El sábado 12 de septiembre falleció a los 77 años Frederick Nathaniel “Toots” Hibbert, voz y líder de la legendaria banda Toots & The Maytals. Su muerte ocurrió en Kingston, Jamaica, dos semanas después de haber sido ingresado en un hospital privado por coronavirus. Toots, nacido en 1942, será recordado, entre otras cosas, por ser a quien se la atribuye la invención de la palabra “reggae” para referirse al género musical jamaicano por su popular canción Do the reggay, lanzada en 1968 cuando el ska transitaba al rocksteady y el rocksteady a la explosiva popularización del reggae. Según contó Toots en una entrevista a la BBC, en el slang jamaicano el término “reggay” se utilizaba para referirse a una persona desaliñada. La noticia del fallecimiento de Toots fue confirmada a través de las redes oficiales de la banda. “Es con gran dolor que anunciamos que Frederick Nathaniel 'Toots' Hibbert falleció pacíficamente esta noche, rodeado de su familia en el Hospital Universitario de West Indies en Kingston, Jamaica. La familia y su equipo de administración desean agradecer a los equipos médicos y profesionales por su cuidado y diligencia, y pide que se respete su privacidad durante su tiempo de duelo”. Recientemente, los Toots & The Maytals publicaron un álbum con nueva música después de 10 años sin estrenar material. Got To Be Tough se titula la placa que fue estrenada el 28 de agosto. La reaparición de la banda en 2020 ocurrió con una nueva versión del tema Three Little Birds de Bob Marley, en una versión a la que se sumaron Ziggy Marley y Ringo Star. Si bien Toots no alcanzó el reconocimiento internacional de otras leyendas del reggae, su extensa producción de incluye más de 20 álbumes entre estrenos, compilaciones y lives, entre los que se destaca, desde luego, el que pudo haber sido su mayor éxito: Funky Kingston, tema incluido en un disco homónimo en 1973.
Aquí estamos, como de costumbre, con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial completo con reseñas de discos colombianos (albumes de estudio y EP) para que conozcan y se empapen de la diversidad musical del país. También puede echarle un ojo a los mejores temas y álbumes nacionales del 2019 en este especial. Victims of Colonization - Job Saas ¿Quién está detrás? Con 40 años de trayectoria musical, el sanandresano Job Saas es considerado uno de los artistas pioneros del reggae en Colombia. También conocido como "The Farmer Singer", fue una de las voces principales de la recordada banda The Rebels, pionera en el país en interpretar, en la década de los ochenta, además del reconocido género musical jamaiquino que hizo famoso a Bob Marley, otros ritmos caribeños como la soca y el calipso. ¿De qué trata? En Victims of Colonization el sanandresano retoma su línea de denuncia social para retratar la realidad de segregación, corrupción y discriminación que vive el Archipiélago de San Andrés y Providencia, un territorio reconocido por su belleza natural y su mar de los siete colores, pero olvidado en muchos aspectos básicos para su desarrollo. ¿A qué suena? El sencillo es un canto de reggae poderoso en el que importa más el mensaje que el mismo sonido. Evidentemente se ve reflejado el conocimiento y la maestría en reggae que tiene Job Saas. ¿Sobre el video qué? No tiene video oficial, sin embargo, hace unos meses se estrenó un documental de 10 minutos donde se puede conocer mucho más sobre su carrera y vida. ¿Cuándo escucharla? Cada vez hay más activismo por parte de las nuevas generaciones. Victims of Colonization tiene todo el potencial para convertirse en una de esas canciones de lucha por mantenernos firmes en lo que somos como habitantes de nuestros territorios. Para ver | Haters: cómo sobrevivir a los 'trolls' sin fallar en el intento #LaMúsicaNosUne
Aquí estamos, como de costumbre, con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial completo con reseñas de discos colombianos (albumes de estudio y EP) para que conozcan y se empapen de la diversidad musical del país. También puede echarle un ojo a los mejores mejores temas y álbumes nacionales del 2019 en este especial. Apagar la luz - Juan Pablo Vega ¿Quién está detrás? Juan Pablo Vega es uno de los productores de pop y pop alternativo más reconocidos de América Latina. El ganador de premios Latin Grammy y Shock lanzó en 2019 su primer EP con Warner Music y en 2020 ha ido estrenando sencillos que muestra la versión más real y honesta del artista. Apagar La Luz fue escrita por Juan Pablo Vega junto a Camilo Restrepo y producida por Vega en El Desierto Casa Estudio y La Finca Estudios. En este video recordamos el cierre de su gira Conexión. ¿De qué trata? La canción habla de desconectarse de todo, mermar la actividad y reconocerse en la oscuridad con toda la fascinación que conlleva apagar la luz y descubrirse por medio del tacto con la persona que se quiere. ¿A qué suena? Juan Pablo explica que el ritmo de la canción nació del deseo de hacer un stepper, sonoridad muy particular del reggae. El sencillo es una balada reggae que tiene demasiado sentimiento y poder en la interpretación que Juan Pablo hace. ¿Sobre el video qué? El clip dirigido por Mario Rincón y producido por Naked Nation es el segundo capítulo de la trilogía animada que inició con Joderlo Todo. En esta entrega de la saga encontramos a los personajes disfrutando su escapada en medio de playas, recuerdos y tensiones. ¿Cuándo escucharla? Lo ideal sería escucharla al lado del mar, pero el hecho de escucharla con los ojos cerrados logra transportar al oyente a un lugar imaginario lleno de paz y armonía. Para ver | C. Tangana: la cuarentena, la crisis en España y la nostalgia en su EP 'Bien :(' #LaMúsicaNosUne
Con 40 años de trayectoria musical, el sanandresano Job Saas es considerado uno de los artistas pioneros del reggae en Colombia. También conocido como "The Farmer Singer", fue una de las voces principales de la recordada banda The Rebels, pionera en el país en interpretar, en la década de los ochenta, además del reconocido género musical jamaiquino que hizo famoso a Bob Marley, otros ritmos caribeños como la soca y el calipso. The Rebels duró poco menos de 10 años entre los 80 y 90. La banda dejó un gran legado para el reggae y la historia de la música caribeña en el país. Tres trabajos publicados con Codiscos (The Rebels: Made In San Andrés, De San Andrés Con Amor y Caribbean Jam), llevaron su sonido por Colombia, Europa y las Antillas, lugares donde cosecharon un gran número de seguidores, incluido el mismo Jorge Barón, quien les dedicó una entrevista para el programa Embajadores de la música colombiana. Tras independizarse de la banda, Job Saas se mantiene vigente. Roots Prophecy y Roots and Culture son algunas de las agrupciones en las que ha estado. Con la más reciente, The Heart Beat (Caribbean reggae roots), participó en eventos como el Green Moon Fest (San Andrés), el Festival Altavoz (Medellín) o el Sancocho Fest (Tuluá).También estuvo como banda invitada a los 20 años de Rock al Parque. Hoy es uno de los artistas más reconocidos en el Archipiélago, y además un respetado activista raizal. Es líder del RIMM (Raizal Indigenous Musician Movement), un movimiento de músicos y artistas nativos raizales, que busca defender sus derechos y fortalecer la escena cultural del archipiélago. También es defensor de una vida más sostenible, así que él mismo trabaja la tierra en su finca, Paradise Farm, ubicada en El Cove, al sur de la isla de San Andrés, que se ha convertido en atractivo turístico. “Mis padres y abuelos me enseñaron a trabajar la tierra y este trabajo, al igual que la música, hace parte también de mí. La naturaleza siempre ha sido el mejor lugar para componer e inspirarme”, cuenta.
En pasado mes de abril la agrupación capitalina de reggae Alerta Kamarada celebró el lanzamiento de su séptimo disco Love is in da house y sus 22 años de vida artística, dos grandes argumentos para rodearse, tocar y cantar con los mejores de la música colombiana. Fue así como el Teatro Colsubsidio Roberto Arias Pérez se llenó del reggae de Alerta Kamarada, el vallenato y la guaracha de Aníbal Velásquez, la cumbia y el porro de Lisandro Meza, los sonidos del Pacífico colombiano de Nidia Góngora, el calipso y zouk de Elkin Robinson y el hip-hop de Rocca. El ensamble con los ritmos de los artistas invitados resultó en un concierto con una increíble puesta en escena en el que los intérpretes estuvieron acompañados de once músicos en escena y un show de luces que enriqueció el espectáculo. A las canciones de Alerta Kamarada como Deep sky blues, Afrika me come, Levanta tu puño y Mujer, entre otros, se sumaron las colaboraciones de los maestros invitados con las tradicionales Un poquito de Cariño de Aníbal, La cumbia del amor de Lisandro, Historias de pueblo de Nidia la cantaora, Sonido prendido de Elkin y Somos uno del rapero Rocca. Alerta, reggae, cumbia, ritmo y Kamarada, será la oportunidad para que los colombianos puedan apreciar esta gran fiesta que vivió la banda en Bogotá. Prográmese este domingo 18 de noviembre a las 5:00 p.m.
Sonidos Bestiales es nuestra cacería por las historias detrás de los sonidos en Colombia. Esta vez presentamos un parche liderado por el bogotano Richie Bones que ha traído a la cultura bogotana una de las expresiones más insignes de la cultura dub y reggae: el sound system El Gran Latido. Los sound system son consolas de sonido hechas con cajas artesanales que tuvieron su origen en Jamaica, pero que hoy retumban en diferentes partes del mundo logrando que la cultura crezca y demostrando que son mucho más que un arrume de aparatos. En torno al sound system se reúne un sound man, MC (cantantes), box boys, productores y sobre todo, la comunidad que recibe en sus calles esta mezcla de música y mensaje. El Gran Latido nació en Bogotá y ha venido organizando los conciertos más importantes del género y con artistas de primer nivel de todo el mundo. Aprovechamos la presencia del colectivo francés O.B.F. (Original Bass Foundation) para entender todo lo que hay detrás de esta cultura, para palpitar con él y unirnos a su solemnidad. Descubra cómo se sostiene esta movida, de dónde viene, para dónde va y cuál es la mística que ha unificado este sentir en todo el mundo.
Zona Ganjah es una de las agrupaciones de reggae con más convocatoria en Latinoamérica. Fue formada en 2003 por José Gahona y hoy por hoy es una de las bandas de este lado del continente con más recorrido y vigencia de esa segunda generación, inspirada por Los Cafres o Gondwana, que creció al mismo tiempo que Internet, repartiendo discos para descarga gratuita. Con seis discos como carta de presentación, y después de coronar varios de los escenarios más importantes para el género en el continente, Zona Ganjah vuelve a Colombia, a un Jamming, pero esta vez en su versión soleada, el Jamming Summer Fest. Hablamos con José Gahona, que por estos días está construyendo el nuevo disco con la banda, antes de su paso por Colombia ¿Cuál es el momento del reggae latinoamericano? Yo creo que estamos en un buen momento del reggae porque hay bandas consagradas que están disfrutando de esa posición. Una posición que se ve reflejada en festivales grandes. A nivel latinoamericano el reggae está posicionado gracias a esas bandas, pero también noto que no hay un recambio de bandas. Nosotros llevamos unos 15 años, pero hay bandas que tienen más de 25 como Los Cafres o Gondwana que todavía se mantienen. Después de que se posicionaron Los Cafres aparecieron muchos nuevos artistas como Zona Ganjah, pero en este tiempo no noto que estén apareciendo artistas nuevos que vayan a posicionarse. Me gustaría que pasara, por eso trabajo en esto como productor. Hubo como un delay que hizo que faltaran bandas nuevas que se posicionen rápidamente. No sé si fue que nosotros aprovechamos bien el momento en el que salió internet, pero tal vez ahora hubo otro cambio que hizo que se volcara todo a las plataformas digitales. Y capaz que hay muchas bandas nuevas pero el ambiente es más exigente. ¿Y en qué está la música hoy? ¿Cree que está acabándose la música que intenta ponerle mensaje a las letras? Está pasando. Hay géneros que, como decimos en Argentina, “se van al pasto”, que es ya cuando es muy bajo. Yo he escuchado música de la radio pública con letras demasiado bajas, demasiado obscenas. Muy explicitas también. En un tiempo quizá era una cosa de doble sentido, pero hoy está tan explícito que si un niño lo escucha, está en un vocabulario tan claro que va a entender qué se está diciendo. Pero por otro lado, también soy realista y creo que la música que surge es el reflejo de nuestra sociedad. Hay que hacer cambios, primero empezar con uno mismo y quizá la música vaya a cambiar de esa manera, porque fíjate que la música surge cada vez que hay movimientos sociales grandes. Cuando hubo el movimiento hippie surgió mucha música que hablaba de paz y amor, tuvo mucho peso en el reggae y en otras letras bastante tranquilas. Con internet también pasa que puede que se degenere todo con esto del peligro de mal informarte y hace que el contenido de la música termine en cualquier cosa. Me parece una lástima, porque la música es muy poderosa y si la usas mal puede llegar a tener consecuencias muy negativas en la sociedad, por eso los artistas que hacemos reggae hacemos un aporte a la sociedad. No solamente es música, sino que es entregar un mensaje que enriquece a la persona y no la perturba. En Colombia la política antidroga se está endureciendo y ahora que hablamos de las letras de las canciones, ¿cómo explicar en un entorno tan conservador que haya música con letras que hagan referencias recurrentes al uso de la marihuana? El tema se divide en dos partes. Estarían haciéndolo al revés intentando lograr un cambio con mano dura. Pasó con el hip hop. Cuando el rap surge en Estados Unidos las letras eran muy duras, porque hablaban de drogas, de armas, de violencia. El gobierno en ese entonces también pensó que el rap estaba generando esa situación, pero en realidad estaban contando lo que pasaba en la sociedad. Si los gobiernos quieren hacer un cambio creo que deberían educar a la sociedad y la sociedad manifestaría otros tipos de música. El tema de la marihuana es muy relativo. En muchos lugares es legal. Depende del lugar desde donde se vea. Entiendo que en Colombia tienen una situación delicada por la historia de narcotráfico y seguramente está muy estigmatizada. Pero si miras un poco más allá, en otros países como Uruguay, donde ya es legal, están más que demostrados los beneficios medicinales de la marihuana. Verle el lado negativo me parece anticuado. Ya hemos avanzado mucho en ese aspecto. En Argentina, por ejemplo, también se legalizó la investigación científica y gracias a eso se han dado cuenta de los tremendos beneficios que tiene la marihuana, siendo una medicina que es prácticamente la medicina más efectiva y casi la única que no tiene efectos secundarios en enfermedades de niños como la epilepsia o el autismo. En cambio, los medicamentos farmacéuticos generan efectos secundarios y realmente no curan. Las madres se han dado cuenta de cómo sus hijos sanan y vuelven a estar presentes y un poco más normales gracias a la marihuana. Ya hay pruebas demasiado explicitas y empíricas que demuestran el beneficio real de la marihuana. La forma de verla es muy relativa y entiendo que dentro de Colombia sea más delicado por la lamentable historia del narcotráfico, pero entonces meten a la marihuana en el mismo saco de las demás drogas y queda estigmatizada por cosas que no tienen nada que ver. Aunque, de hecho, para combatir el narcotráfico no hay que empezar por hacer cosas como prohibirle a los artistas que hablen de la marihuana, sino al contrario: educar acerca de la marihuana y quizá hasta legalizarla para que la gente tenga un consumo sano y natural y no estén recurriendo al narcotráfico. Es la manera más obvia e incluso está demostrado que en los países de Europa y en todo el resto de los países donde ya es legal. En ese sentido me parece que estarían bastante confundidos. Sobre todo si la música no pudiera hablar de marihuana, porque por ejemplo en el caso de Zona Ganjah, si se adentran un poquito más, se pueden dar cuenta que las letras van mucho más allá de la marihuana. ¿Cuál es la forma de empezar a hablar del consumo? Todo empieza por la educación. Yo la manera que tuve de educar a mis padres y que se dieran cuenta que realmente no estaba drogándome fue buscándolos y mostrandoles información. En ese tiempo, cuando era más chico, Internet no era tan accesible como ahora. Yo tenía un libro que se llama La marihuana medicinal. Era un libro gigante donde salían todos los estudios científicos que se habían hecho con la marihuana. Hoy es mucho más fácil porque abres YouTube y pones: “marihuana, epilepsia, niño” y te salen videos de niños teniendo convulsiones que, segundos después de darle un extracto de marihuana, las convulsiones paran. Ahí tú ves un dato que no puedes negar. Por más miedo o complejo que tengas sobre la marihuana, si ves ese tipo de información empiezas a entender. Eso es educar. Hoy en día es muy facil porque tenemos acceso a toda la información científica que hay, pruebas explicitas y archivos científicos que pueden echar abajo todos los estigmas que tienen. ¿Cómo fue el momento en el que lo habló con sus padres? Yo tenía alrededor de 15 años. Entre los 15 y los 18 fue mi periodo de lucha con mis padres, que creían que yo me estaba haciendo daño, pero creo que en el momento en el que realmente ellos entendieron, más allá de los libros y la información, fue en el momento en el que ellos me vieron fumar. Se terminaron de dar cuenta de que no era lo que se imaginaban, porque ellos pensaban que si yo fumaba me iba a volver loco, iba a ser irresponsable con mi propio cuerpo, iba a perder la conciencia, pero me vieron fumar y vieron que yo tomaba un estado de conciencia alterado positivo, no negativo. Me ponía más conciente de mi mismo, más positivo, menos nervioso. Tenía todos los beneficios de cualquier persona que usa la marihuana en un estado sano. Porque también hay casos particulares en los que la marihuana también puede ser dañina, como lo puede ser una naranja para alguien que tiene una ulcera. ¿Y cree que el público está preparado para empezar a hablar del uso de la marihuana de una forma más informada? Es muy relativo. En la forma de recibir el mensaje hay una gran responsabilidad de cada uno. No se puede hacerle toda la tarea a quien consume. En mi música puedes encontrar canciones en donde te hablo de la marihuana como marihuana, de que tengo ganas de fumar. Y se puede tomar como algo bastante superficial, pero eso también es parte de la libertad de expresión. Así como si quisiera hacer una canción sobre comer una naranja, las hago sobre marihuana porque es algo que me prohíben y es parte de mi libertad. Si bien eso tiene un trasfondo que no es medicinal, tiene un trasfondo acerca de la libertad de expresión y de mi libertad como persona para conectarme con las plantas, que es un derecho innato que deberíamos tener todos: explorar la conciencia. No solamente es lo medicinal físico. Hay un trasfondo de descubrimiento espiritual y de conciencia que te desarrolla la marihuana. La misma canción puede ser escuchada por una persona prejuiciosa y esa persona puede decir que es superficial porque lo único que dice es “fumar y fumar marihuana”. Pero puede ser escuchada por otra persona que no tenga esa visión y que entienda el trasfondo de que ese cantante tiene libertad de expresión, de autodescubrir su conciencia y de explorar su espiritualidad. Depende de la interpretación de cada uno, aunque no podemos obligar a las personas que no sean prejuiciosas.
La explicación más fácil para su nombre artístico, OneChot, es que recibió un balazo en la frente y, evidentemente, sobrevivió a él, pero en realidad se debe a que en Jamaica confundían “Juancho” con “one shot”. Juan David Chacón no es solo uno de los principales exponentes del reggae en Venezuela, sino que además es un conocedor del género (es el autor del libro Regue y Rastafari: dos formas de entender el Caribe), un sobreviviente de la violencia urbana en Venezuela y activista de los derechos humanos. En 2003, Amnistía Internacional lo llamó para que fuera parte de la campaña Basta de Balas. Actualmente es vocero de esa organización, e hizo un álbum que se llama Tu Voz es tu Poder que se estrena pronto y es una campaña en la que cambian el CD por medicinas. Por Jhonny R. Quintero // @JhonnyRQuintero Vino a Colombia por su tour en el que celebra 20 años de vida artística. Pero, a diferencia de la mayoría de artistas venezolanos, al final de la gira volverá a su país, del que se niega a migrar a pesar de que la situación de Venezuela hace que su oficio se haga más difícil. En esas dos décadas le ha cantado a todo, a la violencia, al amor, a la desigualdad, al despecho, a Caracas, y desde diferentes ritmos como el Reggae, el Dub, el Dancehall, entre otros. Su último álbum tiene varias colaboraciones particulares y multiculturales. En él participan Jhoabeat, un beatboxer que hace todos los instrumentos con la voz; la cantante Hanah Kobayashi, venezolana descendiente japonesa; Jerry Wale, y Víctor Cuilca, ambos músicos jazzistas. Shock habló con el artista venezolano sobre su música, su visión de la situación de Venezuela y Reggae. ¿Por qué ritmos como Reggae, Dancehall o Ska han pegado tanto en esta parte de Latinoamérica? En el caso de Venezuela, somos la extensión de Caribe más grande del continente, ni siquiera sumando todas las islas dan una extensión tan grande. Nosotros somos la representación del Caribe en su máxima presencia y más bien no entiendo cómo tardó tanto en que esto pasara. Primero, el Canal de Panamá fue nuestra mayor influencia porque allí fue donde convergieron por primera vez todas las culturas caribeñas en un mismo sitio y de ahí se difuminaron a lo largo de toda Latinoamérica. Somos la semilla del Caribe. En la investigación del libro Regue y Rastafari: dos formas de entender el Caribe, ¿qué es lo más destacado que encontró? Todo viene del Mento, después vienen el Ska, el Ragga Steady, Reggae, y luego viene el Dancehall, y siempre estuvo el Dub que era como el lado B de los discos. Siempre preguntaban “¿qué ponemos en el lado B? Pon lo mismo pero sin la voz”, y ahí los ingenieros se dedicaban a inventar con los efectos y terminaron por crear una cultura que es la del Dub. Jamaica es la Meca de todo esto, pero no se quedó ahí, se expandió. Hoy en día Saint Croix es la isla donde más reggae se hace. Si vas a buscar reggae en Jamaica no vas a encontrar nada. La situación allá es ruff (rough). Con el tiempo no solo ha explorado varios ritmos, sino que sus letras han pasado de ser sociales a románticas, ¿por qué? El tercer álbum (Natural) fue mi clímax de las letras románticas porque acababa de salir de una relación que me dejó marcado y lo solté todo ahí. Compuse ‘No voy a pensar en ti’, ‘Canción bonita’, ‘Eternamente’ que son temas de amor. Pero ya volví a la protesta, no tan fuerte como antes porque siento que hay que llenar de ánimo a la sociedad venezolana en este momento tan único. Yo siento que caer en el mea culpa no es lo que debo hacer. La estamos pasando mal, pero podemos mejorar. Precisamente por ese momento que está pasando Venezuela es que muchas de sus bandas más importantes han migrado del país, ¿por qué usted no se ha ido? Porque siento que mi misión es colaborar con el rescate del rumbo democrático del país. Venezuela me ha dado todo, y ahora que el país me necesita a mí siento que es muy injusto que yo me vaya. No estoy en desacuerdo con los que se han ido, están dejando el nombre del país bien parado donde quiera que vayan. Yo siento que hago más estando en Venezuela que afuera. Y al quedarse, ¿qué retos ha encontrado? La migración de los músicos es cada día más. La clausura de sitios y bares para tocar es muy alta. Hoy en día se han abierto lugares nuevos porque los bares clásicos de la escena del reggae ya no existen, y muchos sitios han ido mutando a tendencias musicales que venden. Pero siempre surgen lados B de gente que se preocupa por la cultura, que quiere hacer cosas, y ahí estoy yo. Y en ese perder músicos por la migración, ¿cómo le ha ido? Tengo la suerte de que en mi banda solo se han ido los guitarristas. Afortunadamente mi guitarrista actual, Dr. Norris, que además es mi DJ y productor, es un ser de luz. Él vino a mi banda a llenarla de vitalidad. De mis anteriores guitarristas, Edgar Rodríguez, que es amigo mío de toda la vida, se fue para España. Luego vino Alejandro García, que se fue para Estados Unidos el año pasado. ¿Se puede crecer musicalmente en Venezuela sin el apoyo del gobierno? Porque se ha visto que muchos artistas tienen que adherirse a la política para encontrar espacios en conciertos, eventos, etc. Yo no toco con el Estado. Para mí, es un régimen y no estoy de acuerdo con ellos en absoluto. Pero hay muchos músicos que respeto y quiero que tocan con ellos. En mi banda hay dos ‘oficialistas’ (adeptos al gobierno) y ellos saben que conmigo no van a tocar con el Estado. Tampoco toco para la oposición porque son más de lo mismo. Yo busco tocar para la gente, y donde me abran tribuna, ahí estaré. Es difícil crecer así, pero se puede. ¿Cómo fue el antes y el después del incidente del balazo en 2012? ¿Cómo lo influyó en su carrera? Siempre he sido una persona muy espiritual, defensor de los derechos sociales, hago parte de Amnistía Internacional, pero a partir de 2012 veo la vida como un regalo, cada día que abro los ojos le agradezco a Dios. Musicalmente lo que he cambiado no tiene que ver con lo del disparo sino por la situación del país. Siento que ayudo más si hablo bien que reforzando las ideas negativas. He hecho canciones como Rotten Town que es muy fuerte, y el vídeo lo censuraron el mismo día que se lanzó. Se sabía que lo iban a censurar porque la semana anterior el diario El Nacional tuvo un problema por publicar fotografías de la morgue de Caracas y desde entonces el gobierno sacó una ley que prohíbe los contenidos explícitos en los medios. Pero lo censurado llama más la atención del público, y la gente igual buscó el vídeo en Internet. Cada vez que hay una mortandad en Venezuela, el vídeo de Rotten Town se convierte en tendencia, lo que no me llena de orgullo porque me gustaría que fuera ficción. Pero con Hernán Jabes, quien fue director del vídeo, planeamos hacer el vídeo de Renacer, el tercer sencillo de mi último álbum. Siento que en Venezuela hay más cosas buenas que malas, entonces no puedo enfrascarme a hablar de lo malo cuando sé que hay cosas buenas. Sí, estamos pasando un momento difícil y eso lo sabe todo el mundo, que la gente se está yendo está a la vista de todos, pero no me puedo quedar en eso. Voy a hablar de las cosas buenas de Venezuela para que la gente sepa que todavía pasan cosas bonitas. ¿Cómo cree que desde su arte ayuda a que la situación del país mejore? Si logro cambiar la visión de una sola persona, estoy haciendo mi trabajo. Si logro cambiar la visión de muchas personas, mi trabajo está llegando a más. Yo lo que busco es trascender, que mi mensaje perdure. Si me reconocen y mi música ayuda a la reconstrucción de un país, ya lo habré logrado.
Tarmac es reggae nacional, reggae conciente y crítico reflexivo. No son pocos los años que llevan transitando por la escena, nacieron en el 2005 por influencia de la música jamaiquina y de grandes artistas de la música afro y desde entonces han lorado posicionarse como una de las bandas más representativas de Reggae a nivel nacional. Han producido tres álbumes independientes y pisado las tarimas de festivales duros como Rock al Parque, Estéreo Picnic, Altavoz Internacional y Rototom Reggae Contest Latino Después del lanzamiento de su quinto álbum titulado Mash Dem Down producido en Europa y Estados Unidos, Tarmac presenta su nuevo videoclip We got it como homenaje a la música jamaiquina y a la cultura rastafari a lo largo del planeta, una evocación a las raíces y la espiritualidad, la oración y el Nyahbinghi. Esta producción audiovisual muestra la evolución y madurez que ha logrado no sólo a nivel musical sino también desde la imagen al transmitir el contenido de sus letras y su livity Rastafari. El video es una coproducción de Crew Dealers, Barrio Adentro y Mr Ed, realizado en Antioquia.
Los Caligaris cumplieron 20 años de carrera artística el 24 de agosto de 2017, pero no esperaron hasta agosto para celebrar, como buenos fiesteros, declararon el 2017 como el año de la celebración y desde el primero de enero empezaron con shows y fiestas que declararon oficiales por su aniversario número 20. Durante todo este tiempo se armaron de un equipo audiovisual que fue registrando en video y fotos todos los movimientos de su gira que visitó más de 13 países. Todo este material lo aprovecharon para incluirlo en el DVD, El show más feliz del mundo, grabado en el Palacio de los Deportes de México. Antes de su show en Colombia nos visitaron para contarnos detalles de su concierto y develar la fórmula que los tiene unidos durante estos años. ¿Cómo han logrado mantenerse juntos durante estos 20 años? Nos conocemos muy bien, somos 12 músicos arriba del escenario, y con staff somos 22 personas, que tenemos la suerte de conocernos antes de formar la banda en el 97, en el primer show ya éramos amigos del barrio desde la infancia, jugábamos a la pelota, un día nos dimos cuenta que éramos malos para la pelota y decidimos armar una banda de música, creo que eso es uno de los secretos, no sabemos si llamarlo así, pero nos dio la posibilidad de mantenernos y de crecer juntos fundamentalmente, de disfrutar cada pequeño paso que vamos dando en este camino que nos da la música. Hubieron momentos difíciles que tuvimos que superar y es ahí donde más unidos nos hemos encontrado y con objetivos fuertes, también , creo que son los momentos donde hay que demostrar unión y amor por lo que hacemos, los momentos difíciles son muchos hay gente que nos ve tocar en el escenario y ve que somos fiesta, todo es alegría y gran parte es eso por todo lo que venimos haciendo, hablando, logrando y todo, hay un montón de situaciones complicadas y difíciles que hay que superar como en toda actividad, siempre nos ha agarrado con los pies en la tierra sabiendo lo que queríamos y más juntos en los momentos difíciles. ¿Por qué fue importante grabar el DVD en México? México es nuestra segunda casa, es un país que visitamos desde el año 2007, en mayo se cumplen 11 años de nuestra primera visita en México y creo que ha sido un antes y un después en nuestra carrera, si bien somos argentinos y ya teníamos una carrera, creo que a partir de nuestra llegada a México cambiaron muchas cosas, empezamos a madurar, en algunas cuestiones musicales y operativas como banda, el hecho de viajar y compartir en escenarios como festivales con otros artistas también te hace crecer y creo que México ha sido el trampolín para que la banda haya llegado a otros países de Centro América y Latinoamérica, incluso Estado Unidos y Europa también , entonces decidimos no solo celebrar los 20 años de los Caligaris por distintos países y grabar nuestro DVD porque hay una energía muy importante con el público de México y el Palacio de los Deportes que es un lugar emblemático de la música, 25 mil personas, cantando, bailando, coreando cada una de nuestras canciones , con entradas agotadas cinco meses antes del show, creo que eso fue lo que nos incentivó a grabar el DVD, era el momento y nos pareció festejar y dejar registrada esa noche del 7 de octubre. ¿Cómo escoger el set list con más de 8 trabajos discográficos? Es una decisión que requirió de una charla bastante larga, entre nosotros y previo a este trabajo había 7 discos de estudio que en total son cerca de 100 canciones, que hay que elegir, la gente también es como el termómetro, nos van diciendo o indicando cuales son las canciones que le gusta a medida que salen los discos cuales son las canciones, hemos hecho un repertorio de cerca de 30 canciones y había que reducir más todavía y nos llevó una larga discusión hasta quedar las canciones que hay en la grabación que a la gente le gustó y la puesta en escena, todo quedó muy lindo, de hecho subimos hace poco en una historia de Instagram, una foto del set list de esa noche que fueron cerca de treinta y pico de canciones y obviamente quedaron varias afuera y la gente nos decía pero esa noche hicieron más canciones, porque no las metieron en el DVD, pero eso también es una cosa comercial, un material no puede tener tantísimas canciones, y también resumen los 7 discos que tenemos porque hemos tocado canciones de todos los discos, todas nuestras canciones nos describen en cuerpo y alma, no solo en el escenario sino en nuestra vida, y tenemos la fortuna y la suerte que el público se siente identificado, con las historias que le puede pasar a cualquiera y eso hace que la gente acepte la propuesta del grupo. ¿Cuáles ha sido esas grandes lecciones en dos décadas de hacer música? Hay muchas cosas que hemos aprendido y el factor que lo ha determinado todo es el tiempo, el trabajo y la unión han sido los más importantes, somos convencidos que estas dos cosas logran que venga la suerte, siempre que hemos estado unidos y trabajando todos, en la misma dirección hemos conseguido los objetivos más rápidos y de mejor manera. ¿Quién lo sorprende en la nueva música latinoamericana? Hay muchas cosas que nos sorprenden, el hecho de poder viajar y de palparlo de una manera más personal, no para de sorprender, hay una música que es más masiva, más popular, que hoy por hoy en Latinoamérica resuena por todos lados, también nos sorprende más cuando tocamos con bandas y artistas que no son tan reconocidos pero que tienen una propuesta muy original y que con los años llegará a ser masiva. Con internet y con las plataformas digitales se ha abierto del juego para todas las bandas, no solo para las bandas con disqueras, sino para los independientes, nosotros tenemos el gran apoyo de un sello discográfico, pero también auto gestionamos mucho, las plataformas digitales y redes sociales, dan la posibilidad de poder llegar a un público distante, que en nuestro caso gracias al trabajo que venimos haciendo nos ha dado la posibilidad de llegar a más lugares. La era digital, ha sido fundamental, en la manera de consumir música, nosotros nos hemos amoldado en tiempo y forma de la manera como debe ser, como aparecimos en la industria discográfica el 2002, cuando la venta de discos estaba en el ocaso, creemos que en ese momento habían muchas bandas que pelaban por la venta del disco físico, pero no se podía hacer nada, las cosas se dan en forma natural y bueno así fue como en ese momento YouTube se empezó a masificar , y habían otra herramientas de internet para bajar música, nosotros nos hemos amoldado muy bien y cambiamos al ritmo de la industria. Siempre es bueno que la gente nos descubra. En todos los países donde vamos conocemos artistas y bandas de géneros nada que ver uno del otro, desde lo tropical, lo folclórico, rock, urbano, nos gusta mucho la música y escuchar cada propuesta según la cultura y según el país, y sobre todo el folclore que en Latinoamérica es muy rico, venimos a Colombia y entendemos un montón de artistas con su sonido y el sentir de un pueblo y también analizamos la música argentina, el rock nacional es algo más melancólico más nostálgico y lo interpretamos porque tiene que ver con muchas cosas, el clima, Buenos Aires es una ciudad más gris, donde el tango es la música característica, nostálgica y el bandoneón es el alma, nosotros tratamos de mezclar el folclore con nuevos sonidos, instrumentos y artistas que tenemos la posibilidad de invitar y hacer un feat en alguna canción, o un disco, es un gusto que nos damos nosotros y por suerte nuestro público lo acepta de alguna manera. ¿Qué planes inmediatos tienen? Seguir tocando y disfrutando de esto que tanto amamos y que lo disfrutamos como el primer día, subirnos a un escenario con amigos a tocar música es algo que para nosotros sigue teniendo valor, emotivo, emocional, nos sentimos conectados arriba de un escenario, es cunado están nuestras almas desnudas y esperamos seguir tocando muchos años más, grabando más disco, y conociendo más gente. Llevamos a todos lados el mensaje de la alegría, la amistad, y la fiesta. En octubre vamos a estar en Colombia con un show especial, un poco el show más feliz del mundo, pero recargado con otras cosas, vamos a tener sorpresas especiales.
Aerials de System Of A Down fue el tercer sencillo del fulminante Toxicity, álbum que los catapultó a la cúspide del metal alternativo en todo el mundo. Esta canción les valió una nominación a los Grammy a Mejor interpretación de hard rock en el año 2003 y quedándose con varios números uno en las listas de Billboard.Si bien no es su canción más exitosa como pasa con Chop Suey!, si es un pilar de su arsenal musical que tal vez no ha sido valorada lo suficiente. Para los que hemos tenido la dicha de disfrutar de Toxicity por completo (álbum de donde se desprende esta pieza musical), hemos notado la existencia de su pista oculta llamada Arto en la que el turco de origen amernio, Arto Tunçboyacıyan, adapta la pieza tradicional Der Voghormia de la iglesia de Armenia para integrarla en la esencia de System.Por supuesto, esta canción oculta en Aerials, no suena en las promociones de radio y su video musical, el cual procederemos ya mismo a inspeccionar segundo a segundo para recordarnos la magia de las piezas audiovisuales que se hacían a principios de la década de los 2000 y, tal vez, encontrar detalles que no eran muy perceptibles a simple vista.System Of A Down está integrado por Serj Tankian en la composición, la voz y el teclado (ocasionalmente guitarra); Daron Malakian en la composición, la guitarra y la voz; John Dolmayan en la batería y Shavo Odadjian en el bajo, este último tuvo el honor de dirigir el video musical de Aerials.System Of A Down - Aerials (Official Video)00:01 Suena el clásico sonido del viento rompiéndose contra las piedras para darnos a entender que no están en medio de una metrópolis, es más, da a entender que es un lugar completamente desolado. Sí, hay mucho trabajo de animación detrás de él aunque no parezca.00:04 ¿Qué es eso? ¿Un circo? ¿Tal vez vacío? ¿Qué más oculta este lugar?00:15 Pues es momento de ingresar a la carpa. Atraídos por el hipnótico sonido de lo que parece ser un contrabajo.00:16 ¿No se les hace la piel de gallina al escuchar la mística entre la guitarra de Malakian y el bajo de Odadjian?00:18 Pues hay una función, pero no es la del circo. La banda está lista para grabar.00:19 No estamos solos en esta habitación. ¿Quién nos observa?00:30 Dolmayan ha notado su presencia.00:36 Ahí está nuestro personaje misterioso. Sí, sabemos que piensan lo mismo que nosotros la primera vez que lo vimos en 2002. ¿Así se ven los alienígenas? Sus ojos claramente se estiran hacía arriba y atrás y… su boca… es muy pequeña.00:40 Es momento de dejarse ver mientras Tankian inicia su viaje narrativo en la voz con un potente y más pesado cambio de sonido que lo acompaña.00:46 Pues nuestro personaje misterioso es toda una celebridad en la ciudad. Los lujos son obvios. Además, domina la multitud con un estilo muy gánster.01:04 Sí, “ganster for life”.01:14 SOAD dejándolo todo en medio de la carpa del circo adornada por unos símbolos bastante curiosos en el centro.01:24 Nuestro personaje misterioso se sienta a escucharlos en la carpa. Al parecer recordando cada momento por el que pasó antes de llegar allí.01:31 Tal parece que siempre está acompañado por dos mujeres vestidas de rojo en medio de las calles de Hollywood, en pleno Paseo de la Fama.01:35 Los acróbatas acompañan a la banda desde las alturas.01:38 El pequeño gánster no está cómodo con la situación. ¿Por qué ese viejo señor y sus acompañantes brindan enfrente de un MENOR? ¿Qué celebran? ¿QUÉ PASA AQUÍ?01:53 Ahh, pues nuestro pequeño “alien” es toda una atracción mediática. Y los buitres del espectáculo lo quieren ver todo.01:56 ¿Estás bien Daron Malakian? ¿La guitarra te electrocutó un poco? ¿La emoción del momento?02:02 ¡Por favor, señora, deje al niño en paz!02:08 Claramente los recuerdos lo han agobiado.02:48 Es momento de una sesión de fotos. ¿Pero qué hace un niño con dos modelos en bikini?02:49 Su cara lo dice todo…03:13 Donde no agarré la cámara, les cuento…03:21 ¿El dinero y la dama dan felicidad?03:29 ¡Pues no! No la dan…03:42 Nuestro pequeño amigo está exorcizando sus demonios del pasado.03:43 Una vez más Daron Malakian escribiendo en el aire…03:55 Es momento de huir de la infamia de ser un producto del entretenimiento.04:00 La banda se ha ido, pero él decide tomar un respiro mientras los símbolos que parecen ser alquímicos lo rodean. ¿El precio de la fama? Así es, algo que pocos pueden lograr percibir.
Elogiados como “la joya oculta del Perú” por la cadena MTV, Autobus es una de las bandas imprescindibles del nuevo rock peruano. Desde su formación en 2006, se han presentado en los shows más importantes de la ciudad junto a bandas internacionales como Soul Asylum, Franz Ferdinand, The Killers, Janes Addiction, Catupecu Machu, Capital Cities, Siddhartha, Mac De Marco y han participado en importantes festivales de Perú y Latinoamérica. Con sus tres producciones Autobus (2007), Máquina Destrucción (2010) y Cuerpos de Luz (2017) y una gran base de fans, la banda se ha posicionado como una de las pioneras del movimiento independiente de Perú.Autobus viene mutando lentamente en busca de su fórmula musical. En 2020 emprendieron un nuevo camino con el lanzamiento de sus sencillos Nueva impresión y Sobre-viviendo, que formarán parte de su cuarto álbum. Iniciaron el 2021 con buen ánimo y presentaron Quiero cambiar, canción donde exploran esa sensación de reflexión, de buscar una nueva ruta frente a lo que nos rodea para un mejor destino.Escuchen aquí Quiero cambiar de AutobusQuiero cambiar, según Autobus "En los sueños todo es posible”, expresa Luis Enrique Piccini, líder de la banda. “En los sueños uno es ninguno y todos a la vez. Y a veces uno antes de sumergirse en ese mundo onírico anhela poder cambiar. Esta canción es eso, un viaje en donde por fin todo es posible y la promesa de cambiar se hace presente, pero al final de todo ¿quién quiere cambiar?". El tema fue producido y mezclado por Daniel Lujan, bajista de Autobus. Su composición también estuvo en las manos de Lujan, Adrian Mendoza (Guitarristas), Nicolás Ojeda (Batería) y Luis Enrique Piccini (Vocalista). Y la masterización estuvo a cargo de Francisco Holzmann, en Santiago de Chile.“El disco que vamos a sacar este año va por buen camino, estamos contentos con la sonoridad que hemos encontrado y con las sensaciones que estamos trasmitiendo con cada uno de los temas. Este es el más melancólico de todos, el más tranquilo, es una balada rock muy bien lograda”, agrega Piccini.
Catupecu Machu, banda argentina fundada por los hermanos Fernando y Gabriel Ruiz Díaz en 1994, publicó siete álbumes de estudio y dos álbumes en vivo, entre otros compilados. Hoy está de luto por la muerte de uno de sus fundadores. Los argentinos tienen una gran conexión con sus seguidores colombianos. Su show pisó en tres ocasiones Rock al Parque (2003, 2004, y 2007). Su última visita al país fue para el Concierto Radiónica en el 2014.La muerte de Gabriel Ruíz fue confirmada en Instagram por su hermano Fernando: “Amores, hoy se fue Gabi, se fue tranquilo, en paz, Gabi el amigo, el hermano, el bajista... así inician las palabras de despedida del líder de Catupecu y Vantha.Estas fueron las palabras de Fernando Díaz.Gabriel sufrió un accidente de tránsito en el 2006. Estuvo durante más de seis meses en terapia en el Hospital Juan A. Fernández de Buenos Aires y en octubre salió para iniciar rehabilitación en otra institución. En el 2007 logró mostrar signos de recuperación y pudo pronunciar palabras. Sin embargo, no logró una recuperación total.La banda argentina recibió innumerables reconocimientos durante su trayectoria musical. La revista estadounidense Al Borde publicó una lista con las 500 mejores canciones del rock iberoamericano en el 2006, destacando sus canciones Y lo que quiero es que pises sin el suelo y Magia veneno. Canciones que consiguieron más reconocimiento, pues la revista Rolling Stone Argentina y el canal de televisión MTV en el 2002 las incluyeron en la lista de las 100 mejores canciones del rock argentino de la historia.
En enero de 2021 la cadena CNN informó que Larry King fue hospitalizado por coronavirus. A esta enfermedad se le sumó un largo historial de complicaciones médicas que había padecido durante años, como diabetes, infartos y un cáncer de pulmón que había superado en el 2017.El sábado 23 de enero falleció en el centro médico Cedars Sinai de Los Ángeles, después de "una dura batalla contra el coronavirus", según un comunicado emitido por sus allegados.El presentador de televisión Larry King fue un periodista y escritor con una larga trayectoria en la televisión estadounidense. Con más de 60 años de carrera, fue figura clave para el clásico formato de entrevista talk show por su manera directa y clara de formular preguntas. Entrevistó a miles de personajes de la política, el arte y el entretenimiento. Entre otros temas, presumía que nunca leía los libros de autores invitados a su programa.Su programa Larry King Live, emitido por la cadena CNN, se transmitió desde 1985 hasta 2010. Sus entrevistas en radio, televisión y medios digitales son un archivo valioso que cuenta gran parte de los hechos sucedidos en los últimos tiempos en la cultura pop gringa. En una entrevista en el 96 para Fort Lauderdale Sun-Sentinel, le preguntaron cómo había conseguido el éxito como presentador. Pues, bien, King afirmó: “porque soy sincero, soy realmente curioso, me importa lo que piensa la gente. Escucho respuestas y dejo mi ego en la sala. No uso la palabra "yo", es irrelevante en una entrevista. No hay lugar para presumir".Solo esa frase lo convierte en un referente para el periodismo de figuras. Larry King & Snoop Dogg AKA LionEn 1994 Los Simpson lo incluyeron en su larga lista de celebridades invitadas. Apareció en El regreso de Bob Patiño como el presentador de un debate en las elecciones de Alcalde de Springfield. Y, además, puso su voz en 1991 para el capítulo Aviso de muerte, donde Homero piensa que va a morir y se duerme escuchando un audiolibro narrado por King.El mundo despide a uno de sus periodistas y presentadores icónicos de la radio y la televisión. Su imagen se consolidó no solo por su manera particular de hacer entrevistas sino por su icónico look, gafas y tirantas. El 2020 fue también una época complicada y triste para King. Su hijo Andy, de 65 años, falleció de un infarto, y su hija Chaia, de 51, murió a causa de cáncer de pulmón.
El productor francés de música electrónica Erwan Castex, mejor conocido como Rone, tiene preparado un disco de colaboraciones que titulará Rone & Friends y que estrenará en la primavera europea.Rone & Friends será el noveno álbum de estudio en la carrera de Rone e incluirá, como su nombre lo vaticina, una larga lista de amigos invitados a colaborar. La primera canción que escuchamos de esa lista de colaboraciones es la de la cantautora y compositora inglesa Georgia, que puso su voz al primer sencillo que conocemos del álbum: Waves of Devotion.Waves of Devotion es una canción como para flotar acostado en ella. Una pieza de electrónica guiada la voz celestial de Georgia: sobrecogedora, emotiva y romántica. Este tema fue construido sobre Ginkgo Biloba, una de las canciones emblema del Room With A View, álbum lanzado por Rone en 2020 de la mano del sello InFiné, como toda su producción.Waves of Devotion fue recompuesta en 2020 en plena pandemia, de forma remota, entre estudios de ambos lados del charco.Otros nombres que se juntaron con Rone para completar Rone & Friends son los de Kazu Makino en Blonde Redhead; Noga Erez y Baxter Dury en Mirapolis; Francois Marry (de Francois and the Atlas Mountain) y el ícono del pop francés, Etienne Daho, en Creatures.¿Quién es Rone? El DJ/productor Rone nació en Boulogne-Billancourt, Francia, pero creció y se crió en Paris. Debutó en la música en 2008 firmado por el sello InFiné con el EP Bora. Desde entonces, no ha parado de sacar música y se ha consolidado como uno de los actos más llamativos de la nueva ola de la electrónica francesa. Va por su noveno álbum de estudio y ha publicado una buena cantidad de remixes y colaboraciones. Sus videos, cuidados con animaciones y obras visualmente sugestivas lo han levantado también como un fenómeno en YouTube.