Este no es un listado producto de la sistematización y el debate, como lo hacemos cada año en nuestra selección de los mejores discos y las mejores canciones colombianas (acá los pueden ver en nuestro especial).No nos interesa ser prescriptores de lo que “deberían” o no escuchar. Pero acá están los discos que cada uno de nosotros cree que vale la pena, cuanto menos, compartir.Por Paula Ricciulli 'Rush'- ManeskinDesde hace un par de años, la banda italiana ha estado en todas partes: desde Eurovisión hasta el listado de las más populares de TikTok. A comienzos de 2023, Maneskin presentaron su tercer álbum con 22 canciones que retratan su corta pero vertiginosa carrera. En Gossip, junto a Tom Morello, la banda le habla a los chismosos y al sueño americano. En Kool Kids incursiona en el post-punk y en Feel, se burlan de la "cocaína en la mesa", en referencia a su escándalo de 2021, cuando se acusó a Damiano de inhalar cocaína en el marco de Eurovisión. Es un disco sumamente divertido en el que el grupo no se toma a sí mismo demasiado en serio. 'The Ballad of Darren'- BlurThe Ballad of Darren es el noveno álbum de Blur y el primero en casi 8 años. Son 10 canciones concisas en las que el grupo explora la pérdida, la nostalgia y la melancolía. Aunque todos los miembros de Blur han tenido proyectos independientes, definitivamente es innegable la fuerza cuando se reúnen los cuatro integrantes: cada uno encaja en un perfecto rompecabezas. En palabras de Damon Albarn a Consequence of Sound: “claramente hay algo de magia ahí que no podemos aprovechar a menos que seamos nosotros cuatro en una habitación. Es como tener una solución mágica. Tienes pequeños viales, tomas una pipeta y dejas caer ciertas cosas en ella y solo con la combinación correcta se vuelve del color Blur”.'Data'- TainyConsiderado uno de los mejores álbumes latinos del año, Data nos presenta un viaje por el trabajo de una de las mentes maestras del reggaetón. En momentos en los que este género es uno de los más escuchados mundialmente, llega la pregunta: ¿Qué viene ahora? La respuesta, según el reconocido productor, está entre referencias al sci fi o al anime, y una fusión de electrónica, pop, R&B y afrobeats. Son 19 canciones con artistas y propuestas diferentes, pero una cosa en común: el ímpetu creativo de Tainy y su capacidad inagotable de crear hits. 'GUTS'- Olivia Rodrigo Con Sour, su álbum debut, Olivia Rodrigo evocó a Paramore, que fue determinante para el feminismo pop-punk de las millennials. Ahora con GUTS, su segundo trabajo, la artista de tan solo 20 años sigue dejando huella en la biblia de mujeres rabiosas del rock, al mejor estilo de Courtney Love, Gwen Stefani o Alanis Morrisette. En inglés, la palabra GUTS tiene varias acepciones: tripa o vísceras, y también valentía o coraje, y el álbum reúne las 2: la rabia de sobrellevar las altas expectativas que se tienen de las mujeres y las decepciones amorosas, y las agallas para hacer un trabajo que cautiva y emociona a todas las generaciones. Por Fabián Páez López'Lahai'- Sampha Nos dijo Sampha en entrevista para Shock que convertirse en padre lo hizo sentirse parte de una cadena que no sabe hacia dónde va, pero que tranquiliza el miedo existencial que le provoca su propia finitud. Quizá por eso ‘Lahai’, el segundo álbum de este artista nacido en Londres fue lanzado seis años después de su genial debut con ‘Process’. Quizá por eso habla insistentemente de la conexión con las personas, de la permanencia en el tiempo (Lahai no solo es su nombre, sino el nombre de su abuelo), de los sueños y la espiritualidad. Y quizá por eso también su voz se desliza entre la calma más profunda y el desgarro existencial. Sampha, que ha acompañado a SBTRKT, Kendrick Lamar, Travis Scott, Beyoncé o Drake, volvió a ponerse en el centro con un álbum terapeútico, impresionista y reflexivo; una producción que experimenta con secuencias acústicas programadas y nos enseña, sin querer, sobre la paciencia y otra de las inquietudes de Sampha: volar.'Venus & Blue'- RubioVenus & Blue es el tercer álbum de la chilena Fran Straube con su proyecto solista Rubio. Son 10 canciones en las que aparecen ritmos impredeciblemente, van desde el pop experimental, pasan por el new wave, el dembow, la música clásica y el rap. Los temas están dispuestos de tal forma que Fran no es la protagonista, sino una traductora de estados emocionales, aunque sus letras vengan de vivencias personales; quiso jugar con la idea de los dos personajes, por eso Venus y Blue representan dos estados de ánimo encontrándose. Es un disco que te lleva de arriba a abajo y de abajo a arriba en una misma canción. Te infla el pecho con arreglos de música clásica mientras te pone nostálgico o te pone a bailar un perreo lagrimeando. Sobre este disco hablamos con ella, aquí encuentran la entrevista completa.'Timeless'- DavidoHace rato que la música pop bebe a chorros de los afrobeats. Y ya son bien conocidos en la industria los nombres de los nigerianos Burna Boy, WizKid o Rema. El impacto ha sido tal que hasta Burna Boy y Rema, por ejemplo, colaboraron con J Balvin y Feid, respectivamente. Por constancia y capacidad de hacer himnos tan bailables como virales, David Adeleke (Davido), que también es de origen nigeriano y es uno más en la lista, demuestra que los afrobeats se instalaron en el mapa de la popularidad. Timeless es su cuarto álbum de estudio y fue lanzado después de un trágico accidente en el que murió su hijo de tres años. Por eso empieza este álbum con canciones para sobreponerse y pararse firme. En el proceso, se anotó su canción más popular hasta la fecha: ‘Unavailable’ (feat. Musa Keys). 'Sundial'- NonameEn 2016 y 2018 Noname sacó dos de los mejores álbumes de rap de los últimos tiempos (en 2018 acá reseñamos Room 25). Desde entonces, poco se escuchó de ella. Si la siguen en Instagram sabrán que le hastían las lógicas de la industria de la música. Grabar en medio de la desigualdad y las contradicciones. Le hastían el racismo, el capitalismo, la desigualdad, el capacitismo y, sobre todo, la falsa solidaridad y la condescendencia. Noname tiene inevitablemente un modo de rapear que suena intelectual. Pero detrás de la mordacidad y la profundidad de sus palabras este álbum suena, sobre beats jazzeros, como una ráfaga de barras plácidamente irónicas y punzantes. 'Kaytraminé' - Aminé, Kaytranada El dj haitiano-canadiense Kaytranada y el rapero de Portland Aminé tienen tanta química que combinaron sus nombres para trabajar en este álbum conjunto. Fue una fusión afortunada. Una fiesta que se salió de control y se fue de largo, haciendo beats grooveros, uptempo, e invitando a uno que otro amigo: Pharrell Williams, Snoop Dogg, Freddie Gibbs, Big Sean y, en mi canción favorita (‘Sossaup’) a Amaarae. Son 11 canciones y un poco más de media hora de pura diversión. Esperemos que lo vuelvan a hacer. 'Praise a Lord Who Chews but Which Does Not Consume; (Or Simply, Hot Between Worlds)'- Yves TumorSean Lee Bowie nació en Miami pero se crió en Knoxville y ahora vive en Italia. Los medios lo han descrito como un genio enigmático que creció en un lugar consevador y restrictivo, sobre todo, para ser un adolescente negro y queer. Desde que adoptó el alias de Yves Tumor ha lanzado cuatro álbumes. Todos han sido aclamados por la crítica. Su mayor mérito ha sido, a mi juicio, incluir elementos del noise (que a veces suena pretencioso) en medio de una especie de rock alternativo y popero cuidado hasta el mínimo detalle. Yves Tumor armó un proyecto coherentemente extravagante. Este álbum, además, le agrega gospel a una ecuación indescifrable y fascinante. Por Valentina Alfonso 'The Record'- boygeniusEl trío que no sabíamos que necesitábamos sacó su álbum debut. Phoebe Bridgers, Lucy Dacus y Julien Baker demuestran que la amistad y la colaboración musical pueden resultar en un disco que suena perfectamente armonioso de comienzo a fin (no por nada comienza con 'Without You Withuout Them'). 'The Record' se siente como sentarse a hablar con las amigas sobre amores y sobre lo bueno y malo de la vida, mientras se toma vino en un día frío.'New Blue Sun'- André 3000Tal vez es raro que un álbum completamente instrumental esté en los mejores del año, pero así de genio es André 3000. Aunque sus fanáticos tal vez esperábamos otra cosa, recibimos 'New Blue Sun' como un abrazo meditativo de ambientnjazz para parar un momento. En una época donde (casi) todo lo sobreproducido, lo rápido y lo cargado es lo que alcanza lo mainstream, el rapero nos lleva por un camino de 87 minutos de exploración musical, al fin y al cabo: ‘I swear, I Really Wanted To Make A «Rap» Album But This Is Literally The Way The Wind Blew Me This Time’'The Land Is Inhospitable and So Are We'- MitskiLa melancolía siempre ha estado presente en la música de Mitski Miyawaki, sin embargo, este disco es, probablemente, el más oscuro de su carrera. Con la soledad como protagonista la cantante armó once canciones existenciales, tristes y vulnerables que nos cuentan historias que parecen agarrarse las manos unas con otras hasta armar un sólo relato en el que, al final, se ve algo de luz.'Súper terror'- El mató a un policía motorizadoLa nostalgia por los 80 y la costumbre de sufrir por amor es lo que contiene el décimo álbum de la banda argentina. Inspirado en la post pandemia, las canciones retratan la incertidumbre, los finales y los nuevos comienzos apostándole todo al synthpop y alejándose del indie rock al que nos tienen acostumbrados. Relatos que pueden parecer lugares comunes pero que son, más bien, historias de las que nos sentimos parte.Por María Camila Dávila'Endless Summer Vacations' - Miley Cyrus Cuando Flowers salió, a principios de enero, Miley Cyrus levantó a la crítica. En marzo, Endless Summer Vacations se publicó completo y Flowers quedó de últimas en la lista de canciones del álbum. La artista dejó atrás cualquier identidad que la atara al pasado y nos demostró cómo el tiempo nos obliga a crecer y a sanar, por supuesto. Aunque el amor es, sin duda, el hilo conductor del disco, Cyrus es la protagonista total de sus canciones. 'Snow Angel (Deluxe)' - Renée Rapp En el 2022, Renée Rapp publicó Everything To Everyone, un EP en el que la artista y actriz demostró su habilidad para las letras y su destreza para cantar notas altas. Sin embargo, Snow Angel (Deluxe) da la sensación de que Rapp actuó con timidez en sus primeros pasos como artista, ya que con este álbum arrasa como una de las nuevas cantantes pop posicionadas en Estados Unidos. Con canciones que hablan del amor y la identidad, algo así como las letras de Taylor Swift pero mezclado con el nuevo aire rockero de Olivia Rodrigo, Snow Angel (Deluxe) propone a una nueva artista, no solo por su talento músical, sino por su personalidad tremendamente arrolladora.'Grey - EP' - Emily JamesLo que más resalta en el proyecto musical de Emily James es su voz. Es un susurro lo suficientemente alto y dulce para ser escuchado. Grey, su EP lanzado a mediados del 2023, tiene 6 canciones que, aunque cambien de ritmo, siguen la línea del pop suave, perfecto para corear en vivo. Así como ella misma lo escribe en su perfil de Spotify: todo lo que hay que saber de ella está en sus canciones y en la capacidad de contar historias desde la dulzura de su voz y su música.Por Nicolás Pava 'Desire, I Want to Turn into You' - Caroline PolachekAl universo le faltaba una estrella pop neoyorquina que pudiera cargar y proyectar caos como lo hace Caroline Polachek. Una modernización de lo gótico para el mainstream que gravita alrededor del canto hipnótico de la artista, permitiendo la disposición ante el mundo sonoro, gráfico y dramático que propone el proyecto. La portada sirve como puerta de entrada al universo que el álbum presenta, abordando el deseo y suscitándolo. Lo grandioso del álbum es el protagonismo compartido entre el canto y el diseño sonoro. Una producción con una amplia gama de elementos de la electrónica que abre el espacio para una de las voces más hermosas del momento.'This is Why' - ParamoreEn un mundo donde ya no se hacen clásicos, las bandas de la generación de MTV subsisten gracias a la melancolía, anhelando el efímero mundo que vimos surgir y desvanecerse. Esta forma de consumo fue la condición de existencia para el “pop punk” o “punk rock”. Haley Williams comprendió que ya no existían condiciones para ello e introdujo un tono "indie"/ “art rock”, fusionando la energía de su música con figuras rítmicas y melódicas más sofisticadas. Un álbum para escuchar en streaming pero cuya presentación en vivo es impactante. Lo vimos este año y lo tendremos el próximo en el FEP. El disco que sacaron de remakes “This is why: RE” con bandas invitadas sobre las mismas canciones es maravilloso y comienza con Foals, imperdible. 'Ultrakunst' - Brutalismus 3000La música electrónica nunca experimentó una aceleración tan pronunciada como después de la pandemia del 2020. El ritmo de las generaciones que cumplieron sus 18 años en confinamiento es un fenómeno notable. Las fiestas en todo el mundo se han visto invadidas por esta misma generación en busca de hard techno que se ajuste a la velocidad de su mundo saturado de sobreinformación digital. Con este álbum, el dúo berlinés está llevando a cabo una vanguardia dentro de la fórmula actual del mainstream. Rescatan el componente político del techno y de otros movimientos como el punk y el gabber, brindando una esperanza para que la nueva generación comprenda los principios éticos del techno y lo politice según su propio lenguaje. Un sueño: Brutalismus 3000 en rock al parque 2024. 'Eulo Cramps' - Call SuperUna semana después de su presentación en Bogotá (un despliegue sin igual de UK garage), Call Super lanzó su álbum "Eulo Cramps". Un disco de música electroacústica que cuestiona las fronteras de eso mismo. Cuerdas, vientos, voces y percusiones dialogan con efectos y sintetizadores, construyendo un paisaje profundamente habitado pero increíblemente sencillo. Cuando se habla de electrónica experimental, surge un imaginario de dificultad en la apreciación. Este disco podría ser una gran introducción amable al braindance. El artista londinense hizo una exposición con una serie de dibujos con los que construyó el universo de "Eulo Cramps", una obra que trascendió lo musical. Con la reciente apertura de nuevos espacios para la música apreciativa, Ambie-ton (el nuevo subsello de Tratratrax) en el planetario, el 2024 puede ser un gran año para encontrarnos de diferentes formas en torno a la música electrónica. ¡La música nos une!
Desde el debut de su primer disco 'Amala' en 2018 Doja Cat se convirtió en una de las artistas referentes de la escena pop. Como parte de la banda sonora de Harley Quinn, Doja Cat lanzó Boss B*itch y se fue viral en TikTok, sin embargo, Say So se volvió el himno pandémico por excelencia por muchos meses.A lo largo de ese año obtuvo sus primeros premios: Mejor nuevo artista en los VMA 2020 de MTV y también lanzó canciones con Ariana Grande, Chloe X Halle, Ozuna y Bebe Rexha. En noviembre de ese año estrenó Hot Pink, el disco que fue top 10 en el Billboard 200.Doja no abandonó sus inicios twitteros y relación con esta red social la ha puesto al frente de varias polémicas. De hecho, una de sus polémicas más grandes ocurrió unos días antes de su presentación en el Festival Estéreo Picnic 2022.Luego de su visita a Paraguay, en la que tuvo que cancelar su concierto por una tormenta, puso varios tweets tildando a sus fans de desagradecidos e, incluso, llegó a decir que estaba aburrida de la industria, de trabajar como trabaja y enfatizó en que no iba a volver a tomarse fotos con fans, además indicó que quería retirarse de su profesión.Sus "peleas" con los fans no pararon ahí. Aunque en ese momento se disculpó y dijo que amaba a sus fans, dos meses antes del estreno de 'Scarlet' volvió a discutir, esta vez en Threads, afirmando que no amaba a sus fans porque no los conocía a todos y expresando que no estaba de acuerdo con que su fandom tuviera nombre.El nuevo álbum, en palabras de la artista, representa un "renacimiento" y la intención de serse fiel por encima de todo. Remo Ma, miembro de Terror Squad, dijo, en un episodio de Drink Champs en Youtube, que no consideraba a Doja Cat una rapera. Afirmación que han respaldado varios artistas y seguidores del hip hop y que se ha convertido, una vez más, en una discusión de internet.Lo que sí está claro es que Doja Cat ha comentado en varias entrevistas que aunque puede estar de acuerdo con que sus versos pueden ser mediocres y cursis, ella ha rapeado desde el inicio porque ama hacerlo. Su nuevo lanzamiento, así como una serie de tweets que borró de su cuenta, nos deja ver que en esta nueva etapa se va a dedicar a explorar más esta faceta suya inicial y en sus propias palabras: "no más pop".5 referencias en 'Scarlet'1, El personaje de 'Scarlet'En una entrevista con Harper's Bazaar Doja Cat contó que la sangre que cubre a su alter ego en el videoclip de 'Attention' simboliza la reestructuración del "yo", el renacimiento propio. "El nacimiento de una nueva creatividad, un nuevo pensamiento o una nueva forma de estilo que estás expresando", dijo.Además, es un guiño a la adaptación cinematográfica de 1976 de la novela de Stephen King: 'Carrie'. 2. Familia KardashianEn 'Wet Vagina', la tercera canción del disco, la cantante critica las hermanas Kardashian en una de sus estrofas. En la canción Doja Cat dice: “dime por qué la pequeña camina como si tuviera un palo en el cul*. Con cara bonita, de plástico, está dando Kardashian”.Básicamente, está criticando el exceso de tratamientos estéticos y de cirugías plásticas y puso como ejemplo la familia que es más conocida por ellos en el mundo del entretenimiento.Por otro lado, los usuarios de internet notaron que en '97' puede haber hecho otra referencia a un miembro de la reconocida familia. Esta vez a North West, la hija de Kim y Kanye, que durante un desfile de Yeezy dijo la frase "what are thooose?".3. La letra escarlataEn la portada de 'Attention', uno de los sencillos del disco, se puede ver una A al revés. Una referencia literaria a la novela 'La letra escarlata' (1850) escrita por Nathaniel Hawthorne en la que marcan a una joven, acusada de adulterio por concebir una hija sin contraer matrimonio, con una "A" en el pecho.La novela habla de ser juzgada por una sociedad con prejuicios y, sin embargo, mantenerse firme. De eso mismo habla la letra de la canción: de estar por encima de lo que sus haters le critican.4. BalutAl inicio de la canción la artista samplea un audio de Ric Flair, un exluchador estadounidense de la WWE, en el que dice: "recuerden esto, chicas. Ninguna de ustedes puede ser la primera, pero todas pueden ser las siguientes". Haciendo referencia a unas declaraciones polémicas del deportista que era conocido por tener muchas relaciones casuales con mujeres. Se rumoró que el nombre venía de la expresión "I Da! Ba-Loot", que Flair solía decir en el ring de boxeo. Sin embargo, la artista publicó en sus historias de Instagram que el significado de la palabra 'Balut' era un pájaro que había sido comido vivo y hacía referencia a la toxicidad de twitter y a la muerte del pajarito azul para darle paso a X.5. 'I'm Not in Love'Finalmente, en 'Shutcho' samplea la famosa canción de 10cc I'm Not in Love. El track, publicado en mayo de 1975, se convirtió en uno de los mayores éxitos del grupo y se mantuvo por dos semanas consecutivas en el primer lugar del Reino Unido.La canción hizo parte de la banda sonora de la primera entrega de Guardianes de la Galaxia en 2014.**Este nuevo lanzamiento ha causado todo tipo de reacciones. Pitchfork lo calificó con 5.9, convirtiéndose el álbum peor rateado de Doja Cat. Sin embargo, otras personas afirman que es su álbum más honesto, además, de ser completamente escrito por ella.Hubo polémica por un supuesto plagio en la portada original, Hailey Bieber subió una historia escuchando 'Agora Hills' sin volumen (seguramente por su amistad con las Kardashian), Adele habló de ella y de su álbum durante un concierto en Las Vegas diciendo: “También soy una gran admiradora de Doja Cat y su nuevo álbum… Creo que es simplemente fantástica. Creo que ella es genial” y Doja apareció en el evento de lanzamiento escribiendo "I <3 U" a sus fans.Una vez más afirmando que es una artista que o amas u odias.Lean también| Beach Wave Sounds: la historia del audio que prometía que Doja Cat iba a pagar millones¡El lado b de la música!
Desde el lanzamiento de Feliz Cumpleaños Ferxxo Te Pirateamos El Álbum el año pasado, uno de nuestros discos favoritos de 2022 , Feid se ha convertido en una de las estrellas más importantes de la música latina. Desde hace un año, se ha clasificado constantemente entre los 10 artistas más reproducidos de Spotify en el mundo.Salomón Villada (nombre real de Feid) consolidó su proyecto y su estilo en 2022. Su año estuvo repleto de sencillos y su punto más alto fue el lanzamiento de Feliz Cumpleaños Ferxxo Te Pirateamos El Álbum. El reguetonero no podía dejar pasar el 2023 sin mostrarnos su nuevo proyecto: 'MOR, No Le Temas a La Oscuridad'“Es una analogía con ver a la oscuridad de una manera diferente, que a pesar de cualquier situación adversa, todos podemos brillar por lo que queramos lograr, su nombre es un homenaje al aclamado programa de los años 90 de Nickelodeon, Are You Afraid of the Dark?”, explica el artista en un comunicado de Universal Music Group.En su cuenta de Instagram Feid publicó un listado de instrucciones para escuchar "correctamente" el álbum: Los videos que el artista menciona fueron subidos en la madrugada del 29 de septiembre para acompañar el lanzamiento del disco. Contando los de los sencillos que ya habían salido, 'FERXXO 151 y 'Bubalu', son en total nueve videos musicales y seis visualizers.Creando así una historia audiovisual que acompaña los tracks que nos presenta. Además, tanto en el arte de la portada como en los videos el "verde Feid" sigue presente continuando la línea gráfica representativa del artista.En una entrevista para el podcast de 'Backstage por Andrea Silva' reveló que en 2022 decidieron enfocar todo lo visual del proyecto de Feid en ese verde, que ahora muchos conocer como el verde Ferxxo. "Se fue dando porque empezó a identificarse con el color con algunos videos, se sentía bien y cómodo hasta incorporarlo. En un punto decidimos ponerlo en las portadas de los sencillos, en los covers de los álbumes y los fans lo han captado al punto de que van vestidos de verde. Y muchos dicen que ese verde que usamos, ya es el verde del Ferxxo", puntualizó.Canciones de lo nuevo de Feid'VOL.2''VENTE CONMIGO''Niña Bonita''GANGSTERS Y PISTOLAS''FERXXO 151''BUBALU''RITMO DE MEDALLO''FERXXO EDITION''NX TX SIENTAS SOLX''LUCES DE TECNO''EY CHORY''VELOCIDAD CRUCERO''ROMÁNTICOS DE LUNES''el único tema del ferxxo''PRIVILEGIOS'
El 11 de agosto de 2023 Karol G estrenó su nuevo trabajo discográfico ‘MAÑANA SERÁ BONITO’ (Bichota Season). A pesar de que el anuncio, que hizo por medio de su canal de YouTube, no indicaba ninguna correlación entre este y 'MAÑANA SERÁ BONITO' publicado en febrero de este año, el arte presentaba algunas semejanzas que llevaron a sus fans a intuir que se trataba de una continuación.En el primer 'Mañana Será Bonito' Karol G nos habló en 17 canciones sobre el amor, el desamor y las etapas del duelo. Con un álbum lleno de colaboraciones, referencias, guiños musicales y samples la bichota superó las 35 millones de reproducciones en Spotify, en las primeras 48 horas de publicado, convirtiéndose en el lanzamiento más grande de un álbum de una artista femenina latina en la historia de la plataforma. Además, alcanzó el primer #1 global en Apple Music lifetime.También les puede interesar: ¿Qué nos dice de las relaciones Karol G en su nuevo álbum, 'MAÑANA SERÁ BONITO'?Ahora nos da 10 tracks de una nueva etapa, el post de la tusa. El álbum pasa por varios géneros aunque en su mayoría es reguetón, también pasa por pop, trap, EDM y hasta cumbia.Así como el primero, este tiene varias colaboraciones. Esta vez con Kali Uchis, Peso Pluma, Young Miko, Cris MJ, Ryan Catro y Dei V.Acá repasamos canción por canción de su último álbum:Tracklist de 'MAÑANA SERÁ BONITO' (Bichota Season)BICHOTA GOki DokiMi Ex Tenía RazónS91QLONA ft Peso PlumaUna Noche En MedellinMe Tengo Que Ir ft Kali UchisGatita GangsterDispo ft Young MikoProvenza Remix (Tiësto)Lean también: 5 referencias en 'MAÑANA SERÁ BONITO', el último álbum de Karol GRecientemente, Karol G presentó Watati, con Aldo Ranks, que formó parte de la banda sonora de Barbie. La bichota iniciará su gira por Norteamérica el próximo 3 de agosto como parte del cartel de Lollapalooza .¡La música nos une!
Con 19 tracks Tainy se acerca más al pop alternativo que al propio reguetón en su nuevo álbum 'Data'. Su primer disco tiene colaboraciones con Daddy Yankee, Wisin y Yandel, Arcángel, The Marias, Jhay Cortés, ,Arca, Rauw Alejandro, Young Miko, Skrillex, Four Tet, entre otros.El concepto de la portada fue creada por Tainy y Stillz, director de videos musicales de artistas como Bad Bunny y Rosalía. La ilustración en ella hace referencia a la estética anime de los 80-90 y fue creada por Hiromasa Ogura, director de arte de la película 'Ghost in the Shell' (1995). La androide de la portada se llama Sena, quien ya había aparecido en 'Lo Siento BB :/' (2021), y a lo largo de todo el álbum vemos que va pasando con ella. Como el productor lo explicó en su Instagram todo hace parte de un mundo distópico y futurista en el que todas las canciones del álbum se las insertan en el cerebro a Sena como una especia de "data" para lograr que tenga algún tipo de emoción.La relación de 'Data' con Japón va más allá del arte de la portada. “Mi idea siempre fue, aunque fuera los toques finales del disco, yo quería hacerlos en Japón, y pues tan pronto tuve todas las herramientas que necesitaba, pude viajar a Japón y duré como tres semanas allá”, afirmó el productor en una entrevista con Los Angeles Times.Por ejemplo, al final de ‘Sacrificio’ podemos escuchar que ella despierta y cobra vida o al comienzo de ‘Obstáculo’, cuando podemos escuchar un "uploading data" antes de repetirse el disco. Esta onda androide y futurista da la entrada a lo que presenta el disco: bases de trap con synth pop, synth wave, R&B y hasta dubstep. Casi cada canción muestra un género musical distinto.Y como casi todos los nuevos discos de reguetón tiene bastantes referencias: En ‘Mojabi Ghost’ Bad Bunny dice: “El amigo en el baño de todas las Kany” haciendo referencia a la canción 'Amigo en el baño' de la artista puertorriqueña Kany García. Esta canción fue publicada en 2007, siendo la tercera pista del álbum ‘Cualquier Día’.En ‘Mañana’ con The Marias y Young Miko hay un guiño a 'Aguacero' de Bad Bunny cuando dice 'tú eres piscis’En ‘si preguntas por mi’ Kris Floyd y Judeline mencionan a grandes artistas de reguetón como Don Omar, Ivy Queen y hasta la relación del momento: Karol G y Feid. Más adelantan Jhayco dice “pero nos dejamos como Anuel y Karol G” en 'FANTASMA| AVC'.‘Volver’, la canción en la que colaboran Skrillex, Rauw Alejandro y Four Tet samplea en un momento la canción ‘Lush’, también del músico británico Four Tet. Más exactamente del álbum de 2017 ‘New Energy’.Además de nombrarlo en otras canciones, Tainy sampleó al rey del reggaetón, a Don Omar, en su canción 'ONCE 11'. Tomó un fragmento de la icónica canción 'Entre Tú y Yo' de 2004.En la misma entrevista Tainy comentó que 'Data' fue un tránsito importante en su carrera como artista: “Es algo que me ha apasionado en mi crecimiento y por fin se me da trabajar en un disco, donde no sólo trabajo la música, pero puedo tener una voz dentro de la parte visual; algo que me representaba perfecto era el anime y siento que con eso la gente conoce un poquito más de mí”.
No hemos cruzado la mitad del año, pero es claro que 2023 fue el año de consagración global de La Bichota. No es menor la relevancia y el significado de los números de Karol G en el mundo, así que acá la tenemos en un lugar especial. Pero más allá del fenómeno bien conocido del reggaetón, seguimos descubriendo nuevas formas de hacer música en el país. En esta selección preliminar de los mejores discos de 2023 en Colombia, hay cantautoras experimentando, rap purista y rap nueva ola, electrónica refinada y, además, nuevas formas de subirse a la ola del perreo. 1. MAÑANA SERÁ BONITO - Karol G El cuarto trabajo de estudio de Karol G, MAÑANA SERÁ BONITO, recorre en 17 tracks el amor y el desamor. Además de los récords que rompió en plataformas de streaming, su éxito inmediato nos habla de algo que sabe hacer muy bien La Bichota en sus canciones: describir las fases del amor. La cantante paisa cogió sus experiencias y armó un disco profundamente personal para que todxs nos veamos en él. Además, este puede ser uno de los álbumes con más referencias musicales, incluso cinematográficas, en lo que va del año. // Por Valentina Alfonso G.2. Re-encuentro - Lalo Cortés Dice Lalo Cortés que antes de grabar las siete canciones que componen Re-Encuentro, su primer álbum, se sentía “perdida en un contexto que la alejaba de su realidad y la sometía a estándares que no le correspondían”. Así que este es un disco que reflexiona sobre la identidad y habla del tránsito “de las tinieblas a la luz” que significa posicionarse frente al mundo. Ese interés se traduce también en los desplazamientos que hace entre el jazz caótico, el r&b, el rap y el góspel; también en las preguntas que se fórmula sobre el privilegio, los recuerdos de infancia que bloqueó su memoria y la ancestralidad en la ciudad. Lalo es una mujer negra y bogotana. Todo suena como una racionalización densa y pesada, pero en la voz fina de Lalo se siente fresca y cálida. Es uno de los álbumes de debut más preciados del año en Colombia, sin duda. // Por Fabián Páez López3. Red Moon in Venus - Kali Uchis Después de los ritmos explorados en sin miedo (del amor y otros demonios) este álbum es lo contrario a lo esperado. No es en español ni tiene cortes fiesteros en el sentido perreable de la palabra. La luna roja de la que habla Kali es la del vestido rojo de la portada de Isolation. Y así, como en las canciones de esa época, son los bajos y sintetizadores de esta ocasión: gruesos, espaciales y ochenteros. La interpretación vocal de Kali está en su mejor momento, y deja ver un abanico de referentes de su niñez, cuando escuchaba la radio gringa y su papá le regalaba discos que los inquilinos del edificio que cuidaba dejaban atrás al mudarse: de divas bling como Brandy viene su casi-rapeo despreocupado; de prodigias como Sade viene el canto que equilibra ternura y sensualidad con la tensión de quien camina la cuerda floja. Lean aquí la reseña completa // Por Juan Diego Barrera4. Go Die - Anyone/Cualkiera Lo primero que escuchamos de Anyone en Go Die es que este es otro disco de él contra todos. No hay colaboraciones, solo estrofas concisas que cortan la grasa como un cirujano plástico y dejan solo el músculo, ese que regaña en cada ponche como es costumbre con este calvo de genio tosco. Muestra de su virtud es que el proyecto funciona por ambos lados, como la moneda de Anton Chigurh en No Country For Old Men. Es, a la vez, un álbum de rap al uso, con competencia de habilidades y códigos callejeros directamente desde Envigado, y una reflexión aguda y penetrante que a los que nos acercamos a los 30 nos interpela y nos inspira a no soltar las banderas del hip-hop. Lean aquí la reseña completa // Por Santiago Cembrano5. 2000 - Manuel Turizo El tercer álbum de estudio de Manuel Turizo, 2000, contiene 15 tracks que pasan por distintos géneros musicales. Va del pop al R&B; del merengue al reggaetón o la bachata. Este disco homenajea a los ritmos que impulsaron la carrera del monteriano. Tanto la portada como el nombre, año de nacimiento del artista, son una muestra de lo que quiere entregarnos: la historia de cómo creció hasta convertirse en uno de los personajes más escuchados del país. // Por Valentina Alfonso G.6. 29:56 - Pilar Cabrera Veintinueve minutos y cincuenta y seis segundos de intimidad y melancolía. La cantante y compositora Pilar Cabrera presentó su primer disco y nos acercó a lo más personal de su carrera: una oda a los deseos, los miedos y a ese tren de pensamientos que a veces no parece tener fin. La artista plasma en diez canciones el proceso de reconocimiento y reconstrucción del ser humano y nos muestra que llorar es parte de la vida con una construcción musical impecable y emocionante. // Por Valentina Alfonso G.7. Astra - Mitú Julián Salazar lleva ya varios discos de Mitú mostrando el paso a paso de su reencuentro con el guitarreo hilado con sintetizadores que llevó a Bomba Estéreo a lo más alto, en tiempos de El Alma y El Cuerpo o Caribbean Power. Astra es una nueva cima de ese sonido, pues su alianza con Franklin Tejedor es cada vez más potente: perfecciona y captura en un disco la energía indomable de su show en vivo y la delicadeza de sus cortes más tranquilos. // Por Juan Diego Barrera 8. Afrocolombia - Alexis Play En Afrocolombia Alexis Play observa las magnitudes de los legados culturales inmersos en la música y homenajea a figuras míticas, legendarias e históricas. Su observación sobre las vocaciones de innovación en la creación sonora está implícita en el fondo de la cultura afro. Explora los ritmos de su creación como la Chirimía Beat, o los producidos por los artistas jóvenes de la región, como el Bunde Trap o el Ritmo Exótico, genuinamente chocoanos y quibdoseños. Lean aquí la reseña completa // Por Ángel Perea 9. Despídeme de todxs - Juan Pablo Vega Podríamos decir que Juan Pablo Vega se acostumbró a la añoranza y a la melancolía. Y Despídeme de todxs, su tercer disco, lo confirma. En 11 canciones el cantautor bogotano nos narra nuevamente las travesías de la amistad, el amor, el desamor y los “casi algo”. Esta vez se para en el tiempo post pandémico y juega con más ritmos de los acostumbrados. Aquí demuestra, además, lo nutritivas que pueden ser para un trabajo de estudio las colaboraciones con músicos a la hora de producir. // Por Valentina Alfonso G.10. Perreo Sad (EP) - Lee Eye El estilo de Lee Eye es descarado y directo. Si la ven en tarima se le nota en sus formas: detrás de su aparente timidez hay algo incontenible que solo se revela cuando canta. El R&B y el rap le fluyen como con altanería. Sus letras son como una conjura. Y en Perreo Sad parece estar más convencida y segura de su personaje. Son 8 canciones de una nostalgia bailable, escurridiza y pegajosa. Se mueven entre el perreo, el afrobeat y el rap, pero, por encima de todo, está su estilo,canta como mirando a todos por encima del hombro, anunciando que con ella no se puede jugar y sentenciando algo que va a pasar: tenemos que acordarnos de ella. // Por Fabián Páez López 11. Vida cotidiana - Juanes A pesar de que Juanes le ha cantado muchas veces al amor, a las causas sociales y a su familia, Vida Cotidiana es el álbum más personal del paisa hasta el momento. Durante 11 canciones el cantautor nos cuenta abiertamente sobre los altibajos de su matrimonio, la travesía de ser padre y toca también algunos temas sociales del paro de 2021. Su primer álbum luego de cuatro años parece traer un poco de los sonidos de rock de sus discos más antiguos con unos riffs de guitarra y unas baterías bien potentes. En casi todos los temas se aleja de los sonidos digitales que experimentó en sus últimos sencillos, así como del pop de su penúltimo álbum, Mis planes son amarte.// Por Valentina Alfonso Guarín12. War Dog - Crudo Means RawDesde el saque, en la triunfal The Wonder Years, la misión de Crudo es clara: usar su don para elevar a los desadaptados, empezar a cambiar de forma. Crudo rapea para romper cadenas, las suyas y las nuestras. Lo hace con la frente en alto, la voz firme y el pecho henchido, orgulloso de no torcer su rumbo ni seguir el de nadie más, sin miedo a empezar de cero. Se trata de evitar ser un peón y pasar a ser un patrón, dialéctica que permea todo War Dog y que remite a su postura frente a los guiños coquetos que recibió de grandes disqueras hace un lustro. Ante la posibilidad de multiplicar su alcance y sus ahorros, parece decirnos Crudo, de ser la próxima estrella del "género urbano" a cambio de ceder el control creativo de su arte, eligió la independencia. Que War Dog fuera publicado como una canción de veinticuatro minutos el 1 de enero, entre pólvora y guayabo, se antoja como una declaración: Crudo lo hace a su manera, en contravía de todas las buenas prácticas de la industria musical. Lean aquí la reseña completa // Por Santiago Cembrano 13. GRACIAS SAIKO 2 (EP) - Sa!koro Sa!koro es un fenómeno al que no le han prestado la suficiente atención. El año pasado GRACIAS SAIKO fue uno de nuestros discos favoritos. Ahora, con esta segunda parte del disco, más ruidosa y fiestera, volvió a esta lista y ni siquiera hemos cruzado la mitad del año. El ritmo en el que produce música es intenso. Y siempre cambia. En GRACIAS SAIKO 2 anuncia la muerte del plugg (un modo de producir trap) haciendo plugg, echa mano del trance noventero y dibuja paisajes ruidosos con bajos que se estallan. Tiene 10 canciones pero el álbum no pasa de los 23 minutos. GRACIAS SAIKO 2 es retador, escurridizo y brillante. // Por Fabián Páez López14. 13x06 (EP) - Penyair y Realidad MentalEstos dos MC bogotanos se unieron en este EP de rap que muestra un diálogo natural entre dos estilos muy particulares. 13x06 contiene las rimas brillantes de Penyair entrelazadas con el sonido oscuro de Realidad Mental. Ambos se encuentran con letras que se acercan al “rap conciencia” y que narran una historia específica en cada uno de los 6 temas. // Por Valentina Alfonso G.15. K.I.D (EP)- Komba Con A Fin De Mes, junto con Ruzto y D'Avila, nombrada una de las mejores canciones colombianas de 2022, inició el camino de este proyecto discográfico que tuvo lanzamientos periódicos entre febrero del año pasado y junio de 2023. Este es un viaje de experiencias que se musicalizan con una interpretación muy personal de géneros como el R&B, el funk y el rap. K.I.D también representa una nueva etapa en la vida de Komba: en sus canciones se plasma el tránsito artístico que tuvo al pasar de vivir en Bogotá a afincarse en Medallo. // Por Sebastián Peña16. Monsieur (EP) - Oblivion’s Mighty TrashEste EP del rapero nacido en Envigado es corto pero contundente. Con beats clasiqueros, algo de lo fi y melodías y samples juguetones Oblivion’s Mighty Trash lanza referencias a Medallo, lugar en el que transcurre su vida social. Su narración es en primera persona, como siempre. // Por Valentina Alfonso G.17. Paralelas - Las Añez Las gemelas Añez forman un dúo vocal y composicional con pocas comparaciones posibles. Su naturaleza es a la vez folclórica y experimental. En Paralelas, ambos pilares están intactos y llegan a nuevos alcances. Pero también es aquí donde se atreven a tocar más ritmos, incluyendo influencias mainstream, más sintetizadores y colores. Además, las letras de este disco —en el que nada se siente sobrante — hacen que alcancen una nueva cima como escritoras. // Por Juan Diego Barrera18. Algo hermoso termina-Lunalé Esta bumanguesa es compositora, realizadora audiovisual y una experta en tocar fibras con su voz. En 2019 estrenó su álbum debut La pena de estar sin ti y desde entonces le seguimos la pista. Algo hermoso termina se mueve entre el pop, el funk, la bachata y el bolero, y se centra momentos y emociones comunes en las relaciones: Gravedad es sobre la química de los primeros encuentros, Amor barato habla de los vínculos que hacen daño, Algo hermoso explora lo difícil que es salir de una relación infeliz, y Pasado menciona la importancia de sanar viejas heridas. El disco tiene 12 canciones y cada una de ellas es una oportunidad para conectar con lo más profundo del corazón. // Por Paula Ricciulli19. Una Freak (EP) - Loyal LobosUna Freak es el primero de dos EP anunciados para este año por Andrea Silva, bogotana radicada en Los Ángeles. Se estrenó tan solo unas semanas después de sus colaboraciones con Mitú, Sin Freno y Niebla, y con ello quedó claro que este es el año de Loyal Lobos. Al darle play, nos sumergimos en un reclamo pop alternativo de autonomía y deseo en la diferencia; en una reivindicación del pasado por medio de un goce del presente. En sus cinco canciones, dedicadas tanto a la muerte como al amor y a la tusa, brillan una voz cristalina y una escritura única, tan coloquial como solemne. Una Freak representa un distanciamiento respecto al ángulo chamber pop de su disco y EP anteriores, pero también el momento definitivo de encontrar un sonido más original y enraizado, que pone a Andrea a cantar totalmente en español y a jugar con elementos del reggaetón. // Por Juan Diego Barrera20. Cherry Bomb-Mar Mejía Uno creería que cuando se es paisa y se trabaja con Bull Nene en la composición la presión por entregarse de lleno al reggaetón será difícil de combatir. En CHERRY BOMB, con esas condiciones, Mariana optó por un camino más diverso, por un proyecto que tanto visual como musicalmente le apuesta al pop y que aprovecha el reggaetón como herramienta narrativa: como un medio expresivo para hablar de una sensualidad esencial de lo expresado por un personaje. Es parte, no totalidad. El álbum tiene 12 canciones pegajosas y muy variadas en sonidos, que seguro marcará un hito para la nueva camada de artistas que apuntan a hacer suyo y a su manera en el mainstream de Medellín. // Por Juan Diego Barrera¡El lado b de la música!
A pesar de que el estreno de este álbum estaba programado para el 22 de junio de 2023 el reguetonero decidió adelantar la fecha de lanzamiento ya que varios de sus seguidores se lo pidieron. 'Forever King' es el primer álbum que presenta Don Omar desde que firmó con Saban Music Latin, sello discográfico de Los Ángeles.Este disco presenta el regreso del artista al estudio luego de cuatro años de ausencia: “Forever King’ es un disco que presenta al verdadero Don Omar. Para mí es muy importante interpretar temas que me permitan ser leal a mi esencia, a lo que me ha permitido tener más de 20 años de trayectoria y conectar con mis leales seguidores por tantos años. En esta industria, hay que trabajar para mantenerse, y para lograrlo hay que arriesgarse y presentar cosas diferentes”, dijo el cantante.El lanzamiento cuenta con 14 temas, dos de los cuales ya alcanzaron la primera posición en el 'Latin Airplay Chart' de Billboard, que varían entre lo urbano, lo tropical y un poco de dance. Además, encontraremos colaboraciones con artistas como Cosculluela en 'Bandidos', Chencho Corleone en 'Podemos Repetirlo', Residente en 'Flow HP', Akon en 'Good Girl', Maluma en 'Magdalena', entre otros.'Forever King' llegó para celebrar los 20 años del lanzamiento del disco que marcó la carrera de Don Omar, 'The Last Don' y las 100.000 millones de unidades de consumo. Definitivamente, el 'rey del reguetón'.También les podría interesar: De Argentina para el mundo, la fusión de la cumbia villera con el reguetón en el RKTLas canciones de 'Forever King':1. 'El Preso #9'2. 'Carcelero'3. 'Podemos Repetirlo' con Chencho Corleone4. 'Te Abandono (Remix)' con Nio García5. 'Cariñito'6. 'Magdalena' con Maluma7. 'Cuestión de Tiempo'8. 'Bandidos' con Cosculluela9. 'Flow HP' con Residente10. 'Sincero'11. 'Agradecido'12. 'Good Girl' con Akon13. 'Soy Yo' con Wisin y Gente de Zona14. 'Se Menea' con Nio García15. 'Let’s Get Crazy' con Lil Jon16. 'Te Abandono'17. 'Sincero (Versión Salsa)'18. 'Sincero (Versión Trap)'¡La música nos une!
Amantina es el proyecto del colombo-ecuatoriano Daniel Sorzano Perry, quien lideró la banda Les Petit Bastards en su tierra natal antes de radicarse en Bogotá en 2017. Este, su proyecto solista, ha venido publicando sencillos desde 2019, contando siempre con el apoyo de los bogotanos Ricardo Laverde y Camilo Amaya en instrumentos y producción. En 2020 publicaron “En algún lugar de la semana”, un EP pandémico que dejó ver su amalgama de synthpop, baladas milennials y R&B, consolidándose como una de las propuestas más interesantes del circuito bogotano.Tarde que temprano: cómo parar a mirar atrás para poder seguir hacia adelanteEn este, su primer trabajo de larga duración, llevaron su sonido a un nuevo techo que refleja la ambición demostrada en los sencillos que le precedieron. Pero además exploran el deseo y la sensualidad en conflicto con dos grandes problemas: la culpa católica que recubre la ética latinoamericana, y la reflexión sobre los errores que se cometen en el amor.“Con el tiempo me di cuenta de que mucho del daño que he causado, muchos de mis errores, fueron innecesarios”, nos dijo Daniel. Hay que mirar el error de frente. Las canciones datan de momentos muy diferentes de su vida: El Oro es una canción escrita desde los tiempos en los que él tocaba con Les Petit Bastards, mientras que Vivo Nasty fue escrita este mismo año. Y sin embargo, en ese proceso de volver sobre ellas, reescribirlas y transformarlas, se han entrelazado como resultado de un largo proceso personal de repensarse las relaciones.“Las reflexiones que llevaron a estas canciones también me han llevado a desaprender. Los nuevos códigos que quiero para mí mismo implican reconfigurar lo viejo o reafirmar cosas que estaba haciendo bien”. Este es un disco que se inscribe en esa misma categoría pospandémica donde caben tanto Mr. Morale & The Big Steppers, de Kendrick Lamar o Dios y la mata de lulo, de Nicolás y los Fumadores: el de una música que refleja una revisión interna exhaustiva por parte de sus compositores hombres.“Estamos diciendo lo mismo”, dice. Daniel, fue criado en una familia de fe pero abierta a su exploración más allá de la institucionalidad, y que se acercó por el lado de su madre a los oráculos de los ángeles o al tarot. Para él, su música y la de esos otros exponentes es el resultado de reconocer y recoger la realidad de la vida propia con responsabilidad y gratitud a través de terapia o, en general, a través de todo tipo de rituales personales que permiten integrar el disgusto consigo mismo en la narrativa que cada uno tiene de sí para poder transformarse. “No hay que reírse de todo. A veces eso solo sirve para ignorar el daño, pero lo que intento hacer ahora es escarbar”.Desde Tarde que temprano, la canción que más le costó escribir, dice con todas sus letras una afirmación difícil de asimilar incluso hoy, cuando esas reflexiones se dan a nivel mundial debido a tantos justos reclamos contra la violencia patriarcal: “Soy violento”. ¿Cómo dejar de serlo?Vivo, pero a qué costo: cómo cantar el deseo y la culpa como un todoEn el sonido de “Vivo, Nasty”, Amantina logra un ambiente único que refleja las tensiones temáticas de sus letras. Por un lado, hay una paleta de colores dramática, grandilocuente y casi religiosa, como en Nimbo o Lumbre, que recuerda a las producciones de Frank Ocean, FKA Twigs o Kanye West (que incluso samplea en Pararrayos). De otro, presenta una intimidad digitalmente ultraprocesada, un bedroom pop electrocutado y envenenado de sensualidad R&B, en canciones como Tragaluz o Parsimonia. Y en medio de esos extremos están el rock y el synthpop enérgico de Krrusel, Baldío Bien, Vivo Nasty o El Oro, que funcionan como puntos de catarsis o de enamoramiento.Si bien el disco no es narrativo, la producción del álbum funciona como utilería de un gran teatro. Así no lo sugiera directamente, es fácil imaginar estas canciones como la banda sonora de una puesta en escena: un cuarto al que el protagonista siempre llega de otro lugar. A veces solo, destruido, arrepentido, viendo llover con la (des)esperanza de que el mundo acabe; a veces acompañado, con el sol tras las cortinas, lascivo, enamorado o ambas. Contrario a lo que acostumbramos por las tendencias del mercado de música global, Ana María González, Esmarive y Pánico, los feats del álbum, no acaparan el sonido, sino que están siempre en función de construir ese escenario en nuestros oídos.La distorsión y otros efectos sonoros tocan con supremo detalle cada instrumento y cada fraseo, y no hay uno solo de ellos que no se sienta como un color nuevo y hecho a la medida para describir el lodo y la lluvia que pesan sobre almas caídas del Edén, o el éxtasis de los enamorados. La voz es la más afectada, y para Daniel esa creación de texturas a través de distorsiones, reafinaciones digitales y reverberaciones es como escribir un texto con apartados en itálicas, luego en cursiva, luego en negrilla. “No tiene necesariamente una función en cuanto a significados, pero sí sirve para dar intención y tridimensionalidad, y así comunicar una emoción particular”. En esa determinación a generar un sonido original, que consiguió con el apoyo de Camilo Amaya y Ricardo Laverde, está la más notable fuerza de “Vivo, Nasty”.Pero las letras no se quedan atrás. Hay motivos, como el reclamo a Dios o la figura de la condena, que trasladan las imágenes particulares de un encuentro o desencuentro con una pareja a un nivel espiritual o macro. Lo mismo sucede al revés, pues las tormentas que atraviesa, el fuego y la luz que ve en los ojos y en la boca de quien desea (y que lo puede quemar o cegar), o el pararrayos que opone a los relámpagos de una tusa que aún tiene cenizas calientes, convierten estas baladas en una épica que no deja de ser provocativa.Ese universo sonoro que crearon para contarlo es tan autocontenido que algunas canciones, como Nwbd, Si no es Dios, quién? o Lumbre pueden perder fuerza si se sacan del contexto del disco. Pero lo compensan cuatro grandes sencillos y un acercamiento fresco, a la vez muy literal y metafórico, al deseo.Una que otra herida bien abiertaA pesar de ser un disco tan personal, hablando con Daniel supimos que la portada es en realidad una foto de su primo cuando era pequeño. Lo disfrazaron de payaso y le tomaron una foto con una mueca terrible de desagrado, como hace a veces la vida misma con uno, con cualquiera. La vio una mañana, entre otras fotos colgadas en su cuarto, y le gustó simplemente por como se veía. Pero en esa decisión azarosa hay mucha de esa resignación y recogimiento, de esa revisión del pasado para identificar la vergüenza.Estamos vivos pero sucios, marcados, quemados, y continuamos en una espiral de bajada que asumimos y se siente muy bien hasta que miramos atrás. Ahí es cuando duele. Ahí es cuando los hombres, que tanto hemos dañado, entramos en un estado de angustia profunda e inmovilizante.Así, a través de Vivo, Nasty, Amantina explora los “hubiera” de nuestras relaciones y de nosotros mismos de una manera que busca aceptar el peso de los “muertos” que le siguen y le esperan en casa: la tradición, la culpa y el pasado irreparable. Pero también con “una que otra herida bien abierta” que sentimos como una mancha en el corazón y un paso más lejos de nuestra mejor versión, de nuestro yo infantil.
Finalizando el 2021 se dieron a conocer multiples listados de las canciones más populares del año y en varios de esos charts publicados en medios internacionales apareció abcdefu, sencillo de la estadounidense Gayle de 17 años publicado en agosto bajo el sello Atlantic Records. Para leer y escuchar | Olivia Rodrigo, la nueva promesa del pop gringo que salió de Disney ChannelTaylor Gayle Rutherford nació en Dallas, Texas, en julio de 2004 y empezó a cantar desde los siete años. Luego, con la aprobación de sus papás, se mudó a Nashville, Tennessee, la capital musical del country, para empezar una carrera en la música.Empezó co-escribiendo canciones con otras personas, para luego empezar a mostrarle sus creaciones a otros. En esas composiciones basicamente retrataba su visión de la vida adolescente.En una entrevista para Flaunt contó que fue descubierta a los 14 años por Kara DioGuardi, reconocida empresaria musical y ex jurado de Americal Idol, pero que supuso que esa reunión no iba a cambiar su vida. Sin embargo sí fue así, en ese encuentro, al que fue acompaña de su mamá, interpretó una canción para Kara frente a muchas otras personas y luego se reunieron en privado para un acercamiento más íntimo.DioGuardi, que ha escrito canciones para Camp Rock, Hannah Montana, Hillary Duff, Pink, entre otras, fue el puente para que Gayle firmara con la reconocida empresa Atlantic Records.A lo largo del 2020, sí, el primer año de la pandemia, Gayle auto-produjo y auto-publicó cuatro temas: Z, Dumbass, Happy For You y Organge Peel, pero fue en 2021 que las cosas se pusieron serias. Taylor Rutherford, Sara Davis y David Pittenger escribieron abcdefu para Gayle, ella la grabó, le dio su toque y fue elegida por su disquera como el primer gran sencillo debut de su carrera ante la industria. Abcdefu es una canción llena de rabia en la que una persona decide mandar a su ex pareja al peor lugar del mundo, mientras le recuerda que todo lo que lo rodea es despreciable a excepción de su perro. La canción inicialmente no tuvo un impacto grande, pero ocurrió magia con TikTok donde la canción se viralizó gracias a videos de personas entusadas que la cantaban mientras ponían fotos de sus exs. Ur Just Horny es el próximo sencillo objetivo de Gayle, una canción que continuará con una composición directa y sin filtros. Se espera que a mitad de 2022 estrene un proyecto discográfico que incluya sus primeros temas. ¡La música nos une!
Rawayana, la agrupación venezolana conformada por Beto Montenegro, Tony Casas, Alejandro Abeijón y Andrés Story, está estrenando su cuarto disco: Cuando los acéfalos predominan.Por Vanessa Velásquez Mayorga // @vanessavm__Tras 10 años de carrera, el nuevo trabajo de la agrupación nos presenta una faceta más madura en sus composiciones. Destacan, sobre todo, sus letras. La placa fue como un desahogo político en el que responden a lo que pasa en su natal Venezuela. Un instinto de levantamiento y crítica que, de a pocos, parece regarse por Latinoamérica.Acompañando el lanzamiento de Cuando los acéfalos predominan, la agrupación trabajó en el montaje de una instalación artística en la Ciudad de México, donde ahora residen sus miembros, en la que quieren expandir el universo sonoro del disco.Hablamos con Andrés y Beto, dos de los integrantes de la agrupación, días antes del lanzamiento de su cuarto álbum de estudio.¿Qué ha pasado en estos 4 años, entre Trippy Caribbean y hoy, para resultar en este disco?Beto: Más que qué ha pasado en estos 4 años es qué ha pasado en nuestra vida. Nosotros venimos de un contexto bien complejo, y como empieza el disco, es un conflicto que no sentimos que es nuestro.Conociendo el contexto colombiano, el argentino, el chileno, sé que se sienten igual. De alguna forma lo que pasó con nosotros es que después de 10 años diciendo que hay que tener una forma de escape para poder pensar correctamente sentíamos que hacía falta un disco en donde pudiésemos hablar sobre eso. Que reflejara esa introspección y ese análisis del que venimos incentivando a la gente, convenciéndoles de que es necesario. De salirte un poco del conflicto y analizar las cosas desde un punto de vista más fresco.Somos un proyecto que viene de un contexto sociopolítico muy difícil y complejo, y siempre hemos estado atados a ese mismo contexto. Este disco surge de la necesidad de conversar. El arte es conversar y comunicarse.¿Hacia dónde se dirigieron esas conversaciones, en qué momento decidieron hacer explícitas sus sensaciones y opiniones sobre el contexto sociopolítico latinoamericano?Beto: No son cosas que pensamos desde hace 4 años para acá, sino que son cosas que decidimos, como proyecto, abordar en este momento. Lo que podemos encerrar en estos 4 años es la determinación de conversar acerca de esto.Además, en paralelo al momento intenso de la gira como banda, intentamos desarrollar un documental cultural que tiene mucho que ver con el tema sociopolítico en Venezuela y en el que, por ahora, hemos fracasado. Este disco viene un poco desde todas esas frustraciones como banda. Creo que eso es lo que puede influenciar la decisión de por qué queremos hacer esta fotografía musical de lo que es ser jóvenes en Latinoamérica en estos tiempos.Andrés: Creo que también todos esos años en los que tuvimos el chance de conocer el continente, cosa que en verdad no habíamos podido hacer con tanta profundidad anteriormente, también condiciona a nivel de información y energía absorbida.El darnos cuenta de que nuestros problemas los tenemos en común con el resto de la región y que somos muy parecidos, aunque hay unas diferencias de timing y las cosas no ocurren a la misma vez en un país que en otro, pero pareciera que estamos todos atravesando lo mismo. Eso alimenta la búsqueda o la necesidad de conversar sobre estas cosas.Sobre todo, creo que era el paso natural a dar. 10 años después, 4 discos después, ya tocaba hacerlo. Se trata de hacer una fotografía y siempre va a tener mucha influencia de nuestra objetividad, pues así sucede con las expresiones artísticas, pero sí tiene una intención más descriptiva más que de nosotros haciendo un statement.Anunciaron el título y tracklist del nuevo disco acompañado de un manifiesto. ¿Cuál fue esa oscuridad a la que se refieren y qué descubrieron al encontrar la luz?Beto: No sé si hemos encontrado la luz como humanidad. En general, estamos sumergidos en esta locura: las estructuras políticas o de Estado están pasando por unos procesos bien complejos y por eso el disco se llama Cuando los acéfalos predominan, porque sentimos que se perdió la cabeza en ese sentido.Nos damos cuenta de que grandes corporaciones a nivel mundial han hecho desastres para el mundo, y estamos viendo las consecuencias o estamos teniendo acceso a esa información apenas ahora. La oscuridad está relacionada con ese ruido y con estas sensaciones de inestabilidad que tiene gran parte de la población mundial en este momento.Lo que establece este texto es que la única manera de afrontarlo (el ruido y la inestabilidad) es encararlo, y que lo encare gente que tenga el privilegio de haber sido educada y preparada para eso. El gran problema que tenemos es que no hay incentivos para que eso suceda, para que la gente con talento, educada y capaz quiera involucrarse de más porque es meterse en terrenos que son una locura. Pero también hay mucha gente que sí lo está haciendo, a su forma, y esos son los que nosotros llamamos "entes de luz”. Al final, siento que lo que ese manifiesto establece es que, si no nos involucramos, un grupo de gente interesante en el mundo, seguiremos siendo dirigidos por esta locura y seguiremos en la oscuridad.Es un disco que cuenta con 7 colaboradores en distintos tracks, de los cuales al menos 4 son Venezolanos. ¿Qué tal fue esa juntanza desde el exterior?Andrés: Algo que siempre hemos encontrado estimulante, en cuanto respecta a las colaboraciones, es poder trabajar con gente que admiramos, pero además con quienes ya hay una complicidad y una relación personal.Es mucho más divertido y más orgánico así, y hay una energía distinta. Las colaboraciones responden más que nada a eso. En el caso de los venezolanos, ya nadie de esa lista vive en Venezuela, estamos todos por el mundo, ciudadanos de ningún lado.Akapellah tiene 3 tracks en el disco, es consecuencia del concepto de cada canción y del universo que se plantea en cada composición. Recuerdo muy bien que vimos muy claro que no cualquier persona podía asumir esos roles porque requería de un campo bastante amplio y que sentimos pocas personas pueden abarcarlo.Eso de tener la capacidad de convertirse en otro personaje y apegarse al concepto que te proponen, y que el ego que has construido como artista no sea un obstáculo para tu convertirte en otra cosa. En ese sentido la colaboración de Akapellah fue clave.En el caso de Cheo, que es un gran colaborador de la banda desde hace 3 discos, lo consideramos miembro indispensable de nuestro proyecto y naturalmente iban a salir canciones con él.Fer Casillas es una gran amiga con la que trabajamos muy de cerca en la CDMX y que es de mis cantantes favoritas del mundo. Los amigos Invisibles, ¡imagínate! Referencia máxima para nosotros como músicos, como venezolanos y como proyecto nativo. En todas las categorías ellos son un pilar referencial para nuestro desarrollo y hoy en día ya los tenemos en una posición de colegas y panas.¿Cómo se dieron estas 3 colaboraciones?Beto: Akapellah, en mi opinión, es uno de los artistas más completos que tiene Venezuela. Tiene un intelecto admirable, tiene calle, se ha recorrido un montón, tiene versatilidad. Akapellah no solamente está en esas 3 canciones, también grabó coros, cantó, fue un colaborador más de todo el proyecto y ayudó en ciertas ideas dentro del estudio.Él es el featuring de este disco, realmente. Y lo que nos pasó fue que, basados en lo que pensábamos que necesitaban esas piezas, esas canciones, no veíamos a alguien con quien pudiésemos trabajar más rápido y contundente que con Pedro. Además, él viene del mundo de la improvisación entonces es un compositor extremadamente rápido, y creo que eso sentíamos que tenía que ser parte de este álbum, de que más allá de que fuese un disco de Rawayana, también queríamos colaboraciones a las cuales les tuviéramos muchísimo respeto y admiración, y con él es así. No nos dejó de impresionar en ningún momento.El lanzamiento de Cuando los acéfalos predominan viene acompañado de una instalación de arte en la Ciudad de México. ¿Qué hay detrás de esta decisión de expandir la experiencia del disco?Beto: es una manera de establecer un contacto con los seguidores más fieles de la banda aquí en la Ciudad de México. Un espacio para que puedan venir a sentir el disco, más allá de escucharlo, y para que vean gráficamente en dónde estamos cuando hablamos de lo que sentimos que es este ruido latinoamericano y global.Llevamos tres o cuatro meses hablando con Alfredo Correa y Adolfo Bueno, artistas con quienes hemos colaborado ya varias veces, y les transmitimos por donde iba la parte plástica y gráfica del disco, dirigido por el concepto de la portada y el arte de Joaquín Salim con quien también llevamos trabajando muchos años. Son muchas horas de conversaciones acerca del porqué nosotros hicimos las cosas, pero también de cómo ellos interpretan lo que hicimos. Ese es otro collab que no sale en el set list.¡La música nos une!
La Profeco (Procuraduría Federal del Consumidor de México) y la tiquetera Ticketmaster llegaron a un acuerdo para poner fin a una demanda colectiva que involucra a más de 500 consumidores, con un total de reembolsos que supera los 3.4 millones de pesos mexicanos (cerca de 693 millones de pesos colombianos). Profeco instó a los consumidores afectados por la cancelación unilateral de boletos por parte de Ticketmaster durante todo el año pasado a presentar su documentación para reclamar sus reembolsos pendientes, según reportó El Economista, que calificó la demanda como inédita para el entretenimiento. Se acordó que aquellos que demostraran la cancelación de sus boletos recibirían el reembolso completo, incluidos los cargos por servicio, además de una bonificación del 20% según lo estipula la ley. No es la primera vez que Ticketmaster enfrenta una demanda de consumidores. En 2023, la empresa tuvo que reembolsar a más de 2,155 personas por problemas en los conciertos de Bad Bunny, donde muchos fanáticos no pudieron ingresar debido a fallas en el sistema. En total, Ticketmaster tuvo que devolver más de 18 millones de pesos mexicanos a los seguidores del artista.Antes de iniciar el show de Bad Bunny en diciembre de 2022, el estadio no se veía lleno, pero no era por falta de venta: los conciertos de Bad Bunny en México se agotaron en cinco minutos hace más de 10 meses.Lo que resultó fue que TicketMaster México tuvo fallas en su sistema y contó como falsos o duplicados algunas entradas que fueron adquiridas de forma legal. Los encargados de logística no permitieron la entrada al estadio a nadie que su tiquete no arrojara luz verde. Miles de personas se quedaron sin ver a Bad Bunny a pesar de haber adquirido su boleta de forma directa.La demanda a Ticket Master del Departamento de Justicia de Estados Unidos El Departamento de Justicia de Estados Unidos planea presentar una demanda antimonopolio contra el promotor de conciertos Live Nation, propietaria de la tiquetera Ticketmaster, de acuerdo con un reporte de The Wall Street Journal. Las acusaciones específicas siguen sin estar claras y el momento de presentar una demanda es incierto. El Departamento de Justicia se negó a hacer comentarios,según el medio.¿Por qué las críticas a Live Nation y Ticketmaster?Desde hace varias décadas, varias voces en la industria de la música han considerado que Live Nation ejerce un poder desmesurado en el entretenimiento en vivo.Live Nation y Ticketmaster se fusionaron en 2010 y ahora se anuncia como la "compañía de entretenimiento en vivo más grande del mundo".Las críticas alcanzaron un punto alto en noviembre de 2022 después de que el sitio web de Ticketmaster colapsara debido a una demanda extraordinaria de entradas para la gira Eras de Taylor Swift. En ese momento, el Departamento de Justicia estaba investigando a la empresa.Los legisladores estadounidenses interrogaron a los ejecutivos de Live Nation en una audiencia en enero de 2023 que unió a demócratas y republicanos sobre el dominio de la industria de la compañía que, según los críticos, está perjudicando a rivales, músicos y fanáticos.Posteriormente, los fanáticos de Swift demandaron a Live Nation por “conducta ilegal” en la caótica venta de la gira de la artista, y los demandantes alegaron que el gigante de la venta de entradas violó las leyes antimonopolio, según CNN.
Entre todas las tendencias de redes sociales, por estos días hay una que llama la atención: "Mira entre las letras de tu teclado". La idea es dar algún mensaje dentro de las letras en el rango descrito. Uno d elos ejemplos más frecuentes es el de "mira entre la h y la l en tu teclado" para decir "jk" o "just kidding" (solo bromenado en inglés). De momento, los usuarios señalan letras para las iniciales de nombres de personajes memorables, celebridades o figuras públicas, sin embargo, no ha sido del todo claro para muchos. ¿De dónde viene la tendencia de Mira entre las letras de tu teclado?De acuerdo al sitio Know Your Meme, que rastrea los orígenes de memes y tendencias en Internet, un usuario de la plataforma 4 chan posteó el 11 de mayo del 2021 una imagen con la figura de Yui Hirasawa, protagonista del anime K-On!.Esta imagen solo venía acompañada con un texto que decía “Mira entre la t y la o en tu teclado”. Con eso, se forma Yui, el nombre de un personaje.Sin niguna razón aparente, el post volvió a X (Twitter), en referencia a personajes de My Hero Academia: Izuku (Midoriya) y Uraraka (Ochaco). Entre el 17 y el 19 de abril se ven las primeras publicaciones al respecto.El trend también está Reddit, Twitter y otras plataformas y en distintos idiomas. Sobre K-On!K-On! es una serie de manga que comenzó a serializarse en la revista seinen Manga Time Kirara desde mayo de 2007. Una adaptación a serie de anime de 12 episodios se emitió originalmente entre abril y junio de 2009.La serie narra la historia de 4 jóvenes de colegio que buscan hacer su propia banda. El apellido de Yui está basado en el guitarrista de la banda japonesa de techno-pop P-Model, Susumu Hirasawa.
Para los y las que les gusta leer un libro y después verse la adaptación en película o serie, les tenemos el parche. En Netflix muchas de las producciones más populares han sido inspiradas en libros. Producciones que han llegado a ser número uno, como Secuestro del vuelo 601, nacieron de investigaciones o novelas de grandes autores. De hecho, las adaptaciones de Netflix están impulsando las listas de libros más vendidos y, a mi forma de ver, le han dado vida a historias icónicas como lo veremos este 2024 con Cien años de soledad, la novela más reconocida del autor colombiano Gabriel García Marquez. Así como es cierto que muchas adaptaciones no le son fiel a los libros y decepcionan a sus fanáticos, también es un hecho que Netflix ha logrado reconocimientos muy grandes con estas producciones. Por ejemplo, en los Oscar 2024, La sociedad de la nieve, película basada en el libro que cuenta la historia de los sobrevivientes de los Andes, fue nominada a Mejor Película Extranjera. Amantes de los libros, les digo que se pueden llevar gratas sorpresas con esta ola de adaptaciones que está llegando a la plataforma de Netflix. Acá les dejamos seis opciones que sí o sí tienen que leer y ver. SECUESTRO DEL VUELO 601Esta miniserie colombiana de Netflix ha dado mucho de qué hablar. La historia, protagonizada por Monica Lopera, Angela Cano, Valentín Villafañe y Christian Tappan, está inspirada en el secuestro del avión HK–1274 de la Sociedad Aeronáutica de Medellín en mayo de 1973. En cada episodio se deja claro que, aunque la serie está basada en hechos y personajes reales, por efectos de la dramatizaciones, algunos personajes, incidentes, lugares y diálogos son ficticios. Lo que pocos saben es que la serie se inspiró y basó específicamente en Los Condenados del Aire, el libro del periodista italiano Massimo Di Ricco. En este trabajo, Di Ricco reconstruye el fenómeno de aeropiratas que actuaron en Latinoamérica. La historia del secuestro del vuelo 601 no fue única y tampoco está aislada. Como explica el periodista en su libro, entre 1967 y 1973 hubo alrededor de 90 secuestros de aviones en Latinoamérica y cerca de 30 de ellos ocurrieron en Colombia.LA SOCIEDAD DE LA NIEVEA principios del 2024, la película de Netflix La sociedad de la nieve dejó sin palabras a más de uno. Esta es una excelente producción en la que, durante dos horas y veinticuatro minutos, se retrata la experiencia de los 16 sobrevivientes del equipo de rugby que se extravió en los Andes después de un accidente de avión. Los sucesos reales son crudos y desoladores y la película, sin irse por el lado del morbo usando descripciones demasiado gráficas, es fiel al infierno que tuvieron que pasar los sobrevivientes. Esto, además de lograrse gracias a la producción en sí, fue también gracias a Pablo Vierci (escritor, periodista y guionista uruguayo) el autor del libro homónimo publicado en el 2008. Para serle fiel a los hechos, Vierci viajó con un grupo de sobrevivientes a la montaña y escuchó como cada uno recordaba los setenta y dos días que estuvieron a la deriva en la cordillera. La sociedad de la nieve se empezó a escribir desde 1973 y se publicó muchos años después. Un libro que recoge muy bien, no solo los hechos y las batallas que tuvieron que afrontar los uruguayos, sino los sentimientos de cada uno en el limbo. La película fue nominada a Mejor Película Extranjera en los Oscar 2024. LA LUZ QUE NO PUEDES VEREsta historia está ambientada en Francia durante la Segunda Guerra Mundial. La luz que no puedes ver narra en paralelo dos experiencias. Por un lado, la de una joven francesa ciega que, junto a su padre, huyeron de París cuando los Nazis invadieron la ciudad. Por el otro, la vida de un joven alemán reclutado por el ejército para rastrear emisiones de radio ilegales y así derrocar a la Resistencia Francesa. La producción se basó en novela homónima, escrita por Anthony Doerr, ganadora de un Premio Pulitzer en el 2015. Un libro muy alabado por los jurados del premio ya que, en sus palabras, "“es una novela imaginativa e intrincada sobre los horrores de la Segunda Guerra Mundial, escrita en capítulos breves y elegantes que exploran la naturaleza humana y el poder contradictorio de la tecnología". La adaptación para Netflix de este libro estuvo en manos de Shawn Levy, director, productor y guionista canadiense detrás de producciones como Stranger Things. ORANGE IS THE NEW BLACK Muy pocos saben que serie que revolucionó al público, entre el 2013 y el 2019, con la historia de Piper Chapman, una joven que debe pagar tiempo en prisión por los delitos de su ex novia, Alex Vause, está inspirada en un libro. La trama, que sigue la vida de todas las reclusas en la prisión de Litchfield, Nueva York, explora la violencia, el arrepentimiento, el amor y la importancia de las relaciones. Aunque Chapman y Vause son las protagonistas de la serie, cada capítulo cuenta la historia de una de las reclusas evidenciando como, muchas veces, una vida dura e injusta lleva a malas decisiones. El libro que inspiró la serie es Orange Is the New Black: Crónica de mi año en una prisión federal de mujeres, una crónica en donde Piper Kerman cuenta su propia experiencia con el narcotráfico, el lavado de dinero y, como consecuencia, su condena en una prisión federal de mujeres. Una crónica fiel de la reclusión: los retos que se deben enfrentar a diario y la transformación que conlleva estar privada de la libertad. LA MUJER EN LA VENTANAAnna Fox es una psicóloga infantil que sufre de agorafobia (un trastorno de ansiedad) por una experiencia traumática. Ese pánico la hace vivir sola, en su apartamento en Nueva York, desde donde le toma fotos a sus vecinos y espía sus vidas. Todo cambia cuando escucha un grito que viene desde la casa de los Russell. Anna presencia un aterrador acto de violencia que la hará preguntarse si lo que vio realmente sucedió. Si son amantes de los libros, este seguro lo vieron en los estantes principales de las librerías. La mujer de la ventana fue la primera novela de A.J. Finn que no tardó mucho en convertirse en un best seller. Se publicó en más de cuarenta idiomas y se adaptó a la pantalla con la actuación de Amy Adams, Julianne Moore y Gary Oldman. THE SINNEREsta es una de las mejores series que he visto en Netflix y es muy poco conocida. Cada temporada es un caso de misterio bien bizarro que el detective Harry Ambrose debe resolver. Cada historia es un cuestionamiento que, aunque se exagera por función a la dramatización, nos lleva a pensar en los humanos, las sociedades, las culturas y, sobre todo, los extremos a los que hemos llegado. Petra Hammesfahr escribió la novela homónima de thriller psicológico, que se convirtió en un bestseller internacional, en la que se basó la serie. En una tarde de verano, Cora Bender mata a puñaladas a un completo desconocido en la playa. ¿Por qué lo hizo? Aunque la joven se declara culpable, el policía Harry Ambrose sabe que hay algo detrás de este crimen sin motivo aparente. Por eso, se niega a cerrar la investigación hasta entender por qué Cora mató a alguien enfrente a su familia. Una historia que termina revelando la psique de Cora y su traumático pasado. ***Les recomendamos: Las 30 mejores series para ver en Netflix en 2024
La creadora de contenido mexicana Wendy Guevara compartió escenario con Madonna durante el show en México de la reina del pop.Guevara fue la invitada principal en la pasarela de Madonna donde interpretó su emblemática Vogue, uno de los hits más importantes de Madonna. ¿Quién es Wendy Guevara?Wendy Guevara es la ganadora de La casa de los famosos México. Es la primera mujer trans en ganar este reality, y de hecho, cualquier reality mexicano en televisión abierta.Desde los primeros episodios, Wendy cautivó al público con su carisma y espontaneidad. Fue una de las participantes favoritas a lo largo del programa, que otorga un premio de cuatro millones de pesos mexicanos, cerca de 235.000 dólaresSu triunfo ha sido celebrado como un hito para la representación trans mexicana y latinoamericana.Wendy Guevara es una creadora de contenido mexicana. Se dio a conocer por un video que llegó a las redes sociales en 2017, cuando ella y su amiga Paola Suárez piden ayuda tras ser “abandonadas” en un cerro en León, Guanajuato. De ahí surgió un audio que decía “estamos perdidas, perdidas, perdidas”, y se hizo viral.Más tarde, se unió a ellas Kimberly Irene, y juntas formaron un grupo conocido como “Las Perdidas”.También se hizo conocida por un meme que ganó fuerza en 2022. La foto nació por un video que ella misma publicó en su canal de YouTube, donde está hablando a la cámara mientras su amiga toma un baño. Su gesto de desagrado se conviritó en uno de los memes más populares de 2022.Nació en agosto de 1993, y desde chiquita, una de las novelas que más le gustaban era Amigas y Rivales, fue el personaje que interpretaba Angélica Vale, el cual se llamaba Wendy Nayeli.“Yo crecí con todos esos programas, con las novelas de Amigas y rivales y todo eso. Es bien linda la Michelle Vieth. Yo me sentía Michelle Vieth en la novela, yo decía que yo era ella, y yo estaba chiquilla”, comenzó. “Pero me pusieron ‘Wendy Nayeli’ por el personaje de Angélica Vale que hacía de sirvienta. Yo le barría a una amiga su estética, y se me quedó Wendy Nayeli, por la culpa de Angélica Vale, te lo juro. Todos me decían ‘Wendy’”.En un episodio de La casa de los famosos, Wendy también narró que fue víctima de abuso sexual cuando era menor de edad."Cuando me violaron sí fue distinto, fue un muchacho ya mayor de edad wey (...) Cuando me llevó la policía fue lo peor, yo temblaba del miedo". También contó que fue revictimizada durante la revisión médica.¿Por qué Vogue fue tan importante para el pop? Esta canción llevó al “mainstream” el vogueing, un estilo de baile que se originó en los salones de baile (“ball rooms”) en Nueva York que nacieron desde los 60. En estos espacios alternativos, afros y latinos podían expresar libremente su orientación sexual o identidad de género, sin temor a ser discriminados o estigmatizados.El vogueing consiste en imitar los movimientos de las modelos posando como en la revista Vogue. Junto al documental Paris is Burning, Vogue de Madonna visibilizaron una de las manifestaciones culturales más representativas del movimiento LGBTI, que aquel momento luchaba por un anhelado y necesario reconocimiento en la sociedad.Además de Vogue, sus declaraciones a favor de la lucha contra el SIDA, cuando nadie más lo estaba haciendo, hicieron de Madonna un icono gay, y así se mantiene hoy. Pero Madonna no se limitó a copiar los pasos del vogueing ni mucho menos a apropíarselo. Para las coreografías de la gira, la reina del pop recurrió a Luis Camacho y José Gutierrez (conocidos como José y Luis Xtravaganza), 2 figuras prominentes de la escena “ball room”.
Con motivo de los 25 años del estreno de Star Wars: Episodio I -La Amenaza Fantasma, la película regresará a las salas de cine, según lo confirmó Cine Colombia en su cuenta de Instagram. De momento se sabe que la película estará disponible a partir del 2 de mayo, aunque no se conoce en qué salas. La película se estrenó originalmente en cines colombianos en junio de 1999. Star Wars: Episodio I -La Amenaza Fantasma es la cuarta película de la serie de películas de Star Wars, la primera película de la trilogía precuela y el primer capítulo cronológico de la Saga Skywalker. Ambientada 32 años antes de la trilogía original (13 años antes de la formación del Imperio Galáctico), durante la era de la República Galáctica, la trama sigue al Maestro Jedi Qui-Gon Jinn y su aprendiz Obi-Wan Kenobi mientras intentan proteger a la Reina Padmé Amidala de Naboo con la esperanza de asegurar un final pacífico a una disputa comercial interplanetaria. Junto con Anakin Skywalker, un joven esclavo con poderes naturales inusualmente fuertes de la Fuerza, simultáneamente se enfrentan al misterioso regreso de los Sith.El legado de Star Wars: Episodio I -La Amenaza FantasmaEpisodio 1 fue un éxito de taquilla. Con un presupuesto de 115 millones de dólares recaudó más de 1000 millones en todo el mundo y fue la más exitosa en su año de estreno. Sin embargo, muchos de los más fieles fans no quedaron del todo satisfechos. En su momento, la película fue elogiada por sus efectos especiales, pero, como recuerda Luke Holland en The Guardian, los meses posteriores al estreno de la película, la opinión cambió. Pero, como agrega Holland, "La amenaza fantasma, sin embargo, no está nada mal. Liam Neeson y Ewan McGregor son excelentes. Cuenta una historia satisfactoria y cerrada. Su acción se maneja con rapidez y estilo. Y, desde la muerte de Qui-Gon hasta que la madre de Anakin lo abandonó, ocasionalmente incluso logra tocar la fibra sensible del viejo corazón. A pesar de los Gungans, es una película de Star Wars muy sólida".