A mediados de los noventa se instaló en el rap un estilo oscuro, mórbido y macabro que hoy parece tener un nuevo aire con las derivaciones del trap (o rap del sur). Esta es una introducción, con canciones, al horrorcore o death rap, el estilo que impulsaron los neoyorquinos Gravediggaz y Flatlinerz.Por David Luján Shedda | @davidlujanshedaA grandes rasgos, el horrorcore es una mezcla de liricas mórbidas, metáforas macabras y ambientaciones siniestras que acompañan relatos sobrenaturales o basados en la barbarie humana.La etiqueta horrorcore es discutida y, con frecuencia, se hace alusión también al rap de ciudad de Memphis (Tennessee), un estilo popular precursor del crunk y el trap sureños.A nivel musical el rap de Memphis parte del southern rap o rap del sur, y se basa en las percusiones de la caja de ritmos Roland TR-808. Es decir, los mismos beats empleados en el trap actual.Contenido recomendado | Suge Knight: la historia del temible villano del hip hopMemphis, además, es la cuna del Rock and Roll, y dio a luz a un tipo de rap que mezcla ambientaciones sonoras oscuras, rimas a doble y hasta triple tempo; un estilo lo-fi, sintetizadores alucinantes y coros de pandilla realizados al unísono en la cabina de grabación.En Memphis este camino fue iniciado por los icónicos Dj Spanish Fly y Dj Squeeky, quienes produjeron de manera creativa a grupos como 8 Ball & MJG, Criminal Manne, Project Playaz o Tom Skeemask a comienzos de la década de los noventa.Posteriormente el rap de Memphis tomó una forma más sólida en los trabajos musicales de Three 6 Mafia, Tommy Wright III o Gangsta Pat. El estilo evolucionó y se le conoce en la actualidad como Phonk, una suerte de complemento de la era inicial del rap de Memphis y la tecnología actual al servicio de la psicodelia sonora.Aunque nunca estuvo unificada, la escena del horrorcore se diseminó por todo Estados Unidos. Sin embargo, hubo álbumes y canciones que trataron con anterioridad este tipo de temáticas.Kool Keith, originario del Bronx, aseguró que fue él quien inventó el estilo. El disco del rapero tejano conocido como Ganksta N-I-P, The South Park Psycho (1992), abunda en temáticas de este tipo. También lo hizo el larga duración de Insane Poetry, titulado Grim Reality (1992) o el disco de solista Esham bajo el nombre KKKill the Fetus (1993). Sin duda, todos estos títulos pueden ser clasificados dentro del mismo estilo.***Ahora, después de esta breve descripción de una complicada historia llena de matices y grietas, les presentamos 11 grandes canciones de horrorcore que músicos de diferentes latitudes crearon con calidad musical y trascendencia estilística.1. Geto Boys My - Mind Paying Tricks On Me (1991)En 1991 el colectivo Geto Boys debutó con el álbum We Can't Be Stopped, un clásico del gangsta rap. En este disco se encuentra la canción Mind Paying Tricks On Me, una narración en primera persona sobre el estrés de la vida en la calle, la familia, y la locura producto de la paranoia, como consecuencia de traumas vividos en la juventud.El grupo conformado por Scarface, Bushwick y Mike D, con sede en Houston, publicó la canción que fue producida por Scarface, quien corto y utilizó una parte del clásico Hung Up on My Baby del mítico Isaac Hayes (1974), en su línea melódica central.En el larga duración también aparece el inquietante track Chuckie, en el que Bushwick rapea algunos versos escalofriantes sobre una supuesta simbiosis de él con el muñeco asesino. El tema usa diálogos de la primera película de la serie Child’s Play (1988), pero My Mind Paying Tricks On Me se consolidó, con el tiempo, como un verdadero himno de los problemas mentales de los jóvenes norteamericanos, especialmente afroamericanos.2. Snoop Dogg - Murder Was The Case (1993)En el álbum debut de Snoop Dogg Doggystyle aparece la canción Murder Was The Case, en la que Snoop rapea sobre su propia muerte y cómo el demonio le ofrece un pacto de lujos y dinero para devolverlo a la vida.El estilo G-Funk de la canción se impregna de algunas campanas y leads de sintetizadores, que crean un sonido gótico propio del gangsta rap subliminal de la época.La canción fue producida por Dr. Dre, e inspiró un largometraje en el que el propio Snoop actúa y canta. La temática espeluznante de la lírica incluye algunos diálogos con el demonio y un coro góspel, lo cual le brinda un aura mística que propicia una atmosfera sobrenatural en el tema.3. Big L - Devil´´'s Son (1993)Este sencillo fue producido por Buck Wild, Craig Boogie, Lord Finesse y Showbiz, y presenta a un Big L convertido en una suerte de liricista asesino. La crudeza de sus letras, su humor negro y el manejo del fraseo, lo convirtieron en uno de los grandes raperos de todos los tiempos. Su estilo es sencillamente salvaje, y algunos versos son escalofriantes: El sonido es rap hardcore, e incluye samples de una infame línea de Nas antes de su primer disco. Además, contiene saxofones y swing de baterías jazzísticas. Así, el tema dibuja el estilo clásico del rap de inicios de los noventa que tiene el sonido neoyorquino predominante.Big L fue asesinado en febrero de 1999 en un tiroteo en su barrio Harlem, justo antes de firmar con Roca-a-Fella Records. En una entrevista Big L también se atribuía la creación del horrorcore, pero no consideró que esta etiqueta encapsulaba por completo sus liricas. El bien conocido Mac Miller inclusive se tatuó la frase Street Struck (golpe callejero), un homenaje a la canción de Big L con el mismo título.4. Gravediggaz - 2 Cups Of Blood (1994)Esta canción expone una bizarra narración sobre cadáveres, sangre, estilo rapero y humor negro. Elementos comunes a través del álbum debut del grupo titulado Six Fet Deep. La producción estuvo a cargo de Prince Paul, y contiene un sample de la canción Inner Crisis de Larry Willis (1974).En 2021 Tyler The Creator sorprendió con el lanzamiento del vertiginoso sencillo Lumberjack de su exitoso disco Call Me If You Get Lost (2021). En este tema Tyler mantiene intacto el beat original de 2 Cups Of Blood y dibuja una serie de rimas perspicaces y extravagantes, lo cual volvió a poner el foco sobre el mítico colectivo Gravediggaz y su discografía.La formación original de Gravediggaz incluía a Prince Paul, RZA, Too Poetic y Frukwan. Después del segundo disco de la banda, The Pick, the Sickle and the Shovel (1997), Rza se dedicó por completo a liderar Wu Tang Clan y Too Poetic murió en el año 2001.5. DMX - Damien (1998)Una de las grandes cualidades de DMX fue su manera de contar historias. O, como le dicen los publicistas tramadores: el storytelling. En esta canción X narra cómo conoce a Damien, un personaje demoniaco quien le ofrece algunos beneficios paganos en nombre de una amistad insana.La canción está llena de metáforas que retratan la vida en la calle, y las situaciones horrorosas que puede vivir un vendedor de drogas quebrado. Mientras Damien intenta que X le venda su alma, ambos personajes cobran vida en la voz del rapero, con un nivel de detalle preciso e incisivo en la descripción de los negocios callejeros.Producida por Dame Grease, la canción presenta un beat sencillo que se impregna del aura opuestamente maquiavélica de un conjunto de cuerdas y clavecín obra de Johann Sebastian Bach. Grease explicó en una entrevista que la técnica de X sobre la narración dividida, o “tridimensional”, influenció raperos como Kendrick Lamar en algunas de sus canciones, donde recurre a la técnica para crear personajes malvados otorgándoles voz propia.6. Bone Thugs-N-Harmony - Mo' Murda (1995)El colectivo Cleveland (Ohio), Bone Thugs-N-Harmony, conformado por Krayzie Bone, Layzie Bone, Bizzy Bone, Wish Bone y Flesh-N-Bone, escribió esta lirica gangsta que retrata algunos homicidios de la banda hacia enemigos callejeros. La canción fue producida de manera cuidadosa por Tony C & DJ U-Neek para el disco clásico E. 1999 Eternal en honor al desaparecido mentor de la banda Eazy-E.En el año 2002 el track fue aceptado como evidencia en el caso del convicto Michael Tisius, quien asesinó a un par de agentes carceleros del condado de Randolph. El jurado de la Corte Suprema de Missouri declaró que, al escuchar la canción durante 45 minutos antes de cometer los asesinatos, Tisius se preparó para perpetrar el crimen. Fue hallado culpable y sentenciado a pena de muerte.7. Gangsta Pat - Deadley Verses Fea. Tha Villian (1995)La canción fue producida por propio Gangsta Pat y en ella aparece un beat clásico de la caja de ritmos Roland TR-808, acompañado de un bajo tipo Moog. Tiene ecos del sonido G-Funk de la costa oeste norteamericana, pero mantiene el estilo clásico del rap de Memphis.El tema es una excelente representación del ambiente espeluznante que abrazaban los mixtapes o cintas mezcladas de Memphis en los noventa por parte de productores como Dj Paul o Dj Squeeky. Hay muchos himnos de la época basados en el horror de sus liricas y la oscuridad de sus beats y, sin duda, Deadley Verses figura en esa lista.8. Three 6 Mafia - Ain´t Cha Friend (1997)El tema está incluido en el álbum Chapter 2: World Domination, el cual muestra una versión madura de la banda de Memphis. Las liricas de la canción son despiadadas al igual que el flow doble tempo de Lord Infamous y Gangsta Boo, quienes mantienen el elemento gansteril y criminal en sus letras.En el tema se aprecia una especie de Mortal Kombat lírico y rapero, producido por Juicy J y Dj Paul. Algunas risas diabólicas a cargo de DJ Paul adornan los sintetizadores y pianos místicos y los ritmos 808 que componen el tema, otorgándole un sonido macabro como telón de fondo.9. Dj Muggs & Sick Jacken - Land of Shadows Fea. Cynic (2007)Sick Jacken demuestra toda su habilidad lirica en un beat oscuro creado por el legendario Dj Muggs. La profunda reflexión de Jacken tiene una visión transcultural de la muerte: entre la cosmogonía mexicana y la realidad del Distrito de Pico-Union en el centro de Los Ángeles (California).Toda la estética de la funeraria mexicana es presentada de forma impecable en el video de la canción. En la obra se plasma un despliegue lirico intenso sobre la vida, la familia, el barrio y la muerte, a partir de la imagen del valle de las sombras y muertos.Jacken desarrolla el tema basado en la experiencia agónica de su hermano, el también rapero Big Duke, quien estuvo muerto durante varios minutos a causa de un disparo que lo dejó parapléjico. 10. I Got 5 On Us - Luniz Feat. Krayzie Bone & Damon Elliott (2019)La música de esta inquietante canción está a cargo de Michael Abels, el compositor de la música original y banda sonora de la exitosa película de terror afroamericano Us, del joven director Jordan Peele.El tema es una versión de la canción clásica de Luniz I Got 5 On It, que habla sobre drogas y la vida en la calle en un ambiente de fiesta barrial. Abels toma la pieza original y le otorga un sorprendente giro estilístico, tornándola oscura y densa. Además mete los flows de Krayzie Bone y Damon Elliott, que mantienen de manera acertada el imaginario tétrico del filme.11. Th1rt3n - Cult 45 (2021)Pharaone Monch narra un culto en el cual de manera visceral critica la administración Trump. Crea imágenes inquietantes sobre problemas sistemáticos norteamericanos y la corrupción política: “Corta la cabeza de los ídolos falsos / Derriba las estatuas, enciéndelas en llamas”, inicia la canción, apoyada en una sombría base rítmica con una instrumentación bluesera.El tema es producido por Nottz y vocalizado por Pharoahe Monch. En la guitarra aparece Marcus Machado, en la batería Daru Jones y en el saxofón Marcus Strickland. La canción hace parte del larga duración de la banda Th1rt3n titulado A Magnificent Day For An Exorcism, en el que Monch denomina “vudú verbal” a su combativa técnica musical.***La lista de artistas generalmente encapsulados bajo la etiqueta horrorcore es, desde luego, mucho más larga. Esto solo fue un abrebocas. Si quieren seguir hurgando, pueden escuchar a Tech N9ne, Lil Ugly Mane, $uicideBoy$, Denzel Curry, Clipping, Hablando en Plata, Ghostemane, Ganksta N-I-P, Insane Poetry, Insane Clown Posse, Necro, Ill Bill, Eshan, Goretex, entre otros.
Inicio el 2022 y nuevamente los medios de todo el mundo han puesto en alerta a las personas porque hay una nueva variante que, de acuerdo con data oficial de la OMS, ha hecho que los casos de coronavirus aumenten rápidamente. Su nombre es Ómicron y su primer caso fue identificado en Botsuana, país Africano.La palabra fue buscada por millones de personas a lo largo de diciembre y, al igual que ha pasado a lo largo de la pandemia, se crean memes para hacer un poco más divertida la experiencia de entrar al tercer año de la pandemia.En medio de ese revuelo digital, el rapero Omarion ha notado que su perfil ha estado recibiendo más interacciones de las acostumbradas y ha aprovechado el momento para grabar un video.En el clip bromea diciendo que sus abogados le recomendaron hacer este comunicado en video para aclarar que él no es ninguna variante del virus sino un hombre del entretenimiento y un artista. “Ten en cuenta que si por casualidad te encuentras conmigo en la calle, no tienes que aislarte durante cinco días, ni tienes que tener un resultado negativo en la prueba para bailar con mi música”.¿QUÉ MÚSICA HACE OMARION?Omari Ishmael Granberry nació en 1984, es mejor conocido por ser el cantante principal de la banda de R&B B2K con la que tuvo mucho éxito a principios de los 2000 con canciones como Uh Huh, Girlfriend y Bump, Bump, Bump.Como solista recibió una nominación a los Premios Grammy de 2005 por su disco O en la categoría Mejor Álbum de R&B Contemporáneo.21, Ollusion, Sex Playlist y The Kinection, han sido los álbumes de estudio estrenados por Omarion. También es conocido por ser celebridad de televisión, apareciendo en realities que siguen la vida de los famosos.En video: Encanto: ¿una película sobre la violencia y la familia en Colombia? - Shock¡El lado S de la música!
Estamos en una época de rap vibrante, empecemos por ahí. Como si fuera un buffet, hay para todos los gustos. Te gusta el trap duro? Ten tu plato. Prefieres el trap&b y la melodía? Adelante. Te sientes experimental y quieres probar una receta conceptual? Se le tiene. Quieres saborear un álbum accesible con toques de autor? Bienvenido. Y así podríamos seguir. Por Santiago Cembrano @scembranoHay escenas burbujeantes en Los Ángeles y Detroit. Atlanta es el epicentro de la corriente principal del rap contemporáneo. Texas hace lo suyo con un sonido tan grande como sus insectos. Si en el placer está la variedad, qué buena época para ser hincha del rap.Dentro de esta amplia oferta de olores, sabores, colores y sonidos, Nueva York y el sonido de la Costa Este han tenido su propio renacimiento, uno que se puede rastrear hasta el Marcberg de Roc Marciano y el Grief Pedigree de Ka al inicio de la década pasada como pilares. Entre barras y bucles, la esencia neoyorquina está viva, fuerte y avanzando. Hoy, esta ola neoclasicista es un mar que recibe a decenas de ríos como afluentes. Uno de ellos es una evolución del rap que reduce el color noventero de RZA y Mobb Deep a sus mínimos componentes para experimentar desde ahí. Y esa es solo una parte de este panorama, que, en general, fluye bajo la tierra, lejano de los focos de la corriente principal.Este fue un buen año para esta nueva ola. Shout out Planet Asia, Willie The Kid, Bruiser Brigade, Fly Anakin, YL, Lloyd Banks, Lord Jah-Monte Ogbon, Navy Blue, Sonnyjim, Big Ghost, Crimeapple, Wiki, Ugly Boy Modeling y tantos más que sacaron fuego en el 2021. Si les emociona alguno de estos álbumes que vienen a continuación, naden hasta las profundidades y sumérjanse para encontrar más tesoros. Acá solo van algunos de mis favoritos, pero la riqueza del panorama fue inmensa.The Alchemist & Boldy James – Bo JacksonTras atrapar un relámpago en una botella con The Price of Tea in China (2020), Alchemist y Boldy James sabían que debían volver al estudio pronto y extender la racha. El resultado es Bo Jackson, un álbum en el que su química brilla. En los pistos, Alchemist forja un collage de samples y emociones de peligro inminente (Brickmile to Montana), nostalgia de lo que añoramos y no está (Diamond Dallas), belleza polvorienta de un atardecer (Turpentine) y un ambiente lisérgico (3rd Person). Estos ambientes sonoros son decorados con puntería minimalista por Boldy, junto con apariciones estelares de Benny The Butcher, Stove God Cooks, Roc Marciano, Earl Sweatshirt, Curren$y y Freddie Gibbs. En su cuarto proyecto con el legendario productor angelino, el de Detroit comparte sus traumas de guerra, anhelos de gloria y memorias indelebles. Lo hace de forma realista, con su característico registro seco y casi desinteresado. Al y Boldy son estrellas en su deporte. Juntos, dominan las barras y los beats, como Bo Jackson lo hizo en el beisbol y el fútbol americano. Y la pregunta queda abierta: “Asking God, ‘If this was my last resort, how is that a sin?’”.Canciones recomendadas: Brickmile to Montana, Photographic Memories y Fake Flowers.Evidence – Unlearning, Vol. 1Tras más de dos décadas de rap, Evidence continúa su evolución. Pero no sigue una línea recta, es más complejo que eso. En su nuevo disco, el primero como solista en el que rompe la metáfora del clima, el veterano MC y productor de Venice Beach, California, reduce su quehacer a su esqueleto, para que no sobre nada. Esta es su forma de aprender y de avanzar en su misión de crear arte que sea suyo y no emule el de nadie más. Desde la perspectiva de su paternidad y sus 45 años, Evidence esculpe raps maduros y bucles sonoros cortados con gusto exquisito. Como afirma en Talking to the audience, prefiere escuchar emociones reales con sonido deficiente. Por eso no teme expresar las dudas y los miedos que surgen de criar a su hijo Enzo solo, tras la muerte de su novia (“Delay the Issue”). Sin embargo, y ahí está parte de la riqueza de Unlearning, no es un disco lastimero: Evidence se divierte rapeando, te recuerda el alto nivel al que está (Talking to the audience) e invita a nuevos colaboradores como Conway, Navy Blue y Fly Anakin para afilar su espada. Con ellos continúa (des)aprendiendo.Canciones recomendadas: Pardon Me, All Money 1983 y Taylor Made Suit.Ignorancia Sofisticada & RLX – KuntanawaLos Kuntanawa aspiran tabaco molido, cenizas de fuego, para conectarse con los espíritus del bosque: así llega la fuerza. Ese es el marco cosmológico del proyecto colaborativo entre el productor paisa Ignorancia Sofisticada y el MC de madre colombiana nacido en Lawrence, Massachussets. Las rimas de RLX iluminan, se siente la conexión con lo más profundo de su ser. Habla sobre su crecimiento personal y deja que su mente vuele. Y sus rapeos relajados y firmes a la vez evidencian su crecimiento como artista, uno que ofrece una mejora en cada trabajo. De cierta forma, Kuntanawa suena como un rito de paso en vivo y en directo, una entrada a su mente mientras esta alcanza el siguiente nivel. Se siente también la conexión con IS, que lo surte de fondos sublimes, como si la selva y el río se apoderaran de las máquinas y se expresaran en lenguaje rap. Son pistas de calma, introspección y aventura que dicen lo que las palabras del rapero callan. Las colabos de Anyone y Sison de No Rules redondean un proyecto que inspira tanto como alimenta. Al final del rito, RLX renace como un talento innegable en el rap de hoy. Canciones recomendadas: Mambe, Dientes De Oro/Going To The Barrio, Psiquis.Canciones recomendadas: Mambe, Dientes De Oro/Going To The Barrio, Psiquis.Ka – A Martyr’s RewardEn I Need All That, la segunda canción de su sexto álbum como solista, Ka pide que le devuelvan todo lo que les han quitado a los suyos: su cultura, su música, su aspecto. Todo. Esa es la mentalidad que permea todo el nuevo álbum del veterano rapero de Brownsville, como un levantamiento ante el sufrimiento. La recompensa que al fin llega para el mártir, precisamente. Sus beats lóbregos y emocionales, están hechos a la medida de sus rapeos: parcos, densos, mitad sabiduría callejera, mitad versículos míticos de libros ancestrales. Si la neblina o una lágrima sonaran, Ka, un profeta, rapearía sobre ellas. Recuerda su juventud y lamenta que se la hayan robado (Peace Peace Peace). Analiza la violencia policial, y su resistencia frente a ella, con la destreza del lenguaje que pocos tienen: “Cops got us under a microscope, to make sure we see cells/Know my first vitamin was iron, but I just wanted to beat 12”. Y, frente a sus discos anteriores, habla con mayor claridad en lo que puede ser uno de sus trabajos más accesibles. Acepta que sobre él cae la responsabilidad de contar su verdad, y eso es lo que hace.Canciones recomendadas: I Need All That, We Living/Martyr, Having Nothing.Mach-Hommy - Pray For HaitiEs un ícono. Busca una gabardina de pitón. Rapea más lento, á la 50 Cent, para que lo entiendan. Westside Gunn le dijo que jodiera los rankings del rap. Todo esto lo dice Mach-Hommy en The 26th Letter, la apertura de Pray For Haiti: entra con esa mentalidad. Y cuando acaba, demuestra que es uno de los mejores raperos vivos del momento, y de la era. WSG, productor ejecutivo del álbum, eligió los mejores tapices de productores como Nicholas Craven (el soul hermoso de Kriminel), Camoflauge Monk (boom-bap místico en Murder Czn) y Sadhu Gold (el trance oscuro de Pen Rale) para que los colores de Hommy fulguraran. Esto es rap avant-garde, exquisito y sucio al mismo tiempo. Acá, Mach-Hommy es maestro de los punchlines y de los flows y cuando canta o introduce su creole haitiano el universo se expande. Su escritura es a la vez obscura, como si hubiera salido de una iglesia abandonada, y obviamente maravillosa cuando impacta con fuerza, como si los cielos se abrieran y te señalaran. Pray For Haiti suena como un encantamiento tras otro: lo escuchas y no hay forma de que no haya magia oscura caribeña y legendaria detrás de esas frases.Canciones recomendadas: The 26th Letter, Kriminel, Pen Rale.Nicholas Craven & Tha God Fahim – Dump Gawd: Shot Clock’s KingViejas baladas del alma son cortadas con cuidado y precisión. Ciencia y conocimiento son rapeados. La fórmula suena sencilla, pero resulta tan bella cuando se hace bien. Hay un aura especial alrededor de este proyecto colaborativo entre el productor Nicholas Craven (Montreal, Canadá) y el prolífico rapero Tha God Fahim (Atlanta), como si le cayera esa luz dorada de las 5 PM que hace que todo se vea más bello. Es una nostalgia melódica, añejos samples de R&B y soul, la que suena. Sobre ella Fahim fluye estilo libre, con la determinación de usar su vida y su micrófono al máximo (Wit out a Question). Buena parte de sus letras son rapeos sobre el rap y metáforas que lo exaltan mientras denuestan a su competición, con una dosis certera de motivación. El contraste con la emotividad que evocan los samples de Craven es un cóctel delicioso. Ejemplo perfecto es Lost His Way, en colaboración con Your Old Droog: ese sample vocal angelical eleva el discurso de resiliencia y firmeza militar de Fahim. Sobre todo, argumenta, no son solo rapeos, son palabras místicas. Con razón hay una fuerza especial que llega cada vez que le doy play a este trabajo.Canciones recomendadas: Dear Friend, Lost His Way, Wit out a Question.Peter Rosenberg – Real LateMás de un periodista de rap ha sido desacreditado porque no tiene discos: ¿cómo habla de algo que no ha hecho? El comentario es estúpido, como si para criticar al Presidente hubiera que ser político, pero, en todo caso, ya no aplica para Peter Rosenberg. La personalidad de radio curó con buen gusto este álbum, que captura el sonido actual del rap de Nueva York. De la mano de Mark Rosado, de Top Shelf Premium, Rosenberg logró juntes que mezclan los fundamentos con los avances nuevos, y el resultado es fabuloso. Piensa en “Snakes Eyes”, en el que la bravata de Ghostface Killah se encuentra con el lenguaje visual de Crimeapple sobre un beat de Disco Vietnam. Method Man y Willie The Kid encajan bien sobre un beat de Graymatter. En fin. Más que una unidad temática, lo que cohesiona al disco es un panorama sonoro multicolor que muestra cómo hacer rap contemporáneo sin perder la esencia. Sobre ese lienzo, escritores supremos como Roc Marci o Stove God Cooks solo tienen que entrar y hacer lo suyo para que el disco funcione como un buen álbum familiar de una parte importante de la escena actual.Canciones recomendadas: Hallways, Mind Over Matter, Snake Eyes.Rome Streetz & Ransom – Coupe De GraceReconocido por recorrer las calles y moverse por todos lados, Rome Streetz, neoyorquino nacido en Londres, venía desde hace un par de años abriéndose paso en el rap con su registro agudo y sus rimas callejeras. En 2021, con cuatro álbumes a su nombre y rimas estelares en Hitler Wears Hermes 8 de Westside Gunn, consolidó su estrella. Del otro lado estaba Ransom, veterano de New Jersey que encontró un nuevo aire en la ola contemporánea y que, con ponches sin fin como un ring de boxeo, se ha ganado el respeto del rap como un escritor de alto nivel. Si los juntas y dejas que rimen sobre beats serios, ¿qué va a salir mal? Esto es lo que pasa en Coupe De Grace, un atentado lírico, como si un rifle y un fusil descargaron todo su plomo en los pobres raperos desprevenidos que dudan de ellos: las rimas tienen la madurez de los que han vivido lo suficiente para hablar sobre la vida y mantienen el hambre que los hizo rapear cuando eran infantes. Uno con voz grave y otro con registro agudo, eso no falla desde Raekwon y Ghostface Killah. Un disco como este es, ha sido y será el rap.Canciones recomendadas: Claudine, Pray For The Weak, Bandoleros.Westside Gunn – Hitler Wears Hermes 8Denle ya la medalla como el mejor productor ejecutivo del rap. En la nueva entrada de su serie, que viene de la combinación entre lo refinado y lo violento como cuando el diablo viste de Prada, Westside Gunn rapea bien: su registro nasal y agudo es el vehículo de imágenes de lujo yuxtapuestas con violencia gráfica, como si la sangre se regara sobre tus Balenciaga. Pero la razón por la que Hitler Wears Hermes 8 es un discazo surge cuando hace silencio y les cede el micrófono a sus invitados. Cuanto más la rompen ellos, más se agranda él. Rome Streetz y Stove God Cooks son las súper estrellas y todos los demás están a la altura del reto. ¿Cómo Westside Gunn mantiene su concepto constante y, aun así, cada disco sorprende? Quizás es porque los beats, en este caso provenientes de las bóvedas de The Heartbreakers (Camoflauge Monk, Denny LaFlare y Conductor Williams) y otros astros son como la nueva colección de Prada, siempre elegantes y listos para el tiroteo de las barras. Tal vez sea porque Mach-Hommy, Lil’ Wayne y demás suben su juego si WSG convoca. A lo mejor es porque el Flygod es el midas del rap.Canciones recomendadas: Mariota, Draymond, Hell on Earth, Pt. 2.Your Old Droog – Space BarEntra un maestro ucraniano-neoyorquino de los punchlines a una cantina. Seguro que Your Old Droog sabría rematar este chiste, o se burlaría de mí por intentarlo. El punto es que su nuevo disco gira alrededor de un concepto difuso sobre alcohol en una dimensión interestelar. La búsqueda estética y el rap de competencia se alimentan entre sí y hacen de la propuesta de Droog una a la que se puede volver una y otra vez, para captar nuevos huevos de pascua. Él lo resume mejor en Cosmonaut: “YOD is the best, lest you forget, we all writers / Make beautiful art but deep down at heart we bar fighters”. Luego viene una línea que encapsula su habilidad cómica, manejo de las pausas e ingenio para elegir la referencia cultural perfecta: “I’m the rap Dame Lillard. You the Rap Dame Lillard”. Toda esta majestuosidad que amplía las posibilidades de la lengua sucede mientras los beats se acercan a las guitarras rockeras (“Yuri”), una dimensión andina (“White Russian”) y las baterías pesadas de siempre (“Meteor Man”). Su enfoque es ortodoxo en la escritura, pero lo que lo separa del resto es cómo empuja el empaque cada vez más lejos.Canciones recomendadas: Cosmonaut, Bloody Mary y Blue Hawaiian.
Hace unos años, la película biográfica Straight Outta Compton, sobre la icónica agrupación de rap N.W.A, fue un éxito. Esto hizo que a Raekwon, miembro de Wu-Tang Clan, otro grupo clave para el hip hop, le sonara la idea de que Wu-Tang tuviera su propia película. ¿Por qué no sucedió?En un extracto de sus memorias recientes citado por Digital Music News, Raekwon detalla por qué la película sobre Wu-Tang nunca sucedió. RZA, otro de sus integrantes, estaba trabajando para que la historia de Wu-Tang se contara como una serie. “Para mí, una serie de televisión sonaba genial, pero quise ver nuestra historia en la pantalla grande. Cuando salió la película Straight Outta Compton y fue un gran éxito en todos los sentidos, comenzó a circular la conversación sobre nuestra historia contada en ese formato ”, escribe Raekwon.“Durante años, la gente nos había llamado "el N.W.A. de la costa este". Le mencioné eso a RZA, diciéndole que deberíamos quedarnos en el lado de las películas, pero él ya estaba construyendo sus relaciones con cierta compañía que supongo que lo convenció de que una serie era la mejor manera de hacerlo. RZA, a su vez, convenció a algunos de los muchachos para que lo hicieran y les dijo a otros que no tenían que involucrarse si no querían "."Estaba en contra del trato porque no me gustaban los términos, el dinero, nada de eso", continúa Raekwon. “Seguí diciéndole a RZA que viera Straight Outta Compton, que ganó $ 200 millones en todo el mundo y fue la película más taquillera de un director negro en la historia. No tenía sentido para mí vender nuestra historia para una serie de televisión en la que nadie se marcharía con dinero real ".Raekwon dice que se acercó a Q-Tip de la agrupación A Tribe Called Quest, que conocía a Leonardo DiCaprio.“La próxima vez que Leo bajó, Tip y yo conocimos a Leo y su entonces novia en Brooklyn en una pizzería de aspecto mafioso cerca de Sunset Park. Comenzamos a hablar sobre la posibilidad de una película de Wu-Tang y le dije a Leo que me encantaría verlo desempeñar un papel en ella, cualquier cosa que quisiera hacer ".“Estaba muy abierto a la idea, y después de esa comida, los ejecutivos de su compañía de producción se acercaron a mí. Lo llevamos al siguiente nivel con ellos. Estaban muy interesados, así que hicimos rodar la pelota, hablando números reales, con el objetivo de un lanzamiento aún mayor que Straight Outta Compton ".RZA frenó el posible trato de la película Wu-Tang con Leonardo DiCaprio, pues le interesó más la posibilidad de una serie de televisión, independientemente de lo que los otros quisieran hacer.
El 28 de noviembre se entregaron los Premios Hip Hop al Parque en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán. Un evento que busca reconocer artistas, agentes, organizadores y otras personas que han sido parte de la historia de uno de los festivales más importantes de Bogotá: El Festival Hip Hop al Parque.En el 2021 se celebraran 25 años del festival, uno de los eventos más esperado por los capitalinos. Los Premios se llevaron a cabo dentro del marco de la celebración de los 10 años de Idartes.Entre las categorías estaban Mejor B Boy en batalla, Mejor MC por convocatoria, Mejor Dj breaking, Mejor invitado nacional de rap, Mejor agrupación/crew breaking en batalla, entre otras.Los nominados fueron seleccionados por un grupo de expertos de la industria que tuvieron en cuenta tres puntos importantes para las categorías nacionales y distritales, la conexión con el público, el consumo de su música y el aporte que han realizado al desarrollo del movimiento a lo largo de estos diez años.María José Arcila A.K.A. Arci y Camilo Hernández A.K.A Nazo fueron los anfitriones de la noche, En el escenario en vivo estuvieron Clan Hueso Duro, Laberinto, Realidad Mental, Yoky Barrios & Juan Pablo Barragán, Dj CAS, Dj KAM1Kc1 y Apache.Fotos: Stefano GarniEstos son los ganadores en las 17 categoríasMejor invitado internacional de rap Flor del RapMejor invitada colombiana de rapMaritheaMejor hombre mc por convocatoriaShaby FbMejor mujer mc por convocatoriaSpektra De La RimaMejor presentador/aPachecoMejor B Boy en batallaLildrezMejor B Girl en batallaDylorMejor agrupación/crew breaking en batallaEnsby CrewMejor B Boy/B Girl por su trayectoria - old schoolOmar Bam Bam A.k.a Mr.BreakMejor Dj breakingDj FreshMejor Dj por convocatoriaDj MookMejor Dj invitado distritalDj CasMejor Dj invitado internacionalDj Grandmaster FlashMejor propuesta colombiana de rap en el exteriorAli A.K.A MindMejor agrupación de rap por convocatoriaMasai Bang GoMejor invitado nacional de rapLaberintoMejor invitado distrital de rapRealidad Mental
El rapero estadounidense Young Dolph fue asesinado, según confirmaron las autoridades. El músico de 36 años recibió varios tiros en una tienda de galletas en su ciudad natal (Memphis) este 17 de noviembre. Hasta el momento no hay información sobre los atacantes. Young Dolph, cuyo nombre real es Adolph Robert Thornton, Jr., lanzó su álbum debut titulado King of Memphis en 2016 y acumuló millones de reproducciones de videos en YouTube e incluso alcanzó a llegar al puesto 49 de listado Billboard 200. Artistas como Megan Thee Stallion, Gucci Maine y 2 Chainz habían colaborado con él. Tras King of Memphis lanzó otro 6 álbumes. Lanzada en marzo de 2021, Dum and Dummer 2 fue su última producción. La noticia de la muerte de Young Dolph fue confirmada por el alcalde de Memphis, Jim Strickland. "La trágica muerte a tiros del artista de rap Young Dolph sirve como otro recordatorio del dolor que conlleva el crimen violento", dijo citado por BBC World. Su primo le dijo a The Daily Memphian que la estrella había estado visitando a su tía enferma y también estaba listo para repartir pavos de Acción de Gracias, algo que hacía todos los años. Era padre de 2 hijos. Un representante de la agencia APA, que incluye al rapero entre sus clientes, dijo en un comunicado que la compañía estaba "conmocionada y profundamente entristecida" por la muerte de la estrella. "El mundo ha perdido un ícono, un gran hombre y un artista amado que ha sido tomado demasiado pronto", dice el comunicado. Dolph ya había sido blanco de tiroteos. En febrero de 2017, el rapero dijo que su vehículo había recibido varios disparos en Charlotte. Luego, en septiembre del mismo año, resultó herido en Los Ángeles. Varias figuras del hip hop estadounidense han lamentado la muerte de Dolph en sus respectivas cuentas de redes sociales.
El Congreso de los Estados Unidos aprobó recientemente un proyecto de ley que declara noviembre como el mes oficial de la historia del hip hop a partir de este año. Presentada a finales de julio, la resolución tiene como objetivo reconocer la influencia del hip-hop en el arte, la cultura, la música y la moda. Además de que el mes de noviembre está dedicado a la celebración del género, el 11 de agosto ha sido designado como el Día Nacional del Hip Hop en EE.UU. La festividad rinde homenaje a una de las primeras fiestas de DJ de hip-hop que tuvo lugar en 1973. “El Hip Hop es mi vida. El hip hop me salvó la vida. El hip hop me dio conocimiento de mí mismo. Hip Hop es quien soy ”, compartió el congresista Jamaal Bowman en un comunicado citado por Hypebae. "La celebración de la historia del Hip Hop y su estudio es esencial para nuestra democracia, nuestra innovación, nuestra voz y quiénes somos como seres humanos".¿Por qué en noviembre? El 3 de noviembre de 1979, algunos de los primeros pioneros del hip hop se reunieron en el A. L. Smith Center de Nueva York para disfrutar de tres horas de fiesta. Kool DJ AJ fue uno de los DJ mezclando, según reporta The Universal Hip Hop Museum, en su campaña Know Ya Hip Hop. En aquel entonces, el hip hop no existía en las ondas de radio comerciales, pero después de que DJ AJ realizara la magia del tocadiscos con la pista, se estaba reproduciendo en la radio al día siguiente. 40 años después de sus inicios en las calles de Nueva York, se mantiene no solo como uno de los estilos musicales más populares, sino como un movimiento que ha permeado todos los aspectos de la cultura y la vida cotidiana.
En septiembre se cumplieron 30 años del lanzamiento de Apocalypse 91... The Enemy Strikes Black de Public Enemy, un disco clave para el rap. Con motivo de esta celebración, Def Jam Redordings anunció una edición deluxe de este álbum. La Edición Deluxe de Apocalypse 91... The Enemy Strikes Black incluye 13 pistas extra, ocho de las cuales nunca han estado disponibles a través de plataformas digitales. Disponible aquí. El impacto de Apocalypse 91... The Enemy Strikes BlackLanzado originalmente el 1 de octubre de 1991, Apocalypse 91... The Enemy Strikes Black, alcanzó el número 4 en el Billboard 200 e incluye el sencillo Can't Truss It, que fue certificado como oro y alcanzó el Top 10 en el Hot 100, las listas de Hot R&B/Hip-Hop Songs y Dance Singles al mismo tiempo. Otras pistas incluyen By The Time I Get To Arizona, Shut Em Down. Una de las canciones más llamativas fue la innovadora colaboración de Chuck D con el grupo de Heavy Metal Anthrax para el remix del clásico de Public Enemy de 1988 Bring Tha Noize, que sentó las bases para toda una generación de artistas de Rap / Metal como Rage Against The Machine o System Of A Down.“Nunca suplicamos que nos aceptaran y pensamos que era la mierda más rebelde de la historia”, dice Chuck D, miembro de Public Enemy. “Así que nos propusimos no repetirnos nunca en un álbum. Una vez que pensaste que nos habías descubierto, volvimos a hablar contigo. Apocalypse 91 vino con un sonido totalmente diferente al de Fear Of A Black Planet, que tenía un estilo totalmente diferente al de It Takes A Nation Of Millions To Hold Us Back, que era incluso más diferente que Yo! Bum Rush The Show". Con Apocalypse 91, continúa Chuck D, “queríamos ponernos nerviosos y seguir siendo excelentes en nuestro enfoque. Nunca pidas aceptación. Esto es lo que es, en tu garganta. Boom".Apocalipsis 91 ... The Enemy Strikes Black ocupó el segundo lugar en la encuesta de críticos de Pazz & Jop de The Village Voice de 1991, el séptimo en los 20 mejores álbumes del año de SPIN en 1991. AllMusic citó el álbum como "uno de los grandes discos de hip-hop de la edad de oro", y Entertainment Weekly, que le otorga una A + que dice “el álbum tiene un alcance emocional e intelectual, avanza la conciencia política junto con el sentimiento de compañerismo, la iluminación con placer”.El año pasado, Public Enemy lanzó el álbum aclamado por la crítica What You Gonna Do When The Grid Goes Down, reuniéndolos con su sello discográfico original, Def Jam y presentando Fight The Power: Remix 2020, con Nas, Rapsody, Black Thought, Jahi, YG y Questlove. El álbum incluyó apariciones especiales de Mike D y Ad-Rock de Beastie Boys, Cypress Hill, Run-DMC, Ice-T, PMD, George Clinton y más. Sus álbumes clásicos son la banda sonora del auge del hip-hop como apunte social y político.Public Enemy fue incluido en el Salón de la Fama del Rock n 'Roll en 2013 y recibió el premio Grammy® Lifetime Achievement Award de The Recording Academy en 2020.
El Teatro Jorge Eliécer Gaitán, presenta Ali a.k.a Mind en doble concierto, cómo parte de su franja Gaitán Polifónico el 16 de octubre a las 4:00 p.m. y 8:00 p.m.El pasado 7 de agosto, Alí se presentó en el Movistar Arena como parte de la programación de En Tono Colombia, una serie de conciertos que reunió artistas como La Etnia, Puerto Candelaria, Systema Solar, Salsa N. GroveAli a.k.a Mind, el MC y productor bogotano presentará en vivo Manjit 1, su novena placa discográfica un viaje por la energía sublime del rap underground y las influencias literarias, musicales y conceptuales, que hacen de esta producción una auténtica obra de arte.Su lírica es su sello más sobresaliente y es considerado uno de los referentes del rap colombiano y latinoamericano. El trabajo de Ali ha sido ampliamente reconocido y premiado.En 2019, el rapero de Bogotá figuró entre los 25 álbumes definitivos del hip hop colombiano de la Shock. Entre su discografía está: El arte de la calle (2005), Rap conciencia (2008), Palabras del alma (2012), Mestizo (2014), Sobreviviente (2016), Universos (2018), Grandes éxitos (2019), Bombas inéditas (2020) y Manjit 1, que será lanzado el próximo 16 de octubre en la tarima del Teatro Jorge Eliécer Gaitán de Bogotá.“Siempre será gratificante poder presentar un disco, sentir la energía del trabajo terminado en plena ejecución. Se siente como cuando finalizas un año con todas las notas aprobadas. Pero esa energía se incrementa cuando se hace en un lugar tan emblemático como el Teatro Jorge Eliécer Gaitán: tan lleno de nombre, tan lleno de centro, tan lleno de rap. Es muy emocionante pensar que es un espacio que se presta para que esté mi familia y la gente que muchas veces no me ha podido acompañar en otros escenarios. Estamos preparando un show fuera de lo común y muy felices de volver a los conciertos. Nos vemos en el Teatro” afirma Ali a.k.a Mind.
Luego de dos aplazamientos, el pasado 3 de septiembre de 2021 se estrenó el disco Certified Lover Boy de Drake, su sexto álbum de larga duración. En sus primeros 10 días en el mercado el disco ha gozado de un éxito comercial sin precedentes, especialmente en el mercado estadounidense.Publicado bajo los sellos OVO Sound y Republic Records, el disco de Drake es uno de los más exitosos de principios de década y uno de los más consumidos en lo que va del 2021 a pesar de sus pocos días en la calle.Contenido relacionado | ‘Degrassi’, la serie juvenil protagonizada por Drake que muchos desconocenEstos son 10 datos curiosos sobre Certified Lover Boy, nuevo álbum de DrakeEl disco está compuesto por 21 pistas y tiene una duración total de una hora y 26 minutos.Solo nueve canciones del disco son interpretadas completamente solas por Drake. Las otras 11 son colaboraciones con Lil Baby, Travis Scott, Future, Young Thug, Lil Druk & Giveon, Yebba, 21 Savage, Project Pat, Tems, Ty Dolla $ign, Lil Wayne, Rick Ross, Kid Cudi,Como lo reportó Variety, el disco fue producido por 48 personas, músicos que han estado en diferentes momentos de la carrera de Drake y a los que les confió el sonido de este proyecto.De acuerdo con Billboard el cantante y su equipo tuvieron que darle participación en regalías a The Beatles, Nsync y R. Kelly.En su primera semana en listados, Drake logró poner 9 canciones en el top 10 del Hot 100, el listado más popular de música en Estados Unidos. La única canción del top 10 que no es de él es Stay de Justin Bieber y The Kid Laroi.El álbum también rompió los récords de Apple Music y Spotify para el debut de transmisión más grande en un solo día.Mark Ronson, Nicki Minaj y PartyNextDoor aparecen en los créditos como vocalistas nacionales o coristas.El álbum empezó a grabarse en 2019 y terminó su proceso de mezcla/máster a mitad de 2021.La portada del álbum es el emoji de 12 mujeres de diferentes colores de pies embarazadas. Fue diseñado por el inglés Damien Hirst.Con este álbum Drake se convierte en el primer cantante en pasar la barrera de los 55 millones de oyentes mensuales en Spotify. Además llegó a los 25 millones de suscriptores en su canal de Youtube.¡La música nos une!
Después de que Yorgos Lanthimos lograra un fenómeno con Poor Things, una película aclamada por los críticos y muy premiada en los Oscar 2024, llega su nueva producción Kinds of Kidness. El largometraje tuvo la premier mundial en el Festival de Cannes. Emma Stone y Willem Dafoe, protagonistas de Poor Things, también hacen parte del elenco de esta nueva película del director griego. Asimismo, actores como Joe Alwyn (La favorita), Margaret Qualley (Había una vez en Hollywood), Hunter Schafer (Euphoria) y Jesse Plemons (Amor y Muerte), entre otros, componen esta historia contemporánea. Yorgos Lanthimos trabajó con el guionista Tony McNamara en Poor Things y La favorita, pero para Kind of Kidness dirigió el guión de Efthimis Filippou, conocido por escribir Lobster y El sacrificio de un ciervo sagrado. Teaser oficial de 'Kinds of Kidness'¿De qué trata 'Kinds of Kidness'?Aunque no se ha publicado el trailer oficial de la película, Yorgos Lanthimos afirmó que: “Es una película contemporánea, ambientada en Estados Unidos: tres historias diferentes, con cuatro o cinco actores que interpretan un papel en cada historia, por lo que todos interpretan tres papeles diferentes. En realidad, fue casi como hacer tres películas”.Después de su estreno en el Festival de Cannes, se ha calificado como una historia de "canibalismo, cultos sexuales y libertinaje". Además, la desnudez es una parte clave de la trama. Las primeras críticas de 'Kinds of Kidness'A pesar de que en el Festival de Cannes la película tuvo una ovación de cuatro minutos, varios medios ya han publicado críticas en las que se demuestran su decepción frente al largometraje. El periodista especializado en cine, Javier Zurro, escribió una reseña en elDiario.es donde afirma que Kinds of Kindness es un elogio a la crueldad. "No lo es [una comedia graciosa] porque Lanthimos está constantemente preocupado por provocar y epatar. Por ser incómodo y retorcido. Tanto que se pasa de vueltas todo el rato. Disfruta torturando a sus personajes hasta los límites más insospechados. Nunca les da una salida ni una oportunidad". Por otro lado, Nicholas Barber escribe en la BBC: "Por más oscura que siempre haya sido la comedia de Lanthimos, hay momentos en que la crueldad se vuelve casi insoportable". Además, afirma: "Ciertamente, aquellos de nosotros que argumentamos que el sexo y la desnudez en Poor Things eran importantes para la historia de liberación y confianza en sí misma de Bella puede resultarnos más difícil defender Kinds of Kindness". Sin embargo, y dejando de lado estas críticas negativas, las primeras votaciones en Rotten Tomatoes le han dado a la película una puntuación del 95%. Tendremos que esperar a que la película se estrene, el 21 de julio del 2024, para tomar una decisión sobre lo que pensamos sobre Kinds of Kindness, la nueva película del director griego. ***Si les gustó Poor Things, les recomendamos leer: Poor Things: el fastidio que nos genera la libertad - Análisis y significado de la película
Nick y Aaron Carter: ídolos caídos es una docuserie en dos partes de Investigation Discovery que explora las vidas de los hermanos Nick y Aaron Carter, el primero conocido por su participación en lso Backstreet Boys. La serie se estrenará en Max con su primera parte el 27 de mayo y la segunda el 28 de mayo. Además, estará disponible en Discovery a partir del 7 de junio a las 22:00 hs (Colombia) en un formato de cuatro episodios de una hora, con el estreno de un capítulo cada semana.¿De qué trata Nick y Aaron Carter: ídolos caídos?Desde su meteórica fama a finales de los años 90 y principios de los 2000 hasta los conflictos que los llevaron a los titulares en años recientes, la docuserie revela la tensa dinámica familiar de los Carter y un lado no tan conocido de su ascenso a la fama. Nick y Aaron Carter: ídolos caídos examina las acusaciones de abuso sexual contra Nick Carter, realizadas por tres mujeres, mientras aborda las luchas de Aaron Carter con la salud mental, el abuso de sustancias y la ruptura entre los hermanos tras el apoyo de Aaron a las denunciantes de Nick.En 2017, Nick Carter fue acusado de abuso sexual por Melissa Schuman, ex miembro del grupo musical femenino DREAM, mientras él y los Backstreet Boys estaban en la cúspide de su fama. En los años siguientes, otras mujeres, Ashley Repp y Shay Ruth, presentaron acusaciones similares. Durante este tiempo, Aaron Carter apoyó a quienes denunicaron a Nick, mientras lidiaba con sus propios problemas de adicción y salud mental, lo que llevó a una disputa pública entre los hermanos antes de la trágica muerte de Aaron en 2022. La serie profundiza en las acusaciones contra Nick y cómo se entrelazaron con la volátil relación entre los hermanos.La serie cuenta con entrevistas exclusivas a Melissa Schuman, Ashley Repp y Shay Ruth, quienes ofrecen perspectivas emotivas e impactantes sobre sus acusaciones contra Nick. Nick y Aaron Carter: ídolos caídos busca ofrecer una comprensión más profunda de las denuncias, y narrar la intensa reacción que las denunciantes han enfrentado desde que decidieron hablar públicamente, y el impacto duradero en sus vidas. La docuserie también incluye testimonios de un miembro de la familia Carter y amigos cercanos, como la ex novia de Nick, Kaya Jones, y la ex prometida de Aaron, Melanie Martin, brindando una mirada íntima a cómo la intensa fama y los conflictos provocaron una ruptura entre los hermanos.
Desde hace años en algunos conciertos en Colombia se vienen implementando los palcos, es decir, espacios delimitados frente al escenario destinados a grupos más grandes, normalmente de 10 personas . Es una modalidad usada principalmente en conciertos de reggaetón o música popular. Recientemente, Nicky Jam se pronunció al respecto. Nicky Jam dio una entrevista al canal de video 'Mario VI TV' y habló sobre la organización de conciertos en el país. Según el puertorriqueño, la forma en que se organiza al público en los escenarios en Colombia. a menudo dificulta la conexión con los artistas. Por eso dijo que "los conciertos de Colombia son los más difíciles", en un fragmento de la entrevista que se viralizó en X (Twitter). "El promotor pone palcos donde están los ricos, mientras que la masa que realmente canta las canciones está en las zonas generales. No sientes al público, porque los que están al frente no gritan ni hacen nada", comentó el cantante.Los palcos suelen tener costos más elevados que la taquilla general: recientemente para el concierto de Karol G, los costos del palco superaban los 24 millones de pesos. Además, Nicky Jam señaló que en algunos conciertos combinan artistas urbanos con intérpretes de vallenato y música popular, lo cual provoca que los fans del reguetón terminen en las zonas generales, mientras que aquellos que prefieren otros géneros ocupan los palcos. El cantante no está de acuerdo con esta forma de organización, ya que considera que el espectáculo debería ser para todos."Yo soy de energía. Si estoy en el escenario y no siento a la gente gritando, me desanimo inmediatamente", complementó el artista. Nicky Jam destacó al estadio Atanasio Girardot en Medellín como un buen escenario: "Me gusta cómo prepararon el Atanasio. Es sin palcos, por eso se siente como un verdadero concierto con el pueblo. Me encanta cantar y estar cerca de la gente, sentir que puedo chocar los cinco con alguien. Pero eso es lo que hacen los promotores de allá, y mis respetos para ellos por seguir contratándome", concluyó.Nicki Jam forma parte del cartel de La Eterna, evento que se celebrará el próximo 3 de agosto, precisamente en el Estadio Atanasio Girardot.
Pimpinela, el dúo argentino compuesto por los hermanos Lucía y Joaquín Galán, fue un éxito a finales de los 80 y principios de los 90, gracias a asus cancioens dramáticas con diálogos cantados. Canciones como A esa, Olvídame y pega la vuelta, Ahora decide y Ese estúpido que llama. En uno de los videos de Pimpinela hay un cameo que aún hoy, más de 30 años después de su estreno, sigue llamado la atención: eld el actor Christopher Reeve, conocido por interpretar a Superman. El video musical de Heroína Solitaria"debutó en 1993 como parte del álbum Pimpinela 92. El vídeo retrataba una fantasía romántica que involucraba a una joven secretaria que trabajaba para un poderoso hombre de negocios. A lo largo del vídeo, la trama se desarrolla con deseos reprimidos entre la "heroína solitaria" y su misterioso jefe, que inteligentemente nunca aparece del cuello para arriba, manteniendo un aire de misterio como el objeto secreto de su afecto.La interacción entre Lucía y Joaquín en la canción refleja una lucha constante entre mantener la profesionalidad y ceder ante los sentimientos. El título se refiere a su gran esfuerzo para mantenerse profesional en una situación que claramente la afecta emocionalmente. Mientras el dúo argentino interpreta su sentida canción ante un público cautivado, la trama se complica cuando el jefe olvida sus billetes de avión para un viaje crucial. En una carrera desesperada por entregarlos, la secretaria lo alcanza y le revela que no es otro que el propio Superman, interpretado por el querido actor Christopher Reeve. Reeve reconoce gentilmente su esfuerzo y queda cautivado por la joven.El video fue filmado justo antes del trágico accidente de Christopher Reeve en 1995, que resultó en una lesión en la médula espinal que lo dejó paralizado. A pesar de sus desafíos posteriores, Reeve, quien inmortalizó al superhéroe Superman, continuó inspirando a muchos hasta su fallecimiento, el 10 de octubre de 2004.
El lunes 6 de mayo del 2024, cuatro mujeres lesbianas sufrieron de un grave ataque homófobo en el hostal donde se estaban quedando. Todo indica que el responsable fue el propietario del lugar, Justo Fernando Barrientos de 67 años. El hombre lanzó una botella llena de líquido inflamable dentro de la habitación en donde se hospedaban las cuatro mujeres. Solo una de ellas logró sobrevivir. Pamela Cobbas, de 52 años, murió unas horas después del ataque y su pareja, Mercedes Roxana (52), murió después de agonizar más de 48 horas debido a que su cuerpo estaba en un 90% lleno de quemaduras. Otra de las mujeres, Andrea Amarante (42) logró sobrevivir un poco más. Sin embargo, a pesar de los esfuerzos del equipo médico, murió a la semana del asesinato. La pareja de Andrea, Sofía Castro Riglos, de 49 años, es la única que logró sobrevivir. Sigue bajo cuidado médico en el hospital. El presunto responsable fue encontrado por la policía tiempo después de los hechos intentando quitarse la vida con una motosierra. Lo que sucedió según los testigosSegún otros inquilinos que se quedaban en el mismo hostal de las mujeres, los gritos los levantaron después de la medianoche. Al verlas envueltas en llamas intentaron apagarlas con un extintor pero no fue posible. Por esto, las llevaron a la ducha más cercana. El incendio causado por la botella con líquido inflamable fue de tal magnitud que tuvieron que evacuar a unas treinta personas más ya que se extendió por una parte del edificio. Las manifestacionesPara exigirle al gobierno de Javier Milei y a las autoridades de que se haga justicia, el 13 de mayo del 2024 un grupo de 200 personas se reunió en la Plaza Colombia, donde tuvo lugar el asesinato, con pancartas donde se leí que era necesario abordar la violencia homofóbica. Sin embargo, el presidente Milei afirmó que este no era un crimen de odio y pidió mayor investigación.