La Corte Suprema de Chile condenó definitivamente a siete ex militares por el secuestro agravado y homicidio del cantautor Víctor Jara en vísperas del 50 aniversario de su muerte. El brigadier retirado Hernán Chacón Soto, uno de los siete exmilitares chilenos condenados por las torturas y asesinato de Jara, se quitó la vida luego de la sentencia de la Corte Suprema, según informó El País. Soto, de 86 años, fue encontrado muerto por la Policía de Investigaciones (PDI), según informó Radio ADN, quienes llegaron a su domicilio para trasladarlo a prisión para cumplir su condena: 15 años por homicidio agravado y 10 años por secuestro agravado por su parte. Víctor Jara fue detenido el 12 de septiembre de 1973, un día después del golpe liderado por el General de Ejército Augusto Pinochet, y conducido al Estadio Chile. Según testimonios judiciales, Jara sufrió 56 fracturas óseas y recibió 44 disparos. Tenía 40 años. Desde entonces, Jara se convirtió en un emblema de las injusticias de la dictadura chilena, así como de la música de protesta chilena y Latinoamericana. A pesar del intento de la dictadura de callar su voz, el legado de Víctor Jara sigue intacto. Prueba de ello son las decenas de artistas chilenos que siguen recurriendo a la música para manifestar su inconformidad. Hace 4 años cuando ocurrió el estallido social en Chile la canción de Jara El derecho de vivir en paz fue una de las más cantadas por los manifestantes. Sobre la tradición de la música de protesta en Chile“Nuestra tradición musical hace que nosotros, como músicos, siempre salgamos cuando hay problemáticas sociales o políticas", explicó Jaime Concha, bajista y fundador de una banda chilena icónica con 15 años de trayectoria, Juanafé, en entrevista con Shock en 2019. En los años 60 y 70 se fraguó en Chile un movimiento musical que quizá es el movimiento musical más importante que ha brindado el país, donde ha estado Violeta Parra o Víctor Jara. Se llamaba La nueva canción chilena.Ese movimiento se creó justo cuando empezó a existir la migración del campo hacia la ciudad en los años 60. Algo que pasó en muchas partes de toda Latinoamérica. El campesino que empezó a venir a la ciudad cambió un poco las raíces folclóricas que tenía y el canto folclórico empezó a cantar las problemáticas de las personas que se iban a vivir a las ciudades. El canto de Violeta Parra, por ejemplo, tiene mucho de eso, de esas nuevas historias que se empiezan a contar a manera de folclor.La Violeta Parra generó con este canto más contingente, más político y muy profundo, también, un despertar de muchos jóvenes de la época. En La nueva canción chilena había artistas como Víctor Jara, Isabel Parra, Quilapayún, Inti Illimani, que trataban de cantar el contexto social en el que estábamos.Todo ese movimiento artístico participó muy activamente en la campaña política de Salvador Allende cuando salió electo presidente en los 70. Eran artistas que participaban en los movimientos sociales y también trabajaban junto al pueblo en la reconstrucción de lugares, en las cosechas. Cuando hubo el boicot, financiado por la CIA, del abastecimiento en Chile, esta gente salía a trabajar y funcionaban de manera organizada como una célula política. Había sellos discográficos que eran de estos artistas. Hay uno muy importante que era la Discoteca del cantar popular, que funcionó hasta el año 73. Después de eso, cuando llegó el golpe militar, se privatizaron todos esos recursos que eran del Estado.Después de ese periodo pasó un gran apagón cultural y, en resistencia contra la dictadura, se generó otro movimiento de cantautores, también con mucha poesía. Tenía que ser bastante oculta porque se censuraban mucho las canciones. Ese movimiento se llamó El canto nuevo, que estaba basado en cantautores también.
Vicente García es uno de los artistas latinos más interesantes hoy. En el 2011, Vicente estrenó su álbum Melodrama, 11 canciones de música dominicana y caribeña. Fue un coqueteo con la bachata, pero utilizando elementos no tan populares, para no imitar los sonidos del folclore dominicano. Él lo define como “una bachata sofisticada, con letras básicas que hablan de amor, desamor, de alguien que apenas estaba empezando a escribir canciones”.Cinco años después vendría A la mar, un álbum que ocasionó un cambio total en su vida, hasta de residencia. Se mudó a Colombia, donde abrazó sus orígenes y conoció a Eduardo Cabra, quién lo marcó completamente en la forma de hacer música. Se sintió libre para componer y salieron 15 canciones con historias que reflejaron lo que estaba viviendo por ese tiempo en nuestro país.Camino al sol, un EP, es su más reciente producción. Hablamos con el dominicano que se presenta este 2 de diciembre en el Royal Center de Bogotá. La bachata ha ganado mucha fuerza últimamente. ¿Qué piensas de eso?Me alegra mucho. Cada vez sorprenden más las dimensiones que está tomando la bachata y el merengue. Los discos más escuchados últimamente tienen una cuota de música dominicana y como artista que hace bachata y merengue. Me siento, super contento y como dominicano muy orgulloso porque la verdad es parte de nuestra cultura como dominicanos. ¿Cuál dirías que ha sido la contribución de la música dominicana?Si tú te pones a ver, los artistas más importantes están buscando bastante dentro de la música dominicana: merengue, bachata y dembow, son géneros que han explotado en el mundo y muchos artistas se están influenciando de este estilo.Ahora vimos en los Latin Grammy canciones que son dembow, un género muy dominicano, y se llevaron premios muy importantes. Como domincano en el extranjero lo valoro mucho. Estoy contento con que todo esté pasando, no me siento precursor, pero sí lo visualicé hace algún tiempo. Camino al sol es tu más reciente producción. Cuéntanos más de ellaEs un EP que hice en plena pandemia, y responde a esas vivencias que tuvimos todos en esos meses. Es un disco muy existencial, muy distinto a los demás. Más que lo dominicano recurre a la música universal, tiene mucha cuerda africana, del medio oriente y en términos de concepto creo que responde a eso que nos cuestionamos todos: la vida, la muerte, de dónde venimos, a dónde vamos. Un disco de mucha introspección y reflexión.¿Sientes que es problemático que artistas como C. Tangana o Rosalía, por ejemplo, se apropien de géneros latinos?No me parece problemático. Al contrario, me enorgullece, creo que lo están haciendo super bien. Las combinaciones de bachata con flamenco, por ejemplo, me parece super bonito que se den esas fusiones. Yo cuando hago la bachata trato de no hacerla 100% del lugar de origen, también busco dentro de otras inflñuencias y voy mezclando. A mí me enorgullece como dominicano, no encuentro nada malo, al contrario, lo veo como una posibilidad de rescatar nuestra cultura. Ese auge de la música dominicana ha tenido repercusión en cómo uno es visto, la cultura dominicana simpatiza mucho y eso se refleja en abrazar tu cultura. Creo que es muy positivo.Juan Luis Guerra fue clave en tu carrera. ¿Qué opinión te merece como artista?Con Juan Luis Guerra yo salí de República Dominicana, abrí sus giras, claramente es una influencia importantísima en toda mí música. Tengo mucho agradecimiento. ¿Cómo es tu proceso de exploración musical?Es una cosa que hago día a día como algo natural, explorar la música. Voy como adquiriendo una perspectiva. Luego a la hora de hacer un disco, señalo algún concepto o género y empiezo a llenar eso de lo que llevó al género a ser eso. Por ejemplo, si es merengue “¿Cuándo fue el origen del merengue?", antes de eso que pasó, y ahí yo puedo encontrar la manera de hacer una canción. Ahora que pienso, sé un poco de salsa. Así voy explorando y encontrando influencias y conceptualizando el trabajo.Tu EP fue grabado en tiempo de COVID-19. ¿Cómo te sientes cantándolo en estos momentos?Es un trabajo que tiene su lugar, y es una música que tiene su lugar. A veces es díficl venir del merengue y llegar a una de estas canciones. Para mí los discos son fotografías de un momento que amo escuchar y disfruté mucho hacer con Richard Blair que era alguien con quien quería trabajar hace mucho tiempo. Ha sido un disco que no tiene una identidad comercial pero han llegado a mí comentarios muy profundos acerca de las canciones, de lo que puede reflejar en otra persona esa música. Ahora se habla de un "boom" de lo latino. ¿Estás de acuerdo?Evidentemente. Yo creo que la música latina está en su mejor momento. Básicamente lo latinoamericano, lo caribeño, el reggaetón y la música urbana ha tenido un papel importantísimo y todos los artistas latinoamericanos tenemos que agradecer que hoy en día la industria tiene los ojos puestos en la música latinoamericana. En ese sentido, celebro que eso esté sucediendo. La música urbana se alimenta mucho mejor de sus raíces y orígenes latinos, y vemos que se fusiona con merengue, la bachata. Eso "hay que dársela", como decimos en Dominicana.Para el público, 2022 ha sido un año lleno de shows en vivo. ¿Cómo lo has vivido como artista?En la pandemia atravesé por muchas dudas de si volvería a pasar lo que pasaba antes: giras, conciertos, viajes. Tuve un buen tiempo escéptico. Luego me di cuenta que al contrario, la gente tiene muchas más ganas de salir y disfrutar un momento y tener experiencias. Eso se ha reflejado en los conciertos. Todos los conciertos del año han sido muy dinámicos, la gente está con mucha emoción y muchas ganas de estar ahí. ¿Qué podemos esperar de tu show en Bogotá?Va a ser un show bastante movido, tenemos ya todo el año tocándolo y la reacción ha sido de baile, de fiesta, hemos estado en España, Costa Rica, Puerto Rico, tuvimos esa experiencia de que es un momento para bailar y por eso el Royal Center es propicio para eso. Va a ser una fiesta con música en vivo.
Marco Mares es uno de los nombres clave del nuevo pop mexicano. Match es su más reciente sencillo, una canción que habla sobre las relaciones modernas a través de apps y de la velocidad de las relaciones en estos tiempos en los que vives todas las etapas de una relación en pocos meses y a veces sin conocer bien a la persona. El nominado al Latin Grammy estará en Bogotá el próximo 18 de agosto en The Bonfire. Será su primera vez en Colombia. "La pandemia fue un experimento interesante, querer vivir una relación en esos momentos. Match habla de mis incursión en las apps de citas. En ese momento que no podía salir de mi casa, bajé Tinder, Bumble y me puse a ver que onda. Es muy raro todo ese mundo, no es para mí, o quizás en ese momento no lo era. Lo que quise decir es que el amor va más allá de las matemáticas, sino de estar en persona y ver qué tal la química", nos cuenta Marco. El mexicano emigró a Boston en 2014 y allí empezó el viaje para consolidar su propuesta musical, que un estilos como bachata, cumbia, reggae y samba. Por esos días lanza Para ella, canción dedicada a Greta, su entonces pareja y musa. En 2017 lanzó Flaquita, que se volvió viral en YouTube y ganó la atención de la escena y el público latinos. "Ha sido muy bonito todo, muy orgánico. Hemos crecido de manera real, eso me importa mucho, que la música sea lo que hable, antes de querer inflar números en redes. La mayoría de canciones las hice de mi cuarto, para mi pareja en ese momento y todo creció mucho más de lo que esperaba. Estoy encantado y recibir tanto".Los artistas colombianos que cambiaron su visión de la músicaAunque las influencias de Marco eran principalmente de canciones en inglés, 2 artistas colombianos cambiaron su visión de la música en español. "Cuando viví en Estados Unidos, un chico me pasó a 2 discos de artistas de Colombia y puedo decir que me cambiaron la vida porque los escuchaba a diario: el primero es Nada personal de Juan Pablo Vega. Soy muy fan y quiero mucho a Juan Pablo". "El segundo es Sumas de Mateo Lewis, que impresionante disco, qué gran trabajo,lo tengo en mi celular y lo escucho todo el tiempo. Me parece muy bello su acercamiento a la composición. Mateo fue quien mezcló Match y con Juan Pablo he trabajado un par de veces, el produjo un pequeño cover que hice de la Rosalía hace un par de años. Ellos 2 me cambiaron mucho".
Daniel Alejandro Riveros Sepúlveda, mejor conocido como Gepe, es uno de los artistas más destacados de la nueva canción latinoamericana. Su propuesta que mezcla el pop con sonidos andinos y folk es conocida en todo el continente.El músico lanzó recientemente Las 4:40, compuesta en colaboración con la puertorriqueña Raquel Sofía y el productor mexicano Mauro Muñoz, que marca el inicio de una nueva etapa en la cual el cantautor retoma su cancionero propio tras su disco Ulyse (2020).De cadencia pegajosa y coro inolvidable, en Las 4:40, Gepe hace guiños a la cumbia, mostrando una vez más el desprejuiciado acercamiento a lo latino al cual nos ha acostumbrado a lo largo de sus ya ocho álbumes editados.El chileno también lanzó hace varios meses su EP titulado FE, en el que hace 6 covers de Chayanne, Rosalía, Juan Luis Guerra, Cultura profética, Soraya y Shakira. Por eso le preguntamos, ¿Cuál es la clave de un buen cover?: “Me encanta hacer covers, y me encanta escucharlos. Siento que son una especie de opinión musical de un artista respecto a la historia de la música en general. ¡Eso me gusta! Y es lo que yo trato de hacer. Creo que para un buen cover es clave que el artista o la canción sean significativos para ti, que representen algo en tu vida o tu historia y querer decir algo distinto sobre ellos”.“Me encanta que al escuchar el cover, la gente identifique la canción original, pero también me gusta apropiarme de ella y contar una nueva historia. Mi historia. Me parece muy importante que se sientan propios”, agrega el músico quien también hace unos años lanzó el disco Folclor imaginario, con covers de la folclorista chilena Margot Loyola. Gepe afirma que las canciones elegidas para su EP fueron representativas para muchas personas en Latinoamérica. “Por ejemplo, Tu pirata soy yo me define, define mi historia personal. También pienso Chayanne es un referente latinoamericano y su estilo trasciende varias generaciones. Eso me parece super lindo”.El chileno es considerado uno de los grandes representantes del folclor urbano de su país. En Chile, al igual que en otros países del continente, ha habido un auge de artistas que reinterpretan los ritmos nativos de sus regiones. “Lo folclórico ha ganado cierta importancia en nosotros, pero no creo en eso de “rescatar” el folclor: no creo que se haya perdido nunca: siempre ha estado allí, no somos ningunos salvadores. Lo que sucede hoy es que estamos en un momento en el mundo en el que hay un gran caos, una sobre abundancia de cosas. Para no hundirnos en ese mar estamos intentando buscar nuestro lugar en la tierra, y eso tiene que ver con nuestro origen y ahí es donde está el folclor”."La música de esta generación se hace buscando la identidad: somos parte de Latinoamérica con lo indígena, europea y africana, y a la vez tenemos lo extranjero, porqu estamos colonizados culturalmente por los gringos". “Soy un artista de folclor chileno y disfruto poner ese toque a mi música, adaptarme al material que estoy trabajando y darle un enfoque tradicional. En mi adolescencia escuchaba muchos grupos como Sonic Youth y compositores contemporáneos, de repente empecé a escuchar a Violeta Parra y Eduardo Mateo y empecé a encontrar que se parecían en cierta manera. La música andina, la chicha de Perú, todo esto me gusta porque encontré puntos de conexión", cuenta el intérprete de Fruta y té. Precisamente, el músico tuvo gran éxito en toda Latinoamérica gracias a la canción Hambre lanzada en 2015, llena de sonidos andinos, en colaboración con la cantante peruana Wendy Sulca. “Estaba haciendo la canción y sentí que Wendy Sulca encajaría perfecto, ese sonido selvático era lo que estaba buscando, y me alegra haberlo hecho: después de muchos años la gente sigue hablando de esa colaboración y la recuerdo con mucho cariño”.Gepe también se ha pronunciado sobre el estallido social en su país. “Todo lo que sucedió en octubre de 2019 fue muy importante. Sin duda, nos hizo viajar a lo más profundo de nosotros. Hace unos años, no era frecuente que se hablara de política con amigos o familia en espacios cotidianos (en realidad los chilenos no hablamos mucho de lo que nos pasa): hoy se hace todo el tiempo, y creo que es una señal de que hubo un despertar por parte de una comunidad que tomó conciencia". El músico nos contó que quedó con ganas de seguir explorando la cumbia colombiana y en su visita a Colombia le hablaron de Diomedes Díaz, y le llamó la atención. No cabe duda de que el chileno seguira en su exploración contante de sonidos latinos. ¿Le escucharemos algo de vallenato?
Abril nos trajo mucha actividad musical, y cada fin de semana -en las principales ciudades del país- tenemos una variada oferta de conciertos y presentaciones, dividiendo al no tan numeroso público que asiste a espectáculos culturales. Poco a poco, Santa Cruz de la Sierra comienza a convertirse en una ciudad de permanente movimiento musical, y abril estuvo marcado por dos festivales que se iniciaron ese mes.El ya tradicional Festival Internacional de Música Renacentista y Barroca Americana Misiones de Chiquitos, que reunió a grupos y ensambles de una veintena de países durante 10 días, y el debutante Música con M de Mujer que a lo largo de cuatro fines de semana celebra el talento de 24 artistas femeninas; a eso hay que sumarle la constante actividad en locales que ofrecen música en vivo junto a jóvenes talentos que unen esfuerzos para llevar su mensaje y hacerse conocer.Es evidente que hoy hay mucha música creándose en el país. Ahora viene la difícil tarea de desarrollar públicos que, por muchos años, contaron con limitadas opciones.Estos son algunos de los lanzamientos más importantes del cuarto mes de 2022.De manera repentina, sin hacer mucho ruido, y sin canciones promocionales, Grillo Villegas lanzó un nuevo disco de estudio, el sucesor de La música debe elevarnos de septiembre de 2019. El tercer trabajo del cantautor tras disolver Llegas trae nueve canciones y marca el final de una de las pausas más largas entre discos para el músico paceño, en sus más de 30 años de carrera. Publicado el 12 de abril, Hermetismo tuvo a Villegas grabando guitarras, pianos, teclados, percusiones y voces, en su home studio en La Paz, mientras que los bajos y baterías fueron registrados por los argentinos Matías Mendez y Pablo Gonzalez en Medio Naranja, en Buenos Aires. El Grillo volverá a tocar en vivo en mayo, luego de más de dos años alejado de los escenarios debido a la pandemia; su acostumbrada gira anual lo llevará por siete ciudades del país.Leo Camargo, músico y productor radicado en Salta, Argentina, estrenó "Reencontrarnos", otro de los adelantos de Chepiagüi, un trabajo de ocho canciones que verá la luz en los próximos meses. El cruceño, autor de canciones como "Intenso" y "Fluyendo", incluye en esta nueva propuesta instrumentos como saxo, bombo legüero y quijada de burro, y confirma -una vez más- que es uno de los exponentes más interesantes de la nueva música boliviana. La canción cuenta con un video ideado y dirigido por China Gomez, quien estuvo a cargo de los dos anteriores clips del cantautor.Mariana Rueda, exvocalista de la banda cruceña Las Lesbis Futbol Club, presentó oficialmente su primer tema como solista, luego de un par de sencillos junto a Matone en abril del año pasado. En "No te quiero", la cantante de 22 años trae una propuesta que coquetea con el shoegaze y el punk, dentro de una estética lo-fi. Apenas superando los dos minutos y medio de duración, es una de esas canciones que ponemos en repetición, una y otra y otra vez.Un año y medio después de "El paraguas", el músico y poeta orureño Vadik Barrón publicó el primer promocional de Valle, trabajo grabado en la ciudad de Cochabamba junto a Mao Khan (Quimbando) como productor. Como parte de un disco de siete canciones, "Karma" tiene al cantautor de origen ruso apostando por un nuevo comienzo, después de haber dejado incompleto el álbum Cocina en 2020. De acuerdo a Barrón, su tema más reciente habla de "despedidas, de perdonar, de desear el bien, de querer ser mejor, de ciclos que se renuevan".Luciana de la Torre, conocida por el nombre artístico de Lu de la Tower, presentó un nuevo tema/video bajo la producción conjunta de Jesús Oliva y Maurizio Alessio. Como su primera canción publicada este año, la solista revelación de 2021 nos trae un contagioso número pop que cuenta con un videoclip dirigido por Freddy Arteaga de Onze Estudio. A sus 22 años, la cruceña apuesta con todo por su música, destacando por sus elaborados videos y la cuidadosa producción de sus canciones.Radio Cutipa, proyecto que reúne a Alvaro "Conejo" Arce en programaciones, sintetizadores y samples, René Hamel en charango, flautas andinas y voz, Imilla Kózmica en voz y charango y Luis Daniel Iturralde en percusión, publicó su primer tema en plataformas el 1ro de abril. Bajo el título de "Wara Wara", fue compuesto por Arce y Hamel y es una morenada que sirve como muestra del sonido que traerá Radio Cutipa, fusionando ritmos autóctonos del norte de Bolivia con música electrónica, haciendo uso de instrumentos nativos como toyos, moseños, quena, tarkas y otros. El cuarteto está preparando su primer disco para agosto de este año, con 10 canciones bajo la producción de Arce.El cantautor Mateo Cuiza publicó su segundo EP, un trabajo de cuatro canciones que lleva el título de La espuma de los días. Producido por JOF, el sucesor de Canciones en el Bunker de 2020 fue registrado en Santa Cruz de la Sierra, a diferencia del primer mini álbum que fuera grabado en La Plata, provincia de Buenos Aires, ciudad de residencia del joven músico cruceño. En el disco se incluyen "Te espero afuera" y "tkm", que sirvieron de promocionales.El paceño Sercha Ramírez, una de las voces más importantes de su generación, y de los pocos que continúa haciendo música hasta hoy, presentó "Por todos los que fuimos", su primera canción en solitario. El ex Ragga Ki, exKimo y actual cantante de Son Fusión, se encuentra dando los toques finales a Astrolabio, un EP de cuatro canciones que fuera producido por Jotape Villalba, músico boliviano radicado en México. Ramírez comenta que es una canción reggae/pop nacida en pandemia, como homenaje a quienes no están más en este plano terrenal, pero que permanecen en nuestros recuerdos. El tema cuenta con un videoclip dirigido por el cineasta Diego Cowks y la productora Ska Films.La cruceña Mila Magal continua promocionando su EP autotitulado, esta vez con un nuevo video dirigido por Mariana Dominguez. El clip para "Lo que nunca dije", el track #3 del mini album, contó con la participación del actor de cine Quim del Rio (Tu me manques, 98 segundos sin sombra) como protagonista principal, junto a la modelo Luisina Erro. El EP debut de Magal está disponible en todas las plataformas de streaming.El 20 de abril, en la ciudad de Santa Cruz de la Sierra, comenzó el Festival Música con M de Mujer, una iniciativa de Sonidos de acá que reúne a 24 artistas mujeres de distintas ciudades del país. A lo largo de cuatro fines de semana, artistas de gran trayectoria como Vero Pérez, Mayra Gonzales y Ale Lanza (Timpana) comparten escenario con nombres más recientes como los de Las Majas, Mila Magal, Mariana Massiel, @Noni, Irene Torrico y Lu de la Tower, y músicas emergentes como Fer Villarroel, Belén Bowles, Feluval y Nia Cole. Más de 40 mujeres en total pasarán por los tres escenarios del festival, el teatro Meraki, el Museo de Arte Contemporáneo y el Museo Altillo Beni. En los dos fines de semana del 6 y el 13 de mayo se presentarán en vivo Las Majas, Fer Villarroel, Becky Blue, Mayra Gonzales, La otra Minina, Viudita Moderna, Mila Magal, Color Jausí, Mariana Rueda, Fer Gómez, Feluval y Ciara Crapuzzi. Pueden encontrar canciones de varias de ellas en la playlist a continuación.Vean aquí los panoramas de abril en Argentina | Cuba | Colombia | España | Bolivia | Brasil | México | Perú |
Carla Huiracocha es la directora creativa de Neoma, un alter ego musical que cada vez toma más fuerza a nivel internacional. Su nombre es muy reconocido en su nata Ecuador, pero con el paso del tiempo se ha ido expandiendo a diferentes latitudes. De hecho, su audiencia más fuerte está en México, Chile y Colombia.Contenido recomendado | El '¿Usted no sabe quién soy yo?' de Duplat en el Festival Estéreo Picnic 2022Real fue su primer gran hit en 2017, el año siguiente de ese lanzamiento decidió mudarse de Cuenca, Ecuador, a Denver, Colorado, y darle una estructura más robusta a su propuesta artística. Para 2019 estrenó su álbum debut que la llevó a girar por varias ciudades de Estados Unidos, pero que se vio forzada a cancelarse por la pandemia del covid-19.Durante 2020, el año del encierro, se enfocó en entender el universo digital que envolvió a todas las personas: las reuniones virtuales, las llamadas por zooms, las interminables conversaciones en WhatsApp y la vida desde la pantalla de los dispositivos. Parte de esas experiencias alimentaron el universo HYPERREAL, nombre de su más reciente proyecto discográfico. Neoma se presentará en Colombia para promocionar este proyecto: el 6 de mayo estará en Tejo Turmequé de Bogotá con Duplat como acto de apertura y el 7 de mayo estará en La Pascacia de Medellín con Pavlo como invitado especial. Hablamos con ella en el marco de su visita al país.¿Qué significa para Neoma empezar a girar el mundo con su música?Para mí la música me ha llevado a lugares que nunca creí conocer, me encanta el sentimiento de que mucha más gente logre escucharla en vivo, significa mucho para mí que mí música mueva personas fuera de la cuidad y país donde vivo¿Cómo puede definir lo que es el universo del disco Hyperreal?El universo de Hyperreal abarca todo lo que se conoce como “virtual” o la “virtualidad”, constantemente estoy hablando de las conexiones con personas por medio de la pantalla, durante la pandemia muchas personas recurrieron a “dating apps” o conocieron gente por zoom, hyperreal es ese universo, está en la nube pero a la vez en nuestra cabeza, por lo tanto a este punto somos capaces de generar emociones o dependencias.¿Qué le ha aportado Denver a su carrera?Denver se ha convertido en mi hogar por muchas razones, siento que me ha permitido encontrarme a mi misma, abrirme a otros puntos de vista y formas de ver la vida en Estados Unidos, me ha abierto muchas puertas y oportunidades, me ha regalado amigos de por vida y a mis músicos.¿Qué puede esperar el público de Bogotá y Medellín de sus conciertos?Yo le pongo mucha atención a los shows en vivo, para mi es el momento en el que las canciones están vivas y la gente recibe la energía de ellas, y a su vez yo la del público. Esperen mucho movimiento, es un show muy emocional pero divertido.¡La música nos une!
Katie James nació en Irlanda, pero creció en Colombia, en su niñes y adolescencia desarrolló su gusto por el folclor, estudio música, formó parte de las agrupaciones Vía Súbita y Ludens antes de crear su proyecto solista.El primer contacto con la música andina colombiana lo tuvo en Icononzo, Tolima, durante las fiestas familiares, los vecinos cantaban pasillos, bambucos y guabinas, después se mudó a Popayán, estudió guitarra y cantaba en el Coro de Cámara de la capital del Cauca.En Bogotá estudió música con énfasis en arreglos musicales y en el 2014 debutó musicalmente con el EP Cold and Dry, desde esa fecha no ha parado de hacer canciones y viajar con su música donde la inviten.Hablamos con ella acerca de sus canciones y de los referentes que el permitieron crear un proyecto con elementos del folclor.¿Cómo armó el mapa folclórico con el que alimento su proyecto?Mi infancia fue en el Tolima, más adelante en mi adolescencia llegué a Popayán y ahí empecé a escuchar música internacional, Mercedes Sosa, Soda Stereo, música chilena, cuecas chilenas, música mexicana. Pero el estudio musical más serio fue cuando estuve en la universidad, aquí en Bogotá, cuando estaba estudiando canto, interpretaba canciones de diferentes países de Latinoamérica, algo de Simón Díaz, Susana Baca, Mercedes Sosa, José Alfredo Jiménez, Natalia Lafourcade, entre otros. Ahí fui expandiendo mi gusto musical, siempre he tenido una afinidad con el folclor del mundo en general.¿Cuál es la fórmula Katie James?Siempre he hecho la música de una manera muy intuitiva y siento que todo lo que uno escucha termina de alguna manera influenciando lo que se compone. Escuchaba mucha música latinoamericana y colombiana pero también tenía esas raíces de música irlandesa, de folk y de country. Todo eso se ha ido mezclando en mi manera de componer y de interpretar, en mi música no me quedo con un solo ritmo sino que como buena cantautora me doy la libertad de pasearme por diferentes ritmos, pero siempre con un elemento del folclor.A la hora de componer ¿de qué quiere hablar?Mis canciones hablan de temáticas que son muy reales para mí, muy personales, mis canciones tienden a ser autobiográficas, en lo que es el amor y desamor y lo que son mis reflexiones sobre la vida misma, el contraste de la vida de campo y de ciudad porque he vivido esos dos mundos, hablo de la naturaleza en muchas de mis canciones hago referencia de la naturaleza, de los viajes, tengo una canción para mi madre, para una hija imaginaria, para las quebradas, pero siempre son vivencias personales.En Respirar y en el álbum más reciente Humano, se puede ver esa variedad de temáticas, más en Humano, no me voy tanto por el amor y desamor sino por otros temas cotidianos. como la canción para un entierro alternativo, que es la canción de la ensalada con un poco de humor, canciones de desamor y tusa, otras del anhelo, del reencuentro en el amor.¿Siente que hay más espacio ahora para las cantautoras?Siento que las mujeres siempre hemos tenido cosas importantes que decir tanto en las temáticas como en la música misma y los hombres obviamente, como seres humanos tenemos cosas interesantes que decir. Pero sí es muy importante este espacio que hemos ido ganando las mujeres en los últimos años, y la verdad yo he sido muy bien recibida, afortunadamente crecí con una mamá muy fuerte y empoderada y ella me trasmitió eso de niña y siento que salí al mundo con esa misma fuerza. jamás me sentí más débil o menos capaz por ser mujer, nunca fue un asunto para mí.¿Cómo siente la relación con su público?Yo siento que la gente se identifica con mis temáticas porque son reales, después de los conciertos la gente se me acerca y me dice: 'la historia de tal canción, yo pasé por eso' o 'yo estoy pasando por eso en este momento' o la canción de Toitico bien empacao que habla de los campesinos es algo con lo que la gente se puede identificar fácilmente, eso crea una conexión inmediata con el oyente, yo siento que en conciertos es una experiencia bastante emocional musical, la que viven todos, hay una historia, a través de los conciertos hay un viaje musical histórico y emocional.Katie James hace parte de la programación de En Vivo en el Muelle, una alianza de Shock y la FUGA, para presentar vía streaming y en vivo agrupaciones que proponen nuevos sonidos en la capital.
Ensamble Baquiano se creó en mayo de 2012, con la intención de indagar, rebuscar y proponer sonidos con base en la música llanera. La propuesta aprovecha la herencia musical del arpa, el cuatro y las maracas, y la combina con instrumentos no convencionales del llano.Cuando empezaron a armar el proyecto, además de su investigación dedicada a las raíces del folclor, sus integrantes también se interesaron en la manera de sumarle instrumentos, sin que perdiera la esencia tradicional. La idea siempre ha sido promover y difundir la música en otros escenarios.Hablamos con Andrés Baracaldo. su director y productor, acerca de la manera cómo construyeron el proyecto y qué tienen planeado para celebrar una década de trayectoria musical.¿Cómo se originó el Ensamble Baquiano?Se armó este proyecto como un encuentro de investigación, un poco de la música llanera y la forma como se iban vinculando diferentes instrumentos. Empezamos a enlazar todos los saberes con la música llanera, que tiene mucha fuerza y se convierte en una gran aliada a la hora de interpretar.¿Qué descubrieron en esa investigación?Como la música llanera tiene toda esa tradición que se hereda, empezamos a sentir que no solamente era un interés personal, sino que también era la oportunidad que teníamos los músicos multi instrumentistas. No tocamos música llanera netamente con arpa, cuatro y maracas, como se toca generalmente, sino que también hay instrumentista dentro del grupo que tocan flauta, guitarra eléctrica, instrumentos que no hacen parte de la música llanera. Ahí se abre un espectro de investigación, vamos a plantear que las personas que lleguen a Ensamble Baquiano muestren su vida a partir de los géneros que han aprendido a través de su trayectoria, cada uno tiene una especialidad específica, no solo con el género sino con el saber del instrumento que tenga. Baquiano construye a partir de la música llanera esa fusión entre lo que le interesa y las músicas tradicionales latinoamericanas.¿Qué toman de la música tradicional?Como toda agrupación tenemos referentes claros, se nos dice que somos innovadores, pero ha venido una herencia de grandes maestros en Colombia y Venezuela haciendo este tipo de música y si bien es una propuesta nueva para el oído, se han abierto espacios en el llano a partir de ello. Con Ensamble estuvimos en el Festival San Juan de Arama en el 2015, en un festival tradicional de tango de murga uruguaya y otras tradiciones con la música llanera fusionada se hizo un ensamble de un tema que se llama Viaje sin fronteras, ganador del festival, con jurados de allá y de otras partes del país. Tenemos diferentes momentos del show, empezamos con la parte tradicional cantos de ordeño y arreo, cantos de trabajo y luego golpes, pasajes y luego incluimos algo de eléctrica, show de maracas, un homenaje al río Caño Cristales que son tan importantes en los llanos y en Colombia y a nivel mundial. Este río tiene 7 colores en sus aguas en ciertos momentos del año, un momento dedicado a pensar, ¿cómo sonaría este rio en un show?¿Qué trabajos discográficos han publicado?El primer sencillo salió en el 2018, cuando hicimos una gira en Argentina, hicimos tres canciones allá, en el Festival Sonamos Latinoamérica en Argentina, un festival reconocido porque es un encuentro de músicas folclóricas, para ese festival tuvimos nuestro primer EP. El disco lanzado a finales de 2019, Pa’ un Baquiano, le habla a las personas que quieren indagar y buscar estas sonoridades de tradición, pero también la exploración, en este álbum no está la guitarra eléctrica inmersa, esa propuesta llegó a finales de 2019. La idea para los 10 años del grupo es hacer nuevas fusiones no solo como Ensamble, sino con invitados especiales, para que sea un lanzamiento que celebre esta década. ¿Ha sido difícil mantener un proyecto de tradición folclórica?El proyecto aporta a los artistas, es una realización de creatividad y experiencia, pero también está la vida real de los artistas, sus necesidades y responsabilidades económicas, todo tiene que ver. Por ejemplo, el lanzamiento del disco fue todo autogestionado. Hemos podido darnos a conocer en festivales y encuentros internacionales, los mercados culturales han sido vitales en este proceso, es importante que la gente asista, y busque maneras de darse a conocer, es una clase que no dan en las universidades. El Bogotá Music Market, el mercado más conocido en la capital, asistimos cada año y la cuota folclórica es del 15 o 20 % frente a otros géneros que suman más de la mitad de la participación.¿Se mantiene la formación inicial de Ensamble Baquiano?Hemos cambiado desde que empecé con otras personas desde el 2012. Felipe Burbano llegó después, él es maraquero y flautista, el sello de Baquiano es la flauta, luego esta Selene Higuera, que toca el bajo en el show de maracas y canta, Magdarys y Cristhian Reyes, llegaron en 2019 a principios de ese año, época en que nuestro ex cantante y cuatrista Oscar se va para Uruguay. Abrimos una convocatoria y se presenta talento de toda la ciudad, llegó Magdarys con la voz creada en el llano, con toda la tradición, toca el cuatro y las maracas y Cristhian Reyes el guitarrista eléctrico que está haciendo una pequeña viaje en otros países. María Camila Garzón, es una artista que siempre nos ayuda con estos reemplazos, una niña que ha ganado festivales en el país y Oscar Rojas.Ensamble Baquiano hace parte de la programación de En Vivo en el Muelle, una alianza de Shock y la FUGA, para presentar vía streaming y en vivo agrupaciones que proponen nuevos sonidos en la capital.
Catalina Ávila y Dúo Finlandia entregan una conmovedora canción sobre la pérdida y la permanencia. Años atrás, conmovida por la historia de una amiga cercana que acababa de perder un hijo, Catalina Ávila compuso la primera canción de su vida, a la que llamó Colibrí. la primera versión fue incluida en su disco Orígenes (2017).La composición tenía letra en español y melodía y arreglos sorprendentemente inspirados en referencias específicas de Lhasa de Sela, Beethoven y Aterciopelados. Sin embargo, durante la pandemia, la canción fue revisada por la propia autora, con la letra traducida al portugués y un nuevo arreglo.Este cambio, realizado por invitación del proyecto ¡Unan Todo!, sumó la participación del Dúo Finlandia. “Su presencia le dio a la canción un carácter más profundo. Toca más el corazón, porque los violonchelos de Raphael Evangelista son muy sentidos, muy trascendentes. Y el acordeón de Mauricio Candussi da una sensación de algo que rebota”, afirma Catalina.En la grabación también participaron los músicos que acompañan a Catalina en sus presentaciones en vivo.“Queríamos aportar nuestra energía e identidad al arreglo de esta hermosa canción de Catalina. Y pegó muy bien: por el timbre de los instrumentos, por las frases melódicas y por el ambiente sonoro que se generaba a partir de eso. Era una forma de hacer ondear en las frecuencias nuestra bandera de la integración latinoamericana” afirma Raphael Evangelista.“Siempre levantamos la bandera de los países unidos. El dúo Finlandia ya es un argentino con un brasileño, y nuestra puerta siempre está abierta a artistas de toda Latinoamérica. De ahí siempre sale algo bueno” concluye Mauricio Candussi.Esta canción se suma a Mamba Negra, colaboración entre los brasileños The Raulis y el mexicano Pahua, y Somewhere, entre la uruguaya Romina Peluffo y el brasileño Rodrigo Stradiotto. Las tres completan el EP ¡Unan Todo!, proyecto que une a artistas brasileños con colegas de otros países latinoamericanos.La portada del sencillo fue realizada por el artista brasileño Pedro Bopp y sigue la línea minimalista que caracteriza la identidad visual del proyecto.
Parte broma, parte en serio, el año en Bolivia comienza siempre después de los feriados de Carnaval, es así que marzo marcó el inicio o reactivación de actividades para mucha gente. Las escuelas, en su mayoría, retomaron las clases presenciales después de dos años y por vez primera desde que inició la pandemia tuvimos reportes diarios sin muertes a nivel nacional.Y mientras la política lleva su atención a la elección del Defensor del Pueblo, con una serie de candidatos que parecen sacados de una mala versión de los Avengers, los artistas retornan a los escenarios casi sin restricciones, más allá del uso de barbijo en espacios cerrados. Las masivas congregaciones en Carnaval no subieron los casos y creemos estar cada vez más cerca del retorno a una especie de “normalidad”.Por: Pato Peters / Sonidos de acáEstos fueron algunos de los hechos destacados de marzo en Bolivia:Coincidiendo con el 8M, la solista cruceña La otra Minina presentó un tema con un fuerte mensaje. La emotiva "Mariposas mudas" cuenta con la colaboración de otras dos artistas de Santa Cruz, la también cantautora Mila Magal y la rapera Fiera. Las tres hablan sobre el feminicidio y la indiferencia, tanto de las autoridades como de la gente en general. Al respecto, la compositora comentó: "ojalá no tuviéramos que hacer esta canción, ojalá no doliera tanto, ojalá la palabra feminicidio no existiera y no estuviera en nuestras conversaciones". Como si el tema no fuera lo suficiente duro, finaliza con estas palabras que quedan grabadas: "me duelen, ellas me duelen, que no te duela es lo que más duele". Publicada también en el Día Internacional de la Mujer, y nuevamente con la participación de la rapera Fiera, @Noni lanzó "Judas (Tanto por decir)", como homenaje a todas las mujeres que fueron traicionadas. "No lo escribimos con la intención de sacarlo en esta fecha, en esa sesión solamente escribimos sobre lo que sentíamos y habíamos vivido", comenta @Noni. Con un video dirigido por Agustín Klarik es el single sucesor de "Perdón", publicado el 31 de diciembre del año pasado.La música nacional se vistió de luto por la partida de Omar Ríos, vocalista fundador de la banda Deszaire. Alejado desde hace casi una década de los escenarios debido a una enfermedad, el músico de 44 años fue la voz cantante de importantes números del cancionero nacional, como "Eres", "Grabados del ayer", "Todos mis anhelos" y "Reggae alone", habiendo publicado cuatro álbumes con la agrupación paceña entre 2003 y 2012, el último de los cuales llevó el título de Libre.El solista Luis Gamarra lanzó su primer disco, un trabajo bastante íntimo y personal, como describe el mismo músico a su primera colección. Con seis temas y una intro bajo la forma de un poema, Libre trae algunos de los sencillos que estuvo promocionando en los últimos dos años, como "Por un beso", "No cambio por ti" y la que da título al EP. El cantante originario de Santa Cruz de la Sierra se inició hace casi una década en la música, habiendo participado en American Idol en 2013 y en el reality "La banda" de Univisión el año 2015. Libre llega luego de una etapa muy complicada para el solista, quien en algún momento consideró alejarse completamente de la música. Nico Peña, cantautor boliviano radicado en Berlín, Alemania, y la banda paceña Los Prana unieron su talento en "La bailable", una canción colaborativa que nació durante la estadía de Peña en Bolivia en 2021. Se trata de la primera muestra de un ambicioso proyecto que tendrá al ganador de la primera versión del concurso de Cantautores de Sonidos de acá publicando tres EPs este año, todos con músicos invitados de distintas ciudades del país, entre ellos Gaby Ferreyra, Mila Magal, Fer Villarroel y Feluval. El primer mini álbum llegará a finales de mayo. La adolescente Ire Torrico compartió el videoclip de "Enjaulada", una de las tres canciones de su segundo EP publicado en febrero. El mini álbum es la primera colección de canciones de la solista de 13 años tras su EP debut Sigue tu sueño de 2019. Cumpliendo tareas compositivas, la cruceña contó con la co-autoría de Mila Magal en esta canción, que además tiene la participación de Cinthia Valenz en coros. Nueve años después de Desde Cero, su disco debut, y casi tres años después de su último tema publicado, Aviónica, el proyecto del cochabambino José "Joti" Mrochek, retornó con la primera muestra de Lo mejor que me pasó, un disco de 12 canciones que fuera grabado en el legendario estudio Sunset Sound en Los Angeles, California. El primer sencillo y video del disco a ser lanzado en abril lleva el título de "No sabes". La banda metalera Nación presentó el primer sencillo y video del disco Destino, un trabajo que contó con la producción del argentino Andres Giménez, conocido como guitarrista y voz líder de grupos como A.N.I.M.A.L. y De la Tierra. El tercer álbum del quinteto paceño comenzó a trabajarse antes de la pandemia y verá la luz en mayo de este año. El videoclip para la canción que da nombre al disco fue dirigido por el videasta y músico argentino Penumbrart. Desde Los Angeles, California, el paceño Ignacio Val presentó su disco Live from Hollywood, un trabajo en vivo que sirve como resumen de 10 años de carrera. Con 10 temas propios y una versión de "Come Together" de los Beatles, el material fue registrado en noviembre del año pasado en el Bourbon Room de Hollywood y fue transmitido por televisión de señal abierta en Los Angeles. El show formó parte de la promoción del EP Si mañana no hay mañana que fuera publicado a finales de 2021. Otras artesMarzo fue el mes del estreno en salas del país de El gran movimiento, la premiada película del director paceño Kiro Russo. En su segundo largo, el joven cineasta ofrece en casi 90 minutos una visión distinta de la ciudad de La Paz, desde la mirada de un minero enfermo. La película viene de haber ganado diversas distinciones internacionales, como el Gran Premio del Jurado en el Festival de Venecia, Mejor Película en el Festival Márgenes de Cadiz, Mejor Película Internacional en el FIDOCS de Santiago de Chile, Mejor Cinematografía en el Festival de Cine de Autor de Serbia y Mejor Director en el Festival de Cine del Bósforo en Estambul.Complementando lo anunciado en marzo, la escritora boliviana Liliana Colanzi fue la ganadora del VII Premio Internacional Ribera del Duero, por su libro Ustedes brillan en lo oscuro, el cual será publicado en Bolivia, Colombia, España, México y Uruguay el 11 de mayo, mientras que en Argentina lo hará el 1 de junio de este año. La obra ganadora fue anunciada el 24 de marzo, habiendo sido seleccionada de entre cerca de mil candidatas procedentes de 37 países.Lo que viene…Entre el 20 de abril y el 14 de mayo, durante cuatro fines de semana en la ciudad de Santa Cruz, se celebrará el festival Música con M de Mujer, una iniciativa de Sonidos de acá que reunirá a muchas de las artistas femeninas más importantes del país. Las paceñas Vero Pérez, Mayra Gonzales y Feluval, las cochabambinas Timpana y Fer Villarroel son algunas de las artistas que llegarán a la capital oriental para compartir con el talento local representado por Las Majas, Mila Magal, Mariana Massiel, Lu de la Tower y Fer Gómez, entre muchas otras. Vean aquí los panoramas de marzo en Argentina | Cuba | Colombia | España | Bolivia | Uruguay | Brasil |
50 First Dates o Como si fuera la primera vez es una de las películas más recordadas de Adam Sandler. La película narra la historia de Henry, un hombre que vive en Hawai que se enamora de Lucy, una mujer que no tiene memoria a largo plazo (Drew Barrymore). Dado que Lucy no puede crear nuevos recuerdos, Henry debe lograr que se enamore de él todos los días. La película es un clásico de las comedias románticas y fue un éxito de taquilla: con un presupuesto de 75 millones de dólares, recaudó 198 millones. ¿50 First Dates está basada en una historia real?La película dice que Lucy tiene el "síndrome de Goldfield", que es un trastorno inventado. Pero sí hay bastante de realidad en la película, de acuerdo con Cheat Sheet. Lo que vemos en la película es muy similar a la historia real de Michelle Philpots. Su anmesia es el resultado de dos accidentes automovilísticos distintos. En 1985, mientras conducía una moto, Philpots tuvo un accidente con un vehículo y, como resultado, sufrió un traumatismo cerebral. Cinco años después, esta vez mientras iba en coche, Philpots sufrió otro accidente de tráfico. Una vez más, la joven sufrió un traumatismo cerebral.Unos años más tarde, en 1994, la condición de Philpots comenzó a empeorar y le diagnosticaron epilepsia. Además de convulsiones, Philpots empezó a experimentar problemas de memoria.Philpots incluso fue despedida de su trabajo después de pasar un día fotocopiando continuamente un solo documento una y otra vez, de acuerdo con Cosmopolitan. La condición de Philpots era un misterio médico. Incapaz de crear nuevos recuerdos a largo plazo, Philpots se despierta todos los días creyendo que tiene 23 años y que estamos en 1994.Incluso crear recuerdos diarios a corto plazo no suele ser posible para Philpots. En 2010, apareció en Today para hablar sobre su amnesia anterógrada, e incluso en la entrevista, los espectadores vieron cómo olvidaba el nombre del presentador que la estaba entrevistando. Afortunadamente, a diferencia de lo que pasa en la película, Philpots conoció a su esposo antes del accidente. "Puede ser muy frustrante para mí, pero tengo que ser paciente y comprender. Tengo que mantener la calma porque la amo", dijo, y añadió: "Tengo suerte de que nos conociéramos antes de que ella sufriera los accidentes porque puede recordarme". Por suerte tenemos muchas fotos para recordárselo, de lo contrario lo olvidaría todo", dice su esposo, citado por Cosmopolitan.
Blink-182 lanzó 2 nuevas canciones de su próximo álbum One More Time. El sencillo principal es una balada emotiva autobiográfica de los integrantes de la banda, mientras que More Than You Know es más representativa del sonido clásico del grupo. El noveno trabajo de estudio de Blink-182 llega el 20 de octubre. En octubre pasado, la banda reveló Edging, el sencillo principal de su nuevo álbum, entonces sin título, que fue producido por el baterista Travis Barker.One More Time es el primer álbum de Blink-182 con Tom DeLonge desde 2011 y contará de 17 canciones. En la canción One More Time, el grupo aborda la fragilidad de las relaciones y la importancia de la amistad."Ojalá nos dijeran que no debería ser necesario una enfermedad / o que los aviones caigan del cielo", que hace referencia a las experiencias que cambiaron la vida de Travis Barker (su accidente aéreo en 2008) y el diagnóstico de cáncer de Mark Hoppus en 2021. "Cuando me dijo que estaba enfermo, eso fue lo más retorcido. Fue como si nada importara realmente", confesó DeLonge en entrevista con Zane Lowe, y agregó: "Para mí siempre fue una gran pesadez para mi corazón que nuestra amistad no fuera reparada. Todos hemos vivido, ahora atraviesas tragedias que destrozan lugares de tu corazón y tienes que repararlos y descubrir cómo ser una mejor versión de ti mismo"."Esta canción y este vídeo me habrían dejado en un completo caos a mí, de 16 años. Yo, de 29 años, no estoy a un millón de millas de distancia. Una hermosa oda a las amistades complicadas, la hermandad y la perspectiva obtenida a través de las dificultades" escribió un fan via X (Twitter). More Than You Know, la otra canción nueva de Blink-182, es más rápida y más cargada, pero es igual de sincera.El regreso de Tom DeLongeDeLonge dejó Blink-182 en 2015 y dijo recientemente que no creía que alguna vez volvería a la música. Se mantuvo ocupado con su Academia de Artes y Ciencias To The Stars, trabajando intensamente en la investigación de ovnis. Ese trabajo ha dado sus frutos este año, ya que audiencias gubernamentales públicas sobre ovnis y vida extraterrestre han arrojado información que sugiere que se han recuperado restos no humanos del lugar del accidente. DeLonge también presentó recientemente su debut como director: la pelicula paranormal Monsters of California. DeLonge le contó a Lowe que el diagnóstico de cáncer de su compañero de banda Mark Hoppus en 2021 ayudó a dar forma a una nueva perspectiva, lo que lo llevó de regreso a Blink-182.
Morrissey, ex líder y vocalista de The Smiths, se vio obligado a reprogramar varios de sus conciertos en Latinoamérica en septiembre. El músico se habría contagiado de la enfermedad del Dengue. Sin embargo, ya anunció nuevas fechas: el concierto de Bogotá, que estaba programado para el 17 de septiembre, cambió para el 10 de febrero de 2024 y también cambió de lugar: pasó del Teatro Jorge Eliécer Gaitán al Movistar Arena. “Gracias por el increíble tour en Sudamérica. Ha sido la mejor gira de mi vida. Nada de lo antes experimentado me preparó para el amor que recibí por la gente de Chile, Perú, Brasil, Colombia y Argentina", contó Steven Patrick Morrissey en 2012 luego de la gira que lo trajo por primera vez a nuestro país.El británico interpretará himnos de Morrissey The Smiths en vivo, como There Is a Light That Never Goes Out, Suedehead, This Charming Man, Everyday Is Like Sunday, First of the Gang to Die y Heaven Knows I'm Miserable Now entre otras, canciones que hacen parte de la banda sonora del indie rock de los últimos 40 años.Morrissey: cuatro décadas de un icono alternativo Steven Patrick Morrissey nació el 22 de mayo de 1959 en Manchester, Inglaterra. Es hijo de Peter, un guardia de seguridad nocturno, y Elizabeth, una bibliotecaria. Morrissey dejó la escuela a los 17 años. LTrabajó como empleado de la administración pública, portero de hospital y vendedor de tiendas de discos. Fue la invitación del guitarrista Johnny Marr en 1982 para unirse a una banda lo que finalmente lo sacó de casa. En cuestión de meses, los Smiths irrumpieron en la escena musical británica. The Smiths estuvo activa entre 1982 y 1987, y considerada una de las bandas más improtantes de la escena independiente en Inglaterra. Las diferencias personales entre Morrissey y Johnny Marr, cofundador de la banda, resultaron en la separación del grupo. A Morrissey se le atribuye el mérito de ser una figura fundamental en el surgimiento del indie pop, el indie rock y el britpop. En una encuesta de 2006 para el programa Culture Show de la BBC, Morrissey fue votado como el segundo ícono cultural británico vivo más grande. Morrissey ha generado controversia por sus opiniones contundentes a favor del vegetarianismo y los derechos de los animales, contra la realeza y a los políticos prominentes. En una encuesta de 2006 para The Culture Show de la BBC, fue votado como el segundo mayor icono cultural británico viviente.
En Recarga Latin X semanalmente les compartimos las novedades la música colombiana y latinoamericana, una selección de canciones hecha minuciosamente por el equipo de Shock con sencillos recién salidos del horno que van directo a miles de playlist de oyentes del continente.Hora Loca - Rawayana, Monsieur PerinéVenezuela y Colombia en la casa. Ambos proyectos estarán en horario estelar del Festival Cordillera en Bogotá. Esta canción pertenece al álbum ‘¿Quién trae las cornetas?’.Verano en NY - Manuel MedranoOficialmente Medrano inicia una nueva era musical. La producción es de dos genios colombianos: Juan Ariza y Jona Camacho.Llegará - Grupo Enkelé, Ana NaranjaDicen que no hay que correr porque lo que hay que ser será y llegará, esa es solo una de las enseñanzas que nos deja este junte poderoso.Daniela - Laura Maré, ManúLos dos proyectos tienen varias cosas en común, por eso hace mucho tiempo se veía venir un junte entre ellos. La producción musical es del nominado al Latin Grammy German ‘Mango’ Duque.Marchito – TelebitDaniel Acosta, Felipe Rondón y Nicolás Zaldúa regresan a la carretera musical. Primer vistazo de su próximo proyecto discográfico.Tenerlo todo - Armenia, IrepelusaHace un tiempo la venezolana se juntó con el grupo colombiano en una sesión que ve la luz en el marco del lanzamiento del disco ARMN.Leleki - Jossman, BombyCuando dos reyes se juntan solo se puede esperar una explosión. Tremendo feat el que se nos da con los máximos exponentes colombianos del afrobeat y del corrinche.Otros lanzamientos recomendadosTumor - Bella ÁlvarezLeleki - Jossman, BombyLo que falta de mi - Juan Pablo Vega, Leonel GarcíaBlam Blam - Farina, ChescaSUSTANCIAS EN MI CORAZÓN - DannyLux, StrangehumanLejos estoy - 2 minutos, Ciro PertusiPantano – SaikoroInvestido - WOS, SANTIAGO MOTORIZADO, EVLAYPez Colibrí – Lucio Feuilliet, Alejandro y María LauraLa última bala – MayppelEl nuevo proyecto discográfico del músico colombiano está afuera. Nueve canciones; todas de menos de tres minutos.¡La música nos une!
La gran mayoría de los NFT no vale nada, según un nuevo informe de DappGambl. Decenas de miles de NFT (Non Fungible Token), que en su momento fueron el "hype" del mundo tecnológico y creativo, ya no tienen valor. Según un nuevo informe que revisó datos de NFT Scan y CoinMarketCap, 69,795 de 73,257 colecciones de NFT tienen una capitalización de mercado de 0 Ether, lo que deja al 95% de quienes poseen colecciones de NFT (o 23 millones de personas) con inversiones sin valor.El drástico decrecimiento del mercado que rodea a estos criptoactivos "subraya la necesidad de una cuidadosa diligencia debida antes de realizar cualquier compra, especialmente una de alto valor", según el informe, citado por The Guardian.“Esta desalentadora realidad debería servir como un freno aleccionador a la euforia que a menudo ha rodeado el espacio NFT. En medio de historias de piezas de arte digital que se venden por millones y de historias de éxito de la noche a la mañana, es fácil pasar por alto el hecho de que el mercado está plagado de dificultades y pérdidas potenciales”, añadió.El informe reveló que el 79% de todas las colecciones de NFT sigue sin venderse, ya que no hay suficiente demanda para mantenerse al día con la oferta en un "mercado altamente especulativo y volátil", según los investigadores. Descubrieron que el 18% de estas colecciones principales tenían un precio mínimo de cero, lo que esencialmente no valía nada. El cuarenta y uno por ciento de las colecciones más importantes tenían un precio de entre 5 y 100 dólares, lo que puede indicar una falta de valor percibido asociado a estos activos, reveló el informe. Menos del 1% de las colecciones valían más de 6.000 dólares, un marcado cambio con respecto a los acuerdos millonarios que dominaron un mercado de 22.000 millones de dólares en 2021.El estudio también analizó el costoso impacto ambiental que rodea al proceso de acuñación de NFT. Los investigadores identificaron 195.699 colecciones de NFT sin propietarios aparentes ni participación de mercado y descubrieron que la energía necesaria para acuñar los NFT era comparable a 27.789.258 kWh, lo que resultó en una emisión de aproximadamente 16.243 toneladas métricas de CO2.¿Qué es NFT?Los NFT permiten comprar y vender la propiedad de artículos digitales únicos y realizar un seguimiento de quién los posee utilizando Blockchain.Un NFT técnicamente puede ser cualquier cosa digital, incluidos dibujos, fotografías, GIFs, canciones, elementos de videojuegos e incluso un Tweet.Un NFT es único como una pintura o una copia de muchas como pasa con las tarjetas coleccionables, pero es gracias al Blockchain que se puede realizar un seguimiento de quién tiene la propiedad de cada producto digital. Hasta el momento la gran mayoría de NFT son parte de la Cadena de Bloques de Ethereum.¿Qué es blockchain?Blockchain es un registro único el cual es consensuado y distribuido en múltiples nodos de una red. Si lo vemos en el caso de las criptomonedas es como un libro contable donde se registra cada transacción.Dentro de cada bloque de la cadena se almacena una cantidad de registros o transacciones previamente validadas, información general sobre ese bloque y su vinculación con el bloque que lo precede junto con el que le sigue en la cadena a través de un Hash: código único, algo así como una huella digital.Es un medio para certificar y validar cualquier tipo de información. Es un registro fiel, descentralizado y prácticamente incorruptible a la manipulación de datos.