Victoria Sur tuvo la oportunidad de compartir escenario con Susana Baca en el 2010. El lugar de encuentro fue el Festival Jazz Domingo, en el Teatro Astro Plaza de Bogotá. Este encuentro creó una amistad que se fortaleció por el gusto que tienen ambas por las letras, pero sobre todo por la música folclórica latinoamericana.Camino de la patria es una adaptación que hizo Victoria del poema de Carlos Castro Saavedra, quien fue conocido como, 'el poeta de la paz'. Las voces de las cantantes se unen por primera vez para grabar una canción entre Armenia, Bogotá y Lima.Victoria sigue fiel al sonido latinoamericano y al poder de las letras en las canciones, por eso cuando pensó en esta colaboración necesitaba una letra que reflejara situaciones comunes entre Colombia y Perú. Esta colaboración es un sueño cumplido para la cantante quindiana. “Para mí tiene un gran significado a nivel personal y profesional esta unión con Susana, la admiro y la sigo desde hace mucho tiempo, ha sido un faro en mi carrera, pero además nos conocemos, hemos compartido escenario y momentos. Tenemos un lazo que nos une, su poesía, sus canciones y el interés por el tema social y la universalidad de su música” cuenta Victoria.Esta colaboración vio la luz después de 9 meses, como un parto afirma Victoria, “la idea empezó el año pasado y todo se fue dando, como es una adaptación de un poema, tuve que contactar a la familia del poeta hacer el proceso de los derechos y hablar con Susana a distancia”. Así grabaron la canción y el videoclip, el Teatro Azul de Armenia fue el escenario donde Victoria hizo las imágenes imitando un poco la propuesta que le envió Susana desde Santa Bárbara, San Luis de Cañete en Perú.La música estuvo a cargo de Camilo Giraldo (guitarra y producción), David Heincke (tiple), Julián Ferreira (contrabajo) y Rafael Lozina (percusión). La portada es un diseño de Fecho Yela.
Decir que mayo fue un mes movido para Chile no lo hace nada especial, en el contexto de una crisis mundial a cuestas que lleva más de un año. Pero no olvidemos que antes de la pandemia, nuestro país vivía una revuelta social. En este mes, elegimos cargos para gobiernos locales pero también a aquellas personas que escribirán la nueva constitución. Y muchos se llevaron una sorpresa: el pueblo chileno decidió que fuera, en su gran mayoría, gente fuera de las elites. Casi como si quisieran que el futuro lo escribieran sus vecinos y vecinas. En paralelo, la música nos entregó grandes lanzamientos, así que acá estamos, aunque cueste, con la esperanza intacta.Vean aquí los panoramas de mayo en Argentina | Brasil | Cuba | Colombia | España | México | Perú | Uruguay |Después de hacerse conocidos con una carrera allá por el año 2013, Mécanico parecía ser una banda del pasado. Pero si hace un tiempo nos sorprendieron con su single de regreso ‘Dos para las tres’, ahora llegan con una nueva canción que continúa centrándose en el psych rock que tan de moda ha estado desde hace algunos años. Desde ‘Dos para las tres’, single publicado en 2020, Mecánico vuelve a dejar clara su intención de comenzar a cantar en español, luego de que sus primeros pases fueran netamente en inglés, y dejan abierta la opción de un posible disco cantado 100% en nuestro idioma.¿Y qué si nos demoramos un poco en hacer las cosas?, ¿qué hay de malo en hacer las cosas lento? La vida como la vivimos hasta hace meses ya no corre más, nosotros también dejamos de correr. Niña Tormenta está de regreso con su preciosa voz para acompañarnos en este otoño, una canción que ya habíamos escuchado, fiel a lo que nos ha presentado hasta aquí, que crece en su versión grabada con una exploración de capas que logran transportarnos a un campo abierto, donde la hora punta del metro no existe. Los bombos estuvieron a cargo de Macarena Galaz, los teclados son de Chini.png; ambas encargadas de los coros de este estreno imperdible a cargo de Arturo Zegers en grabación, producción, mezcla y masterización. Flor de Rap sigue dando pistas de lo que será su nuevo disco, Mariposa, encargado de suceder al buen Gold, del 2020. Ahora es el turno de 'Real Love', una pieza junto a su hija Rossanita, que con 12 años ya pule aptitudes en las rimas. Este tercer single fue producido por Mirko Polic, Siene Music y Utópiko, y es estrenado junto a un clip a cargo de Guiller Ribbeck, en el que vemos a las cantantes pasando tiempo de calidad justo en este fin de semana en el que nos han enseñado a conmemorar el amor por nuestras madres. Parece que Lenwa Dura y Zaturno vieron El Agente Topo y les tocó una fibra sensible, porque la nueva canción de Tiro de Gracia, tal como dice el título, habla de la soledad a la que se ve expuesta nuestra tercera edad. ‘Solo’ cuenta con la voz de Ema Pinto que se roba la película en los coros, mientras que el video ocupa animación para graficar de manera bastante explícita la situación de abandono en la que muchos viven. Tal como dice Saturno al final de la canción: “Son realidades que no todos quieren ver, por eso voy a mostrarte una, una y otra vez como son”. Un disco que fue grabado durante la musicalización de la obra Pabellón de Viento, de Domingo Arancibia. Si la conmemoración a los 170 años de enseñanza de arquitectura en Chile se levantó como un espacio que no deja de cambiar, a forma de manto que se rehúsa a abandonar la fluctuación al estar suspendido, Nicolás Alvarado logró transformar la experiencia visual en compañía sonora mediante cuatro pasajes ideales para complementar el movimiento de este manto protagonista, que mediante el viento viene a cuestionar la rigidez de las estructuras y las formas. Un poco más de media hora para comprender la configuración de los esqueletos que habitamos, mediante la ambientación inevitable de las formas erguidas a nuestro alrededor.Princesa Alba está llena de novedades: acaba de firmar con el sello local Quemasucabeza y presenta lo que es el primer single de su esperado disco debut. Perreo moderno a cargo de una de las voces juveniles más destacadas de la región, producido por Nico Cotton en Buenos Aires; que llega con un clip nocturno lleno de pasitos para copiar. 'Acelero' no sólo introduce la nueva era musical de la chilena, también viene a engrosar la apuesta audiovisual que ha acompañado su carrera. Un estreno digno de viernes.Tortuganónima celebra los 20 años de trayectoria de Austin TV y lo hace con una reversión para 'El Hombre Pánico', en el que vemos a la agrupación de Gérard Bertin, Gabriel Molina, Belén Farías y Diego Widogski en un álgido clip, dirigido por Sebastián Arriagada con la colaboración de Rienzi Valencia en la iluminación. La energía de la pieza oficial se mezcla con los detallitos de Tortuganónima para entregarnos toda una experiencia de efectos y líneas. Menos de dos minutos para introducirse en el estudio casero de la agrupación, que en un 360º le hace honor a la banda mexicana de post-rock. Trip hop y juventud en el disco debut de Charlie Guns, banda oriunda de Antofagasta, en el norte de Chile. La agrupación ya cuenta con dos epés y para este largo se une a nombres como Martina Lluvias, Kid Poison y Dj See All, para engrosar su entrega que coquetea con el trip hop tanto como con el pop más sintético. Ser jóvenes fuera de la capital que viven desamores, problemas en el trabajo, ser adicto, sentirse solo; todo eso en medio de una pandemia mundial. Nueve canciones para introducirse en el imaginario de Solx, del que ya conocíamos el single ‘Good Boy’. Afro pintado para pasar el frío. Gianluca está teniendo un periodo de creativos singles, como ya escuchamos en 'Invierno' y 'Triste y Vacía' junto a Harry Nach. Ahora viajamos por los recuerdos de un amor que se rehúsa a dejarnos: 'Historias Pasadas' se atreve a esta textura que ya había explorado en su reversión al español de 'Won't Be Late'; una historia de una química difícil de superar, que sube hasta ese coro ideal para dedicar. La canción producida por Itchy y Buco cuenta con un video a cargo de Sebasvaski. No es la primera vez que Diego Lorenzini saca un temazo sin aviso previo. Tampoco es la primera vez que él y Niña Tormenta (Tiare Galaz) unen fuerzas (ya los vimos juntos en ese excelente cover de Violeta Parra llamado ‘Miren como sonríen’). Pero en ‘El Demonio del Mediodía’, la cosa va por otro lado. Con una letra que viene recordarnos como el sol cada vez se esconde más temprano, y que ruega por un “invierno naranja”, la canción tiene una mezcla entre percusiones más cercanas al beat con las clásicas cuerdas de Lorenzini y Galaz. Puntos extras por ocupar la siniestra cara del Oso Willy de Mundo Mágico, parque de diversiones y programa de televisión infantil, en la portada. Gracias por las pesadillas. “Y la verdad no sé rapear, solo quería tener más tiempo para hablar”, dice Denise Rosenthal al final de la sección rapeada de ‘Tiene Sabor’, la primera canción de Todas Seremos Reinas, después de la intro del mismo nombre que hace un paralelo notorio entre la propuesta de empoderamiento que estas canciones tienen y el reconocido poema de Gabriela Mistral ‘Todas Íbamos a ser Reinas’. El pop de Rosenthal se escucha claramente más depurado, pero lo que más destaca aquí son sus letras que han perdido el pudor de explicitar el mensaje que se quiere entregar, y que al final es el que le da el tono a estas quince canciones. Y no está sola, en esta aventura la acompañan Mala Rodríguez y Lola Índigo. A primera vista, un nombre como I. Entusiasmo puede sonar un poco extraño, incluso un poco obvio. Pero después de escuchar las cinco canciones que componen el EP es difícil no sentirse entusiasmado. Según la misma Javiera Mena el título salió del entusiasmo que le entregaba el arte dentro del periodo de pandemia y encierro, y logra traspasar ese mismo sentimiento con canciones con una producción bailable y muy cuidada. Pero no todo es baile, sino que también está ‘Dos’ y ‘Pasión AKA Ilusión’, dos baladas que recuerdan a la Javiera Mena más clásica y que termina de englobar I. Entusiasmo, un EP que podría ser fácilmente descrito como un pequeño empujón electropop necesario en estos tiempos.
Rawayana, la agrupación venezolana conformada por Beto Montenegro, Tony Casas, Alejandro Abeijón y Andrés Story, está estrenando su cuarto disco: Cuando los acéfalos predominan.Por Vanessa Velásquez Mayorga // @vanessavm__Tras 10 años de carrera, el nuevo trabajo de la agrupación nos presenta una faceta más madura en sus composiciones. Destacan, sobre todo, sus letras. La placa fue como un desahogo político en el que responden a lo que pasa en su natal Venezuela. Un instinto de levantamiento y crítica que, de a pocos, parece regarse por Latinoamérica.Acompañando el lanzamiento de Cuando los acéfalos predominan, la agrupación trabajó en el montaje de una instalación artística en la Ciudad de México, donde ahora residen sus miembros, en la que quieren expandir el universo sonoro del disco.Hablamos con Andrés y Beto, dos de los integrantes de la agrupación, días antes del lanzamiento de su cuarto álbum de estudio.¿Qué ha pasado en estos 4 años, entre Trippy Caribbean y hoy, para resultar en este disco?Beto: Más que qué ha pasado en estos 4 años es qué ha pasado en nuestra vida. Nosotros venimos de un contexto bien complejo, y como empieza el disco, es un conflicto que no sentimos que es nuestro.Conociendo el contexto colombiano, el argentino, el chileno, sé que se sienten igual. De alguna forma lo que pasó con nosotros es que después de 10 años diciendo que hay que tener una forma de escape para poder pensar correctamente sentíamos que hacía falta un disco en donde pudiésemos hablar sobre eso. Que reflejara esa introspección y ese análisis del que venimos incentivando a la gente, convenciéndoles de que es necesario. De salirte un poco del conflicto y analizar las cosas desde un punto de vista más fresco.Somos un proyecto que viene de un contexto sociopolítico muy difícil y complejo, y siempre hemos estado atados a ese mismo contexto. Este disco surge de la necesidad de conversar. El arte es conversar y comunicarse.¿Hacia dónde se dirigieron esas conversaciones, en qué momento decidieron hacer explícitas sus sensaciones y opiniones sobre el contexto sociopolítico latinoamericano?Beto: No son cosas que pensamos desde hace 4 años para acá, sino que son cosas que decidimos, como proyecto, abordar en este momento. Lo que podemos encerrar en estos 4 años es la determinación de conversar acerca de esto.Además, en paralelo al momento intenso de la gira como banda, intentamos desarrollar un documental cultural que tiene mucho que ver con el tema sociopolítico en Venezuela y en el que, por ahora, hemos fracasado. Este disco viene un poco desde todas esas frustraciones como banda. Creo que eso es lo que puede influenciar la decisión de por qué queremos hacer esta fotografía musical de lo que es ser jóvenes en Latinoamérica en estos tiempos.Andrés: Creo que también todos esos años en los que tuvimos el chance de conocer el continente, cosa que en verdad no habíamos podido hacer con tanta profundidad anteriormente, también condiciona a nivel de información y energía absorbida.El darnos cuenta de que nuestros problemas los tenemos en común con el resto de la región y que somos muy parecidos, aunque hay unas diferencias de timing y las cosas no ocurren a la misma vez en un país que en otro, pero pareciera que estamos todos atravesando lo mismo. Eso alimenta la búsqueda o la necesidad de conversar sobre estas cosas.Sobre todo, creo que era el paso natural a dar. 10 años después, 4 discos después, ya tocaba hacerlo. Se trata de hacer una fotografía y siempre va a tener mucha influencia de nuestra objetividad, pues así sucede con las expresiones artísticas, pero sí tiene una intención más descriptiva más que de nosotros haciendo un statement.Anunciaron el título y tracklist del nuevo disco acompañado de un manifiesto. ¿Cuál fue esa oscuridad a la que se refieren y qué descubrieron al encontrar la luz?Beto: No sé si hemos encontrado la luz como humanidad. En general, estamos sumergidos en esta locura: las estructuras políticas o de Estado están pasando por unos procesos bien complejos y por eso el disco se llama Cuando los acéfalos predominan, porque sentimos que se perdió la cabeza en ese sentido.Nos damos cuenta de que grandes corporaciones a nivel mundial han hecho desastres para el mundo, y estamos viendo las consecuencias o estamos teniendo acceso a esa información apenas ahora. La oscuridad está relacionada con ese ruido y con estas sensaciones de inestabilidad que tiene gran parte de la población mundial en este momento.Lo que establece este texto es que la única manera de afrontarlo (el ruido y la inestabilidad) es encararlo, y que lo encare gente que tenga el privilegio de haber sido educada y preparada para eso. El gran problema que tenemos es que no hay incentivos para que eso suceda, para que la gente con talento, educada y capaz quiera involucrarse de más porque es meterse en terrenos que son una locura. Pero también hay mucha gente que sí lo está haciendo, a su forma, y esos son los que nosotros llamamos "entes de luz”. Al final, siento que lo que ese manifiesto establece es que, si no nos involucramos, un grupo de gente interesante en el mundo, seguiremos siendo dirigidos por esta locura y seguiremos en la oscuridad.Es un disco que cuenta con 7 colaboradores en distintos tracks, de los cuales al menos 4 son Venezolanos. ¿Qué tal fue esa juntanza desde el exterior?Andrés: Algo que siempre hemos encontrado estimulante, en cuanto respecta a las colaboraciones, es poder trabajar con gente que admiramos, pero además con quienes ya hay una complicidad y una relación personal.Es mucho más divertido y más orgánico así, y hay una energía distinta. Las colaboraciones responden más que nada a eso. En el caso de los venezolanos, ya nadie de esa lista vive en Venezuela, estamos todos por el mundo, ciudadanos de ningún lado.Akapellah tiene 3 tracks en el disco, es consecuencia del concepto de cada canción y del universo que se plantea en cada composición. Recuerdo muy bien que vimos muy claro que no cualquier persona podía asumir esos roles porque requería de un campo bastante amplio y que sentimos pocas personas pueden abarcarlo.Eso de tener la capacidad de convertirse en otro personaje y apegarse al concepto que te proponen, y que el ego que has construido como artista no sea un obstáculo para tu convertirte en otra cosa. En ese sentido la colaboración de Akapellah fue clave.En el caso de Cheo, que es un gran colaborador de la banda desde hace 3 discos, lo consideramos miembro indispensable de nuestro proyecto y naturalmente iban a salir canciones con él.Fer Casillas es una gran amiga con la que trabajamos muy de cerca en la CDMX y que es de mis cantantes favoritas del mundo. Los amigos Invisibles, ¡imagínate! Referencia máxima para nosotros como músicos, como venezolanos y como proyecto nativo. En todas las categorías ellos son un pilar referencial para nuestro desarrollo y hoy en día ya los tenemos en una posición de colegas y panas.¿Cómo se dieron estas 3 colaboraciones?Beto: Akapellah, en mi opinión, es uno de los artistas más completos que tiene Venezuela. Tiene un intelecto admirable, tiene calle, se ha recorrido un montón, tiene versatilidad. Akapellah no solamente está en esas 3 canciones, también grabó coros, cantó, fue un colaborador más de todo el proyecto y ayudó en ciertas ideas dentro del estudio.Él es el featuring de este disco, realmente. Y lo que nos pasó fue que, basados en lo que pensábamos que necesitaban esas piezas, esas canciones, no veíamos a alguien con quien pudiésemos trabajar más rápido y contundente que con Pedro. Además, él viene del mundo de la improvisación entonces es un compositor extremadamente rápido, y creo que eso sentíamos que tenía que ser parte de este álbum, de que más allá de que fuese un disco de Rawayana, también queríamos colaboraciones a las cuales les tuviéramos muchísimo respeto y admiración, y con él es así. No nos dejó de impresionar en ningún momento.El lanzamiento de Cuando los acéfalos predominan viene acompañado de una instalación de arte en la Ciudad de México. ¿Qué hay detrás de esta decisión de expandir la experiencia del disco?Beto: es una manera de establecer un contacto con los seguidores más fieles de la banda aquí en la Ciudad de México. Un espacio para que puedan venir a sentir el disco, más allá de escucharlo, y para que vean gráficamente en dónde estamos cuando hablamos de lo que sentimos que es este ruido latinoamericano y global.Llevamos tres o cuatro meses hablando con Alfredo Correa y Adolfo Bueno, artistas con quienes hemos colaborado ya varias veces, y les transmitimos por donde iba la parte plástica y gráfica del disco, dirigido por el concepto de la portada y el arte de Joaquín Salim con quien también llevamos trabajando muchos años. Son muchas horas de conversaciones acerca del porqué nosotros hicimos las cosas, pero también de cómo ellos interpretan lo que hicimos. Ese es otro collab que no sale en el set list.¡La música nos une!
Aquí estamos, como de costumbre, con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial con reseñas de discos colombianos (álbumes de estudio y EP) para que se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo a los mejores temas y álbumes nacionales en este especial con lo mejor del 2020 . En esta oportunidad les presentamos el video oficial del grupo de reggae, rock y ska Alto Grado: Boom Fyah.ALTO GRADO FT AMOS PIÑEROS - BOOM FYAH (VIDEO OFICIAL)¿Quién está detrás? Alto Grado ya lleva desde el 2008 llenando de música la capital colombiana. Los acompañamos en 2013 en Rock Al Parque. Cuentan con dos álbumes de estudio Sonido Animal (2014) y Boom Fyah (2016). “Somos un grupo de cuatro amigos que reunidos por el rock y los sonidos afro expresamos nuestros sentimientos a través de la música”.¿De qué trata? Boom Fyah, la canción, en voz del grupo, “es una reflexión sobre Colombia inspirada en el grito de resistencia de una nueva generación que pide cambios sociales, políticos y económicos. En poder vivir a través del arte y expresarnos libremente para construir un país más justo para todos”.¿Sobre la producción qué? “Fue un momento de composición espontánea ya que se realizó en la última sesión de grabación, justo cuando ya no teníamos nada más preparado. Así surgió este ritmo de batería y guitarra para darle la base a Boom Fyah. Junto a artistas como Amós Piñeros (Ultrágeno, Tequendama), Javier Fonseca (Alerta Kamarada) y Haffid Candela, dejaron sus ideas para complementar la mística de la canción”.¿Sobre el video qué? Con una producción de dos días, el video oficial de Boom Fyah se grabó en Bogotá, Colombia bajo la gestión de la productora Anaconda de Oro.¿Cuándo escucharla? “Cuando quieran sentirse recargados de energía para transmitir un mensaje de fuerza”.
Aquí estamos, como de costumbre, con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial completo con reseñas de discos colombianos (álbumes de estudio y EP) para que conozcan y se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo a los mejores temas y álbumes nacionales del 2020 en este especial. En esta oportunidad les presentamos Tengo un día más de Urpi Barco, Elkin Robinson, Marta Gómez, Gina Savino y Jacobo Vélez.Tengo un día más - Varios Artistas¿Quién está detrás? Urpi, que en lengua quechua significa “paloma”, es una versátil y experimentada cantautora colombiana. Su proyecto creativo se fundamenta en una amplia investigación e interpretación de los sonidos de las costas colombianas mezcladas con elementos del jazz, músicas del mundo y la exploración vocal. Con casi 20 años de experiencia en el escenario, Urpi Barco cuenta con más de ocho producciones discográficas.¿De qué trata? Elkin Robinson de Providencia, Marta Gómez, Jacobo Vélez el “Callegüeso” de Cali y Gina Savino de Bogotá cantan en esta canción que es un himno de esperanza. La composición invita a entender el valor de las cosas sencillas del día a día, pues los planes, los viajes y los proyectos pueden cambiar.¿A qué suena? Inspirada en el aguabajo, uno de los estilos más alegres y populares de la música del pacífico colombiano, Urpi presenta en este sencillo elementos de otros géneros como el jazz, la electrónica y la salsa.¿Sobre el video qué? El sencillo viene con un clip casero, pero muy emotivo donde se ve a los artistas desde sus estudios haciendo arte. Un proyecto audiovisual bellísimo y, sobre todo, lleno de muy buena energía.¿Cuándo escucharla? Le recomendamos ponerla de alarma para despertarse con buenas vibras y la mejor actitud.Para ver | Chavela Vargas: ¿por qué es un ícono de la cultura latinoamericana?¡La música nos une!
Aquí estamos, como de costumbre, con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial completo con reseñas de discos colombianos (álbumes de estudio y EP) para que conozcan y se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo a los mejores temas y álbumes nacionales del 2020 en este especial. En esta oportunidad les presentamos Mala Fortuna de Linda Habitante y Santiago Bernal.Mala Fortuna - Linda Habitante, Santiago Bernal¿Quién está detrás? Linda Habitante es una cantautora que alimenta su propuesta musical con ritmos latinoamericanos y también por géneros globales como el rock, pop, rap o la música del mundo como el flamenco. Santiago Bernal es un músico bogotano que canta y compone desde las entrañas. Su proyecto es diverso, con sonidos que lo han influenciado a lo largo de toda su vida como los boleros y el rock and roll.¿De qué trata? Mala Fortuna fue compuesta por Linda Habitante y Santiago Bernal vía WhatsApp (debido a la pandemia), la idea nació luego de un par de charlas sobre el fracaso lo que terminó convirtiendo esta canción en un tema para reconocer las caídas como parte del proceso, de perseguir a la suerte, darse cuenta que no siempre está con uno y reírse de ello.¿A qué suena? La fusión entre los dos dio como resultado una canción de rumba flamenca con toques latinoamericanos. Un lamento que se puede bailar y llorar. Linda cuenta que “este tema puede ser una canción de tusa, o puede que no, en realidad puede ser lo que el que la escuche quiera que sea, pero sobre todo es una fiesta y una invitación a levantar la cara ante cualquier situación.¿Sobre el video qué? El video oficial es una sesión de grabación en vivo que ofrece una interpretación orgánica y honesta. Juanma Palacio fue el encargado del styling y arte del vídeo mientras que Pipe Belalcazar y su equipo fueron quienes capturaron el momento, Daniela Castañeda fue la fotógrafa y Daniela Reina quien estuvo detrás del maquillaje.¿Cuándo escucharla? Es ideal para esas noches de tertulias con amigos y vino en caso. Además tiene dos guiños a clásicos de la música en español como La Llorona y El Día de mi suerte.¡La música nos une!
Pasa con todos: N’Sync, One Direction, Fifth Harmony o Little Mix. Hay boy bands o girl bands que no duran toda la vida y ahora llegó el momento para CNCO. Joel Pimentel anuncia su salida del proyecto luego de cinco años y medio.En video | ¿Qué se le puede aprender a los grupos de K-Pop? CNCO responde - 1P ShockEl anuncio lo hizo la banda por medio de un comunicado en el que resaltan lo importante que son los fans para el éxito de CNCO desde el inicio hasta ahora. Luego se ponen un poco más serios e indican que “el viernes 14 de mayo será el último día de Joel como miembro del proyecto”.En el escrito recalcan que no fue una noticia fácil: “sabemos que será difícil para ustedes y para nosotros, pero agradecemos el apoyo pues estamos ansiosos de mostrarles la nueva era de CNCO y de que vean lo que tenemos preparado para ustedes”.La banda, ahora de cuatro integrantes, comentó que a pesar de que Joel se va “siempre seremos hermanos, lo apoyaremos en su próximo capítulo y será nuestra familia sobre todas las cosas”.Por su parte Joel en su cuenta de instagram publicó una carta en la que agradece el tiempo y el crecimiento profesional. Aunque publica que siente pesar por la noticia también declara qeu es “momento de crecer y explorar nuevos caminos artísticos, tiempo de comenzar a construir mi carrera y mi propio camino”.Finaliza agradeciendo a los otros integrantes: “A Erick, Chris, Richar y Zabdiel de corazón les deseo lo mejor mientras continúan el legado de CNCO. Hemos crecido y vivido tantas cosas juntos que ya somos una familia y somos hermanos”.La banda ofrecerá un concierto virtual el 14 de mayo para decirle adiós a Joel.Para ver | Morat se le mide a nuestro reto ‘¿Quién es quién?’ - Shock¡La música nos une!
Aquí estamos, como de costumbre, con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial completo con reseñas de discos colombianos (álbumes de estudio y EP) para que conozcan y se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo a los mejores temas y álbumes nacionales del 2020 en este especial. En esta oportunidad les presentamos Lenguajes iguales de Lady Arias.Lenguajes iguales -Lady Arias.¿Quién está detrás? Lady Arias ha soñado desde pequeña con vivir de la música, entiende que tiene una voz armónica, pero con el paso de los años ha pulido su forma de componer. Este tema es, de cierta forma, su debut en la industria colombiana. Fue participante del concurso de tv Factor X y ahora quiere demostrar que su impacto tiene más duración que el reality.¿De qué trata? En Lenguajes Iguales la cantautora utiliza todas sus armas para retratar el contacto mágico y enérgico de la sexualidad. Ella lo describe como “una canción para oídos sexualmente sensibles, mentes abiertas y cuerpos comunicativos”.¿A qué suena? La cantante nacida en Yopal lleva esta canción sus influencias musicales. Un poco de soul, otra pizca de R&B y cierta dosis de pop latino.¿Sobre el video qué? Se rodó en Yopal, capital de Casanare, y ciudad donde nació la artista. Fue dirigido por David Puentes en colaboración con Lady Arias. Una pieza audiovisual donde se abordó el concepto de resonancia límbica y la conexión que se genera a través de los sentidos, el alma, el cuerpo y la mente, esa que va más allá del género, la raza, el color de piel o la identidad sexual.¿Cuándo escucharla? Pronto Yopal va a estar en la mira de todos por el talento de Lady, su voz, interpretación y concepto artístico. Vamos a estar atentos a esta llanera.Para ver | Colectivos de mujeres que cambian el panorama de la música.¡La música nos une!
Aquí estamos, como de costumbre, con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial completo con reseñas de discos colombianos (álbumes de estudio y EP) para que conozcan y se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo a los mejores temas y álbumes nacionales del 2020 en este especial. En esta oportunidad les presentamos Después de mi ansiedad de Jaison Neutra.Después de mi ansiedad - Jaison Neutra¿Quién está detrás? Jaison Neutra es un cantautor nacido en Bucaramanga, pero que ha desarrollado su vida profesional y personal en el distrito de Barrancabermeja, considerada la ciudad más grande del Magdalena Medio. En 2020 estrenó su disco ResabiaO, considerado por Shock como uno de los mejores álbumes colombianos de ese año.¿De qué trata? Las canciones de Jaison son poemas hechos canciones y Después de mi ansiedad no es la excepción. El sencillo habla de esa relación mágica que llega en el momento justo de la vida y que viene acompañado de un amor pacífico y honesto. Sobre la canción, Neutra nos contó que “fue la primera canción en la que trabajamos para el disco, por eso es tan importante. Un tema que está armado de nostalgia y sensaciones bonitas”.¿Sobre el video qué? En el clip grabado en el olvidado Teatro Unión de El Centro, Barrancabermeja, se ve a Neutra enfrentándose a un auditorio completamente vacío. Cantarle a la soledad hace parte de la nueva normalidad que dejó la pandemia.¿Cuándo escucharla? Después de mi ansiedad se escucha con dos copas de vino mientras toma la mano de la persona que lo hace soñar con un mundo más justo y que ha hecho de usted un mejor ser humano.Para ver | Colectivos de mujeres que cambian el panorama de la música¡La música nos une!
Con cada lanzamiento, Mon Laferte toma más fuerza para convertirse en una figura indispensable en la industria de la música latina. A puertas de su próximo álbum de estudio invita a la mexicana Gloria Trevi a participar en una de sus canciones. El resultado es una oda al poder femenino.Para ver | Mon Laferte ganó en 2016 la categoría ‘Nueva Ola Latinoamericana’ en los Premios ShockDolor, resurrección y venganza, así describe Gloria Trevi su colaboración en el sencillo La Mujer. El tema sirve como antesala del nuevo álbum de Mon Laferte que se titula SEIS y que estrenará en abril de 2021.La canción y el videoclip son un grito contra el machismo, una forma de decirle a la cultura latinoamericana que se ha tolerado mucho que hombres se adueñen de los diferentes aspectos de la sociedad dejando a las mujeres en segundo grado de importancia.Para leer | ‘Misery Business’ de Paramore, la canción que llena de vergüenza a Hayley WilliamsLa mujer le habla a aquellas mujeres que asumen el reto de construirse y reconstruirse cada vez que es necesario. Es una obra para resaltar a todas aquellas que se cansan de la superioridad masculina para construir su propio camino en el que prima el bienestar personal.Laferte cuenta que desde que compuso la canción sabía que quería que fuera una colaboración con otra mujer y que la primera artista que se le vino a la mente fue Gloria Trevi, una colega suya que ha tenido que sobrepasar diferentes obstáculos en su vida pública y privada. “Trevi es de las primeras mujeres compositoras que se salió del esquema del estereotipo con mucha personalidad, casi que Gloria tiene la culpa de mi personalidad como artista porque somos mujeres seguras y libres”, puntualiza la chilena en un comunicado de prensa.En video | Shakira y la filosofía: 5 canciones donde evocó a grandes pensadores¡La música nos une!
Nick y Aaron Carter: ídolos caídos es una docuserie en dos partes de Investigation Discovery que explora las vidas de los hermanos Nick y Aaron Carter, el primero conocido por su participación en lso Backstreet Boys. La serie se estrenará en Max con su primera parte el 27 de mayo y la segunda el 28 de mayo. Además, estará disponible en Discovery a partir del 7 de junio a las 22:00 hs (Colombia) en un formato de cuatro episodios de una hora, con el estreno de un capítulo cada semana.¿De qué trata Nick y Aaron Carter: ídolos caídos?Desde su meteórica fama a finales de los años 90 y principios de los 2000 hasta los conflictos que los llevaron a los titulares en años recientes, la docuserie revela la tensa dinámica familiar de los Carter y un lado no tan conocido de su ascenso a la fama. Nick y Aaron Carter: ídolos caídos examina las acusaciones de abuso sexual contra Nick Carter, realizadas por tres mujeres, mientras aborda las luchas de Aaron Carter con la salud mental, el abuso de sustancias y la ruptura entre los hermanos tras el apoyo de Aaron a las denunciantes de Nick.En 2017, Nick Carter fue acusado de abuso sexual por Melissa Schuman, ex miembro del grupo musical femenino DREAM, mientras él y los Backstreet Boys estaban en la cúspide de su fama. En los años siguientes, otras mujeres, Ashley Repp y Shay Ruth, presentaron acusaciones similares. Durante este tiempo, Aaron Carter apoyó a quienes denunicaron a Nick, mientras lidiaba con sus propios problemas de adicción y salud mental, lo que llevó a una disputa pública entre los hermanos antes de la trágica muerte de Aaron en 2022. La serie profundiza en las acusaciones contra Nick y cómo se entrelazaron con la volátil relación entre los hermanos.La serie cuenta con entrevistas exclusivas a Melissa Schuman, Ashley Repp y Shay Ruth, quienes ofrecen perspectivas emotivas e impactantes sobre sus acusaciones contra Nick. Nick y Aaron Carter: ídolos caídos busca ofrecer una comprensión más profunda de las denuncias, y narrar la intensa reacción que las denunciantes han enfrentado desde que decidieron hablar públicamente, y el impacto duradero en sus vidas. La docuserie también incluye testimonios de un miembro de la familia Carter y amigos cercanos, como la ex novia de Nick, Kaya Jones, y la ex prometida de Aaron, Melanie Martin, brindando una mirada íntima a cómo la intensa fama y los conflictos provocaron una ruptura entre los hermanos.
Desde hace años en algunos conciertos en Colombia se vienen implementando los palcos, es decir, espacios delimitados frente al escenario destinados a grupos más grandes, normalmente de 10 personas . Es una modalidad usada principalmente en conciertos de reggaetón o música popular. Recientemente, Nicky Jam se pronunció al respecto. Nicky Jam dio una entrevista al canal de video 'Mario VI TV' y habló sobre la organización de conciertos en el país. Según el puertorriqueño, la forma en que se organiza al público en los escenarios en Colombia. a menudo dificulta la conexión con los artistas. Por eso dijo que "los conciertos de Colombia son los más difíciles", en un fragmento de la entrevista que se viralizó en X (Twitter). "El promotor pone palcos donde están los ricos, mientras que la masa que realmente canta las canciones está en las zonas generales. No sientes al público, porque los que están al frente no gritan ni hacen nada", comentó el cantante.Los palcos suelen tener costos más elevados que la taquilla general: recientemente para el concierto de Karol G, los costos del palco superaban los 24 millones de pesos. Además, Nicky Jam señaló que en algunos conciertos combinan artistas urbanos con intérpretes de vallenato y música popular, lo cual provoca que los fans del reguetón terminen en las zonas generales, mientras que aquellos que prefieren otros géneros ocupan los palcos. El cantante no está de acuerdo con esta forma de organización, ya que considera que el espectáculo debería ser para todos."Yo soy de energía. Si estoy en el escenario y no siento a la gente gritando, me desanimo inmediatamente", complementó el artista. Nicky Jam destacó al estadio Atanasio Girardot en Medellín como un buen escenario: "Me gusta cómo prepararon el Atanasio. Es sin palcos, por eso se siente como un verdadero concierto con el pueblo. Me encanta cantar y estar cerca de la gente, sentir que puedo chocar los cinco con alguien. Pero eso es lo que hacen los promotores de allá, y mis respetos para ellos por seguir contratándome", concluyó.Nicki Jam forma parte del cartel de La Eterna, evento que se celebrará el próximo 3 de agosto, precisamente en el Estadio Atanasio Girardot.
Pimpinela, el dúo argentino compuesto por los hermanos Lucía y Joaquín Galán, fue un éxito a finales de los 80 y principios de los 90, gracias a asus cancioens dramáticas con diálogos cantados. Canciones como A esa, Olvídame y pega la vuelta, Ahora decide y Ese estúpido que llama. En uno de los videos de Pimpinela hay un cameo que aún hoy, más de 30 años después de su estreno, sigue llamado la atención: eld el actor Christopher Reeve, conocido por interpretar a Superman. El video musical de Heroína Solitaria"debutó en 1993 como parte del álbum Pimpinela 92. El vídeo retrataba una fantasía romántica que involucraba a una joven secretaria que trabajaba para un poderoso hombre de negocios. A lo largo del vídeo, la trama se desarrolla con deseos reprimidos entre la "heroína solitaria" y su misterioso jefe, que inteligentemente nunca aparece del cuello para arriba, manteniendo un aire de misterio como el objeto secreto de su afecto.La interacción entre Lucía y Joaquín en la canción refleja una lucha constante entre mantener la profesionalidad y ceder ante los sentimientos. El título se refiere a su gran esfuerzo para mantenerse profesional en una situación que claramente la afecta emocionalmente. Mientras el dúo argentino interpreta su sentida canción ante un público cautivado, la trama se complica cuando el jefe olvida sus billetes de avión para un viaje crucial. En una carrera desesperada por entregarlos, la secretaria lo alcanza y le revela que no es otro que el propio Superman, interpretado por el querido actor Christopher Reeve. Reeve reconoce gentilmente su esfuerzo y queda cautivado por la joven.El video fue filmado justo antes del trágico accidente de Christopher Reeve en 1995, que resultó en una lesión en la médula espinal que lo dejó paralizado. A pesar de sus desafíos posteriores, Reeve, quien inmortalizó al superhéroe Superman, continuó inspirando a muchos hasta su fallecimiento, el 10 de octubre de 2004.
El lunes 6 de mayo del 2024, cuatro mujeres lesbianas sufrieron de un grave ataque homófobo en el hostal donde se estaban quedando. Todo indica que el responsable fue el propietario del lugar, Justo Fernando Barrientos de 67 años. El hombre lanzó una botella llena de líquido inflamable dentro de la habitación en donde se hospedaban las cuatro mujeres. Solo una de ellas logró sobrevivir. Pamela Cobbas, de 52 años, murió unas horas después del ataque y su pareja, Mercedes Roxana (52), murió después de agonizar más de 48 horas debido a que su cuerpo estaba en un 90% lleno de quemaduras. Otra de las mujeres, Andrea Amarante (42) logró sobrevivir un poco más. Sin embargo, a pesar de los esfuerzos del equipo médico, murió a la semana del asesinato. La pareja de Andrea, Sofía Castro Riglos, de 49 años, es la única que logró sobrevivir. Sigue bajo cuidado médico en el hospital. El presunto responsable fue encontrado por la policía tiempo después de los hechos intentando quitarse la vida con una motosierra. Lo que sucedió según los testigosSegún otros inquilinos que se quedaban en el mismo hostal de las mujeres, los gritos los levantaron después de la medianoche. Al verlas envueltas en llamas intentaron apagarlas con un extintor pero no fue posible. Por esto, las llevaron a la ducha más cercana. El incendio causado por la botella con líquido inflamable fue de tal magnitud que tuvieron que evacuar a unas treinta personas más ya que se extendió por una parte del edificio. Las manifestacionesPara exigirle al gobierno de Javier Milei y a las autoridades de que se haga justicia, el 13 de mayo del 2024 un grupo de 200 personas se reunió en la Plaza Colombia, donde tuvo lugar el asesinato, con pancartas donde se leí que era necesario abordar la violencia homofóbica. Sin embargo, el presidente Milei afirmó que este no era un crimen de odio y pidió mayor investigación.
Ya se estrenó en salas de cine If: amigos imaginarios, escrita y dirigida por John Krasinski y protagonizada por Ryan Reynolds. En un mundo donde la vida adulta y la realidad a menudo desvanecen la imaginación, Amigos Imaginarios explora esta premisa: “¿y si nunca es demasiado tarde para volver a conectarte con ella? Volver a ser niño, aunque sea por un momento". If: amigos imaginarios: ¿De qué se trata?La película lleva a los espectadores a un viaje lleno de asombro y maravilla, donde la fantasía se convierte en realidad y los amigos imaginarios son más que simples recuerdos.Amigos Imaginarios sigue el viaje de Bea, una niña de 12 años que descubre un extraordinario superpoder: la capacidad de ver a los amigos imaginarios de todos. En la cúspide de su adolescencia, lista para dejar atrás lo que significa ser una niña, una noche de verano mientras visita a su abuela en Brooklyn, su vida cambia."Contamos esta historia a través de los ojos de una niña que, al igual que mis hijos, está tratando de lidiar con lo cambiado que está su mundo", dice Krasinski en un comunicado de prensa. "Al hacer eso, podemos capturar la idea de que la imaginación no solo es una herramienta poderosa para divertirse, sino también un enorme mecanismo de afrontamiento que nos ayuda a dar sentido a las cosas que de otro modo podrían ser demasiado difíciles".Amigos Imaginarios es más que una película; es un recordatorio de que nunca es demasiado tarde para volver a conectar con nuestra imaginación interior. Una película que celebra la imaginación y la capacidad de creer en lo imposible. Mientras se embarca en la misión de conectar los corazones de todos, jóvenes y adultos por igual, recordándonos el valor de mantener vivos nuestros sueños más preciados. If: amigos imaginarios: ¿Cuál fue la inspiración? La inspiración para este viaje fueron los propios hijos de Krasinski, "Durante los primeros días de la pandemia, pude pasar mucho tiempo con mis hijas de 8 y 6 años y ver el poder de su imaginación. Pero a medida que avanzaba la pandemia, comencé a ver que sus luces disminuían. Habían estado tan llenos de energía y emoción, pero se estaban volviendo más cautelosos con todo" afirmó el director.