Franken Novia es el primer video animado de la banda Perros de Reserva, está inspirado en El moderno Prometeo de Mary Shelley, también en el cine de terror animado de los 50. La historia gira en torno a un científico psicópata que no puede encontrar a la novia perfecta, así que decide arma la suya en un laboratorio. El video fue realizado por Forja Group, un equipo de animación colombiana que ha trabajado con proyectos de Disney Studios. La agrupación se presentó el pasado 15 de marzo en el 10º aniversario del Festival Hell & Heaven en la ciudad de México, compartiendo escenario con Cypress Hil, Sum41, Manowar, entre otros. También en el Montebello Rock Fest de Quebéc, Canadá. Para ellos mezclar con Germán Villacorta es clave para la proyección internacional hacia otros mercados, y los incluye en la lista de artistas que han trabajado con el productor en Los Ángeles como, Ozzy Osbourne, Alice Cooper, o Beyoncé entre otros géneros. Villacorta ha sido clave para el sonido que quieren proyectar los paisas.
Antombo Langangui y Pablo Fortaleza llevan 19 años de trayectoria musical, una época en la que se han destacado por crear un sonido propio, cargado de ritmos afrolatinos que han mezclado muy bien con el reggae y el hip hop. La voz de Antombo ha sido un sello diferencial que la hace única entre las propuestas nacionales. Profetas ha llevado su música a los escenarios de festivales importantes del mundo como, Glastonbury, LAMC, SXSW, Estéreo Picnic, Hip Hop al Parque y Rock al Parque entre muchos otros. Afrodisiaco es su cuarto álbum, y es la placa discográfica con la que terminan su ciclo con la disquera Codiscos, que también publicó sus tres álbumes anteriores Amor y Fortaleza, Baila, y Tiempo. “Este es el álbum más pop urbano que hemos hecho hasta la fecha, y con canciones cargadas de mensajes de amor, hicimos el ejercicio de escuchar a nuestros fans, nos enviaban videos pidiéndoles canciones de amor, y en realidad no tenemos tantas en nuestra discografía como la gente cree. Entre nuestros fans hay una gran población LGBTIQ+, en este álbum decidimos hablar de inclusión en las letras de las canciones, seguro muchas personas se van a sentir identificadas. Es un disco bailable, hay mucho afrobeat y dancehall” – Pablo. De este álbum ya han publicado tres videoclips y un video lyric de los once que lo componen, Quédate, Cicatrices, Afrodisiaco y Cule poco. Es un álbum visual que tiene once videoclips grabados en diferentes lugares. Bogotá san Andrés, Barranquilla y África, donde se unieron a la Fundación de Uganda Masaka Kids, que trabaja con niños víctimas de la guerra a través de la danza. Grabaron el videoclip de Cule poco. “Cuando empezamos hace años no éramos una generación tan grande de músicos afrodescendientes como hoy en día, éramos solo algunos en Bogotá y otros en las costas, ahora son muchos, hay un movimiento juvenil que se apropió de las raíces, de los sonidos y de la cultura afro, eso nos alegra mucho, porque es como el resultado de habernos salido del molde en otra época. Para nosotros es un sueño que la gente se apropie de sus orígenes, nunca tuvimos un lugar definido en festivales por nuestra propuesta musical, no lograban ubicarnos por la diversidad del sonido, ahora tenemos un lugar, el afrobeat, se destaca en el mundo”- Pablo. Afrodisiaco es un disco sin colaboraciones, que tendrá una edición de lujo en vinilo. Un álbum bailable que le da protagonismo al amor y a las parejas en sus canciones. El dúo colombiano también ha logrado que su música sea incluida en la banda sonora de series y películas, como Siempre Bruja 2, y Somos Calentura, entre otras. Track by track Intro ‘Es el coro de una canción que decidimos que no saldría, ósea la que no iba a salir como dice Benito’ (risas). Afrodisiaco ‘El ingrediente explosivo, una canción para levantarse a alguien a la fija’. Cule Poco ‘Las chicas tienen el control’. En silencio ‘Un romance en Cartagena’. Emoji ‘Hay que soltar de vez en cuando el celular para no perderse de cosas importantes’. Efecto Mariposa ‘A veces vale la pena volver a empezar, como si nos conociéramos por primera vez’. Escándalo ‘La canción post despecho, con la que se pueden superar relaciones’ Quédate El primer sencillo del álbum y sin duda una de nuestras favoritas Soy Yo Con el sonido urbano de los 90, el video lo hicimos en San Andrés’ Escapémonos ‘La más reguetonera del álbum, la primera que grabamos, el video fue hecho en Barranquilla una de nuestras ciudades favoritas’.
Calma presenta el primer sencillo de su nuevo trabajo discográfico Calmeezy, que espera ver la luz en próximos meses, y del cual la cantante puertorriqueña nos irá presentando algunos sencillos. El ritmo de esta canción mantiene el sonido caribeño, el dembow, y los sintetizadores, que se funden para combinar sutilmente la melodía con la voz. La producción estuvo a cargo de J. Rochet, con quien grabó ritmos tradicionales de bomba, un fuerte sonido ancestral que resuena con el latido del corazón, establecido dentro de nuevos patrones del ámbito urbano. El encargado de acentuar el ritmo urbano fue el productor musical Ladkani. “Sentir es una progresión natural del álbum 100 Vidas, cruda pero refinada, y al mismo tiempo con un toque sensual, la canción se vuelve contagiosa con sus melodías fáciles de cantar. Es el preámbulo de mi nuevo proyecto Calmeezy, es el regreso a mis raíces en lo urbano donde comencé hace 10 años atrás, Sentir es un escape que te lleva a una dimensión tropical futurista manteniendo la esencia de lo timeless..” – Calma.
Jonaz ha logrado enganchar al público con su música, el año pasado sus sencillos El Cotorreo es Mío, y Corazón de Nuez, se destacaron entre los favoritos de la radio y el público mexicano. Hace un mes publicó Cangrejita, una canción con un ritmo bailable pensada para la fiesta, algo de lo que nos tiene acostumbrados el artista de Monterrey “Cuando la compuse, me inspiré recordando como sonaba el house de finales de los 90´s y principios de los 2000. La música bien prendida y con un swing cool para disfrutar el dance floor y la fiesta, sólo que le agregué toques armónicos más coquetos y algunos toques más modernos. La letra la compuse de una anécdota que nos tocó vivir en un show en la playa. Hace un tiempo, nos presentábamos en un festival en Playa Progreso, Yucatán. El show era al atardecer y todo el público estaba en traje de baño, me volteé a ver a mí mismo y a los demás músicos y todos teníamos Converse, pantalón de jean, tshirt negra y sentí que estábamos completamente fuera de lugar, no solo con nuestro atuendo, si no que no éramos ‘gente de playa’”. El videoclip fue dirigido por Rick Serna de London México, que ya habían trabajado con Jonaz, la idea era mezclar la realidad con la animación, y transformar a los personajes en un video juego de los 80.
Migrant Motel es un poderoso dúo que desde el 2017 está haciendo música. Su sonido rompe con todas las etiquetas. Es una descarga que puede viajar del rock industrial al pop anglo. Sus integrantes se cruzaron en Boston cuando estudiaban en Berklee College of Music. David Stewart Jr. es la voz y el bajo, y Chava Ilizaliturri la batería. Así como su sonido no sigue ninguna regla, este proyecto está establecido en dos ciudades Los Ángeles y México. ¿Cómo logran dos, ensamblar un sonido como si fueran una banda de seis integrantes? Detrás de la producción impecable está Peder Etholm Idsoe. Desde el año pasado están publicando canciones trimestralmente. Este nuevo sencillo I don´t wanna know, es una canción que habla de relaciones de pareja, un sencillo que captura ese momento donde uno de los dos no quiere nada estable, es la canción anti romántica para esas parejas melosas que se dicen ‘te amo’, cuando apenas comienza la relación. Para grabar el videoclip contaban con una gran producción en la ciudad de Los Ángeles, pero como pasó con todos los planes en la industria musical, fue necesario cambiar la idea inicial y apoyarse en sus seguidores para hacer el video. Aprovecharon este tiempo de confinamiento y las plataformas, Facetime, Zoom, etc. para hacer la convocatoria que proponía, que las personas hicieran lo contrario de lo que sucedía en la canción. No quiero que me quieras. David y Chava encendieron su cámara para buscar amor por internet, sin mucha suerte. Es una canción para sentirse sexy y disfrutar, un poco la filosofía de la banda. ¡Vamos a seguirles la pista!, pueden descubrir más música aquí.
El estreno de este sencillo ha sido un verdadero reto para el cantante bogotano. Parte de la pista, la armonía, las voces y guitarras fueron grabadas con celular. Esta época motivo al cantante a crear Desde el encierro, una productora con la que está adelantando un nuevo EP. Lado B (El Trueque) producido por Mauricio Castañeda. “Esta canción es un relato muy personal desde la incertidumbre que vivimos actualmente y desde la inercia que nos ha conducido a este complejo momento, la metáfora del globo me permitió crear imágenes que retratan cómo solo seguimos un camino ciegamente”. - Rio. El video fue dirigido y editado por Daniela Caro de Arkhé Studio y la cámara la hizo su pareja Laika Tamara, grabado en su apartamento en Chapinero. El maquillaje y el styling del video fueron realizados por Rio. “El encierro me forzó a optimizar recursos y a establecer un equipo humano motivado por el "hacer" e intercambio de saberes. Todo se ha realizado a través del trueque. De alguna manera Globos, es un llamado a no dejar parar el arte y a retomar formas más orgánicas de producir contenidos y sobre todo a destacar el "qué", sobre el "como", la importancia de las ideas, más allá de los medios de producción”. – Rio.
Johan Castrillón nació en Buenaventura y vivió ahí hasta los 18 años. Desde su infancia le inquietaba la necesidad de poder mostrarse, de no sentir esa brecha que existe por ser afro y mestiza en una sociedad liderada por blancos en cargos de poder. Soñaba con las imágenes que veía en televisión de la capital y con representar a la gente negra que aparecía en los medios. “Desde pequeñas nos enseñan que no puedes existir de esta forma. Actuar, pensar, y desarrollarnos de una forma que está ligada a tú género genital, mi familia es una familia mestiza y también había mucho rechazo por la parte afro”. – LoMaasBello. En Buenaventura vivió hasta el 2009, estudió administración de empresas, e incluso desde sus proyectos de clase se relacionaba con el arte. Creó billeteras con material reciclado. Su primer encuentro con el activismo lo hizo cuando marchó para que la Universidad tuviera su propia sede y consiguiera la propiedad de los lotes donde estaba construida. Pero sin duda el aporte más grande que recibió fue la música, cantaba en reuniones familiares y el folclore de los sonidos del currulao, la chirimía, la salsa y el hip hop que llegaba al puerto marítimo se fijaron a su ADN. “En mi casa también había mucha música popular y de plancha. Me gusta escuchar muchísimos géneros, le doy play a las baladas de Amanda Miguel, Juan Gabriel. También hacen parte de mí, porque me inspiran, ese es uno de mis grandes sueños es poder incorporar toda esa riqueza musical que tenemos los colombianos con el trap y la música urbana” – LoMaasBello. Se mudó a Cali para terminar su carrera de administración y empezó a estudiar diseño de modas. Conoció y se vinculó a la Fundación Twiggy, y con ellos hizo varias actividades, como un desfile de modas en la Loma de la Cruz para visibilizar problemáticas que hay dentro de la comunidad trans. También trabajó haciendo styling para el artista urbano Jeloz. Quería seguir descubriendo y conectándose con el arte en todas sus expresiones, entonces viajó a Europa durante cinco meses y en una de sus rutas se encontró con el Berlin Queer Fest, que le voló la cabeza. Ahí se encontró con iguales ‘raros’ como ella los llama, personajes fuera de lo común que le mostraron que hay más como ella, y que ser diferente es el camino para tener el poder de inspirar a otros. Regresó a Bogotá llena de inquietudes y aunque la música rondaba por la su cabeza, se vinculó con varios movimientos artísticos que estaban relacionados con el activismo. Así empezó a interesarse por las personas que viven y luchan por la diversidad. La Red Comunitaria Trans no solo fue el espacio donde encontró amistad y familia, sino que pudo desarrollar otra de sus pasiones: la poesía. Cuatro de sus poemas hacen parte de un libro que se llama Calle Flamingo Antología Marica, que se logró en uno de los talleres de escritura. Pero la necesidad de seguir expresándose se representaba en la música. Ya había probado su destreza con el hip hop en fiestas de amigos, todos le pedían un poco de rap, hasta versiones de Nicki Minaj, era un hobby que venía haciendo desde hace tiempo. Un día probó hacer freestyle en su cuenta de Instagram y se sorprendió cuando algunos productores le escribieron para compartir pistas, o simplemente para felicitarla. Cuando sucedió el incidente en el Centro Comercial Andino sobre la discriminación que sufrió una pareja gay hizo un freestyle, "me beso con quien quiera así me vea tú hijo, me acaricio con quién quiera así esté en el Andino, no compro nada ahí, todito es repetido, porque señoras de clase alta igual estilo aburrido". Después de esto la contactó Lola, una cantante de dancehall colombiana que vive en Nueva York, y le pidió un verso para su canción Teriyaki Remix, y ese fue el primer paso hacia algo profesional. El productor de esa canción, Thiago Montesdeoca, es el mismo de su canción Shutup. “Le presenté una maqueta a Thiago. Yo siempre rimo todo el tiempo, saco musicalidad de muchas cosas, y se me ocurrió hacer algo para la gente que siempre está en función de señalarte, ¿por qué te vistes así? ¿por qué te sales de la norma? ¿por qué esto tan raro?”, dice Johan. “Esta canción responde a todo eso: es mi problema, es mi cuerpo, es mi decisión. Yo decido quien decida ser, y tengo la libertad de construirme y de inventarme todo el tiempo. Grabamos la canción, hicimos la postproducción y luego se la mostré al grupo Xtatus para hacer la propuesta visual. Queríamos darle mucha representación al tema de los cuerpos diversos, a la exaltación de las bellezas no convencionales. Como colectivo era importante contar con la representación de tallas, modelos plus size, personas afro, indígenas, desde la perspectiva de la diversidad, entonces se trató de hacer un casting muy diverso. La canción hace un homenaje a las chicas trans del Santa Fe que están en situación de marginación, queríamos mostrar eso, así que grabamos un día a las afueras de la Red Comunitaria Trans. Es gratificante porque esa parte de representación que siempre pensé que faltaba en la escena musical y artística colombiana se está dando a través de esta canción y de esta pieza visual”. En su trabajo también quiere involucrar a personas que representan un discurso de diversidad, por eso para el vestuario del video sumó a Yuu Wearable Art, y también a Mauricio Moreno y Juan José Rodríguez, LoMaasBello tiene el poder de interpretarse de la forma que usted quiera, es encontrar la belleza en todo lo que se sale de la norma, no hay límites y sobre todo es libertad de expresión. “Quiero contarlo todo, poder hablar de nuestras vivencias. En la música hay historias de personas que no viven la diversidad, solo suponen cosas que nosotros experimentamos. Yo quiero contar nuestras realidades desde lo que somos y vivimos, el amor y las relaciones de las personas diversas” – LoMaaasBello.
Alaina es una cantante y compositora de Houston Texas, con ascendencia mexicana. Canta en inglés, pero también está aprendiendo español para que sus canciones suenen muy bien en el idioma de su padre. Empezó muy temprano en la música, desde su niñez estuvo en coros de la iglesia y en el colegio siguió cantando siempre que tenía oportunidad. Como muchos artistas, comenzó haciendo covers de sus cantantes favoritos. Pero estaba segura de que esa etapa era transitoria, quería tener su propio sello, así que decidió escribir canciones junto a Sam Romans quién ha trabajado con Alicia Keys, John Legend, Disclosure, y muchos más. Esta dupla creó las cuatro canciones que componen su primer EP en inglés y español. The voicenotes y Mensajes de voz, se estrena el 22 de mayo. Las canciones en inglés salieron desde antes y le han merecido el reconocimiento del público y de la industria musical. Con apenas 20 años, es una de las nuevas apuestas del pop y el R&B. Hablamos con ella de Mensajes de voz, de la importancia de cantar en español, y de la inspiración de sus canciones. ¿Cuál es ese primer recuerdo que tiene cuando decidió cantar y hacer alguna versión de otro cantante? La primera vez que canté un cover fue Make You Feel My Love de Adele. Estaba en primaria, hacíamos mucho karaoke en mi clase de coro. Cada vez que teníamos esa clase yo cantaba la misma canción. ¿Quién fue el gran referente musical en sus inicios y qué le aportó a su propuesta musical? Hay dos puntuales: Usher y Whitney Houston, quise tomar un poco de cada uno, me encanta su música. La idea era ponerle un poco de ese estilo a mi música, así que de Usher tomé el R&B, fue el primer cantante que escuché con ese estilo marcado. Y de Whitney quería tener la fuerza de su voz. ¿Cuéntenos un poco acerca del sonido y las letras de ‘The voicenotes’? Quería hacer algo que contara cosas sencillas y cotidianas, que, de alguna manera, cada persona que escuchara mi música sintiera que había alguien al otro lado. Cuando Romans y yo estábamos escribiendo las canciones y pensando en las letras y su significado, entendíamos que queríamos crear algo que, en algunos momentos era triste pero también que hablara de soluciones a nuestros problemas. Este EP es como un escape para todos. Sabemos que el español ha cruzado muchas fronteras en la música. ¿Por qué es importante para usted cantar en español? Pues, estoy muy orgullosa de ser latina y aunque todavía estoy aprendiendo español, me gusta cantar y escribir en español. Es parte de mi vida y si puedo hacer música con la que se identifiquen más personas, quiero seguir haciéndolo, porque la música puede unirnos a todos. ¿Cómo ha sido el ejercicio de coescribir las letras de las canciones? ¿Qué la inspira? Me inspiran la naturaleza, los colores, las fotos, y hasta la música, cosas de mi pasado. Cuando Romans y yo escribimos, tratamos de pensar en cosas reales, pero también tratamos de poner en las letras cosas diferente que le den un significado más profundo. ¿Quiere mantenerla la propuesta de lanzar un Ep en español e inglés, más adelante? ¡Sí, claro! Con voicenotes fue divertido tratar de encontrar los mismos significados para las letras en español, me ayudó a pensar más acerca de lo que estaba sintiendo, así que me gustaría hacerlo en el futuro. ¿Qué tan importantes han sido las redes sociales en su carrera? Creo que son muy importante porque proporcionan oportunidades al que las necesite. Sé que también pueden causar dolor, pero si los usamos para hablar de problemas y soluciones, sería lo más importante. También me gusta hablar con mis fans y sentir el apoyo, es como estar ahí el uno para el otro. ¿Qué siente cuando le dicen que es una apuesta o la nueva generación del pop y del R&B? La música siempre va a cambiar y los sonidos van a ser diferente porque cada persona tiene su propio sonido. Hay clásicos que van a quedar en la música, pero me gusta el cambio, significa que podemos crear lo que queremos. Esta pandemia cambio muchas cosas en el mundo, pero sobre todo en la música, los shows se vieron afectados, Usted va a estrenar su Ep en cuarentena, seguramente hubiera sido diferente. ¿Qué piensa que va a pasar en los próximos meses en la música? Ahorita, la música está ahí para ayudar como siempre, pero después de esto, creo que todos se prepararan para regresar a la normalidad y la música va a tener su espacio también. Los shows o festivales van a ser una cosa increíble para todos, después de estar en su casa por meses, la diversión será mucho mejor, no puedo esperar por esto.
Debi Nova regresa con nueva placa discográfica después de Gran ciudad, un álbum que en el 2017 fue nominado a los Latin Grammy en la categoría de Mejor álbum cantautor. Debi es una de esas artistas que se toma su tiempo entre cada álbum. Las canciones son historias que suceden o son el reflejo de épocas y momentos que ella inmortaliza en letras. Este nuevo álbum mantiene esa línea, durante dos años trabajó en las 11 canciones que contiene este nuevo proyecto. Hablamos con ella vía telefónica para conocer los pasos que la llevaron a 3:33. ¿Cuál es la historia detrás del álbum? Hace 3 años tuve un momento muy difícil en mi vida personal, yo lo llamo momento de oscuridad, porque después vi la luz. Gracias a ese momento pude salir a otro lugar y desde ahí escribí las canciones. Estas canciones tratan de explorar los ciclos en la vida, uno tiene que pasar por esa oscuridad para poder apreciar la luz, me parece que es un mensaje muy claro hoy que estamos atravesando esta pandemia, no hay que perder la fe, vamos a salir a un lugar mejor. Me imaginé este álbum como las manecillas del reloj, cada canción tiene una hora y empieza con Quédate, es una bachatica romántica que habla del atardecer y lentamente se va oscureciendo el álbum y pasa por canciones profundas oscuras, tristes, para después volver al amanecer. Termina con una canción que se llama Ciclos, que nos dice que la vida es un ir y venir, un sube y baja y hay que abrazar todo eso que nos hace seres humanos. Por ejemplo, esta limitación que nos da el estar en casa y lo que eso trae, la preocupación, la incertidumbre, da mucho para hablar, para expresarnos. ¿Qué sonidos predominan en las canciones? Este álbum es un ejercicio de fusionar los ritmos más tradicionales como bachata, bolero, bossa nova, con una paleta de sonidos actuales, más urbanos. Lo trabajé con Juan Pablo Vega, es una persona que admiro muchísimo y además tiene un vocabulario musical súper extenso. Mi vida ha sido un poco así, crecí en Costa Rica, me mudé a Estados Unidos, y viajo todo el tiempo por Latinoamérica. Es como explorar los ciclos en mi vida por los caminos que he estado, tiene mucha fusión. ¿Qué le aportó Juan Pablo Vega al álbum? Él tiene una sensibilidad muy bonita con los artistas que trabaja, por lo menos esa fue mi experiencia, tuve que decirle muy poco, él captó perfectamente lo que tenía en mi cabeza, además es un músico increíble, toca todos los instrumentos, es una persona que se sienta a escucharte y darte ese vehículo para hacer tu visión realidad. ¿Cómo seleccionar 11 canciones de una lista larga? Rafael Arcaute y Juan Pablo tuvieron mucho que ver con la selección de las canciones, eso para mí siempre es lo más difícil, uno escribe canciones que son como sus hijos, al final cuesta tener ese enfoque de decir “esto es lo que funciona”. De hecho, grabamos dos canciones más que yo sentía que no tenían campo en el álbum. Era reunir esa sensación como de una ola que sube y baja, de algo que atraviesa un ciclo de 24 horas, como yo me lo imagino metafóricamente. Al final las canciones se me fueron revelando. ¿Qué representa este nuevo trabajo discográfico para usted? 3:33 es un número que me ha acompañado por muchos años. Desde que tengo 12 años, es un número que cuando lo veo tengo la certeza de que estoy donde tengo que estar, que estoy en el momento y el lugar preciso, por lo que sea que estoy atravesando me hace volver al momento presente. Como estoy ahorita de espectadora, de ser testigo de lo que la vida me presenta. No tengo expectativas de lo que va a pasar con las canciones más que la intención de que salgan al mundo, de que puedan crear espacios de conexión, y para mí es la experiencia de mantenerme consiente de todo lo que estoy sintiendo en el momento presente. ¿De qué ha servido esta pausa en la música? La velocidad a la que íbamos se reflejaba en la música y en el contenido que se sacaba, pero siento que con esto que nos ha pasado, la cuarentena, la pandemia, a mí me están dando ganas de escuchar álbumes enteros, antes escuchaba playlist, eso me hace pensar que la gente está cambiando hábitos de escucha, no sé en cuanto a género, porque hay público para todo género, pero siento que este cambio de ritmo va a tener consecuencias en la manera que escuchamos música. Seguro muchas veces le han preguntado ¿cuál es su postura ante el reggaetón? y ¿por qué no tiene una colaboración con este género? Me encanta el reggaetón, haría feliz una canción si es la colaboración indicada, cero en contra del reggaetón, es una música que mueve masas y eso es super bonito. Pero uno como artista tiene que hacer lo que le nace del corazón si en algún momento me gustaría hacer música bailable, lo haré y todos deberíamos tener esa libertad de expresarnos con lo que nos hace felices. 3:33 es un buen ejemplo de la música que me hace feliz, hay soul, hip hop y latinoamericana fusionada, hay un bolero convertido en trap. Yo creo que simplemente nuestra única regla en el estudio fue no ponernos reglas y hacer cosas que nos hicieran felices, que nos gustaran y nos tocaran el corazón. Track by track Quédate Yo quería una canción que te hiciera bailar pegadito, y sentir algo bonito. Así abre el álbum, es una invitación para que la gente se quede a escuchar y Pedro Capó hizo una participación hermosa, fue lindísimo trabajar con él, la canción me ha dado muchas alegrías. Un bolero para Lola Está inspirada en una historia que me contó mi abuelita, ella se llama Lola, es la historia de ella con mi abuelo Tobías, de cuando él estaba a punto de morir. Me encantó y decidí escribirles su bolero, porque cuando yo pienso en la música de mis abuelos, pienso en el bolero. Danza divina Es una introducción larga a lo que sucede en la noche, ahí es donde siento que el álbum se empieza a oscurecer. Danza divina es un poema que escribí sobre los ciclos de la vida, no dejarte morir, entre comillas, para poder renacer. Esta canción es una extensión de la siguiente, Esta noche nunca sucedió. Esta noche nunca sucedió Es una historia de amor del pasado, inspirada en una cosa que me pasó con un exnovio en una discoteca, de esa sensación del tener que dejar ir. Tiene una onda oscurita jazzera, destruimos la estructura del bolero y la hicimos como más trapera. 3:33 Le da el nombre al álbum y es una canción como una presencia divina, un ángel, para mí es como si alguien me estuviera dando esa señal. Es una historia de amor, la escribí acerca de una señora que estuvo en mi casa cuando era niña, fue la mujer que nos crió, ella ahora tiene Alzhéimer, la última vez que la vi sentí como que nos estábamos comunicando más allá de las palabras, no sabía quién era yo, ¡pero sí sabía!, eso me inspiró a escribir una canción de un amor que nunca muere. Mentimos Habla sobre mantenernos genuinos en esta era de las redes sociales, sentí un momento de desesperación, de que uno siempre tiene que mostrar su mejor cara, a veces cuesta mucho ser vulnerable ante la gente y mostrarnos como realmente somos. Es una canción hablando sobre cómo eso me molesta y me pone triste. Xtra Glow La escribí con Denis Jam, un amigo de Los Ángeles. Es una canción más sexy, es esa sensación cuando a uno le gusta alguien, pero estás comprometida a una relación y te da miedo si te dejan sola en el mismo cuarto con esa persona, cualquier cosa puede pasar. Sunrise Con esta canción comienza el álbum a amanecer a ver la luz de nuevo, habla sobre la danza entre la luz y la oscuridad en una relación a veces las cosas están bien y a veces están un poco no tan bien. Es lo que hace bonito las relaciones humanas, ese ir y venir. Superpoderes Habla sobre el poder del amor y la intuición, o la fortaleza interna que te da el amor. La escribí sobre el amor en mi vida, pero creo que también se puede aplicar al amor propio y eso te da súper poderes, es una canción que me soñé a la media noche, algo que no pasa usualmente. Azul Es melancólica, bossa nova, sobre no estar con la persona que uno ama. Ciclos Resume la temática del álbum, es como una rancherita, queríamos darle honor al país que nos vio producir este álbum, México. Es una canción corta de 2:30 que tiene melancolía, pero también tiene esperanza, yo creo que eso resume el álbum que es melancólico, pero tiene momentos de luz y esperanza.
Cristian Restrepo mejor conocido como No Beat, es un productor, compositor, y cantante samario que, a sus 20 años, y con un sencillo que publicó en YouTube, llamó la atención de uno de los sellos internacionales más reconocidos de la industria, Interescope Records lo fichó y ahora hace parte de la lista de nuevos talentos de la multinacional que pertenece a Universal Music. Perreo sano, es el primer lanzamiento con el que debuta bajo el sello disquero. Hablamos con él acerca de su etapa de productor y de cómo tener un sonido comercial sin perder la esencia. ¿Cómo fueron sus inicios en la música? Desde que tenía cinco años empecé con el violín, después con el piano, después piano clásico, piano jazz y estudié toda la música latina. Desde pequeño veía las orquestas de la ciudad, salsa, merengue, boleros, jazz, la música clásica de Mozart y Bethoven, y la música de los 70, Earth Wind & Fire, Michael Jackson y ahora Bruno Mars, Post Malone, me gusta mucha toda la música y siento que eso me han aportado bastante. ¿En qué momento empieza a producir? Empecé como productor hace tres años. Tuve la oportunidad de producirles artistas como Feid, L’Omy, entre otros. Cuando tomé la decisión de producir estaba estudiando en la javeriana piano jazz, no tenía ni idea, fue un deseo de querer involucrarme en la música comercial, de hacer mis propias pistas, me llamó mucho la atención, y en el camino desarrollé mi concepto, y gracias a esto comencé mi carrera de solista. ¿Cómo aprovecha sus conocimientos de productor? La ventaja de ser productor, es que puedo dedicarle mucho más tiempo a mi música, empezar desde cero, a combinar y aprovechar todas las ideas que surgen para incorporarlas a las composiciones, siento que me permite experimentar un poco más. ¿Le sorprendió la respuesta del público a su primer lanzamiento? Ontas fue la primera canción que saqué oficialmente, tenía mucha música preparada, pero la saqué el mismo día que la hice, es un tema súper especial y no me esperaba la acogida de la gente, para ser mi primer tema y de una forma orgánica fue viral, eso me animó mucho más. ¿Cómo define ‘Perreo sano’? Es una canción rara, porque es una canción como tres en una, tiene un toque de Ontas, tiene dancehall, y termina con dembow. ¿Qué lo hace diferente en la música? Creo que los detalles sonoros, no soy alternativo, tengo detalles comerciales, con musicalidad, con ritmo, con percusiones, esos detalles que han sido parte de toda mi formación musical, me deleito y soy más abierto a introducir todos esos elementos, son cosas que me dan un estilo diferente a todo lo que hay. ¿Cómo llega la firma con Interescope Records? Tengo bastante música que he venido trabajando durante dos años, se las compartí y después ellos me contactaron, les gustó mi música, tuvimos feeling. Lo importante ahora es tratar de mostrarle al público quién es No Beat y sacar más música, canciones que cuenten historias, cantarle al amor y a la diversión, usar la música para animar, para dejar un mensaje para disfrutar y levantar el ánimo a la gente.
Hay casi un 40% menos de contenido sexual en las grandes películas que a principios del milenio. Esa fue la conclusión principal de un informe encargado por The Economist al analista de datos Stephen Follows. El informe recopiló datos sobre las 250 películas más taquilleras cada año desde 2000, y encontró que las películas estrenadas en 2023 tenían poco más del 60% del contenido erótico que normalmente se encontraba entre las 250 principales en 2000. Es decir, el contenido sexual en las películas se ha reducido en un 405. Por género cinematográfico, la caída fue más pronunciada en las películas de acción (una caída de aproximadamente el 70% durante el mismo período), mientras que las películas románticas registraron muchos menos cambios, con una caída de poco menos del 20%.Al mismo tiempo, el porcentaje de películas más taquilleras sin ningún contenido sexual aumentó significativamente, de aproximadamente el 18% en 2000 al 46% en 2023. "No sólo hay menos actos sexuales en la pantalla, sino que se concentran proporcionalmente en menos películas", dice Follows. ¿Por qué cada vez hay menos escenas de sexo en el cine?Follows sugiere una serie de posibles razones detrás del declive de la cantidad de escenas sexuales, incluidos cambios en los gustos de la audiencia con una "preferencia por contenido que evita los temas sexuales por completo o los maneja con más sutileza"; la preocupación de que las escenas de sexo puedan afectar el estreno mundial “dando lugar a clasificaciones de edad o censura más restrictivas, reduciendo así el alcance potencial de una película”; y la creciente influencia de los “coordinadores de intimidad”, que toman protagonismo después del #MeToo y la importancia de espacios ¿Qué son los coordinadores de intimidad?La coordinación de la intimidad es un campo relativamente nuevo y en crecimiento, de acuerdo con CBS News. La primera producción en contratar y acreditar a un coordinador de intimidad designado fue "he Deuce de HBO, protagonizada por James Franco y Maggie Gyllenhaal, que se estrenó en 2017 y describió la industria del porno en la ciudad de Nueva York de los años 70.Hoy hay más de 100 coordinadores de intimidad certificados que trabajan en sets de cine y televisión. Su salario está más o menos en línea con el de los coordinadores de especialistas, cuyas tarifas mínimas fija el sindicato son alrededor de 1.500 dólares por día. Ganan, en promedio, entre 60.000 y 90.000 dólares al año.
El mes pasado, el cantante de Orgy, Jay Gordon, contó haber escuchado que Linkin Park se podría reunir con una cantante femenina en lugar del fallecido Chester Bennington. Sin embargo, se echó para atrás con sus declaraciones luego que estas se volvieran virales. "Va a ser difícil sin Chester, pero ya veremos", dijo. "He oído que ahora tienen una cantante... Eso debería ser interesante", afirmó en el programa de radio Wired In The Empire.Aunque con mucha especulación al respecto, los fans comenzaron una conversación en redes sociales sobre el posible regreso de la icónica banda y sobre la pregunta más grande: ¿quién daría vida a las voces de Bennington?El 30 de abril Billboard afirmó en un artículo que Mike Shinoda, Brad Delson y Dave Farrel estarían pensando en incluir a una vocalista en la banda para honrar la memoria del ex cantante de Linkin Park. Según la nota, la agencia de reservas WME estaría aceptando ofertas para una posible gira de reunión y actuaciones como cabeza de cartel de algunos festivales. A los miembros de la banda se les uniría un cantante aún sin nombre, pero una fuente le dice a la publicación que "la banda espera encontrar una vocalista femenina".Los rumores llegaron hasta los oídos de la vocalista de Evanescence, Amy Lee, quien negó que ocuparía el lugar de Chester dentro de Linkin Park en el programa de radio canadiense iHeartRadio, en el cual también bromeó diciendo: "no me han contactado, pero eso es increíble. Deberían preguntarme sobre eso. No tengo mucho tiempo libre, pero podría hacerlo a tiempo parcial”.Los integrantes no se han pronunciado al respecto, únicamente Shinoda quien afirmó que“siempre circulan rumores. La gente siempre pregunta qué sigue para la banda, y la mejor respuesta que puedo darle a alguien es que cuando haya algo que decirles, se los diremos. Cuando haya que hacer un anuncio, será en LinkinPark.com. Si lo escuchan de otra persona, pueden confiar en esa información tanto como quieran”.**Lean acá Linkin Park: "El rock de ahora apesta,por eso hicimos música visceral y ruidosa"
Los detectives muertos, la nueva serie de Netflix y spin-off de The Sandman, se estrenó el 25 de abril del 2024. Esta historia está basada en el cómic de DC y en el universo de Neil Gaiman, una de las mentes más poderosas de ciencia ficción detrás de historias como The Sandman, Coraline y American Gods. La serie iba a ser originalmente de MAX pero, después de que la plataforma de streaming la rechazara (por no encajar en los nuevos planes de la compañía, Netflix compró los derechos para tener todo el universo del reconocido autor de ciencia ficción. Sin embargo, Netflix no le tenía mucha fe a este proyecto y por eso Los detectives muertos no tuvo una gran promoción y se concentró en otros estrenos como El caso de Asunta y Baby Reindeer. Muy pocos días después de su estreno, Los detectives muertos tiene una calificación de 7,6 en IMDb (casi igual de bien calificada como The Sandman que tiene 7,7) y un 92% en Rotten Tomatoes. Estas cifras demuestras que Netflix cometió un gran error al no confiar en la expansión del mundo de The Sandman y en la mente de Neil Gaiman. ¿De qué trata 'Los detectives muertos'?Edwin Payne (George Rexstrew) y Charles Rowland (Jayden Revri) son dos adolescentes, que nacieron en décadas diferentes, que se hicieron amigos después de su muerte. En su vida como fantasmas tienen una agencia de detectives y se dedican a resolver misterios y casos paranormales. A sus misiones se les une la médium Crystal (Kassius Nelson) y Niko (Yuyu Kitamura), su amiga del mundo de los vivos. Los cuatro deben enfrentarse a brujas malvadas y a la propia Muerte. Trailer de 'Los detectives muertos'¿Cómo se conecta 'Los detectives muertos' en el universo de Neil Gaiman? Tanto Edwin Payne como Charles Rowland aparecen por primera vez en el universo de Gaiman en la cuarta entrega de la colección de historietas, Sandman: Estación de Nieblas. También aparecieron en La Cruzada de los Niños y empezaron a tener cameos regularmente en los relatos de Neil Gaiman. Hablando específicamente de la línea narrativa, The Sandman y Los detectives muertos se cruzan en 1991 cuando Lucifer (Gwendoline Christie en la serie) renuncia y se abren las puertas del infierno. Cuando el reino queda sin gobernante, Dream (Tom Sturridge) conoce a Charles y a Edwin (una relación que sirve para la historia se conecte y muestre lo que sucede en la Tierra). Y es que, precisamente, con las puertas del infierno abiertas, Charles comienza a divagar en el internado donde murió hacía años y conoce a Edwin, un amigable fantasma que murió en la misma escuela. Lo que sigue después de eso, su amistad y la agencia de detectives, es lo que se cuenta en el spin-off. ***Les recomendamos: The Sandman: ¿Por qué su creador esperó más de 3 décadas para adaptar su historia?
Dread Mar I se presentará en el Movistar Arena de Bogotá este 6 de julio, como parte de su Tour Dread Mar I 2024. Las entradas están disponibles en Tuboleta y los precios oscilan entre 221.000 y 494.000 pesos. Con una larga trayectoria conocida en toda Latinoamérica que comenzó en Argentina, Dread Mar I ha sido una figura muy conocida en el reggae latinoamericano desde su debut solista en 2005 con el álbum "Jah guía". Su éxito Tú sin mí catapultó su carrera, llevándolo a los primeros lugares de las listas y a nominaciones de varios premios, incluyendo el Grammy Latino. La canción obtuvo el récord de canción de rock argentino más escuchada en Youtube, con 1000 millones de reproducciones hacia enero de 2021."Tú sin mí se volvió un súper hit, pero no me lo esperaba. En YouTube hay 30 millones de personas que vieron el video", dijo el artista en entrevista con El Clarín. Además de ser el primer artista de Reggae Rock argentino en dominar los mercados de Argentina, México y Brasil, Dread Mar I ha recibido numerosos reconocimientos, incluyendo el premio 'Quiero' al 'Mejor Video de Reggae' y el premio Gardel al 'Mejor Álbum de Reggae y Música Urbana'. Su capacidad para llenar estadios se confirmó cuando tocó frente a 100,000 personas en Mar del Plata, y sigue siendo uno de los artistas argentinos más escuchados en plataformas digitales.Los fanáticos pueden esperar una noche de algunos grandes éxitos como “Hoja en Blanco”, “Así fue” y “Nada”.
Duki llega por segunda vez a la capital del país con su A.D.A TOUR 2024 en el Movistar Arena, el próximo 4 de mayo. El argentino regresa a Bogotá y la encargada de abrir el concierto será la colombiana Nath. Duki es un rapero y compositor de 27 años. En el 2021 se posicionó como el artista argentino más escuchado en el mundo. Entre sus canciones más conocidas está Goteo (que se mantuvo 24 días en el puesto número 1 de Argentina) con más de 300 millones de reproducciones en Spotify, She Don´t Give Fo con más de 400 millones de escuchas y Marisola - Remix.Después de agotar dos conciertos en el River Plate en Argentina (con capacidad de más de 150.000 personas), ser el único artista del género en vender toda la boletería del Bernabeu Del Real Madrid y hacer sold out en menos de 24 horas en el Palacio de losDeportes en México, Duki vuelve a Bogotá para cantar en uno de los escenarios más reconocidos de la ciudad.¿Quién es Nath? Nath creció en Medellín, admirando a iconos de la música local, como J Balvin, Maluma y Karol G. Ha colaborado con artistas como Ryan Castro, Goyo, Pirlo, Blessed, Piso 21 entre otros.El coro de la iglesia fue el escenario en el que cantó por primera vez. La música la emocionaba, así como ver cantantes. A veces le costaba encontrar las palabras precisas para expresar sus emociones, pero en la música, que tenía que sonar y acompañarla hiciera lo que hiciera, encontró sentido.En las baladas románticas de Ricardo Montaner, Reik y Sin Bandera, de ahí la inflexión romántica de sus canciones hoy, y también en la escritura. Si las palabras la eludían, tomaba una hoja y un lápiz, escribía una carta, y todo se aclaraba. Así convencía a su mamá de que le devolviera su baraja de Yu-Gi-Oh!A partir de 2020, esas cartas encontraron un destinatario más grande. En el concierto de Karol G fueron cuarenta mil personas. Ese día cantó 'La culpa', una colaboración con Goyo al ritmo de lo que ella llama pop urbano; 'KLKNTOKI', una colaboración con el caleño Pirlo —del que dice que, a diferencia de la mayoría de hombres, respeta mucho a las mujeres—, que fue viral en TikTok antes de su publicación; 'Deseándote', con Ryan Castro, un apoyo constante en su carrera; y también 'Rikota', su último sencillo, dedicado a las mujeres, a su felicidad."Es una locura ver que otras personas canten y griten y lloren con lo hiciste, que se conecten contigo y te escriban para decirte que les salvaste la vida. Se siente el éxtasis máximo. En ese momento es cuando más cordura tienes que tener y los pies sobre la tierra pa’ no elevarte. Es una responsabilidad muy grande que llevo con mucho amor. Antes era un tabú cantarle a las mujeres. Llevo ya tres añitos mostrando que no tiene que ser un tabú, que tenemos derecho a enamorarnos de quien sea. Creo que he logrado diferenciarme un poco".