Músico, ilustradora, artista y ‘mindfreak’, así se describe Leah Wellbaum en su página web y redes sociales. Su nombre lleva activo más de una década en la industria de la música donde se ha destacado como líder de la banda estadounidense de rock alternativo Slothrust formada en Boston, pero radicada hace un par de años en Los Ángeles.En 2016 la banda lanzó el álbum Everyone Else, disco que los llevó a hacer giras, conciertos promocionales, shows agotados en diferentes ciudades y que les abrió las puertas a festivales en Norteamérica y Europa. En septiembre de 2021 publicarán su nueva placa discográfica Parallel Timeline, proyecto que estaba planeado para salir en 2020, pero que tuvo modificaciones por la pandemia del coronavirus.Leah es amante del arcoíris, elemento que desde mediados del siglo XX identifica la diversidad de la comunidad LGBTIQ, se identifica como persona queer de género fluido y se le considera uno de los nuevos iconos LGBTIQ+ del rock alternativo. Hablamos con ella sobre música, pride, espiritualidad y pandemia.Se viene un nuevo lanzamiento para este septiembre, ¿qué pueden esperar las personas sobre este disco Parallel Timeline?Es el álbum que más tiempo nos ha tomado en grabar. Parte de la razón fue por el covid y porque no estábamos disponibles de estar en la carretera. Fue una experiencia interesante donde nos acercamos a cada canción como un universo totalmente separado. Es interesante identificar lo que tienen en común las canciones de este álbum y lo que hacen que se conecten a lo largo del disco.¿Cuáles son los retos más grandes que en la actualidad tiene una banda como la que representa?Debo decir que el reto es navegar con las dinámicas en la carretera. Para mi lo mejor de girar es presentarse, me encanta porque es muy satisfactorio, pero hay otras cosas que hacen complicado que sea posible como el coordinar la logística para que todo salga como se espera.¿Cómo se ha sentido ser líder del proyecto y tener, casi al 100%, la atención del público durante esta década de carrera?Es muy satisfactorio estrenar música, poder desbloquear las nuevas canciones, lanzarlas y que la gente pueda escucharla. También es muy emocionante poder volver a presentarnos ante el público después de tanto tiempo y conectar con esa energía en vivo de nuevo.Estamos en el mes del pride, una celebración global de la comunidad LGBTIQ+, de la que eres parte. ¿Cómo se siente ser catalogada como un ícono musical de la diversidad?Me identifico como una persona queer de género fluido, así que es muy bueno tener oportunidades para que mi voz ayude a amplificar el mensaje y expresar ideas que me ocurren. Principalmente conecto con creatividad, universo y espiritualidad como un todo.La banda tiene una canción escrita por ti y que ha sido adoptada por muchas personas de la comunidad LGBTIQ+. ¿Qué nos puede contar de Strange Astrology?Es una exploración honesta de lo que significa amar a alguien que es intrínsecamente diferente a ti. Se trata de esperar que esas cualidades e instintos que se yuxtaponen, fomenten un crecimiento significativo en lugar del caos. Amé hacer el video porque amo las frutas y las frutas fueron una fuerza gigante para representar el caos.¿Cómo celebra el pride de 2021 Leah Wellbaum?Aún hay barreras y restricciones por el covid aquí en Los Ángeles, así que no voy a hacer nada específico para celebrar el orgullo, solo vivir mi vida y hacerlo de la mejor manera posible todos los días.¿Qué tipo de ideas de composición vinieron a su cabeza durante la cuarentena?Solo hicimos una durante covid, todo el resto del disco se hizo antes de la pandemia. Pero tenemos una canción que se hizo durante esa temporada y se siente diferente a todo lo que hicimos en el pasado porque revela mucho de dónde estoy ahora mismo.¡La música nos une!
Trece artistas emergentes interpretarán sus canciones en vivo en un concierto digital gratuito que se transmitirá por medio de la plataforma Zoom. El evento se realizará de forma virtual debido a la dificultad de realizar actos presenciales en este momento por la alta probabilidad de contagio del coronavirus.Para leer | Festival Viva El Planeta 2021 en Bogotá: "El arte es resistencia"El talento que estará presente en el concierto gratuito es diverso, variado y de diferentes zonas del país que demuestra la riqueza musical colombiana. El cartel está integrado por Sofia Crombie, Raul Criollo, Kiwanga Band, Mauro Franco, RST2, Juan Samacá, Brick, Cristina Quiroga, Franco Revelo, Lauracata, Stiven Betancur, Thub y Manuel Fierro.El evento musical sucederá en el marco del cierre del diplomado de Music Masters y es organizado por sus estudiantes que hacen parte de la industria musical colombiana. Los interesados en conectarse al concierto el próximo 17 de junio de 2021 a las 6 de la tarde pueden encontrar más información sobre la transmisión en la página de Facebook Music Masters 2.0.¡La música nos une!
Aquí estamos, como de costumbre, con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial completo con reseñas de discos colombianos (álbumes de estudio y EP) para que conozcan y se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo a los mejores temas y álbumes nacionales del 2020 en este especial. En esta oportunidad les presentamos Una Apuesta de Lika Nova.Una Apuesta - Lika Nova¿Quién está detrás? Lika Nova es uno de los nombres más representativos de la nueva música alternativa en Colombia y lo decimos porque hemos sido testigos de su crecimiento desde que en 2017 estrenaron el álbum Sangre de prófugo con el que debutaron. En 2020 nos sedujeron con el disco No hay mal que dure una vida y para este 2021 tienen planeado estrenar un EP en el que darán un giro a nivel artístico.¿De qué trata? La canción habla de cómo todo en la vida es una apuesta: el amor, las relaciones, el trabajo, etcetera, donde todo gira sin saber qué pasará después. La composición de Una Apuesta es de Brian Coronado, David Useche, Josue Rodriguez Bessolo, Levy Rodriguez Bessolo y Luis Rojas Andrade.¿A qué suena? Lika tiene una identidad musical definida, pero en el proceso de evolución se han dado cuenta que tienen demasiado por explorar. La nueva era de Lika viene a habitar un mundo más groove, dance y pop.¿Sobre el video qué? Protagonizado por Gabriela Rodriguez y Levy Bessolo (integrante de la banda) es un video lyric en el que se les muestra a los dos parchando en un carrusel que los hace girar mientras su mente está casi que en blanco sin saber qué va a pasar después. La narrativa del video, aunque sencilla, se acomoda perfectamente a la letra de la canción. El clip fue hecho por Tomás Suárez, Romulo Silva-Santisteban, Maria Andrea Orduz y los Lika Nova.¿Cuándo escucharla? Es de esas canciones que desde la primera vez se vuelven adictivas y que se pueden escuchar en repetición muchas veces mientras va en el bus para su casa.En video | Origen: el disco de Juanes que muestra sus raíces - Shock¡La música nos une!
Tyler Joseph y Josh Dun sorprendieron con el anuncio de nuevo música. Los integrantes del proyecto Twenty One Pilots estrenaron el video clip musical Shy Away y, de paso, revelaron detalles de Scaled And Icy, su sexto álbum de estudio que verá la luz antes de finalizar el semestre.Para ver | Will.i.am de Black Eyed Peas presenta ‘Xupermask’, el tapabocas del futuroPoco menos de tres minutos dura el track Shy Away, una canción en la que la batería nunca deja de sonar y que tiene las vocales de Tyler Joseph que ya tienen un espacio reservado en nuestros cerebros. Viene acompañado por un psicodélico video musical, repleto de colores y que es protagonizado solo por los dos músicos.Para recordar | Así fue la participación de Twenty One Pilots en el Estéreo Picnic Festival Shy Away es el tercer track del álbum Scaled And Icy que tendrá en total 11 pistas sin ninguna colaboración. La portada del disco es una ilustración de un dragón, criatura que tendrá presencia frecuente en esta era musical.Track List del Nuevo Álbum de Twenty One Pilots1. ‘Good Day’2. ‘Choker’3. ‘Shy Away’4. ‘The Outside’5. ‘Saturday’6. ‘Never Take It’7. ‘Mulberry Street’8. ‘Formidable’9. ‘Bounce Man’10. ‘No Chances’11. ‘Redecorate’Son las canciones que conforman el sexto álbum de la banda. Adicionalmente harán un concierto por streaming para celebrar el lanzamiento. La experiencia en vivo tendrá un costo de 20 dólares y se realizará el 21 de mayo de 2021, además algunos fans podrán hablar con la banda antes del evento.Más información en la página web https://live.twentyonepilots.com/Hace poco Twenty One Pilots recibió un Guinnes Record por Level Of Concern como el video musical más largo. Sobre este reconocimiento indicaron por redes sociales que "dado que Josh desconectó accidentalmente el video interminable de Level of Concern, Guinness revisó las estadísticas y lo declaró oficialmente como el video más largo de la historia. Felicitaciones, lo hiciste".Para ver | Lil Nas X y sus “zapatos satánicos”: crea controversia y reinarás¡La música nos une!
Ni el frío, ni la lluvia, ni los trancones evitaron que más de 300 personas llegaran al Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo para la cita en vivo con la banda de rock alternativo Armenia. Un encuentro de más de una hora que agotó su boletería con varios días de anticipación.Para leer | Armenia: una propuesta de indie para no perderle la miraEl motivo principal de este show era la despedida del primer álbum de la banda, pero evolucionó a ser un encuentro enérgico, nostálgico y hasta esperanzador sobre el presente y el futuro. Juan Antonio Toro, líder del proyecto, tomó varios momentos para agradecer el hecho de que la gente conectara con las canciones que su banda ha creado en casi cuatro años de historia.'El Tiempo', 'Violeta', 'Oropel' o 'Vámonos de viaje', fueron las canciones que más se corearon en el auditorio. Momentos musicales que quedarán grabados para siempre en la memoria de Armenia y que les da la fuerza para presentar en 2021 su segundo álbum de estudio, proyecto discográfico en el que han trabajado desde 2020.Esta buena celebración tuvo invitados musicales que hicieron más especial la velada. Pepa Lopera de Aguas Ardientes hizo una intervención magistral con su violín, desde Medellín Pavlo y Ev demostraron la conexión que tienen con la banda y por último Federico Rincón, co-autor del tema Ay Corazón, cantó a grito herido una canción sobre el silencio. Acá les mostramos cómo fue el recorrido.Para ver | Shock Presenta: Así fue el concierto de La Muchacha Isabel en el Teatro Mayor¡La música nos une!
Hay mucho de Sonic Youth en los álbumes de Lee Ranaldo, o quizás es porque su aporte era fundamental en la banda y, al terminarse en 2011, él se fue con su parte: su voz suave y composiciones sonoras atrevidas. Por Jhonny R. Quintero // @JhonnyRQuintero . Foto Anna Bogaciovas. Electric Trim, su último álbum, es una muestra eso. La crítica dice que es atrevido, e incluso para él mismo es una de sus obras más experimentales, nada parecido a lo que ha hecho antes, ni con Sonic Youth, ni con The Dust, ni como solista. Es una producción compleja, en la que usa distintos sonidos y métodos para crear. El ejemplo más claro de esto último es el uso de un arco de violín que usa con su guitarra eléctrica, lo que produce un sonido que no se podría lograr de otra manera. Estos experimentos no son nuevos, claro. Incluso es una técnica que ya desde Sonic Youth usaban para crear ese ruido que los hizo pioneros del “Noise Rock”. En Moroccan Mountains, por ejemplo, hay un ritmo árabe que atraviesa toda la canción. Por aproximadamente un año, Ranaldo junto con Raúl Fernandez (productor de este álbum) trabajaron en Echo Canyon West, el estudio de grabación de Sonic Youth, en Hoboken, New Jersey. Incluso en las letras de este álbum quizo experimentar y trabajó junto con su amigo el novelista Jonathan Lethem en varias de ellas. “Fue una clase de experimento nuevo, abrir la composición de las letras a la contribución de otro. Ese trabajo todavía sigue” cuenta. La presentación de Electric Trim en vivo es algo muy diferente a lo que se escucha en el álbum. Él y Raúl Fernández debieron adaptarlo a las tarimas, pues precisamente la gracia del disco está en el uso del estudio y sonidos, en tomarse el tiempo. “El álbum era un trabajo muy específico. Ahora estamos adaptando las canciones para las presentaciones en vivo. Estamos probando una serie de arreglos para el trío. Creo que ya logramos la adaptación perfecta para la banda. Se siente como si esas canciones por fin cobraran vida en términos de presentaciones en vivo.”, aseguró en la entrevista. Además, Ranaldo procura seguir trabajando como artista visual (formación que recibió en la universidad) y ha venido desarrollando proyectos como documentales y exposiciones de dibujo. Hello Hello Hello, documental sobre el proceso de grabación de Electric Trim es un ejemplo. Actualmente está trabajando en la composición de un nuevo álbum junto con Raúl Fernández, producción de la que no puede contar mucho porque aún no hay mucho qué decir, solo que tendrá mucho más contenido electrónico. Precisamente, interrumpió su trabajo de composición en Echo Canyon West para atender esta entrevista. Ha dicho que este es su álbum más experimental ¿cómo fue el proceso de grabación? Se grabó en diferentes tiempos. Mayormente comenzamos con demos de guitarra acústica que grabé yo. Luego sobre esos demos montamos estructuras y arreglos, casi nunca se trabajó con más de una persona (instrumento) a la vez. Casi todos los instrumentos los grabamos entre Raúl y yo. Los demás músicos se sumaron mucho después, cuando 2/3 del álbum estaban terminados. Duramos meses los dos armando estas canciones. Este álbum es diferente, no solo a los álbumes anteriores, sino en general, ¿por qué ese salto? Sí, mucho. Y eso es parte de nuestro trabajo en colaboración. Experimentamos muchísimo más en el estudio de lo que se podría pensar. Solo queremos probar algo nuevo. Pasé muchos años haciendo música con el formato tradicional de una banda, en el que el grupo se aprende una canción y luego la graba. Queríamos hacer algo diferente, que se centrara en el estudio de grabación. Con Electric Trim el toque que queríamos darle es más o menos el de los álbumes de finales de los años 60 en el que las bandas le sacaban el mayor provecho al estudio como herramienta, por ejemplo, Dark Side of the Moon (Pink Floyd), Sgt. Peppers, Revolver (The Beatles), álbumes que no podrían haber sido hechos sin un estudio de grabación, el ambiente que proporciona porque hay muchos músicos y no es la clase de disco que tocas o grabas en un solo intento. Era un reto para mí mismo hacer algo diferente. Si compara ese método experimental con el tradicional, ¿con cuál se siente más cómodo? Bueno, eso depende. Por años Sonic Youth fue mi medio principal para grabar y hacer discos, no exclusivamente, pero sí el principal. Era verdaderamente una banda, cuatro personas que trabajan de manera equitativa, todos contribuyen y ayudan a darle forma a la música. Esa es una situación especial. En los discos que hice como solista en la época en que estaba con Sonic Youth, tenía más libertad de hacer varios tipos de cosas. Ahora que Sonic Youth ya no existe, comencé por tener una banda similar y hacer un par de álbumes de manera tradicional. Ahora siento que es más interesante hacer cosas diferentes. Foto: Laura Tenenbaum. La banda en vivo son solo ustedes tres, pero ¿cuántos músicos trabajaron en su versión de estudio? En la mayoría de las sesiones solo fuimos Raúl y yo, y luego trajimos diferentes músicos para cada canción, de hecho, trabajamos con todos los integrantes de The Dust (antigua banda de Ranaldo), Tim Lüntzel, Alan Licht y Steve Shelley todos tocan en este álbum. También estuvieron Nels Cline, que es un viejo amigo y colaborador, Sharon Van Etten canta en varias de las canciones. Pero fueron más las ocasiones en las que Raúl y yo compusimos y armamos las canciones, y luego trajimos a varios artistas que proponíamos dependiendo de cada canción. ¿El álbum está grabando por estos días también es igual de experimental? Todavía no hay mucho qué contar pero va a ser muy diferente a Electric Trim. Va a tener mucho más contenido electrónico. No puedo contarte mucho porque yo no sé mucho todavía de cómo va a terminar esto. Electric Trim fue algo muy especial y un álbum que amé hacer, fue muy denso con los instrumentos musicales que utilizamos, pero entre Raúl y yo decidimos que el siguiente trabajo sería muy distinto, decidimos hacer algo más abierto. Uno escucha la radio y todo parece lo mismo ¿cree que el mundo musical necesita más de esta clase de álbumes experimentales? Si hablamos solo de Rock y Pop es limitar lo que se escucha en la radio. Hay muchos experimentos musicales haciéndose en este momento, especialmente en el Hip Hop o en el R&B. El Rock todavía gira alrededor de grabaciones hechas por las bandas y cosas así. Foto Anna Bogaciovas. ¿Le es posible dejar de comparar las nuevas bandas de rock con todo el sonido de las bandas de rock de los 80 y 90? Creo que si uno escucha nuevas bandas y suenan como las de antes, mi sentimiento es que preferiría escuchar a las bandas de antes. Pero siempre hay grupos haciendo cosas nuevas. No es para nada interesante escuchar músicos contemporáneos que quieren sonar como músicos de antes. Es como escuchar una banda de punk moderna, yo preferiría escuchar a Sex Pistols o The Clash que a una banda de ahora intentando ser como ellos. ¿Cree que con Sonic Youth influenciaron a las bandas que escuchamos hoy en día? Sí, claro. Creo que influenciamos a otras bandas como Pixies o Nirvana y otras bandas de la época. La gente todavía se me acerca y me dice lo que significó nuestra música para ellos. Sí siento que tuvimos un impacto. Todavía tenemos un estudio y muchos archivos de 30 años de Sonic Youth. Aún intentamos lanzar nueva música cada vez que podemos. En orden de sacar música de la banda que nunca antes vio la luz, tenemos muchos vídeos y audios, pero no tenemos a alguien dedicado 100% a ese trabajo. Los cuatro estamos muy ocupados en este momento. En octubre se acerca el 30 aniversario de Daydream Nation y hay mucho material por escuchar y ver.
Después de días intensos de gira por Medellín, Rio Negro, Cali y Manizales, Montaña y Arrabalero cerraron oficialmente su gira en Bogotá con un show tan tremendo que logró que la última sala de cine Tonalá se convirtiera en el escenario perfecto para saltar, gritar y poguear. La noche la inició Montaña quienes fueron los encargados de poner el público en el frenesí más alto con los mejores tracks de Coordenadas su último álbum (Rómpanse la cabeza con los sonidos delirantes de Montaña) Del otro lado Arrabalero estaba listo para romper todos los sonidos y oficialmente darle la bienvenida a su álbum Sudoku una propuesta deliciosa que mezcla los mejores elementos del jazz, del rock y el punk que dan origen a un ritmo con el que es imposible parar de mover la cabeza o terminar extasiado dándolo todo en un pogo. Estas fueron las mejores imágenes del cierre. Fotos: Brayan Garnica / @brayangarnicaph .
La Verdad (En Vivo)
PlassMouse - Igual que ayer (videolyric)
JUNA by SnowCrash Official Video
“Lollapalooza se fundó con base en la diversidad, la inclusión, el respeto y el amor. Con eso en mente, DaBaby ya no actuará en Grant Park esta noche. La actuación de Young Thug ahora tendrá lugar a las 9:00 pm en el Bud Light Seltzer Stage, y G Herbo actuará a las 4:00 pm en el T-Mobile Stage”. Así anunció el festival su rechazo a los comentarios de DaBaby. La semana pasada, durante una actuación en el festival Rolling Loud de Miami, el cantante originario de Ohio lanzó una serie de comentarios despectivos sobre los hombres homosexuales, el VIH y el SIDA. Se disculpó, pero empeoró las cosas, lanzando un video donde usaba nuevamente el SIDA como un insulto.Durante un concierto presencial el rapero hizo una pausa para analizar los ánimos del público. Todo parecía normal hasta que dijo: “enciendan la luz de su celular si no se están aquí con VIH, SIDA u otras de esas enfermedades de transmisión sexual que hacen que te mueras en dos o tres semanas (...) chicas, si su vagina huele a agua, enciendan la luz del celular; chicos, si no chupan pene en los parqueaderos, enciendan la luz del celular”.El momento se viralizó rápidamente en internet y los comentarios de desaprobación a sus declaraciones lo llevaron a ser tendencia, especialmente porque ha colaborado con cantantes femeninas que son íconos para la comunidad LGBTIQ+.Los comentarios homofóbicos provocaron reacciones violentas en la industria, y varios artistas se pronunciaron. Anitta, Demi Lovato, Elton John y Dua Lipa, quien colaboró con el rapero en un remix de su canción Levitating. Madonna publicó en su Instagram: “Un mensaje para DaBaby: si va a hacer comentarios llenos de odio a la comunidad LGBTQ + sobre el VIH / SIDA, es mejor que conozca sus datos:Después de décadas de investigación científica ganada con esfuerzo, ahora hay medicamentos que salvan vidas disponibles para los niños que nacen con el VIH, para las personas que contraen el VIH a través de transfusiones de sangre, agujas sucias o intercambio de fluidos corporales. ¡Estos nuevos ARV pueden mantener viva a una persona con SIDA por el resto de su vida! El SIDA no se transmite estando al lado de alguien en una multitud.Quiero encender mi celular y rezar por tu ignorancia, ya nadie muere de SIDA en 2 o 3 semanas. Gracias a Dios. Y tus comentarios sexistas sobre las mujeres cuyos vaginas necesitan oler a agua solo fomentan una mayor discriminación contra las mujeres que luchan a diario contra la opresión de vivir bajo las limitaciones de la mirada masculina.Las personas como tú son la razón por la que todavía vivimos en un mundo dividido por el miedo. Todos los seres humanos deben ser tratados con dignidad y respeto independientemente de su raza, género, preferencia sexual o creencias religiosas. AMÉN”.
La Media Torta es uno de los escenarios más diversos de la capital colombiana, por su tarima han pasado expresiones artísticas y culturales que han marcado generaciones que reúnen el imaginario cultural bogotano.Este año para su aniversario 83, el Teatro Al Aire libre La Media Torta celebrará su cumpleaños con una gran programación donde los sonidos tradicionales colombianos con nuevas mezclas sonoras y rítmicas serán los protagonistas. Los invitados a esta gran celebración son Guetto Kumbé y Phonoclorica. La entrada será libre hasta completar aforo.En sus inicios la programación de La Media Torta buscaba ser pedagógica, educar al pueblo con conferencias, sinfonías y diferentes variaciones de la música clásica. Fue en las décadas de 1950 y 1960, cuando los habitantes de la zona pidieron canciones del pueblo y, gracias al auge del cine mexicano, las rancheras llegaron al escenario en voces de artistas como Miguel Aceves Mejía, Antonio Aguilar, Pedro Vargas y María Félix. Hasta los setentas, La Media Torta fue el escenario predilecto y de esparcimiento para las clases obreras.A finales de 1970, este escenario presentó a reconocidos artistas internacionales. Durante la administración de Hernando Durán Dussán, se firmó el Decreto 0974, que obligaba a la presentación gratuita de artistas internacionales en el escenario. De este paso obligado por la Media Torta fueron protagonistas Armando Manzanero, Sandro, Celia Cruz, Mercedes Sosa, Leonardo González, Nelson Ned, Raphael y Leonardo Favio.Después de esto, La Media Torta entró en un largo período de crisis, inseguridad, cierres (en 1974) y deterioro de su planta física. En 1978 se conformó el Instituto Distrital de Cultura y Turismo que replanteó la programación y remodeló en 1981 las instalaciones, con lo que aumentó la capacidad de 3.000 a 7.000 espectadores.En 1995, entre el 25 y 26 de mayo, tendría lugar la primera edición de Rock al Parque en la Media Torta, festival que albergó es su primera edición 43 bandas nacionales, entre las que se destacaban agrupaciones que aún continúan vigentes como Aterciopelados y 1.280 Almas. La Media Torta también acogió los inicios de festivales como Jazz al Parque, Rap al Parque, Festival de Música Colombiana y el Festival niños y niñas al parque.La lista de artistas y celebraciones que se han llevado a cabo en este escenario es bastante amplia, por eso nos unimos a esta importante celebración. ¡Feliz cumpleaños 83 Media Torta!
Una de las instituciones de ballet folclórico más importante del país cumple 60 años. El Ballet de Colombia está listo para celebrar con los capitalinos este aniversario dedicado a su creadora Sonia Osorio.Un recorrido musical por las regiones del país, con un vestuario espectacular y los bailarines insignes de la compañía, llevarán al público a un viaje musical durante dos noches de celebración, el viernes 6 y el sábado 7 de agosto en el escenario del Teatro Jorge Eliécer Gaitán. El aforo presencial será limitado para las dos funciones, y el día 7, simultáneamente habrá transmisión vía Live Stream para todo el mundo a través de la plataforma, Tu Boleta Play.Son 60 años de recorrer los escenarios más importantes del mundo, con el legado de una de las gestoras culturales más importantes de nuestro país, la legendaria, Sonia Osorio, alma y nervio de la compañía por más de 50 años.Medio centenar de artistas en escena, entre bailarines y músicos en vivo le darán vida a un espectáculo con repertorios de gran exigencia escénica, con el fin de mostrar la riqueza cultural, la fuerza y la pasión de los colombianos.Haber logrado la mezcla perfecta entre la pureza del folclor y la sofisticación de las danzas modernas, le ha permitido al Ballet participar en los más importantes festivales de danza, y presentarse siempre triunfante en los más reconocidos escenarios a nivel mundial, obteniendo ovaciones, primeros premios y galardones.El Ballet Nacional un Legado de Sonia Osorio, ha bailado en los mejores teatros de París, Tokio, Berlín, Washington, New York, Chicago, Miami, Budapest, Moscú, Varsovia, Belgrado, Roma, México, Buenos Aires, São Paulo, Santiago de Chile, Lima, Quito, Santo Domingo, Puerto Rico, Panamá, Bruselas, Tel Aviv, Jordania, Egipto, Montecarlo, Hollywood, Madrid, Beijing, entre otros.El Ballet Nacional de Colombia, un legado de Sonia Osorio, hoy está bajo la dirección de Silvana Obregón Osorio hija de Sonia Osorio y de su nieto Martín Viera Obregón quienes continuarán con el concepto artístico, la escuela y el estilo que lo has hecho únicos en el mundo.
A pesar de que la pandemia paralizó al sector musical, sirvió como catapulta para muchos artistas que decidieron arriesgarse y enfrentar creativamente aquel panorama desolador de inicios del 2020. En Perú, dos experimentadas artistas sonoras le dieron vida a Silveria, un prometedor proyecto musical que ahora nos presenta Volver, su sencillo debut.Integrado por Noelia Cabrera (voz y líder de Kusama y Blue Velvet) en las voces y bajos y Natalia Vajda (guitarrista Mercury Toys y directora de Warmi Rock Camp) en las guitarras, la propuesta de Silveria mezcla elementos del new wave, postpunk, electrónica y rock alternativo con matices pop que invitan al baile.Volver plantea representar, a través de sus líricas, la partida del ser humano en el plano terrenal y su eterna presencia viviente en el recuerdo. Es una canción con cierta carga melancólica que nos invita a la reflexión, sobre todo en tiempos inciertos como los que vivimos. Así mismo, la canción cuenta con un fashion film en el que reforzaron el concepto artístico con flores intervenidas manualmente y maquillaje avant-garde, estos representan el lado femenino y elegante de Silveria a nivel visual.“Volver es el primer single de 3 sencillos que planeamos sacar en el 2021. Cada single contará con una sofisticada temática y propuesta audiovisual de editorial avant-garde distinta, planeando asimismo cada single con el acompañamiento de un video”, comenta la banda respecto al single.En cuanto a su sonoridad, la canción lleva un beat en onda new wave, con cajas de ritmos que por momentos nos invitan al techno. Las guitarras arman riffs y melodías envueltas en capas de delays, chorus y distorsiones junto a los sintetizadores. Todos estos sonidos arman las bases para las voces en distintas tonalidades que construyen armonías tejiendo las texturas sonoras y líricas que acompañan el manifiesto del viaje terrenal hacia el plano astral.
El afrofuturismo es, sin duda, una de las revoluciones sociales y estéticas más prominentes de los últimos tiempos. Una movida que plantea disolver los límites estilísticos para reivindicar lo afro. Para la muestra estas tres animaciones japonesas basadas en la estética afrofuturista. Por David Luján Shedda | @davidlujanshedaEn 2003 James Spooner dirigió la película documental AFROPUNK - "The Rock and Roll Nigger Experience", que exploraba las visiones y problemáticas de músicos y fanáticos de la escena punk norteamericana sobre la etnicidad, la clase y los asuntos raciales. Todos profesaban la identidad anárquica de la escena punk, en la que los afrodescendientes son minoría. Destaparon los roces entre los núcleos minoritarios dentro de las comunidades alternativas. Dos años después, Spooner y Matthew Morgan fundaron la plataforma Afropunk, reconocida mundialmente por su festival musical itinerante que amplió los márgenes de la escena del punk rock afro de Los Ángeles y Nueva York hacia diferentes ciudades del mundo, e incluyó otras músicas como el neo-soul y el hip hop, e incorporó en sus banderas la lucha contra la homofobia, la gordofobia y el racismo.Casos como el de Afropunk plantean lugares expresivos de libertad y reivindicación de las clases populares a través de una producción estética afro sin márgenes estilísticos concretos. Una apuesta que puede enmarcarse dentro del concepto de afrofuturismo, que se ha aplicado también al mundo audiovisual y que abarca un conjunto heterogéneo de reivindicaciones, identidades rebeldes y expresiones artísticas desprendidas de una tradición anclada al territorio. Para aprender más recomendamos leer | Afrofuturismo: la revolución cultural que se viene detrás de Pantera NegraComo campo estético, el afrofuturismo es un campo alternativo. Incluye diversas visiones artísticas no solo musicales o cinematográficas, sino también identidades sexuales, activismo social y posturas políticas paralelas al movimiento Black Lives Matter. Entre esos cruces artísticos, producto del afrofuturismo, aparecen estas tres animaciones japonesas que han sido protagonizadas y musicalizadas por personajes afro. Afro SamuraiAfro Samurai (2007-2009), originalmente un manga creado por Takashi Okazaki, es un proyecto que cuenta con dos entregas: una serie de una temporada con cinco capítulos y una película titulada Resurrección, que fue llevada al anime por estudio Gonzo.La serie está ambientada en un Japón futurista y postapocalíptico. Samuel Jackson hace la voz en el papel principal en una historia que conjuga las artes marciales con la historia del guerrero samurái Afro, quien busca vengarse del hombre que asesinó a sangre fría a su padre Rokutaru, uno de los mejores guerreros y quien poseía en su cabeza el cinto del guerrero número uno.La música, en sus dos entregas, es conducida por el veterano Rza, miembro de Wu Tang Clan. Tiene, de hecho, dos álbumes extensos acompañados de diferentes artistas invitados como Talib Kweli, GZA, Method Man, Kool G. Rap, Q-Tip, Big Daddy Kane y demás afiliados al Clan.Ambos discos recrean un estilo de cierto tipo de hip hop oriental bajo la mística del Wu y el kung-fu lírico que históricamente han profesado en sus canciones.Esta serie presenta el inicio de una vertiente en el anime que centra su argumento en recrear la vida de un personaje extranjero en una sociedad bélica. Aunque Rza afianza el estilo musical presentado previamente en Kill Bill, el giro hacia un personaje protagónico llamado enfáticamente Afro, crea un puente intercultural que provoca una ruptura con la tradición oriental del anime convencional.Por otra parte, es el hip hop el encargado de transmitir la fuerza necesaria para complementar el despliegue sanguinario de la serie.¿Dónde ver Afro Samurai? Actualmente no se encuentra disponible en ningún servicio de streaming, aunque han publicado algunos de los capítulos en YouTube. YasukeLa exitosa serie Yasuke (2021) es una apuesta japonés-estadounidense de Netflix. Fue creada por el multifacético LeSean Thomas, y cuenta con LaKeith Stanfield, quien da vida a la voz principal del proyecto.El anime se basa en la increíble historia real de un barquero que llegó a Kioto (Japón) en el siglo XVI y pasó a ser el primer guerrero samurái extranjero del cual se tenga noticia. Al lado del señor feudal Oda Nobunaga, Yasuke llegó a los campos de batalla dominando el japonés con fluidez, y llamando la atención por donde pasara. Así lo relata el escritor franco-marfileño Serge Bilé en su libro biográfico sobre Yasuke. La historia central de la serie relata la misión que emprende Yasuke por proteger a una niña con súper poderes. Animada por el estudio japonés MAPPA, la estética de la serie recrea personajes místicos envueltos en luchas a muerte en escenarios oníricos donde se despliegan intensas batallas y diálogos exuberantes. La ciencia ficción y esta historia fantástica se conjugan de manera inquietante en lo que parece ser una versión del Japón medieval en un universo paralelo.La banda sonora está a cargo del angelino Flying Lotus, un conocido vanguardista de la escena del hip hop, la electrónica y el jazz fusión, quien ahora es, sin duda, un referente sólido del mundo del anime.Mediante una estética cyberpunk decididamente afro, Flying retoma con delicadeza la producción artística sonora japonesa de finales de los ochenta y comienzos de los noventa.El tema principal de la serie, Black Gold, es presentado por el brillante Thundercat en la parte vocal y Lotus en la música, trayendo cierta nostalgia a partir de brasses o vientos electrónicos propios de sintetizadores modulados de manera retro, instrumentos musicales de percusión de madera y baterías minimalistas que evocan los clásicos del anime japonés.Flying impregna la banda sonora, además, con los hoy usuales ritmos de baterías 808 del trap. Incluye una colaboración, como es habitual en su discografía, con Denzel Curry en la canción African Samurai, una pieza minimalista desarrollada sobre una base drumless o sin batería, característica del hip hop moderno en su última versión, apoyada en coros onomatopéyicos que recuerdan el estilo clásico de los cantos responsoriales africanos.Blade Runner Black Out 2022Blade Runner Black Out 2022 (2017) es un corto de anime cyberpunk tech-noir dirigido por el respetado Shinichiro Watanabe inmortalizado por su trabajo en el anime de culto Cowboy Bebop. La entrega es una precuela de la película Blade Runner 2049 (2017) dirigida por Denis Villeneuve y forma parte de la clásica historia Blade Runner (1982) dirigida por Ridley Scott.Este corto es animado por Sola Digital Arts y llena el vacío que dejó el desarrollo de la historia futurista inicial, de ahí que su título retome la fecha del año 2022. Explica el apagón que tuvo lugar en la costa oeste de Estados Unidos en aquel año, cuando los humanos y los replicantes del modelo Nexus 8 continúan en un conflicto que incluye varios asesinatos por parte de la secta Supremacía Humana.En la trama los dos personajes centrales se confabulan para tumbar la energía de Los Ángeles, como parte de una acción del Movimiento Libertad Replicante, para bloquear el futuro accionar humano y borrar su memoria.La banda sonora del proyecto fue realizada, también, por un Flying Lotus con una visión musical del sci-fi impecable. El estilo musical mutante de Flying se torna introspectivo, logrando una asociación íntima con el despliegue filosófico de la obra. Pretende, quizá, presentar a los humanos como una especie asesina de todo aquello que no puede controlar a su antojo.A partir de sintetizadores y síntesis computacionales, el músico crea atmósferas futuristas. Aunque hay rasgos musicales similares en el catálogo sonoro de Flying, la banda sonora logra encapsular la ecuanimidad emocional de los replicantes, un rasgo característico de la historia.Los tres trabajos logran captar la experiencia de creadores afrodescendientes en el mundo del anime, centrando el foco en romper el canon musical y literario de la industria; en una expresividad rebelde y contestaría que concibe la cultura punk más allá de ser un estilo musical juvenil.
