Desde los 12 años, a escondidas, Kris Floyd supo que le gustaba no solo escuchar música, sino también hacerla. Encerrado en su cuarto en Bayamón (la ciudad en la que nació, ubicada en la cuna del reggaetón: Puerto Rico) se puso a crear sin que nadie se enterara. Años más tarde, conocería al productor Jota Rosa, la cara invisible detrás de muchos de los hits de Bad Bunny, Zion y Lennox y Tainy. Y ahí estalló todo. Por Daniela TrujilloDespués de mudarse a Miami Kris Floyd conoció de cerca a los artistas de la plana mayor del perreo. A la vieja y a la nueva guardia. A sus 27 años, terminó llamando la atención de NEON16, el sello en el que Tainy y Lex Borrero acunaron los nuevos talentos de la escena. Kris ve al “género urbano” (una categoría que parece más bien interpuesta por la prensa y los premios) no como un término contraproducente para su trabajo como artistas, sino, por el contrario, como un lugar en el cual el reggaetón puede encontrar puntos comunes con otros géneros, aunque añade que antes le consideraba como el lugar a donde llegaba la música pop. Lectura recomendada | ¿Por qué es racista y clasista la categoría “urbano” en la música?Kris no se considera a sí mismo como un reggaetonero. Se ve como un artista que puede disfrutar y tomar de diversas músicas elementos para llegar más lejos: La existencia de artistas con públicos enormes, dentro del panorama globalizado y en un género que parece un monstruo del mercado, por su tamaño y alcance, no parece preocuparle. Kris Floyd se monta al ruedo con un cuidado musical extrapolado hacia la identidad visual. Su gusto por las películas lo ha llevado a interesarse e inmiscuirse a fondo en la producción audiovisual que acompaña sus canciones. Esta preocupación por seguirle el paso a lo tecnológico lo llevó a concluir que la música de su tierra, Puerto Rico, se ha transformado para bien gracias al internet, pues le ayudó no solo a conocer artistas de otros lugares en las discotecas, cosa que antes no pasaba, sino también a sacar del país la música que se hacía, llegando a más puertas y lugares.Ahora se acerca al lanzamiento de su nuevo EP, con dos sencillos Siempre Tarde y Zion, donde habla de situaciones que ha vivido en el pasado, respecto a su vida amorosa y también a su statement como cantante.
No es un secreto que actualmente el reggaetón está dominado por hombres guapos, con abdominales perfectos, sonrisa luminosa y rostros de revista de moda. A la par, el 99.9% de videos del género tienen mujeres delgadas, con medidas envidiables y pieles lozanas. Sin embargo eso ha surgido en que la percepción de la realidad se distorsione porque al salir a la calle no encuentras ese tipo de ejemplares caminando.Para escuchar | Reggaetón femenino: 10 recomendados de las nuevas reinas del flow en ColombiaEl productor Jodosky, apadrinado por Tainy y su compañía NEON16, lo entendió y se decidió a hacer una canción graciosa, pero que lleva a la reflexión de acabar con ese estereotipo de que hay que ser perfecto para algo tan simple como gozarse un reggaetón.La canción tiene por nombre ¿Quién dijo que los gordos no perrean?, tema que flota sobre una pista de reggaetón en el que se hace un balance entre lo old school y lo actual.Sobre este proyecto Jodosky explica que “es una canción que quiero dedicar a las personas de talla grande que son felices y viven sus vidas sin inseguridades acerca de ser grandes. A pesar del lado humorístico del tema, tiene un mensaje anti-discriminatorio centrado en la aceptación. (...) Siento que es la primera vez que alguien en el espacio latino toma en consideración la obesidad en una canción. He sido grande toda mi vida y soy consciente de que mi salud es lo primero, pero quiero ser feliz y estar cómodo conmigo mismo más que nada".El tema viene acompañado por un video que plasma el mensaje de la canción. Los visuales fueron dirigidos por JASZ de la casa productora RINO FILMS.El video divertido y lleno de color comienza con una escena de dos mujeres delgadas quejándose de no tener a nadie con quien bailar en el club porque todos son de talla grande. Luego, la escena cambia a un Jodosky confiado cantando el coro mientras bailarinas sexys de talla grande bajan en un escenario lleno de color y divertido. El video luego cierra el círculo con las dos mujeres que firman juntamente con Jodosky por su habilidad para hacer twerk.¡Reggaetón XL, inclusivo e innovador!En video | 'Gossip Girl' de HBO MAX: Thomas Doherty revela secretos de su personaje Max Wolfe¡La música nos une!
Fainal y Shako ocupan un lugar importante en la historia del reggaetón colombiano, su música y sus colaboraciones dan fe de ello. Canciones como En mi piel, Obra de arte o Nunca pensé siguen tan vigentes como cuando se lanzaron en el 2007. Hablamos con ellos acerca de su regreso, del momento que está pasando el reggaetón y de la historia detrás de Obra de arte.¿Qué pasó durante este tiempo?Fainal: Venimos de un receso de 11 años dónde estuvimos haciendo carreras independientes, el dúo estuvo del 2006 al 2008. Con dos éxitos a nivel nacional que fueron En mi piel y Obra de arte, junto a J Balvin. Luego de eso llegó un receso y Shako se dedicó a su carrera, hizo giras en el Cono Sur Paraguay, Brasil y estuvo sonando canciones como Creepy creepy, Amor de verano, Fácil. Yo inicié mi proyecto con música electrónica, y estuve haciendo giras en China, Vietnam, Tailandia, dedicado a la música electrónica y también como productor. Nunca hemos perdido el contacto, somos unidos como amigos y compañeros de trabajo. Un día Shako me dice: ‘están posteando cosas del dúo’, artistas como Karol G, Sky, Nicky Jam, Feid, y mi manager Fabio Acosta, el mismo de J Balvin, me dice: Santi van a salir en el documental de Jose, ‘El Niño de Medellín’, nos dieron un highlight de 10 minutos. Dijimos OK esto se pone serio, tenemos que trabajar el dúo de nuevo, por eso regresamos y empezamos con el lanzamiento del sencillo Weekenes.¿Cómo confrontaron el hecho de no ser un dúo?Shako: Estamos convencidos de que las cosas siempre pasan como tienen que pasar, la experiencia que adquirimos como solistas, productores, sellos, y las giras nos hizo madurar mucho como artistas y como personas. Era una etapa que teníamos que vivir cada uno de nosotros solos y ahora eso hace que el proyecto sea mucho más fuerte, más serio, más enfocado. No miramos lo que pudo haber sido, sino lo que fue, lo que nos aportó y todo lo que hace que ahora Fainal y Shako sea ese proyecto tan exitoso y con proyección.¿Qué significa para ustedes mantenerse vigentes durante tantos años?F: Nunca nos imaginamos que íbamos a ser referentes, o el legado que dejamos, la gente habla mucho de lo que hizo el dúo. Hace poco nos sorprendimos muchísimo viendo a Bad Bunny en los Premios Juventud, bailando una canción de Shako un remix que hizo con Trébol Clan y cada vez nos encontramos con otras colaboraciones que hemos hecho independientes, Dame un besito, con Chino y Nacho, la carrera que tuve como productor en Los rompe discotecas cuando estaba firmado con Héctor...son muchas cosas con muchos artistas. Nunca dejamos de trabajar en el género, produje canciones para J Balvin, varios remixes que nos ayudaron a encontrar el sonido de Fainal y Shako.¿Cómo ven el reggaetón en este momento?S: Está pasando algo súper importante, el reggaetón se convirtió en esa nueva música popular, ese nicho de mercado mundial, que se estaba buscando desde el inicio, pasar del underground al manstream, vemos colaboraciones de los artistas de siempre de pop, cuando inició Enrique Iglesias con Gente de Zona, yo hago parte del comité del Latin Grammy y una de las primeras veces que vimos eso fue ahí, que el reggaetón se unió al pop, lo vimos con Despacito, las canciones de J Balvin, Maluma y está pasando algo mundial, no solo en Puerto Rico, en Colombia, eso que pasó con lo que soñábamos nosotros de hacer reggaetón colombiano, y cuando llega Fainal y Shako le dimos una identidad al sonido y al género colombiano. Eso hizo que muchos que nos vieron como referencia se fueran a hacer un poquito más pop el reggatón, y unos artistas emergentes que son la cara del reggaetón mundial. Está pasando algo muy especial en el reggaetón colombiano.¿Cuándo estrenan el nuevo álbum?F: Estamos trabajando a veces remoto o presencial, tenemos como 6 tracks casi listos para el EP que queremos hacer, se va a llamar Made in Medallo, porque somos hechos en Medellín, seis tracks originales, en los que hablamos de todo, seguimos con conservando la línea romántica que nos ha identificado, pero tenemos algunas canciones un poco más picantes. Shako es muy bueno con los "punch lines", decir cosas con las que la gente se identifique y que tenga ese "parlache" y la manera de decir las cosas para que sea comercial y calle a la vez. Yo de pronto tengo el tono más pop y comercial, que le da ese look muy juvenil y muy fácil de cantar e interpretarlo a la audiencia. El 23 de julio lanzamos el álbum The Hitmakers, Vol. 1 en plataformas, 12 canciones que fueron éxitos y no estaban, vamos a dividirlo por varios álbumes, es un catálogo amplio, un catálogo de muchas canciones, hoy iniciamos este entrega para los fans que llevanan rato pidiéndolas para poderlas disfrutar en todas las plataformas digitales. El álbum nuevo Made in Medallo, tenemos planeado lanzarlo en mes y medio, estamos planeando varios featurings. Hay varios artistas internacionales que quieren montarse en el álbum de F&S y artistas colombianos también estamos muy emocionados de volver a las calles con sonido nuevo.¿Cuál es la historia detrás de ‘Obra de arte’?S: La historia que hay detrás de Obra de arte, es la historia como dicen los boricuas del boxeo, ‘de trabajar duro’, cuando hacíamos colegios, promocionando nuestras canciones, creando una red de fans a través de los messenger en ese tiempo en los colegios, entonces creábamos así nuestra propia red donde se promocionaban las canciones. En ese momento los artistas que estaban más duros en la calle, (en ese Messenger) en esa viralidad de messenger de ese tiempo era J Balvin, Fainal & Shako. Tuvimos un colegio juntos, incluso se nos fue la luz, tuvimos mucho tiempo de compartir de hablar, Fainal había acabado de producir todo el álbum de J Balvin, entonces estábamos en armonía y dijimos: (porqué)“yo creo que llegó el momento de hacer algo juntos, vamos a hacer un junte, nos fuimos para la casa de Jose, eso está en el documental de (Prime Amazon) Amazon Prime. Para ese tiempo, Fainal si no me equivoco estaba explorando un poco lo que hacía Scott Storch con las cadencias de jazz que lo caracterizan en el piano, un gran pianista, un monstruo para el piano, y empezamos a improvisar sobre eso, J Balvin nos muestra algo que tenía por ahí, un rapeo con una canción con otro artista que no había cuajado, nos dijo algo: “mi mona lisa, en tu cuerpo me eriza”… Fainal le puso la magia, la música a eso, cuando menos pensamos, ya Fainal tenía el coro, ya tenía el de: “ella es magnífica”… le metía los rapeos, nos conectamos muy bien Jose y yo para darnos la mano en los rapeos. Fue en una cuestión de dos, tres días en los que entramos muy bien, pero fue en una cuestión de tres días que ya estaba en la calle, y a la semana ya era éxito viral en Medellín, se nos volvió una bola de nieve, porque empezó a sonar en todas las emisoras no solo la ciudad sino del país, nos empezaron a llamar de todas partes. Para mí, fue esa canción que le dio la validez al reggaetón colombiano, que le dijo al público, el reggaetón colombiano funciona, el reggaetón colombiano comercial tiene un sonido, y suena así y ya el resto es historia.F: Musicalmente la canción fue algo muy natural, como decía Shako, Balvin ya tenía ese "chanteo" de, "mi Mona Lisa", que venía de ser no elegido por otro artista que le dijo: “no, eso no está tan cool. Como era un rapeo, y él la cantó ese día, ‘yo tengo esto muchachos’, ahí cuando empecé a sacar el piano se me vino también la melodía de: “ella es magnífica, no para de bailar”…. Yo era muy gordito en esa época, yo creo que el crédito se lo voy a dar a McDonald’s porque tenía una hamburguesa que se llamaba magnífica, pensé en la hamburguesa, más que obviamente en una mujer ahí. Todos teníamos pareja, pero igual uno como artista también se enfoca en lo que quizás quiere escuchar la gente, son historias realmente que les pueden pasar a amigos, lo que uno se imagina que le puede pasar a la audiencia. La canción nace de esa manera, una canción muy natural, no pensamos nunca que iba a ser un éxito del reggaetón colombiano, y nos ha traído grandes experiencias, nos ha hecho hablar de las carreras nuestras de una manera muy brutal. Hemos conocido gente increíble por la canción, hemos compartido y hemos viajado muchísimo. Increíble todo lo que ha pasado con la canción y después de tantos años que sigan hablando del tema.¿Cómo se supera un éxito tan grande como ‘Obra de arte’?S: Independiente que fuera la primera canción que tenía éxito nacional, ya veníamos de ser número uno en Medellín con En mi piel. Obra de arte fue la canción que escuchabas a toda hora, en los carros que pasaban por la calle, en todas la discotecas que entrabas. Todavía para nosotros es curioso que si nos ven llegar a una discoteca, a relajarnos, a estar tranquilos, ponen obra de arte, como si fuera la entrada triunfal. Es muy bonito esa experiencia que pasó con Obra de arte, yo siempre he considerado toda la música como un hijo que uno cría, que uno hace con amor y cuando coge vuelo y ganas unos siente mucha felicidad de esa canción que salió de tu pensamiento, de lo que creías que a la gente le iba a interesar y que se enganchen y se identifiquen. Todavía hay gente que nos dice: ‘yo enamoraba a mi esposa con las canciones de ustedes con Mi piel, con Obra de arte’. Es un proceso muy bonito y todo tiene su proceso distinto, por ejemplo el Cripy Cripy se pegó por un escándalo, porque iban a censurar el reggaetón por la letra, hay diferentes formas, pero todas son bonitas, es como un hijo que crece de diferentes maneras y hay que dejarlo.
Aquí estamos, como de costumbre, con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial completo con reseñas de discos colombianos (álbumes de estudio y EP) para que conozcan y se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo a los mejores temas y álbumes nacionales del 2020 en este especial. En esta oportunidad les presentamos 10 canciones de reggaetón femenino interpretadas por las nuevas reinas del flow en Colombia.200 copas - Karol GEs, tal vez, la canción con más personalidad del álbum KG0516, pero una de las favoritas por el público debido a su originalidad. Este tema es una canción de despecho que una amiga le dedica a otra que tiene el corazón completamente roto. Es el nuevo sencillo de Karol y hace poco estrenó el video oficial grabado en una playa durante una noche de tragos y fogata. Evidentemente Karol G es la patrona del reggaetón actual, no solo en Colombia sino en toda Iberoamérica.Te borré - Mila EgredLa cantautora colombo-mexicana interpreta este sencillo compuesto por David Escobar Rivera, Jorge Manosalva, Vanessa Henao Castro y producida por Derbeat. En este tema el afrobeat tiene protagonismo absoluto con la intención firme de invitar al baile sensual en las noches de perreo.Dulce Bellum - Aleja ClarkLa cantante barranquillera se unió en este tema con la venezolana Dulce Bellum para darle oscuridad y misterio a una era donde muchos se enfocan en los sonidos para bailar. El video le hace justicia al sencillo arriesgándose a adoptar una estética dark y con una propuesta fashionista osada.Maldad - Tinna ReyLa bogotana es una apasionada por el jazz, el blues y el soul, pero, como dice Residente en una canción de Calle 13, “el reggaetón se mete por los intestinos”. Rey ha encontrado en el perreo la forma de liberar sus composiciones más atrevidas con las que empieza a abrirse un camino en el género.Vienes y vas - AnnasofiaLa colombo costarricense aparece en el mapa con una canción para decirle a una relación que no tenía ningún futuro. En este sencillo, que principalmente es reggaetón, hay influencias de la música tropical latinoamericana. Para este sencillo Annasofia trabajó con los productores musicales Itzza Primera, Blader, Dejota y Ryan Roy.Mojito - HelleHLa barranquillera le hace honor al Mojito con hierbabuena en este nuevo sencillo en el que también se enfoca en el deseo entre dos personas que se atraen y desean con solo mirarse. Fue compuesta por Helleh, Juan Sebastián Vargas y producida por Giri Music.Kruella - KristalLa actriz, cantante y violinista homenajea a uno de sus personajes favoritos de Disney: la villana de Cruella del universo de los 101 Dalmatas. El sencillo cuenta la historia de una mujer que cambió su forma de ser luego de pasar por una decepción que la ha hecho más fuerte.Perris 2.0 - Oh MargóEl proyecto de Dark Perreo de Cata Castel sigue alimentando su catálogo. Este lanzamiento invita al sandungueo entre amigos y amigas cuando alguien lo bloquea en redes y se abre una cuenta falsa para seguir pendiente de su vida.Modo Bandi - Aleja LópezLa paisa apoyada por la compañía La Industria Inc le mete sensualidad a esta selección de reggaetón hecho por mujeres. Una canción en la que invita al sandungueo suave con una pista llena de misterio y erotismo. Modo Bandi fue compuesta por Aleja en compañía del hitmaker Keittyn y producida por Lexuz.Apatía - PitizionLa cantante de Granada, Meta, nominada al Latin Grammy y Apuesta Shock del 2020 se unió con Adso Alejandro para una canción en la que se habla principalmente de amor propio.¡La música nos une!
Aquí estamos, como de costumbre, con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial completo con reseñas de discos colombianos (álbumes de estudio y EP) para que conozcan y se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo a los mejores temas y álbumes nacionales del 2020 en este especial. En esta oportunidad les presentamos Que el ritmo no pare de Nia Sierra y Criss & Ronny.Que el ritmo no pare - Nia Sierra y Criss & Ronny.¿Quién está detrás? Nia Sierra es de Manizales y desde pequeña sintió afinidad con el universo musical del pop, elemento que queda evidenciado en la forma en que se proyecta como artista. Criss & Ronny son mellizos y la conexión entre ellos se evidencia en cada proyecto que ve la luz, tienen el flow cartagenero en sus venas y han contagiado de su vibra a muchas personas a través de las canciones que sacan a la calle.¿De qué trata? El tema Que el ritmo no pare fue compuesto por Gotex, Migueman, los cartageneros Criss y Ronny, y Nia. Sobre la composición la manizaleña cuenta que “el ritmo no para, la vida continúa y depende de nosotros volver a levantarnos de nuevo más fuertes, con más aprendizajes. Porque a pesar de haber tocado fondo me di cuenta que siempre podría recuperar nuevamente quien era, tan sólo con visualizarme como esa mujer llena de poder”.¿A qué suena? En Shock ya hemos reseñado temas de Nia, pero este tiene un flow especial que, evidentemente, es producto de la fusión con los cartageneros y la producción de DJ Maff. Un tema movido que en cada segundo invita al baile, la fiesta y la diversión.Para ver y escuchar | Shakira ratifica su estatus de diva del pop en el video ‘Don’t Wait Up’¿Sobre el video qué? Lo más destacado del clip es el poder del baile con coreografías entre los tres artistas. Una propuesta que deja ver el talento de los involucrados para la danza. El clip es opaco, pero probablemente el director quería mostrar que en las ciudades que no siempre son soleadas también se vive el perreo con la misma intensidad que en la playa. Este trabajo visual fue filmado en Medellín.¿Cuándo escucharla? Los colombianos no solo necesitamos vacuna contra el covid, sino también una inyección de flow que nos invite a encontrar energía en el baile y la música. Esta canción logra esos dos conceptos de forma acertada.En video | El voguing y la cultura del ballroom en Colombia - Shock¡La música nos une!
Actualmente Feid es uno de los solistas masculinos más originales del reggaetón colombiano. Su proyecto ha tenido un crecimiento muy grande en los últimos años y constantemente se destaca su particular forma de usar términos propios de la cultura paisa en sus canciones. El éxito no le llegó de la noche a la mañana, pues lleva activo más de 10 años.En video | FEID nos habla sobre el significado de algunas de sus canciones El paisa empezó a ser cercano al arte musical cuando asistía con su hermana a cursos de extensión musical en la Universidad de Antioquia. Allí aprendió a tocar instrumentos como el clarinete para luego enfocarse en aprender sobre técnica vocal.Feid entró de lleno a la industria del reggaetón en su primer boom siendo corista del cantante Shako. Durante esa época Feid también trabajó con Sky Rompiendo, que antes de consagrarse como productor de los temas más fuertes de J Balvin era el DJ del creador de Obra De Arte.La amistad con Shako lo llevaron a que uno de sus primeros temas fuera con él. Millonario fue su primer tema, una composición inspirada en la canción Bilionaire de Bruno Mars. El tema tiene un video filmado en las calles de Medellín y deja ver el amor que los dos artistas tienen por su ciudad natal.A partir de su trabajo, su talento y su creatividad, Feid empezó a escribir canciones para otros artistas mientras lo alternaba con su trabajo como corista para otros proyectos de reggaetón. El paisa compuso temas con artistas de la talla de Nicky Jam, Alberto Style, Magnate y Valentino, Reykon y J Balvin.En 2014 presentó su primer sencillo oficial Morena producido por Sky Rompiendo. En 2015 estrenó un video lyric de ese tema.Durante esa época la vida le cambió por completo cuando formó parte del equipo creativo de la canción Ginza, un tema de reggaetón interpretado por J Balvin y publicado por Universal Music que sonó fuerte en todo el continente y que llegó al #1 de la radio nacional y de los listados latinos de Billboard en Estados Unidos.Para 2016 Universal Music Latin le ofreció un contrato como artista exclusivo de su casa discográfica para empezar a desarrollar su carrera como solista. Su primer lanzamiento con ese sello fue una canción en la que participa su colega J Balvin titulada Que Raro.De ahí en adelante Feid continuó componiendo para otros, preparando álbumes para su catálogo musical y publicando sencillos con otros artistas. Entre sus primeras colaboración se destaca mucho 911 con el venezolano Nacho.En 2019 Feid estrenó el disco 19, proyecto que recibió críticas muy favorables y que lo llevaron a ser nominado en los premios Latin Grammy. Shock reseñó el álbum y consideró que era muy mainstream para ser alternativo y muy alternativo para ser mainstream.Fumeteo, Chimbita, Purrito APA, Porfa, Borraxxa, Nea, 14 de febrero, Relxjxte y Perfecta con Greeicy son algunas de las canciones que han ayudado a consolidar a Feid.¡La música nos une!
Aquí estamos, como de costumbre, con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial completo con reseñas de discos colombianos (álbumes de estudio y EP) para que conozcan y se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo a los mejores temas y álbumes nacionales del 2020 en este especial. En esta oportunidad les presentamos las novedades musicales de la semana.NIÑXS ROTXS – MabilandLa quibdoseña está de fiesta con el lanzamiento de su segundo álbum de estudio. El tema que le da nombre al disco ya tiene su video oficial.Jana Montana - Higuita en chanclasLos paisas le metieron turbo al euro dance en este sencillo en el que critican a los que se llenan de filtros en las fotos tratando de vivir dos vidas como Hannah Montana.El dolor de mis ancestros - Grupo BahíaUna hermosa obra musical escrita y producida por el maestro Hugo Candelario González. Para darle play en esos días en que las raíces se sienten más fuerte.El relojito - Koffee El KafeteroUn tema para decir a grito herido, y con el alma, “Arriba la champeta”. Baile, sabrosura y flow desde la costa caribeña de Colombia.Chris - Electric MistakesSe acerca el lanzamiento del nuevo disco de la banda, por ahora nos regalan un nuevo sencillo donde colabora Mateo Paris de Oh'laville.Afuegote - MaxiFlow criminal para las nuevas generaciones. El perreo colombiano se reactiva con proyectos como este. Además el video tiene un estilo punk que llama la atención desde el principio.Cosas que probablemente no van a pasar – EVLa cantautora y productora paisa se pone introspectiva en su nuevo sencillo. Pop de garaje para tardes nostálgicas.La Apuesta - CuervoEl artista da un giro a su propuesta para mostrarse mucho más honesto. En este sencillo sigue dándole plataforma a su vulnerabilidad y le da luz a los dos rostros de su personalidad. El sencillo sirve como preámbulo a BIPOLAR, su próximo proyecto discográfico.¡La música nos une!
Los boricuas Tainy y Yandel son dos de los nombres más grandes de la historia del reggaetón. Ambos debutaron durante la primera década del 2000 en Puerto Rico, se conocen desde el inicio y ahora quieren homenajear esa relación con un ambicioso proyecto musical.Contenido relacionado | Dylan Fuentes, Danny Ocean y Daramola le apuestan duro al afrobeat en nuevo temaTainy y Yandel comenzaron a trabajar juntos hace 16 años, cuando Yandel estaba gozando del éxito mundial como parte del galardonado dúo Wisin & Yandel. Tainy, que en ese momento tenía 16 años, acababa de entrar en el negocio de la música, produciendo una canción en la que aparecía el grupo.Ahora, con múltiples Latin GRAMMYs e innumerables discos multi-platinos en su haber, se unieron para crear un proyecto que refleja la icónica voz y líricas de Yandel con la innovadora producción de Tainy. Los dos anunciaron DYNASTY, un futuro disco en conjunto que le demostrará a la industria la jerarquía de estos visionarios.Deja Vu es el sencillo con el que debuta el proyecto, un tema de reggaetón discotequero que cuenta con todos los elementos para ser un tema #1.Para leer | 'La Santa', el sencillo musical que salvó el sueño artístico de Reykon, El LíderLos dos organizaron una fiesta histórica en el Eco Sports Park de Puerto Rico, donde brindaron una presentación exclusiva y revelaron el vídeo oficial de Deja Vu. Los asistentes también tuvieron la oportunidad única y exclusiva de ver el video musical oficial de Si Te Vas antes de su lanzamiento a finales de julio¡La música nos une!
Aquí estamos, como de costumbre, con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial completo con reseñas de discos colombianos (álbumes de estudio y EP) para que conozcan y se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo a los mejores temas y álbumes nacionales del 2020 en este especial. En esta oportunidad les presentamos Ojalá Pudiera de Homie! y Piso 21.Ojalá Pudiera - Homie, Piso 21¿Quién está detrás? El artista nacido en Envigado, Antioquía, en 1996 empezó su carrera en 2008 haciendo composiciones donde dejó claro su pasión por el arte y las letras. Homie! es artista del sello 574 y representa una nueva generación del reggaetón hecho en Colombia. En esta oportunidad invitó a Piso 21, la agrupación medellinense más internacional del momento.¿De qué trata? Ojalá pudiera refleja el sentimiento doloroso de perder una persona. Nunca se va a estar realmente preparado para despedir a un ser querido, a un familiar o a un amigo. Esta canción logra describir esa tristeza y el vacío que hay dentro de las personas al enfrentarse a una pérdida.¿A qué suena? El tema logra equilibrar perfectamente el estilo de los involucrados, el sentimiento de Piso 21 y la interpretación poderosa de Homie. Una canción con vibras de reggaetón, pero que se alimenta del sentimiento con que fue creada.¿Sobre el video qué? El video relata una historia impactante, pero que identifica a muchos: la pérdida de la persona más importante en la vida de un niño: su madre. Un clip en el que también participan los músicos y que fue dirigido por Ronny Xavier.¿Cuándo escucharla? Es de esos temas que logran tocar fibras y aguar el ojo. Tema para escuchar en los días donde la mente quiere estar desconectada del mundo exterior.En video | Piso 21: El amor en los tiempos del perreo - Track by Track Shock¡La música nos une!
Aquí estamos, como de costumbre, con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial completo con reseñas de discos colombianos (álbumes de estudio y EP) para que conozcan y se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo a los mejores temas y álbumes nacionales del 2020 en este especial. En esta oportunidad les presentamos Weekenes de Fainal & Shako.Weekenes - Fainal & Shako¿Quién está detrás? El pasado 7 de mayo se estrenó en la plataforma Amazon Prime Video el documental El Niño de Medellín sobre una de las semanas más importantes en la vida personal y profesional de J Balvin. En él aparecen en varias escenas Fainal y Shako, considerados por muchos como los impulsores del reggaetón colombiano. Ahora llegó el momento de conocer la canción que marca su regreso como dúo.¿De qué trata? En este track se habla de una aventura sexual entre dos personas que tienen sus parejas, pero que están buscando una travesura para divertirse en los ratos libres. Andrés Gomez Gonzalez, Johan Atehortua, Santiago Carvajal, Santiago Chacon y Sara Agudelo son los compositores de este track.¿A qué suena? La canción es producida por Fainal, quien lleva activo en la música casi 15 años y que ha entendido el sonido que necesita la calle. En Weekenes hay un poco de todo: perreo clásico, pero fusionado con los elementos del reggaetón actual. Un ritmo que hace que la canción suene global, pero reconociendo que tiene su base en Medallo.¿Sobre el video qué? Apelando a la nostalgia se le da un protagonismo llamativo a Windows Live Messenger, uno de los primeros servicios de chat que impactaron en Colombia. De ahí parte la historia en la que una mujer chatea con alguien mientras busca diversión y travesuras.¿Cuándo escucharla? Esta obra de Fainal & Shako es propia para bailarla los fines de semana, una canción que empieza a marcar el regreso de las fiestas luego de un año de quietud por la pandemia.En video | Reggaetón: 10 años después de la portada en Shock que juntó a la movida paisa¡La música nos une!
“Lollapalooza se fundó con base en la diversidad, la inclusión, el respeto y el amor. Con eso en mente, DaBaby ya no actuará en Grant Park esta noche. La actuación de Young Thug ahora tendrá lugar a las 9:00 pm en el Bud Light Seltzer Stage, y G Herbo actuará a las 4:00 pm en el T-Mobile Stage”. Así anunció el festival su rechazo a los comentarios de DaBaby. La semana pasada, durante una actuación en el festival Rolling Loud de Miami, el cantante originario de Ohio lanzó una serie de comentarios despectivos sobre los hombres homosexuales, el VIH y el SIDA. Se disculpó, pero empeoró las cosas, lanzando un video donde usaba nuevamente el SIDA como un insulto.Durante un concierto presencial el rapero hizo una pausa para analizar los ánimos del público. Todo parecía normal hasta que dijo: “enciendan la luz de su celular si no se están aquí con VIH, SIDA u otras de esas enfermedades de transmisión sexual que hacen que te mueras en dos o tres semanas (...) chicas, si su vagina huele a agua, enciendan la luz del celular; chicos, si no chupan pene en los parqueaderos, enciendan la luz del celular”.El momento se viralizó rápidamente en internet y los comentarios de desaprobación a sus declaraciones lo llevaron a ser tendencia, especialmente porque ha colaborado con cantantes femeninas que son íconos para la comunidad LGBTIQ+.Los comentarios homofóbicos provocaron reacciones violentas en la industria, y varios artistas se pronunciaron. Anitta, Demi Lovato, Elton John y Dua Lipa, quien colaboró con el rapero en un remix de su canción Levitating. Madonna publicó en su Instagram: “Un mensaje para DaBaby: si va a hacer comentarios llenos de odio a la comunidad LGBTQ + sobre el VIH / SIDA, es mejor que conozca sus datos:Después de décadas de investigación científica ganada con esfuerzo, ahora hay medicamentos que salvan vidas disponibles para los niños que nacen con el VIH, para las personas que contraen el VIH a través de transfusiones de sangre, agujas sucias o intercambio de fluidos corporales. ¡Estos nuevos ARV pueden mantener viva a una persona con SIDA por el resto de su vida! El SIDA no se transmite estando al lado de alguien en una multitud.Quiero encender mi celular y rezar por tu ignorancia, ya nadie muere de SIDA en 2 o 3 semanas. Gracias a Dios. Y tus comentarios sexistas sobre las mujeres cuyos vaginas necesitan oler a agua solo fomentan una mayor discriminación contra las mujeres que luchan a diario contra la opresión de vivir bajo las limitaciones de la mirada masculina.Las personas como tú son la razón por la que todavía vivimos en un mundo dividido por el miedo. Todos los seres humanos deben ser tratados con dignidad y respeto independientemente de su raza, género, preferencia sexual o creencias religiosas. AMÉN”.
La Media Torta es uno de los escenarios más diversos de la capital colombiana, por su tarima han pasado expresiones artísticas y culturales que han marcado generaciones que reúnen el imaginario cultural bogotano.Este año para su aniversario 83, el Teatro Al Aire libre La Media Torta celebrará su cumpleaños con una gran programación donde los sonidos tradicionales colombianos con nuevas mezclas sonoras y rítmicas serán los protagonistas. Los invitados a esta gran celebración son Guetto Kumbé y Phonoclorica. La entrada será libre hasta completar aforo.En sus inicios la programación de La Media Torta buscaba ser pedagógica, educar al pueblo con conferencias, sinfonías y diferentes variaciones de la música clásica. Fue en las décadas de 1950 y 1960, cuando los habitantes de la zona pidieron canciones del pueblo y, gracias al auge del cine mexicano, las rancheras llegaron al escenario en voces de artistas como Miguel Aceves Mejía, Antonio Aguilar, Pedro Vargas y María Félix. Hasta los setentas, La Media Torta fue el escenario predilecto y de esparcimiento para las clases obreras.A finales de 1970, este escenario presentó a reconocidos artistas internacionales. Durante la administración de Hernando Durán Dussán, se firmó el Decreto 0974, que obligaba a la presentación gratuita de artistas internacionales en el escenario. De este paso obligado por la Media Torta fueron protagonistas Armando Manzanero, Sandro, Celia Cruz, Mercedes Sosa, Leonardo González, Nelson Ned, Raphael y Leonardo Favio.Después de esto, La Media Torta entró en un largo período de crisis, inseguridad, cierres (en 1974) y deterioro de su planta física. En 1978 se conformó el Instituto Distrital de Cultura y Turismo que replanteó la programación y remodeló en 1981 las instalaciones, con lo que aumentó la capacidad de 3.000 a 7.000 espectadores.En 1995, entre el 25 y 26 de mayo, tendría lugar la primera edición de Rock al Parque en la Media Torta, festival que albergó es su primera edición 43 bandas nacionales, entre las que se destacaban agrupaciones que aún continúan vigentes como Aterciopelados y 1.280 Almas. La Media Torta también acogió los inicios de festivales como Jazz al Parque, Rap al Parque, Festival de Música Colombiana y el Festival niños y niñas al parque.La lista de artistas y celebraciones que se han llevado a cabo en este escenario es bastante amplia, por eso nos unimos a esta importante celebración. ¡Feliz cumpleaños 83 Media Torta!
Una de las instituciones de ballet folclórico más importante del país cumple 60 años. El Ballet de Colombia está listo para celebrar con los capitalinos este aniversario dedicado a su creadora Sonia Osorio.Un recorrido musical por las regiones del país, con un vestuario espectacular y los bailarines insignes de la compañía, llevarán al público a un viaje musical durante dos noches de celebración, el viernes 6 y el sábado 7 de agosto en el escenario del Teatro Jorge Eliécer Gaitán. El aforo presencial será limitado para las dos funciones, y el día 7, simultáneamente habrá transmisión vía Live Stream para todo el mundo a través de la plataforma, Tu Boleta Play.Son 60 años de recorrer los escenarios más importantes del mundo, con el legado de una de las gestoras culturales más importantes de nuestro país, la legendaria, Sonia Osorio, alma y nervio de la compañía por más de 50 años.Medio centenar de artistas en escena, entre bailarines y músicos en vivo le darán vida a un espectáculo con repertorios de gran exigencia escénica, con el fin de mostrar la riqueza cultural, la fuerza y la pasión de los colombianos.Haber logrado la mezcla perfecta entre la pureza del folclor y la sofisticación de las danzas modernas, le ha permitido al Ballet participar en los más importantes festivales de danza, y presentarse siempre triunfante en los más reconocidos escenarios a nivel mundial, obteniendo ovaciones, primeros premios y galardones.El Ballet Nacional un Legado de Sonia Osorio, ha bailado en los mejores teatros de París, Tokio, Berlín, Washington, New York, Chicago, Miami, Budapest, Moscú, Varsovia, Belgrado, Roma, México, Buenos Aires, São Paulo, Santiago de Chile, Lima, Quito, Santo Domingo, Puerto Rico, Panamá, Bruselas, Tel Aviv, Jordania, Egipto, Montecarlo, Hollywood, Madrid, Beijing, entre otros.El Ballet Nacional de Colombia, un legado de Sonia Osorio, hoy está bajo la dirección de Silvana Obregón Osorio hija de Sonia Osorio y de su nieto Martín Viera Obregón quienes continuarán con el concepto artístico, la escuela y el estilo que lo has hecho únicos en el mundo.
A pesar de que la pandemia paralizó al sector musical, sirvió como catapulta para muchos artistas que decidieron arriesgarse y enfrentar creativamente aquel panorama desolador de inicios del 2020. En Perú, dos experimentadas artistas sonoras le dieron vida a Silveria, un prometedor proyecto musical que ahora nos presenta Volver, su sencillo debut.Integrado por Noelia Cabrera (voz y líder de Kusama y Blue Velvet) en las voces y bajos y Natalia Vajda (guitarrista Mercury Toys y directora de Warmi Rock Camp) en las guitarras, la propuesta de Silveria mezcla elementos del new wave, postpunk, electrónica y rock alternativo con matices pop que invitan al baile.Volver plantea representar, a través de sus líricas, la partida del ser humano en el plano terrenal y su eterna presencia viviente en el recuerdo. Es una canción con cierta carga melancólica que nos invita a la reflexión, sobre todo en tiempos inciertos como los que vivimos. Así mismo, la canción cuenta con un fashion film en el que reforzaron el concepto artístico con flores intervenidas manualmente y maquillaje avant-garde, estos representan el lado femenino y elegante de Silveria a nivel visual.“Volver es el primer single de 3 sencillos que planeamos sacar en el 2021. Cada single contará con una sofisticada temática y propuesta audiovisual de editorial avant-garde distinta, planeando asimismo cada single con el acompañamiento de un video”, comenta la banda respecto al single.En cuanto a su sonoridad, la canción lleva un beat en onda new wave, con cajas de ritmos que por momentos nos invitan al techno. Las guitarras arman riffs y melodías envueltas en capas de delays, chorus y distorsiones junto a los sintetizadores. Todos estos sonidos arman las bases para las voces en distintas tonalidades que construyen armonías tejiendo las texturas sonoras y líricas que acompañan el manifiesto del viaje terrenal hacia el plano astral.
El afrofuturismo es, sin duda, una de las revoluciones sociales y estéticas más prominentes de los últimos tiempos. Una movida que plantea disolver los límites estilísticos para reivindicar lo afro. Para la muestra estas tres animaciones japonesas basadas en la estética afrofuturista. Por David Luján Shedda | @davidlujanshedaEn 2003 James Spooner dirigió la película documental AFROPUNK - "The Rock and Roll Nigger Experience", que exploraba las visiones y problemáticas de músicos y fanáticos de la escena punk norteamericana sobre la etnicidad, la clase y los asuntos raciales. Todos profesaban la identidad anárquica de la escena punk, en la que los afrodescendientes son minoría. Destaparon los roces entre los núcleos minoritarios dentro de las comunidades alternativas. Dos años después, Spooner y Matthew Morgan fundaron la plataforma Afropunk, reconocida mundialmente por su festival musical itinerante que amplió los márgenes de la escena del punk rock afro de Los Ángeles y Nueva York hacia diferentes ciudades del mundo, e incluyó otras músicas como el neo-soul y el hip hop, e incorporó en sus banderas la lucha contra la homofobia, la gordofobia y el racismo.Casos como el de Afropunk plantean lugares expresivos de libertad y reivindicación de las clases populares a través de una producción estética afro sin márgenes estilísticos concretos. Una apuesta que puede enmarcarse dentro del concepto de afrofuturismo, que se ha aplicado también al mundo audiovisual y que abarca un conjunto heterogéneo de reivindicaciones, identidades rebeldes y expresiones artísticas desprendidas de una tradición anclada al territorio. Para aprender más recomendamos leer | Afrofuturismo: la revolución cultural que se viene detrás de Pantera NegraComo campo estético, el afrofuturismo es un campo alternativo. Incluye diversas visiones artísticas no solo musicales o cinematográficas, sino también identidades sexuales, activismo social y posturas políticas paralelas al movimiento Black Lives Matter. Entre esos cruces artísticos, producto del afrofuturismo, aparecen estas tres animaciones japonesas que han sido protagonizadas y musicalizadas por personajes afro. Afro SamuraiAfro Samurai (2007-2009), originalmente un manga creado por Takashi Okazaki, es un proyecto que cuenta con dos entregas: una serie de una temporada con cinco capítulos y una película titulada Resurrección, que fue llevada al anime por estudio Gonzo.La serie está ambientada en un Japón futurista y postapocalíptico. Samuel Jackson hace la voz en el papel principal en una historia que conjuga las artes marciales con la historia del guerrero samurái Afro, quien busca vengarse del hombre que asesinó a sangre fría a su padre Rokutaru, uno de los mejores guerreros y quien poseía en su cabeza el cinto del guerrero número uno.La música, en sus dos entregas, es conducida por el veterano Rza, miembro de Wu Tang Clan. Tiene, de hecho, dos álbumes extensos acompañados de diferentes artistas invitados como Talib Kweli, GZA, Method Man, Kool G. Rap, Q-Tip, Big Daddy Kane y demás afiliados al Clan.Ambos discos recrean un estilo de cierto tipo de hip hop oriental bajo la mística del Wu y el kung-fu lírico que históricamente han profesado en sus canciones.Esta serie presenta el inicio de una vertiente en el anime que centra su argumento en recrear la vida de un personaje extranjero en una sociedad bélica. Aunque Rza afianza el estilo musical presentado previamente en Kill Bill, el giro hacia un personaje protagónico llamado enfáticamente Afro, crea un puente intercultural que provoca una ruptura con la tradición oriental del anime convencional.Por otra parte, es el hip hop el encargado de transmitir la fuerza necesaria para complementar el despliegue sanguinario de la serie.¿Dónde ver Afro Samurai? Actualmente no se encuentra disponible en ningún servicio de streaming, aunque han publicado algunos de los capítulos en YouTube. YasukeLa exitosa serie Yasuke (2021) es una apuesta japonés-estadounidense de Netflix. Fue creada por el multifacético LeSean Thomas, y cuenta con LaKeith Stanfield, quien da vida a la voz principal del proyecto.El anime se basa en la increíble historia real de un barquero que llegó a Kioto (Japón) en el siglo XVI y pasó a ser el primer guerrero samurái extranjero del cual se tenga noticia. Al lado del señor feudal Oda Nobunaga, Yasuke llegó a los campos de batalla dominando el japonés con fluidez, y llamando la atención por donde pasara. Así lo relata el escritor franco-marfileño Serge Bilé en su libro biográfico sobre Yasuke. La historia central de la serie relata la misión que emprende Yasuke por proteger a una niña con súper poderes. Animada por el estudio japonés MAPPA, la estética de la serie recrea personajes místicos envueltos en luchas a muerte en escenarios oníricos donde se despliegan intensas batallas y diálogos exuberantes. La ciencia ficción y esta historia fantástica se conjugan de manera inquietante en lo que parece ser una versión del Japón medieval en un universo paralelo.La banda sonora está a cargo del angelino Flying Lotus, un conocido vanguardista de la escena del hip hop, la electrónica y el jazz fusión, quien ahora es, sin duda, un referente sólido del mundo del anime.Mediante una estética cyberpunk decididamente afro, Flying retoma con delicadeza la producción artística sonora japonesa de finales de los ochenta y comienzos de los noventa.El tema principal de la serie, Black Gold, es presentado por el brillante Thundercat en la parte vocal y Lotus en la música, trayendo cierta nostalgia a partir de brasses o vientos electrónicos propios de sintetizadores modulados de manera retro, instrumentos musicales de percusión de madera y baterías minimalistas que evocan los clásicos del anime japonés.Flying impregna la banda sonora, además, con los hoy usuales ritmos de baterías 808 del trap. Incluye una colaboración, como es habitual en su discografía, con Denzel Curry en la canción African Samurai, una pieza minimalista desarrollada sobre una base drumless o sin batería, característica del hip hop moderno en su última versión, apoyada en coros onomatopéyicos que recuerdan el estilo clásico de los cantos responsoriales africanos.Blade Runner Black Out 2022Blade Runner Black Out 2022 (2017) es un corto de anime cyberpunk tech-noir dirigido por el respetado Shinichiro Watanabe inmortalizado por su trabajo en el anime de culto Cowboy Bebop. La entrega es una precuela de la película Blade Runner 2049 (2017) dirigida por Denis Villeneuve y forma parte de la clásica historia Blade Runner (1982) dirigida por Ridley Scott.Este corto es animado por Sola Digital Arts y llena el vacío que dejó el desarrollo de la historia futurista inicial, de ahí que su título retome la fecha del año 2022. Explica el apagón que tuvo lugar en la costa oeste de Estados Unidos en aquel año, cuando los humanos y los replicantes del modelo Nexus 8 continúan en un conflicto que incluye varios asesinatos por parte de la secta Supremacía Humana.En la trama los dos personajes centrales se confabulan para tumbar la energía de Los Ángeles, como parte de una acción del Movimiento Libertad Replicante, para bloquear el futuro accionar humano y borrar su memoria.La banda sonora del proyecto fue realizada, también, por un Flying Lotus con una visión musical del sci-fi impecable. El estilo musical mutante de Flying se torna introspectivo, logrando una asociación íntima con el despliegue filosófico de la obra. Pretende, quizá, presentar a los humanos como una especie asesina de todo aquello que no puede controlar a su antojo.A partir de sintetizadores y síntesis computacionales, el músico crea atmósferas futuristas. Aunque hay rasgos musicales similares en el catálogo sonoro de Flying, la banda sonora logra encapsular la ecuanimidad emocional de los replicantes, un rasgo característico de la historia.Los tres trabajos logran captar la experiencia de creadores afrodescendientes en el mundo del anime, centrando el foco en romper el canon musical y literario de la industria; en una expresividad rebelde y contestaría que concibe la cultura punk más allá de ser un estilo musical juvenil.
