El Cuarteto de Nos presentó su álbum 17 titulado Lámina Once. El título del disco es una referencia al conocido test de Rorschach que se usa en psicología para estudiar la personalidad con base en los datos que surgen de lo que una persona ve en una serie de diez láminas. Estas imágenes se caracterizan por tener significados muy ambiguos. Lámina Once contó con la producción de Eduardo Cabra (Visitante) y Héctor Castillo, dos amigos de la casa, con quienes la banda ya había trabajado en su antecesor, JUEVES. Grabado en pandemia entre Montevideo, Puerto Rico y Nueva York, este es el primer disco que sale por su sello propio Porfiado Records. La banda uruguaya es conocida por sus reflexiones agudas sobre la vida cotidiana. Este disco plantea un problema filosófico fundamental: ¿cómo llevar adelante una vida examinada? la dificultad para poder ser auténtico, la corrupción o la debilidad ética contemporáneas podrían llegar a confluir en esa pregunta, que tiene un aspecto personal pero también un reverberar de tipo relacional y social. El disco propone una visión crítica y la exigencia de un cierto estándar ético en el abordaje de los temas cruciales del hoy. En cada canción hay un trasfondo común: la manifestación de un malestar con lo que nos toca vivir en las sociedades contemporáneas, las desdichas del momento actual.El estreno de Lámina once se realiza en simultáneo con el video de la canción Rorschach, producido por Oriental Films de Uruguay y dirigido por otro viejo conocido de la banda como Charly Gutiérrez, creador de míticos videos de Cuarteto de Nos, como Ya no sé qué hacer conmigo o El Hijo de Hernández. Inspirado en ciertas escenas de películas que tiene en común recursos de género sci fi horror, Rorschach explora un lenguaje cinematográfico lleno de recursos visuales, una sensación de miedo y fascinación, y una nostalgia hacia lo retro y lo analógico. “Rorschach” es un guiño a los fans de la era dorada del género, un homenaje a películas como The Blob, Altered States, Poltergeist, Firestarted, Hellraiser.Todas las canciones de Lámina Once, de El Cuarteto de Nos FlanChivo expiatorioCinturón grisFiesta en lo del Dr. HermesFrankenstein PosmoLa Ciudad sin almaMaldito showRorschach
Dos años después de su segundo álbum Letanías del Jardín (2020) la banda paisa Margarita Siempre Viva vuelve con Un Lugar Más Cierto, su tercer larga duración, y el más extenso hasta el momento. Con Cristian Sánchez detrás del micrófono, Mateo Vanegas en la guitarra, Alejandro Pérez en los sintetizadores, Daniel Velásquez en el bajo y el debut de Adan Naranjo, también productor del disco, en la batería, la banda indie de Medellín presenta un proyecto diferente al resto de sus lanzamientos.Según su vocalista, Un Lugar Más Cierto es la muestra de cómo se crea nueva música y cómo se trabaja a partir de las influencias de toda la banda. Producido y grabado en el estudio Falso Ídolo de Adan Naranjo, en Rionegro, Antioquia, Margarita Siempre Viva nos monta en un viaje por una larga carretera destapada. Dura poco más de 55 minutos y tiene 19 cortes. En el recorrido vamos creando una imagen sonora que nos remonta a la nostalgia. "En la industria musical está la idea de que un álbum es un trabajo completo", afirma Sánchez. Crear proyectos de larga duración, en un mundo donde el algoritmo de las plataformas responde mejor al lanzamiento de sencillos o EP, fue una apuesta por darle vida a una película sonora con las partes esenciales de cualquier película: inicio, nudo y desenlace.También les podría interesar: Festival Viva el Planeta 2022 en Medellín: cuidar para preservarAsí suena Un Lugar Más CiertoEl sonido del álbum nos remite a los clásicos de Pink Floyd. Comienza con un intro instrumental que abre las puertas a las otras 18 canciones del álbum: algunas de ellas en forma de transiciones orquestales creadas para pausar, por un momento, el recorrido a través de unas letras que reflejan los sentimientos más cotidianos del ser humano.Para grabar Fractal, uno de los sencillos, se tomaron cuatro sesiones de grabación sólo para llegar a las maquetas y las melodías generales. Hay un cuidado detallado en la cantidad de movimientos que hay en la canción. Fractal, Mi Barco y Depresión Post Paisaje, hacen parte de las canciones favoritas de la banda y es por esto que pasaron a ser los tres sencillos del disco.Para su producción tenían muchos juguetes a la mano. Las cuerdas, los vientos, los sintetizadores e incluso un timbal orquestal, guían los giros instrumentales presentes a lo largo del disco. El sonido surf rock presente en Nena, el beat en el rap de Thomas Parr en El Resto de los Pasos y el rock psicodélico del que parte Un Lugar Más Cierto (canción homónima del disco) hacen parte de la exploración sonora que nos presentan en esta nueva etapa. Con los sonidos, llegó la idea de la portada. Los colores cálidos, la textura y la luz empalmaron las canciones con el movimiento artístico del Impresionismo. Es un collage digital hecho por un ilustrador colombiano, con fragmentos de obras clásicas de artistas como Monett, Sarolla, entre otros.Los Margarita Siempre Viva andan girando para promocionar Un Lugar Más Cierto en México, Ecuador y, por supuesto, Colombia. Pronto, la banda presentará una versión deluxe del álbum con nuevas colaboraciones y remixes con otros géneros. Se viene una nueva etapa para el rock colombiano.
Conjuro Epiléptico es una banda que hace de la improvisación un espacio cómodo para dialogar con las situaciones ridículas que suceden en el país. Sus videoclips y performances están alineados a ese discurso que sacude y que se complementa con el mantra del conjuro: “esto está asqueroso, ¡dame más!”.Miguel, Juan Pablo y Nicolás se graduaron cómo músicos de jazz, así que la improvisación ya venía adjunta en el paquete que completó Juan David, diseñador gráfico que le aporta elementos a la estética que quieren mostrar.Conjuro Epiléptico también busca reivindicar símbolos y lugares que han sido memorables en la capital colombiana, por eso no dudaron en responder al llamado de Nicolas Pava cuando les propuso grabar un disco en la Super Estación 88.9, una de las emisoras más importantes de los 80 y comienzo de los 90. Después de tener unas canciones y sin dirección hacia el siguiente paso decidieron buscar ayuda para masterizar y mezclar las canciones. Acordaron escribirle a Jack Endino, productor del Bleach de Nirvana y pieza clave en la historia de los inicios del grunge en Seattle.La respuesta fue inmediata, lo primero que le llamó la atención al productor norteamericano fue la parte visual de la banda, la estética extraña y su poderosa descarga interpretativa. Hicieron un sencillo con él, Melódicamente y prepararon cuatro más, pero el alza del dólar los frenó. Así que van a paso lento, con la intención de completar canciones para un álbum o un EP con el productor de Screaming Life de Soundgarden.Hablamos con ellos del performance, de los videoclips y del espacio que ocupan las propuestas alternativas en la industria nacional actualmente.Ustedes improvisan en sus shows, todos son diferentes, ¿cómo logran coincidir en el escenario?Hacemos un ejercicio liberador, son procesos que no les ponemos filtro, dejamos que el inconsciente hable mucho dentro de nuestro proyecto, por eso hay muchas cosas surreales, bizarras y salidas un poco de la razón. Eso tiene una estructura, tenemos que reunirnos y organizar las cosas. Por ejemplo, estuvimos tocando en Videoclub en febrero, fue muy bonito porque logramos hacer un show incluyendo nuestros temas viejos y nuevos, pero sin interrupciones un set completo. Lo que queremos mostrar requiere de mucho ensayo y memoria, porque los temas transitan por muchas partes diferentes y además siempre estamos transformando todo. Lo importante es que la obra siempre esté viva y que podamos transformar las cosas no nos gusta repetirnos, sino proponer algo nuevo, entonces es algo que exige bastante, pero es divertido hacerlo. ¿Cómo les ha ido en los escenarios de otras ciudades?Hemos tocado muchas veces en el eje cafetero, tenemos familia allá, ha sido como estar en casa, muchos oyentes y público que nos reciben con mucho cariño. Hicimos un tributo a Nirvana en marzo de 2019, justo antes de la pandemia. Manizales es otra casa, Medellín, Pereira, en Cali hemos tocado dos veces Juanchito vive en Cali, estuvimos en diciembre, en Popayán. Ha sido muy bonito un proyecto que no se ha centrado en Bogotá, sino que ha tenido movimiento en otras ciudades en las que se hhan generado otros públicos. ¿De qué quieren hablar en el nuevo álbum?Seguiremos poniendo entre la discusión muchas moralidades, muchas maneras de autoridad que se ejerce desde el lenguaje las relaciones humanas, desde cómo funcionan las cosas en Colombia, que también hay un problema psicológico con la autoridad y bueno, la idea es hablar del contexto, de la violencia. Tenemos una canción que se llama Dragma que habla mucho de eso, un poco como siempre criticando el tema de las redes, de otro tipo de adicciones contemporáneas como los celulares. La idea es ir en contra corriente de muchas cosas y desde muchas creencias, sobre todo ahora en Colombia, ojalá podamos escribir letras que hagan que la gente se puede preguntar cosas, eso es lo importante, afirma Nicolás.¿Qué tanto se involucran todos en la parte visual?Somos cuatro en la banda, pero hay un integrante fantasma que es Diego Ricardo, que le ha aportado mucho desde su creatividad, él también es diseñador, con el hemos podido tomar todas estas cosas relacionadas con el absurdo, el lenguaje que Conjuro Epiléptico maneja y poderlo traducir desde las vivencias de nosotros. Parte de la riqueza visual que tenemos es que somos una comunidad donde hay mucho cariño, mucha camaradería, mucha chabacanería. A la hora de plasmar esto desde la imagen permite mucho explorar el sin límite, no nos pone en conflicto travestirnos, o reírnos de nosotros mismos, o recalcar todas estas narrativas de contracorriente y de lo absurdo en una pieza audiovisual, parte de la energía de la música que estamos tratando de construir está cargada de muchas cosas, por eso se logran estos resultados. ¿Los videoclips son piezas claves para complementar el imaginario de la banda?Nosotros hemos tenido procesos muy interesantes de naturaleza visual con los videoclips, empezamos con el de Diarreik Kunfu Zion, que fue una obra maestra para nosotros porque de la mano de Moisés Guindi más conocido como Ernesto Vientos, logramos crear una narrativa artificial donde creamos un universo con objetos, con cosas hechas de cartón, con una estética un poco distorsionada y desde ahí se creó un imaginario que exploramos más a fondo en el video de Marta, mucho más elaborado con un vestuario, máscaras, maquillaje, y un montón de elementos. Después, durante la pandemia, Diego hizo el videoclip de Dario Lemos, en mi opinión personal es mi favorito, es una animación increíble, con las calles de Bogotá, con los buses, con escenas bizarras, escenarios que uno suele ver en Bogotá como de lo absurdo, entonces se ha ido creando un imaginario, nos encantan los objetos en los conciertos, objetos vario pintos, el cartel de una iglesia cristiana colombo china, maniquíes, vestidos, sombreros, jugos Hit, un inventario de cosas. Nos encanta jugar con los objetos y crear como un universo alterno. ¿Cuál creen que es el mayor beneficio de las plataformas de streaming?En este momento gracias a las plataformas es mucho más fácil tanto para uno visibilizar cosas que están muy lejanas, como que lo visibilicen a uno en muchos lugares del mundo, eso es increíble y en parte eso fue lo que nos ayudó a conectarnos con Jack Endino, que él pudiera tener acceso también a nuestros videos, a nuestra música. A él lo que más le llamó la atención fueron los videos, nos decía: ‘nos parecen increíbles los videos que hacen’. Hay un auge de cosas interesantes que están saliendo de Colombia que vale la pena escuchar. El streaming es menos rentable, pero es más masivo, eso es interesante. Todavía nos queda mucho por aprender y recorrer y queremos agrandar nuestro público latinoamericano y mundial. Sería increíble poder viajar a Seattle y conocer a Jack y trabajar con él y eso es gracias a eso que está sucediendo. ¿Cómo ven la industria nacional?Siento que se ha abierto un mercado para lo alternativo interesante, siento que somos una banda disidente a pesar de que sabemos cómo funcionan las cosas, hemos optado por tomar caminos que de pronto deciden de la normalidad. Por ejemplo, el segundo disco que se llama EPS Sanitas lo hicimos nosotros. Juancho hizo las cajas, lo imprimimos, es parte de la decisión estética de la banda de hacer las cosas distintas así no sea la manera más fácil, o la manera que más funciona y siento que la gente se conecta con eso. Es un chimba discernir de ser parte de una máquina gigante industrial, que está bien, todos somos músicos, vivimos de la música, entendemos cómo funciona, pero desde el Conjuro Epiléptico poder hacerle fuck you a esa vuelta y romper. La naturaleza de nosotros es romper y hacer algo disruptivo que cuestione las cosas que al parecer están bien establecidas. Siempre vamos a proceder de manera diferente digamos, podemos hacer un reggaetón pero no lo haríamos de una manera convencional. Conjuro Epiléptico hace parte de la programación de En Vivo en el Muelle, una alianza de Shock y la FUGA, para presentar vía streaming y en vivo agrupaciones que proponen nuevos sonidos en la capital.
Milky Chance estrenó el 3 de noviembre de 2021 Trip Tape, un mixtape de 12 canciones que incluye remixes y versiones de Dua Lipa (Levitating), The Weeknd (Save your Tears) y Solf Cell (Tainted Love).Tainted Love, escrita por Ed Cobb, del grupo The Four Preps fue grabada en 1964 por por Gloria Jones. La versión de Soft Cell en 1981 la popularizo y la colocó en el listado de grandes éxitos de los 80. Después vinieron las versiones de Marilyn Manson en el 2002, La Unión, Emmanuel Horvilleur y Scorpions.Marilyn Manson incluyó Tainted Love como bonus track de su álbum The Golden Age Of Grotesque, la canción hizo parte de la banda sonora de la película Not Another Teen Movie. El videoclip fue dirigido por Philip G. Atwell.Milky Chance recrea en el videoclip una fantasía paranoica en la que Clemens Rehbein despierta ensangrentado y desconcertado. Grabado en Berlín bajo la dirección de Sebastian Ganschow y Vincent Sylvain, quienes han trabajado en otros clips incluido Colorado, el éxito más reciente del dúo.“Pasamos mucho tiempo en el estudio los últimos años trabajando en nueva música y Colorado fue el gran comienzo. Pero en el encierro sucedieron dos cosas: junto a Colorado nos encontramos con tantas canciones nuevas que amamos y también nos dedicamos a hacer nuestras propias versiones de las canciones de otros artistas que disfrutamos. ¡Además de eso, Icarus hizo un remix de Colorado que nos entusiasma muchísimo! Entonces, ¿cómo podemos sacar todas estas cosas diferentes? afirmó el dúo.Trip Tape es una colección de versiones y remixes que se presentaron originalmente como parte de la banda sonora de Milky Chance's Road Tripping Radio Series. En estos videos, Phillipp Dausch y Clemens Rehbein conducen por ciudades como Berlin y San Francisco mientras escuchan una emisora alternativa donde se escucha cada una de las canciones de Milky Chance.
Foster The People, una de las bandas de indie rock más representativas de la década del 2010, debutó en 2011 y ha tenido como integrantes a Mark Foster, Mark Pontius, Isom Innis, Sean Cimino, Jacob Fink y Zach Heiligman. A lo largo de su carrera han gira por el mundo y estrenado tres discos.Contenido recomendado | Coldplay anuncia las fechas de la gira mundial de conciertos 'Music of the spheres'Luego de un tiempo de inactividad, la banda (que ha decidido dejar de tocar en vivo su mega hit Pumped Up Kids porque, según ellos ha sido mal interpretada) acaba de anunciar que el baterista y co-fundador del proyecto Mark Pontius anunció su salida del grupo.La información viene acompañada por una carta escrita por Pontius en la que agrega que ha hecho todo lo que soñó con un proyecto musical y que desde el nacimiento de su hija su vida ha tomado rumbos distintos que él quiere aprovechar al máximo.CARTA DE MARK PONTIUS TRADUCIDA AL ESPAÑOLLHe tenido problemas para encontrar las palabras para comenzar este anuncio, así que supongo que me quitaré la tirita y diré que he decidido dejar a la banda que ayudé a fundar hace 11 años, Foster The People. Mientras celebramos el décimo aniversario de nuestro primer disco Torches, me inundan los recuerdos de nuestro repentino éxito, logrando todas mis aspiraciones profesionales en unos pocos años y los hermosos momentos que pasé con mis hermanos en la banda. Qué privilegio fue todo, estoy eternamente agradecido por todo. He crecido mucho desde que empezamos, y en el par de años desde nuestro último show en vivo, mi vida ha cambiado en todos los sentidos. He tenido mucho tiempo para mí mismo para reflexionar sobre lo que realmente importa. Entre esas cosas, me convertí en padre de una hija de ahora 2 años que realmente ha cambiado la forma en que me siento acerca de vivir mi vida en las giras. Me siento atraído por las cosas más cercanas a casa. He visto el mundo (un par de veces) y realmente he hecho todo lo que estaba en mi carrera. Ahora mis aspiraciones son más sobre pasar el rato aquí en la naturaleza y ver crecer a mi hija. Estos últimos 2 años han consistido en cerrar grandes capítulos en mi vida y después de muchos idas y venidas, he aceptado que estoy listo para que este también se cierre. Me despido y sigo adelante. Extrañaré a Mark, lsom y Sean, son mi familia para siempre y estoy seguro de que algún día trabajaremos juntos de nuevo. En cuanto a mí, tengo algunas ideas para el futuro, pero lo tomaré un día a la vez. Gracias a todos los que apoyaron a la banda a lo largo de los años, los amo.¡La música nos une!
Angels & Airwaves regresa con nueva música, después de siete años presenta Lifeforms. Ya conocíamos cinco canciones de las diez que trae el álbum. Euphoria, Restless Souls, Losing My Mind, Spellbound y recientemente Timebomb.Timebomb, salió justo en la semana del lanzamiento de su nueva placa discográfica, que se estrenó el 24 de septiembre. “Timebomb es una canción especial para mí porque representa el equivalente emocional de un dispositivo armado a punto de explotar. Creo que todos pueden identificarse con la presión de la vida que pesa sobre el corazón de un joven adolescente” cuenta Tom DeLonge.El álbum explora una variedad de temas, pero se centra en las relaciones interpersonales. El sonido tiene fuerte inspiración en artistas de los 80 como Depeche Mode, así como en los primeros días del pop punk del su líder Tom DeLonge.“Me ha llevado mucho tiempo presentar mi arte de la manera que imaginé hace más de una década. Lifeforms es la primera parte de lo que vi que podría ser posible entonces" afirma Tom DeLonge.Su paso por Lollapalooza confirmó el poder de la banda en el escenario, y le anunció a sus seguidores que estaban de regreso para su gira mundial, serán 42 shows. Lifeforms World Tour comenzará el 29 de septiembre en Riverside, California y finalizará el 22 de marzo de 2022 en Hannover, Alemania.Tom DeLonge, miembro fundador de Blink-182, formó Angels & Airwaves en 2005. Su discografía reúne seis álbumes de donde se desprenden éxitos como The Adventure, The War, Everything's Magic y Rebel Girl. El álbum The Dream Walker, lanzado en 2014, alcanzó el número 1 en iTunes y el número 5 en la lista de álbumes alternativos más importantes de Billboard.Angels & Airwaves son Tom DeLonge voz principal, guitarra y sintetizadores, Ilan Rubin batería, guitarra, coros y sintetizadores, David Kennedy guitarra, y Matt Rubano bajo.The Dream Walker se conviertió en un proyecto multimedia, el álbum estuvo acompañado de una novela gráfica, cómics y el cortometraje Poet Anderson: The Dream Walker, codirigido por DeLonge, le mereció el premio al Mejor Cortometraje de Animación en el Festival Internacional de Cortometrajes de Toronto. Además de su trabajo con AVA, Tom DeLonge creó To The Stars, una compañía de entretenimiento multimedia que crea contenido original en música, cine, televisión y publicaciones. DeLonge es productor ejecutivo de la serie Unidentified: Inside America's UFO Investigation de The History Channel y hará su debut como director de la película Monsters of California.
Músico, ilustradora, artista y ‘mindfreak’, así se describe Leah Wellbaum en su página web y redes sociales. Su nombre lleva activo más de una década en la industria de la música donde se ha destacado como líder de la banda estadounidense de rock alternativo Slothrust formada en Boston, pero radicada hace un par de años en Los Ángeles.En 2016 la banda lanzó el álbum Everyone Else, disco que los llevó a hacer giras, conciertos promocionales, shows agotados en diferentes ciudades y que les abrió las puertas a festivales en Norteamérica y Europa. En septiembre de 2021 publicarán su nueva placa discográfica Parallel Timeline, proyecto que estaba planeado para salir en 2020, pero que tuvo modificaciones por la pandemia del coronavirus.Leah es amante del arcoíris, elemento que desde mediados del siglo XX identifica la diversidad de la comunidad LGBTIQ, se identifica como persona queer de género fluido y se le considera uno de los nuevos iconos LGBTIQ+ del rock alternativo. Hablamos con ella sobre música, pride, espiritualidad y pandemia.Se viene un nuevo lanzamiento para este septiembre, ¿qué pueden esperar las personas sobre este disco Parallel Timeline?Es el álbum que más tiempo nos ha tomado en grabar. Parte de la razón fue por el covid y porque no estábamos disponibles de estar en la carretera. Fue una experiencia interesante donde nos acercamos a cada canción como un universo totalmente separado. Es interesante identificar lo que tienen en común las canciones de este álbum y lo que hacen que se conecten a lo largo del disco.¿Cuáles son los retos más grandes que en la actualidad tiene una banda como la que representa?Debo decir que el reto es navegar con las dinámicas en la carretera. Para mi lo mejor de girar es presentarse, me encanta porque es muy satisfactorio, pero hay otras cosas que hacen complicado que sea posible como el coordinar la logística para que todo salga como se espera.¿Cómo se ha sentido ser líder del proyecto y tener, casi al 100%, la atención del público durante esta década de carrera?Es muy satisfactorio estrenar música, poder desbloquear las nuevas canciones, lanzarlas y que la gente pueda escucharla. También es muy emocionante poder volver a presentarnos ante el público después de tanto tiempo y conectar con esa energía en vivo de nuevo.Estamos en el mes del pride, una celebración global de la comunidad LGBTIQ+, de la que eres parte. ¿Cómo se siente ser catalogada como un ícono musical de la diversidad?Me identifico como una persona queer de género fluido, así que es muy bueno tener oportunidades para que mi voz ayude a amplificar el mensaje y expresar ideas que me ocurren. Principalmente conecto con creatividad, universo y espiritualidad como un todo.La banda tiene una canción escrita por ti y que ha sido adoptada por muchas personas de la comunidad LGBTIQ+. ¿Qué nos puede contar de Strange Astrology?Es una exploración honesta de lo que significa amar a alguien que es intrínsecamente diferente a ti. Se trata de esperar que esas cualidades e instintos que se yuxtaponen, fomenten un crecimiento significativo en lugar del caos. Amé hacer el video porque amo las frutas y las frutas fueron una fuerza gigante para representar el caos.¿Cómo celebra el pride de 2021 Leah Wellbaum?Aún hay barreras y restricciones por el covid aquí en Los Ángeles, así que no voy a hacer nada específico para celebrar el orgullo, solo vivir mi vida y hacerlo de la mejor manera posible todos los días.¿Qué tipo de ideas de composición vinieron a su cabeza durante la cuarentena?Solo hicimos una durante covid, todo el resto del disco se hizo antes de la pandemia. Pero tenemos una canción que se hizo durante esa temporada y se siente diferente a todo lo que hicimos en el pasado porque revela mucho de dónde estoy ahora mismo.¡La música nos une!
Trece artistas emergentes interpretarán sus canciones en vivo en un concierto digital gratuito que se transmitirá por medio de la plataforma Zoom. El evento se realizará de forma virtual debido a la dificultad de realizar actos presenciales en este momento por la alta probabilidad de contagio del coronavirus.Para leer | Festival Viva El Planeta 2021 en Bogotá: "El arte es resistencia"El talento que estará presente en el concierto gratuito es diverso, variado y de diferentes zonas del país que demuestra la riqueza musical colombiana. El cartel está integrado por Sofia Crombie, Raul Criollo, Kiwanga Band, Mauro Franco, RST2, Juan Samacá, Brick, Cristina Quiroga, Franco Revelo, Lauracata, Stiven Betancur, Thub y Manuel Fierro.El evento musical sucederá en el marco del cierre del diplomado de Music Masters y es organizado por sus estudiantes que hacen parte de la industria musical colombiana. Los interesados en conectarse al concierto el próximo 17 de junio de 2021 a las 6 de la tarde pueden encontrar más información sobre la transmisión en la página de Facebook Music Masters 2.0.¡La música nos une!
Aquí estamos, como de costumbre, con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial completo con reseñas de discos colombianos (álbumes de estudio y EP) para que conozcan y se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo a los mejores temas y álbumes nacionales del 2020 en este especial. En esta oportunidad les presentamos Una Apuesta de Lika Nova.Una Apuesta - Lika Nova¿Quién está detrás? Lika Nova es uno de los nombres más representativos de la nueva música alternativa en Colombia y lo decimos porque hemos sido testigos de su crecimiento desde que en 2017 estrenaron el álbum Sangre de prófugo con el que debutaron. En 2020 nos sedujeron con el disco No hay mal que dure una vida y para este 2021 tienen planeado estrenar un EP en el que darán un giro a nivel artístico.¿De qué trata? La canción habla de cómo todo en la vida es una apuesta: el amor, las relaciones, el trabajo, etcetera, donde todo gira sin saber qué pasará después. La composición de Una Apuesta es de Brian Coronado, David Useche, Josue Rodriguez Bessolo, Levy Rodriguez Bessolo y Luis Rojas Andrade.¿A qué suena? Lika tiene una identidad musical definida, pero en el proceso de evolución se han dado cuenta que tienen demasiado por explorar. La nueva era de Lika viene a habitar un mundo más groove, dance y pop.¿Sobre el video qué? Protagonizado por Gabriela Rodriguez y Levy Bessolo (integrante de la banda) es un video lyric en el que se les muestra a los dos parchando en un carrusel que los hace girar mientras su mente está casi que en blanco sin saber qué va a pasar después. La narrativa del video, aunque sencilla, se acomoda perfectamente a la letra de la canción. El clip fue hecho por Tomás Suárez, Romulo Silva-Santisteban, Maria Andrea Orduz y los Lika Nova.¿Cuándo escucharla? Es de esas canciones que desde la primera vez se vuelven adictivas y que se pueden escuchar en repetición muchas veces mientras va en el bus para su casa.En video | Origen: el disco de Juanes que muestra sus raíces - Shock¡La música nos une!
Tyler Joseph y Josh Dun sorprendieron con el anuncio de nuevo música. Los integrantes del proyecto Twenty One Pilots estrenaron el video clip musical Shy Away y, de paso, revelaron detalles de Scaled And Icy, su sexto álbum de estudio que verá la luz antes de finalizar el semestre.Para ver | Will.i.am de Black Eyed Peas presenta ‘Xupermask’, el tapabocas del futuroPoco menos de tres minutos dura el track Shy Away, una canción en la que la batería nunca deja de sonar y que tiene las vocales de Tyler Joseph que ya tienen un espacio reservado en nuestros cerebros. Viene acompañado por un psicodélico video musical, repleto de colores y que es protagonizado solo por los dos músicos.Para recordar | Así fue la participación de Twenty One Pilots en el Estéreo Picnic Festival Shy Away es el tercer track del álbum Scaled And Icy que tendrá en total 11 pistas sin ninguna colaboración. La portada del disco es una ilustración de un dragón, criatura que tendrá presencia frecuente en esta era musical.Track List del Nuevo Álbum de Twenty One Pilots1. ‘Good Day’2. ‘Choker’3. ‘Shy Away’4. ‘The Outside’5. ‘Saturday’6. ‘Never Take It’7. ‘Mulberry Street’8. ‘Formidable’9. ‘Bounce Man’10. ‘No Chances’11. ‘Redecorate’Son las canciones que conforman el sexto álbum de la banda. Adicionalmente harán un concierto por streaming para celebrar el lanzamiento. La experiencia en vivo tendrá un costo de 20 dólares y se realizará el 21 de mayo de 2021, además algunos fans podrán hablar con la banda antes del evento.Más información en la página web https://live.twentyonepilots.com/Hace poco Twenty One Pilots recibió un Guinnes Record por Level Of Concern como el video musical más largo. Sobre este reconocimiento indicaron por redes sociales que "dado que Josh desconectó accidentalmente el video interminable de Level of Concern, Guinness revisó las estadísticas y lo declaró oficialmente como el video más largo de la historia. Felicitaciones, lo hiciste".Para ver | Lil Nas X y sus “zapatos satánicos”: crea controversia y reinarás¡La música nos une!
Smile (Sonríe) ha sido un éxito de taquilla. La ópera prima de Parker Finn recaudó $22 millones de dólares en 3645 salas de cine de Estados Unidos. La película de terror costó solo 17 millones de dólares. Smile trata sobre una terapeuta (Sosie Bacon) que conoce a una estudiante graduada (Caitlin Stasey) que recientemente fue testigo de un suicidio. La película no está basada en un hecho real, sino en un cortometraje del mismo director titulado Laura Hasn't Slept. Éste narra la historia de una mujer que busca ayuda de una terapeuta tras sufrir una pesadilla recurrente. El filme corto recibió reconomiento del jurado en el festival South by Southwest en 2020. Hablando sobre la inspiración detrás de la película, Finn explicó que nada específico influyó en cómo surgió, de acuerdo con The Cinemaholic. El director explicó que a lo largo de los años, se ha vuelto más difícil asustar a los espectadores con un simple salto. Para la película, quería explorar el paisaje mental de una persona normal y las cosas que pasan por la mente de uno a diario. Además, Finn estaba ansioso por sumergirse en el concepto de cómo una persona trata de enmascarar sus sentimientos y su pasado del mundo.La campaña viral de SmileAlgo en particular ha llamado la atención de la película: su curiosa campaña de promoción que se hizo viral en redes. En ella, actores fueron contratados en juegos deportivos y otros eventos masivos para sonreír de forma muy extraña y sospechosa a los asistentes.
Un "reboot" de American Pie está en proceso. De acuerdo con The Hollywood Reporter, esta nueva versión estará a cargo de la actriz y guionista Sujata Day. American Pie de 1997 fue dirigida por Paul Weitz a partir de un guión de Adam Herz. Fue protagonizada por Jason Biggs, Alyson Hannigan, Seann William Scott, Natasha Lyonne, Eugen Levy, Jennifer Coolidge y más. La película recaudó más de 200 millones de dólares en taquilla y origió tres secuelas y American Pie Presents, una franquicia directa a video que ha lanzado cinco películas hasta la fecha.Aún no se sabe si algún miembro original del elenco volverá para el reboot. Por el momento no se conocen más detalles de la trama. American Pie no estaba inventando la rueda cuando se lanzó a finales de los 90, es bien sabido que los ochentas tuvieron su cuota de cine por esta misma línea, muchos vieron o al menos han escuchado mencionar a Porkys o La venganza de los nerds. Sin embargo, éstos nunca dejaron de ser títulos marginales para el público en general. Pero American Pie tenía algo más: las escenas de humor sexual explícito balanceadas con momentos románticos, emotivos y con los que los adolescentes podrían sentirse identificados. Esto la hizo un éxito.American Pie captura bien lo perdidos que están los adolescentes antes de la primera vez. Jim quiere experimentar cómo es el sexo poniéndose un pie de manzana en los pantalones, Oz cree que con frases ridículas como "Chúpamelo, linda" va a lograr la atención de la mujer (ella se le ríe en la cara, por supuesto) y Kevin busca en un libro de la biblioteca hecho por otros estudiantes cómo darle placer a su novia con el sexo oral. Como les suele suceder a muchos adolescentes en ese momento: están confundidos y desorientados y no saben a quién acudir.
Ha pasado más de una semana desde que Monstruo: la historia de Jeffrey Dahmer se estrenó en Netflix, es una de las series más populares de la plataforma. Sus crímenes han vuelto ser tema de conversación, y con ellos, las canciones que lo han referenciado. Dahmer ha sido citado en 53 canciones distintas, 15 de las cuales son de rap. Repasamos algunas de ellas: Eminem - Must be The Ganja "Puedo ser un Dalai Lama/Y estar tranquilo o traer drama/Un paso más allá de un Jeffrey Dahmer", dice la canción que pertenece al disco Relapse.Eminem también citó a Dahmer en las canciones Stay Wide Awake y Bagpipes from Baghdad. Katy Perry - Dark Horse "Ella te comerá el corazón / Como Jeffrey Dahmer". Perry también citó al asesino en uno de sus mayores hits, perteneciente al álbum Prism. Recientemente, ante la popularidad de la serie, la artista ha sido acusada de romantizar la figura de Dahmer. Nicki Minaj - Transformer La rapera apareció en una canción de Future en 2018 en la que rapea : "Todos sus amigos intentan matarlo, cómelo/J.A. Dahmer". Kesha - CannibalAl comienzo de la carrera de la cantante, ese fragmento apareció en su canción Cannibal: "Haré un Jeffrey Dahmer/Yo como chicos, desayuno y almuerzo". Black Eyed Peas - Electric City "Dee dee dee la dee da/asesino suelto como Jeffrey Dahmer", dice una canción no tan conocida del recordado grupo. Molotov - Rap Soda y Bohemia "Cuz I cut her into pieces like my name is Jeffrey Dahmer", dice Molotov en una canción que estuvo en el disco tributo latinoamericano a Queen en 1997. ¿Quién fue Jeffrey Dahmer?Nacido en 1960, recibió apodos como El Caníbal de Milwaukee, El Carnicero de Milwaukee o El Monstruo de Milwaukee. Entre 1978 y 1991 violó, asesinó y descuartizó a 17 hombres. En 1978 cometió su primer asesinato, y la policía lo detuvo por exceso de velocidad, sin saber que en el baúl se encontraba el cadáver desmembrado de su víctima.En una oportunidad, la policía lo detuvo por exhibicionista, luego de que intentó desenterrar el cadáver de un hombre que acababa de morir para violarlo. Tras su segundo asesinato, Dahmer creó un modus operandi, que sería constante en sus demás víctimas: los invitaba a tomar algo y luego tener sexo, los drogaba, les tomaba fotos in ropa y, al momento de irse, él ejercía toda su violencia. Era frecuente que se masturbara con los restos.Luego de que Tracey Edwards, su última víctima, consiguiera escapar, la policía decidió investigar y encontró restos de sangre, cuerpos mutilados, cráneos y huesos en su casa. Inicialmente se declaró culpable con atenuante de enajenación mental, sin embargo, dada la cantidad de pruebas en su contra, finalmente fue sentenciado a 15 cadenas perpetuas, en 1991.Inicialmente, fue separado de los otros presos por su propia seguridad. Sin embargo, él mismo solicitó tener mayor relación con ellos. En 1994, se vio involucrado en una pelea con Christopher Scarver, un esquizofrénico, y Jesse Anderson, quien había asesinado a su esposa y culpado a un hombre negro. Scarver le propinó a Dahmer 2 golpes en la cabeza con una barra de metal que causaron su muerte.
La productora de la franquicia de James Bond, Barbara Broccoli, habló sobre una reunión "muy triste" que tuvo con Amy Winehouse sobre la grabación del tema principal de una de las películas del 007. La frase ocurrió en el documental The Sound Of 007, que se estrena en Prime Video el 5 de octubre, y explora la música de la franquicia Bond. En él, Broccoli recordó una reunión con Winehouse para escribir el tema principal de Quantum Of Solace de 2008.“Bueno, esa fue una reunión muy, muy angustiosa, (Winehouse) no estaba en su mejor momento y mi corazón realmente estaba con ella”, dice Broccoli en el documental, según Entertainment Weekly.“Ella era muy frágil emocionalmente y, ya sabes, entendí cómo podía crear un material tan conmovedor, porque tiene una gran profundidad de sentimientos y fue muy, muy trágico". “Qué talento tan increíble, qué voz tan increíble, qué persona tan increíble era ella y fue muy, muy triste", agregó la productora. Winehouse trabajó con el productor Mark Ronson en una canción, pero se abandonaron las sesiones cuando, al parecer, ambos discutieron, según reporta La Información. La canción principal de Quantum of Solace de 2008 fue finalmente compuesta por Jack White y Alicia Keys. Titulada Another Way to Die, White escribió y produjo la canción y toca la guitarra, la batería y el piano, mientras Keys puso la voz. Fue el primer dúo en la historia de los temas de Bond.Recientemente, Skyfall de Adele, Writing's on the Wall de Sam Smith y No Time to Die de Billie Eilish han ganado premios Oscar. Amy Winehouse, una de las artistas más talentosas de su generación, falleció el 23 de julio de 2011 a causa de una intoxicación alcohólica. Sus discos Frank (2003) y especialmente Back to Black (2006) la ratificaron como una figura clave en la música de este siglo.
Sinéad O'Connor fue una mujer adelantada a su tiempo que no tuvo miedo de defender sus convicciones, incluso cuando eso llegó a costarle su carrera. Esa es la premisa del documental Nothing Compares, que explora su carrera y vida personal. En 1992, durante una presentación en vivo en Saturday Night Live, la cantante irlandesa rompió una foto del papa Juan Pablo II mientras decía"lucha contra el verdadero enemigo" y lanzaba los pedazos de la foto hacia la cámara. O'Connor cambió la letra de la canción War de Bob Marley de "racismo" a "abuso infantil" para protestar por el abuso de niños por parte de la Iglesia Católica. En ese entonces, en Irlanda se dieron a conocer denuncias de cómo la Iglesia Católica estaba escondiendo la pederastia de varios de sus sacerdotes, que eventualmente resultaron ser ciertas. El material en video fue cesurado durante años. En 2017, O' Connor reveló que fue víctima de abuso por parte de su madre, quien según ella, tenía "una cámara de tortura". La cantante le dijo a Dr. Phil que también fue violada "varias veces" por extraños de entre 3 y 12 años. Adoptó un look masculino porque "era peligroso ser bonita"."Seguía siendo violada o abusada sexualmente en todos los lugares a los que iba", recordó. "No quería vestirme como una niña".Romper la foto del papa en vivo fue una verdadera declaración que hizo que la artista quedara cancelada por muchos años. Fue censurada de la NBC de por vida y también abucheada fuera del escenario en un concierto tributo a Bob Dylan unas semanas después."Fue una mujer muy adelantada a su tiempo que desafió a una de las figuras masculinas más poderosas y queridas de la historia. Y pagó un alto precio por ello", escribe Candice Frederick en The Huffington Post. "Pero lo hizo sin pedir disculpas y como culminación de muchos otros actos de desafío religioso, social y político en un esfuerzo por liberarse a sí misma y a muchas otras mujeres del sistema patriarcal", agrega. Aunque su gesto le ocasionó ser "cancelada" durante muchos años, dice que no se arrepiente. "La gente dice que romper la foto de alguna manera descarriló mi carrera. Y yo siento lo contrario", dijo en una entrevista con CBC Radio en 2021. "De hecho, tener un récord número uno descarriló mi carrera".O'Connor fue "cancelada", mucho antes de que usáramos este término. En momentos en los que cada vez más personas denuncian el abuso del que fueron víctimas, queda claro que el gesto de O' Connor fue un desafío valeroso contra el establecimiento que merece todo nuestro aprecio.
