Kiño lleva más de una década en la escena musical colombiana, pero desde que participó en la serie de televisión La Reina del Flow dejó de ser un artista de nicho para convertirse en una celebridad. Hoy por hoy Marcos Carreño, su nombre real, tiene la fortuna de cumplir el sueño de llevar su música a diferentes lugares del mundo donde corean sus creaciones musicales.Para escuchar | Kiño y Métricas Frías reflexionan sobre Colombia en 'Parchesito de Andén'El músico confiesa que "pensaba que la mayoría de mi público estaba en Colombia, pero ahora veo en festivales de países como Italia o España que hay miles de personas que se saben mi música (...) para mí es nostálgico y emocionante que eso ocurra con mi música, con lo que hago, con lo que hacemos".Una de las enseñanzas que ha tenido Kiño en la música es que "todos queremos sobresalir y que nuestra música se expanda más con constancia y disciplina, encontrarse en las tarimas con colegas y amigos es realmente saber que la unión hace la fuerza independiente del género".Entre los planes próximos de Kiño está el sacar un disco, "aún no le tengo nombre, pero tengo muchas canciones de las que me siento muy contento porque reflejan lo que soy yo hoy en día (...) quiero incluir personas ajenas al género e invitar a muchos que admiro. Thomas Parr, Buhodermia, son algunos de los colaboradores que serán parte del proyecto".Kiño es uno de los participantes de Bake Off, el nuevo reality de HBO Max, en el que muestra sus habilidades para la pastelería. El también actor cuenta que "siempre soñé con un proyecto así porque se sale con una experiencia grande enfocada en la cocina y en la pastelería que tiene un grado de dificultad muy grande".En Bake Off también participan otros músicos como Martina La Peligrosa o Cabas. ¡La música nos une!
"Estoy buscando la salida pa' poderte encontrarla. No estoy hablando de mujeres estoy buscando mi paz", fue una de las frases que dejó Santiago Marín, conocido como Métricas Frías de Doble Porción, antes de decidir quitarse la vida. El paisa nacido, cuya historia empezó en 1994 y terminó en 2022, será recordado como uno de los personajes clave para el sonido de la música hecha en Medellín durante el Siglo XXI.Lean también | Doble Porción informa sobre la muerte de Métrias Frías con un comunicado Métricas Frías también se hacía llamar Sadman, era uno de sus a.k.a y lo mencionaba en sus canciones. No temía mostrar que era una persona con mucha tristeza y permitía que los oyentes de su música conocieran que tenía demonios que no lo dejaban vivir la vida en paz. Solía poner en texto la frase "amor para todos, que el odio se transmute en amor y el dolor en alegría".A lo largo de su carrera se convirtió en un ícono local del rap, pero su impacto no quedó focalizado en Medellín sino que se expandió a nivel nacional ganando respeto del gremio en todo Colombia. Santiago también fue, es y será un referente para muchos de los nuevos raperos que han lamentado su temprana muerte. Métricas Frías nació en el mes de septiembre en Manizales , pero llevaba mucho tiempo instalado en Medellín donde co-fundó el proyecto de rap Doble Porción con Mañas Ru-Fino.Funeral, sencillo del álbum No Fear de Métricas FríasEl sufrimiento interno fue parte del reciente proyecto discográfico de Santiago en el que trabajó con el productor Zor Beats titulado No Fear. La canción diecisies, una de las que cierra el disco antes de un Bonus (RAP), se llama Funeral y fue seleccionada por él para ser sencillo promocional, enviarlo a playlist y hacerle un video musical.Funeral puede sonar como un tema de despedida, tiene un sonido melancólico y fue escrito en vida como si Métricas Frías ya estuviera muerto. En él habla del frío, el dolor que tiene en el pecho y el luto que puede (o no) tener la persona a la que se la escribió. En el tema habla sobre las miles de preguntas que tenía cuando la compuso. Métricas también habla sobre el abandono, los días en que no se paraba de la cama por la forma en que la tristeza se apoderó de él, los pensamientos suicidas de una "mente asesina" y la aclaración a su 'mami' de que dejó las píldoras.Sobre No Fear, Métricas decía que " es esa parte de mi donde me he visto morir y renacer, donde encontré partes dolorosas de aceptar y las transmute a mi favor (...) quiero que entiendan que no están solos, que el dolor es amor y el sufrimiento se convierte en luz porque los caminos oscuros se volverán brillantes y amplios para caminar".El tema del 'sadman' dura dos minutos y medio y cuenta con un video protagonizado por él mismo en el que va a un funeral, su funeral, al que asisten personajes misteriosos con máscaras indescifrables. Al final aparece con unas rosas en sus manos, levitando como si su cuerpo ya no tuviera vida y estuviera preparado para ser visitado y recibir el último adiós. Zor Beats, productor del proyecto, escribió unas palabras en Instagram para despedir a su colega y amigo: "me dejas con un montón de preguntas pero no cuestionó tu decisión (...) Todos los sueños y lo que teníamos pensado hacer no se va a quedar en planes, te lo prometo, Métricas Frías, TE AMO LEYENDA esto es solo un hasta luego".¡La música nos une!
La dramaturga Patricia Ariza fue designada el pasado 4 de julio como la Ministra de Cultura del gobierno de Gustavo Petro. Ariza ha sido desde hace varias décadas directora del Teatro la Candelaria y de la Corporación Colombiana de Teatro, en Bogotá. Es poeta, directora, dramaturga y actriz. Estudió Historia del Arte en la Universidad Nacional de Colombia .Dentro de las labores que esta santandereana de 76 años ha desarrollado se destacan la fundación de la Corporación Colombiana de Teatro en 1969 y la cofundación de la Casa de la Cultura, renombrada como Teatro la Candelaria, en 1966.Ariza fue determinante para el desarrollo de Ópera Rap, el primer musical teatral de hip hop en Colombia. Esta obra fue un éxito rotundo entre 1995 y 1997 y se presentó en varias ciudades de Europa. Llegó al Parlamento Europeo y al reconocido teatro Odín, en Dinamarca. El montaje fue creado y actuado por los miembros de Gotas de rap, uno de los primeros grupos de rap en Bogotá y Colombia. Ópera Rap nació a mediados de los 90, cuando Gotas quería hacer un festival de rap en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán. Necesitaban una entidad con personería jurídica, así que los integrantes acudieron a Patricia Ariza, quien era directora del Teatro la Candelaria. “Yo no los conocía, pero me conmovió tanto su insistencia y su esfuerzo que les dije que sí”. Ella fue clave para que la obra lograra exhibirse. Cuando Ariza se acercó al teatro, vio por primera vez a Gotas y le gustó mucho el show. “Quedé absolutamente deslumbrada. Me parecieron buenísimos, me encantó el contenido de las canciones y esa creencia tan fuerte en lo que hacían", contó Ariza para Shock en 2019. Cabe recordar que para ese momento el hip hop y el rap no eran tan conocido en Colombia."Las pintas de ellos (Gotas de rap) eran una provocación ambulante. Estaban muy orgullosos de ser lo que eran. Era una actitud muy desafiante, como lo es el rap. El rap es una pelea también, una controversia de palabras y el cuerpo", dijo Ariza en el documental Gueto Boys. "Cuando nos hicimos amigos y conocí sus casas y sus familias, pero, sobre todo, esa necesidad de expresarse con la música fue fantástico", agregó. Gracias a Patricia Ariza el hip hop bogotano logró ser conocido en varias ciudades del mundo, en un momento en el que apenas de consolidaba en el país.
El Festival Hip Hop Al Parque celebrará sus primeros 25 años de historia, una fiesta para los amantes de las distintas corrientes de esa cultura en Bogotá. Para este año habrá lugar para artistas que representan los sonidos clásicos de la vieja escuela y también los de las nuevas tendencias.Contenido recomendado | Hip Hop Al Parque 2022: El festival bogotano anuncia el cartel completo de artistasPara las jornadas del Parque Simón Bolívar, el 2 y 3 de julio, habrá nueve invitados internacionales, cuatro nacionales y doce locales. El Idartes publicó los horarios oficiales del evento.En el Parque Metropolitano Simón Bolívar también estará presente la danza con la Batalla Internacional de Break que se realizará en formato de competencia 5 vs 5 con la participación de las cuatro agrupaciones bogotanas que resultaron ganadoras de la Beca BIVA 2022 del Programa Distrital de Estímulos del Idartes, además de cuatro crews invitados internacionales: Flava And Spices Crew de Venezuela, Dan-Ser Project Crew de Ecuador, South Side Connection Crew de España y Rbn Team de Panamá.Horarios confirmados del Festival Hip Hop Al Parque 2022SÁBADO 2 DE JULIO DE 202211:30 AM EL KALVO12:20 PM BATALLA INTERNACIONAL DE BREAK12:35 PM DJ BOKA12:45 PM MARY HELLEN (MEDELLÍN)13:20 PM BATALLA INTERNACIONAL DE BREAK13:45 PM MAMBORAP (CHILE)14:35 PM EL REDCODE15:10 PM BATALLA INTERNACIONAL DE BREAK15:35 PM ARIANNA PUELLO (REPUBLICA DOMINICANA)16:25 PM DEE STEBANG17:05 PM DJ HYPE BOX17:30 PM JHT (COLOMBIANO EN EL EXTERIOR - REINO UNIDO)18:20 PM DJ CRAZE (EU)18:55 PM BATALLA INTERNACIONAL DE BREAK19:20 PM N. HARDEM20:00 PM FOYONE (ESPAÑA)DOMINGO 3 DE JULIO DE 202211:30 AM JEYKO ON THE TRACK12:05 PM BATALLA INTERNACIONAL DE BREAK12:25 PM DEE JAY BES 12:4012:45 PM INFLUMC (INTERCAMBIO FESTIVAL ALTAVOZ DE MEDELLÍN)13:25 PM SELENE14:00 PM BATALLA INTERNACIONAL DE BREAK14:25 PM SANTA SALUT (ESPAÑA)15:15 PM KEKE MINOWA & BENNY B (CARTAGENA)15:55 PM NATOS & WAOR (ESPAÑA)16:45 PM DJ SPIZIKE17:10 PM TRUENO (ARGENTINA)18:00 PM KAZU18:35 PMBATALLA INTERNACIONAL DE BREAK19:05 PM RUZTO19:50 PM MOVIMIENTO ORIGINAL (CHILE)¡La música en vivo nos une!
Al final del camino, en la canción No Perdí la Razón, Zeta Zeta mira hacia atrás y recuerda: “Cómo le explicaba a la abuela que iba a funcionar / Con deuda en vez de capital / Viendo a seis valijas que cayeron pa’ fumar / Sin camisa y una de ron que iba a la mitad / A las diez de la mañana”. Esta escena de Niebla, el nuevo álbum de Gordo Sarkasmus, reconfigura lo que en su momento pudo ser un indicio de no futuro para los familiares de Zeta Zeta (también conocido como Zof Ziro) y Granuja y lo eleva como un trofeo. Por Santiago Cembrano // @scembrano Sí funcionó, por eso hoy ambos integrantes del dúo de Medellín lo narran con la sonrisa pícara de los que, contra todo pronóstico, se salieron con la suya con el rap como apuesta de vida. Tras siete años de ausencia desde el clásico Herejías, el Gordo ha vuelto con su quinto disco.Desde su último trabajo las cosas han cambiado, como dijo Biggie. Tras Herejías —una demostración de alto nivel de su perspectiva descreída, rapeos contundentes, una filiación con el boom bap y sus alrededores y la personalidad de villanos ante una Colombia al revés—, Zeta Zeta y Granuja se concentraron en sus carreras como solistas y llegaron a Niebla con varios discos en su haber. También llegaron más maduros, ambos por encima de los 30. Y, a nivel colectivo, el rap estricto que profesaban Gordo Sarkasmus y sus compañeros del colectivo Moebiuz, casa de varios de los discos más importantes del rap de Medellín de la última década, dio paso a una gama más amplia que también ha incluido el trap y, ocasionalmente, el dembow. Así, este nuevo disco refleja lo obvio: ni Zeta Zeta ni Granuja son los que eran en 2015, no podrían serlo. Ni siquiera rapean igual: el primero lo hace con más aire en su registro; el segundo, con mayor parsimonia. Aun así, una filosofía subyacente se mantiene, aunque la expresen de otra forma.La distancia en NieblaDurante la cuarentena de 2020, ambos miembros del Gordo empezaron a hacer temas a distancia. Una tanda de beats iba, volvía uno elegido, se devolvía una propuesta de canción y termina el track hecho, todo a decenas de kilómetros de distancia. Así empezó a formarse Niebla, con temas como el apropiadamente titulado Encuentros Lejanos, y se terminó con canciones hechas en persona una vez se relajaron las restricciones, como SOS, Rápido y No Perdí la Razón. De los doce cortes del álbum, diez tienen beats de Granuja y dos de Zeta Zeta, Niños Serios y Antinatural. El color general del disco es opaco, denso, como si fuera, justamente, neblina: una capa que ensucia los tonos, el sonido que oscila entre los samples y lo sintético. Esa misma neblina la identifica Granuja como la identidad de Gordo Sarkasmus, un antídoto contra lo alegre, romántico y rosado.Niebla discurre entre las cabezas complicadas de dos MC que con ojo clínico y lengua ágil rapean sobre lo humano y lo divino. El desarrollo entre el antes y el ahora es un motivo triunfal constante, una vuelta olímpica celebratoria. Granuja y Zeta Zeta también analizan con ingenio la degradación humana y la violencia nacional, una constante en su discografía. Incluso hay espacio para responder a los críticos en CatDog, un corte conciso, de los destacados del álbum. Al final queda la escritura única de Gordo Sarkasmus, una perspectiva que se alimenta de una etapa distinta de la vida, ideas por diseccionar y una tesis que sostienen con firmeza: que son el mejor grupo que dio esta finca.***Sobre Niebla, el legado de Gordo Sarkasmus, la política nacional y más, hablamos con Granuja.Fueron siete años sin un disco nuevo de Gordo Sarkasmus. Para Niebla, ¿hubo algún reajuste para recuperar la química o salió de memoria?Todo salió de memoria. Igual nosotros nos seguimos juntando después de Herejías, Ziro sale en Círculo Vicioso y yo estoy en sus discos. Me parece importante que cada uno haya desarrollado su proyecto. Los grupos me parecen importantes, pero también es valioso tener un nombre propio y depender solo de uno mismo. Que no lo vean a uno solo como un grupo sino como éste y éste que son este grupo. Para mí es innegable que todo está mejor ahora: la mezcla, las voces, la técnica para rapear. Va aparte del gusto, habrá al que le gusten cosas más viejas porque le gusta ese estilo, pero yo creo que el bagaje individual que hemos tenido hace que cuando nos juntemos no haya que hacer una reunión para ver qué es lo que queremos hacer sino que simplemente fluya. Nos sentamos, escuchamos música y sabemos qué queremos hacer.En tu escritura es común que haya versos críticos sobre la política y la sociedad. ¿Cuál es tu clave para escribir de manera creativa sobre estos temas?Yo nunca me he sentado a centrarme en un tema en particular. Para mí, se trata de decir las cosas que uno piensa, pero de una manera ingeniosa. No es solamente qué se dice, sino cómo se dice. Eso también le da una particularidad al grupo, esa forma de decir las cosas, para que no suene a unos manes que se están quejando todo el tiempo o a que puño arriba por la revolución. Es como si fuera una conversación: uno abarca más de una temática, se habla de todo un poco, pero con un contexto. Tampoco es random, hay una línea a seguir, pero no nos imponemos una temática específica. En varios temas hay comentarios políticos y sociales, pero no es que queramos que todo sea eso, así como no queremos que todo sea competición. Sí, es como una conversación o un monólogo, en el que se habla de todo un poco. Por ejemplo, ¿qué es lo que hace buena una stand up comedy? No son las vulgaridades ni una sola temática particular, sino el ingenio con el que se dicen las cosas, el clásico punchline que también está en el rap. Eso es lo que hace que la vuelta sea interesante.Con todo lo que está pasando de la zozobra frente a las elecciones que vienen, el llamado paro armado del Clan del Golfo y todo lo demás, ¿tú cómo analizas la situación del país hoy?Yo siempre he pensado que lo que pasa previo a las elecciones no son actos de azar, todo es muy planeado. Las elecciones hacen que la gente esté como tensionada, y las partes aprovechan eso de cualquier manera. El terror les ha servido a los estados para gobernar. Todo lo que está pasando tiene una finalidad política, y eso no es porque Colombia sea violenta: los que hacen eso son los que siempre lo han hecho. Los grupos armados ilegales son ilegales porque no son creados según las leyes, pero siempre han trabajado con el Estado, sean guerrilla o paramilitares. No me parece un caso aislado. Siempre antes de elecciones pasan cosas extrañas, extremas, dudosas. Lo que está pasando ahora tiene mucho que ver. También, creo yo, es el miedo de los que están en el poder: creo que ellos están resignados a que lo van a perder, entonces quieren dejar el país vuelto mierda para que al que quede, el que ellos no quieren, le quede algo muy difícil de resolver. Es lo que creo yo que está pasando, en términos vulgares.La escritura de Niebla es muy distinta de la de Herejías. Hay rimas competitivas y sobre rap, pero menos. Hay más espacio para comentar sobre la vida y lo que hay a su alrededor. ¿Cómo sientes y analizas ese desarrollo o esa progresión?Todo es parte del proceso de crecimiento personal. Uno cuando es pelado quiere lucirse más, mostrar todas las habilidades y que es un súper rapero que dice cosas súper raperas todo el tiempo. Ahora yo no siento esa necesidad de demostrar algo, uno va creciendo y ve que el mundo es muy grande, güevón, hay mucho de qué hablar. Ya la forma de decir que uno es bueno en algo es hacer algo bueno, no decirlo. Y toda esa testosterona de Yo soy mejor es chimba, a mí me gusta ese recurso, pero ese no puede ser el eje. No está mal quedarse hablando de lo mismo siempre, cada uno tiene su estilo, pero para mí sería como estancarse. Siempre he hecho lo mismo: barras y pistas. Yo solo hago rap, no hago trap ni reggaetón ni otras cosas que podrían hacer sentir diferente a un artista, más dinámico, entonces sería demasiado monótono y cansón estar hablando de las mismas güevonadas tantos años después. Hay que aprovechar cada momento de la vida, expresar cómo uno se siente en la música. Eso es un proceso natural, y no solo pasa en el rap. A medida que pasa el tiempo, todos los artistas se vuelven menos hardcore y más introspectivos, analizan otras situaciones. Es un proceso de maduración.En Niebla ambos celebran sus triunfos. ¿Cómo es mirar diez años para atrás y pillar que hicieron carreras sólidas con el rap?Sí, el disco también es eso: un contraste entre el antes y el ahora. Todo ha cambiado mucho en estos siete años desde Herejías, es un intervalo largo. Yo en el día a día no lo siento ni lo pienso tanto, pero ¿sabés cuándo lo siento más? En los conciertos, ese es el momento más increíble, de verdad es difícil de creer. Uno se da cuenta como "Todo esta gente vino a verme, está cantando mis canciones, está loca y emocionada". Para mí, yo soy un güevón, soy una persona normal, no me siento especial ni nada. Cuando veo a la gente exageradamente emocionada pienso "Uy, qué raro. Esto no me lo esperaba". Uno lleva mucho tiempo haciendo lo mismo entonces es más lógico que rinda frutos y se pueda vivir de esto. Lo más loco del asunto es el comportamiento de la gente, darte cuenta de que te ven especial y diferente, y uno sabiendo que no.Y a propósito de eso que dices, en “Plan A” hablas de que antes no los seguían y ahora que te siguen no quieres ser un guía. ¿Por qué? ¿Sientes algún tipo de presión?Yo no cambio mi comportamiento por ningún motivo. Hay que ser uno mismo, entonces si me preguntan algo voy a decir lo que yo pienso, y si no quiero responder, pues no respondo. No veo un motivo para fingir, al final lo que hace atractivo a un artista es la autenticidad. Pero esa vuelta es muy loca, parce, que la gente esté pendiente de qué dice o qué hace uno. Igual no me preocupa. Yo no soy el más carismático, ni el que en la calle le sonríe a la gente cuando me ve y eso; no de mala manera, es la forma de ser de uno. Si a la gente le gusta eso, me siento con suerte. El reconocimiento y la popularidad tienen muchos matices, pero igual yo no me siento abrumado. Pa’ mí famoso es Messi o la gente que no puede salir. Yo puedo salir a cualquier parte. Si acaso me siento reconocido en algunos lugares.En Rape Abisal dices que acabarás en la montaña, en la orilla del mar o donde te puedas trabar. Desde hace unos años vives en La Ceja (Antioquia). ¿Cómo ha sido para ti y para tu creatividad vivir fuera de la ciudad?A mí me parece que esa tranquilidad ayuda. Todo ese ruido y caos de la ciudad, tanta gente y tanta cosa, contaminan la visión de uno. En la ciudad uno se estresa más y vive más acelerado. Acá no es que uno cambie demasiado, pero sí cambia el ritmo de vida. A mí me ha ayudado a trabajar más, me siento más libre para hacer bulla. No hay ningún vecino que se queje ni tampoco hay ruido de afuera que estorbe. A mí me ha gustado mucho, vivo muy parchado acá. Me siento más libre haciendo música así. No sé si es la ilusión de no ver edificios ni paredes cerca, pero me siento más libre.Han pasado diez años desde el primer disco de Gordo Sarkasmus, Hallowinners. Zeta Zeta dice “Somos el mejor grupo que dio esta finca” en CatDog. ¿Tú cómo sientes el legado y el impacto de Gordo Sarkasmus?Parce, con Gordo Sarkasmus fue que empezamos este viaje en el que estamos. Ahí empezó todo este cuento, la historia de nosotros, no solo de Ziro y yo sino todos los que fueron llegando a Moebiuz y se fueron o se quedaron. Al final la gente es la que decide si hemos tenido impacto, pero han pasado cosas impensables: como que a uno lo busque X o Y sujeto que uno escuchaba cuando era pelado y le gustaba. Pero lo difícil no es subir sino quedarse arriba. Igual han sido muchas cosas que han funcionado juntas. No es solo lo que hemos hecho nosotros, sino la sumatoria de todos los que han estado ahí cuando ser masivo no era tan fácil como ahora. Rh Klandestino y más atrás La Etnnia hicieron el rap colombiano conocido, de alguna manera. Nosotros —aparte de hacer la música, que rodara y que la gente la reconociera y se identificara— coincidimos con la época de internet, y eso suma. Y desde que empezamos ha surgido una forma más fácil de hacer las cosas. A uno le tocó con las manos, ahora cualquiera se mete a YouTube y, si tiene la disciplina, alguien se lo enseña a hacer. Eso hace que haya mucha gente buena ahora. Es una suma de muchas cosas, pero sí se siente orgullo y satisfacción de que lo que uno ha hecho haya servido para que se inspiraran algunos pelados y saliera gente buena después de uno.¿Cuál es tu top 5 de temas de Gordo Sarkasmus?Me gustan mucho Días Funebres, No Blasfemes, Mal Ejemplo, Pasan Los Días y El Desquite. No sé por qué, no tengo motivos. La música es muy extraña, a uno le gusta algo sin explicación. Suena y ya, y si le gusta, nada más importa, no tiene una explicación lógica.Vean también | Visita de Moebiuz a ICON: un encuentro entre el rap y el reggaetón
Aquí estamos en 2022 con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial con reseñas de discos colombianos (álbumes de estudio y EP) para que se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo a lo mejor del 2021 en este especial . Acá les presentamos A fin de mes de Komba, Ruzto y D'Avila.Los invitamos a escuchar nuestra playlist Recarga Local en Amazon Music Colombia.¿Quién es Komba?Komba no es un nombre desconocido para la escena underground rola: fue parte del colectivo Vida Cruda donde compartía créditos con Muiska y LoFi. Ese proyecto terminó con la llegada de la pandemia y de ahí surgió la necesidad de presentarse ante el público como solista para exponer completamente su personalidad musical. En 2021 estrenó PANTHERA, considerado por Shock uno de los mejores EP del año.¿Quién es Ruzto?Jeff es un beat maker, tremendo compositor y un bacán. Su nombre es leyenda en la escena nacional del rap colombiano por ser parte de Aerophon y por tener una carrera admirable como solista.¿Quién es D'Avila?Debutó en 2020 con Qué te queda, en 2021 lanzó Panamera, y Bahía, para 2022 ha estrenado Si todo se quema y, claramente, A fin de mes. Su proyecto tiene elementos de R&B, pop y rap.¿Cómo se dio la colaboración? Komba llevaba un tiempo camellando en la canción, tenía el beat y también el coro. Un martes en la noche se reunieron para parchar y en ese momento los tres le metieron candela a la idea original.¿De qué trata a fin de mes?El sencillo le canta al estar con poco dinero, llegar a los últimos días del mes con pocos pesos en el bolsillo y aún así poder enfiestarse con los panas.¿Tiene video oficial?Sí, el sencillo cuenta con un trabajo visual hecho por Tilo Gómez y Juan Triana donde se le hace honor a la canción. El clip es protagonizado por los tres músicos que empiezan a trabajar y de un momento a otro todo se escala; el apartamento se convierte en una discoteca improvisada para bailar, parchar y divertirse.¡La música colombiana nos une!
Gueto Boys, un documental sobre la historia de Gotas de rap, un grupo determinante en la historia del rap colombiano, se estrenó este 24 de noviembre. El filme está disponible en el canal de YouTube de Reo Films, y es un testimonio clave para la historia de la música nacional. El documental narra cómo a comienzos de los 90, seis jóvenes bogotanos del barrio Las Cruces se unieron para crear Gotas de rap, uno de los primeros grupos colombianos de este género. Con poca experiencia, pero muchas ganas, exploraron las rimas y los beats y se convirtieron en pioneros.Gotas de rap lanzó Contra el muro y Revolución, álbumes en los que hablaron de corrupción, abuso policial, objeción de conciencia para prestar servicio militar, legalización de la marihuana, entre otros temas políticos y sociales. Gueto Boys también explora el nacimiento de la obra Ópera rap, el primer musical teatral de hip hop en Colombia, junto a la Corporación Colombiana de Teatro en Bogotá. Cuando el rap bogotano llegó a EuropaÓpera rap nació a mediados de los 90, cuando Gotas quería hacer un festival de rap en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán. Necesitaban una entidad con personería jurídica, así que los integrantes acudieron a Patricia Ariza, directora del Teatro la Candelaria. “Yo no los conocía, pero me conmovió tanto su insistencia y su esfuerzo que les dije que sí”. Cuando Patricia se acercó al teatro, vio por primera vez a Gotas y le gustó mucho el show. “Quedé absolutamente deslumbrada. Me parecieron buenísimos, me encantó el contenido de las canciones y esa creencia tan fuerte en lo que hacían", contó Patricia para Shock. La obra estaba inspirada en el asesinato de Andrés Escobar y otras muertes que registraron los medios de la época. Narraba la historia de un hombre a quien la muerte quería llevárselo, pero ella se enamoraba de él. Entonces hacían un pacto: ella le devolvía la vida si él le enseñaba a cantar y bailar rap.Esta obra fue un éxito rotundo entre 1995 y 1997 y se presentó en varias ciudades de Europa. Llegó al Parlamento Europeo y al reconocido teatro Odín, en Dinamarca. Además de la intolerancia, la obra mostraba “cómo se entrelazan en la vida de las calles el amor, la amistad, la música y la violencia”, según dijo Melissa Contento, integrante de Gotas de Rap, en una entrevista de la época.El documental también se centra en la muerte de Melissa en 2001 en un accidente automovilístico. Ante la posibilidad de una reunión de Gotas de Rap, Kontent Thug, miembro del grupo y hermano de Melissa declaró: "así como cuando Dr. Dre dijo que N.W.A no era lo mismo sin Eazy E, Gotas de rap no es Gotas de rap sin Melissa.
Aquí estamos con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial con reseñas de discos colombianos (álbumes de estudio y EP) para que se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo a los mejores del 2020 en este especial. Acá les presentamos Tormenta de Arena de Sr Pablo.¿Quién es Sr Pablo?El antioqueño Sr Pablo estrenó su álbum debut en 2016 y ahora, cinco años después, es uno de los exponentes más respetados del rap que se hace en Medallo. Para este tema trabajó con Thomas Parr, amigo y colega con el que han compartido créditos en diferentes obras musicales.Tormenta de Arena es la cuarta canción de su nuevo proyecto discográfico PABLO, álbum que estrenó el pasado viernes 22 de octubre y que contiene los sencillos A+D100 o Nube Gris.Dato: En palabras del artista, el disco PABLO no tiene fronteras y por eso en el colaboran músicos grandiosos como Duina del Mar, Akapellah, Juan Sinatra, Pablo MG, Charlie Blue, Inti Sigma, Nicole Horts, entre otros.¿De qué trata 'Tormenta de Arena'?La canción tiene en su ADN cierta intimidad que invita a enfocarse en ella durante tres segundos exactos. Es de esas canciones que sirven para hacer una pausa cuando la vida está teniendo un ritmo salvaje. Hay frases en el tema que desafían al oyente a reflexionar y profundizar en los pensamientos que están ocupando su mente.¿Tiene videoclip lo nuevo de Sr Pablo?Sí, al igual que sus anteriores visuales este tiene una calidad cinematográfica amplia que identifica el proyecto de Sr Pablo. Aunque sencillo, el video muestra al artista desconectado, en una zona rural, rodeado de naturaleza, pero que se simula muy frío. Fue dirigido por Skinny (director de fotografía del video Medallo de Maluma), el apoyo de Esteban Calvo, la edición de Esteban Aldana Sánchez y el styling de Clara Baldovino¿A qué suena 'Tormenta de Arena' de Sr Pablo?La propuesta de Sr Pablo en el rap nacional tiene particularidad y es difícil adjudicarla a una ciudad como podría pasar con otros proyectos. En este tema especialmente el beat y las diferentes velocidades de la interpretación hacen que la mente conecte fuertemente con lo que Sr Pablo está expresando en cada fraseo, en cada palabra. ¡La música colombiana nos une!
Descubrir las verdades escondidas bajo la religión y la mitología. Ese fue el propósito de Joseph Campbell al escribir El héroe de las mil caras. Quería comparar mitos de distintos lugares y momentos para entender, tras su lenguaje simbólico, qué dicen sobre la humanidad. Con el psicoanálisis como arma, Campbell presenta ese retrato: el de las mil caras que son una, el de las mil versiones que incorporamos en cada relato. Este libro, fuerte influencia de la franquicia de Star Wars de George Lucas, le dio a Ali Aka Mind forma y el fondo para comunicar sus ideas de forma distinta a como lo había hecho antes. ¿El resultado? Manjit 1.Por Santiago Cembrano - @scembranoAntes de su sexto álbum de estudio, el rapero bogotano de 39 años (que lleva casi la mitad de su vida en el hip hop), hizo una pausa. Una pausa obligada, claro: la pandemia del covid-19. Venía de un par de años intensos de giras, colaboraciones y sencillos. Con el inicio de la cuarentena, en marzo de 2020, se sentó a leer lo que tenía pendiente. Reflexionó sobre su ego y su alter ego, su conciencia, su razón. Abrazó la multiplicidad que habitaba su interior y le puso nombre: Manjit.Los beats de T-Chord, productor de Manjit 1, se centran en el boom bap clásico y el color melancólico que caracterizan a Ali. También abren espacio para el drumless, el soul y el bolero, el funk y colores de blues. Las letras, en su mayoría, son profundas y pesadas, pero los momentos más ligeros (Recreo) le dan balance al disco; así mismo pasa con las pistas. Para este nuevo trabajo, Ali invitó a PNO y Macko (Caciques del Altiplano, un homenaje al rap bogotano), Elias Wallace (Tú, una canción de amor a modo de bolero), Masta Ace y Marco Polo (Masta Mind Polo, la unión con la escuela del rap neoyorquino) y la chilena Flor de Rap (Dicen que el perdón).ManjitDe origen indio y uso unisex, el nombre Manjit tiene múltiples sentidos. En sánscrito, hace referencia al ganador de la mente. El sijismo, así como el panyabí, lo explica como la que gana su propio corazón, conquista su mente y encuentra victoria en su alma. Para el hinduismo, el significado de manjit es “querida”. Y Ali encontró un significado más, que cristalizaba el proceso en el que se encontraba y que luego plasmaría en el álbum: el buscador del conocimiento.Durante la investigación y la escritura, Ali sentía que necesitaba un mentor. Lo encontró de forma inesperada en la muerte de su perro Jonson, un Golden con el que viajó por todo el mundo durante doce años. Esa muerte, referenciada en Buen viaje, le marcó el camino para dejar morir ciertas relaciones y sentimientos, así como deshacerse de lo que no necesitaba. El desapego es uno de los primeros puntos centrales del álbum, así como uno de los primeros episodios del héroe en su recorrido. Hablamos con Ali de Manjit 1, su nuevo álbum. ***¿Cuál es el viaje de Manjit, el héroe de esta historia? Es el de vivir un loop y buscar el escape. Es el de encontrar la salida en el rap. Es el de enfrentarse a la muerte y regresar. Es el de detenerse en el poder de la mente, de la creación, de lo que está vivo, tanto como en el dolor de un país que se desangra. Y es el del rap, finalmente, que vuelve como umbral de salvación, una nueva posibilidad. Al final, se abre una puerta hacia lo que viene. Luego de navegar en el lago más profundo, Ali, encarnado en Manjit, sale a la superficie a llenar sus pulmones de aire. El héroe continúa su viaje y la exploración de todos sus rostros.Manjit 1, a través de la exploración espiritual y religiosa, con elementos del budismo en el camino, busca el desapego. ¿De qué te querías desapegar?La vida agitada genera un montón de ruidos externos que empiezan a silenciar las melodías internas. El desapego tiene que ver con la muerte, las formas de idealizar a las personas, las cosas y la vida misma. Ese era un inicio: entender que la vida está compuesta de muchos inicios y muchos finales. Por otro lado, yo todo lo hago pensando en rap, pero uno de los apegos que tiene el rap es el materialismo. Y quise alejarme de esos apegos materialistas, de la marca de las zapatillas, y encontrar cosas más chimbas que tiene el rap. Como tener parceros por todo el mundo porque soy rapero o poder encontrarme con un rapero en un medio de transporte y poder hablar de rap una chimba. Volví a escuchar música vieja que hace mucho no oía, miré hacia mis inicios, valoré amistades, espacios, lugares, familia. Me mamé de Bogotá y me fui a vivir más cercano al campo. Me reencontré con la naturaleza, con las ganas todos los días de pararse temprano a mirar plantas y árboles. Empieza uno a darse cuenta de los detalles bonitos que tiene la vida y de los privilegios que tiene uno. Es necesario desapegarse de idealizaciones falsas y pretensiones baratas. Eso fue gran parte del desapego. El disfrute de este disco fue poder estar libre de un montón de cosas que se van acumulando. Cogí toda la ropa que tenía en el armario y empecé a sacar lo que no me gustaba y a doblar y ordenar con más cariño lo que sí me gustaba.¿Quién es Manjit, tu alter ego durante el álbum, su narrador?Todos tenemos un Manjit. Yo le puse así porque es un buscador de conocimiento. Se trata de esa voz que te acompaña, de esa sabiduría que no sabes de donde viene, de esos errores que te dicen “Sí, tómese esa cerveza”. Manjit te acompaña en todo. Yo me siento privilegiado porque mi Manjit es un tipo activo, inquieto y curioso. Necesitaba acercarme a ese ser que tengo adentro que es de una riqueza infinita. Cada vez que me siento a escribir es el momento más rico que tengo con Manjit. Me siento yo, como Ali Rey Montoya, abro mi mente y de la nada vienen unas ideas a borbotones. No sé quién me las manda. Yo le digo Manjit a la persona que me las manda. Por un lado es como un dios, por otro lado es el dueño de mi alma. Pero también es un personaje superficial que recibe las cosas con ego. Manjit es un universo alrededor de mis pensamientos. En este disco es sano, Manjit me quiere sacar de los quilombos, me pone en un lugar tranquilo para que piense y tenga paz mental. Vamos a ver en qué evoluciona.A propósito de “Caciques del Altiplano”, con PNO y Macko, ¿cuáles fueron esos nombres del rap bogotano que te marcaron? ¿Y qué caracteriza al rap bogotano?En mi podio están Javy (Gotas de Rap), La Etnnia y CTO Crew. Gotas y La Etnnia fueron muy representativos. Recuerdo escuchar La Bolsa con todo mi parche, felices. Pero con CTO fue como “Wow, estos rapean como los gringos. Ahora sí hay métricas. No están pegándole solo a la caja sino que están jugando”. Sus historias tenían que ver conmigo, con las realidades de Castilla, Puente Aranda y toda esa zona. Yo era de El Galán, no de Las Cruces ni Ciudad Bolívar; también era un barrio pobre, pero con otras realidades. Ese era mi top en esta época. Es un sueño cumplido colaborar con ellos.Y el rap bogotano es boom bap, samples melancólicos de boleros. Suena a calle, a barrio, a frío. Bogotá no suena a fiesta, güevón. Es con las Timberland y la chaqueta Southpole. Eso es Bogotá. Con un aguardiente en la mano. Es represent: una ciudad gigante en la que todos se sienten orgullosos de sus barrios.Manjit trae una canción de amor que es Tú. ¿Cuáles son algunas de tus canciones de amor favoritas?Es difícil. Yo lo que escucho no es tanto de amor; en el carro tengo un disco de remixes de Nas con beats de MF DOOM, es lo que escucho todo el día. Pero bueno, canciones de amor, no tengo un top. Alguna que me gustan son Nunca es suficiente de Los Ángeles Azules y Natalia Lafourcade, Se me olvidó de Gera MX con Rels B, Como bolero de Nanpa Básico, Mima de Al2 y Página de amor de Grupo Niche.En Magnun Opus abordas la inspiración y creatividad. ¿Qué has aprendido sobre la creatividad?La clave de la creatividad es la curiosidad: estar con ganas de entender qué pasa, cómo se hizo, de dónde sale. Una vez estás empapado de un montón de ideas, las puedes empezar a conjugar de muchas maneras. Creo que los creativos más grandes del mundo han conjugado cosas que los apasionan.A mí me apasionan las montañas y pintar. Todo el mundo pinta las mismas montañas, y yo pienso “¿Qué pasa si pinto la montaña desde arriba y cómo se ven abajo los pintores?”. Sobre todo, tiene que ver con la pasión. La creatividad llega cuando te encuentra motivado. Y hay que creérselas.Magnun Opus hace parte de un gran relato, compuesto por los drumless: luego de esta vienen “Arte, Luz, Intemperie” (o sea Ali) y “Mind”. Esta es sobre la obra, y entendí que tiene que ver con la influencia, como conceptos que reconstruyes. A mí el arte me llegó por mi familia. Mi papá siempre pintó, primero cerámica y luego óleo. Entonces por eso al principio de la canción llegan pintores y pinturas, como El sanatorio de Saint-Rémy-de-Provence o Autorretrato sin barba de van Gogh.Y luego empiezo a meterme con la escritura, como Petrarca o Pizarnik, que me influenció por ser argentina y me enseñó a contar historias desde el sur. Y acabo hablando de mí: escucho a la mente que me dice que practique, hasta que las vísceras me digan lo que tengo que decir. Mis influencias se conjugan y muestran que la obra soy yo. Me cuido y me forjo como una obra. Y lo que produzco es arte.Fire, una canción de denuncia política, acaba con un pedazo de Vivimos en guerra, de 2005. Es como si todo se repitiera: 16 años después sigues cantando de lo mismo. ¿En algún momento se vuelve agobiante pillar que la vuelta no cambia y que todavía es necesario hacer canciones como estas?Sí, es una locura. Para mí fue una necesidad que no quería asumir. No sabía si otra vez debía cargarle al rap esto. Darly [la esposa y manager de Ali] me motivó un montón para participar en las marchas, y esta canción empezó con ese proceso. Si te das cuenta, la canción empieza con un recordatorio de que nada cambia.¿Quién no se cansa en Colombia? Estamos frente a un muro. Pero así como en cada disco mi energía me pide una canción de amor, también siento tengo que hacer una o dos de estos temas políticos y sociales que me atañen y que no me son indiferentes. Es una necesidad y hace parte de mi inspiración en el rap. Lo siento, lo vivo, me duele. Lo veo en mi familia, en mis amigos. Es una responsabilidad. Pero yo quiero hacerlo. Estas canciones no inspiran a nada violento, es como “Reflexionemos, loco. Si nos miramos a la cara nos damos cuenta de que estamos todos en la misma olla. ¿Por qué nos tenemos que matar? ¿Por qué odiarnos tanto? ¿Por qué tirarnos tanto? ¿Por qué mirarnos por encima del hombro? ¿Por qué tanta indiferencia?”. Es más bien un reclamo como de que, loco, hay otros lugares donde la gente se trata bien y vive bien. ¿Por qué acá no podemos, marica?¿Puedes compartir alguna anécdota de una fiesta de casa re loca como la de Recreo?¿Farras como la de Recreo? Muchas. Pero cuando estábamos bien pelados, por ahí en el 2000, yo iba a tocar con Capital Special en una bodega en Fontibón. Vamos llegando al lugar y estaba todo acordonado, había un camión del ejército metido en reversa en la puerta. Eso era ilegal y olía mucho a marihuana. DJ High-S iba a tocar esa noche. Su papá era un mando alto de la policía, entonces a los diez minutos ya estaba en la casa con Alfa Gama, Macko, varios. Y nos fuimos a su casa. Llegamos a las 12 de la mañana, de viernes para sábado, y salimos el domingo a las 4 de la tarde. Pedían pollo y pizza cada tres horas, había freestyle. Había como 4 DJs haciendo fila y tocaban por cuatro horas cada uno hasta que tuvieran que comer o ir al baño: DJ Destroy, High S, Cas, creo. Hubo gente que estuvo seis horas, se fue, trabajó y volvió por la noche con otra ropa. Yo duré dos días en esa casa. Dormí por ratos, vivía lejos. Llegó la policía en un momento y salió el papá de este man, creo que era general, y habló con ellos. Y entró y nos dijo “Hagan lo que sea pero dentro de la casa, que no salga nadie”. Fue una cosa re loca, tremenda. Vi desfilar a todo el rap bogotano por esa casa ese fin de semana.¡La música nos une!
Komba no es un nombre desconocido para la escena underground rola: fue parte del colectivo Vida Cruda donde compartía créditos con Muiska y LoFi. Ese proyecto terminó con la llegada de la pandemia y de ahí surgió la necesidad de presentarse ante el público como solista para exponer completamente su personalidad musical.Para leer | Canciones de rap dedicadas a la caótica, pero bella BogotáEl artista ha sido cercano a la música desde que nació a finales de la década de los noventa. Vivía entre la localidad de Suba en Bogotá y el municipio Oiba en Santander, dos lugares que lo alimentaron de diferentes géneros musicales que eventualmente se convertirían en sus influencias.En la etapa del colegio conectó bastante con el rap y asistía a batallas de freestyle que ayudaron a nutrir su camino e interés en la cultura hip hop.Komba se define como una persona curiosa e inquieta, por eso, al terminar el bachillerato empezó a darle forma a su home studio, compró un controlador y se metió de lleno en la producción de manera empírica. Luego se inscribió en la escuela de música EMMAT en Bogotá y estudió oficialmente producción musical.Antes de la pandemia Vida Cruda tenía agendados varias fechas, pero con el cierre de la mayoría de industrias todo se fue al piso. En ese momento Komba empezó la creación de su proyecto discográfico en el que encontró la libertad de escribir, pensar, cantar y producir como quisiera sin tener que socializar sus ideas con sus compañeros.PANTHERA, el EP debut de KombaInicialmente el proyecto sería un larga duración de once temas, pero Komba tuvo problemas técnicos con los archivos y muchos se perdieron. En el proceso de reconstrucción le volvió a dar vida a seis temas que son los que están este EP.Komba da a conocer este proyecto como Panthera Volumen 1 porque en sus planes está concretar una continuación que derive en un larga duración.El nombre del EP es salvaje y conecta fuerte con su personalidad artística. Muchos no lo saben pero su a.k.a viene del lenguaje muisca donde ‘komba’ significa jaguar, ser vivo que junto con la pantera integran parte de la familia felina del reino animal.Komba no quiere casarse con ningún género para tener la libertad de fusionar o de pasar de un ritmo a otro sin sentir que está traicionando a alguien (porque a veces los seguidores de un género son demasiado puristas), por eso este EP tiene toques de rap, trap y dembow.El músico bogotano, en sus propias palabras, cuenta detalles de cada una de las canciones que conforman Panthera.GlockEs una letra que tiene tiradera, ese aspecto que hay en general en lo urbano donde se sacan los trapitos al sol y se habla de las personas que le tiran la mala a uno. También tiene parte de mis experiencias, por ejemplo la primera frase es “le gusta como yo le doy, rompimos el lockdown” y refleja que muchos en pandemia conocieron a alguien y no respetaba la cuarentena para verse con otros. Son varias experiencias.MaryNació en una época en la que me gustaba fumar y parchar en el estudio. En un punto hablo de mi familia, frases que le dedico a mi padre y describo situaciones personales.LátigoSiento que es un tema muy comercial y dirigido a una figura femenina/amorosa. Abordo el erotismo, la sensualidad y varias frases que dan a entender mi idea del amor. Es para bailar.RezaUn tema muy del corazón porque ahí saqué muchas cosas que tenía adentro. Son frases explícitas que hablan por sí solas, otras están metaforizando algunos sentimientos y sensaciones de mí como persona.Solar (Ft. Indiazo)Fue como una iluminación para mí porque tengo una conexión muy chimba con el sol. Siento que es un tema medio erótico y espiritual, tiene varios elementos.VioletaEs el tema más difuso porque fue el primero que hice. No tiene un concepto tan claro, pero tiene mucho valor en cuanto al sonido y fue la puerta para empezar a camellar en todo el color del álbum.¡La música nos une!
Muchísima gente se alcanzó a preocupar cuando Kevin Parker de Tame Impala informó que había tenido una fractura en la cadera y que estaba en recuperación para poder realizar sin complicaciones los conciertos en América Latina. Contenido recomendado | Estéreo Picnic 2023: la participación de las mujeres en el festivalAunque nunca canceló, muchos sí tenían miedo de que a última hora decidiera no girar para no comprometer su salud.Por suerte los primeros tres shows de la gira por América Latina han sido exitosos: el primero en una Arena en Ciudad de México, el segundo ante más de 50.000 personas en el Lollapalooza Argentina y el tercero en Chile frente a miles de asistentes. Las próximas paradas de la banda australiana de Kevin Parker son: Festival Asuncionico en Paraguay, Estéreo Picnic en Bogotá y Lollapalooza Brasil. En Colombia comparte cartel con Rosalía, Twenty-One Pilots, Billie Eilish, Blondie, Morat, Wu-Tang Clan y Kali Uchis.One more year, Borderline, Nangs, Mind Mischief, Elephant, The Less I Know The Better y New Person, Same Old Mistakes, son algunas de las canciones que hacen parte del listado de canciones para 2023.El show de festivales de Tame Impala por América Latina dura aproximadamente una hora y media con la interpretación de casi catorce canciones en vivo. SETLIST TAME IMPALA EN AMÉRICA LATINA 2023One more year Borderline Nangs Mind Mischief Breathe Deeper Elephant Lost In YesterdayApocalypse Dreams Let It Happen Feels Like We Only Go Backwards Eventually Runway, Houses, City, CloudsThe Less I Know The Better New Person, Same Old MistakesEn video | Estéreo Picnic 2023: camino al festival con las bandas nacionales y datos - Shock PresentaEl evento más importante de música en vivo en Colombia cuenta con una nómina grande de artistas emergentes de diferentes ciudades del país. En este video pueden conocer un poco sobre las propuestas de los invitados nacionales.¡La música en vivo nos une!
El Estéreo Picnic tiene dos picos de emoción. Primero, cuando se realiza el festival y, segundo, cuando se anuncia la nómina de artistas. Para 2023 confirmaron como cabezas de cartel a nueve artistas para los cuatro días. El canadiense Drake; los estadounidenses Billie Eilish, Blink-182, Wu-Tang Clan y Lil Nas X; el australiano Tame Impala; la española Rosalía y los colombianos Morat.Claro que celebramos los invitados de las primeras dos líneas, pero no hay nada más grato que hacer zoom al cartel y encontrar una muestra colombiana tan representativa de lo que está pasando en el país. Dato:En total el #FEP2023 tendrá 83 actos musicales: 37 colombianos y 46 internacionales; es decir que el 44,5% del cartel es protagonizado por talento nacional.En la línea de los cabeza de cartel encontramos a Morat, una de las bandas de pop en español más relevantes de los últimos años y una de las más taquilleras del país. Recordemos que solo en 2022 agotaron 5 fechas en el Movistar Arena y dos en el Estadio Atanasio Girardot de Medellín. En la tercera línea está la reina de Pereira, la colombo estadounidense Kali Uchis. Kali regresa a la tarima del Festival después de su paso en 2018. Será, de hecho, la única artista de raíces colombianas en estar en todos los carteles de los festivales de la región para 2023.En ese mismo renglón están Ryan Castro, Apuesta Shock de 2021, y uno de los reggaetoneros que están cambiando las reglas del juego. RC también actuará en los Lollapalooza de Chile y Argentina. En la cuarta línea del cartel está una leyenda, Alci Acosta, el soledeño tendrá 85 años cuando se suba a la tarima del Festival en 2023.En el quinto renglón está la cantante y compositora bumanguesa Elsa y Elmar quien había sido confirmada para el Festival en 2020, pero que no había sido incluida para el cartel de 2022. Presentará su aclamado disco ya no somos los mismos.Los hermanos caleños Dawer X Damper, la quibdoseña Mabiland, el poderosísimo Frente Cumbiero, el isleño Elkin Robinson y la bogotana ganadora del Latin Grammy Juliana Velásquez están en la línea seis.El dúo colombiano radicado en E.E.U.U Salt Cathedral, los paisas Mr Bleat, Ana María Vahos y Ev, los envigadeños No Rules Clan, las cartageneras Vale, la cantora del pacífico Nidia Góngora y los bogotanos Lee Eye, Ha$lopablito, Lika Nova y Nicolás & Los Fumadores también están firmes en el séptimo renglón.El colombo ecuatoriano Amantina, los bogotanos Flor de Jamaica, Lalo Cortés y Ana Sanz, los paisas La Banda del Bisonte e Higuita en Chanclas, los caleños Junior Zamora y Tropicana Club y el trío femenino La Perla están en el octavo renglón.En el último renglón aparecen los proyectos bogotanos Santiago Navas, Pilar Cabrera y Felipe Orjuela. Y cerrando el cartel, aunque no menos importantes, aparece la agrupación del Pacífico Sur colombiano Semblanzas del Río Guapi.Recomendación:El festival es un encuentro musical para todos los géneros, por eso vamos a insistir mucho en que lleguen temprano y con los oídos muy abiertos para escuchar propuestas nuevas y, de paso, apoyar a los nacionales porque su talento merece de sus aplausos y gritos.¡La música nos une!
Taylor Swift, indudablemente uno de los nombres más poderosos de la industria de la música de todos los tiempos, dio apertura a su gira más ambiciosa 'The Eras Tour' en la que celebra el camino recorrido en casi dos décadas de carrera artística. Contenido recomendado | Lluvia de críticas a Drake por sus shows en los Lollapalooza de Argentina y ChileLa compositora nacida en West Reading, Pennsylvania, ofrece en su nueva gira un show de casi tres horas y quince minutos. El espectáculo está dividido en diferentes actos que a su vez se agrupan en los discos que ha publicado Swift hasta la fecha.The Eras Tour es la sexta gira de Taylor como artista principal y es la primera que hace interpretando temas oficiales de los discos Lover de 2019, Folklore y Evermore de 2020 y Midnights de 2022. El show es exclusivo para estadios y se anunciaron 54 fechas para Estados Unidos.Existen rumores de que pasará por Europa y América Latina, pero las ciudades que suenan para recibir a Swift son México, Brasil, Argentina y posiblemente Chile. Sería una de las primeras giras después de la emergencia sanitaria que no incluye a Colombia.El escenario de 'The Eras' es gigante y contiene tres espacios importantes: el principal con una pantalla gigante y curva, un escenario auxiliar en el medio y una T rectangular hacia el centro del estadio. El creador del montaje dijo que se inpiró en Broadway para todo lo relacionado con el nuevo show de Swift. Aún se desconoce el número exacto de personas que se necesitan para la construcción del escenario día a día en los diferentes estadios.En cuanto a la ropa de Swift, hay varios cambios de diseño a lo largo de las tres horas y pico. Todos están altamente inspirados en sus previos videos musicales o presentaciones en vivo. Versace, Roberto Cavalli, Oscar de la Renta,Christian Louboutin, Etro, Nicole + Felicia Couture, Zuhair Murad y Alberta Ferretti son los diseñadores involucrados en la colección de 'The Eras Tour'.SETLIST OFICIAL 'THE ERAS TOUR' DE TAYLOR SWIFT ACTO 1: LOVER1. Miss Americana2. Cruel Summer3. The Man4. You need to calm down5. Lover6. Ther ArcherActo 2: Fearless7. Fearless8. You Belong With Me9. Love StoryActo 3: Evermore10. Tis the Damn Season11. Willow12. Marjorie13. Champagne Problems14. Tolerate ItActo 4: Reputation15. Are you ready for it?16. Delicate17. Don’t Blame me18. Look What You Made Me DoActo 5: Speak Now19. EnchantedActo 6: Red20. 2221. We are never ever getting back together22. I Knew You Were Trouble23. All Too WellActo 7: FolkloreSeven (Poema)24. Invisible String25. Betty26: The Last Great American Dinasty28. Illicit Affairs29. My Tears Ricochet30. CardiganActo 8: 198831. Style32. Blank Space33. Shake it off34. Wildest dreams35. Bad BloodActo 936. Mirrorball37. Tim McGrawActo 10:38. Lavender Haze39. Anti-Hero40. Midnight Rain41. Vigilante Shit42. Bejeweled43: Mastermind44. Karma¡La música en vivo nos une!
Drake ya llegó a América Latina como acto principal de los festivales de la región: el canadiense es cabeza de cartel en los Lollapalooza de Brasil, Argentina y Chile, más el Festival Estéreo Picnic de Colombia. Contenido recomendado | Drake: todo lo que deben saber sobre su álbum Her LossSu llegada a Sudamérica ha sido muy llamativa: llegó abordo de un avión gigante de su propiedad, ha tenido un equipo de seguridad privada de decenas de escoltas y a última hora informó que no iba a permitir que se transmitiera su show por medio de internet.Las críticas no se han hecho esperar, iniciando con los fans del canadiense que quedaron decepcionados con el hecho de que el show de Drake haya durado menos de lo estipulado. En Argentina, aunque cantó el coro de Muchachos de La Mosca, himno de los hinchas de la Selección campeona de la Copa Mundial de la FIFA, su show solo duró 50 minutos.En Chile el panorama fue menos alentador: el cantante de Work o One Dance cantó la mayoría de sus canciones hasta el coro y solo estuvo en tarima 45 minutos. Varios asistentes a los Lollapalloza han concluido que Drake cortó el tiempo de sus shows porque veía que muchas personas no se sabían la letra de todas sus canciones. Al parecer el golpe fue duro en el ego y por ello decidió no ofrecer todo el set que, se supone, tenía preparado para los conciertos en América Latina.La siguiente fecha en la agenda de Drake en América Latina es en Colombia como cabeza de cartel del Festival Estéreo Picnic de Colombia el próximo viernes 24 de marzo en el Campo de Golf de Briceño, saliendo por el norte de Bogotá. ¡La música en vivo nos une!
Rosalía es cabeza de cartel en los grandes festivales de la región: Lollapalooza Argentina, Brasil y Chile, más el Estéreo Picnic en Colombia. Su show tiene una duración de una hora y quince minutos, una versión reducida de lo que presentó en el Motomami World Tour de 2022.Contenido recomendado | C de carisma: el memorable debut de Rosalía en Colombia con el 'Motomami Tour'Los shows se 2023 de Rosalía incluirá presentaciones en Asunción, Paraguay, Ciudad de México, Coachela en Indio, Primavera Sound en Barcelona, Lollapalooza Francia y conciertos especiales en Portugar, Italia, Dinamarca, España y Grecia.En total interpreta veinte canciones de su repertorio e incluye un cover, también canta algunas de sus colaboraciones más populares que la han llevado a ser la artista española más relevante de los últimos años.SETLIST ROSALÍA, GIRA DE FESTIVALES 2023SAOKO BIZCOCHITO LA FAMA DE AQUÍ NO SALES / BULERÍAS LA NOCHE DE ANOCHE LINDA DIABLO DESPECHÁ BLINDING LIGHTS REMIX HENTAI CANDY REMIX MOTOMAMI PIENSO EN TU MIRÁ LA COMBI VERSACE CON ALTURA HÉROE (ORIGINAL DE ENRIQUE IGLESIAS) | G3N16 MALAMENTE CHICKEN TERIYAKI CUUUUUuuuuuuteLa asistencia a los festivales oscilan entre 30.000 y 70.000 personas por shows. La gira Motomami estaba diseñada para recibir a Rosalía en arenas de aproximadamente 20.000 personas. El día del concierto de Rosalía en Colombia se estrenará el EP RR de la catalana con su pareja Rauw Alejandro, el proyecto incluirá tres canciones que fueron descartadas de los álbumes Motomami y Saturno.En video | ROSALÍA: Motomamis, mujeres y feminismo¿Qué significa ser una Motomami? ¿Empoderamiento? ¿Andar en moto? ¿Ser como se te venga en gana?Mariangela Urbina le da una mirada más profunda al concepto de la Motomami, nos cuenta de su origen y habla con fans de la Rosalía para que nos cuenten qué significa ser Motomami para ellas.¡La música en vivo nos une!