La actriz y autora Issa Rae se ha convertido en un referente reciente de la comedia. Rae se dio a conocer por la serie web de YouTube, Awkward Black Girl. Su reconocimiento aumentó al ser co-creadora, co-escritora y protagonista de Insecure (HBO Max), serie que se emitió entre 2016 y 2021, fue nominada a varios Emmys y muy elogiada por la crítica y el público. Rae presentó recientemente su nuevo proyecto para HBO Max titulado Rap Sh!t (Maldito rap en español). Esta serie sigue la historia de 2 amigas de Miami que arman un grupo de rap. Este género no es un simple telón de fondo, sino un protagonista más en una historia divertida que explora cómo es realmente hacer rap y todas las discusiones que implica, como la viralidad de una canción, qué tan poderoso debe ser el contenido, o la posibilidad de hacer letras explícitamente sexuales sin la mirada masculina. El momento que inspiró Rap Sh!t"Amo el rap, amo el hip hop, amo a las raperas femeninas y este mundo siempre me había intrigado. En mi mente soy rapera, aunque no muy buena. Estar en este mundo es muy divertido, especialmente ahora que hay tantas mujeres raperas. Todas son únicas, pero hay mucha discusión alrededor de ellas", nos cuenta Rae. "La idea surgió cuando escuché la crítica de un productor reconocido, que decía ¿Por qué todo el rap femenino es sobre lo mismo? Eso me enfureció me ayudó a crear la serie", agrega. La sexualidad en las raperas femeninasLa hipersexualización de las mujeres en el rap es un tema que se aborda en la serie: "Las mujeres de Rap Sh!t tienen la misma discusión que se ha dado recientemente sobre la hipersexualización, ¿qué significa encontrarte a ti misma en ella? ¿De dónde vienen los juicios morales? Hablamos al respecto sin juzgar, eso se lo dejamos al público", afirma Syreeta Singleton,' showrunner' de la serie. Sobre el tema, KaMillion, rapera y una de las protagonistas, opina: "las mujeres no tienen que hacer nada que no quieran. Hay muchos caminos para elegir y si quieres irte por esa corriente, di lo que tengas que decir". Aida Osman, coprotagonista y escritora, agrega: "La gente vive fiscalizando el cuerpo de la mujer y no nos dejan decidir. Tal vez vendemos sexo, pero somos conscientes de ello. De alguna manera es empoderador". Osman se refirió a la representación de las mujeres negras en la serie. "Siempre hemos estado aquí, pero ahora controlamos el flujo de contenidos y hacemos lo que queramos hacer, como una historia algo tonta con algunos temas serios como ésta. Pero aún no estamos ahí: necesitamos más diversidad en las historias, más mujeres escribiendo y liderando. Esta serie tiene a 3 mujeres negras protagonistas, una mujer directora, una mujer showrunner, mujer productora ejecutiva. Eso no debería ser raro, sino la norma", agrega.
El canadiense Abel Tesfaye, conocido universalmente como The Weeknd, tiene todo listo para dar el salto a la industria de la actuación. El músico es creador, productor ejecutivo y personaje principal de la nueva serie de HBO The Idol .Contenido recomendado | 'Dawn FM', el quinto universo musical del canadiense The Weeknd¿De qué trata The Idol de HBO?La nueva serie tiene como trasfondo la industria de la música, pues está centrada en el romance de una estrella del pop femenino con el dueño de uno de los clubes más exclusivos de Los Ángeles. Lo que ella no sabe es que él también es un gurú de la autoayuda y líder de un culto moderno. ¿Quiénes actúan en The Idol de HBO?La serie es protagonizada por Abel "The Weeknd" Tesfaye y Lily-Rose Depp y contará con 6 episodios. El elenco lo complementan, Troye Sivan, Debby Ryan, Rachel Sennott, Steve Zissis, Hari Nef, Juliebeth Gonzalez, Melanie Liburd, Tunde Adebimpe, Elizabeth Berkley, Nico Hiraga, Anne Heche, Maya Eshet, Tyson Ritter, Kate Lyn Sheil, Liz Caribel Sierra, Finley Rose Slater.Este es el primer adelanto oficial de The Idol¿Quién dirige la serie The Idol?Inicialmente los seis episodios del proyecto iban a ser dirigidos por la actriz y productora estadounidense Amy Lynne Seimetz, pero luego ella renunció a su cargo por diferencias creativas. Finalmente Sam Levinson, uno de los creadores, y mente detrás de Euphoria, asumió la dirección de la miniserie.La serie terminó de filmarse en julio de 2022 en Los Angeles, California, antes de que Abel iniciara su gira mundial de conciertos After Hours Til Dawn Tour.¿Cuándo estrena la serie The Idol de HBO?Con el primer adelanto de la serie se dio a conocer que estrenará antes de finalizar el año 2022 por HBO y HBO Max a nivel internacional. Aún no se define la fecha definitiva en que el proyecto verá la luz.En video | The Weeknd en el Super Bowl: un show decente que vamos a olvidar pronto - Shock¡El lado S de la televisión y las series!
Del guionista y director Olivier Assayas (Clouds of Sils Maria, Carlos) llega una audaz y enérgica reimaginación de su clásico indie de 1996, Irma Vep, que es a su vez una meditación sobre la erótica y subversiva película en serie de Louis Feuillade de 1915, Los vampiros, cuya icónica heroína Irma Vep ha influido en la cultura popular durante generaciones. Irma Vep está disponible en HBO Max. Ampliando su historia original dentro del lienzo más amplio de la serie limitada, a la vez que revisa los temas y recrea escenas enteras de su fuente de la época muda, Assayas conjura una delirante carta de amor al cine y a la creación de películas, independientemente de la forma o el formato que adopten en el vasto panorama narrativo actual.La ganadora del Oscar Alicia Vikander (La chica danesa) interpreta a Mira, una actriz estadounidense desilusionada que se retira a Francia tras una ruptura para protagonizar un remake indie de Los vampiros. En el papel de Irma Vep, maestra criminal de los bajos fondos parisinos, Mira se pone el famoso traje negro de sus predecesoras -la It Girl Musidora de la era del silencio y la superestrella de Hong Kong Maggie Cheung- sólo para encontrar que su vida y su trabajo se transforman dentro y fuera del set.Rodeada de un reparto y un equipo eclécticos, como el neurótico director René Vidal (Vincent Macaigne), la diseñadora de vestuario de espíritu libre Zoë (Jeanne Balibar), el coprotagonista drogadicto Gottfried (Lars Eidinger) y su perspicaz asistente personal Regina (Devon Ross), Mira se sumerge en el macabro universo de una sociedad secreta de criminales. Pero, ¿interpreta ella a un personaje, o es el personaje el que interpreta a ella?"Irma Vep en formato de serie es una comedia sobre cineastas que luchan por dar sentido a lo que están haciendo, y lo que están haciendo", dice Olivier Assayas. "Están rodando un remake de los primeros tiempos del cine con todos sus locos giros y vueltas y, al mismo tiempo, se cuestionan su propia relevancia como artistas. Esta película es un diálogo entre el pasado y el presente del cine, devolviendo a la vida parte de la magia perdida de los primeros seriales para una nueva generación".La protagonista y productora ejecutiva, Vikander, se sintió atraída por el enfoque de la serie en cuanto a la narración y la genuina reverencia por el oficio de la interpretación. "La visión de Olivier de la película entre bastidores tiene su propio espacio al mostrar una visión honesta, más que extravagante, de cómo se desarrolla una producción, o se desmorona", dice Vikander. "Mientras hacíamos esto, era difícil distinguir entre la gente que hace la película y la gente que hace el espectáculo dentro del espectáculo. Irma Vep muestra el duro trabajo que conlleva la creación de historias para la pantalla, a la vez que muestra la pasión y la angustia que hace que los tipos creativos quieran pasar por estas luchas una y otra vez."La historia de fondoAssayas no es ajeno al folletín de principios del siglo XX, ya que ha escrito extensamente sobre Gustave Le Rouge, el escritor francés que innovó la literatura pulp a través de folletines literarios tan imaginativos como El prisionero de Marte y su secuela La guerra de los vampiros."Escribí mi tesis de licenciatura sobre el tema del folletín, pero no tenía ni idea de que algún día me enfrentaría a este género como director de cine", dice Assayas. "Es emocionante volver a lo básico, a las raíces de la propia noción de serie. Obviamente, no podemos hacerlo con la misma inocencia. Hemos perdido nuestra ingenuidad. Somos posmodernos y muy conscientes de las estrategias de nuestro entretenimiento".La obra maestra del folletín literario francés fue Los misterios de París, de Eugène Sue, con su siniestra descripción de los bajos fondos parisinos del siglo XIX: criminales despiadados, ladrones perversos, damiselas en apuros y giros argumentales en cada página. Los Misterios de París se convirtió en el prototipo del folletín literario de fin de siglo, preparando el camino para la ciencia ficción de Julio Verne y los thrillers policiales de Gustave Le Rouge.Le Rouge fascinó a Assayas por su sensibilidad "pulp" y literaria, así como por su conexión con poetas simbolistas como Blaise Cendrars y Paul Verlaine, que influyeron en los primeros cineastas de vanguardia como Marcel L'Herbier y Luis Buñuel. "Se encontraba en la encrucijada entre el arte elevado y el bajo, en el mismo campo que las locas narrativas de los creadores de Fantômas, Marcel Allain y Pierre Souvestre, cuya ficción criminal se convirtió en un serial de cine mudo de Louis Feuillade", dice Assayas. "Siempre he sido muy sensible a la conexión entre el género literario de Le Rouge y el serial filmado, que surgió en los albores del cine".Los seriales filmados son los ancestros de las series de televisión y de los dramas televisivos de prestigio de hoy en día. Fantômas, estrenado en 1913, presentó al público francés al genio criminal titular, preparando el camino para Los Vampiros de Feuillade, que se desarrolló en diez episodios entre 1915 y 1916. Ambientada en los bajos fondos parisinos, al igual que Los misterios de París, estaba protagonizada por Édouard Mathé, Musidora y Marcel Levesque y contaba la historia de un periodista y su compañero que intentan desbaratar la cábala criminal conocida como Los Vampiros.Dividida en diez episodios y con una duración de siete horas, es una de las películas más largas jamás realizadas y se convirtió en un éxito masivo entre el público de la época de la guerra a pesar de las críticas negativas; también catapultó a Musidora al estrellato. Hoy en día se considera una obra maestra del cine, que introdujo las técnicas del thriller que luego adoptaron Buñuel y Hitchcock e influyó en las vanguardias."Algunos de los momentos más bellos del cine se realizaron en la época muda, y son una fuente de inspiración para el cine moderno", dice Assayas. "Creo que es importante volver a los orígenes del cine para estar en contacto con la modernidad y la actualidad".Para su propia versión de Los Vampiros -el espectáculo dentro del espectáculo de Irma Vep-, Assayas rinde homenaje al clásico serial de Feuillade dividiendo su propia serie en episodios que llevan el nombre de los originales. Aunque Irma Vep sólo dura ocho episodios (Assayas ha condensado los episodios 1 y 2 y 4 y 5) la nueva serie se desarrolla, como su predecesora, en los siguientes capítulos: El anillo que mata, El libro de códigos rojo, La fuga del hombre muerto, Ojos hipnóticos, Satanas, El maestro del trueno, El envenenador y La boda terrible."Volver a las raíces del formato de serie significaba reinventar Irma Vep para una nueva era, no simplemente jugando con los temas de Los Vampiros, sino utilizando la propia estructura de sus episodios originales", dice Assayas. "Encontramos nuevas formas de disfrutar del serial a través de sus "cliffhangers" y su surtido de personajes patanes mezclados con el drama cotidiano y las travesuras en el rodaje de una producción indie en el París post-COVID".La banda sonoraLa música ocupa un lugar importante en las obras de Assayas. Su primer largometraje, Disorder (1986), narra las consecuencias psicológicas de tres jóvenes músicos que roban material para su banda de música post-punk. Dos décadas más tarde, dirigió el documental musical Noise, en el que captó la actuación de la banda estadounidense de noise Sonic Youth en el Festival Art Rock de 2005 en Saint-Brieuc (Francia).Assayas ha utilizado las canciones de Sonic Youth como textura en sus películas -incluida la famosa escena de Irma Vep- y se hizo amigo de los miembros principales, Thurston Moore y Kim Gordon. Invitó a la banda a componer la partitura de su película de suspense de 2002, Demonlover, y Gordon apareció más tarde como gángster en la película de suspense de 2007, Boarding Gate.En la película original de Vampiros, Irma Vep es una artista de club nocturno y baila de forma sugerente en el escenario en una famosa escena durante un número musical que, por supuesto, se desarrolla en silencio. Para la versión actualizada de la escena, Assayas quería algo siniestro y macabro con un ambiente de metal oscuro, que subrayara el submundo criminal, y recurrió a Moore para que compusiera la partitura de la serie."Las canciones captaron el espíritu de lo que buscaba en esas escenas, así que invité a Thurston a componer toda la serie", dice Assayas. "Fue una oportunidad para él de ir un paso más allá de la forma en que trabajamos juntos en Demonlover, donde dirigí muchas de las escenas con la música que me enviaron antes de entrelazarla con la película en la postproducción".Añade Assayas: "Una de las razones por las que me gusta colaborar con Thurston es porque no cree en la estructura de sus canciones; cree en la improvisación y en las fuerzas aleatorias que se te presentan, y eso es algo que siempre he buscado en mi cine", dice Assayas. "El arte surge del caos, y hay que proteger el caos en el cine porque a menudo se pierde el control, lo que constituye una gran parte del arte del cine".
Kit Harington firmó para volver a interpretar al personaje de Jon Snow en una próxima serie secuela de Game of Thrones, según informó The Hollywood Reporter. Es la primera serie derivada de Game of Thrones que tendrá lugar después de los eventos de la serie original, que se emitió entre 2011 y 2019 y se llevó 160 nominaciones a los Emmy y 57 victorias. En el caso de Jon Snow, fue visto por última vez reincorporándose a la Guardia de la Noche como castigo por matar a Daenerys Targaryen.Desde que completó su trabajo en Game of Thrones, Harington apareció en Eternals (2021) del Universo Cinematográfico de Marvel. Recientemente también protagonizó el papel principal en la producción en vivo del National Theatre de Henry V.El actor se ha referido varias veces al impacto que tuvo el personaje en su salud mental. "Pasé por algunas dificultades de salud mental después de Game of Thrones, y durante el final de la serie, para ser honesto, creo que se debió directamente a la naturaleza del programa y a lo que había estado haciendo durante años", dijo Harington en entrevista con The Jess Cagle Show. Esta secuela indicaría una nueva dirección en el manejo del universo de fantasía del autor George R.R. Martin por parte de HBO. Para The Hollywood Reporter, esta decisión apunta a algo similar a lo que hizo Marvel con Wandavision. El proyecto cambiaría la temporada final de Thrones como la última palabra sobre el destino de los sobrevivientes en la serie y podría abrir la puerta a la reaparición de otros personajes del universo de Thrones, como Arya Stark (Maisie Williams), Sansa Stark (Sophie Turner) o Brienne of Tarth (Gwendoline Christie).El proyecto de Jon Snow, hasta el momento sin título, se une a House of the Dragon, una precuela centrada en la Casa Targaryen, se estrenará el 21 de agosto.
Se estrenó en HBO Max la serie The Time Traveler's Wife, basada en la novela homónima de Audrey Niffenegger, que a su vez inspiró una película del mismo nombre, protagonizada por Rachel McAdams y Eric Bana. El libro, la serie y la película exploran la historia de un hombre que viaja en el tiempo aleatoriamente y no lo puede controlar. Dos de los miembros de su elenco, Natasha López y Desmin Borges, nos contaron más sobre esta serie. ¿A quién interpretas en The Time Traveler's Wife?Natasha Lopez: El nombre de mi personaje es Charisse. Ella es la mejor amiga de Clare y compañera de cuarto. Es un poco neurótica pero a la vez es esa amiga que quieres tener que no tiene filtro.Desmin Borges: Interpreto a Gómez, que es la abreviatura de Gomolinksi. Y yo soy parte del trío de mejores amigos con las encantadoras damas. Gómez es un poco hombrecito todavía por ahí en el mundo. Está en el mundo de la ley, pero no en un gran lugar en el mundo de la ley. Él es secretamente enamorado de Clare mientras está en una relación con Charisse y odia a Henry a comienzo. Luego, su especie de naturaleza leal y truculenta toma el control y, a medida que pasa el tiempo, se da cuenta de que Henry y el viaje en el tiempo es probablemente lo mejor que ha experimentado en su vida. Y él y Henry se vuelven mejores amigos. La serie básicamente se convierte en un "bromance" sobre los dos.Cuéntennos sobre esa escena de la cenaNL: Ese fue nuestro rodaje más largo, la escena de la cena y creo que definitivamente va a ser favorita de los fanáticos porque hay muchas cosas sucediendo a la vez. Sientoque el personaje de Desmin, Gomez y el mío son como el espectador, ustedes van allegar a experimentar lo que nuestros personajes experimentan en tiempo real. ¡Había tantos Henrys diferentes! Entonces, en el ensayo, estaba como "cuál es cuál", "¿Dónde estoy mirando?". Afortunadamente, Theo [James, Henry] realmente lo logró en términos de cambiar entre el diferentes edades. Yo era solo un espectador.DB: Técnicamente hablando, creo que solo la escena de la cena nos tomó ocho días para filmar. Porque la cámara estaría mirando en una dirección. Y teníamos que conseguir a Theo a los 42, y luego Theo nuevamente a los 28. Entonces, lo que fue realmente genial como actor es que la mayor parte del tiempo te alejas después de filmar una escena y dices: 'Tengo todas estas ideas geniales.¿Por qué no pude hacerlos?’ Bueno, teníamos siete días más después del primer día parasigue jugando con él y refinándolo. Pensé que era una exploración genial de los matices de estas personas: permitir que todo lo que estaba sucediendo realmente integrar para que pudiéramos precisar cuál es la relación entre Gómez y Henry de 28 años y Gomez y Henry de 42 años. ¿De qué crees que se trata la serie en el fondo?NL: La serie es tantas cosas, porque realmente no puedo ponerlo en un género. Episodio cuatro, siento que es muy cómico. Pero también hay mucha tragedia. Para mí, el tema es vivir en el momento presente y disfrutar realmente de las personas que amas.Podemos verlo muy claramente cuando tenemos esta situación de ciencia ficción de alguien que está viajando en el tiempo y ni siquiera puede controlarlo. Obviamente, no tenemos viajes en el tiempo en la vida real. Tal vez sí, no sé. Pero siento que otras cosas se interponen en el camino, como el trabajo y la vida y nos olvidamos de estar presentes y en el momento. Realmente se trata de amor, como no solo la historia de amor principal, sino también las amistades y las relaciones. Pienso que ese amor es realmente el tema resonante para mí.DB: Tendría que decir que cuanto más me alejo del proyecto ahora, siento que se trata de conexiones perdidas. Se trata de encontrar el espacio gris en el medio que tenemos tantas veces donde tenemos a Henry y Clare no coinciden en el mismo punto. Y luego tienes a Gomez y Charisse y todos en el exterior, donde realmente no sabemos lo que está pasando, pero estamos encontrar esos momentos intermedios en los que realmente nos echamos de menos. Eso es cosas que los hacen humanos y agradables. Y nos mantiene como actores al límite de nuestros asientos, y esperemos que la audiencia también. Porque esa es la parte de la vida. Eso es desordenado, que todos estamos tratando de resolver juntos.¿Qué tanto se parecen a sus personajes?NL: Siento que soy muy similar. Siento que hay muchas similitudes excepto el hechoque Natasha no es conflictiva. Me gusta, solo que no tengo un filtro con mis amigos cercanos, mientras que Charisse impondrá la ley para cualquiera. Soy tímida con la gente,pero con mi grupo cercano de amigos, te dirán que solo estoysiento muy honesta, muy sin filtro. Entonces, en cierto modo, desearía tener ese momento Charisse, donde ella simplemente lo hace. Pero creo que soy un poco más tímida cuando no conozco a la gente. DB: Creo que Gómez en realidad me resume en diferentes partes de mi vida. como que ambos niños de los años 80. Ambos sabemos que Volver al futuro es el modelo para todo lo relacionado con los viajes en el tiempo. Ambos somos extremadamente leales a las personas que amamos y nos volveremos locos y agresivos si nos sentimos o si están en algún tipo de peligro. Aunque no me gusta ponerme físicamente agresivo, soy de Chicago. Asi quenos ponemos muy parlanchines, algo agresivos. Sabes, al final del día, me siento como el espacio donde Gomez y Desmond realmente no coinciden es que realmente no lo apruebo él está en una relación con una persona y está enamorado de su mejor amigo ¡Algo así como al mismo tiempo! ¿Cuáles son las consecuencias del viaje en el tiempo en esta serie?DB: Una cosa que es genial sobre el viaje en el tiempo en este programa que es diferente de la mayoría escenarios de viaje en el tiempo, es la mayor parte del tiempo que no se le permite conocer su futuro o tu tipo de yo pasado.Eso no sucede necesariamente aquí: aprendemos y enseñar a nuestro yo anterior y nuestro yo pasado, lo que creo que es un concepto realmente genial sobre viajes en el tiempo que hemos eludido. Porque si tuvieras la oportunidad de ayudara tu yo del pasado ¿Quién no aprovecharía esa oportunidad?NL: Diría que creo que lo más interesante del viaje en el tiempo de Henry es cómono puedo controlarlo Esa es gran parte de la razón por la que hay tantas consecuencias. no solo por él, sino por sus seres queridos. Me encanta que esté molesto por eso, ya sabes, porque cuando piensas en viajar en el tiempo, piensas, 'Dios mío, esto es genial'.¿Adónde vamos, qué estamos haciendo?’. Henry dice: ‘Sí, es una discapacidad;esto es con lo que tengo que vivir.’ Y por supuesto, todas las consecuencias vienen de esa falta de control.
En el mundo de los superhéroes son bien conocidos los tropiezos de DC Comics, pero esta secuela del Escuadrón Suicida (2021), sin duda, se ganó a los espectadores. Primero, por el arco dramático de su protagonista Chris Smith o Peacemaker (John Cena), pero también por su curiosa y conflictiva relación con el glam metal.Por Lilo Peñuela GonzálezDespués de una exitosa primera temporada, la serie Peacemaker, transmitida por HBO Max, fue renovada para una segunda entrega. Y uno de los elementos por los cuáles se destacó, a pesar del escepticismo que genera el universo DC, es la selección musical que hizo su director James Gunn para establecer el conflicto principal del personaje: la pasión que despierta el glam en Peacemaker revela sus luchas internas. De hecho, podríamos decir que el glam era el sostén de su personalidad, pues afirmaba que era la música “de la época en la que los hombres eran hombres de verdad porque no tenían miedo de ser mujeres”. Y todo en la serie se trata de eso. El glam es central en la trama de la serie por contexto y contenido. Recordemos que en su época de furor el género fue señalado por la estética y el performance de sus representantes, pero debajo de eso también despertó debates (revisados actualmente) por sus letras y por la forma de ser de los integrantes de las bandas más importantes. Aunque los artistas “no tenían miedo de ser mujeres”, como dijo Peacemaker, eso no les quitaba el modo en que cosificaban a las mujeres en sus años de éxito.Los valores contradictorios del glam encajan a la perfección con las contradicciones internas de uno de los personajes más fascinantes del universo DC Comics y, de paso, nos revelan el significado de la masculinidad tóxica. Acá nos detenemos en ese cruce entre música y personalidad. La playlist glamera de James GunnSi bien la música es importante para cualquier producción, nadie se toma el trabajo tan en serio como James Gunn. El director de la serie le dijo a Billboard que siempre que empieza un proyecto hace una lista. Así que con Peacemaker inició con una playlist de 400 canciones que encajaban con lo que estaba buscando.Parte del proceso de Gunn para musicalizar es escuchar sus playlist todo el día: en la ducha, lavando los platos, etc. Así es que encuentra las canciones que piensa pueden funcionar para cada escena. La Playlist final de Peacemaker en Spotify tiene, de hecho, más de 100,300 seguidores, incluye 43 canciones (2 horas y 41 minutos) y está encabezada por Do Yo Wanna Taste It de la banda noruega Wig Wam, canción del intro de la serie.Aunque el glam apareció en la escena musical a finales de los 70 y se consagró en los 80 hasta que el grunge lo desplazó de las emisoras y los canales de televisión, para Peacemaker sigue estando vigente. Y lo cierto es que su declive comercial no significó su muerte. Muchas bandas reconocidas de este subgénero siguen en pie hoy en día. Incluso en los 90 y 2000, mayoritariamente en Europa, nacieron bandas que intentaron renovar el sonido. Pero vamos al tema que nos interesa: su relación con el machismo.Como explica Robert Walser en el libro Sound and Vision: The Music Reader: el heavy metal es sin duda un discurso formado por el patriarcado. Se ha caracterizado porque, por lo general, dice, conecta con una audiencia masculina adolescente, joven y desprovista de poder económico, físico o social, pero que admira los mensajes culturales cargados de estas formas de poder como atributos de masculinidad.El glam, derivado del heavy, combina la hipermasculinidad del metal con elementos estilísticos asociados a "lo femenino". Esa hipermasculinidad llegó a rayar con la misoginia en muchas de las letras de las canciones de bandas icónicas y en el estilo de vida que vivían y vendían. Uno de los ejemplos más representativos es Mötley Crüe y canciones como Girls, Girls, Girls o You are all I need, una balada que le escribió su bajista Nikki Sixx a una novia y cuya letra dice algo como “pero asesinarte me ayudó a conservarte en casa”. ¿Ven el problema?Las tensiones de Peacemaker con el GlamPeacemaker es un hombre rudo y fuerte. La sensibilidad o mostrarse vulnerable ante el mundo no es lo suyo. Esto se debe a dos razones. La primera es la forma en la que lo crio su padre, Auggie Smith (Robert Patrick). Un villano retirado que ahora solo es un viejo racista y supremacista blanco (es el White Dragon o Dragón Blanco: un villano de DC Comics encarnado por más de una persona, entre esos William Heller y su sucesor Daniel Ducanno). Aunque estuvo presente en la vida de Peacemaker, no fue un gran ejemplo y tampoco un padre amoroso, por no decir abusivo emocionalmente y que lo juzgó por no ser igual que él.La segunda tiene que ver con la masculinidad tóxica propia de su crianza y del Glam. Según un estudio del Journal of School of Psychology la masculinidad tóxica reúne “la constelación de rasgos [masculinos] socialmente regresivos que sirven para fomentar la dominación, la devaluación de la mujer, la homofobia y la violencia sin sentido”. La masculinidad tóxica tiene que ver con los rasgos masculinos exagerados como la fuerza, la falta de emociones, la autosuficiencia, el dominio y la virilidad sexual. Lo interesante de la definición es que nace en la misma época del furor del glam: los años 80.Peacemaker vivió entonces la paradoja. Cuando él escucha, canta o habla sobre este género, se muestra vulnerable. Por ejemplo: cuando canta I don’t love you anymore de The Quire Boys (primer episodio) es atacado por la espalda por la mujer con la que acaba de pasar un rato. Alerta spoilerAl final de la serie se confirma que Peacemaker es bisexual cuando su padre lo golpea y le dice que sabía que escuchaba la música del diablo, que se afeitaba el cuerpo como una mujer y que además dormía con “prostitutas de sangre sucia y hombres".No fue una sorpresa, pues en varias ocasiones Peacemaker lo insinuó (no solo en la serie sino también en la película del Escuadrón Suicida), pero comprueba cómo el personaje, a pesar de ser abierto en su sexualidad, sigue siendo sexista y poco compasivo consigo mismo. Está atrapado por la masculinidad.Como había mencionado anteriormente, para Peacemaker el glam representa el pico de la masculinidad: los integrantes de estas bandas eran ”hombres de verdad que no tenían miedo de verse como mujeres”. Precisamente, a pesar del uso de estética asociada a lo femenino, los valores que representaban estas bandas eran la fuerza, la indiferencia hacia las emociones, las relaciones llenas de celos y posesión (en las letras de las canciones) y el sexo desenfrenado (virilidad excesiva).Sin embargo, el gusto de Peacemaker por el glam metal también tiene que ver con desafiar a su padre. Escuchar esta música de “hombres maquillados y con pelo largo” era una forma de ir en contra de su extremadamente conservador padre. Como dice Gunn, esa música es todo lo que Auggie no es, es andrógina. A través del Glam, Peacemaker rompe con la crianza que su padre le dio y se muestra lo que hay detrás de esos músculos: un hombre sensible, bisexual y que se está cuestionando sobre sí mismo.Esa es quizá la fortaleza de la playlist de James Gunn, que no solo era una excusa para que sonara el glam de nuevo, sino una forma de humanizar a Peacemaker con sus contradicciones internas, de contar su historia y su la lucha por cuestionarse a sí mismo y a todo en lo que alguna vez llegó a creer hasta desligarse de su padre y la masculinidad tóxica.
En 2022 se estrenó Minx, en HBO Max. Esta serie narra la historia de Joyce (Ophelia Lovibond), una mujer feminista en la década de los 70 que quiere crear una revista que aborde temas de equidad de género y derechos de las mujeres. La idea le suena a Doug Renetti, líder de una editorial de revistas pornográficas. Los 2 se juntan para crear la primera revista erótica dirigida a mujeres. Durante los 70 hubo un auge del movimiento feminista y se dio un gran avance en los derechos sexuales y reproductivos, con la llegada de la pastilla anticonceptiva. Pero no todos estaban listos para ver a las mujeres como sujetos de derechos, y de pàso, de placer. Si bien la serie no está basada completamente en una historia real, Ellen Rapoport, creadora de Minx, sí se inspiró en revistas que existieron en realidad. "Leí algo sobre una de estas revistas y me llamó la atención de inmediato: estas revistas en la década de 1970 eran revistas feministas, de las que no tenía idea. Era un lugar de trabajo poblado por feministas y pornógrafos", dijo Rapoport en el podcast TV's Top 5 podcast de The Hollywood Reporter. Una de ellas fue Suck, "una amalgama experimental de liberación sexual, fermento feminista, cultura visual alternativa y ambición literaria, traducida en ocho locos números de papel prensa", como la describe Document Journal. La revista se fundó en 1969 y se publicó interrumpidamente hasta 1974. Suck fue censurada y se apartó de todas las demás publicaciones de la época, al demostrar que se podía mostrar el sexo de una manera explícita sin machismo ni explotar a nadie. Era una celebración a la libertad sexual y del cuerpo. Otro intento por hacer una revista erótica para mujeres fue Viva, que nació a comienzos de los 70. Además de fotografías eróticas, en sus páginas escribieron plumas tan prestigiosas como Simone de Beauvoir, Norman Mailer y Joyce Carol Oates. Anna Wintour (sí, esa Anna Wintour) fue editora de moda. Su primera edición se publicó en 1973 y la última llegó en 1978. En 1973 también llegó Playgirl, la homóloga femenina de la publicación de Hugh Hefner. Ira Ritter, quien se desempeñó como editor y vicepresidente de publicaciones de Playgirl durante su apogeo en la década de 1970, le dijo a Esquire: "Nuestro objetivo era tratar a las mujeres como personas. En ese entonces, eran objetos sexuales (se suponía que) solo estaban interesadas en el cuidado de la casa o servir su hombre. Éramos una revista muy amenazadora para hombres".Así que si bien Minx no está basada 100% en una historia real, si retrata la historia de varias publicaciones en los 70 que buscaron satisfacer el placer femenino.
Se estrenó en HBO Max la serie The Staircase, basada en la historia real de Michael Peterson, un hombre que halló muerta a su esposa Kathleen en la casa que compartían. El 9 de diciembre de 2001, Peterson llamó a emergencias para informar que acababa de ver a Kathleen inconsciente en su casa del vecindario de Forest Hills en Durham, Carolina del Norte. Él afirmó que había estado afuera junto a la piscina y que encontró el cuerpo de su esposa cuando se dirigía a su habitación, a las 2:40 am. El informe de la autopsia concluyó que la mujer de 48 años sufrió una serie de lesiones graves y había muerto por pérdida de sangre cerca de dos horas después de las heridas. Aunque el experto forense Henry Lee testificó que la evidencia de las salpicaduras de sangre era consistente con una caída accidental por las escaleras, los investigadores policiales concluyeron lo contrario. Como Peterson era la única persona en la residencia en el momento de la muerte de Kathleen, él era el principal sospechoso y pronto fue acusado de su asesinato. Tras un largo juicio en el que insistió en su inocencia, Peterson fue condenado a prisión por asesinato en 2003. Después de ocho años de cárcel, a Peterson se le concedió un nuevo juicio después de que un juez dictaminara que un testigo de cargo crítico dio un testimonio engañoso.En 2017, Peterson presentó una declaración de Alford (en la que el acusado reconoce que la fiscalía probablemente tiene pruebas suficientes para asegurar una condena, pero no admite específicamente haber cometido el delito) por el cargo reducido de homicidio involuntario. Fue condenado por tiempo ya cumplido y liberado.Todos los detalles del caso quedaron registrados en la serie documental Staircase (disponible en Netflix). Ahora HBO se acerca a esta historia en una versión ficcionalizada, con Colin Firth y Toni Colette como protagonistas.El caso sigue sin resolverse y ha dividido Internet, pues mientras algunos creen que no hay pruebas suficientes para demostrar la culpabilidad de Michael, otros no encuentran otra explicación para la muerte de Kathleen y hoy siguen surgiendo teorías sobre lo que le sucedió.¿Por qué deberíamos ver una nueva versión de esta historia si ya la conocemos? Para Antonio Campos, creador de la serie, “No conocemos toda la historia, conocemos una versión. Como alguien que es un gran fan del documental y lo conoce al derecho y al revés, digo que hay mucho más de esta historia de lo que puede entrar en un solo documental o serie. Para quienes ya estén familiarizados con la serie, solo los hará más interesados en seguir viendo. Para este punto tenemos una base de datos sobre este caso que probablemente es más grande que lo que tiene la defensa, porque nosotros seguimos investigando. Así que hay mucho más y vamos a lugares que el documental no llegó por el hecho de que somos ficción”.Para Rosemarie DeWitt, quien interpreta a Candace Hunt, hermana de la victima, "Tengo que darle crédito a Antonio (Campos), pues la forma de narrar juega con la noción de crimen real, la noción de documental, la noción de drama...cambia todo el tiempo, así que no sé con qué terminamos, pero la gente va a pensar en eso. Cuestionamos el lente por el que se ve todo". La duda razonable: verdad y justiciaEl caso de The Staircase es ejemplo de la duda razonable, un término jurídico que se refiere a la facultad que tiene un juez de declarar que no existen suficientes pruebas o evidencias claras de la participación de una persona en un determinado hecho.Ese fue el principal argumento de la defensa de Michael, interpretada por Michael Stuhlbarg. “Pude conocer el sistema judicial desde una luz muy pesimista. Pero también hay algo de verdad en él, es un sistema fascinante y necesita mucha ayuda, pero es todo lo que tenemos ahora”, opina el actor. “Entre más informados estemos sobre nuestro sistema judicial, cuáles son las leyes, cuál es la responsabilidad del gobierno, podremos tomar mejores decisiones como individuos y como sociedad. Así como lo hacemos como personas, el sistema judicial crece y cambia”, agrega. Como el caso sigue sin resolverse, la serie permite que el espectador arme su propia teoría. "Antonio (Campos) y Maggie (Cohn, escritora) exploran la verdad en el sistema judicial en forma de documental de crimen y empiezas a cuestionar cuál es la verdad, y quién está detrás de ella", opina DeWitt. "Todos tienen una opinión y una agenda, y te preguntas cuál es la realidad. En la serie documental hubo una versión y con esta serie abordamos cosas que el documental no exploró, pero tampoco sabemos si son verdad", agrega. "Hay un área gris en este caso y en la vida de estas personas, no todo es blanco y negro", considera Olivia DeJonge, quien interpreta a Caitlin, hija de la víctima. Obviamente me gustaría conocer la verdad del caso, pero como actriz esa área gris es mucho más interesante para interpretar. La fortaleza que traen Antonio y Maggie es jugar con esa área gris con tanta definitividad". "No hay una respuesta real y no sabemos qué sucedió al 100%, así que eso permite dar rienda suelta a la imaginación de la gente y que cada un opiense lo que quiera sobre lo que sucedió", dice Patrick Schwarzenegger, quien interpreta a Todd Peterson, hijo de Michael Peterson.
Julian Fellowes, creador de Downton Abbey, encontró una fórmula perfecta para contar el pasado. Después del éxito de Downton Abbey (2010-2015) y de un spin-off llevado al cine en 2019, el director lo volvió a hacer con The Gilded Age, un drama histórico que fue renovado para una segunda temporada tras haberse convertido en el segundo mejor debut (después de Chernobyl) de un lunes en la noche en HBO. ¿Qué hay detrás de su éxito? Por Lilo Peñuela GonzálezTanto Downton Abbey como The Gilded Age son dramas históricos que cuentan la historia de familias con dinero. Pero cambian el tiempo y el contexto social, económico y geográfico. Algunos críticos y televidentes han afirmado que The Gilded Age es como Downton pero sobre la era dorada (un periodo posterior a la guerra de Secesión) que tuvo lugar en Estados Unidos entre 1870 y 1891. Downton Abbey, por su parte, cuenta los cambios políticos y sociales de la sociedad posteduardiana (1901-1910) a través de la familia aristócrata de los Crawley y la relación que tienen con los miembros de su servicio. Ambas obras son sobre la memoria y la nostalgia. Pero hay más componentes que se repiten y que le han dado réditos. El drama histórico no tiene pierdeLo primero que debemos hacer es acercarnos al género de las historias de Fellowes. El drama histórico es un clásico británico y The Gilded Age es una versión americanizada. En producciones como Pride and Prejudice de la BBC (1995), Downton y muchas otras se reafirman la identidad nacional adaptando obras literarias de Bronte y Austen. Todo adornado por castillos y mansiones con grandes jardines.El alcance de la obra de Fellowes ha sido tal que Downton Abbey es el fenómeno televisivo más importante de los últimos cuarenta años en Gran Bretaña. Asimismo, es un fenómeno cultural que se convirtió en una industria que ataca por todos lados a su audiencia: no solo ha desencadenado en adaptaciones cinematográficas sino también en turismo (tours al castillo de Highclere en Yorkshire) y productos con la colección de productos de baño, cuidado corporal y cosméticos de la marca Mark and Spencer.Tensiones del pasadoPor medio del drama Fellowes ilustra los cambios y resistencias en el periodo que se desarrolla cada serie. Por ejemplo, en The Gilded Age, se ve cómo la sociedad neoyorkina está cambiando su configuración social cuando llegan familias de nuevo ricos como los Russell a importunar a familias tradicionales como la Van Rhijn-Brook. Agnes, la matriarca de esta última, ve con desprecio a los Rusell, que han construido una mansión extravagante al otro lado de la calle. A partir de su llegada, Bertha Rusell hará todo por conquistar una posición en la sociedad alta de la ciudad, contando con el dinero y apoyo de su esposo George, un industrial que ha acumulado una buena fortuna. En este caso vemos cómo el dinero viejo, representado por Agnes, se resiste a que el nuevo dinero de Bertha rompa con el orden social establecido.En Downton, la resistencia al cambio la vemos presente en el personaje de Lord Grantham, la cabeza de los Crawley, que no acepta el matrimonio de su hija Sybill con el chofer, crítica el sufragio de las mujeres y se opone a que sus hijas trabajen.Una aproximación amistosa a los problemas del pasadoA Fellowes se le critica por ser conservador representar de forma incoherente del pasado: en Downton Abbey, por ejemplo, muestra un hogar aristocrático cuyos miembros de llevan perfectamente con los empleados que viven en la planta de abajo. Aunque la idea de es darle tanto protagonismo a la vida de las personas del servicio tanto como la de sus empleadores, el encanto y la lujosa vida de los Crawley es la que se lleva toda la atención frente a unos sirvientes que, sabemos, en la vida real estos no eran tan felices y saludables como los pintan.La representación cuentaUno de los personajes que ha llamado la atención en The Gilded Age es el de Peggy Scott (Denée Benton), una joven afroamericana que trabaja para convertirse en escritora. Después de conocer a la señorita Marian Brook y de ayudarle en la estación de tren después de ser robada, Peggy es aceptada en la casa de las tías de Marian para asistir como secretaria a Agnes. Una vez instalada en la casa de los Van Rhijn, Marian se decide a conseguir quién le publique sus textos y artículos. A pesar de que sus escritos son muy buenos y de gran interés de editores en al ciudad, la única condición que le ponen es que, por ser una mujer negra, deben publicarlos bajo un seudónimo y no revelar su verdadera identidad.Es refrescante ver un relato diferente al de familia tradicional vs. nuevos ricos que muestra una realidad poco conocida: la elite negra y la clase media, representada por la familia de Peggy, cuyos padres son el dueño de una farmacia y una profesora de piano.Fellowes sacó con éxito el drama histórico de tierras británicas. Y, aunque no hace un ejercicio de divulgación histórica intencional, sí nos presenta interesantes reconstrucciones del pasado.
The Baby, la miniserie original de las creadoras Siân Robins-Grace y Lucy Gaymer, se estrena el domingo 24 de abril en HBO Max. Esta comedia de terror cuenta con ocho episodios que se emitirán semanalmente y presenta un examen oscuramente divertido y crudo de la maternidad, desde la perspectiva de una mujer que no quiere ser madre.Michelle De Swarte interpreta a Natasha, de 38 años, que está furiosa porque todas sus amigas más cercanas están teniendo bebés. Pero cuando se encuentra inesperadamente con un bebé propio, su vida cambia dramáticamente. Controlador, manipulador, pero increíblemente tierno, el bebé convierte la vida de Natasha en un espectáculo de terror surrealista. A medida que descubre el verdadero alcance de la naturaleza mortal del bebé, Natasha intenta desesperadamente deshacerse de él. Ella no quiere un bebé, pero el bebé definitivamente sí la quiere a ella.La serie también está protagonizada por Amira Ghazalla ("The Rhythm Section") como la Sra. Eaves, una mujer de 70 años que ha pasado los últimos cincuenta viviendo en su coche y que parece estar presente en cada lugar en el que está el bebé, y Amber Grappy como Bobbi, la hermana menor de Natasha, quien practica magia para niños y a la que nada le gustaría más que ser madre para dar y recibir amor.Desde el lanzamiento de su tráiler, varios padres han comentado en redes sociales que se sienten 100% identificados. Mientras tanto, parece que quienes no tienen hijos ni quieren tenerlos ratificaron su deseo. Lo cierto es que The Baby nos hará reír y asustar con una mirada muy original alrededor de la maternidad.
La nueva serie de Netflix tiene hablando a todo el mundo. Se trata de ‘Bebé reno’, escrita, producida y dirigida por Richard Gadd, una comedia que pronto deja de serlo para contar una historia que muchos han catalogado como perturbadora.La historia sigue a un comediante que no está en su momento, ni profesional, ni personalmente, y se encuentra con una mujer a la que ayudó años atrás, sin embargo, rápidamente se da cuenta que ella ha desarrollado un vínculo enfermizo con él y comienza a acosarlo.Con Richard Gadd como Donny, Jessica Gunning como Martha, Nava Mau como Teri, Danny Kirrane como Gino y se les unen al elenco los actores europeos, Hugh Coles y Chloe Driver.Además de que la crítica la ha elogiado y la ha catalogado como una de las mejores series de la historia de la plataforma, los usuarios de redes sociales se han sorprendido luego de que se revelara que más que una ficción se trata de una historia autobiográfica.La historia real de acoso detrás de ‘Bebé reno’En el año 2015, la vida de la comediante Gadd se cruzó con la de una una mujer, a quien en la serie se le da el nombre de Martha.Todo comenzó con una taza de té ofrecida en un pub de Londres. A partir de ese encuentro, Martha se convirtió en una sombra constante en la vida de Gadd, acosándola durante tres años: lo acechaba en su trabajo, asistía a cada uno de sus shows de comedia y la perseguía en cada paso.La obsesión de Martha se intensificó con el tiempo. Consiguió el correo electrónico de Gadd y le envió más de 41.000 mensajes. Cuando finalmente obtuvo su número de teléfono, le envió más de 350 horas de mensajes de voz.Además del acoso virtual, Martha llevó su obsesión al mundo real. Le enviaba regalos no deseados, apodándolo como "bebé reno" en referencia a un peluche de su infancia y presentó denuncias falsas contra la familia de Gadd ante la policía.Cuando Gadd buscó ayuda de las autoridades inicialmente no encontró el apoyo que esperaba. La policía parecía no tomar en serio sus denuncias, minimizando la gravedad de la situación y dejándolo aún más vulnerable ante el acoso de ella.La situación se intensifica cuando aparece para abusar de él mientras está dando un show y ataca a Teri, su novia del momento. Finalmente, una noche abusa de él mientras se devuelve a su casa.En una entrevista con The Guardian, Gadd afirma que cometió varios errores como invitarla a un café y permitir cierta cercanía porque le intrigaba la admiración que ella tenía hacia él.Tanto la serie como la historia real termina con un hombre que fue víctima de agresión sexual y violación, situaciones le generan secuelas en todos los ámbitos de su vida, y una mujer que, aunque en la historia termina presa, en la vida real no se conoce su desenlace.
Luego de su más reciente lanzamiento musical ' Noches de Verano' junto a la cantante y rapera puertorriqueña, Villano Antillano, el cantante y compositor colombiano, Esteman anuncia oficialmente su gira 'SECRETOS TOUR 2024'Países como Perú, Guatemala, Costa Rica, Colombia entre otros, serán los lugares que el cantante visitará, llevando sus más recientes lanzamientos. El continente americano no será el único por el que pasará, Europa, especialmente España, tendrá la oportunidad de hacer parte de esta gira.Otras fechas en países como Chile, Argentina, Venezuela y México estarán próximas a ser anunciadas dentro del Tour.Cabe destacar que esta gira se realizará en torno al lanzamiento de su próximo álbum que llevará por nombre 'SECRETOS', el cual se estrenará el 9 de mayo. Será un disco conformado por doce canciones que, en palabras del artista, se convirtieron en profundas declaraciones de aquellos secretos que toman vida la música.“No sólo son mis secretos, son también los secretos de los demás. De todo eso que nos causa culpa, que nos da miedo confesar, eso que moralmente está mal visto", afirma Esteman.'SECRETOS TOUR' es hasta la fecha, la gira más extensa y ambiciosa que el artista habrá realizado a lo largo de su carrera artística. En las fechas de los festivales, compartirá escenario con artistas como: Sam Smith, Calvin Harris, Christian Aguilera, Marshmello y Maneskin en el caso del Festival Tecate Emblema de la Ciudad De México Países incluidos y fechas de la gira de Esteman 2024ABR 13 Lima, PE - Gran Teatro NacionalMAY 17 CDMX, MX - Tecate EmblemaMAY 23 Esteman en MinecraftJUN 8 Monterrey, MX - Cute Pride FestivalJUN 29 Bogotá, COL - Bogotá Pride FestJUL 27 Veracruz, MX - Summer FestAGO 9 Tampico, MX - HottsonSEP 7 Puebla, MX - Auditorio ExplanadaSEP 19 San José, CR - Mercado La CaliforniaSEP 21 San Salvador, SLV - Teatro PresidenteSEP 28 Saltillo, MX - Cactus FestivalOCT · Cd. Juarez, MXOCT 10 Toluca, MX - Teatro MorelosOCT 12 Cuernavaca, MX - Teatro OcampoOCT 25 Mexicali, MXOCT 26 Tijuana, MX - Antiguo Cine BujazanNOV 2 Madrid, ESP - Sala VillanosNOV 3 Barcelona, ESP - Sala NauNOV · Hermosillo, MXNOV 23 Cd. de Guatemala, GTM - Concha Acústica, Parque De La ExposiciónNOV 29 Pachuca, MX - Teatro CedrusNOV 30 San Luis Potosí, MX - Cineteca Alameda
Estas son las canciones latinas favoritas de la semana del 26 de abril para el equipo de Shock. Recuerden seguir nuestra playlist Recarga LatinX en Spotify.Adivino- Mike Towers, Bad BunnyUn trap suavecito con beats de electrónica ideal para escuchar un fin de semana de perreo en el que se espera pasar la tusa. Todo lo esperado del junte entre los puertorriqueños que ya habían colaborado en canciones como 'Estamos Arriba' del 2020.palacio <3- Elsa y ElmarComo siempre la santandereana dándonos himnos de amor, esta vez como el abrebocas del disco homónimo que sacará este año. La canción salió acompañada de un video compuesto por esculturas hechas a mano por Pablo Resoalbe.Ley Universal- Danny OceanEl cantante venezolano estrenó un sencillo de dembow y ritmos caribeños, en el que le canta al enamoramiento que es tan grande que es innegable. Es el último sencillo de su próximo disco 'Reflexa'Quiero que Mami- Earthones, Verito AsprillaEl DJ Serge Bandura se unió con la artista del Pacífico Colombiano para lanzar una canción en la que los sintetizadores y sonidos tradicionales combinan a la perfección con una letra que refleja el deseo de muchos artistas del país: darle a nuestra madre todo.Acá pueden leer el perfil que le hicimos a Verito Asprilla para nuestras Apuestas Shock 2023.Inevitables- VentinoLa girl band colombiana, que hace unas semanas anunció su separación luego de nueve años de carrera, lanzó su disco de despedida: 'Inevitavbles'. Esta canción hace parte de él y del hasta pronto para sus fans.No Hay Duda- KombaEl rapero bogotano se unió con el beat maker, revelación en la escena Pocket Tincho en una canción que demuestra por qué es uno de los favoritos de la escena de hiphop colombiana.Pa' fumar- Kiño, Rap Bang ClubKiño, conocido por participar en 'La Reina del Flow' y en el reality 'Bake off', se subió con el dúo rolo Rap Bang Club con un tema que, en efecto, dan ganas de fumar.300 noches- Belinda, Natanael CanoEl junte de mexicanos que no sabíamos que necistabamos. Una canción que fusiona lo rosa del pop con lo fuerte del regionalizados mexicano y que cuenta la historia de un amor que, aunque ya no está, vive en los recuerdos.Kitty- Kenia Os y La JoaquiDos de las artistas que la están rompiendo en plataformas se juntaron para lanzar una canción que busca, en palabras de ellas, que las mujeres disfruten de ellas mismas al bailar.MALVIAJE- Aria VegaLa barranquillera compuso un perreo para dedicarle, o cantarle, a esa traga que parece superar cualquier sentimiento que hayamos sentido antes.DIVERCITY- ha$lo pablito, Pocket TinchoEl artista bogotano se montó en un trap, sacado de la cabeza de Pocket Tincho, con referencias a un amor adolescente con imágenes que cualquier rolo podría reconocer.La Sabia Escuela- Akapellah, Canserbero, Lil SupaUna canción que a los fanáticos del rapero venezolano les moverá las entrañas. Una canción liberada de manera póstuma con tracks grabados por Canserbero antes de ser asesinado en 2015.Lean acá sobre el Caso Canserbero: sus distintas versiones y las elecciones presidenciales en Venezuela 2024A Paso Lento- TelebitLa banda bogotana estrenó su nuevo álbum 'El Día Que Dejamos De Pensar' y 'A Paso Lento' es un abrebocas a la intimidad de este nuevo trabajo discográfico en el que se tocan temas como la pesadez existencial, la madurez, la angustia y el duelo.Cinco Horas Menos- Conociendo Rusia, Natalia LafourcadeComo parte de su nueva disco 'Jet Love' Mateo Sojatovich se une con la artista mexicana para un himno indie popsero que habla del miedo a enamorarse y al, inevitable, corazón roto que viene después.
“No me digas beaner, Mr. Puñetero, te sacaré un susto por racista y culero. No me llames frijolero, pinche gringo puñetero”, cantaba Molotov en “Frijolero”, canción que lanzaron en 2003 y que, siendo el sencillo principal de su disco “Dance and Dense Denso”, tomó la forma de un himno: era una crítica directa y certera a Estados Unidos desde el ojo mexicano, empaquetada en humor y un sonido pegajoso.Ya han pasado 21 años y, finjamos sorpresa, la letra de la canción sigue vigente.Por eso, cuando el domingo pasado el cantante de Hermosillo Carin León invitó a la tarima de Coachella a Molotov a cantar precisamente este track, el público latino entró en estado de euforia.Luego las redes hicieron lo suyo y el momento se viralizó.La colaboración no solo fue parte de un show. Fue, en realidad, un mensaje político.Hay que empezar por entender…¿Quién es Carin León?Su nombre es Óscar Armando Díaz de León Huez, tiene 34 años y es de Hermosillo, la capital del estado de Sonora en plena frontera con EEUU.En 2o18 emprendió su carrera como solista de música norteña y desde entonces todo ha ido en subida: en los últimos dos años ha ganado dos Grammys latinos, ha estado en el show de Jimmy Fallon, en el Tiny Desk de NPR y este 2024, además de Coachella, abrirá un concierto de los Rolling Stones en Arizona, también en la frontera, y será parte del cartel del Stagecoach, un afamado festival de música Country, el género emblemático del sur estadounidense.Si a todas estas medallas –en un contexto donde el género regional mexicano le está dando la pelea al reggaetón en números– se le suman diversas colaboraciones con Maluma, Leon Brigdes, Hombres G, Camilo y C. Tangana, no es descabellado afirmar que Carin León es una de las voces más influyentes del continente.En especial para los mexicanos: los que se quedaron en su país, los que tuvieron que migrar y los que nacieron afuera.Lo que él haga o diga se escucha. Y se escucha lejos.Decirles a los gringos culeros y racistas en su propio país, en su propia cara, es un gesto con significado simbólico y político. Molotov y León lo hicieron en Indio, California, en una coyuntura política tensa.En noviembre de este año Estados Unidos elegirá a su próximo presidente entre dos viejos conocidos: Joe Biden y Donald Trump.Este último, como lo hizo en su anterior campaña, ha usado los discursos xenófobos y supremacistas como caballo de batalla. Y aunque habla de los inmigrantes, sus ataques resuenan mucho más en los mexicanos: son mensajes dirigidos para el votante blanco, xenófobo, racista, y alguno que otro latino que lo secunda.Recomendamos leer | Willie Colón: historia de su inclinación políticaUna de sus propuestas más fuertes es un plan de deportación que usa como modelo un programa de la era del presidente Dwight D. Eisenhower, de los años 50, conocido como “Operation Wetback” (operación espaldas mojadas), un término despectivo que se usa hacia los mexicanos que cruzan la frontera.Y aunque en ningún momento de la presentación se hizo referencia a Trump o a las elecciones, es difícil no pensar que se trataba, pues, de un mensaje a los votantes latinos en Estados Unidos, cuyo apoyo a Trump ha ido aumentando.El candidato puede decir que los inmigrantes “No son personas, son animales”, que “envenenan la sangre de nuestro país”. Y aún así las encuestas muestran que el candidato republicano ha ganado terreno entre los votantes latinos.Por eso muchas figuras del entretenimiento entraron en campaña. No solo los latinos, sino los Rolling Stones y Beyoncé, una mujer afro que lanzó un disco del género de hombres más blanco de todos, el country.Porque la elección está apretada. Y hay que jugar con todas las armas. La música, una vez más, es una de ellas.***Recomendamos leer: My Way: el significado y la maldición detrás de la canción con la que se despidió Donald Trump
El Festival Cordillera 2024 será uno de los principales eventos de la música latina en Bogotá. Este evento nació en 2022 como una alternativa que reúne a las propuestas de la música en español más atractivas, en género scomo el rap, rock, folk, cumbia y mucho más. El Festival Cordillera fue la primera alianza entre las dos empresas productoras de eventos más grandes del país: Páramo y Ocesa. Fue un indicio temprano en un momento crucial para el panorama de festivales. Identificaron una brecha en el mercado y desarrollaron un concepto sólido que resonó tanto con ellos como con el público.Aunque 60,000 en 2022 personas asistieron, lo más destacado fue la creación de un festival que ofrecía comodidad, organización y atraía a un público específico: aquellos que forjaron su identidad musical cantando en español durante las décadas de los 90 y principios de los 2000.La segunda edición del Cordillera en 2023 cumplió con la misión de crecer: el balance de asistentes fue de 65.000 personas. ¿Qué viene para 2024? Les contamos todo lo que se sabe hasta ahora de este evento esperado por varias generaciones que crecieron con la música en español. ¿Cuándo es el Festival Cordillera 2024?La tercera edición del evento será el 14 y 15 de septiembre. ¿Dónde es el Festival Cordillera 2024? Como ha sucedido en las 2 ediciones anteriores del Festival Cordillera, será en el Parque Simón Bolívar. ¿Dónde se compran las entradas al Festival Cordillera 2024? Las entradas estarán disponibles en la web e-ticket. Habrá una preventa para clientes de una conocida entidad financiera el próximo 29 de abril. ¿Quiénes se presentarán en el Festival Cordillera 2024?De momento no hay confirmado un cartel de artistas, lo que se sabe es que será un evento con grandes nombres de la música en español.