LoMaasBello ha escrito un capítulo importante en la música y la resistencia trans. Marica Negra es el resultado de un viaje ancestral, disruptivo y sonoro que LoMaasBello emprendió desde su natal Buenaventura con Shutup y que continúa descargando en sus shows con propuestas visuales y líricas sobre una mujer trans, marica y negra.Casi dos años duró gestando este proyecto con productores, amigos y colegas, que le ayudaron a direccionar su primera placa discográfica. Hablamos con ella de Marica Negra, de las luchas y de la representación trans en la industria de la música.Con un título tan contundente, qué canciones sustentan este EP?Me di cuenta en un momento de que algunas canciones tenían un hilo conductor que podía enmarcarse en el tema político de la identidad de las personas trans, travestis, maricas negras y dije: "necesito hacer un álbum que se llame así, quiero que mi EP debut tenga este título". Empecé a recopilar canciones donde hablaba de esa experiencia y luego vino el desafío de cómo poner esto dentro de un paquete. Yo había hecho muchas cosas de trap, pero siempre había tenido la intención de incorporar otros sonidos que llamaran a cosas del Pacífico, ese sigue siendo uno de los mayores desafíos de mi carrera, hacer que concluyan o que se encuentren dos mundos: la música urbana y la música tradicional.¿Desde dónde llegó la inspiración?Hay cosas que llegan a uno ancestralmente: una vez estaba en el estudio de un amigo y me mostró un beat que había hecho hace mucho tiempo, como en el 2017, yo me enamoré de ese beat. se me quedó en la cabeza y empecé a componer luego le dije: "tengo algo para su beat", era como si hubiera tenido la métrica de esa canción en mi cabeza porque todo cuadraba perfecto y es la canción Brujerías que abre el EP.¿Por qué es tan especial esta canción?Fue una canción que hice como una necesidad de hacer un viaje en el EP porque tenía cosas fuertes y muy dicientes. Tampoco quería solo concentrar la experiencia de ser una persona trans, travesti, marica negra, solamente en la lucha, sino que otras cosas pasan en la vida de una por fuera de estas interseccionalidades y decidí volver al origen, al agua, a los elementos que son del territorio en Buenaventura. Esta canción es como un amuleto, me llevó a los años en los que me metía en el patio de mi tía que era bruja, hacía baños, tabacos. La canción misma me fue llevando hacia esos lugares.¿Qué otra revelación se convirtió en canción?Una vez estaba viendo una entrevista en Telepacífico de la gran Diana Navarro y dijo: "yo que soy, negra, marica y puta". Dije "eso tiene que estar en el EP", se fueron encontrando esos elementos que sentía que faltaban para hilar una historia. Yo soy una persona que consume muchos álbumes y entonces siempre estuve fascinada por la idea de álbumes que tuvieran como muchos momentos y dimensiones, aparte de canciones muchas cosas habladas que invitasen a otras personas relacionadas a contar su experiencia. Ahí se terminó de crear Marica Negra.La música la ha puesto a usted en lugares académicos, conversatorios, charlas y más, ¿Qué representa para usted estar en esos espacios?Siento que esa ha sido una de las grandes bendiciones que han venido con el proyecto, tener la oportunidad de estar en espacios donde se puedan exponer cosas que antes no estaban tan en el mapa de lo que se discutía o se hablaba como en los círculos académicos, sociales y de la música como industria en Colombia.Ha sido enriquecedor encontrarme personas cercanas a mis posiciones y mi experiencia de vida. Hace un tiempo estuve en un congreso, tenía mucho que ver con la canción Vivas, se llamaba No te imaginabas que siguiéramos vivas, me invitó una curadora de República Dominicana y en esta charla tuve la oportunidad de compartir con otras dos personas con experiencia de vida trans, marica, travestis negras y fue maravilloso poder encontrar otras personas que también están haciendo arte, que también se están pensando estas interseccionalidades de otra forma. Siento que cuando se refiere a la parte académica e industria de la música LoMaasBello ha sido super disruptiva también, por la industria musical en los géneros que hago. En Colombia desafortunadamente el rap, trap, son industrias conformadas por hombres blancos hetero cisgénero. Siento que ver una marica hacer esas cosas hace mucho ruido.¿Cómo ve la industria musical para proyectos como el suyo?Ahora hay la necesidad en Colombia y el mundo de escuchar las voces de todos, ver otras personas, y creo que es diciente esa necesidad de atender otras personas que no se les ha dado la oportunidad de participar en determinadas industrias y espacios. Hace poquito estuve compartiendo con Susy Shock en un conversatorio en el BIME y decíamos que otro será el cantar. Definitivamente la música como disciplina artística tiene que estar a la vanguardia de lo que está pasando con la gente y la sociedad. En el mundo vemos una apertura de identidad de género y reconocimiento de derechos y estas cosas deben traducirse en el mundo del arte. Me considero afortunada en ese sentido de que estas cosas me estén pasando en ese momento.¿Cómo se logra llegar a otros, hacer mensajes masivos desde la independiente?Hay plataformas de difusión, la industria musical está dormida en el tema. Ha pasado que a mayoría de mis streamings, recomendaciones de mi proyecto están realizadas por otras personas que están agrupadas en colectivos, y uno piensa que no tienen tantos seguidores, pero al final de cuentas eso es lo que está nutriendo la conversación. Hay un montón de pequeños grupos en diferentes países que están encargándose de hacer eso que la industria todavía está un poco corta en hacer. Por ejemplo, los raperos que pautan con marcas comerciales, son hetero cis que hacen las métricas de siempre y están contando las historias que ya hemos escuchado. Hay un lugar para la existencia y la resistencia de las disidencias de género a través de las creaciones de redes comunitarias, que me parece algo maravilloso.¿Siente que tiene un compromiso con las letras de sus canciones y con el activismo?Quisiera pensar que no. Kendrick Lamar lo decía hace poco, a veces la música se convierte en ese bálsamo que la gente tiene para salir de sus realidades o de las cosas que lo están rodeando todo el tiempo, yo siento que sí, una tiene una responsabilidad con la gente que la escucha, tiene que haber unos temas de coherencia y ética. Cuando digo que me gustaría como pensar que no es porque mi libertad como artista tampoco se puede de cierta forma verse super limitada. Siento que mi responsabilidad está en nutrirme y en conocer, y ya la obra está dentro de lo que yo puedo discernir de todas las cosas. El hecho de que yo sea un persona interesada en el activismo y las cosas sociales no quiere decir que toda la vida voy a tener las canciones que son super perfectas para todo lo que la gente está pensando, que está bien y que funciona en determinado periodo o momento. La responsabilidad que tiene uno es esa reflexión consiente de poder analizar esos temas, a veces uno ni siquiera puede dimensionar los alcances que tienen las obras que uno hace. Esto lo he dicho mucho veces, yo ni siquiera hago música para infancias y mucha gente me escribe "oye mi hije, mi hija te escucha le encanta tú música", entonces eso me parece lindo, pero también a veces llegan otras críticas como que por qué tu canción es tan explicita porque hablas de culiar y estas cosas.¿Qué representa para usted ‘Marica Negra’?Estuve trabajando un montón en esto, tratar de darle sentido y no tener que estar explicándolo todo el tiempo, sino que también fuese una pieza que pudiese hablar por sí sola, creo que lo logra. Dentro de las intervenciones, el skit el interludio, la experiencia de vida de una persona como yo, me satisface. Siempre me preguntaba qué hay en la mente de un artista cuando crea estas cosas, ¿Será que a uno le sucede esto como de una vez?, ¿Será que una se le ilumina la mente un día y lo hace?, es lindo darse cuenta que esas cosas se construyen que son procesos que a veces cómo que una piensa que la inspiración está y no llega, pero estás viendo una película o una entrevista y ahí llega el gramo de sal que le faltaba al sancocho. Fue una experiencia muy linda que me permitió conocer a mucha gente, trabajamos con Boris Reine-Adélaide, un productor de República Dominicana que nunca imaginé, mis productores amigues de siempre, Rumy, Glassmilk, Juan Conde que estuvo en la producción general de todo el EP.Cuándo se trabaja con tantas personas, ¿cómo logra encajar todas las piezas?En este EP no trabajé con una persona que sea una marica negra, entonces siento que en esas cosas a veces uno puede divagar mucho cuando la obra que uno intenta realizar tiene esa imprenta de una identidad, que muchas veces personas que están ayudándote con la producción con la grabación de voces no son tan cercanas a ello. Fue un trabajo bien grande de hacerles entender de dónde venía compartirles parte de mi banda sonora de vida: Explicarles "esta canción dice esto" y "por eso acá quiero decir esta cosa", y "acá hay esta percusión me gustaría que hiciéramos algo similar". Fue un proceso complejo, pero al final lindo y ver tu álbum afuera, la portada, ¡me encanta!Track by trackBrujerías"Embada, kilates en mi like Sundays pimpiada". Cuando uno se embamba en Buenaventura es porque está muy bonito, pinta de domingo, los kilates es el oro y vestida como de domingo. Me lleva a un momento de paz, la espiritualidad de uno debe estar por encima del bien y del mal, de lo material y lo inmaterial. QBBK“Si ser loca y prieta es vivir en guerra amar mi magnificencia es mi arma predilecta”.Negra Marica y PutaQué es lo que la gente ve cuando te mira. Muchas feministas coloniales hablan de que la gente negra trans no puede tener privilegios, no puede tener ventajas, pero es difícil tener privilegios porque también estas pasando por lo que la gente percibe. Tú puedes tener la ventaja de haber ido a la universidad o poder adquisitivo, pero eso no se refleja socialmente cuando la gente te ve a ti, la gente ve la colonialidad asociada a tu color de piel, a tu identidad de género.Token$“El sonido de los Token$ me excita bebe”.Rico“Quiere postre, soy su gusto culposo”. Esa canción es muy chistosa: una vez estaba en el estudio y le dije a uno de los productores "hagamos una canción que diga: me culeas tan rico", fue muy chistoso todo mundo se cagó de la risa. "¿Cómo así, qué mierda es eso? ¿Usted de dónde saca que eso puede ser bien?". Catalina Calle Flamigo“A nadie le importa el cuerpo de un maricón con peluca”.Vivas“La novedad es que sigo viva”. Shutup“No nací, yo me inventé”. Esa capacidad de una mutar y de convertirse, a fin de cuentas, eso es lo que muchas veces nos pone en peligro como personas trans, porque nosotras representamos posibilidades, el sistema siempre te dice "tú eres eso y haces esto, estas aquí, trabajas allá". La gente trans es esa corrida de tapete para el sistema.
Raúl Vidales lleva más de una década trabajando en proyectos documentales con temática social y política. Por eso no es sorprendente que su ópera prima Cada vez que muero sea un trabajo en conjunto con una de las organizaciones más importantes de la capital que trabaja desde hace 10 años por los derechos básicos de las mujeres trans y trabajadoras sexuales en Bogotá: la Red Comunitaria Trans.Cada vez que muero es una apuesta por salirse del cine clásico y comercial, para contar desde la ficción historias narradas por sus protagonistas y explorar espacios audiovisuales que refuerzan esta historia. “El documental me fascina y me gusta, pero lo veo corto para poder contar y narrar todo lo que sucede, hay más cosas que me interesaría mostrar” afirma Raúl.Hablamos con él de la película, de la importancia de contar esta historia y de la música que ayudó a darle forma al guion.¿Cómo nace el guion de la película?La película está hecha desde el cine participativo. Fue un proyecto que construimos desde cero con la Red Comunitaria Trans, un equipo de 7 mujeres trans participa en la película. La iniciamos a mediados del año 2020 con unos encuentros de escritura, de diálogo y conversación en medio de tiempos de pandemia. Llevábamos mucho tiempo sin vernos y sin tener presencialidad. Nos reuníamos dos veces a la semana a escribir y pensar sobre la muerte. Cuando comenzamos ese era el tema, la muerte. También por la realidad socio política de alguna forma del contexto colombiano y la situación de transfeminicidios y muerte de mujeres trans ante la negligencia estatal. Empezamos a indagar a través de la escritura y a través de la conversación en torno a esto y en esos encuentros se fue construyendo el guion. Los encuentros fueron documentados y hacen parte de la película. Fue un guion construido en conjunto y luego se pasó a la producción con el mismo grupo.¿Cómo manejaron la realidad y la ficción?La película es un documental híbrido, va desde el video performance hasta algunas escenas fusionadas que se fueron construyendo al hablar de la muerte y la realidad de la muerte. Referirse sobre la realidad de manera integral demanda necesariamente abordar lo imaginario, parte del proceso de escritura nos permitió encontrar algunos elementos simbólicos en relación con la muerte, situaciones como muertes en el marco de la violencia socio política, en el marco de los transfeminicidios, pero también de las muertes en vida que tenemos y que han experimentado las protagonistas. Con esos elementos simbólicos se buscó, abordar la muerte, integrando la fabulación, lo fantástico, lo imaginario, que era lo sensible de este proyecto de ser maleable, de ser transformado, de resignificar esos lugares simbólicos de la experiencia de una suerte de psicomagia audiovisual. ¿Cómo fue para usted trabajar con actrices naturales y ensamblar el proyecto?Con la Red Comunitaria Trans ya nos conocíamos y habíamos estado en otros proyectos explorando desde lo audiovisual las artes escénicas y performáticas. Ellas tienen unos elementos fuertes y arraigados también en términos expresivos, han indagado bastante en lo audiovisual desde el trabajo comunicativo de la Red, fue un proceso muy afortunado, tenían conocimientos para ofrecer y alimentar a la película. La directora de arte Daniela Maldonado apoyó muchísimo ese proceso, María Fernanda Cepeda nos apoyó con el arte, pero también con la plástica, el maquillaje y efectos especiales. Como fue un proyecto que fuimos construyendo desde la pre producción, creo que nos ayudó a darle forma a lo que imaginamos, lo fuimos moldeando, entonces en el momento que llegábamos a rodar eran cosas que habíamos ensayado previamente en los encuentros, habíamos recreado la interacción desde la intensión misma de sus relatos y finalmente las puestas en escena fluyeron muy bien. Una relación también de amistad muy fuerte en la que fluye el diálogo facilitó mucho el trabajo con el equipo.¿Qué lugares fueron claves para contar la historia?La primera locación fue donde se realizaron los encuentros fue Casa Jauría, ese espacio lo pudimos gestionar con Camilo Ara, un centro cultural que queda por la 24, ese fue el lugar donde se empezó a gestar todo. Cada vez que muero fue una película autoproducida sin ningún tipo de apoyo gubernamental o estatal. La labor de la Red fue fundamental para gestionar locaciones como el Cementerio central, el barrio Santa Fe (que tiene una historia importante por las luchas y el trabajo desde la Red Comunitaria Trans), está presente en la mayoría de las locaciones: una lavandería del barrio, una pollería de la 22 y en La Calera.¿Cuál es el papel de la música en la película?La música fue fundamental, una vez teníamos el proyecto estructurado comenzamos a vincularla en algunas de las escenas la música. Parte de su desarrollo, lo hicimos con amigos, seguir haciendo realidad el tema de ver una red para poder sostener la producción de una película que se hizo auto gestionada. Contamos con el apoyo de Rio Cerón, en una escena, con Katalina Ángel, LoMassBello nos apoyó con una canción que ya estaba hecha, pero el tema era perfecto para una escena, Juan David Castaño trabajó de la mano con Fantasy y Valeria para su escena, fue muy particular porque ellas escribieron la letra de la canción y pusieron sus voces, fue un trabajo muy chévere.La agrupación bogotana de post punk Tumbas nos permitió usar un tema, la banda de Kata y de Dani, Radamel 666, tienen dos temas dentro de la película. Carlos Romero fue el compositor que estuvo en la creación de atmósferas sonoras y musicalización de buena parte de la película, junto al grupo Otra parte, una agrupación de música contemporánea, con ellos tuvimos la posibilidad de crear buena parte de la música, yo estuve componiendo algunas cosas y aporté con algunas atmósferas sonoras. ¿Qué representa para usted la película?Es realmente un sueño bien importante poder haberla hecho realidad, era algo que habíamos conversado hace un tiempo. Hicimos algunos proyectos audiovisuales desde el performance y el video arte, pero teníamos en mente hacer un proyecto de más largo aliento. Creo que nos da la posibilidad de poner en diálogo problemas que son fundamentales como la muerte, y esa experiencia de tránsito que marca las muertes y renacimientos que se tienen en vida desde las miradas de las mujeres trans. Poderlo poner en diálogo es el recurso que encontramos en el cine, finalmente lo más importante es ponerlo en el plano de lo público desde una mirada trans. Lo que se buscó en esta película, es que sus miradas estuvieran desde el inicio para darle forma, un trabajo constantemente articulado con mi labor como director. Avanzar en la lucha por la autorrepresentación es un lugar crítico y urgente cuando hablamos de las realidades de las personas trans en Colombia.
LoMaasBello estrena el sencillo y video de QBBK, una de las canciones más reveladoras de su EP ‘Marica negra’. La cantante emprendió desde el inicio de su carrera una cruzada por los derechos y las luchas trans, por las identidades negras, por la tradición y el reconocimiento a un legado ancestral. Desde la música y todas las expresiones artísticas donde se ve involucrada intenta que su discurso sea congruente con lo que ella vive.¿De qué trata QBBQ?Es un homenaje a mi experiencia como persona trans negra, y a todas las personas que tienen experiencias de vida que están atravesadas por esta interseccionalidad. La canción toma elementos de la guerra y hace una comparación entre eso y la experiencia de ser una mujer trans negra.Algo muy importante es la resiliencia, cómo nosotras nos inventamos estrategias, todo el tiempo nos estamos expresando a través del arte, para abrazar esos lados nuestros que normalmente no vemos en lo que es deseable, no vemos en las la publicidades, no vemos nuestros cabellos, nuestras pieles, nuestras caras. Hay una frase de la canción muy diciente que dice “amar mi magnificencia es mi arma predilecta”. Como en ese ambiente hostil que se puede volver el mundo para las personas trans negras yo decido amarme y construir en comunidad con otras maricas negras como yo.¿A qué suena?Suena a trap de club, combina métricas de la fiesta y las contrasta con otras que son más estilo balada, hay marchas y percusiones africanas, suena a libertad y amor propio,¿Acerca del videoclip?El videoclip está basado en la mirada blanca sobre el arte negro y también como el arte negro logra tener esas estrategias para escaparse de esa mirada. Uno de los grandes referentes fue Zanelle Muholi, una artista que trabaja en la introspección y la forma en la cual ella se percibe, porque muchas veces uno como persona que pertenece a comunidades oprimidas siempre está sometida a la validación de esos grandes grupos. Muchas veces te vuelves importante en esos espacios siempre y cuando estés hablando con esa experiencia que tiene que ver con la opresión. Por ejemplo, yo como marica negra soy valiosa cuando hablo de estas cosas, como ‘ser marica negra’, pero cuando intento tocar otro tema, como la música, el arte o las piezas que se sacan, no tiene tanto alcance, eso es de lo que habla su obra. La otra artista es una artista contemporánea blanca que se llama Cindy Sherman, que hizo "black face" en una de sus obras al inicio de su carrera, unas obras super alabadas porque supuestamente la artista entra en una cosa de interpretar y sentir como sienten otras mujeres.Pero la experiencia de una persona afro no se limita a lo que las personas blancas puede observar desde afuera. En el peinado estuve tratando de rescatar esa herencia, de las trenzas que se trasmiten de una generación a otra de forma oral, que también ayudaron a las mujeres negras a crear mapas en sus cabezas para escapar de las plantaciones donde fueron esclavizadas. El video fue dirigido por Alejandro Ardila y LoMaasBello. ¿Cuándo escucharla?Cuando quiera sentir confianza, gratitud y libertad con lo que usted es. Dele play a esta canción y a la música de LoMaasBello.
La Media Torta realizó la primera edición del Tortazo Orgullo, un evento programado inicialmente con asistencia de público, pero como varios eventos presenciales, tuvo que cambiar su formato a virtual para ser transmitido el 31 de julio a las 6:00 p.m. por las redes de Idartes y La Media Torta. Este encuentro reunió música, lip sync y voguing. Esta primera versión busca hacer visibles algunas de las propuestas artísticas de la comunidad LGBTI+ en la capital.Varios artistas se reunieron para ser parte de este especial, LoMaasBello, Las divas drag: Roxanna Miranda, Karen Michell Saénz, Venus J, Shizune Miranda, Cristal Mijares, Catherine Celeste Cantillo, Stefany Ferrer. Representantes de la cultura ballroom: Piisciiss, Axid Abismal, Neni Nova, Bad Fame 007, Laura Salsa 007, Pussy Diva, y Azula Tamara.LoMaasBello reunió una playlist con canciones que le han merecido un espacio importante dentro de los nuevos sonidos nacionales, y otras que vendrán en su EP Marica Negra. Río Cerón y Juan Conde, acompañarán a LoMaasBello en este concierto. “Para mí, estar acá como estar en muchos otros escenarios, significa colocar la bandera trans en lugares donde no hubiera imaginado. También ha sido la oportunidad de encontrarme con otros artistas de nuestra comunidad que tienen apuestas interesantísimas de arte, sin importar tu orientación sexual o tú identidad de género, puedes hacer arte y puedes vivir de ello, comunicando un mensaje a través de lo que haces” afirma LoMaasBello.Divas Drag llegó con su show Cabaret Divas Drag, un proyecto de teatro musical fonomímico que nace por una alianza de Casa Roxanna con el director Ricardo Vesga y la Corporación Arte para todos. Este proyecto busca que el arte drag y transformista cuente historias narradas por sus protagonistas. Después de una exitosa temporada en el Teatro Cabaret Rosa ubicado en la localidad de chapinero, llega a Media Torta con un elenco más amplio. Producido por Casa Roxanna, la coreografía estuvo a cargo de Ilianova Jiménez. “Es indiscutible el auge del drag y de la línea que viene desde RuPaul, el transformismo está en un resurgimiento, en una renovación y está buscando su espacio con elementos más contemporáneos, este espectáculo por ejemplo busca eso, que sea más producido y comercial” afirma Roxanna Miranda.Los representantes de la cultura ballroom explican de qué se trata y cómo se puede participar en las diferentes categorías. “El voguing en Colombia está en una etapa de auge, y ha logrado ganar muchos espacios donde el voguing está siendo descubierto, investigado, observado y juzgado también. En este momento para Colombia también ha sido una herramienta muy fuerte de expresión queer, de las personas lgbtiq, y de las corporalidades que se salen de esa norma. Lo celebramos y es importante porque siento que es la primera vez que las corporalidades queer se han empoderado, han salido y se han expresado a través del voguing” concluye Piisciiss.
Con feria de emprendimiento, homenajes, música y movilización, la sexta marcha trans vivió una jornada que demostró el poder de la unión colectiva. El 16 de julio, el día de Yo Marcho Trans, todo estaba organizado para tener una jornada que celebra a la comunidad trans y protesta contra las injusticias y la violencia a la que son sometidas las personas trans, no solo en la capital sino en todo el país.Algunas ciudades en Colombia se sumaron a esta jornada en Medellín, Arauca, Ibagué, Palmira, Tunja, y Armenia. En Bogotá la cita era en la Caracas con 21 en el barrio Santa Fe. Una feria trans con las marcas y los emprendimientos de la misma comunidad y música dio inicio a la jornada. Cada día se suman más personas y artistas a esta cita anual. Este año, La Muchacha, UnaNotapedida, LoMaasBello y Big Emma, desde la tarima del Santa Fe, encendieron los motores para hacer el recorrido por las calles del barrio haciendo paradas en lugares estratégicos para rendir tributo a las victimas de transfeminicidios . El llamado en la Marcha resaltó la importancia de estar unidxs y rechazar la transfobia dentro de la misma comunidad. En el barrio Santa Fe las personas trans están relegadas sin oportunidades sin vivienda sin salud y sin trabajo. Pero para conseguirlos han tenido que movilizarse y luchar desde sus propias organizaciones.“Esta marcha trans es un homenaje travesti al Barrio Santa Fe, al único espacio donde nosotras, podemos ser, esta es la casa de las travestis y hoy ustedes están en la sala. Seguimos con esta memoria celebrando muestras vidas y nuestras cuerpas, celebrando nuestra existencia cuando dicen que no podemos ser ni existir, también es, en contra de la violencia policial de lo mucho que odiamos la policía de cómo estamos cansadas históricamente de tanto maltrato y humillación nuestros cuerpos no están hechos para aguantar su violencia”, dice Daniela Maldonado de la Red Comunitaria Trans.La ruta siguió por la calle 19 y frente a la Fiscalía, la protesta reclamaba por justicia para todas las que han sido asesinadas en lo que va del año, cuyos sus casos siguen impunes. Incluso desde Palmira llegó la madre de Natalia Andrea Pedraza, asesinada en esa ciudad del Valle, para pedir que no ocurran más este tipo de hechos en Colombia.Frente al Centro Comercial Mall Plaza, el colectivo Toloposungo hizo un performance para rechazar la violencia de la policía y pedir la abolición de la institución. La Plaza de la Hoja, el punto final de la marcha, cerró con más artistas, entre sus invitados estaba Tribstars, quienes a ritmo de champeta apoyaron esta sexta edición. Fotos: Alejandro Gómez Niño.
LoMaasBello sigue sumándole canciones a su repertorio musical, después de éxitos como Shutup, Pensándote, Rush y su reciente colaboración con Rio, Adiós, presenta Token$, el primer corte de su EP debut Marica negra que saldrá en mayo del 2021.Token$ cuenta un poco su propia historia como webcamer, cuando LoMaasBello vivía en Cali, un periodo de su vida que recuerda con agrado y que le sirvió para pagar la universidad. “Fue una época divertida, no había tanto boom de webcamers. En esta pandemia hablando con unos amigues decíamos, que chimba volver a hacer esto, ahora con el dólar tan alto. De ahí surgió la idea de hacerle una canción a este momento y a las webcamers, algo divertido con las experiencias que viví cuando me dedicaba a esto” afirma la artista.Cuándo le preguntamos en qué momento se imagina dándole play a la canción respondió: “quería darle a mis amigues que trabajan en webcam una canción, que se la sollaran mientras trasmiten algo y que eso les impulse a conseguir esos ‘tokes’, esos dólares, algo explícito en el mensaje es que, es un trabajo digno al que te puedes dedicar” cuenta LoMaasBello.Token$ tiene una fuerte influencia del Club trap de Houston y de los clubes en los Estados Unidos. “El flow lo construí de una forma deliberada, yo pienso mucho las cosas pero esta vez salió todo natural. El sintetizador es propio del dubstep y también tiene cosas del drill, momentos del ‘hands to the floor’ se sientes sabrosita en la fiesta” concluye la artista.Marica negra es el EP debut de LoMaasBello, son cinco tracks que cuentan historias desde la experiencia de ser una marica negra. Token$ abre las páginas de este álbum, es un sencillo que invita a moverse, a vibrar en una frecuencia que permita sentirse libre.Este lanzamiento es una invitación de LoMaasBello para que todes sean parte del video oficial de Token$. Pueden enviar un clip corto a @Lomaasbello escuchando la canción desde una trasmisión de webcam en el estudio, o la casa, o simplemente disfrutando del sencillo. La artista quiere que todes sean protagonistas del video.
En 2020 la cultura quedó enjaulada en las pantallas. Los planes de la industria musical se fueron al traste, pero como siempre, a pesar de la emergencia y el futuro incierto, lanzamos nuestra selección anual de artistas emergentes para meterle nueva música a las playlist. Estas son las Apuestas Shock 2021: 12 artistas que probablemente no conocían y que recomendamos para salir, por lo menos, del encierro algorítmico. Con ustedes LoMaasBello.Por Alfred Lord LoMaasBello no solo lleva música en su ADN. También es portadorx de un discurso fuerte y directo de resistencia ante un mundo que excluye a las personas trans. Por eso ha tomado como una de sus banderas el lenguaje inclusivo. Sus primeros sencillos publicados, Shut up, Pensándote y Rush, hablan de situaciones con las que se identifican, en efecto, todes. 2021 será el año de lanzamiento de su primer EP, Marica negra. Los últimos meses de 2020 los aprovechó para trabajar en las canciones que complementarán su primera entrega en bloque: “Quiero llevar un mensaje de respeto a la diferencia. Un mensaje de representación, porque las personas trans, no binarias, racializadas poco nos vemos representadas en la música o el arte en Colombia”, dice.Para LoMaasBello, buena parte de la atención de la comunidad LGBTIQ+ la han recibido los hombres gay, y es momento de que las demás disidencias que conforman el acrónimo reciban visibilidad.Así se presentó LoMaasBello en nuestro cuestionarioLa música de LoMaasBello en una fraseMúsica para el alma, de sanación, de conexión con otras cuerpas, música de empoderamiento.La historia de LoMaasBello Había una vez una mariposa, que no sabía que era mariposa, sino que era un capullito, una oruguita y luego conoció otras maripositas y otras oruguitas y de dio cuenta que había venido a este mundo para transformarse.Si tuviera que inventarse un género nuevo para su estilo de música, ¿cuál sería?El género de las maricas, llenas de matices con muchas cosas por explorar.¿Cuál sería el line-up del festival de las influencias de su vida?La maestra Inés Granja, Lil’ Kim, Rihanna, Linn da Quebrada, Mrs. Boogie, Madonna.¿Va a cambiar algo después de la pandemia?Eso espero, a veces veo como sigue funcionando el mundo capitalista y la pregunta es. ¿Será que no vamos a aprender nada? La apuesta sería que la pandemia cambiara nuestra forma de ver las cosas a repensarnos a darnos cuenta de que lo que importa son nuestras conexiones, nuestras interacciones, ojalá todo cambie después de esta pandemia.¿Qué lo cambió de la cuarentena a la hora de hacer música?Fue un momento en el que pude hacer un pare, reflexionar mis cosas y pensar y desde un punto más sincero empezar a crear, eso se verá muy reflejado en mi EP que se llama ‘Marica negra’.¿Qué canción lo salvó durante las cuarentenas?Digna y feliz de Canalón de Timbiquí. Habla de darse valor en el mundo y reconocerse como un ser único.¿Qué canción le dedicaría al COVID?Pensándote es una canción que escribí durante el COVID y me llegó en el momento que la necesitaba, estaba pasando por una tusa, no poder ver a mis amigues, no poder salir y aparte de eso extrañar y pensar a una persona que ya no estaba conmigo fue duro. Y decidí sacarme todo eso y ponerlo en una pieza de arte, esa fue la forma en la que podía hacer catarsis de esa situación.
Estamos hechos de Candela es el eslogan oficial del Festival Cordillera 2023. En esta oportunidad, y con los imprevistos del clima, se vio todos los cuatro escenarios con la participación activa de los asistentes.Una jornada para recordar que hemos inmortalizado con grandes fotografías tomadas por nuestro equipo.Los invitamos a seguir nuestro cubrimiento especial desde el Parque Simón Bolívar de Bogotá.¡La música nos une!
Usher encabezará el espectáculo de medio tiempo del Super Bowl de Apple Music 2024. El Super Bowl LVIII se llevará a cabo el 11 de febrero en el Allegiant Stadium de Paradise, Nevada. El cantante estadounidense sigue el espectáculo de medio tiempo 2023 de Rihanna, que fue su regreso a las presentaciones en vivo después de cinco años. En el de 2022, participaron Dr. Dre, Snoop Dogg, Eminem, Mary J. Blige, 50 Cent, y Kendrick Lamar. Así, Usher se une a la lista de artistas afroamericando que se han presentado en el evento, en la que también está Michael Jackson, Whitney Houston, Beyoncé, y Ella Fitzgerald. Usher: referente del R&B Usher Raymond IV debutó en 1994 con su álbum homónimo y desde entonces se ha convertido en un icono de R&B. El artista ha vendido 23,8 millones de álbumes y 38,2 millones de canciones digitales en los Estados Unidos. Internacionalmente, ha vendido 80 millones de discos en todo el mundo, lo que lo convierte en uno de los artistas musicales con más ventas de todos los tiempos.El álbum Confessions (2004) lo estableció como uno de los artistas musicales más vendidos de la década de 2000, con cuatro sencillos número uno consecutivos del Billboard Hot 100: Yeah! (con Lil Jon y Ludacris), Burn, Confessions Part II y My Boo (con Alicia Keys). El músico ha lanzado 8 álbumes a lo largo de sus casi 3 décadas de carrera. Ha ganado ocho premios Grammy, 35 premios ASCAP, 18 premios Billboard Music, 14 premios BMI, nueve premios Soul Train Music y ocho premios American Music."Ha estado en mi lista de deseos durante mucho tiempo", dijo Usher en una entrevista reciente con Zane Lowe, sobre cantar en el evento. "Me han preguntado muchas veces: '¿Cuáles son los puntos de referencia o cuáles son las cosas que más te importan?' Obviamente actuar, pero poder actuar en ese escenario porque tantos artistas increíbles lo han adornado e hicieron un trabajo increíble". trabajo. Por supuesto que empieza la obsesión por eso, pero hombre, la emoción de este momento y poder saborear este momento. Recuerdas la primera vez que escuchaste tu disco en la radio. Esto es así para mí”.Actualmente, el músico ganador del Grammy está en Las Vegas para su Usher: My Way The Vegas Residency.Ninguno de los artistas que se presenta en el Super Bowl cobra por su presentación, pues la ganancia se refleja en la visibilidad y, por consiguiente, en los "streams" y descargas que les representan formar parte de este evento.
50 First Dates o Como si fuera la primera vez es una de las películas más recordadas de Adam Sandler. La película narra la historia de Henry, un hombre que vive en Hawai que se enamora de Lucy, una mujer que no tiene memoria a largo plazo (Drew Barrymore). Dado que Lucy no puede crear nuevos recuerdos, Henry debe lograr que se enamore de él todos los días. La película es un clásico de las comedias románticas y fue un éxito de taquilla: con un presupuesto de 75 millones de dólares, recaudó 198 millones. ¿50 First Dates está basada en una historia real?La película dice que Lucy tiene el "síndrome de Goldfield", que es un trastorno inventado. Pero sí hay bastante de realidad en la película, de acuerdo con Cheat Sheet. Lo que vemos en la película es muy similar a la historia real de Michelle Philpots. Su anmesia es el resultado de dos accidentes automovilísticos distintos. En 1985, mientras conducía una moto, Philpots tuvo un accidente con un vehículo y, como resultado, sufrió un traumatismo cerebral. Cinco años después, esta vez mientras iba en coche, Philpots sufrió otro accidente de tráfico. Una vez más, la joven sufrió un traumatismo cerebral.Unos años más tarde, en 1994, la condición de Philpots comenzó a empeorar y le diagnosticaron epilepsia. Además de convulsiones, Philpots empezó a experimentar problemas de memoria.Philpots incluso fue despedida de su trabajo después de pasar un día fotocopiando continuamente un solo documento una y otra vez, de acuerdo con Cosmopolitan. La condición de Philpots era un misterio médico. Incapaz de crear nuevos recuerdos a largo plazo, Philpots se despierta todos los días creyendo que tiene 23 años y que estamos en 1994.Incluso crear recuerdos diarios a corto plazo no suele ser posible para Philpots. En 2010, apareció en Today para hablar sobre su amnesia anterógrada, e incluso en la entrevista, los espectadores vieron cómo olvidaba el nombre del presentador que la estaba entrevistando. Afortunadamente, a diferencia de lo que pasa en la película, Philpots conoció a su esposo antes del accidente. "Puede ser muy frustrante para mí, pero tengo que ser paciente y comprender. Tengo que mantener la calma porque la amo", dijo, y añadió: "Tengo suerte de que nos conociéramos antes de que ella sufriera los accidentes porque puede recordarme". Por suerte tenemos muchas fotos para recordárselo, de lo contrario lo olvidaría todo", dice su esposo, citado por Cosmopolitan.
Blink-182 lanzó 2 nuevas canciones de su próximo álbum One More Time. El sencillo principal es una balada emotiva autobiográfica de los integrantes de la banda, mientras que More Than You Know es más representativa del sonido clásico del grupo. El noveno trabajo de estudio de Blink-182 llega el 20 de octubre. En octubre pasado, la banda reveló Edging, el sencillo principal de su nuevo álbum, entonces sin título, que fue producido por el baterista Travis Barker.One More Time es el primer álbum de Blink-182 con Tom DeLonge desde 2011 y contará de 17 canciones. En la canción One More Time, el grupo aborda la fragilidad de las relaciones y la importancia de la amistad."Ojalá nos dijeran que no debería ser necesario una enfermedad / o que los aviones caigan del cielo", que hace referencia a las experiencias que cambiaron la vida de Travis Barker (su accidente aéreo en 2008) y el diagnóstico de cáncer de Mark Hoppus en 2021. "Cuando me dijo que estaba enfermo, eso fue lo más retorcido. Fue como si nada importara realmente", confesó DeLonge en entrevista con Zane Lowe, y agregó: "Para mí siempre fue una gran pesadez para mi corazón que nuestra amistad no fuera reparada. Todos hemos vivido, ahora atraviesas tragedias que destrozan lugares de tu corazón y tienes que repararlos y descubrir cómo ser una mejor versión de ti mismo"."Esta canción y este vídeo me habrían dejado en un completo caos a mí, de 16 años. Yo, de 29 años, no estoy a un millón de millas de distancia. Una hermosa oda a las amistades complicadas, la hermandad y la perspectiva obtenida a través de las dificultades" escribió un fan via X (Twitter). More Than You Know, la otra canción nueva de Blink-182, es más rápida y más cargada, pero es igual de sincera.El regreso de Tom DeLongeDeLonge dejó Blink-182 en 2015 y dijo recientemente que no creía que alguna vez volvería a la música. Se mantuvo ocupado con su Academia de Artes y Ciencias To The Stars, trabajando intensamente en la investigación de ovnis. Ese trabajo ha dado sus frutos este año, ya que audiencias gubernamentales públicas sobre ovnis y vida extraterrestre han arrojado información que sugiere que se han recuperado restos no humanos del lugar del accidente. DeLonge también presentó recientemente su debut como director: la pelicula paranormal Monsters of California. DeLonge le contó a Lowe que el diagnóstico de cáncer de su compañero de banda Mark Hoppus en 2021 ayudó a dar forma a una nueva perspectiva, lo que lo llevó de regreso a Blink-182.
Morrissey, ex líder y vocalista de The Smiths, se vio obligado a reprogramar varios de sus conciertos en Latinoamérica en septiembre. El músico se habría contagiado de la enfermedad del Dengue. Sin embargo, ya anunció nuevas fechas: el concierto de Bogotá, que estaba programado para el 17 de septiembre, cambió para el 10 de febrero de 2024 y también cambió de lugar: pasó del Teatro Jorge Eliécer Gaitán al Movistar Arena. “Gracias por el increíble tour en Sudamérica. Ha sido la mejor gira de mi vida. Nada de lo antes experimentado me preparó para el amor que recibí por la gente de Chile, Perú, Brasil, Colombia y Argentina", contó Steven Patrick Morrissey en 2012 luego de la gira que lo trajo por primera vez a nuestro país.El británico interpretará himnos de Morrissey The Smiths en vivo, como There Is a Light That Never Goes Out, Suedehead, This Charming Man, Everyday Is Like Sunday, First of the Gang to Die y Heaven Knows I'm Miserable Now entre otras, canciones que hacen parte de la banda sonora del indie rock de los últimos 40 años.Morrissey: cuatro décadas de un icono alternativo Steven Patrick Morrissey nació el 22 de mayo de 1959 en Manchester, Inglaterra. Es hijo de Peter, un guardia de seguridad nocturno, y Elizabeth, una bibliotecaria. Morrissey dejó la escuela a los 17 años. LTrabajó como empleado de la administración pública, portero de hospital y vendedor de tiendas de discos. Fue la invitación del guitarrista Johnny Marr en 1982 para unirse a una banda lo que finalmente lo sacó de casa. En cuestión de meses, los Smiths irrumpieron en la escena musical británica. The Smiths estuvo activa entre 1982 y 1987, y considerada una de las bandas más improtantes de la escena independiente en Inglaterra. Las diferencias personales entre Morrissey y Johnny Marr, cofundador de la banda, resultaron en la separación del grupo. A Morrissey se le atribuye el mérito de ser una figura fundamental en el surgimiento del indie pop, el indie rock y el britpop. En una encuesta de 2006 para el programa Culture Show de la BBC, Morrissey fue votado como el segundo ícono cultural británico vivo más grande. Morrissey ha generado controversia por sus opiniones contundentes a favor del vegetarianismo y los derechos de los animales, contra la realeza y a los políticos prominentes. En una encuesta de 2006 para The Culture Show de la BBC, fue votado como el segundo mayor icono cultural británico viviente.