En esta nueva entrega del Panorama musical de marzo de 2024, curado por los medios que integran la Alianza Faro, hay jazz, synth pop, amapiano, afrobeats, pop-rock y psicodelia alucinógena. Les presentamos a 8 agrupaciones con lanzamientos recientes y, además, como cada mes, una playlist con nuestras canciones favoritas. Acá pueden escuchar la playlist actualizada del Panorama de marzo en Faro. ArgentinaMaquillada en la cama – Juliana GattasPor Juampa Barbero de Indie HoyMaquillada en la cama, el primer álbum solista de Juliana Gattas, nos adentra en un universo de glamour y excentricidad.La cantante de Miranda! recorre una amplia gama de géneros, desde el electrodance, el synth pop y algunos guiños al jazz, para develar su versatilidad y carisma camaleónico.A través de cada canción, Gattas da vida a diversos personajes y estados de ánimo, canalizando sus experiencias personales con un toque de humor e ironía, combinando la euforia del baile con la melancolía del corazón roto.La argentina se luce en tracks como "Borracha en un baño ajeno" y "Maquillada en la cama" -los primeros adelantos del disco-, donde su habilidad interpretativa brilla al encarnar a una diva que vive en el filo entre lo absurdo y lo sublime. La producción en manos del chileno Alex Anwandter evoca una estética retro y moderna a la vez en un puñado de canciones llenas de elegantes arreglos de cuerdas, sintetizadores vibrantes y emociones a flor de piel.BrasilJUÇARA MARÇAL – DEBRMXPor Scream&YellSi para los ciudadanos de a pie las situaciones extremas son casi una cuestión de vida o muerte, para los artistas suele ser el momento de dar un salto al vacío. El aislamiento impuesto por la pandemia llevó a la cantautora Juçara Marçal y a su socio productor Kiko Dinucci a buscar la manera de crear un álbum en un periodo en el que la gente no podía reunirse. El resultado fue un clásico: Delta Estácio Blues, el álbum de brío electrónico anclado en la experimentación y los collages publicado en 2021, fue votado disco del año por varias publicaciones, entre ellas Scream & Yell, obtuvo un EP (también imperdible) de sobras en 2022 (EPDEB) y, ahora en marzo, un bombástico disco de remezclas, DEBRMX (2024), que amplifica radicalmente el sonido del proyecto original. Son 15 temas remezclados por 19 destacados artistas de la música electrónica, que van del funk al techno, del amapiano al industrial, ampliando la idea original del álbum de reunir músicas negras de todos los rincones del mundo. Para escuchar con auriculares y volverse loco.CHILEdoblesanto - Joven (Aún)Por POTQMientras vivimos el fin del mundo aún es posible bailar suavecito y acompasado. Esto, gracias al disco debut de doblesanto, Joven (Aún). En una época de estandarización apabullante y el algoritmo nos juega malas pasadas mostrando las mismas caras de siempre, estas doce canciones son un tesoro —esperamos que cada vez menos escondido— dentro de la música chilena. Aquí aparecen los sonidos latinos que son parte de una memoria viva del continente, pasando por el bolero o la cumbia más cadenciosa, por ejemplo, pero desde la perspectiva de los que crecieron en democracia, con internet, maquinitas y una guitarra clásica en su cuarto. El quinteto se aleja de cualquier ejercicio de estilo, por el contrario, las texturas y los juegos vocales que ofrecen cada uno de los temas de este disco, lo que más muestran es curiosidad y libertad pero con los pies bien puestos en su tierra. Excelente debut.ColombiaBochinche - DawerxDamperPor ShockA finales de 2019 en Shock presentamos a los hermanos Dawer y Damper, nacidos en Cali, Colombia, como una colorida promesa del afrofuturismo. Recién habían ganado un torneo de bandas local que organizamos y apenas se construía su proyecto. Antes, conformaron un quinteto de funk llamado Alto Volumen. Hoy, cinco años después, los DawerXDamper son la punta de lanza de un movimiento próspero en nombres, colores y Flow. Un movimiento de jóvenes negros, de la ciudad de Cali, comprometidos con explorar sus barrios, su identidad y la música afrodiásporica fuera de cualquier cliché atribuible a la etiqueta de lo “urbano”. Ya fueron nominados a un premio Grammy latino por su álbum ‘Donde Machi’ y ahora lanzaron este EP, ‘Bochinche’, con colaboraciones en las que se divierten con el ritmo y con el lenguaje. Bochinche, en Colombia, significa fiesta, alboroto, escándalo. Pues, bien: lo de DawerxDamper es un bochinche elegante, formado en el barrio a punta de color y afrobeats.CUBA Los Palos Gozadores • Michael OliveraPor Magazine AM:PMDejando claro el disfrute que hay detrás de estos diez temas, Michael Olivera saca a la luz su tercer álbum, acompañado de los reconocidos músicos Alex Conde y Gastón Joya. En un viaje entre nostálgico y de reafirmación por varios clásicos de la música cubana e internacional como Could you be loved o La Comparsa, el percusionista cubano quiere proponer un nuevo punto de vista. Con un formato de trío aparentemente sencillo, reinterpreta los motivos melódicos y los traduce al lenguaje del jazz —que ya ha hecho suyo—. Juegos armónicos ingeniosos, improvisaciones bien integradas al flujo del fonograma, y la selección íntima y equilibrada de las piezas hacen de la más reciente entrega de Olivera una propuesta sólida, que evidencia la madurez del artista no solo como compositor e instrumentista, sino también como productor. Sin dejar a un lado la influencia de las raíces afrocubanas —que han caracterizado siempre su estilo— Los palos gozadores es un álbum que trasciende estas fronteras para deleitar a cualquier amante del género.EspañaShinova - “El presente”Por Mondo Sonoro“El presente” supone el quinto trabajo de la banda vizcaina Shinova y una muestra más de que siguen en el camino de la exploración que, desde sus inicios, ha marcado su trayectoria. Junto a Manuel Colmenero –con quien repiten en la producción– parecen haber dado con la tecla adecuada para seguir escribiendo una trayectoria que parece no tener techo. Y es que la historia de Shinova es digna de estudio. En “El presente”, la banda continúa dando pasos de gigante no solamente echando mano de una cuidadísima producción, sino también desmenuzando un amplio catálogo de lo que pueden aportar todavía a su pop-rock marca de la casa. Lo evidencian temas como “Alas” o “Gloria”, medios tiempos ideales para tomar aire como la luminosa “Nuestra postal”, “No cambiaría nada” o la melódicamente delicada “Los días que vendrán”. Por el caminointroducen sonidos electrónicos con un los que enriquecen canciones como “Diciembre” o “Antes de que todo acabe”. Shinova se reafirman con este “El presente” como una de las grandes bandas de su generación. SergioIglesias. México Niño Baca – ‘Días fueron’Por Ana Li Rodríguez de Indie Rocks!El cuarteto mexicano conformado por Niño, Bruno, Keks y Blati finalmente lanza su primer material discográfico. Nueve canciones conforman Días Fueron, este LP que consigue ver la luz gracias a HEP Records! y a la magia e intensidad cósmica de Sebastián Garrido quien apoyó en todo momento la producción, mezcla y masterización del debut de Niño Baca. Además, en este viaje de kraut y psicodelia le acompaña Angélica Victoria (angelicodiablo) en una colaboración burbujeante en el track “D5”. El joven proyecto compila lo mejor de la amistad y el hangueo en un disco ameno, divertido con el que pasarás varios minutos desconectado de la realidad.URUGUAYALUCINACIONES EN FAMILIA - ALUCINACIONES EN FAMILIA IIIPor PiiilaDesde su primer disco editado en 2015, Alucinaciones en Familia –con Pau O’Bianchi a la cabeza– continuó el camino que venían transitando sus miembros en la esfera independiente de la música montevideana, llegando a nuevas alturas. Eso es: salir de los sótanos y agotar entradas en algunos de los escenarios más importantes de la ciudad.Ahora, con su tercer volumen alucinógeno la banda pulió este sonido amorfo que ya los caracteriza (experimentos desprejuiciados que combinan pop, psicodelia y rock), poniendo más al frente la voz. Y tal vez sin planearlo hicieron que sus evocativas letras capturen aún más la curiosidad, sea desde la metáfora y el juego de imágenes, pero más a menudo desde la descripción cruda y directa de lo real.Así es que este disco, más que los anteriores, lanza al escucha en una montaña rusa de emociones y dinámicas. A veces se va cayendo desde altos eufóricos y coreables, pero tras alguna vuelta afable la cuesta arriba se hace más difícil, cargando con dolor y duelo. Esta es una celebración de la vida mientras se convive con la muerte; la transformación del dolor en algo deforme pero hermoso.Vean aquí el Panorama de febrero
Una de las primeras veces que Kool & the Gang y Village People estuvieron juntos —sin compartir escenario o ser cercanos musicalmente— fue en la discoteca The Empire, uno de los focos infecciosos de la cultura disco en New York en la década de los 70. Ubicada en Crown Heights, Manhattan, The Empire se convirtió en el escenario más preeminentemente oscuro de la escena disco de los neoyorquinos debido a su DJ Peter Brown.La pericia de Brown para combinar clásicos disco (como Girl You Need a Change of Mind de Eddie Kendricks, San Francisco [You’ve Got Me] de los Village People) y standards del funk (como Hollywood Swinging de Kool & the Gang) hizo que dos ritmos totalmente opuestos se unieran por primera vez para hacer explotar —sin parar— la energía de sus visitantes los viernes y los sábados en la noche.Las mezclas y las transiciones suaves que elaboraba Peter Brown en sus bandejas no solo fueron emblemáticas, sino que rompieron las cadenas que contenían nuevas formas de placer y nuevos tipos de identidad.Hoy nos parece natural, pero en un principio juntar a Kool & the Gang (funk) y a los Village People (disco) no fue tarea fácil, sobre todo porque para los cultores de la música funk como George Clinton de Funkadelic y Sylvester Stewart de Sly & the Family Stones, el disco (entre esos Village People) no era más que un “síndrome placebo”, una imitación pálida del funk, cuyos ritmos maquínicos eran un sustituto falso del principio del placer. Es decir, la música disco representaba la pasión descafeinada, la cerveza sin alcohol y el ritmo sin sexo.El funk era concebido como el punto final, el orgasmo, la eyaculación, el sexo despojado de cualquier tipo de mediación. Por ejemplo, la animalidad y la explosión de canciones como Jungle Boogie, Funky Stuff y This Is You, This Is Me de Kool & the Gang demostraban que el funk era una especie de elevador de las emociones cuyo sonido tenía el poder de alterar el ambiente. La historia de Kool & the GangKool & the Gang fue uno de los principales representantes del funk grasiento y sucio; un tipo de funk suelto, libre y fluido que invitaba a sus oyentes a viajar por el infierno y retornar nuevamente a la tierra despojados de cualquier culpa.La banda se formó en 1964 bajo el nombre de The Jazziacs en Nueva Jersey, pero solo hasta 1969 se convirtieron en Kool & the Gang cuando publicaron su primer álbum homónimo. La agrupación estaba conformada principalmente por Robert “Kool” Bell, su hermano Ronald y sus amigos Clifford Adams, Charles Smith, Woody Sparrow, Robert “Spike” Mickens, Dennis “D.T.” Thomas, Ricky West y Funky George Brown. Su éxito comercial llegó con Wild and Peaceful de 1973, álbum que obtuvo un disco de oro y logró posicionar dos canciones en el top 10 del pop.Sin embargo, el estomago de carburo del auge de la música disco de mediados de los 70 metabolizó el sonido funk de la banda, llevándolos a adoptar un sonido más “moderno”, en el que los tacos altos y los labiales insinuantes eran la regla, así como los jeans ajustados y los pectorales trabajados. Para esta nueva etapa Kool & the Gang contrató al cantante James “J.T.” Taylor, quien le permitió a la banda cosechar éxitos masivos como Ladies Night, Too Hot, Cherish y Celebration. Esta última, como salida de un dibujo animado, invitaba a celebrar los supuestos buenos tiempos que se vivían en los Estados Unidos a principios de los 80 con la llegada de la reaganomanía.La conversión de Kool & the Gang hacia el lado disco de la luna y el abandono del lado funk de la tierra, demostraba que la música disco también tenía el poder de agitar las aguas y activar las pulsaciones infinitas que encendían a muchas personas hasta llevarlas al tan anhelado orgasmo.Lo interesante de combinar el funk (Kool & the Gang) y el disco (Village People) en un mismo espacio es que permitió no únicamente que dos ritmos musicales o dos bandas totalmente opuestas se acercaran, sino que abrió la posibilidad de articular diferentes tipos de sexualidad, así como la oportunidad de explorar nuevas formas de identidad sexual.La historia de Village PeopleEl experimento en las bandejas de Brown —como de otros DJ de la época— creó un tipo diferente de música y generó un ambiente en el que la corporalidad dejó de estar prohibida; empujó a los cuerpos más allá de la vergüenza. En otras palabras, el logró de Brown fue mostrarle al mundo que los revolcones con extraños (funk y disco) y las orgías musicales (Kool & the Gang y Village People) podían desatar la lascivia que posibilitó explorar y trascender la posición del misionero.Y eso fue lo que caracterizó a Village People. Una estética provocativa de tipos vestidos con un penacho de plumas de cacique norteamericano y un taparrabos, el uniforme de un trabajador de la construcción y el equipo de cuero de un motociclista, así como letras vulgares —carentes de sutiliza— que fantaseaban con aventuras capaces de incendiar y liberar el mundo a través del sexo. La banda se formó luego de que los productores musicales franceses Jacques Morali y Henri Belolo se mudaran a New York. Su primer e innovador proyecto camp, llamado The Ritchie Family, basado en el sonido de Filadelfia Internacional, se desvaneció tan rápido como un single promocional.Pero lo que vendría después sería histórico. Village People nació de un modo bastante particular: un día que Belolo y Morali caminando por el West Village de New York vieron a alguien vestido con un traje de indio norteamericano. Ambos quedaron absolutamente impresionados por el personaje hasta el punto de seguirlo a una discoteca donde se dieron cuenta que trabajaba como bailarín. Una vez en el lugar, el Anvil (uno de los lugares más emblemáticos e “infames” de la escena disco gay), Belolo y Morali se encontraron con un mundo asombrosamente inédito: clientes vestidos con sombreros de cowboys (vaqueros), pantalones y chaquetas de cuero, overoles de trabajadores, tangas ajustadas y musas emplumadas.La escena era tan surreal que detonó en ellos la idea de retratar el “increíble mosaico” del hombre americano y a todos esos personajes fantásticos que habían visto en el West 14th Street de Greenwich Village. Con esto en mente la banda se transformó en los Village People (La Gente del Village) y dieron origen al mito del macho/drag.Los Village People se crearon en torno a una banda de estudio, así como al cantante Victor Willis, un extra de Broadway (el policía y atleta), Felipe Rose (el nativo americano), Alex Briley, ex corista de Bobbi Humphrey (el marinero), David Hodo, actor desempleado de Broadway (el obrero de la construcción), Randy Jones (el vaquero) y Glenn Hughes (el motociclista vestido de cuero).La banda alcanzó por primera vez la lista Billboard Hot 100 de singles en 1978 con Macho Man, canción que daba título a su segundo álbum: una oda burlona y pegadiza que exponía la expresión musculosa que estaba empezando a dominar la escena disco gay. Su crítica a la hipermasculidad se hizo más fuerte en su tercer álbum, Cruisin’, de 1978, un éxito rotundo que alcanzó el número 3 en las listas gracias a canciones como Y.M.C.A. y el éxito In the Navy, un himno que representaba el fetiche militar homoerótico.A pesar de todos estos éxitos que “celebraban” formas alternativas de masculinidad y “cuestionaban” al clásico “Macho Man”, los Village People fueron declarados “personas no gratas” en los clubes gay de Estados Unidos.Para muchos críticos la banda representó lo peor de la música disco: “beats trillados compuestos por perezosos escritores de estudio; letras simplonas y tipos vestidos de forma caricaturesca”. Por otra parte, para la comunidad gay y drag, la banda no era más que un producto del mercado que despojó de sus “propiedades malignas” a lo gay y lo drag para comercializarse de manera tal que liberales y conservadores pudieran hacer coreografías formando letras con los brazos con “Y.M.C.A”.No obstante, el verdadero logro de la banda fue expresar mediante su estética camp el distanciamiento que existía entre la sexualidad de los primos extrovertidos (gays y drags) y el resto de la sociedad que hipócritamente seguía escondiendo sus pasiones. El acto subversivo de Village People fue acercar una serie de valores y tabúes sociales de las comunidades gay y drag, fuertemente rechazados y caracterizados como inferiores, mediante estilos de seducción que ayudaron a bloquear la desconfianza por esas formas culturales vistas como inferiores.La estética gay y drag que impulsaron (y comercializaron) los Village People implicaron un compromiso excesivo con lo marginal solo porque en estos estilos encontraron un “valor” artístico reconocido (y aceptado) por diversos grupos sociales de manera superficial. Es decir, la forma característicamente gay y drag de tratar los valores, las imágenes y los productos de la cultura dominante mediante el uso de la ironía, la exageración, la teatralización y la burla ambivalente de lo serio y respetable fue lo que le permitió a Village People convertirse en una de las agrupaciones más subversivas de la historia de la música popular.Claramente, nada de esto fue abiertamente político, sin embargo, hoy en día no deja de sorprender que muchos medios, ya bien sean especializados en música o no, reconozcan a la banda como “iconos de la era de la música disco y del movimiento por los derechos LGBTQ”. Para ellos, el estilo camp de los Village People aludió a una especie de construcción ideológica del comportamiento que era supuestamente natural y correcta. Y a través de la suplantación y la parodia la banda simulaba el respeto por las normas interpretando ciertos papeles de la sociedad (el macho, lo indio, el trabajador, el obrero, el atleta), al tiempo que los socava “accidentalmente”, manteniendo la pose durante un instante y exagerando algún detalle estilístico o cliché hasta el absurdo.***A propósito de los cruces entre música y género, les recomendamos leer ¿Importan los géneros?
Su madre se lo decía: ¿qué iba a hacer en Colombia? Allá tan lejos no había nada para ella, después de todo en Buenos Aires no faltaban los estudios de grabación. Delfina Dib la escuchó y consideró su consejo, pero, de todas formas, aterrizó en Bogotá a inicios de 2014 con la misión de elevar su carrera musical. Diez años después no queda duda de que tomó la decisión correcta.Tras su llegada, la argentina se convirtió rápidamente en una voz reconocida del circuito independiente de Bogotá, primero con Zyderal y luego como solista, gracias a proyectos como Lotto (2018), Todo (2019) y su primer álbum, Directo al cora (2023), en los que su intensidad, que raya en lo violento, atraviesa distintos colores instrumentales cercanos al rap. Cada verso, un gancho contundente; cada tema, un himno en el que ella, y quien la escucha, se celebra; cada paso, concentrado en la meta.Esa es la versión corta. La larga viene con el próximo álbum de Delfina, 01, que celebra sus diez años en Bogotá. Y para hacerlo subvierte las expectativas que vienen con el 10: frente a la excelencia y lo absoluto, Delfina presenta fragmentos: un paso a la vez, y luego otro, a veces en una dirección inesperada. Es el retrato de una década en la que toda su convicción ha compartido la cama con la soledad que no ha dejado de sentir en una tierra ajena, con la esperanza de que su proyecto llegue hasta donde ella sueña, y con la frustración inevitable que ataca cuando eso se tarda más de lo esperado.El 18 de mayo, en un concierto en el Teatro Mayor, Delfina Dib presentará esta transición entre Directo al cora, que le da la vuelta al desamor, y 01, el diario abierto de su paso por Bogotá. Será un concierto en el que Delfina, reconocida por el fuego con el que incendia cada tarima, podrá compartir toda su vida. Si canta con nombre y apellido es porque no oculta nada, no es ninguna máscara ni persona paralela: es ella entera. Tanto así que al final no habrá otra salida: morirá en el escenario, como imaginó desde que veía a grandes divas en la televisión cuando tenía cinco años y le decía a su mamá que quería ser como ellas.Sobre el concierto del Teatro Mayor, 01 y más, hablamos con Delfina Dib.¿Cómo fue la transición de Directo al cora a este nuevo álbum en el que estás trabajando? ¿Qué preguntas te guiaron?Me he vuelto adicta a este ejercicio creativo de hacer discos. Como siempre quiero llegar a nuevos resultados, éste me parece un buen lugar para crecer y evolucionar. Y luego del espasmo de Directo al cora, me pregunté qué quería decir ahora. El año pasado organicé camps de producción en Canarias, Miami y Medellín, y empecé a componer. Así entendí la personalidad del disco.Este año se cumplen diez años desde que llegué a Colombia. Es un punto de inflexión, ¿no? Y empecé a pensar en el número 10, y en que qué paja tener que ser 10 en todo. Por eso jugué con los números y los volteé para formar el 01: el 0 es la nada y el 1 es el paso que damos para estar más cerca de donde queremos estar, a donde queremos llegar. Entonces este nuevo disco, 01, lo utilicé como un diario abierto para contarle a la gente quién era cuando llegué, quién soy hoy, y lo que me ha pasado, lo que he sentido.Supongo que también tiene que ver con una ética de lo cotidiano más que de lo extraordinario: no hay forma de llegar al 10 sin una suma constante de 01s. Una suerte de redefinición de la excelencia. Sí, y es una forma de ver las cosas desde otro lado, cruzar la vereda. También es un juego de palabras: ser uno. Y es encontrar el centro, que es el 0. Y el 1 es un número maestro y guía, y es la unidad del ser, es uno, sos vos, que estás solo en el mundo. Pero a la vez somos parte de todos, y ese ser es el cero. No tuve que hacer un brainstorming de ni chimba, todo se construyó en estos diez años.Claro, es otro punto de vista, que es lo que has hecho más de una vez en tu vida y en tu carrera. Te viniste a Bogotá contra lo que te aconsejaba tu mamá, por ejemplo. Y así con otras cosas. Yo siempre busco incomodarme para sacar el fua. Es como mi cuota de rebeldía, para llevarme a mi máximo potencial. Me guía esta necesidad de esperar más, de hacer más, de no conformarme con lo obvio. Todo eso es necesario verlo desde otro ángulo para poder evolucionar y que no duela tanto. Siempre me he sentido muy sola acá en Bogotá, por más que tenga amigos. Dedicarse a la música no es para cualquiera y migrar tampoco. Ahora que estuve en Buenos Aires me lo preguntaba: ¿cómo hago boludo para ser tan fuerte? Qué difícil, vivo re lejos. Por eso veo necesario ese ejercicio de poder cuestionar las decisiones que tomo. He sido ninja y he aprendido a pedir perdón, he pagado mis errores. 01 es un manifiesto de todo eso. Me salgo del amor romántico, de lo sexoafectivo, y hablo desde mí. Al final el arte es un punto de vista, somos filtros e interpretamos la realidad desde nuestra perspectiva.Frente a Directo al cora, 01 tiene un sonido mucho más sintético y vertiginoso, ¿cómo llegaste a él?A diferencia de Directo al cora, trabajé con muchos productores, de México, Colombia, Canarias y Ecuador, que me aportan desde un lugar distinto. Y 01 tiene un sonido más puro, más grande. Representa la fuerza, y para mí eso es el rap y el trap. En el trap puedo rapear, cantar y me identifico con la energía, y no solo por ser argentina, aunque sí escucho mucho trap argentino y gringo. Para mí el trap es presencia, potencia, fraseo. Y además me gusta experimentar con el color del autotune. En vivo no siempre lo uso, no es un recurso para llegar a la nota sino una decisión estética: me gusta como suena.¿Cómo fue para ti la recepción de tu público de Directo al cora?Una de las más escuchadas es “Yory no”, que la metí al último momento. Estuvo bien interesante eso, a la gente le encanta y yo no la iba a meter. Y le creía mucho a “Red flag”, es de mis preferidas, y la gente no la escucha tanto. Pero el gran himno del álbum es “Me oyes”, esa sí sabía que a la gente le iba a gustar. ¡No sabes cómo la cantan! Es sincera, cruda, como una balada. Y al final el estalle de las guitarras es como un llanto.Cuando estaba haciendo Directo al cora dije, por joder, que si no me pegaba con ese disco me retiraba. Y no pasó. Y no lo decía por pegarme, sino para evolucionar con la música, que lo que hago se expanda. Sé que soy buena y que estoy a una canción de distancia de que todo estalle. Acá en Colombia siempre me he sentido bien recibida, pero me da la sensación de que la gente no termina de entender mi proyecto. A veces me pregunto qué debo hacer para que la gente conozca mi proyecto, y creo que la respuesta es lo que estoy haciendo: seguir. Directo al cora es muy bueno, pero esto es un proceso. Entiendo que el momento de que mi música se expanda al nivel que sueño no ha llegado. El otro día Luis7Lunes me dijo que lo bueno de hacer discos es que con los años se ponen mejor, se maceran, como el vino. Quedan inmortalizados.Desde que ti ve hace años supe que eras una bestia en el escenario, pero con el tiempo has ido puliendo ese fuego innato. ¿Qué has aprendido sobre tu presentación en vivo en esta etapa de tu carrera y qué traes para el concierto del 18 de mayo en el Teatro Mayor?Si lo venía puliendo, para este concierto que viene sí es la pulimentación total. A toda esta fuerza innata que traigo hay que darle un orden y una estructura. En la tarima siempre hay mucha improvisación, pero he aprendido a combinar esa fuerza libre que transmite mi proyecto con que también soy frágil y vulnerable, pero no débil. Así he ido entendiendo qué energía quiero proyectar en los shows. Empecé a entrenar y mi coach me preguntó qué representaba mi proyecto. Le dije que fuerza, y él me preguntó si me sentía fuerte. Le dije que no, que tenía una buena genética, pero me faltaba. Eso fue hace un año. Ahora me siento power. En el Festival Centro una de las organizadoras me dijo que se notaba el cambio, un nivel de resistencia muy zarpado. Me identifico con Doja Cat y Nathy Peluso, que no solo cantan y bailan, sino que la dan. Es ese lado ninja.El show del 18 tiene un lado A, con piano, y un lado B, con banda: son dos energías distintas. La gente se va a ir con una sensación: che, siento que la conozco, sé quién es Delfina. Va a tener canciones de Directo al cora y de 01. Voy a morir en el escenario.
A finales de los noventa en Cali se bailaba salsa y rock. La popularidad de Superlitio, de Kraken y de Masacre; la aparición de Rock al Parque en Bogotá y la expansión de la emisora Radioacktiva tuvieron eco en la ciudad, impulsando la creación de grupos locales y bares dedicados al género.Paralelamente, empezaba a tejerse una red subterránea de intercambio musical con personajes como ‘Ursus’, quien vivía en California cuando llegó la oleada hardcore punk y regresó a la sucursal del cielo cargado de discos, que repartió en su parche.Les puede interesar: Cali vs. Cali: notas sobre la industria musical caleñaSin embargo, a partir del 2010, la pequeña escena rockera que se había consolidado decayó, debido al ascenso vigoroso del reguetón, a los programas institucionales que posicionaron la salsa como pilar de la cultura caleña y a la desaparición de festivales emblemáticos como Cali Underground.De vez en cuando tenemos noticias de bandas caleñas de rock por sus nuevos lanzamientos.Están Desnudos en Coma, con un rock alternativo de buena factura; MICO, con un ensamble caótico que remite a la banda de mathcore de Boston Converge; y Escara, con un screamo que se desdobla hacia el hardcore y el black metal.También pueden escuchar: La banda caleña Red Sun Cult presenta ‘Tu cuerpo, la lluvia’En este contexto, aparece “Drop the Bomb” (2024), el nuevo álbum de Nucleonics, una banda de rock electrónico en inglés que toma texturas de agrupaciones como The Prodigy, Nine Inch Nails y Depeche Mode para articular una propuesta inédita en la ciudad.Esta banda tiene ya varios kilómetros encima, aunque muchos la desconocen en Colombia.El proyecto fue creado por el cantante Luis Gómez, antiguo miembro de Diva Gash y Sexy Death, que hoy está acompañado por JaGo Tabares en el bajo, Dey Álvarez en el sintetizador y Carlos González en la batería.En 2007, publicaron “Scary”, un álbum que marca la primera etapa del grupo en Londres, y en 2020, “Eleven”, un disco más experimental que se sumerge en los ambientes del darkwave y el industrial.Más rock de Cali: Los Hotpants tienen nueva música para mostrarnosEn su nueva entrega, con una vibra a mitad de camino entre Korn y Gary Numan, Nucleonics presenta un viaje de media hora cuyo origen es Marte, el planeta que llevamos intentando entender desde 1960 con misiones espaciales.El rock ya ha visitado el planeta rojo en varias ocasiones (David Bowie, Coldplay y Misfits son algunas de las agrupaciones que lo han mencionado en sus canciones), pero la banda caleña fue más allá: montó una narrativa futurista ilustrada con imágenes y videos de corte distópico, que pueden pillar en sus redes sociales.Este álbum cuenta que Marte ha sido arrasado. Sus recursos naturales han sido exprimidos por los pobladores, como ocurre en la Tierra.Ante el estado de precariedad y desolación, muchos habitantes deciden buscar nuevos horizontes.Los pocos que se quedan están en pie de lucha, entregando todos sus esfuerzos para recuperar el equilibrio de su planeta. Así que Nucleonics ha decidido viajar a la Tierra, confiando en que tienen un mensaje de esperanza para darle a la humanidad.El armamento que utilizan para inspirar a la gente a tomar acción y apersonarse de los problemas colectivos se llama “Drop the Bomb”, un disco que, por lo demás, nos está entregando nuevas noticias de la movida rockera caleña de hoy.
Escuchar el 5 pa las 12 del colectivo MIH (Oblivion’s Mighty Trash, Adam Walsh e Isaac SA) es darse un paseo rápido por una nueva camada del rap de Medellín, que ya goza de un bello presente, pero que promete gloria como futuro.Así son todas las buenas vísperas de año nuevo.Esos últimos 300 segundos de cada calendario tienen su particularidad. Los presentes sirven un trago, agarran sus uvas, se meten lentejas en los bolsillos, salen a dar vueltas a la manzana con maleta a cuestas y ponen a sonar duro la primera estación de radio que encuentren.Todo esto tiene una razón de ser: sembrar las semillas de una buena fortuna para el futuro.Desde el nombre de la agrupación, Make it Happen (MIH) muestra estar decidida a no quedarse en la manifestación.¿Qué es Make it Happen?La primera aparición de Make It Happen fue en el tema Combo (MIH), de No me acuerdo, el disco de Oblivion’s Mighty Trash que estuvo entre los mejores del 2023 para Shock.Isaac SA nació el 12 de octubre de 1999, creció en Sabaneta y lleva desde 2016 publicando música en solitario o con su colectivo, La Sucia Alianza, que está situado salvo por Isaac en Envigado.La geografía explica su cercanía y colaboración constante con La Ciudad Maldita, colectivo encabezado por el productor y rapero Zábaz. Dentro del trabajo de Isaac destaca el EP Esquirlas, con Inko Beats.“A mí lo que me gustan son los skills, las métricas, el wordplay”. En 5 pa las 12 es quizás el de las barras más ingeniosas: cuando Isaac rapea “¿Qué será de mí mañana / es lo que pienso desde ayer” replantea las únicas dos preguntas centrales a toda la vida, y recuerda la música decembrina: “¿Cómo me compongo yo en el día de hoy? / ¿Cómo me compongo yo el día de mañana?”.Salomé Ochoa (Adam Walsh) nació el 2 de marzo del 2000 en el municipio de Guarne, a 25 minutos de la capital de Antioquia.Allí creció y estudió música y producción musical, en el Tecnológico de Artes Débora Arango, en el corazón de Envigado.Aunque lleva desde 2019 rapeando, de entrada dice: En el Débora Arango estudian también Oblivion’s Mighty Trash y muchos de sus amigos más cercanos, que conforman su equipo de trabajo.Juan Sebastián Álvarez (Oblivion´s Mighty Trash) nació el 27 de enero de 2003 en Bello, y ya hace un año, en nuestra sección de Apuestas Shock, exploramos su perfil.Es poco lo nuevo que puede decirse de él: es a la vez joven promesa y presente brillante del hip-hop colombiano.“El Obli tiene una habilidad narrativa muy propia. Él sabe cómo botar las cosas de manera que la gente lo digiera muy chimba y eso es muy duro”, dice Isaac. “Que usted pueda transmitir las vueltas así de efectivamente y que tenga tantas barras y skills es brutal”.Hablando de este disco, le reconocen a Barbatos beats (Sebastián Montoya) el mérito de meterlos de lleno en este proyecto común. El hoy productor acompaña a Oblivion en vivo como DJ y ha sido productor de varios de sus temas. Antes, hizo parte del grupo Underhood como rapero.Diavlitx (Mateo Mateus) fue igualmente crucial para que todo cuajara.En un primer momento, porque puso techo pa las polas, pues hace poco más de un año se mudó al lado del parque de Envigado y eso permitió que empezara a parchar más con Barbatos. “Nosotros no empezamos diciendo hagamos un disco”, dice Isaac. “Hay algo muy chimba de todo esto y es que nos hicimos amigos por la música misma y ya más adelante, de tanto estar en el estudio parchando, nos montamos en hacer algo con ellos dos como productores”.En 2021, Diavlitx se conoció con Adam Walsh, Atenea y Blacksad, y juntos formaron el colectivo No Fun, que de entrada contrasta con el panorama nacional entero por contar con dos raperas al frente.“Diavlitx es mi parcerito con el que empecé a hacer música con horizontes y sueños en común”, cuenta Adam Walsh. El día que se conocieron hicieron Ticket dorado y, eventualmente, el EP En el abismo están las golosinas.La tradición reciente del álbum de colectivo en ColombiaEs difícil acercarse a discos colaborativos como 5 pa las 12 sin pensar en Sagrado (2020) o El Vuelo (2023) de los santandereanos de El Nido, o sin pensar en la profunda influencia reciente de Moebius, el grupo que cobijó a Doble Porción, Zof Ziro (hoy ZetaZeta), Granuja, Crudo Means Raw y, en distintos momentos, a Noiseferatu, No Rules Clan, Al Baro, El Jose o Sr. Pablo.Entre lanzamientos de algunos de los mejores discos de hip-hop nacional, Moebius dio al menos dos grandes vueltas celebratorias al apostar a formatos similares con icónicos proyectos como Rap y Hierbas (2017) y La Gra$a (2018): discos en los que uno o más productores daban base a uno o más raperos exclusivamente dedicados a exhibir sus destrezas.La referencia no es solo un tema de formatos. Es bien sabido que Oblivion se dedicó de lleno al rap principalmente por el impacto de Todos tienen que comer (2016) y Manzanas a la vuelta (2016).Isaac SA, el más canchero del parche MIH, lleva dándole al rap desde 2016, cuando MBZ estaba en auge.“Ellos abrieron el rap a otro público, perro. Antes de estas cortes o del auge de Alcolirykoz, el rap era mucho más valija, ¿sí me entiende? Nea, se hablaba mucho de la vida de la calle, de bala, de las fronteras invisibles, de que mataron al parcero. Aún se hace y no es que hablaran solo de eso, pero sin duda MBZ permitió que el público en general se tomara más en serio el rap como industria. Hubo muchos grandes raperos que yo crecí escuchando que no cobraban nada de su música, no vendían merch ni tenían tanta fanaticada. Luego de lo que pasó en 2016 a la gente ya no le da vaina comprar una boleta ni una merch”.5 pa’ las 12“Casi todos los temas salieron en el momento. En equipo todo es mejor, huevón, si nos juntamos somos más. Se demuestra que uno puede camellar sin egos, unir fuerzas, porque a la hora de la verdad eso es lo que nos impulsa”, dice Isaac.El disco demuestra esa intención de experimentar con las distintas combinaciones de sus integrantes. Tiene ocho temas: tres en los que Oblivion, Adam Walsh e Isaac demuestran sus skills juntos, tres en los que lo hacen en solitario sobre los beats de Diavlitx y Barbatos, y dos en los que Isaac se junta con Oblivion y con Adam por aparte.Estilísticamente, son todos muy similares, y quizás ahí reside una debilidad para quienes no son fans fervorosos del hip hop. Pero la estética que logran tiene cohesión.Make It Happen abre la lista con un golpe de la mesa de Isaac que busca presentar el disco a la audiencia como una alternativa o escape a la cotidianidad:Adam profundiza sobre ese agobio tan colombiano que convierte el ocio en necesidad de buscar pequeñas muertes:Oblivion sintetiza presentando el rap como punto medio que se puede conseguir con esfuerzo y honestidad.Jabulani es el momento en el que Oblivion canaliza su fifas interior para hablar de los skills en el rap como medio para distorsionar la realidad.Ratas de Andén, quizás el mejor tema del álbum, encuentra a Isaac y Adam Walsh repartiendo barras sobre la apuesta por ser raperos.Ella explica el ethos de su nombre con el inicio de su verso:“Adam Walsh es el código que botan en los aeropuertos cuando se pierde un niño. Lo encontramos con Diavlitx diggeando palabras y vainas y se volvió el nombre de una canción. Ya luego vine a enterarme del porqué, y me hizo pensar en esta idea de los niños que no quieren ser encontrados, de la parte que tenemos que es un niño rebelde que quiere vivir del arte y no quiere la “salvación” del mundo del camello normal”.En Raperitos de Domingo ella dobla su apuesta, y su voz de ronquido áspero, nos adentra en la noche.Luego viene Gitanos. Oblivion abre marcándose a él y a los suyos más del lado de Voldemort que de Harry Potter:La referencia a la editorial no es gratuita en el proceso.“Uno estando con ellos aprende muchas cosas que quizás cuestan”, me dijo Isaac. “Yo por ejemplo vengo de un mundo rapero más tradicional, donde no sabía mucho de los splits ni de la industria. Ya con ellos me enteré más de la vuelta”.Y en Qué se hace, profundiza sobre el ejercicio de profesionalizar su rap de manera que no sea ni estrella ni fugaz.Fuera del planeta junta a Adam Walsh y Oblivion en un corte rápido que reflexiona sobre los sueños de lo que una buena carrera puede traer a sus vidas, y cierra con la repetida afirmación de que saben que el trecho para lograrlo es largo y depende de que mantengan la marcha.La primera vez que hablé con Oblivion, fue muy enfático en decirme que creía que, en el sur del Valle de Aburrá, nadie lo hacía como Adam Walsh. En Envigado 1.0, las barras de los tres se intercambian al interior de un mismo verso, adornado por samples de guitarras límpias. Los punch lines se encadenan a pesar del contraste de las voces y desembocan en un coro que nos despide de la noche “No hay más / perfiles bajos, los rapeos high class / Dicen que vivo rápido / No hay más / Make it Happen se filtró en tu radar”.“Yo no soy de allá, pero la verdad mantengo allá”, me dijo Isaac. “En Envigado hay mucha historia. Algunos de los primeros grupos de rap de acá de Medallo son de Envigado, como fue el caso de la Sur Side Clicka. Ahí viene un legado pasado generacionalmente. Doble Porción también es de allá. Luego uno ve y no solo es en el rap sino en todo: desde Fernando González hasta Reykon”.5 pa las 12 abre entonces un nuevo capítulo en esa larga historia de escritura disruptiva que tiene uno de los epicentros culturales del Valle de Aburrá. Uno que actualiza la jerga y se acerca al hablado de la juventud actual, como hicieron esos antecesores antes.***Si quieren saber más de rap paisa, les recomendamos leer El milagro de Luis7Lunes y Sison Beats
Black Pumas surgió de la unión de dos músicos que no solo se llevan 13 años de diferencia de edad, sino que además provienen de tradiciones musicales distintas: Adrian Quesada (guitarra) y Eric Burton (cantante y compositor).El primero, Adrian, pasó cerca de 15 años tocando con el Grupo Fantasma, una banda de funk latino que en el 2010 ganó un Grammy al mejor álbum de rock alternativo y urbano con el disco El existencial.Por otro lado, Eric Burton creció en Los Ángeles cantando en iglesias y tocando en los muelles de Santa Mónica antes de trasladarse a Austin, Texas, donde se conectaría con Quesada.Black Pumas regresa a Colombia en mayo de 2024 y aquí les contamos todo sobre el eventoLa música de la banda es una estudiada mirada al ayer desde un lugar que solo puede ofrecer el ahora.Sin embargo, no se puede llamar a Black Pumas una “banda de culto retro” ni tampoco una fuerza creciente de “soul psicodélico revivalista”: su sonido es demasiado atmosférico y sustancialmente impreciso para atribuirle este tipo de etiquetas.Es un sonido que nos recuerda cierta época, pero que bajo ninguna circunstancia intenta recrear o conmemorar el pasado.Si bien retoman algunos significantes de décadas anteriores—como la herencia musical de Hi-Records, Stax Records o la presencia vocal de Otis Readding y Curtis Mayfield— los conjura (es decir, los aleja y nos obliga a fijarnos en el ahora), precisamente, para no sucumbir a la pura complacencia nostálgica de lo retro o a la locura explotadora que produce lo vintange en nuestros días.Lo interesante de Black Pumas es que su música no proviene de cajas recopilatorias de soul y rock psicodélico de los 60 y 70, sino que emerge también de la fuerza de Ghostface Killah, RZA, Wu-Tang Clan, A Tribe Called Quest y Lil Wayne. Su sonido se enmarca en la negación de la progresión lineal de la historia musical para embarcarse en una interacción de constelaciones musicales tanto del pasado como del “ahora”.El presente es ese punto de contacto con el pasado y el futuro.La música de la banda es puro devenir; no es, sino que deviene; el pasado musical (lo retro, lo vintange) ya no actúa, pero tampoco ha dejado de ser. En otras palabras, el proyecto musical de Black Pumas expone un sonido de época refractado a través de una lente contemporánea.Black Pumas (2019)En su primer álbum homónimo, lanzado en el 2019 (Black Pumas), la banda clama por la necesidad de construir un nuevo tipo de humanidad y promueve un deseo de cambio del mundo que puede desorientar y desintegrar la vida misma, pero que podría ser mucho más reconfortante.El álbum es un tipo de conjura a la experiencia del mundo moderno, que promete aventuras, poder, felicidad, crecimiento (personal y profesional), y, al mismo tiempo, amenaza con destruir todo lo que tenemos, todo lo que sabemos y todo lo que somos.La canción Colors, por ejemplo, invita a apreciar los placeres simples y cotidianos que ofrece la vida para no sucumbir a la incesante ola de estímulos que recibimos.Cada alteración a la rutina tiene un precio que permite escapar de la monotonía.Pero aquí la monotonía es el alivio sin precio y el refugio del brillo particulado que se expande desde diferentes ámbitos y frentes (el trabajo, el consumo, las promesas de felicidad, etc.).La canción Black Moon Rising es otro golpe emocional.Es una balada soul suplicante con un tono meloso que expresa el rechazo a acomodarse en los horizontes cerrados del mundo moderno y la negación a abandonar el deseo de múltiples futuros posibles. Ese "no hay nada nuevo" delata la unidad y expone el desgaste (y el desespero) de formar parte de un mismo universo sólido y rígido.Chronicles of a Diamond del 2023La conjura para recuperar el aire, encontrar el alivio y aniquilar el fantasma que no le permite a la humanidad acomodarse más allá de las mediocres satisfacciones que ofrece el mundo se hace más radical en el segundo álbum de la banda, Chronicles of a Diamond (2023).El disco juega un rol central en la preparación de diferentes poblaciones (trabajadores, negros, mujeres, pobres) para gozar e imaginar futuros que trasciendan el mundo blanco, cristiano, masculino y heterosexual y, de esta forma, construir nuevas ficciones.En la canción More than a Love Song, Burton despliega florituras carismáticas para mostrar que la vida es mucho más compleja que las fantasías que se dibujan en la cultura contemporánea, cuyos mitos hablan de “libertad”, “democracia”, “igualdad de oportunidades”, “inclusión” o “representación”.No obstante, la voz de Burton conoce el dolor, el miedo y la precariedad, para, posteriormente, transformar esas heridas profundas en flujos de energía y proyectar mensajes de tranquilidad y refugio en esos momentos donde acecha la dificultad.Mrs. Postman es otro grito en el que la banda rinde tributo a las trabajadoras y los trabajadores del servicio postal.La canción no es una simple entonación rítmica que muestra el sufrimiento y la “resiliencia” de estos trabajadores que hacen todo lo posible por ganarse la vida de manera honesta. Lo que explora Mrs. Postman es que esas personas de “cuello azul” que mantienen el mundo en movimiento y alimentan su actividad con la pasividad de los más ricos representan la interpasividad del mundo: la actividad “frenética” de los trabajadores es generada por la pasividad de las clases altas.¿Qué pasaría si estos trabajadores, como todos los trabajadores esenciales, dejarán de actuar?La música de Black Pumas es en estos tiempos lo que el blues fue en las décadas de los 30, 40 y 50, un sonido que ofrece algo de calma y refugio en una era donde reina la ansiedad, la marginalidad y la depresión.También es un aterrizaje forzoso en la bruma monocromática que se erige en esta época para sacudirnos e invitarnos a escapar de esa pasividad fundamental de nuestro ser.Aquí reside el encanto de la banda, en la invocación de los poderes de todos los que han sido condenados para replantear las condiciones mediante una política de un modelo de no identidad (abierta a todos) en lugar de una política ligada a la tradición (los mismos de siempre).Con Black Pumas no hay forma de quedarse anclado en la solipsista inmersión del “yo” y en la absoluta ignorancia de que todo camina bien en el mundo.***En 2022, después de su paso por el Festival Estéreo Picnic, hablamos con Adrián Quesada. Esto fue lo que nos contó:
Falta poco para la nueva edición del Latin Alternative Music Conference. El LAMC se llevará a cabo de manera virtual del 24 al 26 de abril del 2024 y presencialmente entre julio 9 y 13 en la ciudad de Nueva York. Los tres días virtuales tendrán aproximadamente cinco horas de contenido entre charlas sobre la industria musical, talleres, entrevistas y showcases. Esta edición, particularmente, hablará de asuntos como el A&R, el streaming, la gestión de artistas, las giras, las relaciones públicas y el publishing. Más abajo les mostramos la programación de paneles y showcases. "Un año más, nos emociona presentar a una amplia variedad de artistas de todo el mundo que están ayudando a continuar el crecimiento de la música latina a nivel global", escribe LAMC en su invitación. Las inscripciones para estos días de evento virtual son completamente gratuitas. Les dejamos acá la programación de los paneles y los showcases Latin Alternative Music Conference 2024 para que se animen a inscribirse. Para más información vayan a latinalternative.comPaneles de Latin Alternative Music Conference 2024Este año, LAMC presentará 8 paneles: A&R: It All Starts with a SongDe GiraYour Music on Digital PlatformsEl Rol de Publicistas en tu CarreraManagers: Career ArchitectsPRIDE: Orgullosxs de nuestra industriaHablamos de PublishingWonder Woman of Latin Music. Los Showcases de Latin Alternative Music Conference 2024En los showcases de esta edición participarán Bacilos, Cheo, Nella, Carmen Boza, Cosmic Wacho, Kora, La Helen, Midas Alonso, MYRANDAS, Paz Carrera, rigoykarina, Rumbo Tumba, Twanguero y Wonderfox.¡Pueden inscribirse completamente gratis aquí!
El beat se transforma como Rosalía, una y otra vez. 'oHio', el centro del nuevo álbum de ScHoolboy Q, Blue Lips, salta de la paz del soul a sintetizadores que rebotan al jazz melancólico. Mientras tanto, él roza la muerte y recibe mamadas en París, se burla de que tu perra tiene culo negativo y, finalmente, pondera cuánto más tiene que probar, cuánto tiene que perder.Las transiciones son rápidas; los sonidos y las viñetas, opuestas entre sí. Todo el álbum experimenta con formas y estructuras, es una montaña rusa. Ninguna canción de Blue Lips es lo que parece a primera oída, todas guardan tres o cuatro posibilidades en su interior, como una muñeca rusa. Cuando crees que comprendes de qué va, ScHoolboy Q te elude: se esfuma.Blue Lips es su sexto álbum. Todos han sido lanzados bajo el amparo de TDE, el sello californiano que dominó la década pasada gracias a sus estrellas: Kendrick Lamar, SZA, Jay Rock, Ab Soul y él mismo, gracias a discos como Oxymoron (2014)—que referencia la oxicodona que distribuía en su juventud y retrata una época borrosa marcada por abusos en la automedicación— y el genial Blank Face (2016).Pero desde su último disco, CrasH Talk (2019), atravesamos una pandemia, Kendrick se bajó del barco y otros colectivos se robaron la atención de los focos.Nada de nervios: Q está de vuelta para equilibrar el lujo, el dolor, la violencia y la reflexión sin que ninguna bola caiga al piso. Disfruta la vista desde su mansión en lo alto de una colina, hasta que destellos y consecuencias de su pasado como un Hoover Criminal destruyen su calma. Esa tensión entre sus triunfos y sus cicatrices, escenificada en lo instrumental, hacen de Blue Lips el mejor disco de su carrera.El voltaje estalla con 'Pop', que cuenta con una colaboración estelar de Rico Nasty, y se mantiene con 'THank god 4 me', producida por Kal Banx, J.LBS y Fu, en la que Q presume de su Ferrari y denigra a los sapos. La potencia de sus gruñidos, que suenan aún más amenazantes sobre pistas que parecen la banda sonora de un motín carcelario, o de un pogo el hijueputa, aumentan el caos.Él pisa el pedal a fondo y avanza a toda velocidad, con una escritura aerodinámica y fragmentada.“I ain't never met God, but I bet he know me”, presume en 'Yeern 101', uno de los puntos más destacados del disco, y uno le cree. Producida por Cardo, cualquier carro en el que suene corre el riesgo de descarrilarse.Hasta el golf, una de sus grandes pasiones —supongo que si uno quiere demostrar que de verdad es rico tiene que jugar golf—, suena arriesgado desde su perspectiva, a milímetros del punto de ebullición.La angustia Temas como estos, tan rimbombantes en su jactancia como amenazantes en sus detalles, son pruebas contundentes de su habilidad para rapear y lo hacen una súper estrella, apto para grandes festivales y la cima de las ventas. Pero lo que diferencia Blue Lips de CrasH Talk, también abundante en cortes explosivos, es su angustia subyacente.Aparte de Freddie Gibbs, que cierra 'oHio' con precisión de relojero suizo, ¿cuántos otros raperos pueden hacer un disco como este? En esta época de gustos y estilos segmentados en nichos, ya sea lo más callejero o lo más fiestero o lo más profundo o lo más romántico, Blue Slides encuentra volumen y textura en su complejidad.El contraste entre voltaje e introspección es tangible en 'Gemany ‘86': sus amigos se desangran o enfrentan condenas perpetuas y Q relaciona su entrada a la vida callejera con regresar junto con su madre a Alemania, donde nació, mientras ella, madre soltera, era militar del ejército estadounidense.Su ansiedad aumenta cuando el punto de partida es su propio éxito: “Half of my purchases full of my tears”, admite en 'First', que empieza como una lista de logros y luego se invierte para revelar la inseguridad que acecha.“I know the feeling of being trapped from all the things that you built”, añade en 'Cooties', una canción teñida por el miedo de que sus hijas caigan en un tiroteo escolar, es decir, de haber escapado al campo minado que era South Central Los Ángeles a finales del siglo XX y que quizás no sea suficiente.El pasado no perdona, y él no se cura. En 'Lost Times', sobre un beat de Alchemist que suena como un bareto al atardecer, recuerda viejas batallas en la calle Figueroa. Acá la muerte y la belleza no se contraponen, argumenta Q, sino que son sinónimos.'Foux', otro tema de energía intensa, en colaboración con su compañero de TDE Ab-Soul, es reminiscente de 'Druggys Wit Hoes Again' —no necesita explicación—, de Habits & Contradictions (2012).El inicio de su carrera es una vorágine borrosa para Q, una fiesta salvaje de la que no recuerda mucho. Y así como en HERBERT (2022) Ab-Soul rompió más de un lustro de silencio con un trabajo maduro en el que expone su depresión y sus consecuencias casi fatales, Blue Lips también funciona como ejemplo del crecimiento artístico y personal de Q.Todavía puede firmar bangers heterodoxos llenos de confianza y destreza, pero, cerca de cumplir 40, los disparos dados y recibidos, los robos y los arrestos domiciliarios aparecen diminutos en el retrovisor.Tras los asesinatos en el último lustro de estandartes del rap de Los Ángeles como Drakeo the Ruler y Nipsey Hussle, es digno de celebrar que ScHoolboy Q entre a la mediana edad con sus habilidades intactas y una vida mejor para él y los suyos.¿Cómo ScHoolboy Q logró escapar de la calle Figueroa? Él mismo se lo pregunta en 'Blueslides', la luz que entra por la ventana cuando despertamos un domingo hecha sonido y, para su criterio, según dijo en Twitter, una de las canciones mejor escritas en la historia.La única respuesta posible que él propone, en tercera persona, como si lo mirara desde lejos, parece ser algún tipo de magia. Pero en 'Blueslides' Q también está a punto de quedarse sin oxígeno al huir de toda la carga que lo acecha, incluída la muerte de Mac Miller.Exhausto como Sísifo, no sabe si pueda seguir corriendo. Eleva una plegaria final: Es desgarrador que por más que corre no logre escapar del todo, o que el escape sea solo aparente. Lo que vemos en el retrovisor puede estar más cerca de lo que parece.***Si quieren seguir leyendo análisis o historias sobre raperos, les recomendamos leer: Solok.Os: la mentalidad criminal en un rap que arde con dolor y verdad
Con algo de retraso, recuperamos el primer Panorama del año tras haber dedicado un extenso artículo a las 24 apuestas emergentes en Iberoamérica para este 2024. Como todos los meses, los diferentes medios que conformamos la alianza FARO, hemos elegido el proyecto artístico que nos ha parecido más interesante, en este caso surgido a lo largo del mes de febrero. Solo nos queda prometer que la próxima entrega llegará más pronto, y que esperamos disfrutéis de la playlist que hemos confeccionado, con hasta cinco canciones destacadas de cada uno de los países de la alianza.ArgentinaIsla Mujeres | Por IndieHoyEn una discografía plagada de giros, el cuarto álbum de Isla Mujeres no es la excepción. Barato ideal se despega de la electrónica intimista de su excelente trabajo anterior, Correr adentro (2022), para acercarse a la versión más cruda y visceral de la banda platense. Estas nuevas canciones nos invitan a romper las cadenas, a liberarnos de las máscaras y a celebrar la belleza de la imperfección.El proceso creativo detrás del álbum se caracterizó por la convivencia y la improvisación. El trío y su productor Aziz Assé montaron un estudio dentro de su sala de ensayo, donde durante meses exploraron ideas, seleccionaron bocetos y grabaron en un ambiente colaborativo. A lo largo de las ocho canciones que lo integran, el disco propone una odisea desde la decadencia y la violencia hasta la amistad y la búsqueda de la fuerza interior. Sus guitarras cargadas de distorsión cortan el aire de una producción expansiva y de contrastes, creando una experiencia que anima a sentir, pensar y bailar. - Juampa Barbero de Indie HoyBrasilAmaro Freitas | Por Scream & YellCuarto álbum en la carrera del pianista y compositor Amaro Freitas, "Y'Y" (pronunciado "eey-eh, eey-eh" y que significa, en dialecto indígena, agua o río) es el más experimental de sus trabajos. Es un disco que nació después de que Amaro se sumergiera en la comunidad indígena Sateré Mawé de Manaos. La forma que tuvo el pianista de devolver el intercambio de conocimientos fue componer un homenaje a la selva amazónica y a los ríos que cruzan el norte de Brasil, una pieza sonora que combina los ritos indígenas con John Cage a través de la técnica del piano preparado, utilizando fichas de dominó, cinta adhesiva, pinzas de la ropa y semillas, entre otros objetos. Según el propio Amaro, "Y'Y" es "una llamada a vivir, sentir, respetar y cuidar la naturaleza, reconociéndola como nuestro ancestro". Concebido como un disco de vinilo, la cara A de "Y'Y" sirve como expresión de la conexión con la tierra y los ancestros, y la cara B sirve como prueba de las conexiones entre la comunidad global del jazz negro de vanguardia con la presencia de Shabaka Hutchings (Londres), la arpista Brandee Younger (Nueva York), el bajista Aniel Someillan (de ascendencia cubana), el guitarrista Jeff Parker y el batería Hamid Drake (ambos de Chicago). Un disco para escuchar y escuchar y escuchar y escuchar… Marcelo CostaChileCami | Por el equipo de POTQ MagazineEn la nueva era de CAMI la electrónica es la protagonista. Así lo vimos con ANNA Vol1. LOS AMANTES, su EP lanzado a fines del 2023 y también lo escuchamos fuerte y claro en ‘Qué bueno que llegaste’, un hit en toda regla, lanzado durante febrero junto al rapero Bronko Yotte. En diferentes ocasiones, la artista ha comentado sobre su paso de sonidos más folk asociados siempre al pop, a la electrónica y explica que para ella tienen todo que ver, que hay un punto de unión, mencionando el concepto de ritual como algo que les une. Queremos ver qué le depara el 2024 a CAMI, probablemente, nos sorprenda.CubaDaymé Arocena | Por Magazine AM:PMFinalmente salió a la luz Alkemi, el nuevo álbum de Daymé Arocena que cristaliza su esperada colaboración con Eduardo Cabra. Aunque el resultado nos ha dejado con algunas preguntas, no cabe dudas de que se trata de una producción llamada a expandir los límites creativos y de audiencia de la artista. Bajo el sello Brownswood Records, Arocena entrega a través de la decena de temas que componen el disco una amalgama sonora con un fuerte acento afrocaribeño que se resalta con la presencia de invitados como Rafa Pabön y Vicente García. La alquimia de esta Daymé deshinibida nos toma un poco por sorpresa, pero confiamos que su intuición la lleve por buen camino.EspañaCarmen Boza - Encore | Por Mondo SonoroLa linense Carmen Boza es de esas cantautoras que no toma el camino fácil. Ese que se adapta mejor al gusto del oyente, con el subsiguiente riesgo de caer en el denostado mainstream. No. Carmen Boza toma derroteros que precisan escuchas, para solo así empezar a paladear los detalles de su música, pero también de unas letras que pueden ir de lo explícito a lo etéreo, de lo profundo a lo mundano, del cariz confesional a un desgarrador tono vitalista. Todo cabe en el basto imaginario de la artista. “Encore” es el regreso a la palestra de la actualidad de Carmen Boza. Un Ep de seis temas de distinto pelaje, que marcan un nuevo camino para la cantautora tras una sequía creativa de dos años que uno imagina de búsqueda, sanación y de intentar no perder el rumbo en el marasmo de este siglo. Y es fácil adivinar que así ha sido, gracias al diario vital en el que Carmen Boza ha convertido este disco que no esconde trampa ni cartón. No en vano, a lo largo de estas canciones nuestra protagonista va mostrando su desazón social (‘Lambo’), sus luchas internas (“El Altar” o “Anestesiada”), sus dudas (“Libertad o seguridad) y sus rupturas (“Remolino”). Sin olvidar tampoco ese halo de esperanza necesario para seguir en la brecha (“San Juan”). Y lo hace con un flow vocal marca de la casa, que va adaptando a las diferentes temáticas para darle a cada canción aquello que en realidad necesita, dotándolas de múltiples personalidades que son las suyas propias. Sergi MarquésUruguayLos Hermanos Láser | Por Kristel Latecki de PiiilaDesde su fundación en 2011 –directamente de las cenizas de otra gran banda de los 2000, Vieja Historia– Los Hermanos Láser han sido fundamentales en la creación de un sonido indie montevideano que fusionó una sensibilidad y gancho pop con elementos clásicos del folk, más una saludable dosis de furia rockera en el vivo, y una cuidada atención a la artesanía de las canciones. Y es así que son precisamente las canciones su gran fuerte. Las que hicieron de su disco debut (homónimo, 2013) un trabajo intachable, que los llevó a tocar junto a innumerables bandas, ganar varios premios e influenciar a una generación.Once años después vuelven con un tercer disco donde demuestran –con total humildad– su envidiable facilidad para crear melodías, frases y observaciones memorables. Este Paisaje Fósil es una apuesta a la familiaridad pero que deja entrever una madurez inevitable. Los rasguidos folk y las infecciosas armónicas ahora dan lugar a capas de sintetizadores. Se canta sobre errores, sobre culpas; sobre volver a casa y al mismo tiempo, no extrañar lo que uno fue. Es un disco que –haciendo juego con su nombre– se va revelando a medida que la escucha profundiza, encontrando facetadas, sutiles y preciadas canciones.Colombia Maikcel | Por Fabián Páez López de ShockA Miguel Ángel Rojas le dicen Maikcel y su voz es bien conocida en el under colombiano porque ha estado al frente de grupos como Zalama Crew o el colectivo La Pacifican Power. Tiene más de 10 años de experiencia haciendo rap o música del Pacífico colombiano o las dos al mismo tiempo. Su voz siempre sobresalió por su versatilidad y su flow. Y con Maikcel, su proyecto solista que recién empezó hace un par de años, está estirando su potencial. ‘Ambrustic Boy’ es su primer álbum y tiene 13 cortes en los que se mueve con soltura por los afrobeats, el trap, el R&B y el rap; casi siempre guiado por la cadencia de la marimba de chonta, instrumento insigne del Pacífico colombiano. El título de este primer álbum está inspirado en una de las canciones del primer grupo de rap colombiano en publicar un álbum, Los generales R&R. Y también es una declaración de la personalidad y la forma de hacer música de Maikcel, desde la alegría ambrústico, dice, significa estar bien.
A la mitad de la entrevista, El Kalvo detiene por un momento sus reflexiones sobre la xenofobia que persiste al interior del hip-hop colombiano y el valor de hablarle a los trabajadores para buscar alitas de pollo a domicilio. Los ensayos para su presentación en el Festival Estéreo Picnic copan su tiempo, por eso llega tarde la entrevista, anda de afán y el tiempo para almorzar se escapa. Pero si hablamos del Kalvo no solo hablamos de un man que lleva veinte años en el rap, un joven veterano que a codazos y paciencia se ha abierto un espacio como un MC único en el país; hablamos también de alguien conocido por su apetito generoso, capaz de hazañas culinarias y connoisseur de la gastronomía callejera bogotana.Así que cuando es hora de comer, todo puede esperar.Después de Algarabías (2022), El Kalvo se dedicó a encontrar territorios comunes con otros artistas. De esta búsqueda colaborativa resultaron temas como “Agencia de viajes”, con La Radio Bembé Orquesta, y la enternecedora “Lero lero”, con La Muchacha. Cuando empezó el 2023, El Kalvo entró en modo álbum y tomó esas canciones para agruparlas y darles un sentido. Así nació Los tres golpes, el disco con mayor número de colaboraciones en su carrera: Kiño, Penyair, Jam Block Jr, Turek Hem y Horus conforman la polifonía. Un secuaz de confianza como Hi-Kymon se encarga de casi toda la producción, que desde el boom bap se extiende en todas las direcciones.Al principio, El Kalvo pensaba llamar a este nuevo trabajo Kalvokalez, para marcarlo como un proyecto más personal, que reflejaba quién era. Sin embargo, Saga Uno —su aliado para crear el extravagante kit de ocio para el trabajador contemporáneo que acompaña al disco e incluye un recipiente para la comida, un cancionero al estilo de los almanaques Bristol, un rascador, un parqués y una riñonera— lo convenció de que Los tres golpes, el nombre de un tema en el que describe al detalle y con apetito jugoso qué se puede degustar en la capital en distintos momentos del día, era un título mucho mejor. Luego de debatirlo, El Kalvo le dio la razón. En todas las canciones del disco hablaba, aunque fuera por un momento, de comida: “Ordinaria elegancia” no solo define bien su encanto, sino que muestra su ojo meticuloso para describir un buen guiso que, a la vez, es una buena letra de rap.A pesar de que no le puso su nombre, El Kalvo sí vuelca en este disco las distintas inquietudes que caracterizan su rap. Ahí están su pasión por contar historias (“Jesucristo de Maracay” o “Radio Casa Grande”), su perspectiva heterodoxa del rap (“Marquillas”) y su gusto por la bareta (“Préndalo). Están las preguntas incómodas y punzantes que suele hacer, como la que le plantea a los raperos colombiano sobre el trato que le dan a los migrantes venezolanos. Y, finalmente, canciones como “Elías”, un homenaje a su abuelo que puede ser la mejor canción del disco; “He sido”, en la que traza sus memorias a través de todos los trabajos en los que se ha rebuscado el salario; o “El rapado”, como pararse frente al espejo y rapear lo que se ve, profundizan en su biografía.Sobre esto y más hablamos con El Kalvo.***¿Cómo llegó al concepto de Los tres golpes?Yo lo quería llamar Kalvokalez, así como los artistas les ponen sus nombres a sus discos más personales, los que los definen. Pero a Saga le pareció que ese título era muy suave, que Los tres golpes tenía una carga conceptual mucho mayor. Luego de reuniones y llamadas que duraban horas y horas, me convenció, porque además de lo del desayuno, almuerzo y comida, en todas las canciones hablo de comida en algún punto, más inconsciente que conscientemente, güevón. Pero al final es más amplio que eso, tiene muchas historias. Ya he hablado mucho de lo social, de lo político, ese tema me había saturado, entonces me pregunté de qué quería hablar. Los tres golpes es mi manera de definirme como MC, cuál es mi tipo de rap. Y es el comienzo de una búsqueda, de otras temáticas a las que me quise como acercar, otras maneras de decir las cosas. Pero no sé si logré definirme completamente, creo que no, todavía le falta. Menos mal no le puse Kalvokalez.Usted ha explorado llevar los álbumes más allá de las plataformas digitales y más allá del CD, ¿cómo ha sido ese aprendizaje? A mí me gusta insistir en formatos físicos porque me permite innovar, entregar la música de manera distinta. Hoy es más fácil escuchar un vinilo que un CD, güevón. Mucha gente compra un CD para tenerlo, pero no lo puede escuchar. Entonces qué lindo tener otra cosa que sí sirva pa’ algo: qué güevonada comprar algo que uno no va a usar. Tenía que ser algo útil. Ya había hecho un libro, que es útil, pero si lo leíste ya queda ahí, ya fue. Pero al final nos dimos garra con Saga, fue un proceso pesado con muchos problemas técnicos. Le dimos rienda suelta a la imaginación y nos montamos en la película de hacer algo absolutamente novedoso. Y Saga sí me dijo que él lo diseñaba, pero yo me ocupaba de hacerlo. Hágale, le dije. ¿Un cancionero? ¡Hágale! ¿Un diorama? ¡Hágale! ¿Un parqués? ¡Hágale! Fue demasiado.Ahora me decía que está un poco cansado de hablar de temáticas sociales, ¿cómo ha sido para usted existir como rapero en el gobierno de Petro?Cuando quedó Petro yo sí sentí alivio: habíamos ganado algo. Por eso me relajé y dije como bueno, ya, me voy a dedicar a hablar de otras cosas y voy a darle la oportunidad a este man para que haga lo suyo, ¿sí me entiende? La inflación va bajando, el desempleo va bajando, el dólar se mantiene bajito. Esas cosas demuestran que se está haciendo bien la vuelta, mejor de lo que estaríamos con Rodolfo Hernández o Federico Gutiérrez, presunto paramilitar. Pero los medios han vendido la idea de que el cambio no es el cambio porque las transformaciones no han sido instantáneas. Y los de siempre, con mucho cinismo, han dicho que todo sigue igual, pero ellos son los responsables de que las cosas estuvieran así. Igual hay muchas cosas que están mal. Hay mucha gente que se coló, como Agmeth Escaf, Benedetti o la vieja esa que tienen paseando por todos los cargos importantes, quién sabe qué sabe de Petro, güevón. La esposa del man tiene una actitud como toda corrupta y se ha gastado un poco de plata viajando y tiene gente ahí enchufada. Feo, feo, güevón. Son cosas que no deberían pasar.Igual ahora que acabé este proyecto sí estoy sintiendo que otra vez necesito hablar de esos temas. Hace falta análisis. No quiero decir que yo soy el único que pueda analizar la mierda, pero sí siento que como hip-hoppers tomamos la misma actitud al tiempo, como listo, ganó Petro, chao, hablemos de otra mierda, a mí no me jodan. Incluso hay unos que se desconectaron tanto que están diciendo que la mala pa’ Petro, repiten el discurso que les dan las noticias. Es el juego de manipulación. Por eso otra vez siento un impulso muy fuerte por analizar y comentar.Vamos ahora sí con los temas más serios: una encuesta rápida sobre comida colombiana. ¿Mejor frito?Yo diría que la arepaehuevo con carne mechada. Es una obra maestra de la comida sumergida en aceite.¿Postre favorito?Quizás el de tres leches o el de natas. O, no sé si es tan colombiano, pero las islas flotantes de Endulza tu Paseo, gonorrea: esa es la misión.¿Sopa favorita?El ajiaco.¿Algo que le guste que nadie espere que le guste?La comida vegana.¿Cómo surgió la idea de “Jesucristo de Maracay”? ¿Tiene que ver con plantear una postura clara frente a la migración desde la comunidad del rap?Hay mucha xenofobia en el rap. He tenido que ver a parceros raperos que hablan despectivamente de los venezolanos como ratas o chirosos. La mala pa’ las ratas, sí, que nadie robe, pero la estigmatización que vive la población migrante venezolana es muy injusta, porque los que hacen cosas malas es una fracción muy pequeña. Es más fácil ver la paja en el ojo ajeno, pero el problema no son los migrantes, sino la pobreza, la falta de oportunidades, la ignorancia, la mala educación, la corrupción que se roba la plata que debería ser para el bienestar de la gente. Por eso cuando canto “Bacatá” el mensaje es que Bogotá es para el que esté en Bogotá, esta ciudad es pa’ muchos tipos de gentes y hay espacio pa’ todo el mundo. Entonces construí esta historia para cagarme en la xenofobia, pero también en la moral católica de los que son xenófobos y aporofóbicos. ¡Mientras tanto en Palestina están bombardeando el pueblo de Cristo! La gente que está sufriendo en todos lados representa eso. Cristo era un desplazado de la violencia. Y pues es de Maracay y no de Barquisimeto porque me rimaba, y me quedaba re bien para homenajear a los raperos de allá, que son de los más ásperos del hip-hop venezolano. De hecho las historias que me inspiraron fueron las del Topo y Vampi, de Piso Ocho, que nos contaron lo duro que les tocó, pero ellos son de Puerto La Cruz, y así quedaba raro.¿Por qué le dedica este kit de ocio al trabajador contemporáneo? A veces me parece que el rap está montado en una burbuja rara, no se tiene en cuenta el diario vivir, como si todos viviéramos en un videoclip de rap, güevón, y solo hubiera ocio y placer. Quería que el álbum fuera para el descanso, está pensado para disfrutarse después de una larga jornada de trabajo. Para una persona normal la música es un escape de la realidad, una anestesia que escucha en el Transmilenio, caminando, lavando loza o haciendo ejercicio. Por eso tampoco quería hablar de temas pesados, sino más bien como toma, disfrútate esta historia de cosas asquerosas que nos inventamos con Penyair, o esta otra de Jesucristo como un migrante venezolano. Pensaba que qué chimba que el rap que yo haga sea óptimo para el que está saliendo de su camello y se quiera relajar. El disco es para dignificar el esfuerzo, como dice el intro, un tributo al esfuerzo.A propósito de “Protagonista estelar”, ¿cómo ha sido para usted rapear sobre el amor? ¿Y cómo ha cambiado con los años?No es mi temática fuerte, pero en cada trabajo discográfico trato de incluir al menos una canción que hable del tema. Siempre es difícil hacer algo tan personal, ¿no? No puedo hablar del amor como hablo de otras cosas, con esa forma arquetípica de tomar los temas, porque el amor es el amor, ¿sí me entiendes? Yo a mi novia no le puedo cantar cualquier cosa, es cuando más real tengo que ser. Me siento vulnerable. Hay gente que puede estar re parchada y escribe una canción re tusa cortavenas, y la novia está al lado, cagada de la risa. Para mí debe ser algo muy personal, y como con mi novia compartimos las artes audiovisuales, “Protagonista estelar” fue una oda a lo que hacemos juntos. Ella me ayuda a hacer los videos, yo edito cosas para ella. Disfrutamos y creamos juntos. De ahí salió lo de “Hagamos ficción y documental”, porque de verdad lo hemos hecho. Es chimba. Cuando más sincero he sido es en las canciones de amorcito.¿Cuál es su tema favorito de rap romántico?“Querer querernos” de Canserbero. La escuché antes de que saliera, porque el man la tocó una vez que vino a Bogotá como en 2011, re caleto. A toda la banda de pirobos se le salió el aire con el último ponche. Fue como mucho malparido, qué gonorrea.***Hace un tiempo invitamos al Kalvo a parodiar una elección rapeando junto a Neck Talese y El mismoperro, este fue el resultado:
Teto Ocampo siempre supo que el problema estaba en las grandes ciudades que no sabían escuchar y en la terquedad de un país que muchas veces se niega a reconocer sus raíces.'En Busca del Tercio Perdido' más que un documental es un viaje sonoro por medio de los deseos de Teto Ocampo por estudiar y acercarse, más no apropiarse, de la música tradicional. Es un tributo a su legado, que más que una lista de discos y canciones, fue siempre una celebración a lo de acá.Las melodías ancestrales y los cantos indígenas han servido durante muchos años como rituales para sanar, para llorar y para celebrar. En el caso de él fue la flauta arhuaca la que lo llamó a la Sierra a los veinte años y nunca dejó que se fuera. "No quiero saber nada más en mi vida, sino sólo saber, oír, tocar músicas como esta y conocer músicos que toquen esta música.", afirma Teto en el documental; porque entendió que en el proceso de intercambio de saberes no basta con escuchar, hay que prepararse para recibir.Al ritmo de flautas y cánticos tradicionales indígenas podemos ver una parte pequeña de los pasos del cantante hacia el descubrimiento del sonido del territorio, de las plantas, el clima, los animales y todo lo que lo abarca.Con Mucho Indio tomó prestadas melodías del Cauca, la Guajira, el Amazonas y la Sierra, y, junto a Gilbert Martínez, Pedro Acosta y Carlos Rengifo, se encargaron de mezclarlas con guitarras, bajos y baterías para hacer el paisaje sonoro de Colombia.La identidad sonora de nuestro país huele a páramo pero también a manglar, se siente húmeda como la selva y al mismo tiempo seca como el desierto de la parte más al norte.Teto Ocampo siempre lo supo: "estamos recuperando la música como territorio sagrado. No la estamos recuperando para ellos, ellos no necesitan que se las recupere nadie, sino de nosotros para nosotros, porque estaba olvidada... el tercio perdido".
El rapero Toomaj Salehi ha sido condenado a muerte en Irán por apoyar las protestas de 2022 provocadas por la muerte de Mahsa Amini, una mujer iraní de origen kurdo que fue arrestada y torturada por la policía religiosa islámica por no usar correctamente su hiyab. Salehi ha sido detenido, recluido en régimen de aislamiento y presuntamente torturado tras su arresto, según reporta Euronews. El músico de 32 años, ha criticado al régimen iraní y se ha pronunciado abiertamente contra el gobierno en letras de rap y en las redes sociales.En una medida sin precedentes, un tribunal de Isfahán revocó la decisión de la Corte Suprema sobre el caso de Saleh la semana pasada, confirmando el veredicto original de “corrupción en la tierra” y emitió la pena máxima de muerte, según los medios reformistas iraníes Shargh y Entekhab.Los medios estatales dijeron que la sentencia de Salehi está sujeta a reducción por parte de un comité de indultos si vuelve a apelar.¿Quién es Toomaj Salehi?Salehi es conocido principalmente por sus canciones de protesta sobre los problemas sociales de Irán y las políticas del gobierno de la República Islámica de Irán. Su último vídeo musical en YouTube publicado antes de su arresto en 2022 incluía la letra: "El crimen de alguien fue bailar con el pelo al viento / El crimen de alguien fue ser valiente y criticado... 44 años de tu gobierno / Es el año del fracaso."¿Cómo es hacer rap en Irán?El rap se dio a conocer en Irán a mediados de los 90, y desde los 2000 gracias a Internet, ha llegado a tener reconocimiento mundial. Aunque hay varios exponentes del rap iraní reconocidos internacionalmente, en el país no está permitido presentarse en vivo.El gobierno de país no considera el hip hop como una manifestación artística y ha reprimido ésta y otros tipos de arte originales de Occidente. En Irán, todos los artistas están obligados a presentar sus producciones al Ministerio de Cultura y Orientación Islámica para su aprobación. La mayor parte de la escena hip hop iraní se ha visto obligada a pasar a la clandestinidad.Las artistas femeninas están especialmente restringidas en Irán, ya que las mujeres no pueden cantar en público y las vocalistas solistas tienen prohibido actuar frente a hombres.
La cantautora estadounidense Taylor Swift ha vuelto a demostrar su importancia dentro de la industria musical con su nuevo álbum, 'The Tortured Poets Department', que se ha posicionado directamente en el número uno de la lista Billboard 200. Este logro la coloca entre las artistas con mayor cantidad de discos en la cima de este ranking, solo por detrás de la legendaria banda The Beatles.Desde su lanzamiento el 19 de abril, 'The Tortured Poets Department' ha acumulado un total de 2,61 millones de "unidades equivalentes", una métrica que combina las ventas de discos físicos con las descargas digitales, según informa la revista Billboard. Es decir, logró el segundo mayor debut de todos los tiempos en el Billboard 200 con 2.61 millones de unidades vendidas. únicamente por debajo de Adele que obtuvo 3.48 millones de unidades vendidas en su primera semana con el disco '25'.Esta cifra evidencia el rotundo éxito del álbum y la, ya conocida, fuerte acogida que ha tenido entre los swifties.Con este logro Taylor Swift suma 14 álbumes que ha logrado llevar a la posición más alta de la lista. Un récord que sólo tiene el rapero Jay-Z con la misma cantidad de discos y únicamente superado por la banda británica liderada por John Lennon.Sin embargo, ya venció a los Beatles con el récord del artista más rápido en alcanzar 12 primeros puestos en el Reino Unido."Ningún otro artista ha conseguido 12 álbumes número uno en tan poco tiempo. Taylor Swift lo ha logrado en 11 años y 6 meses", dijo la Official Charts Company. "Esto supera a The Beatles, que lograron la hazaña en 14 años y 1 mes", agregó.Como si no fuera poco, Swift también posicionó su último trabajo discográfico como el disco en vinilo más vendido de la historia con 700.000 copias adquiridas por sus fans. Además, como es costumbre, se convierte en el álbum más escuchado en la historia de plataformas como Spotify (en una semana) y Amazon Music (en un día).Si les interesa saber más sobre el último disco de Taylor Swift, les recomendamos: Referencias en The Tortured Poets Department, el nuevo álbum de Taylor Swift
Una pista de Drake que presenta una versión generada por inteligencia artificial de la voz de Tupac Shakur y Snoop Dogg fue lanzada el pasado 19 de abril. Que, además, se trata de un diss track para Kendrick Lamar.Sin embargo, los encargados de proteger el patrimonio de Shakur amenazaron con demandar al rapero por hacer uso, sin licencia y generada por IA, de la voz de Tupac. Por el lado de Snoop Dogg, el rapero bromeó al respecto en su Instagram diciendo: "¿Hicieron qué? ¿Cuándo? ¿Cómo? ¿Están seguros? ¿Por qué todos llaman a mi teléfono y me hacen estallar? ¿Qué carajo? ¿Qué pasó? ¿Qué está pasando? Voy a volver a la cama. Buenas noches".En la canción, Drake lanzó más indirectas a Lamar por no responder a su primer tema 'Push Ups', tildándolo como una decepción para el legado del hip-hop de la costa oeste de Estados Unidos.El track desapareció de las redes del artista después de que los abogados del difunto rapero amenazaran con demandar. El miércoles 24 de abril, el abogado Howard King, que representa el patrimonio de Shakur, emitió un comunicado a Billboard afirmando que envió un cese y desistimiento a Drake para que bajara la pista."Los herederos del patrimonio están profundamente consternados y decepcionados por el uso no autorizado de la voz y la personalidad de Tupac", escribió King en el comunicado. “El registro no sólo es una violación flagrante de la publicidad de Tupac y los derechos legales del patrimonio, sino que también es un abuso flagrante del legado de uno de los más grandes artistas de hip-hop de todos los tiempos. Los herederos nunca habría dado su aprobación para este uso”, agregó.La historia detrás de la canción de Drake generada por IAEn 'Taylor Made Freestyle', la voz de Shakur rapea directamente contra Kendrick, quien inició una tiradera el mes pasado con un verso invitado en 'Like That' de Future y Metro Boomin. “Kendrick, te necesitamos, el salvador de la costa oeste / Graba tu nombre en la historia del hip-hop. Llámalo perra de mi parte, habla de que le gustan las chicas jóvenes como regalo para mí”, se escucha decir a la voz creada con IA.'Like That' fue la respuesta a 'First Person Scooter', una canción de Drake y J Cole, incluida en el álbum 'For All the Dogs' (2023). En el track Cole mencionó a Kendrick como uno de los "tres grandes" del rap junto a él y Drake.Lamar no estuvo de acuerdo y le respondió. Luego, Cole lanzó un track en respuesta llamado '7 Minute Drill', sin embargo, al tiempo se arrepintió, bajó la canción y se disculpó con el cantante de 'PRIDE'.**Esta no es la primera vez que Drake está involucrado en un tema de Inteligencia Artificial y música, lean acá: Drake feat. The Weeknd: ¿Son legales las canciones generadas con Inteligencia Artificial (IA)?
Seguidores del PSOE (Partido Socialista Obrero Español) se congregaron en la calle Ferraz frente a la sede del partido, expresando su deseo de que Pedro Sánchez continúe en el Gobierno al ritmo de la famosa canción de Quevedo y Bizarrap, 'Bzrp Music Sessions, Vol. 52'.Los participantes se unieron para respaldar al presidente del Gobierno después de que anunciara su intención de tomarse cinco días de reflexión sobre su permanencia en el cargo. A medida que los dirigentes del partido llegaban al Comité Federal, los congregados en Ferraz coreaban consignas como "¡Pedro, quédate!", "¡Merece la pena!", "¡Justicia sí, bulos no!" y "¡Presidente, presidente!", según informó El Periódico. No es la primera vez que se usa la canción de Quevedo y Bizarrap en apoyo al presidente. Ion Antolín Llorente, director de comunicación del PSOE, escribió en algunos de sus tuits: "Quééédate que la democracia sin ti dueeele" ¿Qué pasó con Pedro Sánchez en España?El mandatario español, Pedro Sánchez, enfrenta un período de turbulencia política y personal tras emitir una carta en la que comunica la cancelación de sus compromisos públicos hasta el próximo lunes, con el fin de reflexionar sobre su continuidad al frente del Gobierno. La decisión surge cuando un tribunal en Madrid inició investigaciones contra su cónyuge por supuestos delitos relacionados con tráfico de influencias y corrupción.Bzrp Music Sessions, Vol. 52 Historia y por qué es tan exitosa La canción se lanzó el 6 de julio de 2022 y una hora después de su estreno en el estudio de Bizarrap, el vídeo superaba el millón y medio de reproducciones, En cuestión de nueve días, llegó a ser canción más escuchada del mundo, según reporta Newtral.es. “Es una canción que ha llegado en el momento justo, después de dos años de pandemia, y con la gente deseando divertirse. Tiene un estribillo cantable y un mensaje de diversión. Es verano, la gente quiere salir y, además, existen festivales en cada rincón. Es perfecta para cantarla en esas concentraciones masivas. También tiene ese rollo electrónico tan bailable. Y todo coronado, claro, por el efecto Bizarrap”, explican Los Xavales en su canal de YouTube. “No se hace un éxito de estas dimensiones si no se tienen muchos elementos. Es una canción para compartir, para dar saltos en las fiestas del verano. Además, tiene una voz diferente, grave, distinta a lo habitual. Otra peculiaridad: a diferencia de otros temas latinos tiene una melodía muy cantable que se expande. Y una letra bien rimada, con giros graciosos y una rítmica muy utilizada en la música de baile. Es un pleno en todos los ingredientes. Y conecta mucho con la gente joven: un himno donde saltan y cantan juntos”, explica citado por El País José Luis Gil, veterano de la industria musical detrás del éxito de Raffaella Carrà, Miguel Bosé, Locomía o Alaska.