Mucho se habla del impacto que ha tenido la cultura japonesa en Latinoamérica. Desde el anime, pasando por la arquitectura hasta las actuales vtubers, pero ¿les sorprendería saber que hubo un grupo salsero japonés que saltó al estrellato? Esta es la historia de La Orquesta de la Luz.Por Juan Camilo Ospina DeazaPara hablar de la relación entre la música latina y Japón es necesario hacer un sobrevuelo por el magnetismo cultural y los flujos migratorios que conectaron a las faldas del Monte Fuji con los senderos que conducen a Monserrate. Por ejemplo, fueron las letras las que atrajeron a los primeros inmigrantes japoneses. Más específicamente: las descripciones que hizo Jorge Isaacs en su novela María (1867) de la hacienda El Paraíso y sus alrededores, en pleno Valle del Cauca.La historia está bien documentada. Fueron esas imágenes las que cautivaron tanto la curiosidad de un grupo de migrantes que terminó por convertirse en la primera colonia nipona en territorio colombiano, en la década de 1920. Uno de ellos, el jardinero Tomohiro Kawaguchi, es, de hecho, el primer migrante japonés en Colombia de quien se conoce su nombre y oficio.Fue entre 1929 y 1935 que tres grupos de japoneses que venían con la intención de establecerse en el Cauca ingresaron por Buenaventura. Eran en total 159 personas, la mitad de las cuales tenía menos de 14 años. Mientras que en 1984 la población de latinoamericanos residentes en Japón sólo llegaba a 4260 personas, en 1990 aumentó a 72.673 y en 1995 se había triplicado a 223.812. Estas migraciones fueron estimuladas por Japón, pues acababan de abrir sus fronteras para que sus nacionales pudieran irse del país y les resultaba estratégico para el fortalecimiento de las relaciones internacionales y los negocios.Ya en la isla se pueden encontrar muchos artistas que han sido cautivados por los ritmos latinos. El tango, por ejemplo, llegó durante el periodo conocido como Democracia Taisho (1912-30) con la llegada de marineros argentinos a las costas niponas.Para la apropiación del tango fueron fundamentales la Orquesta Típica de Tokyo y la famosa cantante Ranko Fujisawa. Como explica el historiador Hosokawa: “los ritmos sudamericanos fueron percibidos como muestra de la pasión latinoamericana”.La rumba (de origen cubano) entró a Japón gracias al hit El Manicero, de Moisés Simons. Uno de los temas más populares entre europeos y estadounidenses que tenían negocios con los japoneses. El cine Hollywoodense fue, desde luego, otro de los vehículos para que los japoneses escucharan a los músicos cubanos.Sin embargo, al hablar de la música latina en Japón no podemos olvidar a Los Turpiales, una banda de latinos migrantes en Japón, compuesta por un argentino, un colombiano y un brasileño.Ellos comenzaron a tocar boleros al estilo puertorriqueño, mexicano y canciones populares brasileñas en parques de la ciudad y estaciones de tren. A medida que su repertorio se hizo popular, fueron invitados a actuar en lugares formales y desarrollaron una pequeña base de fans.Álvaro Ríos, el cantante colombiano de Los Turpiales, fue invitado a cantar con los Tokyo Cuban Boys, un grupo que tocaba música cubana desde la década de 1940. Roberto Pino, otro miembro de la banda de Argentina, se convirtió en DJ en una estación de radio de Tokio y, eventualmente, produjo un programa de radio latino, especializándose en lo que él llamó "música tropical bailable”. Sobre la salsa ya veremos el impacto de La Orquesta del Sol y La Orquesta de la Luz.En épocas recientes, las colaboraciones musicales entre Japón y Latinoamérica se han intensificado. Desde Martha Cecilia Yokoi (que ha dedicado su vida en este país a la misión de divulgar la cultura colombiana a través de su grupo musical Fiesta Esmeralda), pasando por el Minyo Cumbiero (el proyecto del Frente Cumbiero con Minyo Crusaders) o el junte entre el músico experimental ibaguereño Julián Mayorga con el japonés Ryota Miyake, Flash Amazonas, hasta artistas japoneses que tocan ritmos latinos y afrocaribeños como Ska Flames, Nahki (Reggae), Lisa Ono (bossa nova), Lucia Shiomitsu (Paraguayan harp) y Ranko Fujisawa (tango). Y ni qué decir de las influencias japonesas en Colombia. Se puede rastrear un círculo de nicho de J-rock de bandas colombianas como Kira, Damask, Soryu, Eikon Klaein, RAION, Neko Machine, Ragnarok, Invaders Must Die (IMD) y Merlotte.Los miembros de las bandas colombianas de J-rock aman la cultura japonesa, a pesar de no conocer del todo el idioma. Su repertorio es, en su mayoría, en español y en inglés, pero cuando acuden al japonés lo hacen usando el rōmaji, un sistema que convierte los sonidos japoneses al alfabeto romano.La salsa en JapónEntre tantas idas y vueltas la salsa (que bien sabemos ha anidado particularmente en Nueva York, Puerto Rico, Cuba y Colombia) ha sido, sin duda, la escena latina más extendida en Japón. Hoy hay una movida que conjuga bares, escuelas de baile y eventos.Desde principios de los 90, de hecho, también se establecieron festivales de música latina en Japón con salsa y merengue, como el Festival de Baile Latino o el Día anual de la Salsa (sannmarusan) en Tokio; y el Festival Latino de la Isla de la Salsa en Fukuoka.Además de los festivales, la productora Japonicus de Shogo introdujo la cumbia en la escena alternativa con sus propias noches: Rebel Fiesta Party, Pachamama y Clandestino. Esto propició también el desarrollo de una escena cumbia local con bandas como DF7B, Rojo Regalo, Tequila Cokes, Copa Salvo, Real Thing, Mexican Club Band, Los Oxxos Sexos e incluso tiendas de discos locales como Discos Papkin.La Orquesta del Sol (OS) y La Orquesta de la Luz (OL)En cualquier caso, no hay duda en que dos nombres resuenan sobre los demás en este panorama. El primero de ellos es el de La Orquesta del Sol, que tal vez no hubiera existido si no es porque Tito Puente y la Fania All Stars recorrieran Japón desde los 60.Gracias a estas visitas "Pecker" Hashida creó en 1978 la Orquesta del Sol, el primer grupo de salsa japonés.El segundo de ellos es la La Orquesta de la Luz, formada por Nora Suzuki (también cantante de La Orquesta del Sol) a mediados de los 80.Cerca de 1987, Suzuki ahorró y viajó sola a Nueva York para buscar managers que pudieran financiar un tour para la Orquesta de la Luz en esa ciudad. Esta decisión, según Nora, marcó la diferencia entre La Luz y la Orquesta del Sol, que no se hizo tan famosa fuera de Japón.En esta visita logró contactarse con Richie Bonilla, famoso por lanzar las carreras de Willie Colón y Héctor Lavoe. Así describió el encuentro Nora a BBC Mundo:"Escuchó el casete, le enseñé las fotos de La Luz y entendió que éramos una orquesta japonesa que tocaba salsa. Primero no lo podía creer. Estaba muy sorprendido (…) Le dije que tocar nuestra salsa en Nueva York era nuestro sueño y me prometió que organizaría presentaciones de la Orquesta en vivo".Aunque la banda de la Luz gustó mucho, Bonilla les puso una condición: el grupo debía pagarse sus pasajes a Nueva York. Ellos tuvieron que ahorrar US$2.000 por cada uno, en lo que tardaron más de dos años.Solo tuvieron que aterrizar en Nueva York y llenaron todas las plazas en las que tocaron. Cuenta Bonilla que "Cuando vinieron, la salsa estaba por el piso, a causa del merengue. Pero cuando La Luz apareció en escena, todo el mundo quería verlos”. Este éxito les aseguro la posibilidad de grabar su primer disco. "Entonces Ralphie dijo 'que alguien los grabe en Japón y yo los distribuyo'", cuenta Bonilla.A esta tarea mandaron a Sergio George, quien afirmaba que “la comunicación fue completamente en inglés o en japones, nada de español, en español solamente era ella cantando, pura fonética, no sabía lo que decía”.La grabación fue un reto ya que ¡en Japón no existían lugares donde se pudiera grabar salsa! El disco salió en Japón con el sello BMG Víctor y RMM lo distribuyó en América Latina en 1990.El álbum encabezó la lista Billboard de música latina durante 11 semanas. George produjo otros dos álbumes de La Luz en Japón: Salsa no tiene frontera y Somos diferentes. En 1993 La Luz recibió la Medalla de la Paz de Naciones Unidas. La primera mitad de los 90, Bonilla organizaba tres tours, de cinco semanas al año, por varias ciudades de Estados Unidos, Europa, y países de América Latina y el Caribe como Perú, México, Puerto Rico, Colombia, Venezuela, Panamá, Ecuador, Chile, Costa Rica, Guyana Francesa, Martinica, Aruba, Curacao, Saint Marteen. Pero volvieron a juntarse en 2002 y desde entonces siguen actuando juntos en Japón y otros países.En 2019 lanzaron un álbum para celebrar su aniversario número 35, Gracias Salseros, y desde 2015 tienen un plan para "latinizar Japón". Apenas unos meses después de lanzar su primer disco, la Orquesta De La Luz tocó en uno de los escenarios más importantes del mundo: el Madison Square Garden, en Nueva York.En el concierto, ocurrido en 1991, no solo cantaron el que ya era su gran éxito, Salsa caliente del Japón, sino que compartieron micrófonos con dos leyendas del género: Oscar D'León, el faraón de la salsa, y Tito Puente, "el rey de los timbales".A La Luz no le llegaron críticas por su música como se puede pensar hubiera ocurrido hoy, cuando más se discute sobre la apropiación cultural. Sin embargo, su experiencia pone en evidencia algunas de las tensiones internas de la salsa. Un género profundamente narrativo, que cuenta historias de amor, vivencias cotidianas, luchas de opresión y, como explica la analista Luisa Fernanda Coy, profundamente relacionado con la identidad latinoamericana.Esta tensión la vivieron tan a flor de piel que los nombres de sus hits discuten esa relación entre ritmo y tierra de nacimiento: Salsa no tiene frontera y Salsa caliente del Japón. Esta última se puede interpretar como una carta de presentación del grupo en la que se cuenta la historia de la Orquesta de la Luz y afirman que “no importa de dónde sean, ellos tienen ritmo y corazón”.Frente a este panorama uno podría preguntarse ¿Cómo puede un no-latino cantar salsa? ¿pueden los japoneses ser “verdaderos” salseros?”. Tal vez esta pregunta no es tan inocua cuando se tiene en cuenta el orgullo con el que los “locales” se burlan de aquellos que intentan bailar salsa y no tienen el “swing”, o como se plantea desde algunos sectores “es que eso se lleva en la sangre”.Desde otro ángulo, el analista Shuhei Hosokawa afirma: “OL, en cambio, despolitiza y deserotiza la salsa con el propósito de la recepción internacional”. Para Hosokawa, La Orquesta de la Luz se desmarca de las características propiamente étnicas de la salsa y esto se ve reflejado en su distanciamiento de la llamada “salsa romántica”; es decir, salsa con letras sensuales y arreglos de influencia bolero. En cualquier caso, el aparato industrial de apropiación ha sido dispar en ambas vías. Mientras los productos culturales japoneses se han convertido en objetos de consumo masivo en Latinoamérica, no ocurrió lo mismo en la dirección opuesta, a pesar de intentos como el de La Orquesta de la Luz.
Aquí estamos, como de costumbre, con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial completo con reseñas de discos colombianos (álbumes de estudio y EP) para que conozcan y se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo a los mejores temas y álbumes nacionales del 2020 en este especial. En esta oportunidad les presentamos Quiero una canción de Guarango.Quiero una canción - Guarango.¿Quién está detrás? Los hermanos Mike y Mario Navarro son los creadores y directores musicales del proyecto Guarango, agrupación que le apuesta firmemente a la música tropical especialmente a la salsa colombiana. La producción musical estuvo a cargo del ganador del Latino Grammy Beto Urieles, quien le aportó su visión musical al sencillo.Para leer | Grammys 2021: La victoria de los colombianos Grupo Niche y Kali Uchis¿De qué trata? Quiero una canción es una composición de amor gigante. Una carta llena de romanticismo hecha canción para aquellos que encuentran en el género nueva formas de declarar sentimientos.¿A qué suena? Este tema plantea una nueva sonoridad para Guarango, quienes incluyeron la trompeta al formato de la agrupación. El tema tiene en su ADN atmósferas electrónicas y las intenciones del R&B fusionadas con el sabor característico de la salsa.¿Sobre el video qué? El videoclip rodado en Bogotá se desarrolla en medio de un concepto vintage, minimalista y recrea los procesos creativos y de interpretación de esta composición. Una producción audiovisual que cuenta con dos secuencias de tiempo, la participación protagónica de Mario y la narración musical de Mike.¿Cuándo escucharla? Va directa a las canciones para bailar pegadito y con los ojos llenos de amor.Para ver | Piso 21: El amor en los tiempos del perreo - Track by Track Shock¡La música nos une!
Aquí estamos, como de costumbre, con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial con reseñas de discos colombianos (álbumes de estudio y EP) para que se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo a los mejores temas y álbumes nacionales en este especial con lo mejor del 2020 . En esta oportunidad les presentamos Qué pena con mi vecina de La 33 y Los Rolling Ruanas.Qué pena con mi vecina - La 33, Los Rolling Ruanas.¿Quién está detrás? La pantera mambo, Soledad, Bye, bye y Gózalo son algunas de las canciones más importantes de la historia musical de La 33, una orquesta que lleva vigente más de dos décadas y que ha llevado el sonido de la salsa fusión colombiana a diferentes partes del mundo. Por su parte Los Rolling Ruanas son un cuarteto que tienen como misión mantener fresca y vigente la carranga cundiboyacense para no dejar morir su legado.¿De qué trata? Qué pena con mi vecina es una canción escrita por el maestro Jorge Velosa y grabada con su grupo Los Carrangueros en 1996. La letra surgió de un dicho popular utilizado en gran parte de las zonas campesinas de Colombia.En este video subido a instagram, el cantante Velosa reflexiona sobre esta sátira hecha canción.¿A qué suena? Es una fusión de varios elementos rítmicos, un experimento arriesgado que por fortuna salió muy bien. Se mantiene viva la carranga, pero con una dosis alta de salsa y sabor. Un aplauso de pie por este tipo de exploraciones que resultan mejor de lo que se podría esperar.¿Cuándo escucharla? Invitaríamos a bailarla en sus rumbas caseras con la tía, la mamá, el primo y los vecinos, pero en estos tiempos de virus es mejor disfrutarla en la comodidad de su habitación y bailando solito.Bonus: Recordemos la versión original publicada a mediados de la década de los noventa.Para ver | Hotel Cecil: el lugar de Los Ángeles que lleva décadas asustando con historias muy raras¡La música nos une!
En la tarde del 15 de febrero de 2021 se informó sobre el fallecimiento del dominicano nacionalizado estadounidense Johnny Pacheco. Uno de los primeros músicos de salsa, creador de la icónica Fania All-Stars y cofundador del sello discográfico Fania. Tenía 84 años. Paz en su tumbaPara leer | 15 canciones que usaron sonidos de Willie Colón y Héctor LavoePor medio de un breve comunicado emitido por Cuqui Pacheco se informó sobre el fallecimiento de Johnny Pacheco:Con gran dolor en mi alma y un vacío en mi corazón les comunico que el maestro Johnny Pacheco,con mucha Paz,falleció esta tarde. Mil gracias por todas sus oraciones y todo el amor que siempre le brindaron. En estos momentos le pedimos privacidad y oraciones.Dos días antes se informó que el maestro estaba internado debido a una pulmonía:Dios los bendiga a todos. La familia del Maestro Johnny Pacheco solicita una cadena de oración por su salud quien en estos días fue internado de emergencia en un hospital debido a una pulmonía. A todos sus fanáticos, colegas y amigos le pedimos que no paren de orar por su salud. Le pedimos privacidad en estos momentos. Los mantendremos informados.Pacheco nació en 1935 y en la década de los años 50 empezó su carrera musical. Su primera orquesta se llamó Pachecho y su Charanga, agrupación con la que logró fama y girar por gran parte del mundo.En 1963 creó de la mano de Jerry Masucci la disquera Fania Records, bajo ese sello se creó en 1968 la icónica Fania All Stars, grupo que vio nacer las estrellas de salsa más importantes de todos los tiempos: Larry Harlow, Celia Cruz, Willie Colón, Héctor Lavoe, Ray Barretto, por mencionar solo algunos.En 2005, luego de más de 50 años de carrera artística fue condecorado con el Premio Latin Grammy a la excelencia musical.Será recordado por siempre.¡La música nos une!
Un niño pasó de los barrios pobres de Puerto Rico al Madison Square Garden. Se trata de Miguel Ángel Gonzáles Sánchez, mejor conocido como Miguelito, un niño puertorriqueño que ayudó a sostener a su familia cantando en las calles. Allí fue visto por el legendario productor Harvey Averne de Cococ Records, quien lo contrató, produjo un disco titulado Canto a Borinquen (Elogio de Puerto Rico) y organizó un concierto de salsa en el Madison Square Garden. En este disco, Averne logró reunir a Papo Lucca, Kito Velez y Nelson Feliciano; Eladio Perez, que era parte del grupo de Eddie Palmieri; y los guitarristas Mario Hernández y Máximo Torres. Fue considerado una verdadera joya. La familia se mudó a Nueva York con la esperanza de que la carrera de Miguelito despegara. Aunque sus canciones finalmente se convirtieron en éxitos de culto en toda Latinoamérica, el disco no tuvo el éxito financiero que esperaban. La familia regresó a Puerto Rico y Averne perdió de vista al niño. Hubo historias que decían que Miguelito había muerto en un accidente automovilístico. Otros decían que estaba en la cárcel, lo cierto fue que no volvió a sonar y no se volvió a saber de él. El director australiano Sam Zubrycki se encontró esta historia insólita y decidió buscar a Miguelito. Sus hallazgos quedaron el documental Miguelito: Canto a Borinquen, que se emitirá el próximo 19 de septiembre de 2020 a las 6:30 p.m. en el canal Film & Arts. Todo nació cuando Zubrycki estaba en Cali investigando sobre la salsa y varios melómanos le mostraron el disco de Miguelito. Al director le llamó la atención el estatus de mito que había adquirido el niño y así fue como decidió indagar más sobre un personaje muy llamativo en la historia de la música que aún hoy sigue desconcertando a muchos. “Yo nunca había escuchado a un niño cantando salsa. Por eso cuando escuché las canciones quedé maravillado. Es único. Además lo que se decía de su historia, que había muerto en un accidente de tránsito a los 12 años y ese había sido su único disco, me había cautivado", dijo Sam a El País, de Cali.
La salsa es uno de esos ritmos musicales que identifican la riqueza musical de Latinoamérica ante los extranjeros y muchos creen que todos los temas que hacen parte del género se tienen que bailar a toda velocidad, dando muestra de flexibilidad y sabor, pero desconocen que hay un subgénero en el que las canciones están enfocadas en bailar suave, pegado y sensual. La salsa romántica o coloquialmente conocida como salsa rosa es una mezcla entre la balada y la música de orquesta que viene adornada con letras sensuales, sexuales, coquetas y románticas. De hecho, muchos amantes de este ritmo consideran el 22 de agosto como el día internacional de la salsa romántica. Para leer: El Gran Varón de Willie Colón y la incomodidad que generaba entre algunos gais Una gran parte de sus exponentes son artistas neoyorquinos de origen latino que, al notar cierto cansancio por la salsa brava, empezaron a explorar nuevas corrientes y composiciones liricas. Su boom se concentra en los años 80 y tiene un posicionamiento internacional gracias al sello discográfico TH-Rodven que tenía firmados artistas cmo Frankie Ruiz y Eddie Santiago. Generalmente las canciones hablan de encuentros clandestinos, amores prohibidos, romances secretos y primeras veces románticas. La salsa rosada constantemente es asociada a los moteles por la canción Aquel viejo motel, que relata el acto sexual entre dos personas que se deseaban desde hace mucho tiempo, pero que no habían podido consumar su pasión. Aquí les dejamos 15 canciones precisas para motelear que, aunque no son recientes, permanecen vigentes en la cultura latina. Devórame otra vez – Lalo Rodríguez Que locura enamorarme de ti – Eddie Santiago Pequeñas cosas – Willie González Aquel lugar - Adolescentes Hechizo de luna – Edgar Joel Si supieras – Maelo Ruiz Amores como el nuestro – Jerry Rivera Aquel viejo motel – David Pabón Lluvia – Eddie Santiago A qué saben tus besos – Anthony Cruz Te necesito mi amor – Maelo Ruiz Virgen - Adolescente Jardón Prohibido – Alex Bueno Antídoto y veneno – Eddie Santiago Para ver | Historias de moteles contadas por sus empleados #LaMúsicaNosUne
Desde hace dos décadas La 33 nos tiene azotando baldosa. La orquesta bogotana instaló en el ADN de los salseros canciones como, La pantera mambo, Soledad, Bye, bye, Gózalo, entre otros. S nueva canción Mascarilla, fue compuesta por Sergio Mejía, Santiago Mejía y Susana Silva, la suegra de Santiago, el sonido de La 33 se mantiene, una poderosa mezcla de vientos que se complementan muy bien con la percusión. Edison Velásquez, hizo los arreglos de los coros y le resto de la banda aportó en la grabación. Este tiempo ha sido perfecto para crear y contar historias, suceden muchas cosas en el aislamiento. Este es el escenario de tres personas que viven de diferente manera esta situación. El primer personaje es un tipo paranoico que anda muy asustado y lleno de temores, el segundo trabaja en compra – venta, vive de la necesidad de los demás, y quiere sacarle jugo a esta situación y el tercero es un artista que le toca permanecer encerrado, sin poder volver a tocar en ningún concierto, pero que se vale de su creatividad para hacer música y generar cambios en las personas. El video fue grabado por los integrantes de La 33 desde sus casas. Las calles bogotanas reflejan muy bien la historia de Mascarilla.
Aquí estamos, como de costumbre, con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial completo con reseñas de discos colombianos (albumes de estudio y EP) para que conozcan y se empapen de la diversidad musical del país. Pedrina - Sofa Sessions ¿Quién está detrás? Pedrina es una de las artistas femeninas y de pop alternativo con mayor proyección. Desde que tiene su proyecto en solitario se ha presentado su nuevo propuesta estética y musical en escenarios importantes como Estéreo Picnic y Rock Al Parque. En 2018 lanzó su álbum Prisma y hoy nos presenta una serie de covers de salsa que han marcado su vida. Dato curioso: Las sesiones de “sofá” como ella las ha nombrado, tendrán lugar cada temporada en un sofá distinto, e incluso ha invitado a sus seguidores a participar en un concurso cuyo premio es realizar una de las sesiones en casa del ganador; a propósito, también de su más reciente sencillo Casa. ¿Qué canciones versionó? La artista eligió tres canciones de salsa cursi para esta edición de sus sesiones acústicas. Una aventura de Grupo Niche, Lluvia de Eddie Santiago y Qué hay de malo de Jerry Rivera, canciones que a pesar de los años se mantienen vigentes en la radio y memoria de las personas. ¿A qué suena? Las canciones fueron deconstruidas y Pedrina las vistió de una forma mega intima. En las tres versiones su dulce voz y la guitarra acústica son protagonistas absolutos haciendo que la composición lírica de estas canciones tenga la importancia que se merece y que, a veces, se pierde en la música bailable. ¿Cuándo escucharlas? Es perfecta para ponerlas en su carro o escucharlas en el transporte público. Regálese 15 minutos y escuche las tres canciones de corrido, una seguida de la otra. #LaMúsicaNosUne
Llega octubre y empieza la cuenta regresiva para despedir el 2019 y darle la bienvenida a una nueva década en la que, esperamos, la música hecha en Colombia tenga un valor mayor y se le dé el lugar que se merece. La diversidad de sonidos, propuestas alternativas y fusiones coherentes es lo que queremos consumir para que la industria musical sea equitativa para todos los géneros. Aquí venimos con una nueva tanda de estrenos musicales y, posiblemente, entre estos lanzamientos esté la que sea la canción más relevante del año en curso. Me quiero ir contigo - Mauro Castillo ¿Quién está detrás? Mauro no es un desconocido en la industria musical y del entretenimiento en Colombia. Fue actor en una de las novelas musicales más exitosas de Colombia, también formó parte del Grupo Niche cuando el maestro Jairo Varela aún vivía y por si fuera poco ha sido ganador de reconocimientos como el Petronio Álvarez y un par de nominaciones al Latin Grammy. ¡Crack! ¿De qué trata? Me Quiero Ir Contigo es una historia de amor de dos personas que durante muchos años estuvieron enamorados y nunca se atrevieron a confesarlo. La pista fue compuesta por Mauro Castillo y Master Chris bajo la producción y masterización a cargo de La Puerta Music, el estudio que el caleño tiene en Bogotá. Otro dato coctelero: Este tema es el último sencillo del álbum La Receta. Mauro nos contó que gran parte de su público no está en internet y que las cifras no lo trasnochan a pesar de ser el salsero con más reproducciones en plataformas digitales. ¿A qué suena? Mauro ya tiene un estilo super definido. Cada uno de los sencillos que lanza tiene un ADN especifico y que lleva impregnado el sello del caleño. Con instrumentos como el piano, la trompeta, el timbal, y el bajo, las armonías de la canción se complementan con el sonido de los trombones que fueron por el propio Castillo. ¿Sobre el video qué? Como un homenaje de los 90, el video recrea la participación de Mauro Castillo y su orquesta en un programa de televisión de la época. El clip oficial fue dirigido por Ángela Narváez y la ambientación estuvo a cargo de la productora GC. ¿Cuándo escucharla? Si es amante de la salsa, dele play cada mañana. Sino es el más amante del género puede ponerla el sábado a cualquier hora. #LaMúsicaNosUne
Llegó el sexto mes del año, una época en la que una tonelada de artistas empieza a mostrarle a su público lo que ha estado explorando en el estudio de grabación. Han pasado muchas cosas en la industria este año, se acercan festivales musicales de todos los géneros y seguimos recibiendo propuestas musicales que nos ayuden a hacer crecer la escena nacional. ¿Cuál de las canciones que se están estrenando por estos días tienen pinta para ser las más importantes del año? Cosas Bonitas – Grupo Niche ¿Quién está detrás? Después de hacer historia siendo uno de los actos principales del Estéreo Picnic 2019, la agrupación creada en 1979 por Jairo Varela está estrenando música para seguir sumando canciones a la historia musical colombiana. Cosas Bonitas fue escrita, musicalizada y arreglada por el maestro José Aguirre, director de la agrupación. Fue grabada en los últimos meses entre Puerto Rico, Estados Unidos y Colombia. ¿A qué suena? Suena a Cali, al Grupo Niche y a las bases musicales que dejó instauradas Jairo Varela. Es una salsa romántica en la que se resaltan los vientos y la percusión. ¿De qué trata? Una pieza que nació desde el amor a la pareja, a la familia y a los amigos. Es un track de agradecimiento a estar vivos y poder ser feliz. En palabras, de su autor “es una historia basada en el lenguaje universal; el amor, en la que se cuenta la llegada de una persona a la vida de otra, sin estarla buscando ni esperando”. ¿Sobre el video qué? Fue grabado en diferentes zonas de Antioquia, con una hermosa coloración, efectos y planos que resaltan la naturaleza y el amor. La dirección es de Marlon Alexander Arango de Pelikano Films. ¿Cuándo escucharla? Escúchela a diario y báilela los sábados con el amor de su vida. Recomendado: Así fue el show del Grupo Niche en Estéreo Picnic | All Access Shock #LaMúsicaNosUne
Teto Ocampo siempre supo que el problema estaba en las grandes ciudades que no sabían escuchar y en la terquedad de un país que muchas veces se niega a reconocer sus raíces.'En Busca del Tercio Perdido' más que un documental es un viaje sonoro por medio de los deseos de Teto Ocampo por estudiar y acercarse, más no apropiarse, de la música tradicional. Es un tributo a su legado, que más que una lista de discos y canciones, fue siempre una celebración a lo de acá.Las melodías ancestrales y los cantos indígenas han servido durante muchos años como rituales para sanar, para llorar y para celebrar. En el caso de él fue la flauta arhuaca la que lo llamó a la Sierra a los veinte años y nunca dejó que se fuera. "No quiero saber nada más en mi vida, sino sólo saber, oír, tocar músicas como esta y conocer músicos que toquen esta música.", afirma Teto en el documental; porque entendió que en el proceso de intercambio de saberes no basta con escuchar, hay que prepararse para recibir.Al ritmo de flautas y cánticos tradicionales indígenas podemos ver una parte pequeña de los pasos del cantante hacia el descubrimiento del sonido del territorio, de las plantas, el clima, los animales y todo lo que lo abarca.Con Mucho Indio tomó prestadas melodías del Cauca, la Guajira, el Amazonas y la Sierra, y, junto a Gilbert Martínez, Pedro Acosta y Carlos Rengifo, se encargaron de mezclarlas con guitarras, bajos y baterías para hacer el paisaje sonoro de Colombia.La identidad sonora de nuestro país huele a páramo pero también a manglar, se siente húmeda como la selva y al mismo tiempo seca como el desierto de la parte más al norte.Teto Ocampo siempre lo supo: "estamos recuperando la música como territorio sagrado. No la estamos recuperando para ellos, ellos no necesitan que se las recupere nadie, sino de nosotros para nosotros, porque estaba olvidada... el tercio perdido".
El rapero Toomaj Salehi ha sido condenado a muerte en Irán por apoyar las protestas de 2022 provocadas por la muerte de Mahsa Amini, una mujer iraní de origen kurdo que fue arrestada y torturada por la policía religiosa islámica por no usar correctamente su hiyab. Salehi ha sido detenido, recluido en régimen de aislamiento y presuntamente torturado tras su arresto, según reporta Euronews. El músico de 32 años, ha criticado al régimen iraní y se ha pronunciado abiertamente contra el gobierno en letras de rap y en las redes sociales.En una medida sin precedentes, un tribunal de Isfahán revocó la decisión de la Corte Suprema sobre el caso de Saleh la semana pasada, confirmando el veredicto original de “corrupción en la tierra” y emitió la pena máxima de muerte, según los medios reformistas iraníes Shargh y Entekhab.Los medios estatales dijeron que la sentencia de Salehi está sujeta a reducción por parte de un comité de indultos si vuelve a apelar.¿Quién es Toomaj Salehi?Salehi es conocido principalmente por sus canciones de protesta sobre los problemas sociales de Irán y las políticas del gobierno de la República Islámica de Irán. Su último vídeo musical en YouTube publicado antes de su arresto en 2022 incluía la letra: "El crimen de alguien fue bailar con el pelo al viento / El crimen de alguien fue ser valiente y criticado... 44 años de tu gobierno / Es el año del fracaso."¿Cómo es hacer rap en Irán?El rap se dio a conocer en Irán a mediados de los 90, y desde los 2000 gracias a Internet, ha llegado a tener reconocimiento mundial. Aunque hay varios exponentes del rap iraní reconocidos internacionalmente, en el país no está permitido presentarse en vivo.El gobierno de país no considera el hip hop como una manifestación artística y ha reprimido ésta y otros tipos de arte originales de Occidente. En Irán, todos los artistas están obligados a presentar sus producciones al Ministerio de Cultura y Orientación Islámica para su aprobación. La mayor parte de la escena hip hop iraní se ha visto obligada a pasar a la clandestinidad.Las artistas femeninas están especialmente restringidas en Irán, ya que las mujeres no pueden cantar en público y las vocalistas solistas tienen prohibido actuar frente a hombres.
La cantautora estadounidense Taylor Swift ha vuelto a demostrar su importancia dentro de la industria musical con su nuevo álbum, 'The Tortured Poets Department', que se ha posicionado directamente en el número uno de la lista Billboard 200. Este logro la coloca entre las artistas con mayor cantidad de discos en la cima de este ranking, solo por detrás de la legendaria banda The Beatles.Desde su lanzamiento el 19 de abril, 'The Tortured Poets Department' ha acumulado un total de 2,61 millones de "unidades equivalentes", una métrica que combina las ventas de discos físicos con las descargas digitales, según informa la revista Billboard. Es decir, logró el segundo mayor debut de todos los tiempos en el Billboard 200 con 2.61 millones de unidades vendidas. únicamente por debajo de Adele que obtuvo 3.48 millones de unidades vendidas en su primera semana con el disco '25'.Esta cifra evidencia el rotundo éxito del álbum y la, ya conocida, fuerte acogida que ha tenido entre los swifties.Con este logro Taylor Swift suma 14 álbumes que ha logrado llevar a la posición más alta de la lista. Un récord que sólo tiene el rapero Jay-Z con la misma cantidad de discos y únicamente superado por la banda británica liderada por John Lennon.Sin embargo, ya venció a los Beatles con el récord del artista más rápido en alcanzar 12 primeros puestos en el Reino Unido."Ningún otro artista ha conseguido 12 álbumes número uno en tan poco tiempo. Taylor Swift lo ha logrado en 11 años y 6 meses", dijo la Official Charts Company. "Esto supera a The Beatles, que lograron la hazaña en 14 años y 1 mes", agregó.Como si no fuera poco, Swift también posicionó su último trabajo discográfico como el disco en vinilo más vendido de la historia con 700.000 copias adquiridas por sus fans. Además, como es costumbre, se convierte en el álbum más escuchado en la historia de plataformas como Spotify (en una semana) y Amazon Music (en un día).Si les interesa saber más sobre el último disco de Taylor Swift, les recomendamos: Referencias en The Tortured Poets Department, el nuevo álbum de Taylor Swift
Una pista de Drake que presenta una versión generada por inteligencia artificial de la voz de Tupac Shakur y Snoop Dogg fue lanzada el pasado 19 de abril. Que, además, se trata de un diss track para Kendrick Lamar.Sin embargo, los encargados de proteger el patrimonio de Shakur amenazaron con demandar al rapero por hacer uso, sin licencia y generada por IA, de la voz de Tupac. Por el lado de Snoop Dogg, el rapero bromeó al respecto en su Instagram diciendo: "¿Hicieron qué? ¿Cuándo? ¿Cómo? ¿Están seguros? ¿Por qué todos llaman a mi teléfono y me hacen estallar? ¿Qué carajo? ¿Qué pasó? ¿Qué está pasando? Voy a volver a la cama. Buenas noches".En la canción, Drake lanzó más indirectas a Lamar por no responder a su primer tema 'Push Ups', tildándolo como una decepción para el legado del hip-hop de la costa oeste de Estados Unidos.El track desapareció de las redes del artista después de que los abogados del difunto rapero amenazaran con demandar. El miércoles 24 de abril, el abogado Howard King, que representa el patrimonio de Shakur, emitió un comunicado a Billboard afirmando que envió un cese y desistimiento a Drake para que bajara la pista."Los herederos del patrimonio están profundamente consternados y decepcionados por el uso no autorizado de la voz y la personalidad de Tupac", escribió King en el comunicado. “El registro no sólo es una violación flagrante de la publicidad de Tupac y los derechos legales del patrimonio, sino que también es un abuso flagrante del legado de uno de los más grandes artistas de hip-hop de todos los tiempos. Los herederos nunca habría dado su aprobación para este uso”, agregó.La historia detrás de la canción de Drake generada por IAEn 'Taylor Made Freestyle', la voz de Shakur rapea directamente contra Kendrick, quien inició una tiradera el mes pasado con un verso invitado en 'Like That' de Future y Metro Boomin. “Kendrick, te necesitamos, el salvador de la costa oeste / Graba tu nombre en la historia del hip-hop. Llámalo perra de mi parte, habla de que le gustan las chicas jóvenes como regalo para mí”, se escucha decir a la voz creada con IA.'Like That' fue la respuesta a 'First Person Scooter', una canción de Drake y J Cole, incluida en el álbum 'For All the Dogs' (2023). En el track Cole mencionó a Kendrick como uno de los "tres grandes" del rap junto a él y Drake.Lamar no estuvo de acuerdo y le respondió. Luego, Cole lanzó un track en respuesta llamado '7 Minute Drill', sin embargo, al tiempo se arrepintió, bajó la canción y se disculpó con el cantante de 'PRIDE'.**Esta no es la primera vez que Drake está involucrado en un tema de Inteligencia Artificial y música, lean acá: Drake feat. The Weeknd: ¿Son legales las canciones generadas con Inteligencia Artificial (IA)?
Seguidores del PSOE (Partido Socialista Obrero Español) se congregaron en la calle Ferraz frente a la sede del partido, expresando su deseo de que Pedro Sánchez continúe en el Gobierno al ritmo de la famosa canción de Quevedo y Bizarrap, 'Bzrp Music Sessions, Vol. 52'.Los participantes se unieron para respaldar al presidente del Gobierno después de que anunciara su intención de tomarse cinco días de reflexión sobre su permanencia en el cargo. A medida que los dirigentes del partido llegaban al Comité Federal, los congregados en Ferraz coreaban consignas como "¡Pedro, quédate!", "¡Merece la pena!", "¡Justicia sí, bulos no!" y "¡Presidente, presidente!", según informó El Periódico. No es la primera vez que se usa la canción de Quevedo y Bizarrap en apoyo al presidente. Ion Antolín Llorente, director de comunicación del PSOE, escribió en algunos de sus tuits: "Quééédate que la democracia sin ti dueeele" ¿Qué pasó con Pedro Sánchez en España?El mandatario español, Pedro Sánchez, enfrenta un período de turbulencia política y personal tras emitir una carta en la que comunica la cancelación de sus compromisos públicos hasta el próximo lunes, con el fin de reflexionar sobre su continuidad al frente del Gobierno. La decisión surge cuando un tribunal en Madrid inició investigaciones contra su cónyuge por supuestos delitos relacionados con tráfico de influencias y corrupción.Bzrp Music Sessions, Vol. 52 Historia y por qué es tan exitosa La canción se lanzó el 6 de julio de 2022 y una hora después de su estreno en el estudio de Bizarrap, el vídeo superaba el millón y medio de reproducciones, En cuestión de nueve días, llegó a ser canción más escuchada del mundo, según reporta Newtral.es. “Es una canción que ha llegado en el momento justo, después de dos años de pandemia, y con la gente deseando divertirse. Tiene un estribillo cantable y un mensaje de diversión. Es verano, la gente quiere salir y, además, existen festivales en cada rincón. Es perfecta para cantarla en esas concentraciones masivas. También tiene ese rollo electrónico tan bailable. Y todo coronado, claro, por el efecto Bizarrap”, explican Los Xavales en su canal de YouTube. “No se hace un éxito de estas dimensiones si no se tienen muchos elementos. Es una canción para compartir, para dar saltos en las fiestas del verano. Además, tiene una voz diferente, grave, distinta a lo habitual. Otra peculiaridad: a diferencia de otros temas latinos tiene una melodía muy cantable que se expande. Y una letra bien rimada, con giros graciosos y una rítmica muy utilizada en la música de baile. Es un pleno en todos los ingredientes. Y conecta mucho con la gente joven: un himno donde saltan y cantan juntos”, explica citado por El País José Luis Gil, veterano de la industria musical detrás del éxito de Raffaella Carrà, Miguel Bosé, Locomía o Alaska.