Aquí estamos, como de costumbre, con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial con reseñas de discos colombianos (álbumes de estudio y EP) para que se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo a los mejores temas y álbumes nacionales en este especial con lo mejor del 2020. En esta oportunidad les presentamos Ayayai de Surcos.Ayayai - Surcos¿Quién está detrás? Surcos es folk accidental, en palabras de la propia banda, y muchas de sus letras están llenas de melancolía. Desde 2019 hemos estado escuchando sencillos de la banda que han ido rotando por diferentes emisoras de música alternativa del país. En esta oportunidad hay un giro en su sonido, pero se mantiene la esencia de lo que ha sido Surcos desde su creación hasta la fecha.Para ver | Shock Presenta: Sesiones en vivo desde casa con Surcos¿A qué suena? En este tema hay nuevos elementos que Surcos no había explorado en su música. Encontramos un acercamiento a la cumbia y al vallenato, géneros a los que todos los colombianos hemos estado expuestos.¿De qué trata? Ayayai es una canción que deja varias enseñanzas sobre la soledad. Juan Felipe Ochoa, líder de Surcos, cuenta sobre la letra que “desde que vivo en el campo mi relación con la soledad se transformó. Por esta razón, es la musa que la inspiró (...) logré reconciliarme con ella agradeciéndole todas las enseñanzas que me ha dejado y que me han permitido encontrarme conmigo mismo”.¿Sobre el video qué? Es una obra visual que fue realizada en medio de la diversión y que muestra a la banda en varios escenarios gracias a la magia de la edición y del green screen. La dirección del clip corrió por cuenta de Samir Marún.¿Cuándo escucharla? Es de esas canciones para escuchar con los amigos mientras se comparten algunas polas. Puede sonar perfectamente a las 4 de la tarde o a las 3 de la madrugada.Para ver | Ritmo Exótico: la música caliente que invadió al Chocó¡La música nos une!
La televisión colombiana retomó a finales de 2020 las grabaciones de sus telenovelas y series, proyectos que se emitirán en los canales nacionales en los próximos meses. De igual manera, Netflix ha informado que tiene varios proyectos confirmados para producirse y grabarse en el territorio colombiano.Para leer | Netflix confirmó que habrá segunda temporada de '¿Quién mató a Sara?'Por medio de un comunicado la compañía de entretenimiento informó que “en Netflix sabemos que ser colombiano significa mucho más que bailar reguetón, cantar vallenato, “sacarle el chiste a todo”, no perderse la novela o tener una pasión indescriptible por el fútbol. Ser colombiano es también contar esas historias que nos hacen sonreír, recordar, pensar, y que nos permiten vernos reflejados en pantalla”.En total son nueve las producciones colombianas que Netflix añadirá a su catálogo en los próximos meses.Juanpis, la seriePara empezar, el gomelo uribista más popular y polémico de Colombia convenció a Netflix de hacer una serie sobre su vida. Alejandro Riaño y Juan Pablo Raba son los productores ejecutivos de Juanpis González, una comedia que tendrá en su elenco a Carolina Gaitán, Julián Caicedo, Santiago Moure, Juan Fernando Sánchez, Luna Baxter, Patrick Delmas y Marcela Agudelo.DiomedesIndiscutiblemente el vallenato es uno de los géneros musicales más populares de Colombia, y Por ello se revelará la historia detrás del polémico pero aclamado personaje Diomedes Díaz en un documental dirigido por Jorge Durán y Jaime Barbosa.Para ver | Diomedes Díaz y otros 7 músicos que grabaron canciones desde la prisiónPálpitoEn formato de telenovela se contará una apasionante historia de amor ambientada en el oscuro mundo del tráfico de órganos, protagonizada por Michel Brown, Ana Brenda Contreras y Sebastián Martínez.Goles en contraEste año comenzará una miniserie de ficción sobre la complicada relación entre el fútbol colombiano con el narcotráfico, creada por Pablo González y Camilo Prince (Historia de un Crimen: Colmenares, El Robo del Siglo).Perfil FalsoDanilo Santos, Ana Lucia Domínguez, Rodolfo Salas, Renata Notni y Rubén Cortada protagonizan esta serie, una picante historia sobre los engaños del mundo de las citas online.Ritmo SalvajeUn homenaje al reguetón en una historia llena de música, baile y rivalidades. Dirigida por Simón Brand y protagonizada por Greeicy Rendón y Paulina Dávila, la serie comenzó a grabarse el pasado 15 de marzo en Bogotá y llegará pronto a la plataforma.LocombianosUna colección de 4 especiales de stand up protagonizados por los comediantes Freddy Beltrán, Catalina Guzmán, Pamela Ospina y Diego Camargo.Nada Es IgualNuevo especial de stand up del comediante Lokillo Flores, uno de los más destacados del humor en Colombia.AzcárateSerie con un novedoso formato que combinará elementos de monólogos, sketches y talk show, protagonizada por la comediante y actriz Alejandra Azcárate.¡El lado S del cine y la tv!
Le dicen “El Jilguero de América” y “El Ruiseñor del Cesar”. Está encumbrado en altos estrados del folclor vallenato con un extenso legado musical más de 50 años de carrera. Muchos se refieren a él como “el primer cantante de la música vallenata”, es responsable de efemérides del género y tiene miles de seguidores rotulados como “Oñatistas”. Exhibe en sus estantes Discos de Oro, Platino, Doble Platino, y muchos otros galardones, entre ellos el Grammy Latino 2010 a la Excelencia Musical. Un recorrido por la carrera de Jorge Oñate. Por Jenny Cifuentes @JennyCifuLa voz de Jorge Oñate le ha dado vida a éxitos que se quedaron incrustados y son himnos en la memoria nacional como El Cantor de Fonseca, No Comprendí tu Amor, No Voy a Patillal y cientos de canciones colmadas de sentimiento y sabor, que son como para emparrandarse días seguidos y, como decía Diomedes Díaz: “pa´beberse una plata ajena”.El primer cantante de vallenatoJorge Oñate puso a brillar bajo los focos la figura del cantante vallenato en los 70, una época en la que primaba que los acordeoneros fueran a la vez vocalistas. Así, en su máximo evento, el Festival de la Leyenda Vallenata, el público consideraba que quien se llevara la corona de Rey Vallenato y fuera soberano de su ritmo, debería cumplir esos requisitos. “El Jilguero” hizo parte de los transgresores, y no fue el único ni el primero entonces, pero desafió con su canto, se convirtió en luminaria y puso una marca en la historia. Con él, la voz vallenata inició una etapa tras la que llegaron cientos de intérpretes. Una costumbre que se mantiene hasta hoy, por eso, muchos aluden a él como “El primer cantante de la música vallenata”, incluso, así se ha calificado el propio artista en sus testimonios.“Oñate marcó un antes y después del cantante en el vallenato”, cuenta Jaime Pérez Parodi, locutor conocido como “La Biblia del Vallenato”, quien fue animador y representante del grupo de Oñate en una temporada de la década de los 70 (famoso además por haber sido el presentador de la agrupación de Diomedes Díaz durante largo tiempo).“Conocí a Oñate desde los años 60 en el colegio y lo volví a encontrar en el 70 cuando llegó a Valledupar con el conjunto de Emiliano Zuleta Díaz y la caja de Pablo López para participar en el tercer Festival Vallenato en el que ganó Calixto Ochoa.Hay gente que dice que los cantantes surgieron en el 72, pero no, el cantante apareció desde el primer Festival (1968) con personajes como Miguel Yanet o Leandro Díaz, quien le cantó al acordeonero Toño Salas. En el 70 es cuando irrumpe Oñate. En esa ocasión el vencedor fue Calixto, pero el conjunto de Oñate fue declarado el mejor en el evento.Jorge lanzó la canción Campesina Vallenata que había grabado con el maestro acordeonero Emilio Oviedo como en el 67, y después llegó su grabación con Miguel López - acordeonero del conjunto Los Hermanos López, toda una dinastía en el vallenato- del tema Berta Caldera, y ese fue su despegue. Empezaron a buscarlo para hacer un disco y lo realizaron. En la portada del álbum se leía: “Los Hermanos López”, y en letra pequeña: “Canta Jorge Oñate”. En el 72 volvió Oñate al Festival. Se inscribió con Miguel López y el público protestaba: decían que el Rey tenía que ser completo, que tenía que tocar, componer, cantar e improvisar y que no estaba de acuerdo en que un acordeonero llevara a alguien para que le cantara.El Festival de dicha edición, lo organizó el Dr. Alonso Fernández, un hombre que hizo una serie de cambios, innovaciones en el encuentro. Esa vez hubo desórdenes en el lugar cuando estaba tocando el conjunto de Oñate. Durante un solo del cajero Pablo López, se subió un muchacho borracho a la tarima, le quitó el instrumento, lo tiró hacia el público. Tuvieron que parar, solucionar, etc. y finalmente, ganó la corona de Rey Vallenato Miguel López. O sea que Jorge Oñate ganó el Festival Vallenato siendo cantante. Hubo protesta, revuelo, porque mucha parte del público estaba a favor del maestro Andrés Landero quien también concursaba, y cuando anunciaron que había quedado en segundo lugar, se formó el desorden. Claro, ese hecho partió la historia en dos”. Oñate llegó, triunfó y se quedó. El artista, oriundo de La Paz, municipio del Cesar, tiene 71 años y más de cinco décadas de carrera musical.***Poner a sonar los discos de Jorge Oñate es darse un trip por la historia del vallenato. Es encontrarse con los míticos cimientos: Alejo Durán, Leandro Díaz o Juancho Polo Valencia; con poetas autores de versos de extrema belleza: Santander Durán, Rafael Escalona, Gustavo Gutiérrez; con el ingenio de Calixto Ochoa o de Armando Zabaleta, el voltaje de creadores de cantos como Aurelio Núñez, y lo contemporáneo de Omar Géles o Sergio Luis Rodríguez.Es gozar canciones que han sido coreadas por todo Colombia como esa que le piden siempre, que arranca: “Nunca comprendí tu amor cuando se fue de pronto” titulada No Comprendí tu Amor, o el vallenato delicioso que sabe a yuca y evoca glorias, tipo La Vieja Sara, infaltable en los festivales.Porque en el catálogo de Oñate hay de todo, y es tan bueno para parrandear, que incluso hay canciones a las que habría que ponerles al inicio esa advertencia de “el exceso de alcohol es perjudicial para la salud”, como a Calma mi Melancolía o Volví a Llorar (De la que hace poco publicó una versión con Silvestre Dangond como invitado) de verdad, como decía “El Cacique”, son temas “que le hacen a uno pellizcar los ahorros”.“El Jilguero” resuena piezas del calibre de No Voy a Patillal o Ausencia para arrugarse de sentimiento que con el ojo aguado lo ponen a uno a cantar: “no voy a Patillal porque me mata la tristeza” y “Ausencia que me tiene solo que hasta tu recuerdo se aleja de mí”También, cortes sabrosongos para mamar gallo como La Gordita, invención de Leandro que dice: ”Tanto que vaciló la gordita, nada quiso conmigo, ahora le dejo una cancioncita, con esta la castigo” o La Aplanadora con la que la audiencia grita al principio: “Sálvese quien pueda, que ahí viene la aplanadora” y se suelta la brincadera.Con Oñate, puede uno enfiestarse días seguidos, repetir mil veces El Más Fuerte, tramacazo que reza: “Y aquel vallenato viejo, que quiero yo tanto, el que cantó el viejo Alejo, que quiero y que canto yo” y terminar con Te Dedico mis Triunfos a todo volumen y alzando los brazos diciendo: “Te regalo mi canto mi risa y mis alegrías, te regalo mis triunfos, mi alma y la vida mía” ¡Ay hombe!Darle play a esa discografía es toparse de frente con instrumentistas duros del talante de los cajeros Pablo López o Rodolfo Castilla, los bajistas leyendas “Maño” Torres (ya fallecido) o José Vásquez “Quevas”, o en los coros oír al ícono de la música tropical Juan Piña, entre otros.Es poder admirar la nota de una fila de acordeoneros domadores de fuelles, que hacen magia con el instrumento, muchos Reyes, veteranos y jóvenes. Porque después de sus grabaciones con Los Hermanos López, que fueron todo un fenómeno con No Voy a Patillal o El Cantor de Fonseca sonando por todo el país, el cantante siguió trabajando acompañado de diestros del instrumento:Con Emilianito Zuleta de Los Hermanos Zuleta, (con quien en sus veinte y viviendo en Bogotá tuvieron un conjunto para tocarle a políticos y directivos de medios) en una unión fugaz posicionó entre otras, la canción La Parranda y La Mujer. Con el gran Nicolás Elías “Colacho” Mendoza, pegaron éxitos como Ausencia, o Los Dos Amigos, vendieron discos en forma y dieron muchos conciertos. Junto al “Chiche” Martínez, a quien Oñate llegó buscando juventud en el acordeón, logró tremendos hits: Nido de Amor (que cuenta el acordeonero, fue de los cortes que metió el vallenato al interior de Colombia), Oye Tú o Canasta de Ensueños, incluidos en álbumes súper vendedores. Narra Pérez Parodi que “fue el primer cantante al que en esa época le dieron un millón de pesos”.Su unión con el inmortal “Juancho” Rois dejó huella desplegando batazos como Lloraré o Calma Mi Melancolía. Se juntó durante dos etapas con Álvaro López actual Rey de Reyes (hijo de Miguel López de la dinastía López) y tronaron cañonazos tipo Devuélveme mis sentimientos. Forjó, además, su alianza con los prestigiosos “El Cocha” Molina, Julián Rojas, y con jóvenes acordeoneros virtuosos que le inyectaron sangre fresca a su sonido como Cristian Camilo Peña, Fernando Rangel o Javier Matta, y surgieron cortes del voltaje de Los Amaneceres del Valle, El Plan B o El Chacho de la Película, con el mismo objetivo que se trazó el cantante desde sus inicios: enaltecer el vallenato y emparrandar la nación.***Ese largo tramo vallenato y sus proezas musicales le han valido galardones como el Congo de Oro en el Carnaval de Barranquilla. Recuerda el artista siempre en entrevistas que fue memorable la primera vez que lo ganó, en el corazón de los 70, anotando que cuando interpretó No Voy a Patillal, el que cantó la mayoría del tema fue el público, porque estaba pegadísimo. “El Jilguero” siguió su racha entre maicena y marimondas se alzó con varios Congos y en 2014 le fue otorgado el Súper Congo de Oro. Otro de los premios orgullo de Oñate es el Grammy Latino a la Excelencia Musical que obtuvo en 2010. Además de distinciones, los tributos a su figura han sido infaltables.Por nombrar algunos recientes, fue homenajeado en el Festival Francisco El Hombre de 2017 en Riohacha y en diciembre de 2019 en el Festival Nacional de Compositores de Música Vallenata San Juan del Cesar, La Guajira. En 2020 la edición del Festival de La Leyenda Vallenata, que se celebra en Valledupar, había planeado ser en su honor, pero tuvo que aplazarse por la pandemia. A Jorge le han hecho también tributos como el monumento en el Parque Don Alberto en Valledupar. De hecho, en abril del mismo año se anunció que el cantante tendrá su Casa-Museo en su tierra, La Paz.“Michael Jackson era Oñatista”Historias y chistes han circulado desde hace años alrededor de Oñate. Cuentos que llaman “las Oñatadas”, que narran o inventan sus colegas, poniéndole humor imitando su manera de hablar, sus promoción de las almojábanas de La Paz, la avena de Manaure o sus manías, pura vaciladera que se ha hecho popular entre los amantes del vallenato.Famoso es el cuento de que Oñate era la razón por la que Diomedes Díaz no compraba avión, que se originó en una entrevista de Olímpica Stereo y que la gente puso a circular por todo lado.Muy conocida también la historia contada por Poncho Zuleta sobre Jorge Oñate cuando se murió Michael Jackson que narra que El Jilguero lo llamó llorando y decía que Michael era Oñatista, que No Voy a Patillal “era el disco de Michael”, y una serie de apuntes que hicieron reír a sus seguidores.El humor, la gozadera y expresiones particulares han hecho parte de la obra de “El Ruiseñor del Cesar”, populares son los conocidos como “dichos Oñatistas”, que el artista manda en sus canciones y que sus fans repiten. Frases como: “la fama y la plata es como el hambre, va y viene”, “Arrecuesta camión sin freno, cuando va en bajada no lo detiene nadie”, “El que tiene palo da con él o le dan con él”, “Bueno, y quedarán como el burro´e Cándido, recostado al cardón” o “Tigre viejo ronca sentado”, hacen ya parte del folclor vallenato, ese gran patrimonio nacional que Jorge Oñate enriqueció con su voz y micrófono.
Nacido en el municipio La Paz, en el departamento del César, Jorge Oñate es uno de los músicos más importantes que ha dado el género vallenato en Colombia. Estas son 15 canciones esenciales de su carrera como compositor e intérprete.Recomendado | El saludo vallenato no es lo que parece. Un encuentro entre música y crimenOñate ha sido uno de los principales defensores del vallenato clásico. Ese que cuenta historias y se enfoca en darle un sentimiento profundo a las composiciones. (Lean también: Jorge Oñate: la historia de la voz del vallenato)Debutó en 1968 y desde entonces no ha dejado de hacer música, en una entrevista en el marco del Festival de la Leyenda Vallenata se autoproclamó como “el primer cantante de vallenato” e indicó que su impacto en el género fue tan grande que inspiró a otros artistas como Diomedes Díaz o Rafael Orozco.En 2019 visitó la redacción de Shock para promocionar uno de sus lanzamientos musicales y allí reafirmó su compromiso con el género que le ha dado todo en la vida. “Los ritmos extranjeros no son de nosotros, mientras que el vallenato sí, como decía Gabriel García Márquez por eso la UNESCO lo escogió como patrimonio inmaterial. El vallenato que elogia a la mujer y que le canta al padre, la madre, el hijo, el campo, al amigo y el hermano es el que debe prevalecer”, contó Jorge Oñate.En sus primeros 50 años de carrera artística, Jorge Oñate ya había publicado más de 40 producciones discográficas. Su trayectoria es envidiable y por ella ha recibido distinciones importantes como nominaciones a los Premios Latin Grammy.Escogimos 15 canciones que honran el trabajo artístico del músico cesarense.No comprendí tu amorVolví a llorarEl más fuerteMujer marchitaMujer conforme con Emiliano ZuletaTe dedico mis triunfosUna aventura más con Álvaro LópezRuiseñor de mi valle Firi Firi con Silvestre DangondCalma mi melancolíaLa aplanadora con Christian Camilo PeñaNido de amorSe te hizo tarde con Cocha MollinaLucerito Para ver | Silvestre Dangond y su visión del vallenato en la actualidad¡La música nos une!
Un 19 de enero, pero de 1995, ocurrió el trágico accidente que acabó con la vida de Patricia Teherán. La mayor exponente femenina del vallenato falleció a los 26 años, pero su memoria sigue viva en la música colombiana, gracias a su talento y capacidad para ganarse el respeto en un género musical dominado por hombres.“La recuerdo como esa persona desparpajada, alegre, coqueta en tarima, era una mujer muy feliz. Ella irradiaba felicidad, aun si estuviera mal o estuviera sucediéndole alguna cosa, siempre te regalaba una sonrisa. Era inevitable no contagiarse de la sonrisa que te daba, hasta en los malos momentos”, nos cuenta Bau Gutiérrez, una de sus compañeras en Las diosas del vallenato.Bau conoció a Patricia en la audición para ser corista de Las musas del vallenato (primera agrupación en la que estuvo Patricia). “La impresión que me dio fue muy agradable, ella era muy sonriente y fue algo bien bonito, pues nunca me esperaba trabajar en el vallenato. Cuando Patricia se separó de “Chela” Ceballos, su compañera en Las musas del vallenato, llamó a Bau para su nueva agrupación, Las diosas del vallenato.Patricia era conocida por siempre sobrellevar cualquier error en tarima. Según nos cuenta Bau, ella era quien elegía el orden de las canciones y en uno de sus conciertos anunció Todavía por ti, y todos en el escenario esperaban esa canción. Maribel (Cortina, acordeonera) empezó con Todavía por ti, pero Patricia hizo la entrada con otra canción, Volví a fallar. “Nosotros la miramos, per seguimos como si nada. Cuando terminó de cantar nos preguntó por qué la mirábamos así, y al contarle que había pedido Todavía por ti, pero en realidad cantó Volver a fallar, dijo: “Ay, ¿Yo hice eso?" Ni cuenta se dio”.Otro momento que recuerda Bau fue la primera vez que cantó, como cantante, y no como corista, hombro a hombro junto a Patricia. “A ella se le fue la saliva por "la parte diferente" y se quedó seca en tarima. Yo cuando vi que se le salía la lágrima, yo me le metí a cantar la canción Me dejaste sin nada, que era que estaba interpretando en ese momento. Yo seguí cantando, ella siguió haciendo la mímica, y la gente no se dio cuenta de que la que estaba cantando era yo. Aunque hubiera un error en tarima, ella nunca demostraba que estábamos equivocados”.Para Bau, el mayor legado de Patricia fue “el tesón, las ganas de salir adelante. No importa lo que te digan o que no crean en ti, tú debes seguir adelante y luchar por tus sueños". Gracias a ese tesón es que seguimos, y seguiremos recordando a Patricia por muchos años más.
Este 24 de agosto se cumplen 15 años de la muerte de Kaleth Morales, a los 21 años. Aunque su carrera fue corta, el cantante y compositor vallenato oriundo de Valledupar sigue siendo una de las figuras más queridas del género y un punto clave para todo el vallenato que se haría después. Kaleth Morales es considerado “el rey de la nueva ola del vallenato”, pues con su disco La hora de la verdad nos introdujo a un estilo de vallenato más moderno y juvenil que fue un éxito en todo el país y encantó hasta a los más puristas. Kaleth participó en el concierto Nuestra Tierra (su última presentación en vivo), que organizó la emisora La Mega en 2005 e incluía principalmente artistas pop y rock. En ese entonces no era frecuente que un artista vallenato estuviera en esos espacios, pero Kaleth logró ganarse al público. “Kaleth ya estaba haciendo el vallenato de hoy hace 15 años”, explica Karen Lizarazo, cantante vallenata que cita a Kaleth como una de sus principales inspiraciones. Vivo en el limbo es considerada un himno del vallenato de la nueva ola y hoy miles de generaciones la siguen coreando. La canción se grabó en un lapso de ocho horas en los estudios de Stevenson Arnedo, en Cartagena. “Empezamos a las ocho de la noche y terminamos a las cuatro de la madrugada. A las siete de la mañana ya estaba sonando en la radio, fue una locura porque decidimos hacerla por un solo canal y el cajero (Álex Caja) no agarraba los cortes, por lo que debíamos parar y arrancar de cero tras cada error. Eso puso de mal humor a Kaleth que era un ‘fósforo’, pero finalmente la sacamos adelante”, contó a El Heraldo el acordeonista Andrés Herrera. “Hay un dato que pocos saben y es que los compases del trabalenguas de Vivo en el limbo están inspirados en el tema Pero qué necesidad de Juan Gabriel, eso fue una genialidad de Kaleth”, agrega Herrera. Kaleth en algún momento pensó ofrecerle la canción al grupo cartagenero Latin Dreams, pero decidió quedársela al ver el gran éxito que tenía cuando la tocaba con su grupo Los Muchachones. Latin Dreams hizo su versión y hoy, otros artistas como Nicky Jam o Salserín también han hecho covers de ella. Con motivo del aniversario de muerte de Kaleth, se lanzó una nueva versión de Vivo en el limbo, a cargo de Los Muchachones, JuanK Ricardo (su último acordeonero), el vallenatero Rafa Pérez, el salsero Danny Daniel y la champeta de Bazurto All Star. Un homenaje a una figura del vallenato que nos dejó antes de tiempo.
El vallenato, como muchos otros géneros musicales, ha sido acusado de machista y son pocas sus exponentes femeninas. Por fortuna esto ha estado cambiando en los últimos años gracias a propuestas como la de Karen Lizarazo. Oriunda de Aguachica, Cesar, Karen ha logrado consolidarse como una de las propuestas más destacadas del nuevo vallenato en Colombia. Hace unas semanas lanzó la primera parte de su álbum Voz de mujer, su disco debut con el que deja su nombre en la no muy amplia lista de intérpretes femeninas de vallenato. Karen se presenta el próximo 20 de julio en el concierto virtual Colombia Crea Talento, del Ministerio de Cultura. Hablamos con ella. Cuando empezaste, ¿Había muchas más mujeres en el vallenato? Definitivamente la mujer en el vallenato se impone desde Patricia Teherán. Soy orgullosamente abogada pero feliz artista vallenata. Luego de Patricia Teherán y Adriana Lucía en los 90, el vallenato cantado por mujeres quedó solo, quedó un hueco. El género estaba liderado por hombres hasta hace unos años, en los que las mujeres empezarona llegar, no solo como cantantes, sino como acordeoneras, cajeras, guacharaqueras, compositoras y productoras. Soy de Auguachica, pero me mudé a Bucaramanga a estudiar y ahí empecé a cantar vallenato. Fui una de las primeras de esta época junto con Margarita Doria y Jadith Muegues. Hay muchas mujeres que cantan solo guitarrista y yo me arriesgué a cantar con un grupo de solo hombres, porque se pensaba que cuando la mujer era la cantante, el grupo tenía que ser femenino como en la época de Patricia Teherán. También hay músicos machistas que no tocan si la cantante es mujer. Por fortuna, no ha sido mi caso. ¿Cómo recibió el público una propusta femenina de valenato? Algunos quedaron en shock, “¿Cómo así que una mujer cantando vallenato?”, y a otros les causaba admiración y les parecía chévere. Otros decían “yo no voy pa’ esa, no me imagino tomando o bailando si es una mujer la que está cantando, prefiero quedarme con Silvestre Dangond, Diomedes Diaz, Poncho Zuleta”. Era complicado al comienzo, pero me empezó a funcionar la cosa, entonces eso hizo que muchos se animaran. Yo veía que a muchas mujeres no les funcionaba, muchas tiraban la toalla y se rendían. Siento que cuando a mí me empezó a funcionar ya muchas más salierona delante, y hoy creo que somos unas 30 mujeres que hacemos vallenato a nivel nacional. ¿Te han menospreciado por ser mujer? Sí, claro. Gracias a Dios, he contado con la fortuna de que mi familia ha sido muy fuerte, y siempre me han enseñado que, ante los comentarios, lo mejor es sacar lo positivo y salir adelante. Desde muy chiquitos nos metieron el chip de que nadie puede hacerte daño solo con por un comentario negativo. Por eso es que hoy estoy aquí diciendo “lo estoy logrando y voy para adelante”. Desde mi casa me han dicho siempre no hay que tirar la toalla. Una vez en una discoteca me empezaron a gritar: “que cante un macho”, “¿cómo así que va a cantar una vieja?”, “Devuélvanme la plata del cover”, “cómo así que yo vine a escuchar a una mujer”. Eso me hizo super fuerte nunca se me va a olvidar. Pude haberme retirado, pero tomé la decisión más difícil, que fue seguir, y en ese momento dije, “voy a dar el mejor concierto" y lo hice. Al final la gente me aplaudió, sudé, bailé, brinqué, me emborraché, fue una de mis mejores parrandas, me preguntaban cuándo volvía a cantar y el que hizo los comentarios al final me pidió una foto. Quiero que quienes vean esta entrevista entiendan que no es fácil, pero muy divertido al final decir “lo logré”. Perro infiel es una canción tuya que habla sobre las relaciones tóxicas y conflictivas ¿Cómo llegaste a ella? Yo no compongo muy seguido y cuando lo hago es porque me llega de repente la inspiración. Con Perro infiel estábamos en una presentación en Santa Marta. Todo iba a bien, cuando se acercó un señor y me pidió una foto. La esposa venía detrás y le dijo “¿Estás muy enamorado de ella o qué?”. Él le levantó la mano y le dijo “tú te vas para la casa” y ella se puso a llorar y se fue para la casa. La humilló terrible y yo le dije “respeta”. En el viaje de Santa Marta a Valledupar hice la letra y tan pronto llegué fui al estudio y la grabamos de una vez para exteriorizar todo eso que yo venía sintiendo. Si hubiera dejado pasar, no hubiera sido una canción con tanto sentimiento. La hice desde el corazón y me pareció que era una forma de expresarse y liberarse para muchas mujeres, veo que cuanto la canto muchas la graban y la dedican. Me han dicho que le haga remix con popular, pero solo así ha sido un hit. De eso se trataba, de que la canción fuera una forma de desahogarse. Has citado a Kaleth Morales como una gran inspiración. ¿Por qué fue tan importante para ti? Yo llegué al vallenato gracias a Kaleth Morales. Mi mamá es fan de Beto Zabaleta, mi papá era diomedista, a mí me gustaba, lo veía muy chévere, pero nunca pensé que iba a hacer vallenato. Siempre tuve claro que me gustaba la música pero no pensaba dedicarme a ella. Eso hasta que fui a una presentación de mi pueblo, me costó 2000 pesos, era un concierto de Kaleth Morales. Él por esos días había sacado el disco Vivo el limbo. Ese fue un éxito porque él propuso algo diferente para el vallenato, lo escuché y me encantó. Antes de eso yo estaba un 60% segura de hacer vallenato pero cuando lo vi en vivo quedé en un 500%. Luego indagué más sobre quién era él y todas sus presentaciones eran así, todas eran buenas, era pura corazón ese hombre. Ahí aprendí que el artista es quien interpreta. No es solamente decir “yo no sé qué me pasa” con una voz, linda, es sonreír, y exteriorizarlo. Él logró eso en mí ese día. Yo le estaba creyendo el cuento y ahí dije “quiero hacer vallenato, contra viento y marea voy para adelante”. Tenía 14 años, sabía que me iba a enfrentar al machismo. Yo sabía y quise hacerlo y quería que una mujer transmitiera lo que él estaba transmitiendo y llegarle al corazón a mucha gente. Él estaba mostrando un vallenato del 2020 hace 15 años. Él ya estaba mostrando un vallenato de ahora hace mucho y por eso me enamoré del vallenato. Así como me pasó a mí con Kaleth, hoy quiero que personas jóvenes me escuchen y digan “me enamoré del vallenato gracias a Karen Lizarazo”. ¿Cómo cambiar la opinión de quienes les gusta el vallenato, pero son reacios a escuchar nuevas propuestas? Yo vivo en Bogotá y a la gente le gusta mucho Diomedes, Rafael Orozco, y el vallenato romántico. Hay grupos que piensan que para modernizar el vallenato hay que hacerlo mucho más rápido, escandaloso, entonces, si tú le muestras a alguien de Bogotá un vallenato muy rápido y luego algo romántico, obviamente vn a preferir lo segundo. Pero yo pienso que si tú haces un vallenato muy bien hecho, que sepa a provincia, a rio Magdalena, a rio Guatapurí, que también tenga una buena mezcla, y que la letra y los arreglos sepan a vallenato clásico, se puede lograr. Si te vas al extremo de un vallenato muy moderno con cosas que no combinan, eso le molesta a la gente y ahí es cuando dice “eso no es vallenato”. Pienso que ese ha sido nuestro gol y lo que ha hecho que nuestra música guste, tanto en el interior como en la costa. Respetamos mucho los patrones vallenatos y los aterrizamos a un sonido de 2020. Por ahí se pueden lograr muchas cosas. Hiciste una colaboración con Eddie Herrera, ¿Qué opinas de la mezcla de géneros en el vallenato? Super buena, mientras se mantenga el sabor vallenato. Quisimos hacer un remix con Eddie herrera, porque la versión vallenata gustó y quisimos darle el color para gente que es muy rumbera y quedó espectacular, funcionó muchísimo. Las cosas cuando se hacen bien, le gustan a la gente.
“Un grande nubarrón se alza en el cielo, ya se aproxima una fuerte tormenta”, con esa frase del hit La creciente del Binomio de Oro, uno ya está emparrandado mentalmente. Viene inserta en el chip de todos, de vallenateros, salseros, raperos, rockeros, o guaracheros nacionales, aunque algunos lo disimulen y lo nieguen. Por Jenny Cifuentes // @Jenny_Cifu El Binomio de Oro se armó a mediados de los 70 cuando el tremendo cantante Rafael Orozco (el man bacano del bigote, el lunar, y las pintas de soldado de plomo en los 80) se conoció en una fiesta con el virtuoso acordeonero Israel Romero, conocido como “El Pollo Isra” (quien entre otras, en el 88 en Alemania se alzó como el mejor acordeonero del mundo, y a quien hace casi una década la casa de instrumentos Hohner le fabricó una línea de instrumentos en su honor). Juntos, y rodeados de un combo de brillantes músicos, como el bajista José Vásquez “Quevaz” o “El Papa” Luis Ángel Pastor -bajista de La Provincia-, escribieron un gran capítulo del vallenato. El grupo, en su primera etapa, marcó un nuevo sonido, fue como un puente entre las nuevas generaciones y el vallenato tradicional. Grabaron canciones con bellas letras, inspiración de grandes compositores, y también temas sabrosos de alto voltaje que hacían bailar hasta al más tieso. Quisieron innovar, fueron revolucionarios, experimentaron con teclados, cuerdas, baterías electrónicas, pero mantuvieron la esencia del vallenato. Así, con un estilo original, contagiaron no solo el Caribe sino las demás regiones del país que traqueaban cortes como Dime pajarito o La gustadera. Y explotó la Binomiomanía. Buscaron ser transgresores en el género no solo con su música, sino también con su imagen en los shows: acudieron a vestuario llamativo (muy influenciados por la estética de orquestas como Los Hermanos Rosario, Wilfrido Vargas o El Gran Combo), y montaron coreografías con pasos inventados por Rafa o ayudados por coreógrafas de comparsas barranquilleras. Trabajaron por salir y lograron su objetivo. El Binomio conquistó público en Panamá, Ecuador, Perú, Argentina, y Venezuela, donde arrasaron en los 80. Hicieron la canción Caracas, Caracas, ganaron premios y hubo allí hasta un dramatizado de televisión en homenaje a ellos. Fue la época en que El higuerón se volvió éxito, y se la gente se emparrandaba con él hasta el techo. A punta de Binomio, en el 87, el vallenato tronó en el Madison Square Garden de Nueva York. Latinos y gringos gritaron "huepajé". Su música se expandió. Inclusive, iniciando en los 90 grabaron con Wilfrido Vargas el corte América en Carnaval. Su estantería lucía entre muchos premios, varios Congos de Oro que ganaron en el Festival de Orquestas del Carnaval de Barranquilla, y numerosos discos de oro y platino obtenidos por ventas de sus placas. Provocaban euforia. Una vez, al ganar su segundo Congo de Oro, el Coliseo de Barranquilla casi se cae -de verdad, la estructura del lugar se sacudió al límite-, pidiendo que los músicos volvieran a escena a interpretar el batatazo Qué será de mí; el que dice: “yo no sé, qué pasará, ay amor si tú no estás”. Lamentablemente esas páginas alegres y gloriosas del vallenato se tiñeron de luto cuando Rafael Orozco fue asesinado el 11 de junio de 1992 a los 38 años. Tras el duro golpe, Israel Romero siguió guerreando con su grupo. Lo convirtió en El Binomio de Oro de América y fue reclutando talentosos artistas jóvenes, y volviendo sólido su proyecto que exhibía más de un cantante. El Binomio de Oro de América Al Binomio de Oro de América le dicen "la Universidad del Vallenato", ha sido escuela de cantantes que juiciosos han hecho la tarea, se han graduado y han salido a formar sus agrupaciones, entre ellos Gaby García, que fue el primer “reemplazo” de Orozco. Su buscado parecido con él no fue muy bien recibido en algunos sectores. También llegó Richard Salcedo, la voz de Oye mami qué pasó, tema que marcaba una tendencia muy diferente al Binomio pasado. Jean Carlo Centeno y Jorge Celedón grabaron a dúo el famoso Un osito dormilón, con el que hemos gozado, mamado gallo hasta el cansancio y esperado para corear: “Uuun osito dormilón le regalééé”, y también se unieron para interpretar el popular tema Olvídala. Este último fue usado en Argentina en 2011 por la marca de jugos BC para un comercial de exprimidores, que sonaba la versión que hizo la agrupación de cumbia Los Palmeras y mostraba en la pantalla, exprimidores en terapia psicológica cantando Olvídala: El público de Los Palmeras quedó tan emocionado con la canción que la banda publicó este año una nueva versión invitando al cantante Axel. Jean Carlo y Celedón tienen ahora carreras fructíferas, pero siguen queriendo al Binomio. A inicios de este año en la Arena Monterrey, México, ambos fueron protagonistas de un “reencuentro” junto a la actual alineación -engrosada además por el hijo de Israel Romero- y otros exponentes de una nueva generación. Por las filas binomistas además han pasado Alejandro Palacio, quien interpretó Niña Bonita también al lado de Jean Carlo Centeno, Didier Moreno, Orlando Acosta o Dubán Bayona, intérprete de la sonada Me sobran las palabras. El "Pollo Isra", luego de la cumbre con Rafael Orozco, ha seguido enrumbando su agrupación hacia la conquista de públicos diversos. Algunos critican el estilo que adoptó calificándolo como “vallenato llorón”, pero la verdad es que continúa calando en muchas audiencias. Su ritmo no da tregua. En 2006 y 2007 el Binomio de Oro de América fue nominado en los Grammy Latino en la categoría Cumbia-Vallenato. La publicación de discos no para: hace unos meses lanzaron el sencillo La promesa, con corte un tanto baladezco, adelantando su nueva producción. Este año han estado dando shows en Ecuador, Chile, Estados Unidos, y pronto pondrán las agujas en el rojo en el Estéreo Picnic. Esa será la oportunidad de que los “Binomistas” saquen la casta y con el frío que hace, bailen pegado, ojalá éxitos parte del repertorio del Binomio viejo; esos que lo hacen a uno beberse una plata ajena a la madrugada de la talla de Sombra perdida o las infaltables La creciente y Qué será de mí; y los que vinieron después, que son los de siempre de las playlist, tipo Olvídala, que se cantan a grito herido cuando la fiesta arde abrazados con los amigos. El Binomio de Oro de América en el Estéreo Picnic es para gozar, para poder gritar como lo hacía Rafa y lo hacen ahora los nuevos: "¡Reeepítemelo Pollo Isra! ¡Ay hombe!" Porque bien lo recalca la canción: “la parranda es pa amanecé, el que se duerma lo motilamos”.
Gusi ha estado metido en el estudio a lo largo de varios meses buscando el sonido que quiere dar a conocer en su próximo álbum. En medio de esa búsqueda decidió reversionar el clásico ‘Indira’, original de los Hermanos Zuleta, e invitó a Carlos Vives para que el tema tuviera mayor fuerza y llegara a más personas. En ese orden de ideas, hacer esta canción es volver de cierta manera a la raíz del vallenato, pero otorgándole una vibra y sonidos más actuales (y urbanos). El vallenato, la caja y la guacharaca siguen presentes en la música de Gusi, quien ha experimentado con géneros como el pop latino, la bachata y el tropipop. Así se dio la colaboración: "Todo partió del encuentro entre Gusi y Carlos Vives, hace un año largo, en el Festival de la Leyenda Vallenata. Una propuesta de colegas y admiración de Gusi hacia su ídolo musical y otra, una contra propuesta de Vives para regresar a los clásicos. De ahí en adelante comenzó la pre producción en Gaira Studios, ideas que surgieron no solo para la canción y el video, sino para toda la campaña de expectativa bajo el lema “regresan los clásicos”. “Hacer este dueto junto a Carlos, es muy emocionante… En Indira, que es el clásico que estamos presentando, usamos los instrumentos que identifican el sonido de Carlos Vives y La Provincia y el mío, ya que él es uno de mis grandes referentes musicales. Así que con esta canción marcaremos un nuevo comienzo porque Indira representa no sólo un momento, sino un nuevo despertar y, a la vez, es un homenaje a esos patrones musicales que hacen que nuestra música sea única”; comentó Gusi. Vallenato 2019, ¿les gusta cómo suena? #LaMúsicaNosUne
Estamos a poco de que empiecen los meses terminados en ‘bre’ y eso solo quiere decir una cosa: EN POCOS MESES SERÁ 2020 Y NO ESTAMOS PREPARADOS PARA ESO. Para lo que sí estamos listos es para empezar a seleccionar las canciones que definieron los sonidos del presente año y nos queda claro que todos los géneros musicales colombianos van a tener una gran representación. Por lo pronto, como todas las semanas, seguimos reseñando esas nuevas canciones que buscan impactar la vida de una o cien personas. Recuerde que tenemos un especial completamente dedicado a los nuevos discos colombianos. Cobarde - Diana Burco ¿Quién está detrás? La cantautora Diana Burco estudia música en la Javeriana, pero desde que lanzó su primer disco homónimo le ha dado un nuevo aire al género vallenato y a las músicas tradicionales de la costa caribe. Su disco de 2018 recibió una nominación al Latin Grammy y ha hecho que su labor como artista tenga mucho más peso dentro de la industria musical colombiana. Cobarde, su nuevo tema, abre una nueva era musical en la que se exploran nuevos sonidos y formas de componer letras. El productor de la canción es el percusionista Dany Garces. ¿De qué trata? El tema trata de lo cobardes que son las personas al callar las cosas que sienten, al no mirar a los ojos, ¿al tener miedo de arriesgarse? Con esta canción Diana Burco quiere transmitir la libertad de poder decir lo que el corazón quiere gritar. ¿A qué suena? Suena a cumbia sabanera, a cumbia de acordeón y es el lamento de una cantaora como Diana en la nueva era. ¿Cuándo escucharla? Cuando se quiera soltar algo y tengan un nudo enorme en la garganta Recomendado: El papel de la mujer en géneros tradicionales como la cumbia o el vallenato #LaMúsicaNosUne
“Lollapalooza se fundó con base en la diversidad, la inclusión, el respeto y el amor. Con eso en mente, DaBaby ya no actuará en Grant Park esta noche. La actuación de Young Thug ahora tendrá lugar a las 9:00 pm en el Bud Light Seltzer Stage, y G Herbo actuará a las 4:00 pm en el T-Mobile Stage”. Así anunció el festival su rechazo a los comentarios de DaBaby. La semana pasada, durante una actuación en el festival Rolling Loud de Miami, el cantante originario de Ohio lanzó una serie de comentarios despectivos sobre los hombres homosexuales, el VIH y el SIDA. Se disculpó, pero empeoró las cosas, lanzando un video donde usaba nuevamente el SIDA como un insulto.Durante un concierto presencial el rapero hizo una pausa para analizar los ánimos del público. Todo parecía normal hasta que dijo: “enciendan la luz de su celular si no se están aquí con VIH, SIDA u otras de esas enfermedades de transmisión sexual que hacen que te mueras en dos o tres semanas (...) chicas, si su vagina huele a agua, enciendan la luz del celular; chicos, si no chupan pene en los parqueaderos, enciendan la luz del celular”.El momento se viralizó rápidamente en internet y los comentarios de desaprobación a sus declaraciones lo llevaron a ser tendencia, especialmente porque ha colaborado con cantantes femeninas que son íconos para la comunidad LGBTIQ+.Los comentarios homofóbicos provocaron reacciones violentas en la industria, y varios artistas se pronunciaron. Anitta, Demi Lovato, Elton John y Dua Lipa, quien colaboró con el rapero en un remix de su canción Levitating. Madonna publicó en su Instagram: “Un mensaje para DaBaby: si va a hacer comentarios llenos de odio a la comunidad LGBTQ + sobre el VIH / SIDA, es mejor que conozca sus datos:Después de décadas de investigación científica ganada con esfuerzo, ahora hay medicamentos que salvan vidas disponibles para los niños que nacen con el VIH, para las personas que contraen el VIH a través de transfusiones de sangre, agujas sucias o intercambio de fluidos corporales. ¡Estos nuevos ARV pueden mantener viva a una persona con SIDA por el resto de su vida! El SIDA no se transmite estando al lado de alguien en una multitud.Quiero encender mi celular y rezar por tu ignorancia, ya nadie muere de SIDA en 2 o 3 semanas. Gracias a Dios. Y tus comentarios sexistas sobre las mujeres cuyos vaginas necesitan oler a agua solo fomentan una mayor discriminación contra las mujeres que luchan a diario contra la opresión de vivir bajo las limitaciones de la mirada masculina.Las personas como tú son la razón por la que todavía vivimos en un mundo dividido por el miedo. Todos los seres humanos deben ser tratados con dignidad y respeto independientemente de su raza, género, preferencia sexual o creencias religiosas. AMÉN”.
La Media Torta es uno de los escenarios más diversos de la capital colombiana, por su tarima han pasado expresiones artísticas y culturales que han marcado generaciones que reúnen el imaginario cultural bogotano.Este año para su aniversario 83, el Teatro Al Aire libre La Media Torta celebrará su cumpleaños con una gran programación donde los sonidos tradicionales colombianos con nuevas mezclas sonoras y rítmicas serán los protagonistas. Los invitados a esta gran celebración son Guetto Kumbé y Phonoclorica. La entrada será libre hasta completar aforo.En sus inicios la programación de La Media Torta buscaba ser pedagógica, educar al pueblo con conferencias, sinfonías y diferentes variaciones de la música clásica. Fue en las décadas de 1950 y 1960, cuando los habitantes de la zona pidieron canciones del pueblo y, gracias al auge del cine mexicano, las rancheras llegaron al escenario en voces de artistas como Miguel Aceves Mejía, Antonio Aguilar, Pedro Vargas y María Félix. Hasta los setentas, La Media Torta fue el escenario predilecto y de esparcimiento para las clases obreras.A finales de 1970, este escenario presentó a reconocidos artistas internacionales. Durante la administración de Hernando Durán Dussán, se firmó el Decreto 0974, que obligaba a la presentación gratuita de artistas internacionales en el escenario. De este paso obligado por la Media Torta fueron protagonistas Armando Manzanero, Sandro, Celia Cruz, Mercedes Sosa, Leonardo González, Nelson Ned, Raphael y Leonardo Favio.Después de esto, La Media Torta entró en un largo período de crisis, inseguridad, cierres (en 1974) y deterioro de su planta física. En 1978 se conformó el Instituto Distrital de Cultura y Turismo que replanteó la programación y remodeló en 1981 las instalaciones, con lo que aumentó la capacidad de 3.000 a 7.000 espectadores.En 1995, entre el 25 y 26 de mayo, tendría lugar la primera edición de Rock al Parque en la Media Torta, festival que albergó es su primera edición 43 bandas nacionales, entre las que se destacaban agrupaciones que aún continúan vigentes como Aterciopelados y 1.280 Almas. La Media Torta también acogió los inicios de festivales como Jazz al Parque, Rap al Parque, Festival de Música Colombiana y el Festival niños y niñas al parque.La lista de artistas y celebraciones que se han llevado a cabo en este escenario es bastante amplia, por eso nos unimos a esta importante celebración. ¡Feliz cumpleaños 83 Media Torta!
Una de las instituciones de ballet folclórico más importante del país cumple 60 años. El Ballet de Colombia está listo para celebrar con los capitalinos este aniversario dedicado a su creadora Sonia Osorio.Un recorrido musical por las regiones del país, con un vestuario espectacular y los bailarines insignes de la compañía, llevarán al público a un viaje musical durante dos noches de celebración, el viernes 6 y el sábado 7 de agosto en el escenario del Teatro Jorge Eliécer Gaitán. El aforo presencial será limitado para las dos funciones, y el día 7, simultáneamente habrá transmisión vía Live Stream para todo el mundo a través de la plataforma, Tu Boleta Play.Son 60 años de recorrer los escenarios más importantes del mundo, con el legado de una de las gestoras culturales más importantes de nuestro país, la legendaria, Sonia Osorio, alma y nervio de la compañía por más de 50 años.Medio centenar de artistas en escena, entre bailarines y músicos en vivo le darán vida a un espectáculo con repertorios de gran exigencia escénica, con el fin de mostrar la riqueza cultural, la fuerza y la pasión de los colombianos.Haber logrado la mezcla perfecta entre la pureza del folclor y la sofisticación de las danzas modernas, le ha permitido al Ballet participar en los más importantes festivales de danza, y presentarse siempre triunfante en los más reconocidos escenarios a nivel mundial, obteniendo ovaciones, primeros premios y galardones.El Ballet Nacional un Legado de Sonia Osorio, ha bailado en los mejores teatros de París, Tokio, Berlín, Washington, New York, Chicago, Miami, Budapest, Moscú, Varsovia, Belgrado, Roma, México, Buenos Aires, São Paulo, Santiago de Chile, Lima, Quito, Santo Domingo, Puerto Rico, Panamá, Bruselas, Tel Aviv, Jordania, Egipto, Montecarlo, Hollywood, Madrid, Beijing, entre otros.El Ballet Nacional de Colombia, un legado de Sonia Osorio, hoy está bajo la dirección de Silvana Obregón Osorio hija de Sonia Osorio y de su nieto Martín Viera Obregón quienes continuarán con el concepto artístico, la escuela y el estilo que lo has hecho únicos en el mundo.
A pesar de que la pandemia paralizó al sector musical, sirvió como catapulta para muchos artistas que decidieron arriesgarse y enfrentar creativamente aquel panorama desolador de inicios del 2020. En Perú, dos experimentadas artistas sonoras le dieron vida a Silveria, un prometedor proyecto musical que ahora nos presenta Volver, su sencillo debut.Integrado por Noelia Cabrera (voz y líder de Kusama y Blue Velvet) en las voces y bajos y Natalia Vajda (guitarrista Mercury Toys y directora de Warmi Rock Camp) en las guitarras, la propuesta de Silveria mezcla elementos del new wave, postpunk, electrónica y rock alternativo con matices pop que invitan al baile.Volver plantea representar, a través de sus líricas, la partida del ser humano en el plano terrenal y su eterna presencia viviente en el recuerdo. Es una canción con cierta carga melancólica que nos invita a la reflexión, sobre todo en tiempos inciertos como los que vivimos. Así mismo, la canción cuenta con un fashion film en el que reforzaron el concepto artístico con flores intervenidas manualmente y maquillaje avant-garde, estos representan el lado femenino y elegante de Silveria a nivel visual.“Volver es el primer single de 3 sencillos que planeamos sacar en el 2021. Cada single contará con una sofisticada temática y propuesta audiovisual de editorial avant-garde distinta, planeando asimismo cada single con el acompañamiento de un video”, comenta la banda respecto al single.En cuanto a su sonoridad, la canción lleva un beat en onda new wave, con cajas de ritmos que por momentos nos invitan al techno. Las guitarras arman riffs y melodías envueltas en capas de delays, chorus y distorsiones junto a los sintetizadores. Todos estos sonidos arman las bases para las voces en distintas tonalidades que construyen armonías tejiendo las texturas sonoras y líricas que acompañan el manifiesto del viaje terrenal hacia el plano astral.
El afrofuturismo es, sin duda, una de las revoluciones sociales y estéticas más prominentes de los últimos tiempos. Una movida que plantea disolver los límites estilísticos para reivindicar lo afro. Para la muestra estas tres animaciones japonesas basadas en la estética afrofuturista. Por David Luján Shedda | @davidlujanshedaEn 2003 James Spooner dirigió la película documental AFROPUNK - "The Rock and Roll Nigger Experience", que exploraba las visiones y problemáticas de músicos y fanáticos de la escena punk norteamericana sobre la etnicidad, la clase y los asuntos raciales. Todos profesaban la identidad anárquica de la escena punk, en la que los afrodescendientes son minoría. Destaparon los roces entre los núcleos minoritarios dentro de las comunidades alternativas. Dos años después, Spooner y Matthew Morgan fundaron la plataforma Afropunk, reconocida mundialmente por su festival musical itinerante que amplió los márgenes de la escena del punk rock afro de Los Ángeles y Nueva York hacia diferentes ciudades del mundo, e incluyó otras músicas como el neo-soul y el hip hop, e incorporó en sus banderas la lucha contra la homofobia, la gordofobia y el racismo.Casos como el de Afropunk plantean lugares expresivos de libertad y reivindicación de las clases populares a través de una producción estética afro sin márgenes estilísticos concretos. Una apuesta que puede enmarcarse dentro del concepto de afrofuturismo, que se ha aplicado también al mundo audiovisual y que abarca un conjunto heterogéneo de reivindicaciones, identidades rebeldes y expresiones artísticas desprendidas de una tradición anclada al territorio. Para aprender más recomendamos leer | Afrofuturismo: la revolución cultural que se viene detrás de Pantera NegraComo campo estético, el afrofuturismo es un campo alternativo. Incluye diversas visiones artísticas no solo musicales o cinematográficas, sino también identidades sexuales, activismo social y posturas políticas paralelas al movimiento Black Lives Matter. Entre esos cruces artísticos, producto del afrofuturismo, aparecen estas tres animaciones japonesas que han sido protagonizadas y musicalizadas por personajes afro. Afro SamuraiAfro Samurai (2007-2009), originalmente un manga creado por Takashi Okazaki, es un proyecto que cuenta con dos entregas: una serie de una temporada con cinco capítulos y una película titulada Resurrección, que fue llevada al anime por estudio Gonzo.La serie está ambientada en un Japón futurista y postapocalíptico. Samuel Jackson hace la voz en el papel principal en una historia que conjuga las artes marciales con la historia del guerrero samurái Afro, quien busca vengarse del hombre que asesinó a sangre fría a su padre Rokutaru, uno de los mejores guerreros y quien poseía en su cabeza el cinto del guerrero número uno.La música, en sus dos entregas, es conducida por el veterano Rza, miembro de Wu Tang Clan. Tiene, de hecho, dos álbumes extensos acompañados de diferentes artistas invitados como Talib Kweli, GZA, Method Man, Kool G. Rap, Q-Tip, Big Daddy Kane y demás afiliados al Clan.Ambos discos recrean un estilo de cierto tipo de hip hop oriental bajo la mística del Wu y el kung-fu lírico que históricamente han profesado en sus canciones.Esta serie presenta el inicio de una vertiente en el anime que centra su argumento en recrear la vida de un personaje extranjero en una sociedad bélica. Aunque Rza afianza el estilo musical presentado previamente en Kill Bill, el giro hacia un personaje protagónico llamado enfáticamente Afro, crea un puente intercultural que provoca una ruptura con la tradición oriental del anime convencional.Por otra parte, es el hip hop el encargado de transmitir la fuerza necesaria para complementar el despliegue sanguinario de la serie.¿Dónde ver Afro Samurai? Actualmente no se encuentra disponible en ningún servicio de streaming, aunque han publicado algunos de los capítulos en YouTube. YasukeLa exitosa serie Yasuke (2021) es una apuesta japonés-estadounidense de Netflix. Fue creada por el multifacético LeSean Thomas, y cuenta con LaKeith Stanfield, quien da vida a la voz principal del proyecto.El anime se basa en la increíble historia real de un barquero que llegó a Kioto (Japón) en el siglo XVI y pasó a ser el primer guerrero samurái extranjero del cual se tenga noticia. Al lado del señor feudal Oda Nobunaga, Yasuke llegó a los campos de batalla dominando el japonés con fluidez, y llamando la atención por donde pasara. Así lo relata el escritor franco-marfileño Serge Bilé en su libro biográfico sobre Yasuke. La historia central de la serie relata la misión que emprende Yasuke por proteger a una niña con súper poderes. Animada por el estudio japonés MAPPA, la estética de la serie recrea personajes místicos envueltos en luchas a muerte en escenarios oníricos donde se despliegan intensas batallas y diálogos exuberantes. La ciencia ficción y esta historia fantástica se conjugan de manera inquietante en lo que parece ser una versión del Japón medieval en un universo paralelo.La banda sonora está a cargo del angelino Flying Lotus, un conocido vanguardista de la escena del hip hop, la electrónica y el jazz fusión, quien ahora es, sin duda, un referente sólido del mundo del anime.Mediante una estética cyberpunk decididamente afro, Flying retoma con delicadeza la producción artística sonora japonesa de finales de los ochenta y comienzos de los noventa.El tema principal de la serie, Black Gold, es presentado por el brillante Thundercat en la parte vocal y Lotus en la música, trayendo cierta nostalgia a partir de brasses o vientos electrónicos propios de sintetizadores modulados de manera retro, instrumentos musicales de percusión de madera y baterías minimalistas que evocan los clásicos del anime japonés.Flying impregna la banda sonora, además, con los hoy usuales ritmos de baterías 808 del trap. Incluye una colaboración, como es habitual en su discografía, con Denzel Curry en la canción African Samurai, una pieza minimalista desarrollada sobre una base drumless o sin batería, característica del hip hop moderno en su última versión, apoyada en coros onomatopéyicos que recuerdan el estilo clásico de los cantos responsoriales africanos.Blade Runner Black Out 2022Blade Runner Black Out 2022 (2017) es un corto de anime cyberpunk tech-noir dirigido por el respetado Shinichiro Watanabe inmortalizado por su trabajo en el anime de culto Cowboy Bebop. La entrega es una precuela de la película Blade Runner 2049 (2017) dirigida por Denis Villeneuve y forma parte de la clásica historia Blade Runner (1982) dirigida por Ridley Scott.Este corto es animado por Sola Digital Arts y llena el vacío que dejó el desarrollo de la historia futurista inicial, de ahí que su título retome la fecha del año 2022. Explica el apagón que tuvo lugar en la costa oeste de Estados Unidos en aquel año, cuando los humanos y los replicantes del modelo Nexus 8 continúan en un conflicto que incluye varios asesinatos por parte de la secta Supremacía Humana.En la trama los dos personajes centrales se confabulan para tumbar la energía de Los Ángeles, como parte de una acción del Movimiento Libertad Replicante, para bloquear el futuro accionar humano y borrar su memoria.La banda sonora del proyecto fue realizada, también, por un Flying Lotus con una visión musical del sci-fi impecable. El estilo musical mutante de Flying se torna introspectivo, logrando una asociación íntima con el despliegue filosófico de la obra. Pretende, quizá, presentar a los humanos como una especie asesina de todo aquello que no puede controlar a su antojo.A partir de sintetizadores y síntesis computacionales, el músico crea atmósferas futuristas. Aunque hay rasgos musicales similares en el catálogo sonoro de Flying, la banda sonora logra encapsular la ecuanimidad emocional de los replicantes, un rasgo característico de la historia.Los tres trabajos logran captar la experiencia de creadores afrodescendientes en el mundo del anime, centrando el foco en romper el canon musical y literario de la industria; en una expresividad rebelde y contestaría que concibe la cultura punk más allá de ser un estilo musical juvenil.
