Al final del camino, en la canción No Perdí la Razón, Zeta Zeta mira hacia atrás y recuerda: “Cómo le explicaba a la abuela que iba a funcionar / Con deuda en vez de capital / Viendo a seis valijas que cayeron pa’ fumar / Sin camisa y una de ron que iba a la mitad / A las diez de la mañana”. Esta escena de Niebla, el nuevo álbum de Gordo Sarkasmus, reconfigura lo que en su momento pudo ser un indicio de no futuro para los familiares de Zeta Zeta (también conocido como Zof Ziro) y Granuja y lo eleva como un trofeo. Por Santiago Cembrano // @scembrano Sí funcionó, por eso hoy ambos integrantes del dúo de Medellín lo narran con la sonrisa pícara de los que, contra todo pronóstico, se salieron con la suya con el rap como apuesta de vida. Tras siete años de ausencia desde el clásico Herejías, el Gordo ha vuelto con su quinto disco.Desde su último trabajo las cosas han cambiado, como dijo Biggie. Tras Herejías —una demostración de alto nivel de su perspectiva descreída, rapeos contundentes, una filiación con el boom bap y sus alrededores y la personalidad de villanos ante una Colombia al revés—, Zeta Zeta y Granuja se concentraron en sus carreras como solistas y llegaron a Niebla con varios discos en su haber. También llegaron más maduros, ambos por encima de los 30. Y, a nivel colectivo, el rap estricto que profesaban Gordo Sarkasmus y sus compañeros del colectivo Moebiuz, casa de varios de los discos más importantes del rap de Medellín de la última década, dio paso a una gama más amplia que también ha incluido el trap y, ocasionalmente, el dembow. Así, este nuevo disco refleja lo obvio: ni Zeta Zeta ni Granuja son los que eran en 2015, no podrían serlo. Ni siquiera rapean igual: el primero lo hace con más aire en su registro; el segundo, con mayor parsimonia. Aun así, una filosofía subyacente se mantiene, aunque la expresen de otra forma.La distancia en NieblaDurante la cuarentena de 2020, ambos miembros del Gordo empezaron a hacer temas a distancia. Una tanda de beats iba, volvía uno elegido, se devolvía una propuesta de canción y termina el track hecho, todo a decenas de kilómetros de distancia. Así empezó a formarse Niebla, con temas como el apropiadamente titulado Encuentros Lejanos, y se terminó con canciones hechas en persona una vez se relajaron las restricciones, como SOS, Rápido y No Perdí la Razón. De los doce cortes del álbum, diez tienen beats de Granuja y dos de Zeta Zeta, Niños Serios y Antinatural. El color general del disco es opaco, denso, como si fuera, justamente, neblina: una capa que ensucia los tonos, el sonido que oscila entre los samples y lo sintético. Esa misma neblina la identifica Granuja como la identidad de Gordo Sarkasmus, un antídoto contra lo alegre, romántico y rosado.Niebla discurre entre las cabezas complicadas de dos MC que con ojo clínico y lengua ágil rapean sobre lo humano y lo divino. El desarrollo entre el antes y el ahora es un motivo triunfal constante, una vuelta olímpica celebratoria. Granuja y Zeta Zeta también analizan con ingenio la degradación humana y la violencia nacional, una constante en su discografía. Incluso hay espacio para responder a los críticos en CatDog, un corte conciso, de los destacados del álbum. Al final queda la escritura única de Gordo Sarkasmus, una perspectiva que se alimenta de una etapa distinta de la vida, ideas por diseccionar y una tesis que sostienen con firmeza: que son el mejor grupo que dio esta finca.***Sobre Niebla, el legado de Gordo Sarkasmus, la política nacional y más, hablamos con Granuja.Fueron siete años sin un disco nuevo de Gordo Sarkasmus. Para Niebla, ¿hubo algún reajuste para recuperar la química o salió de memoria?Todo salió de memoria. Igual nosotros nos seguimos juntando después de Herejías, Ziro sale en Círculo Vicioso y yo estoy en sus discos. Me parece importante que cada uno haya desarrollado su proyecto. Los grupos me parecen importantes, pero también es valioso tener un nombre propio y depender solo de uno mismo. Que no lo vean a uno solo como un grupo sino como éste y éste que son este grupo. Para mí es innegable que todo está mejor ahora: la mezcla, las voces, la técnica para rapear. Va aparte del gusto, habrá al que le gusten cosas más viejas porque le gusta ese estilo, pero yo creo que el bagaje individual que hemos tenido hace que cuando nos juntemos no haya que hacer una reunión para ver qué es lo que queremos hacer sino que simplemente fluya. Nos sentamos, escuchamos música y sabemos qué queremos hacer.En tu escritura es común que haya versos críticos sobre la política y la sociedad. ¿Cuál es tu clave para escribir de manera creativa sobre estos temas?Yo nunca me he sentado a centrarme en un tema en particular. Para mí, se trata de decir las cosas que uno piensa, pero de una manera ingeniosa. No es solamente qué se dice, sino cómo se dice. Eso también le da una particularidad al grupo, esa forma de decir las cosas, para que no suene a unos manes que se están quejando todo el tiempo o a que puño arriba por la revolución. Es como si fuera una conversación: uno abarca más de una temática, se habla de todo un poco, pero con un contexto. Tampoco es random, hay una línea a seguir, pero no nos imponemos una temática específica. En varios temas hay comentarios políticos y sociales, pero no es que queramos que todo sea eso, así como no queremos que todo sea competición. Sí, es como una conversación o un monólogo, en el que se habla de todo un poco. Por ejemplo, ¿qué es lo que hace buena una stand up comedy? No son las vulgaridades ni una sola temática particular, sino el ingenio con el que se dicen las cosas, el clásico punchline que también está en el rap. Eso es lo que hace que la vuelta sea interesante.Con todo lo que está pasando de la zozobra frente a las elecciones que vienen, el llamado paro armado del Clan del Golfo y todo lo demás, ¿tú cómo analizas la situación del país hoy?Yo siempre he pensado que lo que pasa previo a las elecciones no son actos de azar, todo es muy planeado. Las elecciones hacen que la gente esté como tensionada, y las partes aprovechan eso de cualquier manera. El terror les ha servido a los estados para gobernar. Todo lo que está pasando tiene una finalidad política, y eso no es porque Colombia sea violenta: los que hacen eso son los que siempre lo han hecho. Los grupos armados ilegales son ilegales porque no son creados según las leyes, pero siempre han trabajado con el Estado, sean guerrilla o paramilitares. No me parece un caso aislado. Siempre antes de elecciones pasan cosas extrañas, extremas, dudosas. Lo que está pasando ahora tiene mucho que ver. También, creo yo, es el miedo de los que están en el poder: creo que ellos están resignados a que lo van a perder, entonces quieren dejar el país vuelto mierda para que al que quede, el que ellos no quieren, le quede algo muy difícil de resolver. Es lo que creo yo que está pasando, en términos vulgares.La escritura de Niebla es muy distinta de la de Herejías. Hay rimas competitivas y sobre rap, pero menos. Hay más espacio para comentar sobre la vida y lo que hay a su alrededor. ¿Cómo sientes y analizas ese desarrollo o esa progresión?Todo es parte del proceso de crecimiento personal. Uno cuando es pelado quiere lucirse más, mostrar todas las habilidades y que es un súper rapero que dice cosas súper raperas todo el tiempo. Ahora yo no siento esa necesidad de demostrar algo, uno va creciendo y ve que el mundo es muy grande, güevón, hay mucho de qué hablar. Ya la forma de decir que uno es bueno en algo es hacer algo bueno, no decirlo. Y toda esa testosterona de Yo soy mejor es chimba, a mí me gusta ese recurso, pero ese no puede ser el eje. No está mal quedarse hablando de lo mismo siempre, cada uno tiene su estilo, pero para mí sería como estancarse. Siempre he hecho lo mismo: barras y pistas. Yo solo hago rap, no hago trap ni reggaetón ni otras cosas que podrían hacer sentir diferente a un artista, más dinámico, entonces sería demasiado monótono y cansón estar hablando de las mismas güevonadas tantos años después. Hay que aprovechar cada momento de la vida, expresar cómo uno se siente en la música. Eso es un proceso natural, y no solo pasa en el rap. A medida que pasa el tiempo, todos los artistas se vuelven menos hardcore y más introspectivos, analizan otras situaciones. Es un proceso de maduración.En Niebla ambos celebran sus triunfos. ¿Cómo es mirar diez años para atrás y pillar que hicieron carreras sólidas con el rap?Sí, el disco también es eso: un contraste entre el antes y el ahora. Todo ha cambiado mucho en estos siete años desde Herejías, es un intervalo largo. Yo en el día a día no lo siento ni lo pienso tanto, pero ¿sabés cuándo lo siento más? En los conciertos, ese es el momento más increíble, de verdad es difícil de creer. Uno se da cuenta como "Todo esta gente vino a verme, está cantando mis canciones, está loca y emocionada". Para mí, yo soy un güevón, soy una persona normal, no me siento especial ni nada. Cuando veo a la gente exageradamente emocionada pienso "Uy, qué raro. Esto no me lo esperaba". Uno lleva mucho tiempo haciendo lo mismo entonces es más lógico que rinda frutos y se pueda vivir de esto. Lo más loco del asunto es el comportamiento de la gente, darte cuenta de que te ven especial y diferente, y uno sabiendo que no.Y a propósito de eso que dices, en “Plan A” hablas de que antes no los seguían y ahora que te siguen no quieres ser un guía. ¿Por qué? ¿Sientes algún tipo de presión?Yo no cambio mi comportamiento por ningún motivo. Hay que ser uno mismo, entonces si me preguntan algo voy a decir lo que yo pienso, y si no quiero responder, pues no respondo. No veo un motivo para fingir, al final lo que hace atractivo a un artista es la autenticidad. Pero esa vuelta es muy loca, parce, que la gente esté pendiente de qué dice o qué hace uno. Igual no me preocupa. Yo no soy el más carismático, ni el que en la calle le sonríe a la gente cuando me ve y eso; no de mala manera, es la forma de ser de uno. Si a la gente le gusta eso, me siento con suerte. El reconocimiento y la popularidad tienen muchos matices, pero igual yo no me siento abrumado. Pa’ mí famoso es Messi o la gente que no puede salir. Yo puedo salir a cualquier parte. Si acaso me siento reconocido en algunos lugares.En Rape Abisal dices que acabarás en la montaña, en la orilla del mar o donde te puedas trabar. Desde hace unos años vives en La Ceja (Antioquia). ¿Cómo ha sido para ti y para tu creatividad vivir fuera de la ciudad?A mí me parece que esa tranquilidad ayuda. Todo ese ruido y caos de la ciudad, tanta gente y tanta cosa, contaminan la visión de uno. En la ciudad uno se estresa más y vive más acelerado. Acá no es que uno cambie demasiado, pero sí cambia el ritmo de vida. A mí me ha ayudado a trabajar más, me siento más libre para hacer bulla. No hay ningún vecino que se queje ni tampoco hay ruido de afuera que estorbe. A mí me ha gustado mucho, vivo muy parchado acá. Me siento más libre haciendo música así. No sé si es la ilusión de no ver edificios ni paredes cerca, pero me siento más libre.Han pasado diez años desde el primer disco de Gordo Sarkasmus, Hallowinners. Zeta Zeta dice “Somos el mejor grupo que dio esta finca” en CatDog. ¿Tú cómo sientes el legado y el impacto de Gordo Sarkasmus?Parce, con Gordo Sarkasmus fue que empezamos este viaje en el que estamos. Ahí empezó todo este cuento, la historia de nosotros, no solo de Ziro y yo sino todos los que fueron llegando a Moebiuz y se fueron o se quedaron. Al final la gente es la que decide si hemos tenido impacto, pero han pasado cosas impensables: como que a uno lo busque X o Y sujeto que uno escuchaba cuando era pelado y le gustaba. Pero lo difícil no es subir sino quedarse arriba. Igual han sido muchas cosas que han funcionado juntas. No es solo lo que hemos hecho nosotros, sino la sumatoria de todos los que han estado ahí cuando ser masivo no era tan fácil como ahora. Rh Klandestino y más atrás La Etnnia hicieron el rap colombiano conocido, de alguna manera. Nosotros —aparte de hacer la música, que rodara y que la gente la reconociera y se identificara— coincidimos con la época de internet, y eso suma. Y desde que empezamos ha surgido una forma más fácil de hacer las cosas. A uno le tocó con las manos, ahora cualquiera se mete a YouTube y, si tiene la disciplina, alguien se lo enseña a hacer. Eso hace que haya mucha gente buena ahora. Es una suma de muchas cosas, pero sí se siente orgullo y satisfacción de que lo que uno ha hecho haya servido para que se inspiraran algunos pelados y saliera gente buena después de uno.¿Cuál es tu top 5 de temas de Gordo Sarkasmus?Me gustan mucho Días Funebres, No Blasfemes, Mal Ejemplo, Pasan Los Días y El Desquite. No sé por qué, no tengo motivos. La música es muy extraña, a uno le gusta algo sin explicación. Suena y ya, y si le gusta, nada más importa, no tiene una explicación lógica.Vean también | Visita de Moebiuz a ICON: un encuentro entre el rap y el reggaetón
DJ King Assassin fue una figura clave para el hip hop de la Costa Oeste de Estados Unidos en la primera mitad de los 90. Craig Venegas Alvarado, su nombre real, trabajó con grandes nombres del rap como Ice-T, Eazy E y por supuesto, Tupac Shakur. A lo largo de su carrera, DJ King Assassin ha participado en más de 300 títulos de diversos artistas. En 2014, alcanzó el puesto número 7 en las listas de Billboard en EE. UU. luego del lanzamiento de un mixtape con su compañero de la industria Kokane. Venegas ha sido galardonado como DJ del año por su larga contribución musical en los Premios West Coast Hip Hop.El legendario productor visitó Medellín a finales de mayo en el marco de a la apertura del estudio musical de la compañía Secret Hit Music de Fabrizio Moreira. Hablamos con él sobre cómo fue crecer en la Costa Oeste y el auge del rap californiano. ¿Cómo fue crecer en California y vivir en carne propia una era tan importante para la música?Fue una gran experiencia crecer en la costa oeste, especialmente cuando estuvo Tupac. Yo estuve con él incluso antes de que fuera famoso, así que es algo que nunca olvidaré: estar cerca de Tupac. En ese momento chocamos con Ice Cube, o Eazy E y ellos eran grandes para nosotros, pero luego Tupac se hizo más grande que todos. En ese momento se sentía como que había muchas cosas pasando al mismo tiempo. Me alegra haber sido parte de eso, porque fue la esencia del hip hop y nadie más va a experimentar eso. No volveré a vivirlo de nuevo, porque es difícil de explicar, tienes que haber estado ahí, pero eran muchas cosas pasando al mismo tiempo. Y por eso era tan emocionante, porque a cualquier lugar que miraras había alguien haciendo algo. Fue una era como ninguna otra.La era de finales de los 80 comienzos de los 90 fue enorme y significó mucho para el mundo. Hoy parece que quieran meter la música al microondas, hacer beats muy rápido y rapear encima muy rápido y eso es todo, se pierde la creatividad y la innovación. Es como el fenómeno de comida rápida, pero en la música. ¿Por qué decidió convertirse en DJ?Mi mamá solía poner música de mariachi todo el tiempo cuando yo era joven. Ella dice que pone música desde que estaba embarazada de mí, y por eso creo que me gusta tanto. Pero también fue por mi hermana, ella es mayor que yo, y solía poner mucha música y siempre quise ser como mi hermana y mis hermanos. Aquí en California hay “lowriders” (nombre de la fusión cultural urbana latina y estadounidense) porque era la moda, y muchos mexicanos aquí en California hacían eso. Crecí en esa era en donde estaban pasando muchas cosas, y eso me metió en el hip hop, porque aunque vino de Nueva York, llegó a California y muchos mexicanos y latinos aman el hip hop. Cuando era joven, recibí mucha influencia de los ritmos latinos, y eso va a estar para siempre en el hip hop.A propósito de ritmos latinos, ¿Qué piensa del reggaetón?Veo que las damas se están tomando el reggaetón, como Karol G, que es muy grande y su flow está a la par de cualquier hombre. No veo el reggaetón como amenaza, lo veo como algo bueno porque las mujeres se han ganado su espacio, incluso en los Estados Unidos, aquí la gente está escuchando reggaetón más que nunca.Mucha gente piensa que la música de hoy no supera los clásicos. ¿Está de acuerdo?Creo que la música hoy no está tan pensada como solía ser en los 90, en términos de ponerle todo el esfuerzo posible. Hoy los chicos no quieren probar nuevos conceptos, solo se guían por lo que quieren oír, y hacer lo mismo una y otra vez. Nosotros teníamos muchas cosas, estaba Ice -T, estaba Cypress Hill y todos tenían un estilo distinto, ahora todos los chicos son muy similares. Creo que la gente debería innovar más y poner más instrumentos en vivo, así como pensar más en lo que dicen. Antes teníamos historias: ahora todo se trata del dinero o las joyas que tienen, cuántas mujeres tienen o quién es mejor que quién.¿Se imaginó que Tupac iba a ser tan recordado hoy?Nunca me lo esperé. Pensé que iba a ser un actor, empecé a decirle Bishop cuando salió en la película (Tupac interpretó a Roland Bishop en Juice, de 1992) y supe que iba a ser una estrella en pantalla. Pero no sabía que iba a ser tan grande en la música. Pensé que era algo que íbamos a hacer rápido porque no daba tanto dinero como las películas, pero subió como ningún otro. Yo no tenía idea.¿Por qué cree que el legado de Tupac sigue vigente después de tantos años?Por lo que decía. No tenía miedo de hablar de sus experiencias de vida cuando creció. Su madre era adicta a las drogas y no temía hablar de ello. Tenía canciones que te hacían llorar, pero también tenía canciones que te daban ganas de bailar. Tampoco temía hablar de sus faltas. Creo que eso lo separó del resto, porque mucha gente no suele hablar de sí misma, pero él lo hacía. Era una lucha para él y él puso esa lucha en sus letras.¿Cree que ha cambiado la figura del DJ en el hip hop?Oh, sí. Hace años era el DJ antes que el rapero, era el DJ quien tenía todo el protagonismo, por ejemplo DJ Jazzy J and The Fresh Prince. El DJ siempre tenía el rol mayor, pero de alguna manera se perdió, hoy siento que no es tan respetado. Por eso creo que el hip hop no es tan fuerte como debería ser actualmente, porque hay que devolverle su espacio al DJ, porque él es quien lo pone todo. Sabemos que hay una historia detrás de su seudónimo, ¿Podría contarla?Sí hay una historia. Yo solía participar en batallas de DJ y un amigo llamado Shay siempre estaba conmigo, y mi nombre era DJ Divine, y mi amigo me decía “estás terminando con estos DJ”, así que me cambié a “Scratch Terminator” y luego me decía, “estás asesinando a estos DJ, deberías ponerte King Assassin" y yo dije “eso suena bien”. Eso era cuando hacía muchos shows "lowrider" en california, eran muy orientados a lo latino, cuando la música estaba en su mejor momento: los 90.¿Cómo solía ser su proceso creativo?Hace años había muchos samples, hacíamos loops, hoy la gente ya no hace samples de discos y esa era la esencia del hip hop, repetir los breaks una y otra vez. Pero luego llegaron las demandas, porque ahora el hip hop hace millones y la gente que sampleabas antes ya no tiene dinero y ellos quieren el dinero por el uso de su música. Tuvo altos y bajos, pero eventualmente la gente dejó de usar samples porque las disqueras tienen que pagar mucho dinero por ellos. Creo que Dr Dre es uno de los grandes, porque usa instrumentos en vivo para recrear esos sonidos que buscas en el sample. ¿Qué piensa de las teorías de conspiración que afirman que Tupac sigue vivo?Tupac es demasiado bocón para mantenerse callado todo este tiempo, así que definitivamente está muerto. Conozco a Pac y creo que habría dicho algo sobre Trump. No podrías mantenerlo en silencio, por eso sé que definitivamente se fue. La gente me pregunta ¿sigue vivo? Obviamente si yo supiera que está vivo no diría nada, pero sé que se fue. Hubiera dicho algo hace mucho tiempo, créeme.¿Recuerda cómo lo conoció?Estábamos backstage en San Francisco y yo lo había visto en clubes, pero no había hablado con él. Yo no sabía que era rapero, solo alguien que ves por ahí, como cuando vas a los clubes y ves las mismas caras. Cuando finalmente lo vi en backstage éramos solo él y yo y pudimos hablar y conocernos. Luego coincidíamos gracias a otros amigos en otras ciudades y siempre era una fiesta.Hay algunos artista que te tomas en serio, que deberías hacerlo, pero Tupac se divertía mucho, eso me encantaba de él. ¿Cómo vivió el auge de NWA?Fue controversial. En ese momento nadie estaba con el gangsta rap además de Ice-T, pero NWA lo hizo más fuerte porque hablaba de la brutalidad policíaca que estaba sucediendo, algo que Tupac también mencionó.Tuve la oportunidad de conocer a Eazy-E (fundador de NWA fallecido por complicaciones asociadas al SIDA en 1995), para mí fue muy sorprendente. Yo solía enviarle demos a Rutheless Records, su sello, así que lo vi ahí, le mostré mis cosas y me dijeron "Eazy quiere que hagas scratch en algunos de sus discos" y dije "no hay problema". Un año después falleció, no se veía enfermo en absoluto, No creo que haya muerto de eso, porque para mí no se veía enfermo. Dicen que perdía el aliento, por eso fue al hospital, pero ese es un gran interrogante para mí… tal vez él sí esté vivo (risas).
Skinny Flakk, mejor conocido hoy como Rels B, regresa a Colombia con una gira por diferentes ciudades del país. El español, que ha empezado a girar con mucho éxito por varios países de Latinoamérica, se presentará en Bogotá, Cali y Medellín en el marco de su gira FLAKK TOUR 2022.Contenido recomendado | Rels B, la nueva sangre del Hip Hop españolRels ofrecerá su primer show en el Centro de Eventos Autopista Norte en Bogotá el 2 de junio, después viajará a Cali y se presentará en el Centro de Eventos Valle del Pacífico, más adelante terminará su gira por Colombia con un concierto en el Parque Norte de Medellín el 4 de junio.¿Quién es Rels B?Rels se inició como productor de beats en su ciudad natal, Mallorca. Dejó guardado por un buen tiempo lo que siempre había hecho de niño, rapear, para producir y empezó su carrera como MC con un EP que vio la luz en 2015, titulado Player Hater. Fue la primera de cuatro placas que suma hasta hoy, produciendo tracks a un ritmo propio de estos tiempos.Como buen hijo de una nueva generación, su lugar más preciado está en la red. Es un fenómeno en Youtube. Para la muestra, justo el día que aterrizó en Colombia en 2017, lanzó el video del track Nueva Generación, producción que en poco menos de un día sobrepasó las 200.000 reproducciones.Aunque muy joven, su recorrido habla mucho de cómo operan las nuevas generaciones con respecto a los géneros musicales. A pesar de que su música está claramente emparentada con la gran movida del rap en español de nombres como Kase. O, Nach o SFDK, para él esas etiquetas son algo que, en cierta forma, hay que empezar a desmontar. “Yo escucho lo que me recomienda Spotify, esas son mis influencias, ahí no hay géneros que valgan más, Spotify te muestra cualquier cosa”, dice.Lo que está haciendo Rels (y otros exponentes del nuevo rap en español como los Broke Niños) es no meterle mucha mente al asunto. Hacer la música que les suene bien y producir a un buen ritmo lo que vaya saliendo.¡La Música Nos Une!
José Marcelino Aguilar y su esposa Clara Ruth llegaron a Nueva York a finales de los 60. Él era de Chocó y ella de Cali. Su segundo hijo, Robert, nació en mayo del 72. Mientras Robert crecía en Jackson Heights, Queens, se gestaba en la escena subterránea de la ciudad una nueva forma expresión llena de energía y creatividad; luego se llamaría hip hop y él la conocería, por su hermano mayor, que estaba al tanto de sus novedades y lo demostraba en las tornamesas. Además de lo que sonaba en las calles, lo alimentaba la música de su casa: para llevar unos dólares extra a la mesa, el padre de Robert trabajaba como DJ los fines de semana, animaba fiestas con cumbia, salsa y merengue. La identidad colombiana y la vanguardia neoyorquina lo marcaron y fueron los fundamentos a los que se aferró cuando adoptó el nombre de Rob Swift e inició su propia carrera como DJ luego de aprender todo lo que pudo de su hermano y su papá. Por Santiago Cembrano @scembrano Más de treinta años después, su nombre se ha solidificado como uno grande en el hip hop: fue parte de la legendaria crew The X-Ecutioners, ganó batallas por doquier y publicó su propia música. Álbumes como su debut The Ablist (1998) y Sound Event (2002) son prueba de unas manos prodigiosas que parten de los fundamentos del hip hop, pero no se detienen ahí, exploran el sonido con la misma curiosidad con la que el joven Robert empezó de niño observando a sus mayores, o practicando para uno o dos amigos en la sala de su casa. Por eso se ha sentido cómodo colaborando con Linkin’ Park, Bob James o Fat Joe: su rango es muy amplio.El hip hop ha llevado a Rob Swift por todo el mundo, incluso lo ha traído a Colombia más de una vez. Ha podido apreciar en vivo y en directo las mezclas culturales que alimentan al hip hop y las sociedades que se nutren de él, una simbiosis en la que los latinos siempre han tenido todo que ver mientras todo pasó de ser una fiesta en un sótano a un negocio billonario. Él ha estado en el centro de décadas de transformaciones y avances, por eso defiende al DJ como un quehacer que no tiene límites, pero también como uno que debe ser respetado y protegido de buitres que buscan el lucro sin siquiera reconocer la historia. Hoy, el grueso de sus esfuerzos se concentra en la Brolic Army DJ School, una academia en la que da clases sobre scratches y mezclas, pero, sobre todo, en la que enseña el origen de esas técnicas, origen que a veces se desconoce en festivales multitudinarios con DJ como protagonistas. Así como él aprendió de Dr. Butcher y Roc Raida, busca transmitir su conocimiento y cuidar eso que tanto ama.A principios de 2022 Rob Swift se presentó en Cali —la tierra de su madre a la que ha vuelto más de una vez para reconectarse con la huella del Pacífico que está en su sangre— junto con Bejuco, en un evento organizado por la Embajada de Estados Unidos. Antes de su presentación, el DJ, parte del icónico documental de DJ Scratch, habló sobre el desarrollo de su estilo personal, el legado de su mentor Dr. Butcher, lo que recuerda de su paso por The X-Ecutioners, la gentrificación del mundo del DJ y más. Estas son las memorias de un hombre que se niega a dejar que el origen de la cultura del DJ sea borrado, pero que siempre mantiene la mirada hacia adelante en búsqueda de nuevos picos hasta los que esta cultura que vio crecer y expandirse pueda escalar.***Tu papá era un DJ de salsa, cumbia y merengue, y tu hermano te mostró el rap. ¿Cómo surgió tu estilo personal dentro de esa mezcla de influencias?Yo crecí viendo a mi papá poner salsa, merengue y cumbia para sus amigos, entonces crecí con una mente abierta, ¿sabes? Creo que muchos DJ crecen con un solo gusto musical, sobre todo en Estados Unidos, como hip hop, pop o R&B, música de Estados Unidos. Pero como mis papás vinieron de Colombia y amaban los ritmos latinos, que eso me impactó para que abrazara todos los estilos musicales y no solo lo que mis amigos escuchaban. Entonces hoy, como un DJ adulto, picho lo que suene bien, no me da miedo y no me limito, mi mente se mantiene abierta. Puedo juntar breakbeats para bailar con ritmos latinos como Héctor Lavoe y Tito Puente, y hago scratches sobre todo eso. Lo puede apreciar la gente de Colombia y también la de Nueva York.Soy la mezcla de mi papá y de mi hermano, sí. Mi hermano es más hip hop, breakbeats, la música de Kool Herc, Grandmaster Flash y Kool Wizard Theodore. Y mi papá está en mí con la música latina y las trompetas y los pianos. Él era DJ para conseguir dinero extra. Cuando llegas a otro país, normalmente tienes que empezar desde cero, entonces él llegó a Nueva York, consiguió trabajo en una fábrica y en los fines de semana era DJ para sostener a la familia. Mi papá se convirtió en mi modelo de lo que era un DJ.¿Cuál fue la importancia de tener un mentor como Dr. Butcher para empezar tu carrera?Dr. Butcher es uno de los DJ más respetados de la historia de Queens. Lo conocí a través de JuJu, de Beatnuts, que es dominicano. Hasta entonces, yo aprendía de lo que escuchaba en la radio de DJs como Chuck Chillout y Red Alert. Mi hermano ya me había enseñado todo lo que sabía como DJ, pero yo quería seguir mejorando. Entonces no fue sino hasta que conocí a Dr. Butcher que subí de nivel y llevé mis habilidades a otras alturas. Era maravilloso entrenar con alguien tan apasionado por ser DJ como yo. Y mentalmente también crecí como DJ: Dr. Butcher me ayudó a entender la importancia de creer en mí mismo y confiar en mi creatividad, eso fue enorme.Tú fuiste parte de una crew de DJs legendaria, The X-Ecutioners, o The X-Men. Si hoy te detienes y miras hacia atrás, ¿cuál es la memoria principal que te llega de esos años que estuvieron juntos?Lo primero que viene a mi mente es la hermandad. Yo los conocí en mi primera competición, la DMC de 1991. Eran una crew de DJ de Harlem, todos eran sucios, súper creativos y súper talentosos. Para esa batalla, Dr. Butcher y yo llegamos con una energía distinta, habíamos entrenado mucho. Entonces ellos vieron eso y nos invitaron a hacer parte del grupo. Y así nos volvimos un gran grupo, un montón de tipos que eran creativos, compartían ideas y se divertían. Yo siempre me mantenía motivado porque todos ellos eran muy buenos y tenían la meta clara: ser la mejor versión de ti mismo como DJ. ¿Cómo no me iba a influenciar eso? Entré a una hermandad que marcó una gran diferencia en la trayectoria de mi carrera. No sé si estaría donde estoy si no fuera por mi entrenamiento con Dr. Butcher y mi experiencia con The X-Men. Siempre me mantuve motivado y así seguí creciendo como DJ hasta que me hice un nombre para mí mismo. Gracias a Dios hoy vivo de esto y enseño este arte.Tú tienes álbumes que abordan las consecuencias del 11 de septiembre (War Games) y que se relacionan con la música clásica (The Architecht), tu repertorio es amplio y variado. ¿Cómo es para un DJ desarrollar esas ideas y expresar esos argumentos con las tornamesas como recurso?Creo que cuando aprecias la música y eres curioso, vas un paso a la vez y escuchas a dónde te lleva. Al principio se trataba de ver a mi papá ser DJ, luego de sentarme en la sala a ver a mi hermano hacer scratches y pinchar breakbeats mientras sus amigos rapeaban cuando mis papás salían. Yo también hacía breakdance, escribía graffiti y escribía rimas. Experimenté con todos los elementos del hip hop, porque muchos de mis amigos y mi hermano lo hicieron.En mi carrera no hubo un momento en el que dijera Bueno, 'ahora sí voy a pasar de ser DJ de fiestas a batallar. Y ahora voy a pasar de batallar a hacer discos'. Todo pasó de manera orgánica, porque amo la música. Se trata de ser creativo y expresarse con lo que tengas a la mano. Si me das una tornamesa, escucharé los sonidos del disco y los manipularé para reorganizarlos porque pienso y siento en maneras creativas, y eso viene desde niño. Cuando escucho música, de inmediato empiezo a pensar qué le puedo hacer a esa canción. Pero si me das un sampler, también me expresaré. Para ti la creatividad se expresa a través de hablar con alguien y luego contar la historia. Para otros puede ser hacer videos. Al final del día, todo es creatividad.En distintas ocasiones has hablado de la importancia de ser DJ por las razones correctas y no dejarse imponer la obligación de ser viral. ¿Cómo analizas ese panorama hoy?Vivimos en un mundo orientado hacia las redes sociales, y parece que no fueras importante si no tienes cierto número de seguidores o de visitas. Por eso, la gente que entra al DJ hoy tiene una visión incorrecta: piensa en el marketing y lo financiero, en todo, salvo en la creatividad. Es triste. Cuando yo estaba surgiendo no había redes sociales ni computadores, no importaba si nadie sabía quién eras: solo importaba tu conexión con tus ideas y la música que estabas usando para exponer tus ideas, tu creatividad. Pero ahora este arte creativo se ha vuelto un concurso de popularidad. El resultado es que hay menos creatividad, porque la gente está invirtiendo más energía y concentración en cómo ser viral, en vez de pensar ¿Esto es bueno? ¿Es creativo? ¿Es interesante? Me preocupa, y estoy acá para luchar contra eso, para traer más balance.¿Piensas que la cultura del DJ se ha gentrificado?En 2022, el DJ es el aspecto más popular de la industria musical, entonces más gente se está volviendo DJ que cantante, guitarrista o productor. Hoy todo el mundo es DJ, pero siento que la mayoría de las personas que decide ser DJ lo hace por la popularidad. Hoy sacas tu celular y ves a un DJ en un escenario, y al frente hay 20.000 personas con las manos levantadas, parece que le estuvieran rezando a Jesús, ¿sabes? Es el centro de atención. Y puede que no esté haciendo nada, que solo le haya dado play a algo pregrabado, pero saluda a la gente como 'Sí, soy el mejor DJ del mundo'. Si alguien ve eso dirá 'Yo quiero vivir eso, también quiero que la gente me ame'. Entonces coge su computador, descarga canciones y compra los controladores. Si es un tipo súper apuesto o una mujer que está muy buena, usa su estética a su favor para que tener más seguidores. Me preocupa que la sustancia de ser DJ se esté diluyendo, que todo sea sobre cómo te ves y cuántos seguidores tienes y no sobre la creatividad y lo que propones. La verdadera comunidad que sostiene el mundo del DJ está quedando marginalizada por esa mierda.Tu escuela, Brolic Army DJ School, puede ser también un antídoto frente a esa corriente, ¿no? ¿Qué te motivó a iniciar ese proyecto?Por el estado actual del mundo del DJ, para mí lo más importante es enseñar. La gente que apenas está conociendo esta forma de expresión no entiende la cultura del DJ, entonces la explota para ganar dinero. Pero Kool Herc, Grandmaster Flash, Afrika Bambaataa y Grand Wizard Theodore no crearon esta forma maravillosa de expresión para ganar dinero, sino para comunicarte con la creatividad que te dio Dios y experimentar. Como con todo, una vez llegó la industria intentó monetizarla y volverla un producto para comprar y vender.Con la Brolic Army DJ School espero educar a la gente. Muchas escuelas de DJ te enseñan la habilidad, mezclar dos discos o lo que sea, pero no te educan en la cultura y la historia del DJ. Eso sí lo hace Brolic Army. Todo empieza con la historia de la técnica en cuestión: quién la creó, de dónde viene, por qué, cuándo surgió, cómo ha cambiado de DJ a DJ, cómo ha evolucionado. Todo eso es importante. Con ese contexto puedes conectarte con la habilidad que estás aprendiendo más allá de lo mecánico. Aprendes sobre la gente involucrada.La escuela lleva un año y medio. Tengo estudiantes de todo el mundo. Ha sido maravilloso, me siento bendecido por tener esa plataforma para compartir mi conocimiento con la gente.
Coolio, rapero conocido por el hit Gangsta's Paradise de mediados de los 90, estará en Medellín el próximo 30 de julio. El músico se presentará en el marco del Rose Festival, junto a Apache, Akapellah, Pablo Medina, Clandes, Thomas Parr, Bomby, Donkyrap, DJ JP, DJ Mike Mac, DJ Senkua y DJ Nice. La cita será en el Chamorro City Hall. Las entradas están diponibles en tuboleta.com y los valores oscilan entre los $70.000 y $2.000.000 el palco. Artis Leon Ivey Jr., su nombre real, nació el 1 de agosto de 1963 en Compton, California). Grabó su primer sencillo en 1987, titulado Whatcha Gonna Do? . También grabó What Makes You Dance (Force Groove) con Nu-Skool en 1988. En 1991 se unió al grupo WC y Maad Circle, dirigido por el rapero WC. Fue co-colaborador del álbum debut del grupo Ain't a Damn Thang Changed. Su primer disco titulado It Takes a Thief se lanzó en 1994 pero su reconocimiento vendría con Gangsta's Paradise, sencillo del disco homónimo que formó parte de la banda sonora de la película Dangerous Minds. El rapero también colaboró con el intro de la exitosa serie de Nickelodeon Kenan & Kel. Tras el éxito de Gangsta's Paradise, Coolio lanzó otros 6 álbumes, el último de ellos fue From the Bottom 2 the Top en 2009. El rapero también se dedicó a la cocina y lanzó una serie web y un libro titulados Cookin' with Coolio. También ha tenido decenas de apariciones en series y películas desde 1996 a hoy. Coolio se unió en 2008 en portavoz del grupo Justicia Ambiental y Cambio Climático para educar a los estudiantes de colegios y universidades históricamente negros sobre el calentamiento global. Coolio fue el compañero de fórmula de la carrera presidencial demócrata de la actriz pornográfica Cherie DeVille en 2020.
Bogotá capital del rap, real a mi manera es el nombre del documental sobre rap bogotano presentado por IDARTES en el marco del Día Internacional del Rap. El documental está disponible más abajo. El documental Bogotá capital del rap, real a mi manera marca la celebración de los 25 años del Festival Hip Hop al Parque, cuya próxima edición será el 2 y 3 de julio. El trabajo hace un recorrido por algunas de las tendencias más populares del rap que se hace en Bogotá en la actualidad y muestra su diversidad y las relaciones que se construyen entre sus protagonistas. Participan artistas como Realidad Mental, Ali A.K.A. Mind, Nicolai Fella, Lucía Vargas, El Nolan, Yawar Cru, RedCode, Kazy, Nazo, Jbeat y más de 50 agentes del movimiento hip hop de la capital.A lo largo de Bogotá capital del rap, Real a mi manera, los invitados se hacen preguntas sobre la naturaleza del rap y cuentan cómo han vivido y crecido en este movimiento cultural, algunos dentro de la industria musical y otros simplemente como forma de vida sin la búsqueda de la popularidad.“Desde el trabajo que hemos hecho en el Idartes durante la última década con el movimiento hip hop, nos hemos encontrado siempre con una cultura apasionada y con un altísimo sentido de apropiación, llena de múltiples significados y matices. Un poderoso motivo para plasmar en un documento esa diversidad y ese sentir”, dice en un comunicado Catalina Valencia, directora del Idartes.El resultado es una muestra del diálogo que puede darse entre personajes de corrientes distintas del rap y un acercamiento para quienes no las conocen, entre estas el rap conciencia, el rap slam, el freestyle, el rap alternativo, el femenino y el underground. Se trata de una invitación al reconocimiento del movimiento hip hop de Bogotá como una cultura diversa y no homogénea.
Marlon Morales, autor venezolano también conocido como Lil Supa’, presenta álbum y un nuevo álter ego agresivo, callejero y crudo.Por Santiago Cembrano // @scembrano“Nuestra marginalidad es al revés”, dijo alguna vez Renny Ottolina, inolvidable showman y presentador de televisión venezolano de la segunda mitad del siglo XX. Se refería a una contradicción tan evidente como confusa: ¿Cómo es posible que lo marginal —lo que está en el límite de un lugar, lo secundario y poco importante, lo que está fuera de la norma social— haga referencia a la mayoría de un país? En Venezuela, como en el resto de América Latina, se habla de la población marginal como si pasar hambre un día sí y el otro también fuera una excepción y no la realidad de casi todos. Por eso la definición está al revés, sentencia Ottolina, pues la población marginal no es un pedacito de la hoja: “¡La clase marginal en Venezuela es la hoja!”.Esa contradicción está en el corazón de Marc Ginale, uno de los álter egos del autor venezolano Marlon Morales, también conocido como Lil Supa’. Marc Ginale es un tipo que hace eco de la voz de millones de venezolanos y latinos, que desde la supuesta periferia se pone en el centro para narrarte la vaina como es, tan sencilla como cruda, tan violenta como compleja, carajo.Lean también | San Andrés y Providencia: la música después del huracán Por eso su rap puede tocar temas que quizás no caben en el universo de Supa’. Así lo describe el mismo Morales: “Él es contestatario y frontal. Sus rasgos más característicos son el verbo sucio, los códigos de la calle, la experiencia de haber vivido más de 35 años en Venezuela”. Lo dice con tono tranquilo y palabras cuidadas, lo contrario de Marc Ginale, narrador y protagonista de su nuevo álbum: YEYO, el segundo larga duración del artista de Maracay.Morales ya pasa las dos décadas en el hip hop, una carrera ilustre que lo ha llevado a recorrer el mundo y a ubicarse en lo más alto del escalafón del rap latino. A Marc Ginale, sin embargo, no lo conocimos sino hasta hace algunos años. Interpretó un papel de reparto en WIZ (2019) con N-Wise Allah y apareció como protagonista en C.R.A.C.K (2020) con Jonas Sanche y El Bloke con Crudos Levels (2021). Pero YEYO es la gran entrada triunfal, y muy esperada, del señor Ginale.El proceso le tomó alrededor de tres años a Morales, e incluyó un ejercicio de desdoblamiento para hacerle espacio a la creación de otros discos como NEØN (2020) que tenían un narrador, intención y humor distintos. Con la intención consciente de crear una pieza discográfica, un mundo propio, bajo la firma de Marc Ginale, el barco llegó a puerto.El que te mira a los ojos en la portada —tan fresco como un cubo de hielo, con un bigote espeso, pelo frondoso y la ceja izquierda levemente alzada, como si supiera algo que tú no— es Luis “Güicho” Morales, el padre de Marlon, fallecido en 2013. Esta foto de una licencia de conducción ochentera de Güicho reconoce a una de las grandes influencias de YEYO, tanto en la actitud de Marc Ginale como en las historias que cuenta. Las apariciones previas del personaje ya indicaban por dónde podía ir YEYO, a qué podía sonar: rasgos de pureza callejera y la tenebrosidad minimalista de la nueva ola del rap gringo, color al que Morales llama grime. Esa fue la base, el terreno delimitado y listo, sobre la que construyó YEYO, un disco que es como el guion y la banda sonora de un filme callejero, con violencia y velocidad, como si La Haine hubiera sido grabada en Caracas y Vinz se llamara Yonaiker.De su país han salido millones durante la última década, pero él no. Temas como Cloaca, Plata o Lacra narran desde adentro, el caos del ojo del huracán o quizás lo conocido de la trinchera. “YEYO se nutre del día a día de los que seguimos en Venezuela. Son millones de circunstancias diferentes, pero nos une el espíritu de salir adelante, de no descansar, de triunfar. En medio de esas situaciones es cuando el venezolano demuestra virtudes y habilidades, muchas veces contracorriente. Esa es la columna vertebral del álbum. Hay mucho de relatos de familiares y amigos, de evidencias propias, de lo que se ve siendo un venezolano de a pie. Es fácil identificarse si has caminado estas calles”, afirma Morales.Marc Ginale narra, no juzga: brillan solos el ingenio y la sagacidad que surgen cuando el estómago ruge. También lo hacen la sangre derramada sobre el asfalto y el afán por ver otro día más. No son cuentos amables ni de hadas, y él los describe con aspereza a través de versos maliciosos llenos de jerga, vicios y rabia. "Esto es Venezuеla, vida baja y guantes de seda", sintetiza en EL GOLPE.Todo esto lo rapea con arrechera Marc Ginale, como lo aprendió de Raekwon. El disco tiene energía deportiva y de competencia, da gusto escuchar a un MC escupir y desahogarse con ganas para mostrar que tiene un par bien puesto y que las medallas que cuelgan de su cuello se las ha ganado.Esa dinámica, incluso cuando la competencia es contra sí mismo en forma de autocrítica, Morales la describe como liberadora. Avanza por YEYO con experiencia y los colmillos afilados, como quien llega a reteñir su firma en el podio o en el techo de algún local que se eleva sobre la ciudad. En GRIS afirma que es el principal responsable de que el hip hop latino siga vivo. Esta es la razón: En ese sentido también se siente marginal Marlon Morales: por fuera de la norma, aferrado al estandarte del rap de siempre, con un espíritu en vías de extinción.Por eso, en canciones como (ASCO), RODMAN y HÉCTOR se define como el 10. El último de su especie, para ser preciso: reconoce que la posición es cada vez menos común en el fútbol contemporáneo, así como considera que la esencia del hip hop escasea en el panorama. Aficionado del balompié, sus jugadores favoritos han llevado ese número en la espalda o han cumplido ese papel en el campo. “Es un rol que me gusta asumir dentro del hip hop latino. Velocidad mental, el respeto por la técnica, por la historia, por el juego. Son valores que también me enseñó el fútbol: ver el hip hop como un deporte de competencia, habilidades y técnica siempre ha sido muy positivo y sano”, dice.La atención al detalle que caracteriza a los buenos 10 también encuentra un hogar en la mente de Morales. Que el disco sea frenético, veloz, sucio, explícito y rudo no debe entenderse como evidencia de que el proceso haya sido igual. Al contrario, estamos frente a un autor que no deja nada al azar, que se sumerge en la conceptualización de cada trabajo y no sale a la superficie hasta que conoce y entiende cada rincón.Como ejemplo específico pero representativo están los ad-libs, esas voces secundarias que danzan alrededor de la voz principal para decorar la canción, acentuar ideas o condimentar la experiencia. Jamal y A-Plus fueron influencias previas en este campo y luego, ante el derroche de ad-libs en cada track de la movida grime (piensa en Westside Gunn, por ejemplo, y su doot-doot-doot-doot-doot eterno y tan suyo), le dedicó tiempo a estudiar cómo usarlos. Ahora, confirma el escritor, los ad-libs son un rasgo definitorio del rap de Marc Ginale para incrustar ideas en el subconsciente del oyente.La personalidad de Marc Ginale acaba de tomar forma con grandes pasiones que Morales le cede a su personaje, uno de tantos en su multiverso. El graffiti, por ejemplo, como queda plasmado en ÓXIDO, memorias de un escritor en medio de una misión llenas de tensión, investigación, miedo y determinación.“El graffiti me enseñó a conocer la calle, a respetar la noche, a saber medir los tiempos, a estudiar actitudes y comportamientos de los elementos que están en la calle y a los que te tienes que enfrentar, la competencia sana, la deportividad, la práctica del oficio, saber que la práctica muchas veces hace al maestro y que lo que importa para nosotros siempre es la calidad en cantidad, como todo un all city”, comparte Morales. Tiene el boceto en su mente, pero anda sin papeles / Viste siempre cinco paneles y sus TN / Anda sin novia, sin carro, casa ni bienes / Pero es coleccionista de trenes, ¡goddamnit!, narra vívidamente Marc.Su afiliación a la Lo Life, una filosofía de vida, sale a flote en *NIEVE como su estado mental constante. En un primer nivel podemos señalar que, tras años de búsqueda, Morales ya tiene sus tres prendas favoritas de Polo: la Rugby 5 Horsemen azul, el 1992 Stadium pullover y el Indian Head Knit. Pero el tema va más allá, como lo indican los saludos de sus compañeros Buds Penseur, Rttc Commite y Superbad Solace. “Son códigos de conducta mucho más allá de los códigos de vestimenta. Es una manera de ver la vida, de cuidar a tu familia y a tus amistades, a través del amor y la lealtad. Todo aquel que comparta estos códigos y estos lenguajes emocionales se considera familia. Los que compartimos estos valores tenemos familia en todo el mundo”, afirma. En resumen: Real collectors / Ellos solo ven ropa con defectos / Lo nuestro es secreto / Vestimos historia y tenemos respeto. Es el lenguaje cifrado de la hermandad, de los que salen a la calle a buscarse la vida pa’ salir de abajo.Marc Ginale narra con destreza y atención al detalle. Construye imágenes con cada verso, y cada canción se vuelve un corto: el storytelling es otro de sus rasgos principales. No es casualidad ni coincidencia, pues desde hace un tiempo Morales ha estudiado el estilo de escritura de los guiones para poder transmitir esa sensación de cine con sus letras. Y para escribir estos guiones siempre va primero la música. Así es desde SERIO (2017), su primer álbum, para cuyo proceso dejó de escribir al aire, sin instrumental. Desde entonces, cuando escribe lo hace dirigido a cierta atmósfera musical, que termina siendo un determinante principal de su narrativa y su discurso.Doktor Rheal, DJ Swet, Sabiobeats, Senshi No Kuma y Marco Polo y DJ Skizz brindan beats letales a YEYO, pero el principal responsable del ambiente del disco — —siempre de noche, la ciudad en llamas, una amenaza constante en cada esquina—, es Castellanos. Él y Morales se conocen desde tiempo atrás, ambos empezaron como bboys y crecieron en la cultura hip hop de Maracay. C.R.A.C.K mostró que sus pistas le calzan a Marc Ginale como un guante, y en YEYO la dupla expandió su trabajo.“Castellanos conectó directamente con mi búsqueda de mantener un sonido cinematográfico para este álbum. Fuimos intercambiando samples, referencias cinematográficas, discos de rap, de salsa e instrumentales para armar un banco de sonidos que nos terminó dando el color de YEYO. Estoy muy contento con el resultado porque así como en el álbum SERIO y las obras subsiguientes a esa encontré esa conexión con Oldtape y con Drama Theme, en este caso pude encontrar esa llave con Castellanos que terminó dando un resultado maravilloso”, celebra Morales, que aportó a la producción de ASCO, POLVO, ¡SAPOS! y CHARCO.YEYO suena clásico y actual —la sensación de entrar a un callejón abandonado es atemporal— y dialoga con el sonido de la ola que desciende de Roc Marciano y Griselda, movida que otros han llamado neoboombap o el renacimiento de la Costa Este.El diálogo con ese panorama también se da con invitados como Crimeapple (GUISO) y Flee Lord (“BUITRE”), ambos figuras significativas de esa escena, ambos con ascendencia latina. Más que como un triunfo personal al colaborar con MCs respetados del norte, Morales lo considera como una victoria colectiva: “Gente como ellos y Estee Nack son eslabones fundamentales entre el rap de Latinoamérica y el de Estados Unidos que nos sigue influenciado. Creo que termina siendo un aporte para toda la movida del rap latino”.Nasty Killah (HÉCTOR), Ríal Guawankó (“CRISTAL”) y N-Wise Allah (con una aparición absolutamente estelar en “RODMAN”) son los invitados que representan el rap en español en YEYO. Son continuidades de los procesos de Morales, memoria hecha canciones. Con los dos primeros, connacionales y colegas del colectivo de El Dojo, revive duplas como Zu-Ríal y Fresco y Sucio. “Me inspira día a día contar con mis raperos favoritos de Venezuela en el álbum”, explica. Y con el español convoca a su compañero de WIZ, trabajo en el que apareció por primera vez Marc Ginale. N-Wise no llega solo, sino con DJ Swet, el socio del rapero de Miranda de Ebro para hacer Body Bags y que aparece a lo largo del disco con cortes y un color únicos. En total, esas tres colaboraciones en castellano “tienen muchísimo sentido para, de alguna u otra forma, hacer una obra global. Conectar esos puntos en diferentes épocas y en diferentes formatos siempre me ha parecido súper interesante. Son amigos y colegas que respeto muchísimo. Los admiro y aprendo cada día de ellos.”Sí, la perspectiva de YEYO es global, como su nombre lo indica: sonido adictivo, producto puro, sabor a lleca, envíos a todo el mundo. Aun así, el centro está en Venezuela, siempre: su realidad inunda todo el álbum. Esto nunca es más explícito que en “…MIERDA”, un corte potente con la desesperación del que busca una bocanada de aire fresco para respirar. Marc Ginale sentencia que no es lo mismo verlo que vivirlo, denuncia que el país está en guerra y a merced de una nueva burguesía y propone alzar la voz contra esos hijos de perra que están tan cómodos que ni saben cuántos bolívares cuánto cuesta una arepa. Así lo explica Morales: “Es la voz de un ciudadano que lleva toda su vida en Venezuela y ha visto con sus ojos cómo el país se ha transformado en veinte países diferentes a lo largo de los años. A veces parece que estuviésemos estancados y a veces parece que avanza. Otras veces solamente hay que sobrellevar las situaciones, resolver el día a día sin pensar demasiado en el futuro porque estamos agobiados por el presente. ‘…MIERDA’ es la voz de uno de 30 millones de venezolanos. Agradezco mucho, y siento que soy un afortunado, si varios de los que están a mi lado se sienten representados por ese grito”.“…MIERDA” se difumina hacia el final, mas Marc Ginale no se detiene. Con voz queda, en los últimos segundos, ratifica su lealtad a su tierra, a su familia, a su raíz: eso es lo que es la patria, después de todo. Se siente como una confesión de la razón por la que puede hacer un disco como YEYO para que sea puro rap pero también una radiografía de la sociedad que habita. “Y no sé si estoy loco o poco cuerdo, pero cuando me preguntan por qué vuelvo, ni lo pienso. Nada más imaginarme sin familia y sin mi pueblo, lloro solo en el aeropuerto cada vez que lo recuerdo”. Puede viajar por España y Japón, pero Marc Ginale siempre vuelve al margen; es su centro, su casa.
En 1988 lo bautizaron como Rakim en honor a una leyenda del rap. Hoy, el rapero, director y estrella del pop conocido como A$AP Rocky (ASAP Rocky), es una de las figuras del cartel de Estéreo Picnic 2022. Esta es la historia de su carrera desde la cuna en Harlem. Por Santiago Cembrano @scembranoHarlem: que el estilo propio siempre brille por lo altoHarlem es el lugar en el que todo el mundo quiere verse fresco, pero no como todo el mundo. Entre los años 20 y 30, un periodo recordado como el Renacimiento de Harlem, cristalizó allí un movimiento cultural y vibrante de literatura, arte y música negros. Al ritmo del jazz, a mediados del siglo XX, estaban los que jugaban dados o números, los que vendían lo prohibido y disfrutaban sus réditos, los hustlers y shakers, la cultura callejera viva con grandes carros y atuendos espectaculares. Vean aquí el cartel del Festival Estéreo Picnic 2022Harlem, tierra de Dapper Dan, el sastre del hip hop que revolucionó la moda urbana con cuero y chinchilla mezclados con Gucci; el hogar del Teatro Apollo y de cientos de memorias de canciones y relatos. Alrededor corría la sangre y se hacía lo que había que hacer para sobrevivir. La premisa se mantuvo constante: que el estilo propio siempre brille por lo alto.La cuna de A$AP Rocky En Harlem, al norte de Manhattan, Nueva York, también nació Rakim Mayers. Era octubre de 1988 y su madre, joven y religiosa del hip hop, lo bautizó como Rakim, aquel MC que un año antes había revolucionado el juego con rimas complejas y un flow frío y sereno en su álbum Paid In Full. Quizás porque su nombre le marcó un destino creció y se hizo rapero. Tal vez por su barrio y toda su historia creció y se apodó Lord Pretty Flacko Jody II, aunque no fue su tierra la que le dio la cara bella de la que no evita presumir. Su hermano mayor fue asesinado. Él, como su padre, estuvo preso por vender droga y por posesión ilegal de armas. Además de hacer canciones, Rakim Mayers es director, productor y modelo. Y tras una carrera que ya se extiende por más de una década y que incluye mixtapes de culto, álbumes aclamados por la crítica y bangers callejeros, el artista hoy conocido como A$AP Rocky se presentará en Colombia por primera vez en el Festival Estéreo Picnic 2022.Para 2011, la historia del rap de Harlem ya era rica. Mase, Herb McGruff, Big L y, sobre todo, Dipset —con Cam’Ron como líder— eran la manifestación del hip hop harlemita, con rimas tan desenfadadas y burlonas como violentas y contundentes; y, claro, siempre chorreando estilo en cada prenda. Y qué decir del rap de Nueva York: por algo es la Meca. Sin embargo, para 2011 el Sur de Estados Unidos era la región que más fuerza tenía en el hip hop: ciudades como Houston, Memphis, Atlanta y Nueva Orleans eran polos de innovación y desarrollo para la cultura, las que marcaban su ritmo con sonidos que no descendían del boombap neoyorquino clásico noventero. Es más, para 2011 no era clara cuál era la importancia de la geografía y el lugar de enunciación en el rap: internet y sus blogs, redes sociales y comunicación ilimitada e inmediata debilitaron las fronteras y las distancias. Lo que antes estaba a miles de kilómetros ya estaba a solo un clic.LIVE.LOVE.A$APEse era el telón de fondo, y el fondo de la sopa, cuando en 2011 A$AP Rocky decidió dejar de mover sustancias y saltó al ruedo con LIVE.LOVE.A$AP, su mixtape debut. Los sencillos Peso y Purple Swag sintetizan la pregunta principal del disco: ¿qué significa hacer “rap neoyorquino” en la era de la información, con miles de influencias a la mano? La respuesta es una conversación virtual entre Harlem y Houston que se aleja de la ortodoxia del boom bap para favorecer los 808 y la onda chopped and screwed y que aun así logra sacar bombas callejeras. Los beats —la mayoría cortesía de Clams Casino— son adormilados y avanzan lento aunque con energía, se sienten como una nube, una cargada de rayos. Las letras exhiben una moral descreída: mujeres, compraventas ilícitas, pasarla bien mientras el mundo arde. El flow despreocupado y perezoso, no se apresura nunca. La certeza absoluta es que él es hermoso y su gusto, exquisito. Era la época del swag: Rocky lo tenía por toneladas.LONG.LIVE.A$APNo se puede hablar de Rocky sin hablar de A$AP Yams, la cabeza del colectivo A$AP Mob. Yams para Rocky era como Diddy para Biggie: el que lo ayudó a formar su sonido, a encontrar un balance entre las calles y los rankings, el que lo hizo una super estrella en un mercado como Nueva York, luego de años de sequía comercial en la ciudad. El sonido y la identidad que forjaron Rocky y Yams estaba patente en el primer mixtape y se expresaron con mayor claridad ante un público más grande con LONG.LIVE.A$AP (2013), su major label debut. Se mantuvieron constantes la atmósfera nubosa, los rapeos jactanciosos que celebraban su estilo de vida, la conversación entre Harlem y Houston vía internet y las progresiones que mostraban un gusto ecléctico y un olfato atrevido para la creación de canciones. A esto le sumó una intención comercial pop más clara, colaboradores de la talla de Drake, Kendrick Lamar y Skrillex y una facilidad para sonar cómodo en cualquier situación. En los sencillos Goldie, Fuckin’ Problems, Wild for the night y Fashion Killa —todos distintos, todos exitosos— brilla la maleabilidad que lo confirmó como una estrella pop. También fue evidente que lo suyo no eran las letras profundas sino toda la experiencia completa; las vibras y la energía de su música, si se quiere.AT.LONG.LAST.A$APA$AP Yams murió en enero de 2015. En mayo de ese año salió AT.LONG.LAST.A$AP, que por momentos se siente como una despedida (aun si Yams estuvo involucrado en casi todo el proceso del álbum), o como una transición hacia la madurez artística que deja atrás la piel del primer disco. Producido ejecutivamente por Yams y Danger Mouse, A.L.L.A es enorme y espiritual, con una producción progresiva y amplia que invita a dejarse ir y flotar en un viaje lisérgico góspel. La inseguridad o la falta de rumbo nunca fueron problemas para Rocky, pero en este trabajo se siente más dueño de su talento y sus ideas. Colabora con influencias como Bun B y Juicy J, por un lado, y Mos Def, por el otro. Kanye, Lil’ Wayne y Future dicen presentes. Joe Fox, un músico que tocaba en Londres a cambio de monedas hasta que Rocky lo conoció y lo invitó a trabajar juntos, aparece varias veces. La mejor versión de Rocky es la curatorial, la que equilibra influencias de distintas áreas con distintas marcas de ropa con distintas experiencias de vida y las cubre con una capa de extravagancia y otra de visión 20/20 que marca el rumbo. LPJF2, Everyday y LSD muestran este espectro, sin necesidad de intentos tan comerciales como en el disco anterior, aun si la misoginia casual se mantiene. A.L.L.A es el mejor disco de A$AP Rocky.TestingTesting (2018) es el disco más reciente de Rocky. Es el primero sin Yams, y se nota: está lleno de preguntas, de exploraciones sónicas, de ruido y búsqueda. La ruptura es su columna vertebral. Y esto se sabe desde el título, que anuncia este rumbo beta en el que Rocky se mueve rápido y rompe cosas a su paso. Si en Harlem todo el mundo quiere verso fresco, pero no como todo el mundo, Testing es la expresión de cómo Rocky se desmarca de la corriente principal del rap y el pop de finales de la década pasada. Más experimental que nunca, quizás buscando un nuevo rumbo sin Yams como guía, Rocky no entrega un resultado final sino deja apreciar el proceso. Por eso es un disco interesante. Por eso también suena como algo que no estaba preparado para salir a la luz pública. Los invitados, eso sí, se mantienen de lujo: Frank Ocean, Skepta, FKA Twigs, Mobi, Kid Cudi, T.I. y más. Canciones como A$AP Forever y Praise The Lord capturan el poder de la intuición de Rocky como brújula, aun si el disco flaquea más de lo deseable cuando esa intuición trastabilla para encontrar el norte.Esta es la historia y la carrera del artista que tomará el escenario principal de Estéreo Picnic el 27 de marzo a las 8:45 P.M. No es el que mejor rapea, y ya pasaron varios años desde su último momento musical relevante. Pero lo que lo hará un show imperdible será lo mismo que cautivó al público una década atrás cuando estaba empezando: sus instintos y su creatividad, su frescura y su estilo, su búsqueda y el mundo que ha construido. Y la certeza de que nadie combina todo eso como él.
Crudo Means Raw tenía una gira programada para el 2020 en la que presentaría su último álbum y sus éxitos, la primera fecha era en Soacha, pero la pandemia aplazó los planes y el público se quedó sin el concierto.Este año con la apertura de los escenarios, el artista retomó sus shows pendientes, el 23 de abril, será el inicio de una serie de presentaciones de Crudo Means Raw, los seguidores del artista en Soacha podrán disfrutar de este concierto, por el que han esperado más de un año. Crudo Means Raw está listo para su regreso a las grandes tarimas este 23 de Abril en el Auditorio Somos Creadores en Soacha (Autopista sur #18-05)Este concierto es especial, será la oportunidad de presentar por primera vez en vivo las canciones de su más reciente álbum Esmeraldas, y sus éxitos No Copió, Maria, Hubiera , Aurora, entre otros.“Esmeraldas somos nosotros, Colombia. Es gemas, esfuerzo, sacrificio y es también un homenaje a todos los colombianos y los fans de Colombia. Se volvió más que el nombre de un álbum: un concepto, un movimiento artístico. Nos juntamos varios para sacar esta visión que es Esmeraldas adelante. No va a parar. Esmeraldas continúa, no solamente es un álbum. Me gustó mucho trabajar bajo un nombre y un concepto artístico, más que con un nombre de artista, para que la gente que se fuera uniendo a la vuelta no sintiera que estaba haciendo algo por Crudo, sino algo por Esmeraldas. Es Crudo Means Raw + U&D + The Colombians, ¿me entendés?” afirma Crudo Means Raw. Vean aquí la entrevista completa.Junto a Crudo Means Raw, estará otro de los grandes referentes de la nueva generación del rap, Penyair, el artista bogotano acaba de estrenar su placa discográfica La ley del todo, una colección de 10 canciones ordenadas conel propósito para entender el universo mágico de Penyair.
José David Pineda – Penyair - recuerda que a los 4 años con traje de mariachi cantaba rancheras en su casa, era la música que escuchaba en la radio, hasta los 10 años siguió fascinado por los sonidos populares, hasta que conoció el rap.La Etnnia y Nando Nandez fueron grandes referentes para Penyair, eran los artistas que más escuchaba con sus amigos. A los 15 años empezó a improvisar y hacer rimas. Participó en la primera batalla de Freestyle a la carta en el 2015 y ganó, título que mantuvo invicto en la segunda edición.Estudió producción musical y a los 17 años publicó su primer disco, eran tiempos donde lo único que le interesaba era hacer música. “Mi música siempre ha sido algo que tiene que ser mágico, no es solo hacer una pista, sino una serie de cosas que traducen la magia, es el momento, las personas, todo lo captura el micrófono, de ahí empecé a crear mi propio sonido” afirma Penyair.Siguió grabando y publicando discos que retrataban los momentos que estaba viviendo, la música le ha servido para hacer catarsis de muchos episodios que vivió y que hoy se resumen en La ley del todo, una placa discográfica que lo tiene totalmente satisfecho.La ley del todo está dividida en cuatro partes, primavera, verano, otoño, invierno, las canciones están ordenadas con un propósito y la portada ilustrada por Ataúd, complementa muy bien el orden del universo que quiere compartir el artista.“La ley del todo sale de una experiencia de mi vida, pienso que Dios es la ley del todo y así lo interpreto, así lo sentí, el día que conocí a Dios, me hizo consolidar muchas ideas y guardar mucho respeto ante la vida. A raíz de eso yo empecé a hablar de las leyes que todo el mundo tiene que cumplir, ciclos como morir, hay una canción que se llama Muerte, es la que termina el disco” cuenta Penyair.El álbum está producido por Lead Sound y masterizado por Alka Produce.Track by trackNadaLa escribí en una carretera solitaria como a las 6 de la noche de Villavicencio a Bogotá, caminando hace como 4 años. Hice la canción de Nada y dije no voy a sacar el disco, no voy a ser más rapero, no quiero más luchar por vivir del rap. Voy a pensar que me morí en vida y me fui a mochilear, a viajar, a perderme quería morirme ya, cuando sentí que no era nada, escribí esa canción. Volví a visitar a mi familia, me invitan a un evento, la canté y lloré, la gente me empezó a pedir la canción. Me cuestionaron si en realidad no quería seguir con la música y fue como un reto grabarla, fue un éxito, es el inicio del disco.La intuiciónEl beat me salió un día en la casa, sentía la necesidad de escribirles a todas las personas sobre las que la vida siempre nos da un aviso y uno no lo capta, termina cometiendo errores.El día que el mundo cambieEs la que me llevó más tiempo escribir, casi medio año, es una utopía de cómo sería el mundo si cambiara en muchos aspectos. Es la canción que más me gusta del disco.CuántosB-Class y el Ensamble Records en la pista, es mágico ese tema, a la gente le ha gustado mucho, poco lo había cantado y es por el que más me escriben y hacen historias.El balancePensado en que todo el la vida tiene que tener un balance, es la mitad del disco.Fuerza y resistenciaEscrito en los tiempos de las protestas, está en la sección de verano y hace parte de una máxima en la ley del todo, siempre hay que tener fuerza y resistencia.CampanaEl beat lo hace Bmaker de Area 51, es mi primo, la letra la escribí hace rato. Es de las canciones más viejas que he escrito.PerderEsa canción es de una historia que me pasó, me enamoré y perdí. A la gente le ha gustado mucho, un día me enamoré de una nena y era la novia de un amigo, yo no sabía. Está en otoño. Tarde que tempranoLas situaciones cambian a veces sin darnos cuenta. La escribimos muy borrachos con Joes Yawar Cru, estábamos con unas nenitas en una situación, al final de la maqueta suenan ellas si le ponen atención.MuerteLa canté mucho en la calle y la gente la pide mucho, quería que el álbum terminara como empezaba con un audio. El álbum tienen un librillo que cuenta porque es La ley del todo, estuve a punto de morir literal, me dio como un ataque al corazón y me colapsé, lo único q me acuerdo es una luz enorme que me hizo volver a nacer, de ahí cambiaron muchas cosas en mi vida.Bonus trackI don’t knowLo trabajé con Alka y habla acerca de las personas que lo tienen todo, por suerte o porque las circunstancias los han beneficiado.
Furiosa, la película protagonizada por la actriz Anya Taylor-Joy, tuvo su preestreno durante el Festival de Cine de Cannes y causó una gran ovación. Esta entrega hace parte Mad Max, la franquicia del cineasta australiano George Miller, que vuelve a la pantalla grande después de nueve años de su última película, Mad Max: Fury Road. Este mundo distópico se creó en 1983 y desde entonces ha sido muy característico con sus dunas de arena, los camiones monstruo, los carros avanzados, los mutantes merodeadores y los nombres peculiares de este universo. En Colombia, la película (de 168 millones de dólares de presupuesto) llegará a cines el 23 de mayo. Se podría decir que Furiosa tiene un gran peso encima por las expectativas que caen sobre la película. Esto debido a que Mad Max: Fury Road fue un completo éxito: obtuvo 10 nominaciones en los Oscar 2016 y se llevó 6 de estos, de 350.000 dólares, recaudó en taquilla a nivel mundial más de 379.000 millones de dólares y obtuvo una calificación del 97% en Rotten Tomatoes. Sin embargo, después de la ovación de pie durante siete minutos el día de su estreno, parece ser que la película protagonizada por Anya Taylor-Joy y Chris Hemsworth, entre otros, recibirá muchas críticas positivas. Ahora nos queda por preguntarnos: ¿superará a su antecesora? Trailer oficial de 'Furiosa'¿De qué trata 'Furiosa'? La película se sitúa en un mundo postapocalíptico en donde todo ha perdido su valor y los que dictaminan las leyes son, de los que quedan, los más fuertes. La protagonista, Furiosa (Anya Taylor-Joy), es arrebatada del Lugar Verde de Muchas Madres. Por esto, termina con un grupo de motociclistas liderados por el Señor de la Guerra Dementus (Chris Hemsworth). Todos recorren Wasteland hasta dar con la Ciudadela dirigida por el Inmmortan Joe (Lachy Hulme). Mientras los dos titanes se destruyen y luchan por el poder, Furiosa deberá pelear con muchos más obstáculos para volver a casa. **Les recomendamos leer: Las mejores películas post-apocalípticas de la historia
La Eterna, festival que se realizará el próximo 3 de agosto en el marco de la Feria de las Flores 2024, anunció su cartel oficial con ocho artistas de estarán en el Estadio Atanasio Girardot de Medellín.Los encargados de La Eterna fiesta en la ciudad serán: el ícono mundial de la salsa Marc Anthony; La Luna de América, Ana Gabriel; uno de los pioneros y máximos exponentes del reggaetón en el mundo, Nicky Jam; la revelación del Regional Mexicano, Xavi; el cantautor colombiano, Fonseca; el cantante de música vallenata, Elder Dayán Diaz; los merengueros de Proyecto Uno; y la artista urbana Nath.Marc Anthony también estará en Bogotá el próximo 1 de agosto en el Coliseo Live. Proyecto Uno estuvo en Colombia en marzo pasado como parte del cartel de Estéreo Picnic. Sin duda, los artistas más importantes de la música latina que seguirán consolidando a Medellín como la capital eterna de la música con ritmos que van desde la salsa, rancheras, reggaetón, merengue, urbano y vallenato, los cuales pondrán a bailar a más de 42.000 asistentes.La Eterna, Festival de las Flores, se realizará por primera vez en el 2024 y es organizado por CMN Breakfast Club (Creadores del Festival La Solar) y La Industria INC (Una de las más importantes agencias de managenent y booking en Colombia).En su primera edición contarán con zonas alternas del estadio con experiencias diferenciales, dos escenarios, e infinitas actividades para todos los asistentes.Las entradas estarán a la venta con precio especial desde el miércoles 22 de mayo a las 10:00 a.m. en la página web oficial de la tiquetera: www.taquillalive.com. Para más información puede estar atento a las redes sociales @laeterna.mde, @cmnevents, @breakfastclub y @laindustriainc.
Para quienes no sabían quién es Sabrina Carpenter, el anonimato duró poco debido a dos eventos gigantes en los que participó a finales del 2023 y a principios 2024. Por un lado, la artista estadounidense de 25 años fue la telonera de varios de los conciertos de The Eras Tour, la gira mundial de Taylor Swift. Por el otro, Sabrina Carpenter se presentó en el Coachella 2024, un macrofestival al que asisten alrededor de 125.000 personas por día. Por el mismo tiempo del festival, Sabrina estrenaba su canción Espresso que se volvió tendencia en redes sociales tan rápido que muchos aseguraron que podría ser la canción del 2024. ¿Quién es Sabrina Carpenter? Sabrina Carpenter nació el 11 de mayo de 1999 en Quakertown, Pensilvania, Estados Unidos. Se crió junto a sus tres hermanas mayores Sarah, Shannon y Cayla. Carpenter fue educada en casa. Su papá, David, le construyó un estudio de grabación para que practicara y cultivara su pasión por la música. Sus apariciones al público empezaron en el 2011 cuando, por un lado, quedó de tercer lugar en un concurso de canto dirigido por Miley Cyrus, The Next Miley Cyrus Project, y debutó en televisión como actriz en Law & Order: Special Victims Unit. Dos años después, en el 2013, consiguió un papel recurrente en la serie The Goodwin Games. Su primer protagónico fue en Girls Meets World en el 2014 y su primera película Adventures in Babysitting en el 2016, ambas producciones de Disney Channel. Su carrera musical empezó en el 2014. Ese año, Sabrina Carpenter lanzó su primer sencillo Can't Blame a Girl for Trying y un EP homónimo. La música de Sabrina Carpenter Un año después de lanzar su primer sencillo y su primer EP bajo el mismo nombre, en el 2015, Sabrina Carpenter publicó su álbum debut Eyes Wide Open. El disco tiene 12 canciones entre las que están The Middle of Staring Over, Two Young Hearts, Darling I’m a Mess y Best Thing I Got. En el 2016, Carpenter sacó su segundo disco de estudio EVOLution, seguido por Singular Act I (2018) y Singular Act II (2019). Su quinto álbum es emails i can't send y el sexto emails i can't send fwd:, lanzados en el 2022 y en el 2023 respectivamente. Su primer sencillo del 2024 fue Espresso. El video oficial de la canción consiguió más de 26 millones de vistas en un mes. En Spotify la artista norteamericana tiene 56.6 millones de escuchas. En el top cinco de las canciones más reproducidas están: Espresso, Feather, Nonsense, because i like a boy y Looking at Me. ***Les recomendamos: La película de la gira de Taylor Swift, 'The Eras Tour', llega a Disney
Siete años después de que Pretty Little Liars se acabara (con 160 capítulos), Tammin Sursok (quien interpretaba a Jenna Marshall) y Lindsey Shaw (Paige McCullers) crearon el podcast Pretty Little Liars: True Crime. Este es un programa en el que los fanáticos de la serie podrán revivir los momentos más tensionantes e interesantes de la serie con historias sobre el detrás de cámaras nunca antes revelados por parte de las actrices. Además, al final de cada episodio, el especialista forense e investigador de muertes, Joseph Scott, analiza con las host los giros y los crímenes de Pretty Little Liars. Aunque hasta el momento solo se han estrenado tres episodios, las actrices ya demostraron que este será un podcast que contará con invitados, ya que en el segundo episodio estuvo la actriz y una de las protagonistas de la serie, Sasha Pieterse (Alison Dilaurentis). "Desde descifrar los mensajes crípticos de "A", hasta cuestionar cuántos hermanos secretos puede tener una ciudad, no dejamos piedra sin remover en nuestra búsqueda de respuestas. ¡Así que toma tu sudadera con capucha negra, tu bebida favorita y prepárate para reír, jadear y estremecerte junto con nosotros mientras desentrañamos los misterios de Pretty Little Liars como nunca antes!", se lee en la descripción del podcast. ¿De qué trataba 'Pretty Little Liars'? Basada en las novelas de Sara Shepard, la productora Marlene King desarrolló la serie Pretty Little Liars. Un drama adolescente de misterio que duró siete temporadas y un total de 160 episodios. Alison DiLaurentis, Aria Montgomery, Emily Fields, Hanna Marin y Spencer Hastings eran muy amigas hasta la desaparición de su líder, Alison. Después de un tiempo, las cuatro jóvenes empiezan a recibir mensajes anónimos de "A", alguien que por alguna razón sabe todos sus secretos y sus mentiras. En el elenco estaban Troian Bellisario, Shay Mitchell, Ashley Benson, Lucy Hale, Sasha Pieterse, Ian Harding, Janel Parrish y Keegan Allen, entre otros. Desde el 2010 al 2015, la serie recibió varias nominaciones y premios por parte de Teen Choice Awards, People's Choice Awards, GLAAD Media Awards, Gracie Allen Awards y Young Hollywood Awards, entre otros.
Kool and The Gang es una de las agrupaciones más representativas del funk. La banda estará junto a Village People en Boogie Nights, este 15 d emay oen el Movistar Arena. Tras 50 décadas de carrera, Kool and The Gang sigue siendo recordado gracias a hits como Celebration, Ladies Night, Cherish, Jungle Boogie, entre muchas otras. Recientemente se anunció que la icónica banda se unirá al Salón de la Fama del Rock, en noviembre próximo.Kool & the Gang llevó el funk hasta lo más alto con una mezcla de composiciones pop, voces fantásticas y una sección de viento espectacular. Formados en Jersey City, Nueva Jersey, en 1964, los hermanos Robert “Kool” y Ronald Bell comenzaron en clubes, dominando un repertorio de estándares de jazz y versiones de Motown. En 1969, firmaron con la recién formada De-Lite Records y lanzaron el instrumental dinámico "Kool & the Gang". Su gran oportunidad llegó en 1973 con el álbum Wild and Peaceful, que se inclinó profundamente hacia ritmos funky, arreglos de trompeta y voces coreadas en las canciones “Funky Stuff”, “Jungle Boogie” y “Hollywood Swinging”, tres clásicos instantáneos de la pista de baile. En la década de 1980, Kool & the Gang incorporó al vocalista principal James "J.T." Taylor y lanzó dos grandes éxitos: Ladies Night y Too Hot. Con esto, lograron algo poco común en la industria de la música: mantener a los fanáticos que amaban sus raíces funky, mientras llegaban a una audiencia completamente nueva sintonizada con su creciente sensibilidad pop. En 1980, volaron el techo con el éxito internacional "Celebration" y produjeron diecinueve sencillos en las listas de éxitos durante la década.El impacto de Kool & the Gang no puede subestimarse: desde los ritmos retro de Mark Ronson y Bruno Mars hasta la inclusión de las canciones del grupo en casi todas las listas de reproducción de fiestas. Su música las bases para algunos de los mayores éxitos del hip-hop de artistas como Eric B. & Rakim, Tupac, Lil’ Kim y JAY-Z.¿Cómo nació Celebration?"Celebration realmente nació por Ladies Night", nos contó Robert Bell cofundador de la banda (. La premisa de Ladies Night es "esta noche es tu noche vamos a celebrar". Acabábamos de ganar 2 American Music Awards, y a mi hermano se le ocurrió otra idea, dijo "Vamos a celebrar. Esa es otra canción. Así que juntó un track y varias ideas. Cuando llegamos a Nueva Jersey me dice "escucha esto" y yo "WOW". Eso suena bien porque tiene algo de country, algo de rock, algo de una canción básica. ¿Sabes? Hay otras Celebrations, la de Madonna, por ejemplo. Pero hemos sido bendecidos por tener la Celebration de 1980 que incluso sonó en la estación espacial". En 2011, la NASA incluyó Celebration en una playlist especial para despertar a los astronautas.