Amantina es el proyecto del colombo-ecuatoriano Daniel Sorzano Perry, quien lideró la banda Les Petit Bastards en su tierra natal antes de radicarse en Bogotá en 2017. Este, su proyecto solista, ha venido publicando sencillos desde 2019, contando siempre con el apoyo de los bogotanos Ricardo Laverde y Camilo Amaya en instrumentos y producción. En 2020 publicaron “En algún lugar de la semana”, un EP pandémico que dejó ver su amalgama de synthpop, baladas milennials y R&B, consolidándose como una de las propuestas más interesantes del circuito bogotano.Tarde que temprano: cómo parar a mirar atrás para poder seguir hacia adelanteEn este, su primer trabajo de larga duración, llevaron su sonido a un nuevo techo que refleja la ambición demostrada en los sencillos que le precedieron. Pero además exploran el deseo y la sensualidad en conflicto con dos grandes problemas: la culpa católica que recubre la ética latinoamericana, y la reflexión sobre los errores que se cometen en el amor.“Con el tiempo me di cuenta de que mucho del daño que he causado, muchos de mis errores, fueron innecesarios”, nos dijo Daniel. Hay que mirar el error de frente. Las canciones datan de momentos muy diferentes de su vida: El Oro es una canción escrita desde los tiempos en los que él tocaba con Les Petit Bastards, mientras que Vivo Nasty fue escrita este mismo año. Y sin embargo, en ese proceso de volver sobre ellas, reescribirlas y transformarlas, se han entrelazado como resultado de un largo proceso personal de repensarse las relaciones.“Las reflexiones que llevaron a estas canciones también me han llevado a desaprender. Los nuevos códigos que quiero para mí mismo implican reconfigurar lo viejo o reafirmar cosas que estaba haciendo bien”. Este es un disco que se inscribe en esa misma categoría pospandémica donde caben tanto Mr. Morale & The Big Steppers, de Kendrick Lamar o Dios y la mata de lulo, de Nicolás y los Fumadores: el de una música que refleja una revisión interna exhaustiva por parte de sus compositores hombres.“Estamos diciendo lo mismo”, dice. Daniel, fue criado en una familia de fe pero abierta a su exploración más allá de la institucionalidad, y que se acercó por el lado de su madre a los oráculos de los ángeles o al tarot. Para él, su música y la de esos otros exponentes es el resultado de reconocer y recoger la realidad de la vida propia con responsabilidad y gratitud a través de terapia o, en general, a través de todo tipo de rituales personales que permiten integrar el disgusto consigo mismo en la narrativa que cada uno tiene de sí para poder transformarse. “No hay que reírse de todo. A veces eso solo sirve para ignorar el daño, pero lo que intento hacer ahora es escarbar”.Desde Tarde que temprano, la canción que más le costó escribir, dice con todas sus letras una afirmación difícil de asimilar incluso hoy, cuando esas reflexiones se dan a nivel mundial debido a tantos justos reclamos contra la violencia patriarcal: “Soy violento”. ¿Cómo dejar de serlo?Vivo, pero a qué costo: cómo cantar el deseo y la culpa como un todoEn el sonido de “Vivo, Nasty”, Amantina logra un ambiente único que refleja las tensiones temáticas de sus letras. Por un lado, hay una paleta de colores dramática, grandilocuente y casi religiosa, como en Nimbo o Lumbre, que recuerda a las producciones de Frank Ocean, FKA Twigs o Kanye West (que incluso samplea en Pararrayos). De otro, presenta una intimidad digitalmente ultraprocesada, un bedroom pop electrocutado y envenenado de sensualidad R&B, en canciones como Tragaluz o Parsimonia. Y en medio de esos extremos están el rock y el synthpop enérgico de Krrusel, Baldío Bien, Vivo Nasty o El Oro, que funcionan como puntos de catarsis o de enamoramiento.Si bien el disco no es narrativo, la producción del álbum funciona como utilería de un gran teatro. Así no lo sugiera directamente, es fácil imaginar estas canciones como la banda sonora de una puesta en escena: un cuarto al que el protagonista siempre llega de otro lugar. A veces solo, destruido, arrepentido, viendo llover con la (des)esperanza de que el mundo acabe; a veces acompañado, con el sol tras las cortinas, lascivo, enamorado o ambas. Contrario a lo que acostumbramos por las tendencias del mercado de música global, Ana María González, Esmarive y Pánico, los feats del álbum, no acaparan el sonido, sino que están siempre en función de construir ese escenario en nuestros oídos.La distorsión y otros efectos sonoros tocan con supremo detalle cada instrumento y cada fraseo, y no hay uno solo de ellos que no se sienta como un color nuevo y hecho a la medida para describir el lodo y la lluvia que pesan sobre almas caídas del Edén, o el éxtasis de los enamorados. La voz es la más afectada, y para Daniel esa creación de texturas a través de distorsiones, reafinaciones digitales y reverberaciones es como escribir un texto con apartados en itálicas, luego en cursiva, luego en negrilla. “No tiene necesariamente una función en cuanto a significados, pero sí sirve para dar intención y tridimensionalidad, y así comunicar una emoción particular”. En esa determinación a generar un sonido original, que consiguió con el apoyo de Camilo Amaya y Ricardo Laverde, está la más notable fuerza de “Vivo, Nasty”.Pero las letras no se quedan atrás. Hay motivos, como el reclamo a Dios o la figura de la condena, que trasladan las imágenes particulares de un encuentro o desencuentro con una pareja a un nivel espiritual o macro. Lo mismo sucede al revés, pues las tormentas que atraviesa, el fuego y la luz que ve en los ojos y en la boca de quien desea (y que lo puede quemar o cegar), o el pararrayos que opone a los relámpagos de una tusa que aún tiene cenizas calientes, convierten estas baladas en una épica que no deja de ser provocativa.Ese universo sonoro que crearon para contarlo es tan autocontenido que algunas canciones, como Nwbd, Si no es Dios, quién? o Lumbre pueden perder fuerza si se sacan del contexto del disco. Pero lo compensan cuatro grandes sencillos y un acercamiento fresco, a la vez muy literal y metafórico, al deseo.Una que otra herida bien abiertaA pesar de ser un disco tan personal, hablando con Daniel supimos que la portada es en realidad una foto de su primo cuando era pequeño. Lo disfrazaron de payaso y le tomaron una foto con una mueca terrible de desagrado, como hace a veces la vida misma con uno, con cualquiera. La vio una mañana, entre otras fotos colgadas en su cuarto, y le gustó simplemente por como se veía. Pero en esa decisión azarosa hay mucha de esa resignación y recogimiento, de esa revisión del pasado para identificar la vergüenza.Estamos vivos pero sucios, marcados, quemados, y continuamos en una espiral de bajada que asumimos y se siente muy bien hasta que miramos atrás. Ahí es cuando duele. Ahí es cuando los hombres, que tanto hemos dañado, entramos en un estado de angustia profunda e inmovilizante.Así, a través de Vivo, Nasty, Amantina explora los “hubiera” de nuestras relaciones y de nosotros mismos de una manera que busca aceptar el peso de los “muertos” que le siguen y le esperan en casa: la tradición, la culpa y el pasado irreparable. Pero también con “una que otra herida bien abierta” que sentimos como una mancha en el corazón y un paso más lejos de nuestra mejor versión, de nuestro yo infantil.
Finalizando el 2021 se dieron a conocer multiples listados de las canciones más populares del año y en varios de esos charts publicados en medios internacionales apareció abcdefu, sencillo de la estadounidense Gayle de 17 años publicado en agosto bajo el sello Atlantic Records. Para leer y escuchar | Olivia Rodrigo, la nueva promesa del pop gringo que salió de Disney ChannelTaylor Gayle Rutherford nació en Dallas, Texas, en julio de 2004 y empezó a cantar desde los siete años. Luego, con la aprobación de sus papás, se mudó a Nashville, Tennessee, la capital musical del country, para empezar una carrera en la música.Empezó co-escribiendo canciones con otras personas, para luego empezar a mostrarle sus creaciones a otros. En esas composiciones basicamente retrataba su visión de la vida adolescente.En una entrevista para Flaunt contó que fue descubierta a los 14 años por Kara DioGuardi, reconocida empresaria musical y ex jurado de Americal Idol, pero que supuso que esa reunión no iba a cambiar su vida. Sin embargo sí fue así, en ese encuentro, al que fue acompaña de su mamá, interpretó una canción para Kara frente a muchas otras personas y luego se reunieron en privado para un acercamiento más íntimo.DioGuardi, que ha escrito canciones para Camp Rock, Hannah Montana, Hillary Duff, Pink, entre otras, fue el puente para que Gayle firmara con la reconocida empresa Atlantic Records.A lo largo del 2020, sí, el primer año de la pandemia, Gayle auto-produjo y auto-publicó cuatro temas: Z, Dumbass, Happy For You y Organge Peel, pero fue en 2021 que las cosas se pusieron serias. Taylor Rutherford, Sara Davis y David Pittenger escribieron abcdefu para Gayle, ella la grabó, le dio su toque y fue elegida por su disquera como el primer gran sencillo debut de su carrera ante la industria. Abcdefu es una canción llena de rabia en la que una persona decide mandar a su ex pareja al peor lugar del mundo, mientras le recuerda que todo lo que lo rodea es despreciable a excepción de su perro. La canción inicialmente no tuvo un impacto grande, pero ocurrió magia con TikTok donde la canción se viralizó gracias a videos de personas entusadas que la cantaban mientras ponían fotos de sus exs. Ur Just Horny es el próximo sencillo objetivo de Gayle, una canción que continuará con una composición directa y sin filtros. Se espera que a mitad de 2022 estrene un proyecto discográfico que incluya sus primeros temas. ¡La música nos une!
Rawayana, la agrupación venezolana conformada por Beto Montenegro, Tony Casas, Alejandro Abeijón y Andrés Story, está estrenando su cuarto disco: Cuando los acéfalos predominan.Por Vanessa Velásquez Mayorga // @vanessavm__Tras 10 años de carrera, el nuevo trabajo de la agrupación nos presenta una faceta más madura en sus composiciones. Destacan, sobre todo, sus letras. La placa fue como un desahogo político en el que responden a lo que pasa en su natal Venezuela. Un instinto de levantamiento y crítica que, de a pocos, parece regarse por Latinoamérica.Acompañando el lanzamiento de Cuando los acéfalos predominan, la agrupación trabajó en el montaje de una instalación artística en la Ciudad de México, donde ahora residen sus miembros, en la que quieren expandir el universo sonoro del disco.Hablamos con Andrés y Beto, dos de los integrantes de la agrupación, días antes del lanzamiento de su cuarto álbum de estudio.¿Qué ha pasado en estos 4 años, entre Trippy Caribbean y hoy, para resultar en este disco?Beto: Más que qué ha pasado en estos 4 años es qué ha pasado en nuestra vida. Nosotros venimos de un contexto bien complejo, y como empieza el disco, es un conflicto que no sentimos que es nuestro.Conociendo el contexto colombiano, el argentino, el chileno, sé que se sienten igual. De alguna forma lo que pasó con nosotros es que después de 10 años diciendo que hay que tener una forma de escape para poder pensar correctamente sentíamos que hacía falta un disco en donde pudiésemos hablar sobre eso. Que reflejara esa introspección y ese análisis del que venimos incentivando a la gente, convenciéndoles de que es necesario. De salirte un poco del conflicto y analizar las cosas desde un punto de vista más fresco.Somos un proyecto que viene de un contexto sociopolítico muy difícil y complejo, y siempre hemos estado atados a ese mismo contexto. Este disco surge de la necesidad de conversar. El arte es conversar y comunicarse.¿Hacia dónde se dirigieron esas conversaciones, en qué momento decidieron hacer explícitas sus sensaciones y opiniones sobre el contexto sociopolítico latinoamericano?Beto: No son cosas que pensamos desde hace 4 años para acá, sino que son cosas que decidimos, como proyecto, abordar en este momento. Lo que podemos encerrar en estos 4 años es la determinación de conversar acerca de esto.Además, en paralelo al momento intenso de la gira como banda, intentamos desarrollar un documental cultural que tiene mucho que ver con el tema sociopolítico en Venezuela y en el que, por ahora, hemos fracasado. Este disco viene un poco desde todas esas frustraciones como banda. Creo que eso es lo que puede influenciar la decisión de por qué queremos hacer esta fotografía musical de lo que es ser jóvenes en Latinoamérica en estos tiempos.Andrés: Creo que también todos esos años en los que tuvimos el chance de conocer el continente, cosa que en verdad no habíamos podido hacer con tanta profundidad anteriormente, también condiciona a nivel de información y energía absorbida.El darnos cuenta de que nuestros problemas los tenemos en común con el resto de la región y que somos muy parecidos, aunque hay unas diferencias de timing y las cosas no ocurren a la misma vez en un país que en otro, pero pareciera que estamos todos atravesando lo mismo. Eso alimenta la búsqueda o la necesidad de conversar sobre estas cosas.Sobre todo, creo que era el paso natural a dar. 10 años después, 4 discos después, ya tocaba hacerlo. Se trata de hacer una fotografía y siempre va a tener mucha influencia de nuestra objetividad, pues así sucede con las expresiones artísticas, pero sí tiene una intención más descriptiva más que de nosotros haciendo un statement.Anunciaron el título y tracklist del nuevo disco acompañado de un manifiesto. ¿Cuál fue esa oscuridad a la que se refieren y qué descubrieron al encontrar la luz?Beto: No sé si hemos encontrado la luz como humanidad. En general, estamos sumergidos en esta locura: las estructuras políticas o de Estado están pasando por unos procesos bien complejos y por eso el disco se llama Cuando los acéfalos predominan, porque sentimos que se perdió la cabeza en ese sentido.Nos damos cuenta de que grandes corporaciones a nivel mundial han hecho desastres para el mundo, y estamos viendo las consecuencias o estamos teniendo acceso a esa información apenas ahora. La oscuridad está relacionada con ese ruido y con estas sensaciones de inestabilidad que tiene gran parte de la población mundial en este momento.Lo que establece este texto es que la única manera de afrontarlo (el ruido y la inestabilidad) es encararlo, y que lo encare gente que tenga el privilegio de haber sido educada y preparada para eso. El gran problema que tenemos es que no hay incentivos para que eso suceda, para que la gente con talento, educada y capaz quiera involucrarse de más porque es meterse en terrenos que son una locura. Pero también hay mucha gente que sí lo está haciendo, a su forma, y esos son los que nosotros llamamos "entes de luz”. Al final, siento que lo que ese manifiesto establece es que, si no nos involucramos, un grupo de gente interesante en el mundo, seguiremos siendo dirigidos por esta locura y seguiremos en la oscuridad.Es un disco que cuenta con 7 colaboradores en distintos tracks, de los cuales al menos 4 son Venezolanos. ¿Qué tal fue esa juntanza desde el exterior?Andrés: Algo que siempre hemos encontrado estimulante, en cuanto respecta a las colaboraciones, es poder trabajar con gente que admiramos, pero además con quienes ya hay una complicidad y una relación personal.Es mucho más divertido y más orgánico así, y hay una energía distinta. Las colaboraciones responden más que nada a eso. En el caso de los venezolanos, ya nadie de esa lista vive en Venezuela, estamos todos por el mundo, ciudadanos de ningún lado.Akapellah tiene 3 tracks en el disco, es consecuencia del concepto de cada canción y del universo que se plantea en cada composición. Recuerdo muy bien que vimos muy claro que no cualquier persona podía asumir esos roles porque requería de un campo bastante amplio y que sentimos pocas personas pueden abarcarlo.Eso de tener la capacidad de convertirse en otro personaje y apegarse al concepto que te proponen, y que el ego que has construido como artista no sea un obstáculo para tu convertirte en otra cosa. En ese sentido la colaboración de Akapellah fue clave.En el caso de Cheo, que es un gran colaborador de la banda desde hace 3 discos, lo consideramos miembro indispensable de nuestro proyecto y naturalmente iban a salir canciones con él.Fer Casillas es una gran amiga con la que trabajamos muy de cerca en la CDMX y que es de mis cantantes favoritas del mundo. Los amigos Invisibles, ¡imagínate! Referencia máxima para nosotros como músicos, como venezolanos y como proyecto nativo. En todas las categorías ellos son un pilar referencial para nuestro desarrollo y hoy en día ya los tenemos en una posición de colegas y panas.¿Cómo se dieron estas 3 colaboraciones?Beto: Akapellah, en mi opinión, es uno de los artistas más completos que tiene Venezuela. Tiene un intelecto admirable, tiene calle, se ha recorrido un montón, tiene versatilidad. Akapellah no solamente está en esas 3 canciones, también grabó coros, cantó, fue un colaborador más de todo el proyecto y ayudó en ciertas ideas dentro del estudio.Él es el featuring de este disco, realmente. Y lo que nos pasó fue que, basados en lo que pensábamos que necesitaban esas piezas, esas canciones, no veíamos a alguien con quien pudiésemos trabajar más rápido y contundente que con Pedro. Además, él viene del mundo de la improvisación entonces es un compositor extremadamente rápido, y creo que eso sentíamos que tenía que ser parte de este álbum, de que más allá de que fuese un disco de Rawayana, también queríamos colaboraciones a las cuales les tuviéramos muchísimo respeto y admiración, y con él es así. No nos dejó de impresionar en ningún momento.El lanzamiento de Cuando los acéfalos predominan viene acompañado de una instalación de arte en la Ciudad de México. ¿Qué hay detrás de esta decisión de expandir la experiencia del disco?Beto: es una manera de establecer un contacto con los seguidores más fieles de la banda aquí en la Ciudad de México. Un espacio para que puedan venir a sentir el disco, más allá de escucharlo, y para que vean gráficamente en dónde estamos cuando hablamos de lo que sentimos que es este ruido latinoamericano y global.Llevamos tres o cuatro meses hablando con Alfredo Correa y Adolfo Bueno, artistas con quienes hemos colaborado ya varias veces, y les transmitimos por donde iba la parte plástica y gráfica del disco, dirigido por el concepto de la portada y el arte de Joaquín Salim con quien también llevamos trabajando muchos años. Son muchas horas de conversaciones acerca del porqué nosotros hicimos las cosas, pero también de cómo ellos interpretan lo que hicimos. Ese es otro collab que no sale en el set list.¡La música nos une!
Las expectativas de un nuevo trabajo eran altas, pero Diamante Eléctrico acaba de lanzar el que podría ser el disco más importante de su carreras (sí, incluso más que el que les dio el Grammy) "Queríamos hacer un disco que nos representara, ahora estamos pasando por una época totalmente distinta a la de hace dos años" , dijo Juan Galeano hace algún tiempo cuando lanzaban el primer sencillo de este disco. Placebo fue la primera pista que hace unos meses escuchamos. La prueba de que lo se venían tenía toda la identidad eléctrica, pero al mismo tiempo le daba la vuelta. Y hoy a la medianoche lanzaron sin previo aviso La gran oscilación, porque como uno de sus integrantes escribió en las redes “el grito se da solo”. La estrategía fue mejor, dejaron copias escondidas en lugares claves de diferentes ciudades de Colombia, que volaron en poco tiempo. Para algunos, este nuevo álbum podrá ser percibido como más experimental y conceptual, saltando por tiempos y ritmos, como en su momento lo hicieron sus héroes Led Zeppelin, Black Sabbath y algunos otros. Unas horas previas al lanzamiento del disco, Billboard lanzó en exclusiva Déjala Rodar, otro de los sencillos del disco, un track con infusiones de blues listo para destrozar en una buena pista de baile. Sí señores, porque el rock también se baila. Después de ganarse un Grammy, de abrir los conciertos de Foo Fighters y los Rolling Stones, las ganas de que un nuevo disco de Diamante viera la luz eran muchas. Sin duda podemos decir que nos dieron lo que queríamos; una dosis evolucionada de Diamante Eléctrico, un nuevo universo musical, nuevos elementos, experimentos, ritmos y poder. Seguros de que esta nueva grabación totalmente análoga realizada en Bogotá con el ingeniero de Third Man Records Joshua Smith -conocido por su trabajo con Jack White, Beck y The Dead Weather- va a dar mucho de qué hablar. Le damos la bienvenida a la Gran Oscilación del Diamante Eléctrico. Foto: Gustavo Martínez
¿Qué sonaría en la recepción de un viejo hotel japonés que no recibe huéspedes desde hace décadas? Devendra Banhart se sintió atraído por ese concepto estético y comenzó a forjar las canciones de su noveno disco, al que, sin aviso ni previa invitación, se asomó la sombra de la muerte insistentemente. "Fui a demasiados funerales en los últimos dos años... Ese sufrimiento es una experiencia muy específica", reconoce en una charla con Efe en Madrid este músico y artista plástico, que en el proceso de componer y grabar "Ape in pink marble", su nuevo álbum, padeció las muertes de su amigo y colega Asa Ferry y la de su padre biológico. Sin embargo, para Banhart este este un disco sobre la muerte. "No es un álbum que procesa la pérdida, pero la muerte inevitablemente informó las canciones", afirma sobre sus más recientes composiciones. Explica en ese sentido que "Middle names", el sencillo que anticipó y que abre este trabajo, es en efecto un tema sobre Ferry, pero que empezó a componerlo antes de que le sobreviniera la parca. Sobre "Mourner's dance" (el baile del doliente, en español), aparentemente más obvio en su relación con la muerte, cuenta que lo que lo motivó fue su relación con la esposa coreógrafa de su amigo el músico brasileño Rodrigo Amarante y la curiosidad en torno a esta disciplina, a su capacidad para conmover. "¿Cuál sería la música en un funeral?", se preguntó a la hora de crearlo. Reconoce a su vez que, de la misma manera que la muerte, también California y el barrio predominantemente mexicano en el que se grabó el disco lo maleó de alguna manera no explícita. Desde su debut con "The Charles C. Leary" (2002), Banhart -hijo de estadounidense y venezolana- es uno de los grandes representantes del nuevo folk anglosajón. Con "Ape in pink marble" (Warner Music) cierra tres años de silencio musical desde su predecesor, "Mala". El título del nuevo álbum, por ejemplo, bebe tanto de la imagen que evoca (un mono de mármol rosa) como de la metáfora que encierra, una doble alusión al mundo masculino ("el mono, muy impulsivo y físico") y al femenino ("el mármol, sofisticado, a la vez muy bello y muy fuerte"). "La dirección de los discos ahora tiene mucho que ver con lo que intento evocar. No me planteo las canciones en función de los instrumentos, sino más bien del tipo de película que quiero proyectar", revela. En este caso, el escenario era "un hotel imaginario en una parte de Japón que nadie visita, en un Oriente imaginario y desvencijado que hace 20 años que no recibe ninguna visita, pero que sigue siendo muy misterioso". A partir de esa premisa, decidió incluir un koto (instrumento tradicional japonés), pero también sintetizadores que, como el papel rasgado que imaginaba en las paredes de ese hotel, agonizaran. Para ello recurrió a teclados de pequeño tamaño, casi de juguete, y con las baterías a punto de agotarse. "Creo que voy hacia un tipo de música en el que no hay agresión ni ataque", valora sobre sus últimos pasos en la música, que le encaminan en una dirección opuesta a aquella canción de Daft Punk, "Harder, better, faster, stronger". Por: EFE // Foto: Gettyimages
Hoy, 20 de septiembre, a las 4 de la mañana Gorillaz posteó la primera foto en su cuenta oficial de Instagram. Por supuesto sus seguidores entraron en una euforia colectiva porque esta puede ser la pintada definitiva de que pronto estaremos ante nuevo material de una de las bandas más poderosas de los últimos tiempos. Las fotos son una especie de travesía cronológica a través de la historia de la banda y la conclusión de esta seguidilla de post puede ser precisamente el material sonoro fresquito. Aunque desde hace mucho tiempo hay varios comunicaciones que apuntan a que la banda está dentro de estudio, hace mucho no sentíamos tan cerca este momento. Véalo por sus propios ojos: Instagram.com/Gorillaz
Justo cuando están por comenzar una nueva gira por escenarios europeos, nos damos a la tarea de escuchar lo que Systema Solar nos ofrece como su tercer golpe sonoro. Por:José "Pepe" Plata // @owai Imaginemos que al mundo cae un meteorito cuyo impacto no está ligado al fatalismo, la destrucción o la extinción de la raza humana. Más bien imaginemos que ha llegado para esparcir la buena onda y hacer que en todo el orbe haya felicidad y se tenga la posibilidad de bailar, pero también la noción de lo que sigue es tomar partido sobre aquello que pasa en este planeta que llamamos tierra. Imaginemos además que ese impacto vendría acompañado de una banda sonora. Y es hecha con entrañas de felicidad que sale de los barrios de Barranquilla, Cartagena, Medellín, Cali o Bogotá a los escenarios del mundo. Es una expresión sonora que tiene amigos en Argentina con la cumbia villera, en Perú con los tecnohuaynos, en Venezuela con la Changa Tuki, en México con las cumbias sonideras, en Brasil con la technobrega, en República Dominicana con el mambo o en Panamá con el reggaetón. Se trata justamente de una música que no deja a nadie quieto. Y que no puede ser mejor manera de mostrarnos cómo se puede llevar un mensaje de esperanza y gozo sin ser doctrinario. Así es como llegamos a la tercera producción de Systema Solar que va justo Rumbo a Tierra. Un golpe de gracia y alegría que nos confirma cómo tras diez años de existencia, ellos se quedaron dentro de nuestros corazones. Y además dentro de nuestras necesidades sonoras y humanas para sobrevivir. En esta tercera placa, hay una obra completa que se ha dado a la tarea de invitarnos al mundo fantástico de la Berbenautika, pero también de darnos necesarias muestras de reflexión. Y es hora de desmenuzar un disco que nos tenía ansiosos. Las dudas han sido resueltas y así es como suenan sus once canciones: Tumbamurallas: Un himno directo, una llamada a la tribu para que se levante y combata. Un himno a la llavería, a la libertad y a todo lo que significa soñar. Rumbera: Su clásico grito de “Este es el Systema pa´que sepa” es una invitación champetera a bailar y a estar en la verbena. Y el que no acuda a ese llamado, no sabrá qué es el gozo. Aguzaero (Con Pedro Ramaya): Una plegaria, un llamado a la lluvia y al agua que bien necesitamos. Y si además le añadimos unos scratches, tenemos bien formada la plegaria para que nos caiga el agua. “El aguacero me tiene loco….” con unas gaitas de fondo, nos hacen sentirnos en casa. ¿Qué pasó?: Esa es la gran pregunta de estos tiempos. Y es la que Systema nos invita a reflexionar entre referencias a los sonidos balcánicos y toques jamaiquinos… Aló? (Con Abelardo Carbonó): Una canción que nos llama a la acción. Con un sonido hipnótico mezclado además con una llamada telefónica de aquellas que enamoran o decepcionan. Pa´Sembrar: Sin la agricultura no somos nada. Sin semillas mucho menos..y el que se las quiere llevar pone en duda el futuro de la humanidad. Una trópico-reflexión divertida con un flow que justamente nos habla de esa base necesaria para la vida y la alimentación. ¿Nacimos o no pa´semilla? Somos la tierra: Un acordeón vallenatero nos introduce a una de las canciones más poderosas disco. La misma que nos invita a reflexionar acerca de la destrucción que se ha generado con la minería, la extracción o otras formas de explotación que ponen en vilo a la humanidad. Y además con un coro de niños que si en el futuro sobreviven, de seguro estarán en la capacidad de esparcir el mensaje. Mi Caribe: De nada sirve tener raíces si no se siente ser parte del mundo. De nada sirve ser alguien del mundo si no se tienen raíces. Y el caribe es la base de este combo galáctico sonoro. El que come pescado, saluda con el dedo gordo, dice bacano, usa sombrero y baila sin par pedir perdón. Champe Tablúo: Una sofisticada manera de decir que el barrio es el que manda la parada. Lo ha hecho por años y Systema bien lo sabe. ¿Es house, es disco, es un blues de estos tiempos? Mejor escuchar y gozar. La Plata (Con La 33): Nunca está demás colaborar con la gente que se aprecia. Aquí el juego de palabras es justo un llamado de atención sobre el dinero, el billete, las lucas, la plata como se le quiera dar el nombre a los billetes y las monedas. La plata hace de las suyas en este tiempo; pero se puede salir airoso de ese conflicto. El Wuere: Revisar este lanzamiento previo no está demás. Una canción fiestera y divertida que tiene bases champeteras que llaman a la pista de baile. Sea en la discoteca o en el suelo. Se baila porque se baila. La invitación está hecha. ¡A gozarrr! Lea además: Los regalos de Systema Solar antes de su lanzamiento
El próximo 15 de julio, Systema Solar lanzará su nuevo disco Rumbo a Tierra. Desde ya nos preparamos para uno de los discos nacionales más esperados del 2016.Esta constelación de genios musicales lleva desde el 2007 surfeando la cima de aquella ola de nueva música colombiana que está invadiendo al mundo; ya nos han envuelto en su universo con dos discos: uno homónimo y el otro, más reciente, La Revancha del Burro. Mañana la nave del Systema Solar despega nuevamente con Rumbo a Tierra y lo hace para llevarnos a uno de esos viajes que ya nos tienen acostumbrados. Lleno de misticismo, magnetismo y sin duda de mucho ritmo.Rumbera, fue el nombre del primer sencillo y el primer bocado de lo que se nos viene pierna arriba con un nuevo disco. Una canción con una invitación directa a dejarlo todo en la verbena, como para bailar en una sola baldosa, con mucha melodía, movimiento y ese toquecito vacilado al que nos tiene acostumbrados el Systema.Partiendo de ahí, no podemos esperar más del nuevo disco de esta constelación que una pieza construida para el exorcismo bailable. Y mientras llega el momento de poder escuchar/bailar esta nueva placa discográfica, nos regalan tres sorpresas: la carátula del disco, una playlist curada por ellos mismos para echarle gasolina a la hoguera y el disco y la preventa del disco en Itunes a precio ganga.Como lo prometido es deuda, aquí va. 1. La Portada2. El link para comprar Rumbo a tierra a precio especial: ¡Clic aquí para comprarlo!
Después de una joya sonora como Móntate en el viaje, el Cero regresa con un trabajo palpitante y listo para dejarlo todo en el baile.Dicen que a los 16 años este productor de herencia costeña tuvo su encuentro con una guitarra y desde ahí decidió invocar a la música por el resto de sus días, amén. Y aunque se ha fortalecido gracias al consejo de maestros como “Teto” Ocampo o Edgardo “El Mono” Moscote, su aprendizaje ha sido empírico y su código sonoro, nutrido tanto de la mística tropical del Caribe colombiano como de la electrónica experimental, es la conjura entre el pasado y el futuro. La sangre fría y la sangre caliente. Entre el caminar sin rumbo y el carnavalear a muerte. Ya hace algunos años que los remixes firmados con el pseudónimo Cero39 (el más popular es uno de Fuego de Bomba Estéreo, aunque también ha remezclado a artistas como Lido Pimienta o los argentinos del sello ZZK: Tremor o El Remolón) o temas propios como Estate cumbia se toman los playlists de los más fervientes neocumbieros del globo, articulando ese sonido que él mismo ha bautizado como “chucu chucu advance”. Nómada por naturaleza, el Cero es un alma que ha vagado por Europa y por México, que ha realizado expediciones musicales por el Magdalena Medio, investigaciones en las profundidades psicodélicas de Barranquilla y producciones monstruosas en Cali, Medellín y Bogotá. Hace varios años estuvimos presentes en el lanzamiento de Móntate en el viaje (una joyita musical a la que aún seguimos dándole play) y por eso esta vez no nos podíamos bajar del bus de un nuevo lanzamiento. Esta vez conformado por Yei Dari, Fredo, Victor y Yu Hee, el proyecto presenta su nuevo trabajo Moni, Moni, El próximo 7 de julio lanzará oficialmente su disco en el Teatro Lumiere. Acá toda la información
Adele confirmó a través de Facebook que '25' saldrá al mercado el mismo día en el que llegará a las salas de cine 'Los Juegos del Hambre: Sinsajo - Parte 2'.Los seguidores de Adele han esperado cuatro años para escuchar lo nuevo de esta artista británica que irónicamente nos enamoró con sus canciones de desamor. Este jueves, la autora de temas como ‘One and Only’, ‘Rolling in the Deep’ y ‘Don’t You Remember’ explicó en un comunicado publicado en Facebook y Twitter que su nueva placa discográfica explora a la perfección su nueva yo y deja al descubierto la madurez que ha adquirido con los años. (LEA TAMBIÉN: Adele reveló un corto adelanto de su nueva canción)Así mismo, la cantante reveló que el próximo 20 de noviembre es el día que escogió para publicar su nuevo disco y admitió que ‘21’ fue un disco dedicado a la ruptura, pero que ‘25’ “es más un álbum de reconciliación”. Hello es el video del primer sencillo del álbum '25' que nos presenta Adele. El clip recrea los momentos pretusa de una relación.
El 27 de abril se entrena en HBO Max 'Amor y Muerte' una nueva serie de crimen basada en el caso de Candy Montgomery. Una mujer de Texas que tuvo una aventura con el esposo de su vecina, a quien luego asesinó con más de 40 hachazos, y que a pesar de toda la evidencia en su contra, fue declarada inocente. 'Amor y Muerte' es en realidad una miniserie. Serán siete capítulos en total estrenados de forma semanal, aunque los tres primeros estarán todos disponibles el 27 de abril. Lee también Las mejores series para ver en HBO Max en 2023Escrita por el guionista David E. Kelley, creador de historias como Big Little Lies (2017-2019) o The Undoing (2020), y además con Nicole Kidman en la producción ejecutiva. La serie desde el tráiler intriga. Si aún no lo han visto, aquí pueden darle un vistazo. Elizabeth Olsen es la protagonista de la serie interpretando el papel de Candy Montgomery y Jesse Plemons como el marido de la víctima. 'Amor y Muerte' no es la única producción basada en esta historia. El caso - sucedido hace más de 40 años en 1980- fue conocido por las masas gracias al libro 'Evidencia de amor: una historia de pasión y muerte en los suburbios' de 1984, un éxito de ventas de los periodistas John Bloom y Jim Atkinson.Luego, en 1990, el libro fue adaptado en la película para televisión 'Implicación criminal' y un par de decádas después, en 2022, Hulu lanzó la serie 'Candy: Asesinato en Texas con Jessica Biel' como protagonista. La serie estuvo bajo la dirección de Leslie Linka Glatter en casi todos sus capítulos. Ella describe 'Amor y Muerte' como una historia que se trata de mujeres y hombres de la época que lo hicieron todo bien, pero que aun con la vida perfecta, los vacíos hacen su aparición,"Se casaron a los 20, tuvieron hijos, se mudaron a los suburbios, construyeron la casa de sus sueños. Entonces, ¿por qué se sienten tan profundamente vacíos por dentro? ¿Por qué hay un agujero en su corazón? Ella toma una decisión horrible para llenar ese vacío" explica en entrevista con Vanity Fair. En la vida real, Candy Montogomery ahora tiene 73 años y es terapeuta. Luego del juicio abandonó la ciudad en la que vivía por el escrutinio masivo de su vida en medios de comunicación y la el desprecio de sus vecinos que le gritaban ¡Asesina! Por otro lado, la familia de Betty Gore, la mujer fallecida, no está nada emocionada con la noticia de una nueva serie que revive el caso. Para ellos es lamentable que siga despierto el interés por un evento sucedido hace más de 40 años. Ahora, ¿Cumplirá 'Amor y muerte' las expectativas en términos audiovisuales? Lo sabremos pronto.
Quentin Tarantino ya está preparando lo que sería - de verdad- la última película en su carrera como director. Luego del éxito de 'Once Upon A Time In Hollywood' que ganó dos premios Oscar por mejor diseño de producción y mejor actor de reparto a Brad Pitt, un nuevo guion titulado 'The Movie Critic' ya está escrito y se espera empezar a rodar en septiembre. Entre rumores y detalles guardados en secreto, lo que se sabe de la película es que ambienta su historia en Los Ángeles en la década de los setenta y tendrá como protagonista a un personaje femenino. Según una entrevista con el medio The Hollywood Reporter, todo parece indicar que la inspiración para el personaje principal podría ser Pauline Kael. Una de las críticas de cine más influyentes de todos los tiempos, respetada por muchos cineastas y colegas, entre ellos Tarantino.Kael, quien falleció en 2001, era conocida por su irreverencia y sus peleas con editores y cineastas. A finales de la década de 1970, Kael trabajó brevemente como asesora para Paramount, puesto que aceptó por petición del actor Warren Beatty. Esta coincidencia de tiempo y espacio aumenta las probabilidades que la inspiración del personaje principal sea ella. La película aún no cuenta con estudio asociado ni con reparto. Sin embargo, las especulaciones apuntan a que Tarantino continúe con Sony. En cuanto al elenco, Tarantino es conocido por las relaciones estrechas con sus actores. Samuel L. Jackson, Christopher Waltz, Uma Thurman, Brad Pitt, son nombres a los que ya estamos acostumbrados en los carteles de Tarantino. Ahora, en 'The Movie Critic' crece la expectativa del elenco, sobre todo por el hype del largometraje final.Si Tarantino cumple su palabra, esta sería su décima y última película. De esta manera, su promesa de realizar diez filmes y retirarse a los 60 años estaría próxima a volverse una realidad. Las nueve películas anteriores en su carrera de director son: Reservoir Dogs (1992)Pulp Fiction (1995)Jackie Brown (1997)Trilogía de Kill Bill (2003)Death Proof (2007)Unglorious Basterds (2009)Django Unchained (2012)The Hateful Eight (2015) Once Upon a Time in Hollywood (2019)Esta promesa tiene su origen en la filosofía de que los directores pierden el contacto con la realidad a medida que envejecen que Tarantino defiende y comparte. Así lo dijo en 2012 para Playboy 'Quiero parar en cierto punto. Los directores no mejoran con la edad. Normalmente, las peores películas de su filmografía son las cuatro últimas. A mí me importa mi filmografía, y una mala película estropea tres buenas.'El director ya cumplió sus 60 años en el mes de marzo, tiene planes de regresar a la televisión y recientemente publicó el libro 'Cinema Speculation', un compilado de películas clave del cine norteamericano de los setenta analizadas desde su óptica y su experiencia personal.
Las películas y series de superhéroes son cada vez más incluyentes: ya vimos en Marvel a la primera heroína latina (America Chávez) y a la primera musulmana (Ms. Marvel). Ahora es el turno de DC, que lanzará Blue Beetle, película en live action de su primer superhéroe latino, prevista para estrenarse en agosto de 2023. Blue Beetle será interpretado por Xolo Maridueña, de 21 años, actor nacido en Los Ángeles con ascendencia cubana, ecuatoriana y mexicana. Jaime Reyes, nombre del protagonosta, se encontrará con una antigua reliquia de biotecnología alienígena: El Escarabajo. Este Escarabajo le elige para ser su anfitrión simbiótico, por lo que gana una poderosa armadura con habilidades extraordinarias e impredecibles, cambiando para siempre su destino al convertirse en un superhéroe bajo el sobrenombre de Blue Beetle.Jaime es el tercer personaje en asumir el manto de Blue Beetle, pero es sustancialmente diferente de sus predecesores. Presentado originalmente en 1939, el Blue Beetle original, Dan Garret, era un oficial de policía que luchó contra el crimen con superpoderes obtenidos al ingerir vitamina 2X. Una versión renovada de este personaje, el arqueólogo Dan Garrett, presentado en 1964 por Charlton Comics, extrajo habilidades místicas de un antiguo escarabajo egipcio. Publicado por Charlton Comics y más tarde DC, Ted Kord, el segundo Blue Beetle fue un alumno de Garret que continuó con su legado de lucha contra el crimen disfrazado, aunque no tenía superpoderes.Jaime Reyes apareció en los cómics por primera vez en 2006 retomó y amplió el mito del Blue Beetle. Se revela que es de origen extraterrestre, el escarabajo se une a Reyes y le proporciona una armadura extraterrestre poco después de la muerte de Kord. Aunque solo es un adolescente, Reyes forma rápidamente una relación laboral con el ex compañero de equipo y mejor amigo de Kord, Booster Gold, y es incluido en los Jóvenes Titanes y la Liga de la Justicia. Jaime ha sido un personaje popular desde el principio y ya ha aparecido en múltiples adaptaciones de DC. Estuvo en la última temporada de Smallville (interpretado por Jaren Brandt Bartlett) y ha tenido un papel importante en la serie animada Young Justice (con la voz de Eric Lopez). En particular, la temporada 2 de Young Justice giró en gran medida en torno a la amenaza que representa Reach y cómo esperaban usar el escarabajo para controlar a Jamie y apoderarse de la Tierra.
Bad Bunny apareció en la portada de la revista Time, lo que lo ratificó como una de las figuras más importantes de la música en el mundo. La icónica portada de Time evoca a otro famoso hijo de Puerto Rico: Ramón Emeterio Betances, padre de la independencia boricua. Conocido como El Antillano, Emeterio Betances fue periodista, médico, poeta y una de las figuras más importantes de la historia de Puerto Rico y el Caribe, fundamental en el movimiento independentista y abolicionista boricua, de acuerdo con Wearemitu. Betances fue uno de los líderes intelectuales de la rebelión de 1868 llamada El Grito de Lares, la primera gran revuelta contra el dominio español en Puerto Rico.La famosa frase de El Antillano es “¿Y qué les pasa a los puertorriqueños que no se rebelan?” En la portada de Time, Benito está sereno, con una elegante inclinación de la cabeza y el cabello peinado hacia atrás, luciendo innegablemente como la icónica foto de Betances. Deliberado o una simple coincidencia, lo cierto fue que la referencia no pasó inadvertida. En 2022 Bad Bunny lanzó Un verano sin ti, su quinto álbum de estudio en solitario, fue el álbum de mayor rendimiento del año de Billboard, superando a Taylor Swift y Harry Styles. Rompió el récord histórico de ingresos por giras en un año calendario, con $ 435 millones ganados, y fue el artista más reproducido de Spotify por tercer año consecutivo. "Pero Bad Bunny también quiere ser solo Benito; para hacer lo que quiera, o hace lo que le da la gana, como llamó a su segundo álbum", dice el artículo central de TIME. "Y hasta este punto, es exactamente esta mentalidad la que le ha traído un éxito sin precedentes. Donde otros músicos que alcanzan su nivel de estrellato han ocultado ciertas partes de sí mismos, Benito se ha negado a ceder: en el lenguaje en el que canta; las posiciones políticas que asume; los vestidos y el esmalte de uñas que usa".
Cada semana en Recarga Latin X les compartimos las novedades la música colombiana y latinoamericana, una selección de 15 canciones hecha por el equipo de Shock con sencillos recién salidos del horno que van directo a decenas de playlist de oyentes del continente. Estos son los estrenos que deben escuchar para estar al día con la nueva movida.Deseándote - Ryan CastroLuego de su aclamada participación en el Festival Estéreo Picnic, El cantante del Ghetto vuelve a unir fuerzas musicales con sus amigos Nath y SOG.Flores - La PardoLa cantante y compositora caleña estrena una especie de trap para curarse de un amor que hirió profundamente.Fuerza y temple - Las avispas africanasEl nuevo álbum de la banda tiene 12 pistas y una duración de 50 minutos. La mitad de las canciones son inéditas.Un Pulmón - Mayra SánchezLa cantautora le compuso esta canción a la persona a la que le rompió el corazón. En el pasado Estéreo Picnic la caleña se subió a una de las tarimas para cantar con Pilar Cabrera.Dream team - Rap Bang ClubUna oda al combo, al crew, a la familia que se hace en el camino de la música. Es el primer sencillo de su próximo álbum Perro Romántico.Bumbum intenso – Luis Eduardo AcústicoUno de los reyes del #RitmoExótico vuelve con más poderes que nunca. Un tema piscinero, pleno para el viajecito de vacaciones de semana santa.Se acabó el amor - La RamonaEn este tema la cantante habla de una de las rupturas que más le marcó su transición a quién es hoy como persona: una mujer que no le teme a decir no, a poner límites, a ponerse primero por encima de la complacencia,Otros temas recomendados:Calma – Briela Ojeda, Andrés GuerreroVengan ya - Element BlackCurvas - Junior Zamora, Claruz, FloydComo es arriba, es abajo - Natanael Cano, Dan SanchezMamita Santa - Porter, Ximena SariñanaAeropuerto - 2 minutos, Fabulosos CadillacsNena, Dime algo - Usted SeñálemeloCortes Modernos – Clubz¡La música en español nos une!
