Fue un proceso muy divertido y rápido en comparación con otras canciones, y quedé satisfecha con el resultado. Fue un uso cool de la canción original.¿Por qué te inclinaste precisamente por esta canción?Esa canción siempre me ha gustado, lo que no me gustaba era el género, cuando era más pequeña. Al crecer empecé a escuchar más música dance: me gustaban los DJ e ir a raves, así que mi amor por este género ha crecido y la canción es icónica. Quería hacer algo que fuera nostálgico pero que se sintiera actual, y para mí fue perfecto.A propósito, se siente una nostalgia por otras épocas actualmente en el pop, como por ejemplo el Y2K. ¿Te sucede a ti?Para ser honesta, creo que no extraño esa época, creo que la moda era muy rara. El Y2K temprano es cool, pero lo que vino a mediados de los 2000… piensas: “¿Por qué hacíamos esto?”. Hay algo de este periodo que me gustaría destacar y es fue un momento en el que no sentías nostalgia: todo debía ser moderno y pensabas en el futuro. Es divertido tener nostalgia por una época que no era nostálgica. Fue un momento en el que nadie miraba hacia atrás.Es interesante cómo todo va en olas. Creo que venimos de un momento en el que nos encantaba lo retro y todo lo que fuera vintage, yo soy fan de todo eso, así que tiene sentido que me encante regresar al Y2K.El video de 2 die 4 es inspirado en Y2K en la moda, el sonido, todo. Creo que es divertido jugar con cosas de las que tienes un recuerdo. Cuando usé la ropa para el video dije “tenía pantalones así”. La moda no era muy favorecedora si tenías curvas. Me estoy divirtiendo con eso.Sobre esto, ¿Tienes alguna era o época favorita?Diría que los 70, en términos de moda y estilo. También musicalmente lo que pasó que pasaba con las fiestas y ese tipo de música para bailar, tipo Donna Summer en I Feel Love. Ese sería mi sueño.¿Cómo describes este nuevo álbum?Creo que el álbum es muy amplio en géneros y estilos. Me siento muy feliz con la mezcla de sonidos, hay canciones inspiradas en el dance de diferentes décadas. Es un álbum muy bailable, pero al mismo tiempo emotivo.Después de la pandemia hemos visto muchos álbumes de música muy optimista y bailable. ¿Crees que es una respuesta a ese momento tan difícil y hoy la gente solo quiere bailar luego de tanto encierro?Absolutamente. Pienso que la gente solo quiere sentirse libre y conectar con otros. Música y baile. Es un concepto muy divertido: reunirse en un solo lugar a bailar, es muy interesante. Es algo de lo que nos perdimos por varios meses. La pandemia fue un momento en el que todos reflexionamos sobre nuestra vida y tal vez tuvimos ratos muy difíciles. Ahora creo que la gente quiere desprenderse, no pensar mucho, ser libres y disfrutar.¿Cómo te adaptaste a ese momento?No escribí mucho en 2020 y luego escribí mucho en 2021 porque ahí empezamos a ver un poco la luz al final del túnel, sentí la esperanza de que íbamos a salir de esto en algún momento. Para mí, depende de la música que me gusta escuchar, que me haga sentir bien, y que me guste moverme con ella.Incluso cuando algunos de los temas en la canción son emotivos y vulnerables, quería mantener el beat y el sentimiento de movimiento. Ese contraste es muy “nice”. Aún cuando estábamos haciendo canciones bailables, pensé que estaba bien que las letras contrastaran, eso las hace muy especiales.¿Es difícil ponerte en una posición vulnerable al momento de escribir canciones?Solo escribo lo que necesito escribir. Usualmente se trata de lo que estoy pensando, y los sentimientos que tengo que sacar de mi cuerpo. Si empiezo a pensar mucho sobre lo que dirán, tipo “ahora saben esto tan personal de mí”, entonces no podría escribir lo que quiero escribir, así que trato de no pensar mucho en eso.Usualmente, cuando estoy siendo muy personal sobre algo, mucha gente dice “yo también me siento así”, o “yo también pasé por eso”. Se siente bien, porque te das cuenta de que rara vez estás solo y mucha gente ha pasado por cosas similares. Así que no, no me parece difícil.Un artista que sea inspiración para ti...Mi mayor inspiración es Robyn. La he escuchado durante toda mi vida, creo que es una gran artista e intérprete y sabe cómo hacer una mezcla perfecta de pop, dance, tristeza y esperanza.Haces tu propia música, pero también trabajas con otros artistas. ¿Qué prefieres?Honestamente, son partes muy distintas de mí y siempre me siento muy orgullosa cuando escribo una canción para un artista. Cuando trabajo con alguien y finalmente se lanza la canción, eso me enorgullece mucho.Es casi como un logro mayor, porque yo elijo la música que quiero lanzar para mí, pero es un proceso más grande lograrlo con otro proyecto, así que no sé. Si tuviera que elegir uno seria hacer mi propia música, pero realmente me encanta trabajar con otras personas, es muy satisfactorio.
Lady Gaga ya está más allá del bien y del mal. Tiene canciones que redefinieron el pop, hits que están en la memoria de millones de personas, películas icónicas que siguen generando dinero y un futuro en la industria del entretenimiento que anhelamos ver. Para leer | 'Joker 2': Lady Gaga co-protagonizará la película con Joaquin PhoenixEn ese orden de ideas, hay que decir que no todas las canciones de los artistas son mega populares y hay joyas escondidas que luego de muchos años se logran un nuevo pico de impacto. Ese es el caso de Bloody Mary, una canción de Lady Gaga que logró el #1 en Shazam luego de 12 años de su lanzamiento en el álbum Born This Way.¿Cuál es la relación de Lady Gaga con la serie Merlina de Netflix?Directamente ninguna, no existe relación entre Gaga y Merlina o Wednesday. Sin embargo, gracias a un TikTok la canción ahora representa a la serie.Jenna Ortega, protagonista de la serie, tiene una escena de baile y originalmente danza sobre la canción Goo Goo Muck por The Cramps, pero alguien decidió subir el clip a TikTok cambiandole el tema musical y poniendo el track Bloody Mary de Lady Gaga.Magicamente la canción encaja y se viralizó al punto de que Gaga reaccionó. "Devóralo Merlina. Eres bienvenida a Haus of Gaga (su empresa de maquilla) en cualquier momento (y trae a Thing contigo, nos encantan las patas por aquí).Ahora Netflix también está impulsando el apoyo de la canción, a pesar de que no se tenía planeado que algún tema de Gaga sonara en la serie que el está dando la vuelta al mundo.Esperamos Gaga haga un concierto próximamente y haga un performance con ella.En video | Epica en Rock Al Parque: 20 años de trayectoria celebrados en Colombia - Shock¡El lado S de la música y el cine!
En 2022 Alejandro Sanz agotó una fecha en el Movistar Arena de Bogotá y quedó con ganas de más. El artista español vuelve a Colombia y se presentará en el Coliseo Live de Cundinamarca en el primer semestre del año nuevo.Contenido recomendado | Conciertos en Colombia para 2023: grandes eventos musicales que pasarán por el paísEl concierto se realizará el próximo 13 de abril en la capital de Colombia. Colombia será la primera ciudad de la gira de Sanz por Sudamérica con dos conciertos. Uno en Bogotá y el otro en Medellín el 15 de abril. El 20 de abril estará en el Estadio Nacional de Lima, Perú, el 22 de abril en el Estadio Alberto Spencer de Guayaquil, Ecuador, el 26 de abril en Santiago de Chile, el primero de mayo en la Plaza de la Música de Córdoba, Argentina, el 3 de mayo en el Metropolitano de Rosario, Argentina, y finalmente el 5 de mayo en Buenos Aires, Argentina.Para conocer los precios de Alejandro Sanz en Colombia pueden dirigirse a los portales web oficiales de las empresas productoras de los conciertos y así consultar las localidades anunciadas.Ha vendido más de 25 millones de discos y ha sido ganador de 24 Grammys Latinos y 4 Grammy Awards. El creador de Looking For Paradise ha publicado 13 álbumes de estudio, 4 proyectos en directo, 4 álbumes recopilatorios y más de 40 sencillos.En 2023 también se espera que la oferta de conciertos en Colombia siga siendo tan alta como en el presente año. Específicamente Bogotá se ha convertido en una plaza muy importante para los artistas extranjeros con la posibilidad de que se presenten en teatros, arenas o estadios.En video | Epica en el Festival Rock Al Parque 2022: Veinte años de trayectoria celebrados en Colombia - Shock¡La música nos une!
Son pocos los artistas del rock en español que se han mantenido vigentes durante más de 40 años, y es ese impulso intacto por rockear el que llevará a Miguel Mateos a presentar en vivo el próximo 4 de Marzo de 2023 en Movistar Arena de Bogotá, su gira "40 años". Una forma de agradecimiento a su público fiel que lo ha seguido durante tantos años y a las nuevas generaciones que buscan descubrir el poder escénico del "jefe del rock en español". Acompañado de VILMA PALMA E VAMPIROS quienes serán los encargados encender la pachanga en este show y por Colombia estará la agrupación bogotana COMPAÑIA ILIMITADA quienes también celebran 35 años de historia rockera.Es la gran oportunidad para repasar los grandes hitos de la carrera de Mateos, desde "tira para arriba", pasando por "obsesión", "cuando seas grande", "llámame si me necesitas", "atado a un sentimiento" y hasta le presente de "Undotrecuá" con su homenaje al rock argentino de "El nacional".Quienes no se quieran perder esta noche llena de rock en español, pueden adquirir sus entradas en tuboleta.com a partir del 9 de diciembre con el 30% de descuento en su etapa de preventa, hasta el 24 de diciembre. En video | Epica en el Festival Rock Al Parque 2022: Veinte años de trayectoria celebrados en Colombia - Shock¡La música en vivo nos une!
