El mes de la herencia hispana hace que la música latina se escuche por todos lados, y esto, incluye los Tiny Desk. Desde el 18 de septiembre al 12 octubre la estación de radio estadounidense KEXP, el podcast El Sonido y NRP Music presentarán ¡Aquí y Ahora y El Tiny 2023! una celebración de la música latina con 15 nuevas sesiones en directo. Estas transmisiones presentarán nuevas sesiones de 'El Tiny' con artistas como el colombiano Maluma, la diva del reggaetón Ivy Queen, Villano Antillano y muchos más. Además de performances exclusivas, historias, podcasts y música latina durante todo el mes, todo el día. En la lista completa de sesiones están artistas de diversos rincones de América Latina y la música alternativa iberoamericana que están dando de qué hablar en todo el mundo. Las sesiones de Tiny Desk son una iniciativa de NPR Music para presentar nuevos artistas en sesiones grabadas en video en un ambiente relajado, cercano y sin grandes escenarios. Solo la voz, los instrumentos y un escritorio rodeado de estanterías con libros. Por aquí ya han pasado artistas como Karol G, Kany García, Juanes, Carlos Vives y muchos más. En estas nuevas sesiones de 'El Tiny Presents' estarán: Rawayana (Venezuela)J Noa (República Dominicana)Dannylux (México)Becky G (Estados Unidos/México)Alex Cuba (Cuba)Villano Antillano (Puerto Rico)Ivy Queen (Puerto Rico)Maluma (Colombia)De esta lista, ya hay tres sesiones que pueden ver en su canal de YouTube: Rawayana, J Noa y Dannylux. Para verlas el único requisito es estar suscrito al canal de YouTube de NPR. Por otro lado, El Sonido, un podcast de KEXP Latino también presentará 6 nuevas sesiones con artistas iberoamericanos que viajaron para grabar sus sesiones Live on KEXP en julio. Pahua (México)Usted Señalemelo (Argentina)Carolina Durante (España)Rubio (Chile)Chini.png (Chile)Cariño (España)Estas presentaciones se pueden escuchar siguiendo la transmisión global en kexp.org. Mientras que las nuevas sesiones de 'El Tiny' se podrán ver en el canal de YouTube de NPRmusic y el canal de Youtube de KEXP.
La Corte Suprema de Chile condenó definitivamente a siete ex militares por el secuestro agravado y homicidio del cantautor Víctor Jara en vísperas del 50 aniversario de su muerte. El brigadier retirado Hernán Chacón Soto, uno de los siete exmilitares chilenos condenados por las torturas y asesinato de Jara, se quitó la vida luego de la sentencia de la Corte Suprema, según informó El País. Soto, de 86 años, fue encontrado muerto por la Policía de Investigaciones (PDI), según informó Radio ADN, quienes llegaron a su domicilio para trasladarlo a prisión para cumplir su condena: 15 años por homicidio agravado y 10 años por secuestro agravado por su parte. Víctor Jara fue detenido el 12 de septiembre de 1973, un día después del golpe liderado por el General de Ejército Augusto Pinochet, y conducido al Estadio Chile. Según testimonios judiciales, Jara sufrió 56 fracturas óseas y recibió 44 disparos. Tenía 40 años. Desde entonces, Jara se convirtió en un emblema de las injusticias de la dictadura chilena, así como de la música de protesta chilena y Latinoamericana. A pesar del intento de la dictadura de callar su voz, el legado de Víctor Jara sigue intacto. Prueba de ello son las decenas de artistas chilenos que siguen recurriendo a la música para manifestar su inconformidad. Hace 4 años cuando ocurrió el estallido social en Chile la canción de Jara El derecho de vivir en paz fue una de las más cantadas por los manifestantes. Sobre la tradición de la música de protesta en Chile“Nuestra tradición musical hace que nosotros, como músicos, siempre salgamos cuando hay problemáticas sociales o políticas", explicó Jaime Concha, bajista y fundador de una banda chilena icónica con 15 años de trayectoria, Juanafé, en entrevista con Shock en 2019. En los años 60 y 70 se fraguó en Chile un movimiento musical que quizá es el movimiento musical más importante que ha brindado el país, donde ha estado Violeta Parra o Víctor Jara. Se llamaba La nueva canción chilena.Ese movimiento se creó justo cuando empezó a existir la migración del campo hacia la ciudad en los años 60. Algo que pasó en muchas partes de toda Latinoamérica. El campesino que empezó a venir a la ciudad cambió un poco las raíces folclóricas que tenía y el canto folclórico empezó a cantar las problemáticas de las personas que se iban a vivir a las ciudades. El canto de Violeta Parra, por ejemplo, tiene mucho de eso, de esas nuevas historias que se empiezan a contar a manera de folclor.La Violeta Parra generó con este canto más contingente, más político y muy profundo, también, un despertar de muchos jóvenes de la época. En La nueva canción chilena había artistas como Víctor Jara, Isabel Parra, Quilapayún, Inti Illimani, que trataban de cantar el contexto social en el que estábamos.Todo ese movimiento artístico participó muy activamente en la campaña política de Salvador Allende cuando salió electo presidente en los 70. Eran artistas que participaban en los movimientos sociales y también trabajaban junto al pueblo en la reconstrucción de lugares, en las cosechas. Cuando hubo el boicot, financiado por la CIA, del abastecimiento en Chile, esta gente salía a trabajar y funcionaban de manera organizada como una célula política. Había sellos discográficos que eran de estos artistas. Hay uno muy importante que era la Discoteca del cantar popular, que funcionó hasta el año 73. Después de eso, cuando llegó el golpe militar, se privatizaron todos esos recursos que eran del Estado.Después de ese periodo pasó un gran apagón cultural y, en resistencia contra la dictadura, se generó otro movimiento de cantautores, también con mucha poesía. Tenía que ser bastante oculta porque se censuraban mucho las canciones. Ese movimiento se llamó El canto nuevo, que estaba basado en cantautores también.
Vicente García es uno de los artistas latinos más interesantes hoy. En el 2011, Vicente estrenó su álbum Melodrama, 11 canciones de música dominicana y caribeña. Fue un coqueteo con la bachata, pero utilizando elementos no tan populares, para no imitar los sonidos del folclore dominicano. Él lo define como “una bachata sofisticada, con letras básicas que hablan de amor, desamor, de alguien que apenas estaba empezando a escribir canciones”.Cinco años después vendría A la mar, un álbum que ocasionó un cambio total en su vida, hasta de residencia. Se mudó a Colombia, donde abrazó sus orígenes y conoció a Eduardo Cabra, quién lo marcó completamente en la forma de hacer música. Se sintió libre para componer y salieron 15 canciones con historias que reflejaron lo que estaba viviendo por ese tiempo en nuestro país.Camino al sol, un EP, es su más reciente producción. Hablamos con el dominicano que se presenta este 2 de diciembre en el Royal Center de Bogotá. La bachata ha ganado mucha fuerza últimamente. ¿Qué piensas de eso?Me alegra mucho. Cada vez sorprenden más las dimensiones que está tomando la bachata y el merengue. Los discos más escuchados últimamente tienen una cuota de música dominicana y como artista que hace bachata y merengue. Me siento, super contento y como dominicano muy orgulloso porque la verdad es parte de nuestra cultura como dominicanos. ¿Cuál dirías que ha sido la contribución de la música dominicana?Si tú te pones a ver, los artistas más importantes están buscando bastante dentro de la música dominicana: merengue, bachata y dembow, son géneros que han explotado en el mundo y muchos artistas se están influenciando de este estilo.Ahora vimos en los Latin Grammy canciones que son dembow, un género muy dominicano, y se llevaron premios muy importantes. Como domincano en el extranjero lo valoro mucho. Estoy contento con que todo esté pasando, no me siento precursor, pero sí lo visualicé hace algún tiempo. Camino al sol es tu más reciente producción. Cuéntanos más de ellaEs un EP que hice en plena pandemia, y responde a esas vivencias que tuvimos todos en esos meses. Es un disco muy existencial, muy distinto a los demás. Más que lo dominicano recurre a la música universal, tiene mucha cuerda africana, del medio oriente y en términos de concepto creo que responde a eso que nos cuestionamos todos: la vida, la muerte, de dónde venimos, a dónde vamos. Un disco de mucha introspección y reflexión.¿Sientes que es problemático que artistas como C. Tangana o Rosalía, por ejemplo, se apropien de géneros latinos?No me parece problemático. Al contrario, me enorgullece, creo que lo están haciendo super bien. Las combinaciones de bachata con flamenco, por ejemplo, me parece super bonito que se den esas fusiones. Yo cuando hago la bachata trato de no hacerla 100% del lugar de origen, también busco dentro de otras inflñuencias y voy mezclando. A mí me enorgullece como dominicano, no encuentro nada malo, al contrario, lo veo como una posibilidad de rescatar nuestra cultura. Ese auge de la música dominicana ha tenido repercusión en cómo uno es visto, la cultura dominicana simpatiza mucho y eso se refleja en abrazar tu cultura. Creo que es muy positivo.Juan Luis Guerra fue clave en tu carrera. ¿Qué opinión te merece como artista?Con Juan Luis Guerra yo salí de República Dominicana, abrí sus giras, claramente es una influencia importantísima en toda mí música. Tengo mucho agradecimiento. ¿Cómo es tu proceso de exploración musical?Es una cosa que hago día a día como algo natural, explorar la música. Voy como adquiriendo una perspectiva. Luego a la hora de hacer un disco, señalo algún concepto o género y empiezo a llenar eso de lo que llevó al género a ser eso. Por ejemplo, si es merengue “¿Cuándo fue el origen del merengue?", antes de eso que pasó, y ahí yo puedo encontrar la manera de hacer una canción. Ahora que pienso, sé un poco de salsa. Así voy explorando y encontrando influencias y conceptualizando el trabajo.Tu EP fue grabado en tiempo de COVID-19. ¿Cómo te sientes cantándolo en estos momentos?Es un trabajo que tiene su lugar, y es una música que tiene su lugar. A veces es díficl venir del merengue y llegar a una de estas canciones. Para mí los discos son fotografías de un momento que amo escuchar y disfruté mucho hacer con Richard Blair que era alguien con quien quería trabajar hace mucho tiempo. Ha sido un disco que no tiene una identidad comercial pero han llegado a mí comentarios muy profundos acerca de las canciones, de lo que puede reflejar en otra persona esa música. Ahora se habla de un "boom" de lo latino. ¿Estás de acuerdo?Evidentemente. Yo creo que la música latina está en su mejor momento. Básicamente lo latinoamericano, lo caribeño, el reggaetón y la música urbana ha tenido un papel importantísimo y todos los artistas latinoamericanos tenemos que agradecer que hoy en día la industria tiene los ojos puestos en la música latinoamericana. En ese sentido, celebro que eso esté sucediendo. La música urbana se alimenta mucho mejor de sus raíces y orígenes latinos, y vemos que se fusiona con merengue, la bachata. Eso "hay que dársela", como decimos en Dominicana.Para el público, 2022 ha sido un año lleno de shows en vivo. ¿Cómo lo has vivido como artista?En la pandemia atravesé por muchas dudas de si volvería a pasar lo que pasaba antes: giras, conciertos, viajes. Tuve un buen tiempo escéptico. Luego me di cuenta que al contrario, la gente tiene muchas más ganas de salir y disfrutar un momento y tener experiencias. Eso se ha reflejado en los conciertos. Todos los conciertos del año han sido muy dinámicos, la gente está con mucha emoción y muchas ganas de estar ahí. ¿Qué podemos esperar de tu show en Bogotá?Va a ser un show bastante movido, tenemos ya todo el año tocándolo y la reacción ha sido de baile, de fiesta, hemos estado en España, Costa Rica, Puerto Rico, tuvimos esa experiencia de que es un momento para bailar y por eso el Royal Center es propicio para eso. Va a ser una fiesta con música en vivo.
Marco Mares es uno de los nombres clave del nuevo pop mexicano. Match es su más reciente sencillo, una canción que habla sobre las relaciones modernas a través de apps y de la velocidad de las relaciones en estos tiempos en los que vives todas las etapas de una relación en pocos meses y a veces sin conocer bien a la persona. El nominado al Latin Grammy estará en Bogotá el próximo 18 de agosto en The Bonfire. Será su primera vez en Colombia. "La pandemia fue un experimento interesante, querer vivir una relación en esos momentos. Match habla de mis incursión en las apps de citas. En ese momento que no podía salir de mi casa, bajé Tinder, Bumble y me puse a ver que onda. Es muy raro todo ese mundo, no es para mí, o quizás en ese momento no lo era. Lo que quise decir es que el amor va más allá de las matemáticas, sino de estar en persona y ver qué tal la química", nos cuenta Marco. El mexicano emigró a Boston en 2014 y allí empezó el viaje para consolidar su propuesta musical, que un estilos como bachata, cumbia, reggae y samba. Por esos días lanza Para ella, canción dedicada a Greta, su entonces pareja y musa. En 2017 lanzó Flaquita, que se volvió viral en YouTube y ganó la atención de la escena y el público latinos. "Ha sido muy bonito todo, muy orgánico. Hemos crecido de manera real, eso me importa mucho, que la música sea lo que hable, antes de querer inflar números en redes. La mayoría de canciones las hice de mi cuarto, para mi pareja en ese momento y todo creció mucho más de lo que esperaba. Estoy encantado y recibir tanto".Los artistas colombianos que cambiaron su visión de la músicaAunque las influencias de Marco eran principalmente de canciones en inglés, 2 artistas colombianos cambiaron su visión de la música en español. "Cuando viví en Estados Unidos, un chico me pasó a 2 discos de artistas de Colombia y puedo decir que me cambiaron la vida porque los escuchaba a diario: el primero es Nada personal de Juan Pablo Vega. Soy muy fan y quiero mucho a Juan Pablo". "El segundo es Sumas de Mateo Lewis, que impresionante disco, qué gran trabajo,lo tengo en mi celular y lo escucho todo el tiempo. Me parece muy bello su acercamiento a la composición. Mateo fue quien mezcló Match y con Juan Pablo he trabajado un par de veces, el produjo un pequeño cover que hice de la Rosalía hace un par de años. Ellos 2 me cambiaron mucho".
Daniel Alejandro Riveros Sepúlveda, mejor conocido como Gepe, es uno de los artistas más destacados de la nueva canción latinoamericana. Su propuesta que mezcla el pop con sonidos andinos y folk es conocida en todo el continente.El músico lanzó recientemente Las 4:40, compuesta en colaboración con la puertorriqueña Raquel Sofía y el productor mexicano Mauro Muñoz, que marca el inicio de una nueva etapa en la cual el cantautor retoma su cancionero propio tras su disco Ulyse (2020).De cadencia pegajosa y coro inolvidable, en Las 4:40, Gepe hace guiños a la cumbia, mostrando una vez más el desprejuiciado acercamiento a lo latino al cual nos ha acostumbrado a lo largo de sus ya ocho álbumes editados.El chileno también lanzó hace varios meses su EP titulado FE, en el que hace 6 covers de Chayanne, Rosalía, Juan Luis Guerra, Cultura profética, Soraya y Shakira. Por eso le preguntamos, ¿Cuál es la clave de un buen cover?: “Me encanta hacer covers, y me encanta escucharlos. Siento que son una especie de opinión musical de un artista respecto a la historia de la música en general. ¡Eso me gusta! Y es lo que yo trato de hacer. Creo que para un buen cover es clave que el artista o la canción sean significativos para ti, que representen algo en tu vida o tu historia y querer decir algo distinto sobre ellos”.“Me encanta que al escuchar el cover, la gente identifique la canción original, pero también me gusta apropiarme de ella y contar una nueva historia. Mi historia. Me parece muy importante que se sientan propios”, agrega el músico quien también hace unos años lanzó el disco Folclor imaginario, con covers de la folclorista chilena Margot Loyola. Gepe afirma que las canciones elegidas para su EP fueron representativas para muchas personas en Latinoamérica. “Por ejemplo, Tu pirata soy yo me define, define mi historia personal. También pienso Chayanne es un referente latinoamericano y su estilo trasciende varias generaciones. Eso me parece super lindo”.El chileno es considerado uno de los grandes representantes del folclor urbano de su país. En Chile, al igual que en otros países del continente, ha habido un auge de artistas que reinterpretan los ritmos nativos de sus regiones. “Lo folclórico ha ganado cierta importancia en nosotros, pero no creo en eso de “rescatar” el folclor: no creo que se haya perdido nunca: siempre ha estado allí, no somos ningunos salvadores. Lo que sucede hoy es que estamos en un momento en el mundo en el que hay un gran caos, una sobre abundancia de cosas. Para no hundirnos en ese mar estamos intentando buscar nuestro lugar en la tierra, y eso tiene que ver con nuestro origen y ahí es donde está el folclor”."La música de esta generación se hace buscando la identidad: somos parte de Latinoamérica con lo indígena, europea y africana, y a la vez tenemos lo extranjero, porqu estamos colonizados culturalmente por los gringos". “Soy un artista de folclor chileno y disfruto poner ese toque a mi música, adaptarme al material que estoy trabajando y darle un enfoque tradicional. En mi adolescencia escuchaba muchos grupos como Sonic Youth y compositores contemporáneos, de repente empecé a escuchar a Violeta Parra y Eduardo Mateo y empecé a encontrar que se parecían en cierta manera. La música andina, la chicha de Perú, todo esto me gusta porque encontré puntos de conexión", cuenta el intérprete de Fruta y té. Precisamente, el músico tuvo gran éxito en toda Latinoamérica gracias a la canción Hambre lanzada en 2015, llena de sonidos andinos, en colaboración con la cantante peruana Wendy Sulca. “Estaba haciendo la canción y sentí que Wendy Sulca encajaría perfecto, ese sonido selvático era lo que estaba buscando, y me alegra haberlo hecho: después de muchos años la gente sigue hablando de esa colaboración y la recuerdo con mucho cariño”.Gepe también se ha pronunciado sobre el estallido social en su país. “Todo lo que sucedió en octubre de 2019 fue muy importante. Sin duda, nos hizo viajar a lo más profundo de nosotros. Hace unos años, no era frecuente que se hablara de política con amigos o familia en espacios cotidianos (en realidad los chilenos no hablamos mucho de lo que nos pasa): hoy se hace todo el tiempo, y creo que es una señal de que hubo un despertar por parte de una comunidad que tomó conciencia". El músico nos contó que quedó con ganas de seguir explorando la cumbia colombiana y en su visita a Colombia le hablaron de Diomedes Díaz, y le llamó la atención. No cabe duda de que el chileno seguira en su exploración contante de sonidos latinos. ¿Le escucharemos algo de vallenato?
Abril nos trajo mucha actividad musical, y cada fin de semana -en las principales ciudades del país- tenemos una variada oferta de conciertos y presentaciones, dividiendo al no tan numeroso público que asiste a espectáculos culturales. Poco a poco, Santa Cruz de la Sierra comienza a convertirse en una ciudad de permanente movimiento musical, y abril estuvo marcado por dos festivales que se iniciaron ese mes.El ya tradicional Festival Internacional de Música Renacentista y Barroca Americana Misiones de Chiquitos, que reunió a grupos y ensambles de una veintena de países durante 10 días, y el debutante Música con M de Mujer que a lo largo de cuatro fines de semana celebra el talento de 24 artistas femeninas; a eso hay que sumarle la constante actividad en locales que ofrecen música en vivo junto a jóvenes talentos que unen esfuerzos para llevar su mensaje y hacerse conocer.Es evidente que hoy hay mucha música creándose en el país. Ahora viene la difícil tarea de desarrollar públicos que, por muchos años, contaron con limitadas opciones.Estos son algunos de los lanzamientos más importantes del cuarto mes de 2022.De manera repentina, sin hacer mucho ruido, y sin canciones promocionales, Grillo Villegas lanzó un nuevo disco de estudio, el sucesor de La música debe elevarnos de septiembre de 2019. El tercer trabajo del cantautor tras disolver Llegas trae nueve canciones y marca el final de una de las pausas más largas entre discos para el músico paceño, en sus más de 30 años de carrera. Publicado el 12 de abril, Hermetismo tuvo a Villegas grabando guitarras, pianos, teclados, percusiones y voces, en su home studio en La Paz, mientras que los bajos y baterías fueron registrados por los argentinos Matías Mendez y Pablo Gonzalez en Medio Naranja, en Buenos Aires. El Grillo volverá a tocar en vivo en mayo, luego de más de dos años alejado de los escenarios debido a la pandemia; su acostumbrada gira anual lo llevará por siete ciudades del país.Leo Camargo, músico y productor radicado en Salta, Argentina, estrenó "Reencontrarnos", otro de los adelantos de Chepiagüi, un trabajo de ocho canciones que verá la luz en los próximos meses. El cruceño, autor de canciones como "Intenso" y "Fluyendo", incluye en esta nueva propuesta instrumentos como saxo, bombo legüero y quijada de burro, y confirma -una vez más- que es uno de los exponentes más interesantes de la nueva música boliviana. La canción cuenta con un video ideado y dirigido por China Gomez, quien estuvo a cargo de los dos anteriores clips del cantautor.Mariana Rueda, exvocalista de la banda cruceña Las Lesbis Futbol Club, presentó oficialmente su primer tema como solista, luego de un par de sencillos junto a Matone en abril del año pasado. En "No te quiero", la cantante de 22 años trae una propuesta que coquetea con el shoegaze y el punk, dentro de una estética lo-fi. Apenas superando los dos minutos y medio de duración, es una de esas canciones que ponemos en repetición, una y otra y otra vez.Un año y medio después de "El paraguas", el músico y poeta orureño Vadik Barrón publicó el primer promocional de Valle, trabajo grabado en la ciudad de Cochabamba junto a Mao Khan (Quimbando) como productor. Como parte de un disco de siete canciones, "Karma" tiene al cantautor de origen ruso apostando por un nuevo comienzo, después de haber dejado incompleto el álbum Cocina en 2020. De acuerdo a Barrón, su tema más reciente habla de "despedidas, de perdonar, de desear el bien, de querer ser mejor, de ciclos que se renuevan".Luciana de la Torre, conocida por el nombre artístico de Lu de la Tower, presentó un nuevo tema/video bajo la producción conjunta de Jesús Oliva y Maurizio Alessio. Como su primera canción publicada este año, la solista revelación de 2021 nos trae un contagioso número pop que cuenta con un videoclip dirigido por Freddy Arteaga de Onze Estudio. A sus 22 años, la cruceña apuesta con todo por su música, destacando por sus elaborados videos y la cuidadosa producción de sus canciones.Radio Cutipa, proyecto que reúne a Alvaro "Conejo" Arce en programaciones, sintetizadores y samples, René Hamel en charango, flautas andinas y voz, Imilla Kózmica en voz y charango y Luis Daniel Iturralde en percusión, publicó su primer tema en plataformas el 1ro de abril. Bajo el título de "Wara Wara", fue compuesto por Arce y Hamel y es una morenada que sirve como muestra del sonido que traerá Radio Cutipa, fusionando ritmos autóctonos del norte de Bolivia con música electrónica, haciendo uso de instrumentos nativos como toyos, moseños, quena, tarkas y otros. El cuarteto está preparando su primer disco para agosto de este año, con 10 canciones bajo la producción de Arce.El cantautor Mateo Cuiza publicó su segundo EP, un trabajo de cuatro canciones que lleva el título de La espuma de los días. Producido por JOF, el sucesor de Canciones en el Bunker de 2020 fue registrado en Santa Cruz de la Sierra, a diferencia del primer mini álbum que fuera grabado en La Plata, provincia de Buenos Aires, ciudad de residencia del joven músico cruceño. En el disco se incluyen "Te espero afuera" y "tkm", que sirvieron de promocionales.El paceño Sercha Ramírez, una de las voces más importantes de su generación, y de los pocos que continúa haciendo música hasta hoy, presentó "Por todos los que fuimos", su primera canción en solitario. El ex Ragga Ki, exKimo y actual cantante de Son Fusión, se encuentra dando los toques finales a Astrolabio, un EP de cuatro canciones que fuera producido por Jotape Villalba, músico boliviano radicado en México. Ramírez comenta que es una canción reggae/pop nacida en pandemia, como homenaje a quienes no están más en este plano terrenal, pero que permanecen en nuestros recuerdos. El tema cuenta con un videoclip dirigido por el cineasta Diego Cowks y la productora Ska Films.La cruceña Mila Magal continua promocionando su EP autotitulado, esta vez con un nuevo video dirigido por Mariana Dominguez. El clip para "Lo que nunca dije", el track #3 del mini album, contó con la participación del actor de cine Quim del Rio (Tu me manques, 98 segundos sin sombra) como protagonista principal, junto a la modelo Luisina Erro. El EP debut de Magal está disponible en todas las plataformas de streaming.El 20 de abril, en la ciudad de Santa Cruz de la Sierra, comenzó el Festival Música con M de Mujer, una iniciativa de Sonidos de acá que reúne a 24 artistas mujeres de distintas ciudades del país. A lo largo de cuatro fines de semana, artistas de gran trayectoria como Vero Pérez, Mayra Gonzales y Ale Lanza (Timpana) comparten escenario con nombres más recientes como los de Las Majas, Mila Magal, Mariana Massiel, @Noni, Irene Torrico y Lu de la Tower, y músicas emergentes como Fer Villarroel, Belén Bowles, Feluval y Nia Cole. Más de 40 mujeres en total pasarán por los tres escenarios del festival, el teatro Meraki, el Museo de Arte Contemporáneo y el Museo Altillo Beni. En los dos fines de semana del 6 y el 13 de mayo se presentarán en vivo Las Majas, Fer Villarroel, Becky Blue, Mayra Gonzales, La otra Minina, Viudita Moderna, Mila Magal, Color Jausí, Mariana Rueda, Fer Gómez, Feluval y Ciara Crapuzzi. Pueden encontrar canciones de varias de ellas en la playlist a continuación.Vean aquí los panoramas de abril en Argentina | Cuba | Colombia | España | Bolivia | Brasil | México | Perú |
Carla Huiracocha es la directora creativa de Neoma, un alter ego musical que cada vez toma más fuerza a nivel internacional. Su nombre es muy reconocido en su nata Ecuador, pero con el paso del tiempo se ha ido expandiendo a diferentes latitudes. De hecho, su audiencia más fuerte está en México, Chile y Colombia.Contenido recomendado | El '¿Usted no sabe quién soy yo?' de Duplat en el Festival Estéreo Picnic 2022Real fue su primer gran hit en 2017, el año siguiente de ese lanzamiento decidió mudarse de Cuenca, Ecuador, a Denver, Colorado, y darle una estructura más robusta a su propuesta artística. Para 2019 estrenó su álbum debut que la llevó a girar por varias ciudades de Estados Unidos, pero que se vio forzada a cancelarse por la pandemia del covid-19.Durante 2020, el año del encierro, se enfocó en entender el universo digital que envolvió a todas las personas: las reuniones virtuales, las llamadas por zooms, las interminables conversaciones en WhatsApp y la vida desde la pantalla de los dispositivos. Parte de esas experiencias alimentaron el universo HYPERREAL, nombre de su más reciente proyecto discográfico. Neoma se presentará en Colombia para promocionar este proyecto: el 6 de mayo estará en Tejo Turmequé de Bogotá con Duplat como acto de apertura y el 7 de mayo estará en La Pascacia de Medellín con Pavlo como invitado especial. Hablamos con ella en el marco de su visita al país.¿Qué significa para Neoma empezar a girar el mundo con su música?Para mí la música me ha llevado a lugares que nunca creí conocer, me encanta el sentimiento de que mucha más gente logre escucharla en vivo, significa mucho para mí que mí música mueva personas fuera de la cuidad y país donde vivo¿Cómo puede definir lo que es el universo del disco Hyperreal?El universo de Hyperreal abarca todo lo que se conoce como “virtual” o la “virtualidad”, constantemente estoy hablando de las conexiones con personas por medio de la pantalla, durante la pandemia muchas personas recurrieron a “dating apps” o conocieron gente por zoom, hyperreal es ese universo, está en la nube pero a la vez en nuestra cabeza, por lo tanto a este punto somos capaces de generar emociones o dependencias.¿Qué le ha aportado Denver a su carrera?Denver se ha convertido en mi hogar por muchas razones, siento que me ha permitido encontrarme a mi misma, abrirme a otros puntos de vista y formas de ver la vida en Estados Unidos, me ha abierto muchas puertas y oportunidades, me ha regalado amigos de por vida y a mis músicos.¿Qué puede esperar el público de Bogotá y Medellín de sus conciertos?Yo le pongo mucha atención a los shows en vivo, para mi es el momento en el que las canciones están vivas y la gente recibe la energía de ellas, y a su vez yo la del público. Esperen mucho movimiento, es un show muy emocional pero divertido.¡La música nos une!
Katie James nació en Irlanda, pero creció en Colombia, en su niñes y adolescencia desarrolló su gusto por el folclor, estudio música, formó parte de las agrupaciones Vía Súbita y Ludens antes de crear su proyecto solista.El primer contacto con la música andina colombiana lo tuvo en Icononzo, Tolima, durante las fiestas familiares, los vecinos cantaban pasillos, bambucos y guabinas, después se mudó a Popayán, estudió guitarra y cantaba en el Coro de Cámara de la capital del Cauca.En Bogotá estudió música con énfasis en arreglos musicales y en el 2014 debutó musicalmente con el EP Cold and Dry, desde esa fecha no ha parado de hacer canciones y viajar con su música donde la inviten.Hablamos con ella acerca de sus canciones y de los referentes que el permitieron crear un proyecto con elementos del folclor.¿Cómo armó el mapa folclórico con el que alimento su proyecto?Mi infancia fue en el Tolima, más adelante en mi adolescencia llegué a Popayán y ahí empecé a escuchar música internacional, Mercedes Sosa, Soda Stereo, música chilena, cuecas chilenas, música mexicana. Pero el estudio musical más serio fue cuando estuve en la universidad, aquí en Bogotá, cuando estaba estudiando canto, interpretaba canciones de diferentes países de Latinoamérica, algo de Simón Díaz, Susana Baca, Mercedes Sosa, José Alfredo Jiménez, Natalia Lafourcade, entre otros. Ahí fui expandiendo mi gusto musical, siempre he tenido una afinidad con el folclor del mundo en general.¿Cuál es la fórmula Katie James?Siempre he hecho la música de una manera muy intuitiva y siento que todo lo que uno escucha termina de alguna manera influenciando lo que se compone. Escuchaba mucha música latinoamericana y colombiana pero también tenía esas raíces de música irlandesa, de folk y de country. Todo eso se ha ido mezclando en mi manera de componer y de interpretar, en mi música no me quedo con un solo ritmo sino que como buena cantautora me doy la libertad de pasearme por diferentes ritmos, pero siempre con un elemento del folclor.A la hora de componer ¿de qué quiere hablar?Mis canciones hablan de temáticas que son muy reales para mí, muy personales, mis canciones tienden a ser autobiográficas, en lo que es el amor y desamor y lo que son mis reflexiones sobre la vida misma, el contraste de la vida de campo y de ciudad porque he vivido esos dos mundos, hablo de la naturaleza en muchas de mis canciones hago referencia de la naturaleza, de los viajes, tengo una canción para mi madre, para una hija imaginaria, para las quebradas, pero siempre son vivencias personales.En Respirar y en el álbum más reciente Humano, se puede ver esa variedad de temáticas, más en Humano, no me voy tanto por el amor y desamor sino por otros temas cotidianos. como la canción para un entierro alternativo, que es la canción de la ensalada con un poco de humor, canciones de desamor y tusa, otras del anhelo, del reencuentro en el amor.¿Siente que hay más espacio ahora para las cantautoras?Siento que las mujeres siempre hemos tenido cosas importantes que decir tanto en las temáticas como en la música misma y los hombres obviamente, como seres humanos tenemos cosas interesantes que decir. Pero sí es muy importante este espacio que hemos ido ganando las mujeres en los últimos años, y la verdad yo he sido muy bien recibida, afortunadamente crecí con una mamá muy fuerte y empoderada y ella me trasmitió eso de niña y siento que salí al mundo con esa misma fuerza. jamás me sentí más débil o menos capaz por ser mujer, nunca fue un asunto para mí.¿Cómo siente la relación con su público?Yo siento que la gente se identifica con mis temáticas porque son reales, después de los conciertos la gente se me acerca y me dice: 'la historia de tal canción, yo pasé por eso' o 'yo estoy pasando por eso en este momento' o la canción de Toitico bien empacao que habla de los campesinos es algo con lo que la gente se puede identificar fácilmente, eso crea una conexión inmediata con el oyente, yo siento que en conciertos es una experiencia bastante emocional musical, la que viven todos, hay una historia, a través de los conciertos hay un viaje musical histórico y emocional.Katie James hace parte de la programación de En Vivo en el Muelle, una alianza de Shock y la FUGA, para presentar vía streaming y en vivo agrupaciones que proponen nuevos sonidos en la capital.
Ensamble Baquiano se creó en mayo de 2012, con la intención de indagar, rebuscar y proponer sonidos con base en la música llanera. La propuesta aprovecha la herencia musical del arpa, el cuatro y las maracas, y la combina con instrumentos no convencionales del llano.Cuando empezaron a armar el proyecto, además de su investigación dedicada a las raíces del folclor, sus integrantes también se interesaron en la manera de sumarle instrumentos, sin que perdiera la esencia tradicional. La idea siempre ha sido promover y difundir la música en otros escenarios.Hablamos con Andrés Baracaldo. su director y productor, acerca de la manera cómo construyeron el proyecto y qué tienen planeado para celebrar una década de trayectoria musical.¿Cómo se originó el Ensamble Baquiano?Se armó este proyecto como un encuentro de investigación, un poco de la música llanera y la forma como se iban vinculando diferentes instrumentos. Empezamos a enlazar todos los saberes con la música llanera, que tiene mucha fuerza y se convierte en una gran aliada a la hora de interpretar.¿Qué descubrieron en esa investigación?Como la música llanera tiene toda esa tradición que se hereda, empezamos a sentir que no solamente era un interés personal, sino que también era la oportunidad que teníamos los músicos multi instrumentistas. No tocamos música llanera netamente con arpa, cuatro y maracas, como se toca generalmente, sino que también hay instrumentista dentro del grupo que tocan flauta, guitarra eléctrica, instrumentos que no hacen parte de la música llanera. Ahí se abre un espectro de investigación, vamos a plantear que las personas que lleguen a Ensamble Baquiano muestren su vida a partir de los géneros que han aprendido a través de su trayectoria, cada uno tiene una especialidad específica, no solo con el género sino con el saber del instrumento que tenga. Baquiano construye a partir de la música llanera esa fusión entre lo que le interesa y las músicas tradicionales latinoamericanas.¿Qué toman de la música tradicional?Como toda agrupación tenemos referentes claros, se nos dice que somos innovadores, pero ha venido una herencia de grandes maestros en Colombia y Venezuela haciendo este tipo de música y si bien es una propuesta nueva para el oído, se han abierto espacios en el llano a partir de ello. Con Ensamble estuvimos en el Festival San Juan de Arama en el 2015, en un festival tradicional de tango de murga uruguaya y otras tradiciones con la música llanera fusionada se hizo un ensamble de un tema que se llama Viaje sin fronteras, ganador del festival, con jurados de allá y de otras partes del país. Tenemos diferentes momentos del show, empezamos con la parte tradicional cantos de ordeño y arreo, cantos de trabajo y luego golpes, pasajes y luego incluimos algo de eléctrica, show de maracas, un homenaje al río Caño Cristales que son tan importantes en los llanos y en Colombia y a nivel mundial. Este río tiene 7 colores en sus aguas en ciertos momentos del año, un momento dedicado a pensar, ¿cómo sonaría este rio en un show?¿Qué trabajos discográficos han publicado?El primer sencillo salió en el 2018, cuando hicimos una gira en Argentina, hicimos tres canciones allá, en el Festival Sonamos Latinoamérica en Argentina, un festival reconocido porque es un encuentro de músicas folclóricas, para ese festival tuvimos nuestro primer EP. El disco lanzado a finales de 2019, Pa’ un Baquiano, le habla a las personas que quieren indagar y buscar estas sonoridades de tradición, pero también la exploración, en este álbum no está la guitarra eléctrica inmersa, esa propuesta llegó a finales de 2019. La idea para los 10 años del grupo es hacer nuevas fusiones no solo como Ensamble, sino con invitados especiales, para que sea un lanzamiento que celebre esta década. ¿Ha sido difícil mantener un proyecto de tradición folclórica?El proyecto aporta a los artistas, es una realización de creatividad y experiencia, pero también está la vida real de los artistas, sus necesidades y responsabilidades económicas, todo tiene que ver. Por ejemplo, el lanzamiento del disco fue todo autogestionado. Hemos podido darnos a conocer en festivales y encuentros internacionales, los mercados culturales han sido vitales en este proceso, es importante que la gente asista, y busque maneras de darse a conocer, es una clase que no dan en las universidades. El Bogotá Music Market, el mercado más conocido en la capital, asistimos cada año y la cuota folclórica es del 15 o 20 % frente a otros géneros que suman más de la mitad de la participación.¿Se mantiene la formación inicial de Ensamble Baquiano?Hemos cambiado desde que empecé con otras personas desde el 2012. Felipe Burbano llegó después, él es maraquero y flautista, el sello de Baquiano es la flauta, luego esta Selene Higuera, que toca el bajo en el show de maracas y canta, Magdarys y Cristhian Reyes, llegaron en 2019 a principios de ese año, época en que nuestro ex cantante y cuatrista Oscar se va para Uruguay. Abrimos una convocatoria y se presenta talento de toda la ciudad, llegó Magdarys con la voz creada en el llano, con toda la tradición, toca el cuatro y las maracas y Cristhian Reyes el guitarrista eléctrico que está haciendo una pequeña viaje en otros países. María Camila Garzón, es una artista que siempre nos ayuda con estos reemplazos, una niña que ha ganado festivales en el país y Oscar Rojas.Ensamble Baquiano hace parte de la programación de En Vivo en el Muelle, una alianza de Shock y la FUGA, para presentar vía streaming y en vivo agrupaciones que proponen nuevos sonidos en la capital.
Catalina Ávila y Dúo Finlandia entregan una conmovedora canción sobre la pérdida y la permanencia. Años atrás, conmovida por la historia de una amiga cercana que acababa de perder un hijo, Catalina Ávila compuso la primera canción de su vida, a la que llamó Colibrí. la primera versión fue incluida en su disco Orígenes (2017).La composición tenía letra en español y melodía y arreglos sorprendentemente inspirados en referencias específicas de Lhasa de Sela, Beethoven y Aterciopelados. Sin embargo, durante la pandemia, la canción fue revisada por la propia autora, con la letra traducida al portugués y un nuevo arreglo.Este cambio, realizado por invitación del proyecto ¡Unan Todo!, sumó la participación del Dúo Finlandia. “Su presencia le dio a la canción un carácter más profundo. Toca más el corazón, porque los violonchelos de Raphael Evangelista son muy sentidos, muy trascendentes. Y el acordeón de Mauricio Candussi da una sensación de algo que rebota”, afirma Catalina.En la grabación también participaron los músicos que acompañan a Catalina en sus presentaciones en vivo.“Queríamos aportar nuestra energía e identidad al arreglo de esta hermosa canción de Catalina. Y pegó muy bien: por el timbre de los instrumentos, por las frases melódicas y por el ambiente sonoro que se generaba a partir de eso. Era una forma de hacer ondear en las frecuencias nuestra bandera de la integración latinoamericana” afirma Raphael Evangelista.“Siempre levantamos la bandera de los países unidos. El dúo Finlandia ya es un argentino con un brasileño, y nuestra puerta siempre está abierta a artistas de toda Latinoamérica. De ahí siempre sale algo bueno” concluye Mauricio Candussi.Esta canción se suma a Mamba Negra, colaboración entre los brasileños The Raulis y el mexicano Pahua, y Somewhere, entre la uruguaya Romina Peluffo y el brasileño Rodrigo Stradiotto. Las tres completan el EP ¡Unan Todo!, proyecto que une a artistas brasileños con colegas de otros países latinoamericanos.La portada del sencillo fue realizada por el artista brasileño Pedro Bopp y sigue la línea minimalista que caracteriza la identidad visual del proyecto.
(Sobre)vivimos otra edición del Festival Estéreo Picnic 2024 que, en términos generales, suplió y sobrepasó las expectativas del cambio del venue y de un cartel que parecía anacrónico.Las mudanzas traen consigo una lista de pendientes que se van ajustando con el tiempo, adecuarse a un lugar nunca es fácil. Sin embargo, como un mueble viejo que se rehusa a botar, el acoso nos persigue sin importar a qué casa nos pasemos. Y, peor aún, nos persigue el arquetipo de la “victima perfecta” a donde sea que vayamos.Cada año se habla de paridad de género en el cartel, se incorporan organizaciones (como la Secretaría de la Mujer o la Línea Púrpura trabajando de la mano con Échele Cabeza) y se repite el estribillo de que el espacio en el que estamos es seguro para nosotras. Pero la realidad es diferente.Si bien hay rutas de acción que antes no estaban claras antes, la ejecución sigue siendo insuficiente. El tercer día del Festival Estéreo Picnic 2024 un grupo de mujeres que estaba disfrutando del concierto de Feid fueron acosadas por un hombre que consumió sustancias de forma irresponsable.Vamos por partes para entender lo problemático de lo sucedido, además de lo obvio.Aunque la entrada de sustancias psicoactivas esté, en teoría, prohibida en este tipo de festivales, el consumo es un hecho y por eso están organizaciones como Échele Cabeza que buscar proteger al consumidor y cuidar de él.¿Quién cuida de nosotras?Si les parece que jodemos con el enfoque de género no es de gratis. Los espacios sin este son peligrosos para nosotras e incluso los que están intentando tenerlo, en el proceso de prueba y error, resultan violentos.La gestión de riesgos y los protocolos de cuidado de los consumidores siempre van a estar cojos si quienes consumimos, las instituciones y los organizadores no entienden que las mujeres somos agredidas por ser mujeres y es un hecho que debe ser considerado y priorizado en la creación de protocolos y/o rutas de acción.El caso de las mujeres que fueron acosadas por un hombre intoxicado nos plantea más preguntas que respuestas. ¿Cómo garantizar un espacio de consumo responsable que al mismo tiempo sea seguro para nosotras? ¿Qué rutas de acción existen para este tipo de situaciones y cómo se ejecutan? ¿Por qué esperan empatía de nuestra parte cuando nadie la tiene con nosotras?En el comunicado publicado en Twitter, y ahora eliminado por partes, desde la cuenta de Échele Cabeza, precisan sobre lo ocurrido y hacen un llamado a la empatía con el hombre que consumió de más, se desnudó, persiguió mujeres y las orinó.Claro, que dentro de los acuerdos sociales tácitos que como consumidores de sustancias tenemos, está (o debería) la empatía con el malviajado o con el que se le fue la mano. Pero la balanza de la empatía no se puede poner en la misma escala de valores que la del acoso.Pasamos a diario suficientes situaciones para saber, incluso corporalmente, cuando estamos en peligro. Para nosotras no es un caso aislado, es nuestro día a día.En el FEP fue un hombre que consumió de más, en la calle es un desconocido y en las fiestas puede ser un amigo.En un mundo ideal podríamos repartir empatía para los dos lados, pero vivimos en una sociedad twittera que al mismo tiempo que exige pruebas, también juzga a las mujeres por grabar a un hombre “en estado de inconsciencia”.Y volvamos a esto por un momento. Los hombres nos acosan en cualquier estado de consciencia y nosotras nos tenemos que defender en todos, porque nadie nos garantiza espacios totalmente seguros.Para las mujeres acosadas las rutas de acción tomadas por el equipo de logística del festival fueron insuficientes, para la logística y para Échele Cabeza fueron las necesarias para cuidar, principalmente, de la persona que estaba intoxicada.La decisión de la organización de eliminar algunos de los tweets que hacían parte del comunicado, dan cuenta de que es una conversación que en muchas ocasiones termina siendo unidireccional. La discusión no puede excluir las experiencias de las mujeres que han sido violentadas y no pueden existir rutas de acción claras sin entender lo que estas situaciones significan para nosotras, como consumidoras y como asistentes a eventos de música.Si bien este caso en particular agitó conversaciones necesarias sobre el consumo responsable de sustancias también puso sobre la mesa que aunque la logística del festival parece estar tomando una forma ya clara, no va a estar completa hasta que no se plantee desde un enfoque por y para las mujeres.El consumo de sustancias psicoactivas y la logística del festivalPor Daniela TrujilloDurante la presentación de FEID, en el escenario Jhonny Walker, un hombre completamente desnudo, quien se encontraba en un estado muy alterado debido al consumo, se estimuló frente a varias de nosotras y luego, posterior a ello, procedió a orinarnos. Otras mujeres que se encontraban ahí, en otras ubicaciones, denunciaron a través de X e Instagram que este hombre las persiguió o las golpeó. La logística tardó en reaccionar, junto con la policía, quienes no tenían claros a los pasos a seguir. Su respuesta tras lo que nos había sucedido fue que “no podían hacer nada porque estaba drogado” y se quedaron un buen rato detrás del sujeto mientras él se movía libremente por el lugar. Después de que sus compañeros pidieran que no lo sacaran del parque, pues él no sabía lo que estaba haciendo.Es necesario decir que no fue el único caso, pues tras haber realizado la denuncia pública, más mujeres se quejaron de que en otros lugares del parque, otros hombres alcoholizados, también habían ejercido acoso hacia ellas.Si bien a la mañana siguiente el equipo de festival se comunicó conmigo y también lo hizo la Secretaría de la Mujer, junto a la Línea púrpura, quienes me dijeron que el hombre, de nacionalidad francesa, fue trasladado al espacio de Échale Cabeza para ser sedado y sacado en ambulancia.Considero necesario que esta experiencia sea un llamado no solo a la rápida acción, pues gran parte de lo sucedido pudo haber sido evitado, teniendo en cuenta que este sujeto estuvo corriendo a través del escenario durante al menos diez minutos antes de que llegara el 911, sino también al consumo responsable.Gran parte de los comentarios que recibí decían que este evento poco o nada tenía que ver con una sesgo de género, puesto que solo era una persona en un estado vulnerable y aunque esto último es cierto y concuerdo con que necesitaba ayuda urgente, las personas afectadas fueron directamente mujeres. Queda entonces el sinsabor de que el estado de desinhibición de muchos es una justificación para ejercer acciones violentas contra otros y que esto, a los ojos de algunas personas, sigue siendo normal.Sí, la logística debe tener una mejor capacitación, eso es un hecho, pero que este proceso de formación respecto a cómo debemos vivir los festivales también sea para los asistentes.
Eterno resplandor de una mente sin recuerdos cumple 20 años. La película de Michel Gondry se convirtió en objeto de culto. El filme nos muestra la historia de Joel y Clementine, una pareja que decide borrarse mutualmente de su memoria. Lacuna, Inc., empresa ficticia, ofrece a las personas el servicio de borrar de su mente recuerdos desagradables. La mayor parte de la película tiene lugar dentro del cerebro de Joel mientras está sedado durante el procedimiento de borrado: mientras revive momentos más felices con Clem, se arrepiente de su decisión e intenta frustrar los esfuerzos de los borradores aferrándose a sus recuerdos de la relación.¿Podría suceder en la realidad lo de Eterno resplandor de una mente sin recuerdos?Si bien estamos muy lejos de un mundo en el que exista una empresa como Lacuna, sí hay avances en lo relacionado con alteración de los recuerdos. Apenas tres años después del lanzamiento de Eternal Sunshine, los investigadores descubrieron que inyectar una “droga para la amnesia” podía aliviar el aguijón emocional de los recuerdos desagradables. Luego, en 2009, un equipo de la Universidad de Toronto logró borrar selectivamente los recuerdos en ratones inyectando una toxina en la amígdala, la parte del cerebro que procesa las emociones.Desde entonces, psicólogos y neurocientíficos de todo el mundo han estudiado varios métodos diferentes para manipular recuerdos, como inhalar gas xenón, tomar propranolol, usar luces y reproducir sonidos para las personas mientras duermen.Un grupo de científicos del MIT cree haber descubierto el gen que "desempeña el papel de extinción de la memoria". Esperan que este trabajo pueda eventualmente conducir a un tratamiento para quienes padecen trastorno de estrés postraumático. o personas atormentadas por recuerdos del pasado. El proceso implica que nuevos recuerdos “sobrescriban” los viejos. El estudio se centró en la observación de ratones a los que se les inhibió el gen en cuestión (llamado “Tet1”). Estos ratones inhibidos recibieron descargas eléctricas (levemente) varias veces cuando los colocaron en una jaula en un intento de crear una asociación; pero, en comparación con los ratones a los que no se les había bloqueado el gen, estos ratones no temieron la jaula cuando fueron colocados en ella en ocasiones posteriores "porque su recuerdo de haber sido heridos ya había sido reemplazado por nueva información". La Dra. Sheena Josselyn codirigió el equipo de investigación que logró borrar los recuerdos de los ratones y ha pasado décadas investigando cómo funcionan los recuerdos. ¿Cree que la tecnología utilizada en Eternal Sunshine algún día podría ser algo común? "Esta es una pregunta complicada", dice citada por Dazed. “Ahora tenemos la tecnología para hacer esto en ratones. "En este momento, no es posible hacer esto en humanos", afirma. "Pero la prueba del concepto está ahí gracias al trabajo de muchos laboratorios de todo el mundo que utilizan roedores [...] Con la ayuda de muchos científicos trabajadores de todo el mundo, la ciencia ficción se está convirtiendo en un hecho científico".
Arabia Saudita anunció que construirá un parque temático basado en la famosa serie animada japonesa Dragon Ball. Este parque temático contará con cinco atracciones de última generación como parte de una programación de más de 30 de ellas. También está prevista la construcción de un Shenron (dragón) de 70 metros de altura, en cuyo interior se encuentra una montaña rusa a gran escala. El parque cubrirá más de medio millón de metros cuadrados, según Qiddiya Investment Company (QIC), que pertenece en su totalidad al fondo de inversión del gobierno de Arabia Saudita.Los planes son parte de "una asociación estratégica a largo plazo" entre QIC y Toei Animation, el productor japonés de Dragon Ball.El parque contará con siete áreas diferentes que recrean varios lugares icónicos de la serie original, como Kame House, Capsule Corporation y Beerus's Planet.En el parque, los visitantes podrán unirse a una aventura con Goku y sus amigos mientras disfrutan del mundo de Dragon Ball, desde el comienzo del anime hasta Dragon Ball Super.Qiddiya es un importante proyecto turístico y de entretenimiento que se está construyendo cerca de Riad, la capital de Arabia Saudita. Es parte de los planes de la nación rica en energía para diversificar su economía alejándose de los combustibles fósiles.¿Por qué algunos fans no están contentos?El anuncio fue recibido con algunas críticas por parte de los fanáticos, citando el historial de derechos humanos de Arabia Saudita.Si bien algunos fanáticos de Dragon Ball recibieron con agrado los planes para el parque temático, otros en las redes sociales cuestionaron la decisión de ubicar la atracción en Arabia Saudita, según informó la BBC. El país ha sido criticado por su historial de derechos humanos, el trato a las mujeres y la falta de reconocimiento de los derechos LGBTQ+.¿Cómo nació Dragon Ball?Dragon Ball se publicó por primera vez en 1984. Se inspiró en la novela china Viaje al Oeste y en las películas de artes marciales de Hong Kong. Inicialmente tenía un enfoque de comedia, pero luego se convirtió en una serie de lucha llena de acción.La historia sigue las aventuras de Son Goku, desde la niñez hasta la edad adulta, mientras se entrena en artes marciales y explora el mundo en busca de las esferas del dragón, siete orbes mágicos que cuando se reúnen invocan a un dragón que concede deseos. A lo largo de su viaje, Goku hace varios amigos y lucha contra villanos.Dragon Ball se ha convertido en una de las series manga más exitosas de todos los tiempos. Su mezcla de comedia y lucha, junto con referencias culturales de la mitología china y los cuentos populares japoneses la hicieron un éxito rotundo.El manga ha sido traducido y lanzado en más de 40 países en todo el mundo. En 2006, cerca de 79.000 fanáticos japoneses votaron a Dragon Ball como el tercer mejor manga de todos los tiempos.En una encuesta de 2007 entre mil personas realizada por Oricon, Goku ocupó el primer lugar como el "personaje de manga más fuerte de todos los tiempos".
Bruce Dickinson, líder de Iron Maiden, se refirió al creciente precio de las entradas de conciertos. "Si quieres ir a ver el espectáculo de U2, creo que costaba 1.200 dólares por asiento en la esfera", dijo Dickinson [transcrito por Blabbermouth]. “No tengo ningún interés en pagar 1.200 dólares para ir a ver a U2 en la esfera, ninguno. Cien dólares, tal vez. Pero para mí lo importante es intentar mantener, por un lado, el tipo correcto de entradas al precio adecuado”.Dickinson sugiere que los asientos frente al escenario – “que todo el mundo dice que deberían ser los boletos más caros” – en realidad deberían ser “los boletos con el precio más razonable, porque dentro de la gente que va a ir al frente del escenario habrá personas que son verdaderos fanáticos, niños, personas que no pueden pagar tanto dinero, pero son las personas que necesitan estar al frente; ellos son las personas que mantendrán viva esta música”.“Y luego tienes a la gente que podría ser fan”, continuó el cantante de metal, “pero quieren traer a su esposa y no quieren pasar demasiado calor, sudar y todo eso. Entonces, hay algunos asientos en la parte superior o algo así, lo que van a elegir, y el precio es diferente”."Los promotores de alguna manera tienen que recuperar su dinero", concluyó Dickinson. “Entonces, es un equilibrio delicado, pero en general, los precios de las entradas se han disparado. Y algunos de los precios de las entradas que la gente paga, bueno, algunos de los precios que la gente paga, para mí, son una locura. Nunca pagaría ese precio, pero claro, probablemente no soy fanático de ese artista en particular. Las personas que lo son, tal vez piensen que vale la pena. Quiero decir, ciertamente con mis espectáculos, siempre hemos tratado de mantener los precios de las entradas dentro de los límites normales. Y lo mismo con Maiden”.Iron Maiden confirmó que estará en Colombia en noviembre de 2024. La agrupación estará en el Estadio el Campín, el próximo 24 de noviembre. Los precios oscilan entre 149.000 y 559.000.
40 años después del lanzamiento de This is Spinal Tap, considerada una de las mejores películas de rock de la historia, pronto veremos This Is Spinal Tap 2, que se encuentra actualmente en producción.This is Spinal Tap es una película estilo falso documental (mockumentary) que se estrenó en 1984 y se convirtió en un clásico de culto. La película sigue la historia del grupo de rock ficticio "Spinal Tap" mientras se embarcan en una gira que definirá su carrera.Spinal Tap está formada por tres músicos de heavy metal que poco a poco se están dando cuenta de que no son tan populares como antes. Aunque en el momento de su estreno This Is Spinal Tap tuvo un éxito moderado, fue después gracias al VHS que el filme cruzó fronteras y se mantiene como objeto de culto. Fue elogiada por la crítica al ser una sátira efectiva del rock y la música.La decisión de hacerlo al estilo de falso documental resultó exitosa y muy innovadora y sigue siendo considerado uno de los mejores "mockumentaries" o falsos documentales de todos los tiempos.Les contamos todo lo que se sabe, hasta ahora, de la película. ¿Quién dirigirá This is Spinal Tap 2?La dirección estará a cargo del director original de This is Spinal Tap, Rob Reiner. ¿Cuándo se estrena This Is Spinal Tap 2?Debido a que Spinal Tap 2 acaba de comenzar a filmarse en Nueva Orleans, actualmente no hay una fecha de estreno para la película. Sin embargo, lo más seguro es que se estrene en 2025. ¿Quién protagoniza This Spinal Tap 2?Repitiendo sus papeles como los tres miembros de Spinal Tap están Michael McKean como David, Christopher Guest como Nigel y Harry Shearer como Derek. ¿Quién más estará en el elenco de This Is Spinal Tap 2?Además de los actores que regresan, recientemente se anunció que los íconos de la música Elton John, Paul McCartney, la cantante de country Trisha Yearwood, Questlove y Garth Brooks se unirían al elenco.También estará el productor, director y músico Questlove quien ganó su primer Premio de la Academia a Mejor Película Documental con Summer of Soul.También se confirmó la presencia Lars Ulrich de Metallica, Chad Smith de Red Hot Chili Peppers, y la actriz Fran Drescher, conocida por The Nanny. ¿De qué trata This Is Spinal Tap 2? La trama de Spinal Tap 2 fue desarrollada por los miembros del elenco Guest, Shearer, McKean y Reiner, y seguirá al documentalista Marty DiBergi (Reiner) mientras se reúne con Spinal Tap para un concierto de reunión. La banda ha estado en pausa durante quince años y está previsto que el concierto de reunión sea su último show.