La actriz australiana nominada al Premio Óscar, BAFTA, Globo de Oro y Sag Award Margot Robbie fue confirmada para protagonizar el live-action de Barbie. La película sobre la historia de la icónica muñeca de Mattel llegará a las salas de cine de todo el mundo a finales de 2022 o principios de 2023.Contenido relacionado | ‘Piratas del Caribe’ anuncia a Margot Robbie como su nueva protagonista‘Barbie’, la película se viene planeando desde 2019 cuando Noah Baumbach presentó el guion en Warner Bros Pictures. Ese script cuenta con la participación de la ganadora del premio Globo de Oro Greta Gerwig, quien también fue confirmada como la directora del proyecto.La estadounidense Gerwig es recordada como actriz de las películas No Strings Attached, Arthur y To Rome with Love, esta última dirigida por Woody Allen. En 2017 debutó como escritora y directora con la cinta Lady Bird por la que recibió múltiple nominación en los Premios Óscar. En 2019 presentó con éxito la película Little Woman, escrita y dirigida por ella.Para leer | Tráiler oficial: Ellos son los Madrigal, la mágica familia colombiana de 'Encanto'De acuerdo con el portal de entretenimiento Variety la película será completamente diferente a lo que se esperaría de una película sobre Barbie. Seguramente, con el trabajo de Margot Robbie y Greta Gerwig, se espera que el guion no sea de fantasía sino de drama. La cinta tiene toda la pinta para ser presentada en festivales de cine.Sería hermoso que la banda sonora incluyera la icónica canción Barbie Girl de la agrupación Aqua.La australiana Margot Robbie también es productora ejecutiva de la película bajo su compañía LuckyChap Entertainment. La actriz se ha consolidado en Hollywood con proyectos como Once Upon a Time in Hollywood, Suicide Squad, Bombshell, por mencionar solo algunos.En video | 'Encanto', la película animada de Disney inspirada en la riqueza cultural de Colombia¡El lado S del cine y la televisión!
Willem Dafoe es uno de los rostros más respetados en Hollywood. Lleva activo en el mundo del entretenimiento desde 1980, ha actuado en cine, televisión y teatro y su genialidad como intérprete lo llevaron a ser miembro fundador de The Wooster Group en Nueva York, una sala de teatro reconocida por crear numerosas obras dramáticas.Para leer |‘El olvido que seremos’ y otros 5 proyectos destacados del actor Juan Pablo UrregoDafoe ha participado en todo tipo de películas: drama, comedia, romance acción, suspenso y varios proyectos animados. Su brillante trayectoria artística lo han llevado a obtener importantes premios y nominaciones: cuatro nominaciones al Premio Óscar, tres nominaciones al Globo de Oro, un reconocimiento del Festival de Cine de Venecia y otro del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, por mencionar algunos.Willem estudió arte dramático en la Universidad de Wisconsin–Milwaukee y también ha apoyado la carrera de nuevos talentos en la industria. Su rostro tiene facciones muy marcadas que lo han llevado a ser cotizado para papeles de carácter, pero Dafoe ha demostrado que puede nadar como pez en el agua en diferentes personajes.A sus 65 años Dafoe aparece en los créditos de 129 películas (de cine o televisión), 7 series y 5 videojuegos. Elegimos en este listado 15 títulos en los que ha brillado por su trabajo actoral.Sgt. Elias K. Grodin en Platoon de 1986Jesús de Nazareth en La Última Tentación de Cristo de 1988Charlie en Nacido el cuatro de julio de 1989Max Schreck en Shadow of the Vampire del 2000Detective Donald Kimball en American Psycho de 2000Norman Osborn / Duende Verde en El Hombre Araña de 2002Armando Barillo en Once Upon A Time in México de 2003Stan en Anamorph de 2004Anticristo en Antichrist de 2009L en Nymphomaniac de 2013Peter Van Houten en Bajo la misma estrella de 2014Marcus en John Wick de 2014Bobby Hicks en The Florida Project de 2017Terrence en What Happened to Monday? de 2017Vincent van Gogh en At Eternity's Gate de 2018Nuidis Vulko en Zack Snyder's Justice League de 2021¡El lado S del cine y la tv!
En la mitad del 2006 se estrenó en salas de cine la película The Devil Wears Prada conocida en Latinoamérica como El Diablo Viste a la Moda, producción de Hollywood protagonizada por Anne Hathaway, Meryl Streep y Emily Blunt. Tuvo un costo de 35 millones de dólares y recolectó, solo en taquilla, más de 320 millones de dólares.Para leer | La próxima precuela de un villano de Disney debería ser con Úrsula, de La sirenitaEn 2021 la película cumplió 25 años y para celebrarlo el equipo se reunió por Zoom donde revelaron detalles del impacto de la comedia en sus carreras.Contenido relacionado | Emma Thompson: 11 interpretaciones impecables de la actriz británicaPor ejemplo, el guionista Aline Brosh McKenna contó que el final era muy diferente al que todos conocimos y que “una escena un poco más optimista con Nate, más parecido a una reconciliación”.En la reunión digital también se contó que, en un principio, se había buscado a otras actrices para protagonizar la película. Michelle Pfeiffer, Glenn Close y Catherine Zeta-Jones fueron los nombres que se pensaron para el rol de Miranda Priestly, mientras que Rachel McAdams era la favorita para personificar a Andy.Pop Crave, portal estadounidense especializado en entretenimiento, reveló que hay planes para que la historia se convierta en una serie para televisión y plataformas de streaming. La autora de El Diablo Viste A La Moda contó que “ha habido muchas conversaciones al respecto. No diría que está fuera de lo posible ".Evidentemente la historia sería protagonizada por un nuevo elenco por el hecho de que las actrices no tienen las mismas características que hace 15 años, pero desde ya tienen que entender que va a ser muy difícil llenar los zapatos de Hathaway y Streep.En video | 11 películas con historias LGBTIQ+ que han marcado el séptimo arte - Shock¡El lado S del cine y la tv!
Una de las películas más ambiciosas de la primera década del 2000 fue Encantada de Disney, un proyecto en el que por primera vez la compañía fusionaba animación con actuaciones reales. La buena noticia es que una secuela está en desarrollo y estrenará cuando ustedes menos lo esperen.Para ver | ‘How I Met Your Mother’: Hilary Duff protagonizará serie derivada de la comediaEncantada estrenó en 2007, protagonizada por Amy Adams, Patrick Dempsey, James Marsden e Idina Menzel. Tuvo un alto éxito comercial al recolectar más de 350 millones de dólares en taquilla y al obtener nominaciones a premios como los Oscar y los Globo de Oro.Desde 2010 se han tejido teorías y rumores sobre una secuela, sin embargo nunca daba resultados concretos y se desmoronaba la posibilidad de tener Encantada 2, principalmente porque Amy Adams, su protagonista, se había convertido en una de las actrices más importantes de Hollywood por sus papeles en drama que la llevaron a obtener múltiples nominaciones a los Oscar.En 2016 se dio a conocer que había un guion planeado, pero que no convencía del todo. Lo que sí era claro es que la película llevará el nombre Disenchanted y tendrá el mismo porcentaje de animación que la primera parte, es decir, casi un 10% de la cinta.Amy Adams confirmó a mediados de 2018 que era productora ejecutiva del proyecto, pero que aún estaba en pre producción. No reveló muchos detalles, pero por lo menos se sabe que ella está involucrada directamente.Con la llegada de Disney+ se confirmó que la película estrenaría en la plataforma, aunque puede que también se proyecte en salas de cine. 2021 es el año definitivo de la película, a principios de año se confirmó a Patrick Dempsey como Robert y semanas después se dio a conocer que James Marsden e Idina Menzel también repetirían sus papeles.La música, que fue una de las más aclamadas por la crítica, será compuesta nuevamente por Alan Menken y Stephen Schwartz.Entre las novedades se sabe que Desencantada tendrá la participación de los siete enanitos y que para esta oportunidad contará con tres villanas. Las encargadas de personificar el mal serán las actrices Maya Rudolph, Yvette Nicole Brown y Jayma Mays.Las grabaciones están programadas para mayo y junio de 2021. Podría lanzarse a finales de ese año o principios de 2022.Para ver | Al estilo 'Coco': Disney hará película animada sobre Colombia¡El lado S del cine y la tv!
Música mainstream mezclada con Hollywood siempre es una colaboración llamativa, aunque no todos los casos son exitosos y es que una vez más veremos a un artista debutar en la pantalla grande. Ozuna feat. Tom y Jerry, la colaboración que no veíamos venir.Recomendado | Premios Globo de Oro 2021: escuchen las cinco nominadas a ‘Mejor canción original’El próximo 11 de febrero de 2021 se estrenará en salas de cine de todo el mundo la película Tom y Jerry que mezclará animación con actores humanos. Este nuevo proyecto de Warner Bros. Pictures y Warner Animation Group contó con la dirección de Tim Story (Fantastic four: Rise of silver sufer, Son Of Shaft, Think Like a Man).El elenco lo integran Chloë Grace Moretz (Buenos vecinos 2, La familia Addams), Michael Peña (Escándalo americano, Ant-Man), Rob Delaney (Deadpool 2, Fast & Furious: Hobbs & Shaw), Colin Jost (Como ser soltera, Saturday Night Live) y Ken Jeong (Crazy Rich Asians, ¿Qué pasó anoche?, Transformers: la oscuridad de la luna). Este es el trailer oficial.Una semana antes del lanzamiento de la película se informó que un cantante latino hará un cameo especial. Se trata del puertoriqueño Ozuna y quien ha tenido gran éxito en territorio norteamericano por su canción Taki Taki con Selena Gómez, Dj Snake y Cardi B.Ozuna confesó ser gran fan de la serie animada y reveló sentirse honrado de haber sido invitado para aparecer en la película. El cantante indicó que “crecí con Tom y Jerry y siempre he amado verlos. Sus shows siempre eran divertidos y me hacían sentir bien. Ser parte de la película me recuerda esa época. Es fabuloso que todos puedan disfrutar de sus aventuras”.Esta es la sinopsis de la película:Cuando Jerry se muda al hotel más lujoso de Nueva York, en la víspera de ‘la boda del siglo’, Kayla, la organizadora del evento, contrata a Tom para deshacerse del nuevo huésped. La batalla campal entre el gato y el ratón es una amenaza potencial para destruir la carrera de Kayla, la boda y, posiblemente, al hotel mismo. El problema se agrava con la ambición diabólica de un miembro del staff, quien conspira en contra de los otros tres.En una vistosa combinación de animación clásica con escenas de acción en vivo, la nueva aventura de Tom y Jerry presenta un nuevo territorio para que estos icónicos personajes peleen y los obliga a tomar acciones impensables.Para ver | Jazz y sonidos fuera de este mundo: así es la música de 'Soul'¡El lado S del cine!
El 11 de agosto de 2014 el mundo conoció la triste noticia de la muerte del actor y comediante Robin Williams. Williams apareció colgado de un armario en su casa de California. El documental El deseo de Robin, estrenado en la plataforma Fimin, concluye que el actor padecía demencia con cuerpos de Lewy, una enfermedad degenerativa difícil de diagnosticar que se caracteriza por un deterioro en las funciones mentales. Allegados a Williams afirman que meses antes de su muerte, notaron un deterioro considerable en su salud: "Cuando llevábamos un mes rodando, teníamos claro, tanto yo como todos en el plató, que a Robin le pasaba algo. Veíamos que le estaba costando como nunca recordar las frases y combinar las palabras correctas con la actuación. Me llamaba a las diez de la noche, a las dos de la mañana, a las cuatro... diciendo: '¿Se puede usar algo de lo que he hecho? ¿Doy mucha pena?'. Yo le tranquilizaba diciendo: 'Sigues siendo tú, sólo tienes que recordarlo'", dijo en el documental Shawn Levy, director de la película Una noche en el museo 3, una de las últimas en las que participó el actor."La demencia con cuerpos de Lewy aumenta la ansiedad, las inseguridades, provoca delirios, alucinaciones, insomnio, y en muchas ocasiones termina en suicidio", explica en el documental el doctor Bruce Miller, director del Centro de la Memoria y el Envejecimiento en la Universidad de California San Francisco. “Las personas con cerebros excepcionales, que son increíblemente brillantes, suelen resistir y tolerar mejor las enfermedades degenerativas que las que tienen un cerebro normal. Esto demuestra que Robin Williams era un genio”, añade el experto.Aunque Williams nunca fue diagnosticado, para Miller es "la forma más terrible de demencia con cuerpos de Lewy que había visto jamás”. “No había ningún área que no estuviese afectada. Me sorprendió mucho que Robin pudiera caminar o moverse", afirmó.Nacido en Chicago en 1951, Robin Williams hizo reír a varias generaciones con Mrs Doubtfire, soñar con La Sociedad de los poetas muertos, y fue "el genio más genial" en Aladino, pero Robin Williams siempre arrastró un aire de amargura que de Good Morning Vietnam a Good Will Hunting, con la que ganó el Óscar, dibujó al payaso más triste de Hollywood.El fallecido actor Christopher Reeve contó una vez que la primera persona que le había hecho reír tras quedar parapléjico al caerse de un caballo había sido Robin Williams. Habían sido compañeros de estudios de interpretación en la Julliard School y amigos durante toda la vida. Cuando estaba todavía ingresado en el hospital, Williams se hizo pasar por un doctor ruso que quería practicarle una colonoscopia.Tuvo éxito en series de TV como Happy Days y Mork & Mindy. El cine tardó más en darle la bienvenida, pero fue a lo grande con Good Morning Vietnam, de Barry Levinson, que sacó un partido único a su rapidez verbal, a su ingenio y su capacidad para combinar con una gran sonrisa una mirada triste.También le supuso su primera nominación al Óscar y abrió su mejor época profesional y vital, continuada con La Sociedad de los poetas muertos, de Peter Weir, la película que hará hoy que se levante toda una generación de adolescentes a despedirle al grito de "Oh, capitán, mi capitán", pues en ella encarnó a un heterodoxo profesor que se sale de los temarios y entra en la materia sensible de la vida.El trío de ases (y de nominaciones al Óscar) se redondeó con The Fisher King, de su ídolo cómico, Terry Gilliam (de los Monty Python), esta vez metido a mágico fabulador.Disney pensó en él como el único capaz de poner voz al genio de Aladino, su gigantesco éxito comercial, y su pericia fue tan bárbara que algunos incluso pidieron una cuarta nominación al Óscar por un trabajo de doblaje. Como rezaba la canción que él mismo cantaba en infinitos tonos y voces distintos, no había en el mundo "un genio tan genial".Y Steven Spielberg pensó en lo contrario: en darle el papel de un Peter Pan hastiado y amargado en su vida real y volviendo a Nunca Jamás para solucionar su insatisfacción. Era Hoo" y allí reafirmó su conexión con uno de sus públicos más fieles: el infantil.Mrs. Doubfire, en la que se convirtió en una adorable asistenta británica para estar más tiempo con sus hijos, le reportó un Globo de Oro y desplegó una paleta más amplia de talentos si cabía, hasta convertirla en un gran éxito comercial.Seguirían otros filmes como Jumanji, Patch Adams (no en vano, sobre la terapia de la risa) o la incomprendida Jack, rareza agridulce de Francis Ford Coppola.El Óscar, llegó finalmente a la cuarta nominación en 1997, la primera como secundario, en un papel tan agridulce como él mismo. El psiquiatra viudo de Good Will Hunting, de Gus Van Sant. y, por primera vez, Robin Williams se quedó casi sin palabras al subir al escenario ante la ovación de toda la profesión. Aunque enseguida se recuperó y empezó a bromear.Williams participó en decenas de películas y siempre será recordado como uno de los comediantes clave de su generación.
Ganadora del Óscar, Globo de Oro, del SAG, del Bambi, del MTV Movie y hasta del Razzie, Sandra Bullock es una de las actrices más importantes de la historia del cine en Hollywood. Ha tenido películas demasiado taquilleras, pero también ha tenido fracasos que la han hecho esforzarse por elegir mejor en qué tipo de proyectos se involucra. Sandra Annette Bullock nació en Virginia, Estados Unidos, en 1964, vivió gran parte de su vida en Europa y siempre ha estado ligada al arte pues su madre y padre eran cantantes o entrenadores vocales de ópera. A diferencia de muchas de sus colegas, Sandra estudió arte dramático en la Universidad de Carolina del Este e intervino en varios montajes de teatro. Hizo su primera película en 1987 y desde ahí su carrera ha ido en ascenso siendo llamada para papeles protagónicos, secundarios o apariciones especiales que han hecho que su fortuna sea mayor a los 50 millones de dólares. Vale la pena resaltar que Sandra ha sido aclamada por poder hacer drama y comedia con el mismo nivel de calidad. Estos son 9 títulos que han marcado la historia actoral de la artista. - Gravity En esta cinta fue dirigida por Alfonso Cuarón y compartió créditos con George Clooney que la llevaron a ser nominada a los premios más importantes de la industria. - The Blind Side En esta película Una familia adopta a un joven de las calles y lo ayuda a aprovechar todo su potencial como jugador de fútbol americano. Sandra interpretó a Leigh Anne Tuohy, papel que la llevó a ganar su primer premio Óscar. - Crash Es una de las cintas más exitosas de 2004 que habla de la tensión racial que involucra a la gente de Los Ángeles, California. También recibió varios premios por esta película. - The Heat Considerada una de las comedias más exitosas de la segunda década del 2000. Pone todo el peso sobre sus protagonistas femeninas que logran lucirse en cada escena. - Miss Simpatía Esta cinta catapultó a Sandra Bullock en la comedia y la representa como una agente secreta que se mete a un reinado de belleza que está plagado de corrupción. Maravillosa interpretación. - Mientras Dormías Comedia romántica que logró recaudar casi 200 millones de dólares en taquilla y que fue nominada a Premios Globo de Oro y MTV Movie. - Infamous Esta es de esas películas que gozan de grandes críticas, pero fueron un completo fracaso en la taquilla. Fue estrenada en 2006 en el Festival de Cine de Venecia. - Speed Aquí comparte créditos con Keanu Reeves y se convirtieron en una de las mejores películas de acción de finales del siglo XX. - All About Steve Fue considerada una de las peores películas de los 2000, pero tuvo una buena recepción en taquilla. Por esa película Sandra ganó el premio a Peor Actriz en los Razzie Awards, galardón que ella misma fue a recoger. - Bird Box Es considerada una película de alto impacto, pero el guion fue fuertemente juzgado por la crítica. Su distribución fue por Netflix y desde su lanzamiento fue una de las cintas más vistas en la plataforma durante el 2018. Para ver | Química, éxito y música, una charla con Lana Condor & Noah Centineo #ElLadoSDelCine
Ir al cine hoy es como montarse en el DeLorean con destino a una fecha incierta, siempre en el pasado, ya sea porque uno se encuentra siempre o con los remakes de viejas películas como El Rey León o con la extensión de antiguas franquicias como Star Wars. En los últimos años asistimos a un cambio en la forma de hacer cine, ejecutado, principalmente, por grupos de marketing. Apelar a la nostalgia, extender antiguas franquicias y cumplir con ciertos requisitos para agradar a grandes audiencias es el pan de cada día en la industria. Sin embargo, Netflix trae un nuevo modelo basado en el Big Data que promete cambiar radicalmente la forma en que consumimos películas. Por Juan Camilo Ospina Deaza y Valeria Sánchez Prieto Ricky Gervais, un conocido humorista ingles comenzó su monologo en los Golden Globes del 2020 afirmando “Ya nadie se preocupa por las películas, nadie va al cine, nadie mira televisión por cable ¡TODOS ESTÁN MIRANDO NETFLIX!, este programa debería ser ¡Buen trabajo Netflix, ganaste todo!”. El comentario puso sobre la mesa la oposición que existe entre la forma de hacer cine de Hollywood y la de Netflix. "Hay una guerra en Hollywood en este momento: el modelo de Netflix versus el modelo de Hollywood” afirmaba también Ross Gerber, presidente y director ejecutivo de Gerber Kawasaki, una firma de gestión de riqueza e inversiones con sede en Santa Mónica. La nostalgia de Hollywood Hay un problema con la forma tradicional de hacer cine en Hollywood: la diversidad de películas en grandes salas es muy limitada. En términos de géneros, historias, estructuras cinematográficas e incluso temáticas hay muchas cosas que no se pueden presentar en este modelo ya que el objetivo es llamar la atención a el mayor número de personas posibles. Lo anterior implica tanto no tratar temas controversiales como no realizar películas de nicho, etc. Y, como dice el dicho popular, ¡preocúpate si le caes bien a todo el mundo! Por esto la forma de hacer cine en Hollywood pasa por un gran filtro de estudios focales y de marketing para determinar qué secuencias mostrar, qué personajes van a ser los principales, cuáles temáticas se van a dejar de lado, etc. Los filtros y criterios de selección llegan a tal punto que, previendo malas recepciones sobre ciertas escenas, algunas películas a último momento hacen recortes. En consecuencia, como estrategia por parte de la industria cinematográfica encontramos que la gran arma de las grandes productoras es la nostalgia. El universo DC, por ejemplo, ha estado en la pantalla grande desde los 50, por lo que no es de extrañar que Batman, Justice League y el próximo Aquaman sean populares. En 2017, el remake de acción en vivo de Beauty and the Beast fue la segunda película más taquillera en el Reino Unido, justo detrás de Star Wars: The Last Jedi, y por delante de IT y Paddington 2. En varias de estas ocasiones, las salas de cine se llenaban más de adultos que de niños, puesto que estos deseaban ver una película clásica de Disney reinventada con una cara familiar de la infancia interpretando el papel de Belle. El hecho de que varios de estos reinicios hayan tardado años en aparecer ilustra perfectamente cómo preferiríamos estar de regreso en nuestros días de juventud, sin preocupaciones ni responsabilidades y que, a veces, simplemente necesitamos escapar. Con este panorama, ¿no será que quizás la razón de los recientes lanzamientos nostálgicos de Hollywood ha sido recuperar a su público? "Vuelve al cine", gritan, "¡tenemos todos tus favoritos de la infancia!" De acuerdo con el blog de datos The Droid, se lanzaron 122 remakes entre 2003 y 2012. ¿El puntaje promedio de crítica de todas estas películas en Rotten Tomatoes? Un medio 46%, mientras que las películas originales tenían una puntuación media del 78%. El prestigio crítico es bajo, pero ¿la taquilla? Está desbordando. El total bruto de taquilla de todos estos remakes fue de $ 12 mil millones. Algunas de las películas más populares de los últimos diez años han sido remakes, reinicios o secuelas de nuestras películas favoritas de la infancia. Es como si nosotros, el público, recordáramos constantemente nuestro pasado e ignoráramos nuestro presente: anhelamos nostalgia. En este caso, la técnica de los grupos focales, tan utilizada en el marketing para conocer los gustos del consumidor resulta ineficaz. Es menos arriesgado aceptar algo que ya se ha hecho y que sabemos nos gustó, películas como Matrix o el Rey León, que explorar algo nuevo que no sabemos si va a captar el interés del público. Aun cuando sabemos que la nueva trilogía de Star Wars no nos ha gustado mucho, seguimos asistiendo y pagando por verla, porque Star Wars fue un gran fenómeno cultural y nos venden que estamos asistiendo “de nuevo” a un evento histórico. Hoy más que nunca las palabras del exdirector ejecutivo de Disney, Michael Eisner tienen sentido “No tenemos la obligación de hacer historia. No tenemos la obligación de hacer arte. No tenemos la obligación de hacer una declaración. Ganar dinero es nuestro único objetivo". Una película bajo este modelo se considera exitosa si logra grandes ganancias. A pesar de lo anterior, durante la última década, la asistencia al cine ha disminuido, al igual que los precios de las entradas han aumentado constantemente, según los datos recopilados por Box Office Mojo. Los analistas dicen que la noche de estreno de muchas películas fuera del género de éxitos de taquilla ha perdido parte de su brillo. La audaz incursión de Netflix en la producción de películas y la distribución directa al sofá es un desafío explícito para el modelo tradicional de Hollywood. "Entendemos que nuestro enfoque de las películas, debutando primero las películas en Netflix, es contrario a la tradición centenaria de las ventanas de Hollywood", dijo Netflix en su informe de ganancias. "Pero justo cuando cambiamos y reinventamos el negocio de la televisión al poner a los consumidores primero y hacer que el acceso al contenido sea más conveniente, creemos que la televisión por Internet puede revitalizar de manera similar el negocio del cine". ¿En qué consiste esta revolución? Desde el lanzamiento de su primer programa original, House of Cards en 2013, Netflix ha demostrado su valía en el juego de televisión. Las series Buzzy como Orange is the New Black y Stranger Things han contribuido a que la compañía tenga más de 137 millones de suscriptores y, en 2019, empató con HBO para obtener la mayor cantidad de trofeos Emmy. Netflix encontró la manera de recopilar datos de consumo de grupos y crear productos a la medida para ellos. Ésta ha sido una empresa de datos durante más tiempo que un productor de contenido. Su algoritmo de recomendaciones fue una de sus primeras propuestas de valor, y más tarde fue un aspecto importante de su expansión global. Permitió a Netflix enfocarse en los gustos con "microgéneros" y producir imágenes personalizadas. Comprender estas preferencias de los usuarios fue fundamental para dominar el mercado que creó, para mantener a los suscriptores dentro de su ecosistema y guiar las listas de programación originales. Cómo los usuarios interactúan con los contenidos, qué ven, cuándo lo ven y durante cuánto tiempo son algunos de los datos que la plataforma recopila. Son datos indicativos sobre sus decisiones y elecciones en la vida real puesto que pueden dar cuenta de la preferencia del producto, gusto musical y el comportamiento humano. La forma como los usuarios manejan esta decisión: cuánto tiempo les lleva hacer clic en una opción u otra, con qué frecuencia vuelven (o evitan) una opción determinada durante las repeticiones, se pueden matricular con las elecciones que hacen en los plazos resultantes. Netflix y el Big Data Esas opciones ofrecen una visión sin precedentes sobre lo que los suscriptores de Netflix quieren de una historia y de lo que caracteriza a un personaje. El procedimiento fue llevado al extremo con Bandersnatch, un capítulo de la serie Black Mirror basado en la interacción de quien lo observaba para determinar cómo se debería desarrollar la historia. Esto significa que los espectadores podían determinar que quisiera que sucediera en la siguiente escena. Los datos generados por los usuarios han guiado la toma de decisiones creativas de Netflix cuando se trata de comercializar películas originales como Bright. Bandersnatch representa una nueva forma de minería de datos que brinda a Netflix información de audiencia más rica y específica que nunca antes. Estos momentos son oportunidades para que Netflix comercialice a sus usuarios mientras aprende de ellos. Utilizando la información que recopila, Netflix podrá asociar productos con contenido, microgéneros y datos demográficos específicos (por ejemplo, “Frosted Flakes” con Dystopic Thrillers, o con hombres de 18 a 24 años). Por otro lado, podrá probar directamente los diseños de productos (por ejemplo, dos cubiertas de cajas de “Frosted Flakes” diferentes), servicio que Netflix podría vender a las marcas antes de que comience la producción. Netflix podría borrar el mayor obstáculo de los especialistas en marketing al llevarlos a sus audiencias más receptivas. Cuando algo es gratis es probable que sea porque usted es el producto. El mejor ejemplo es Facebook, o ¿alguna vez se han preguntado por qué las redes sociales son gratuitas? Porque la información, o las insights, que nosotros producimos cuando interactuamos con la plataforma tiene valor y luego es vendida sobre comportamiento del consumidor. Un modelo similar utiliza Netflix, su producto no es la oferta de series y películas, su producto somos nosotros, nuestras interacciones como consumidores. La profundización de la interactividad establece un nuevo y poderoso circuito entre usuarios, contenido, plataformas y marcas/comercializadores. Esto solo será más cierto a medida que más voz, seguimiento ocular y realidad virtual ingresen a la imagen, con un potencial aún mayor para rastrear cómo los usuarios reaccionan a los objetos en sus entornos creados. En otras palabras, Netflix descubrió el valor del Big Data para la comercialización del entretenimiento. Un punto importante del Big Data es que las formas tradicionales de análisis estadístico son insuficientes, por lo que se empieza a relacionar elementos que, en un primer momento, no parece que tengan relación. En el caso de Bandersnatch es el tiempo de duración en dar clic, elegir el cereal en una de tus decisiones en la película y hora de ver el contenido propuesto. A pesar de todo su éxito televisivo, Netflix todavía necesita películas. "Las películas son las que llevan a las personas a una plataforma de transmisión", dice otro agente. "Las series de televisión son las que los mantienen comprometidos". Esto explica por qué tantas nuevas películas de Netflix han aparecido en la fila "Recientemente agregado" de la plataforma. En 2018, la compañía lanzó más de 80 películas originales, superando a todos los principales estudios combinados. Su lista para 2019 incluyó características de gran presupuesto de Martin Scorsese (The Irishman), Michael Bay (6 Underground) y Steven Soderbergh (The Laundromat). Netflix incluso recientemente adquirió una de las principales consultoras del Oscar, la que realizó las campañas de Mejor Película tanto para La La Land como para Moonlight. La verdad es que Netflix todavía se percibe en Hollywood como el lugar para vender proyectos que los estudios tradicionales no realizarán. Compraron The Irishman después de que Paramount se retiró del proyecto debido a su presupuesto, proyectado de $ 125 millones (que supuestamente se ha desbordado). 6 Underground, liderado por Ryan Reynolds, que está siendo cofinanciado y distribuido por Netflix, tampoco pudo obtener luz verde de estudio debido a su costo. La libertad de Netflix de esas restricciones le ha permitido inclinarse hacia dramas de presupuesto medio y comedias románticas que los estudios ignoran por privilegiar franquicias con bases de fanáticos incorporadas globalmente. Hasta aquí, pareciera que Netflix (y el streaming) es la salvación, una nueva oportunidad para la creatividad. No obstante, este modelo en que los productos se nos crean a la medida trae nuevas preocupaciones. Con el cine o la televisión existía una limitación en términos de tiempo para ver nuestros programas preferidos, pero con Netflix se extendió la práctica del Binge Watching, o hacer maratones de series. Al ofrecernos productos que probablemente nos interesen, es común que las personas pasen fines de semana enteros viendo sus series preferidas. Es una forma muy particular de relacionarnos con nuestro consumo cultural. Ver un capítulo tras otro nos impide digerir, reflexionar o cuestionar lo que ocurre en la serie. Nos embute grandes cantidades de acontecimientos. Una cosa sorprendente ocurre detrás de otra sin tener el espacio para poder desglosarla. Es innegable que Netflix nos ha abierto las puertas a nuevas formas de interacción, sino lo creen hasta hace unos años no existía “Netflix and Chill” o las invitaciones a la casa para “ver Netflix”. Es más, ya ni siquiera tendríamos que reunirnos en algún lugar en especial, si podemos abrir la plataforma en nuestros celulares y tablets mientras vamos en el transporte público o esperamos en la fila de un banco. Netflix llego a tal grado de sofisticación que puede ofrecernos productos que no sabíamos que deseábamos. En estos tiempos es difícil mantener la ilusión del creador. Anteriormente podíamos imaginarnos cómo las películas primero nacen bajo una idea o una historia de un gran autor y luego se hace un proceso en el que se crea y finalmente se consume. Sin embargo, lo que nos demuestra Netflix. y Hollywood. es que el cliente es el que tiene la razón.
Este año el actor Juan Pablo Raba estuvo presente en la pantalla y los teatros de todo el mundo gracias a su participación en las series Agents of S.H.I.E.L.D, Six y la película de Hollywood Justicia Implacable con la ganadora del Globo de Oro Jennifer Garner. A pesar de estar radicado en Los Ángeles, por los proyectos audiovisuales en Estados Unidos y constantes castings, este año se puso a la tarea de ser protagonista y productor ejecutivo de Distrito Salvaje la primera serie 100% colombiana de Netflix, producida por Dinamo. Raba es absoluto protagonista en Distrito Salvaje, toda la historia de la serie gira en torno a su personaje Jey Jey y está acompañado de un elenco que lo soporta y le da mayor fuerza a su actuación. El colombiano, que se consagró como galán de telenovelas venezolanas, lleva 20 años en el medio y cada uno de sus proyectos lo ha llevado a dar el salto a la meca del entretenimiento donde espera poder protagonizar su propia película y abrirle la puerta a más latinos en Hollywood en papeles alejados del malandro, ladrón o mensajero. Cristina Umaña, co-protagonista de Distrito Salvaje, nos cuenta por qué Juan Pablo Raba es uno de los Personajes Shock del año. Para ella el actor es un líder que sabe trabajar en equipo y confiesa que es una persona ética y correcta con su trabajo y su labor en la sociedad. Vea lo mejor del 2018 en Shock.co
En algún momento todos hemos invitado a la persona que nos gusta a nuestra casa a ver alguna película o serie. En ese momento lo más importante es la compañía y no tanto lo que se ve en pantalla. Sin embargo es esencial escoger un buen título para empezar a calentar el ambiente, al menos disimular o fingir que no es obvio lo que va a pasar, y hacer lo que se debe hacer. 10 films para peliculear 1) Lucia y el sexo (2001) 2) Blue Is The Warmest Color (2013) 3) Pretty Woman (1990) 4) Y tú mamá también (2001) 5) Troya (2004) 6) Nymphomaniac (2013) 7) 50 Shades Of Grey (2015) 8) Love (2015) 9) Bajos instintos (1992) 10) Del amor y otras adicciones (2010) Nos cuenta si le funciona.
Después de tres años del estreno de la primera temporada, se reveló que la cuarta temporada de Only Murders in the Building llegará a la plataforma de streaming Hulu el 28 de agosto del 2024. Esta vez, Charles, Oliver y Mabel se entera que un estudio de Hollywood quiere hacer una película inspirada en su podcast. Por esto, el trío dinámico se va a Los Ángeles y, mientras trabajan por su camino a la fama, intentan resolver el asesinato de Sazz Pataki. En esta ocasión, además de Martin Short, Steve Martin y Selena Gomez el elenco tendrá como invitados estrella a Meryl Streep, Da’Vine Joy Randolph (ganadora al Oscar a Mejor Actriz de Reparto por The Holdovers), Eugene Levy, Eva Longoria, Zach Galifianakis, Molly Shannon, Kumail Nanjiani, Melissa McCarthy y Richard Kind, entre otros. El trailer de la temporada 4 de 'Only Murders in the Building'Las expectativas de la serie están muy altas ya que es una de las favoritas por el público. IMDb calificó esta comedia con un 8,1 y Rotten Tomatoes con un 97%. De hecho, la serie tuvo varias nominaciones en la temporada de premios del 2024, como en los Golden Globes a Mejor Serie de Comedia o Musical. ¿Cuál es el argumento central de 'Only Murders in the Building'?Tres personas que viven en el mismo edificio, Charles, Oliver y Mabel, tienen algo en común: su obsesión por el crimen. Sin embargo, y a pesar de su afinidad con el tema y los podcasts que tengan que ver con este, su vida cambia cuando los tres se ven involucrados en un crimen real. Cuando se enteran de este horrible asesinato en un apartamento de Upper West Sid, Charles, Oliver y Mabel utilizan todos sus conocimientos en el tema para resolver el misterio y encontrar al culpable. Durante la misión, el trío dinámico decide grabar un podcast para documentar su proceso y terminan descubriendo uno que otro secreto más. La serie de televisión y comedia fue creada por el actor y uno de los protagonistas de la serie, Steve Martin, junto a John Hoffman. Actualmente, Only Murders in the Building tiene tres temporadas cada una de 10 episodios. A pesar de que la serie es originalmente de Hulu, en Latinoamérica se puede ver por Star+. **Les recomendamos: Las 35 mejores series de 2023 según Shock
Estos días, Carlos Vives recibió críticas en redes sociales, por un video que se hizo viral en X (Twitter), en el que, junto al también cantante vallenato Silvestre Dangond, hace una crítica a Gabriel García Márquez. "Al escritor García Márquez hay que hacerle saber bien, que uno la tierra donde nace es la que debe querer, y no hacer como hizo él que su pueblo abandonó y está dejando caer", dice el cantante vallenato. Vives canta una canción compuesta Armando Zabaleta titulada Aracataca Espera, lanzada originalmente en 1974. ¿Quién es Armando Zabaleta?Zabaleta nació en El Molino, La Guajira, el 21 de febrero de 1927 y fue un conocido cantante y guacharaquero. Fue un defensor de la expresión autóctona del folclor vallenato. Falleció en 2010. Fue el sexto Rey de la Canción Vallenata Inédita del Festival de la Leyenda Vallenata con ‘No vuelvo a Patillal’, una de sus composiciones más recordadas. Aunque la canción fue una crítica al escritor, lo cierto es que él en su momento se lo tomó con humor y eran grandes amigos. ¿Qué dijo García Márquez de la canción de Zabaleta? Según recuerda Panorama Cultural, en una ocasión, un periodista le preguntó a García Márquez: “Maestro, ¿qué opina usted de la canción que le compuso Armando Zabaleta? Gabo respondió : “En Aracataca tienen que levantarle una estatua a Zabaleta”. La respuesta del escritor motivó tanto al compositor que con frecuencia solía visitar a Aracataca, donde era recibido con aprecio y venerado por todos los cataqueños. En el fondo, la población le agradecía la crítica que exponía en la canción y esperaban que el escritor, en cualquier momento, respondiera positivamente con el pueblo.“La música vallenata me ha dejado todo, con ella me hice popular, principalmente la gente me estima mucho y eso me enorgullece a mí. No tengo palabras para agradecer tanto cariño”, dijo Zabaleta en una declaración a Diario del Norte, días antes de su muerte. "Se distinguió por ser un auténtico baluarte de nuestra música y a través de sus canciones dio a conocer el sentir de la provincia. Su aporte a la música vallenata fue extraordinario", dijo el presidente de la Fundación Festival de la Leyenda Vallenata, Rodolfo Molina Araujo,citado por El Tiempo.
A partir del 16 de mayo, los jueves, viernes y sábados llega a Casa E Borrero Amarte así. Esta obra de teatro es escrita y protagonizada por la reconocida periodista Mariángela Urbina, dirigida por Paola Barrera y cuenta con la presencia en escena de Viviana Bernal, Marcela Robledo y Gabriela Galindo. En esta historia, Mariángela debe enfrentarse a cuatro grandes miedos que compiten entre ellos para superarse: Miedo al fracaso, Miedo al virus del papiloma humano (VPH), Miedo a envejecer y Miedo a la soledad. “Son miedos que cualquier persona puede experimentar, pero que se han instalado de formas muy particulares en las mujeres. Nos han enseñado que para sentirnos bien con nosotras mismas tenemos que ir a terapia y enfrentar los miedos, pero se nos ha hablado menos sobre la relación entre esos temores y la estructura social que habitamos, pues la desigualdad de género nos ha hecho más temerosas”, explica Mariángela Urbina. Amarte así no solo presenta un poderoso mensaje de resiliencia y compasión con nuestra fragilidad, sino que cuestiona con humor los estereotipos de género, los prejuicios de la sexualidad, el amor romántico y los retos del activismo. El humor es algo fundamental en la obra. De hecho, Mariágela Urbina comenta que específicamente en esta historia es usado como herramienta pedagógica. Al final, la gente estará riéndose de lo que ve sin darse cuenta que ha estado aprendiendo durante todo ese tiempo. "Si todos los días es el día del fin, entonces es porque todos los días también son un nuevo comienzo."Uno de los objetivos de Amarte así es darle al público un momento de transformación que los llevará a un plano en el que se encontrarán con otras formas de afrontar los miedos que los aquejan en su cotidianidad. Les dejamos aquí el link para que compren sus entradas para asistir a Amarte así, una obra de teatro que también es una terapia colectiva.
Black Pumas estará en vivo en Bogotá el próximo 20 de mayo. Es una banda que con su sonido R&B soul ha cautivado a miles de fans en el mundo. El dúo fue nominado a un Grammy a Mejor nuevo artista. El dúo está conformado por Adrian Quesada (guitarra) y Eric Burton (cantante y compositor). Adrian, pasó cerca de 15 años tocando con el Grupo Fantasma, una banda de funk latino que en el 2010 ganó un Grammy al mejor álbum de rock alternativo y urbano con el disco El existencial.Por otro lado, Eric Burton creció en Los Ángeles cantando en iglesias y tocando en los muelles de Santa Mónica antes de trasladarse a Austin, Texas, donde se conectaría con Quesada.Quienes han estado en sus shows saben que el grupo suele incluir un cover de Fast Car, de Tracey Chapman. Adrian Quesada, miembro de la banda, nos contó la razón. "Antes de conocer a Eric, él vivía en Los Ángeles y tocaba en un lugar que se llamaba Santa Monica Pier. Él siempre tocaba esa canción y en un show de repente necesitabamos otra canción al final y el tocó esa. Desde ahí la empezamos a tocar porque, aunque me encanta tocar con Black Pumas, también me encanta oír a Eric cantar solo con la guitarra. Es una canción increíble, eterna. ¿Cuál es la historia de Fast Car de Tracy Chapman?Cuando Chapman se sentó a escribir Fast Car, todavía era una cantautora desconocida que tocaba en bares y cafés alrededor de la Universidad de Tufts. Al hablar sobre la inspiración detrás de la canción en la BBC en 2010, explicó que, como muchas de las canciones de su álbum debut, Fast Car fue un intento de capturar "el mundo tal como lo veía cuando estaba creciendo".Chapman fue criada en Celeveland, Ohio, por una madre soltera en "una comunidad de personas que estaban luchando", donde todos "trabajaban duro" y "esperaban que las cosas mejoraran".Chapman escribió la canción una tarde de 1986. “Tenía un perro pequeño, un Dachshund miniatura, y el perro se quedaba despierto conmigo”, explicó. “Ella siempre se quedaba despierta si yo me quedaba despierta hasta tarde, creo que ella estaba sentada en el sofá junto a mí, cuando comencé a escribir la música y las primeras letras, creo que la primera parte de la canción que salió para mí fue la primera línea: 'Tienes un auto rápido...".
Roger Corman, fue un prolífico productor de películas B, un tipo de cine caracterizado por su bajo presupuesto, fue también mentor de futuras estrellas de Hollywood, incluidos los directores Francis Ford Coppola, Ron Howard y Martin Scorsese. Murió el 9 de mayo, a sus 98 años, en su casa de Santa Mónica, California, informó su familia en las redes sociales. "Era generoso, de corazón abierto y amable con todos aquellos que lo conocieron. Un padre devoto y desinteresado, sus hijas lo amaban profundamente", dijo su familia en un comunicado. "Sus películas fueron revolucionarias e iconoclastas y capturaron el espíritu de una época".Aún se desconoce la causa de su muerte.Corman fue llamado durante mucho tiempo el "Rey de las B", habiendo hecho cientos de películas B en sus casi siete décadas como productor y director independiente. Recibió un Oscar honorífico en 2009. Su legado se extiende mucho más allá de sus propias películas. Corman impulsó cientos de estrellas en ascenso, incluidos futuros directores como Coppola, Scorsese, Howard y Jonathan Demme. Además, impulsó las carreras de Jack Nicholson, Dennis Hopper, William Shatner y Robert De Niro, entre otros nombres conocidos.¿Quién fue Roger Corman?Roger William Corman (5 de abril de 1926 - 9 de mayo de 2024) fue un cineasta estadounidense prolífico, conocido como "El Papa del Cine Pop", "El Padrino Espiritual del Nuevo Hollywood" y "El Rey del Cine de Culto". Dirigió, produjo y actuó en más de 400 películas, abarcando géneros como la ciencia ficción, el terror, el western, el crimen y la comedia.Nacido en Detroit, Michigan, Corman estudió ingeniería industrial en la Universidad de Stanford y sirvió en la Marina durante la Segunda Guerra Mundial. Tras la guerra, se mudó a Los Ángeles e inició su carrera en la industria cinematográfica como asistente de producción. En 1951, fundó su propia compañía, American Releasing Corporation, con el objetivo de hacer películas de bajo presupuesto para el mercado de doble función.Corman era famoso por su eficiencia y rapidez, filmando películas en solo unos días con presupuestos extremadamente bajos. Su filmografía incluye títulos como 'El ataque de los cangrejos gigantes' (1957), 'La tienda de los horrores' (1960), 'El cuervo' (1963), 'Masacre sangrienta' (1963) y 'Viaje alucinante' (1968).Corman jugó un papel fundamental en el lanzamiento de las carreras de numerosos cineastas reconocidos, como Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, Peter Bogdanovich y Joe Dante. Muchos de ellos trabajaron con él como aprendices o directores en sus producciones de bajo presupuesto.Además de su trabajo como director y productor, Corman también fue un importante distribuidor de películas extranjeras en los Estados Unidos. Introdujo al público estadounidense a obras de aclamados directores como Federico Fellini, Ingmar Bergman, François Truffaut y Akira Kurosawa.Corman recibió numerosos premios a lo largo de su carrera, incluyendo un Oscar Honorífico en 2009 y el Premio George Eastman de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas en 1981. Es considerado una figura fundamental en la historia del cine, especialmente en el desarrollo del cine independiente y de culto.