Dotadas de talento y de sabor, al mando de las tornamesas y del piano SK5, estas barranquilleras hacen arder las verbenas, garantizan que el vacile sea efectivo y ponen a sudar al bailador tronando sonidos africanos, champeta y salsa. Pura fuerza picotera para gozar.Por Jenny Cifuentes | @Jenny_CifuDesde hace décadas el picó ha atraído rumberos amantes del vatio, que vibran con la música. El picó es alegría. Imana bailadores. La gente se congrega a su alrededor. Ese aparato de sonido potente y coloridos dibujos, centro neurálgico del show, ha alimentado una rica cultura en el Caribe nacional.El circuito picotero, protagonizado en su mayoría por hombres, desde sus comienzos en diferentes poblaciones, ha contado también con la presencia femenina.Ilustra el historiador Álvaro Rojano Osorio en su trabajo Las Picoteras de Pedraza, que a inicios de los años 50, en este municipio del Magdalena, fueron señoras, -antes comerciantes, dueñas de tiendas o vendedoras de ron-, las pioneras en materia de picó. Ellas fueron quienes los compraron y los pusieron a producir.La tradición continuó y el paso del tiempo siguió mostrando mujeres dueñas y administradoras de picó, tomando las riendas del negocio.No tan masiva, sin embargo, ha sido su marca programando la música o tocando, pero varias generaciones han revelado mujeres con pasión picotera y calibre fiestero que se le miden a estos oficios y participan en importantes capítulos de la música local.…Hay quien dice que Barranquilla sin picó es como arroz con pollo, pero sin pollo. Curramba, que carga consigo una valiosa tradición picoteril, enciende por estos tiempos el reflector sobre algunas artistas que con su trabajo suben la fiebre en el público fiestero, resuenan tanto material inflamable que hace que a uno, foráneo, se le salga el barranquillero arrebatao que lleva dentro.Anny La Pechy: potencia en la tornamesa“!Aquííí suenaaa, el papá de los petardoooss!”, se oye en la voz del legendario locutor “Mike” Char. En seguida, la DJ suelta un batazo africano, de esos que ponen candente la energía en las verbenas de los barrios barranquilleros.Ella es Ana Pérez, “Anny La Pechy”, DJ y administradora del picó El Mundy Turbo. Anny, la del vacile elegante, la que tiene el mando poniendo música hace siete años y que enlista cada vez más bailadores fieles a su oído fino y sus maniobras en las tornamesas.“Siempre me atrajo el picó. Estando en el colegio los que más me gustaban era El Fidel y El Skorpion. Como a los 16 años ya iba a las verbenas. Con el computador y las controladoras di los primeros pasos. Fui conociendo el manejo del CD y luego probé el LP. Mi referente para arrancar como picotera fue “La Patrona” Yamile". [Yamile Villareal, destacada DJ, a quien buscamos para hacer este artículo pero falleció el 7 de abril por culpa del COVID]."Cuando la vi por primera vez, ella ponía música en las controladoras. Después la vi usando acetato. “La Patrona” tocaba, animaba, cogía el micrófono, sonaba material buenísimo, y tomé el impulso para hacer lo mismo. Porque no se veían muchas chicas DJ en los picós. Es que la aceptación de las mujeres al frente de una tornamesa ha sido progresiva. Por ejemplo, hace alrededor de 6 años, nos invitaron a varias DJ a Salgar (Atlántico) y cada una llevaba sus discos, pero teníamos que entregárselos al dueño. Uno le pasaba la tanda de programación con la que iba y él los ponía a sonar. Más adelante fue que las mujeres ganamos credibilidad y ya les resultó algo positivo vernos agarrar la aguja, el tocadiscos y rodar nuestros LP.Cuando inicié, como este ha sido un mundo masculino, (obvio, con excepciones) algunos se sorprendían, otros aplaudían o me felicitaban. Arrancando estuve nerviosa, pero a medida de que uno se mete en el ambiente se va poniendo sabroso y la gente entra en el mismo mood. Me llena de alegría que tantas personas disfruten lo que hago. Para esto hay que sentir la pasión por el baile, emoción de gozar el picó.Ahora hay varias chicas en la ciudad que son DJ picoteras, algunas de lleno, otras aparecen de invitadas: Fairús Suárez, Angélica Sofía Bossio, DJ Nessa etc. Su presencia es un aporte para que el papel de las mujeres crezca. Todavía hay gente que dice: “viejas esas, se creen coletas”, pero cuando ven que es algo serio, que es un trabajo y uno les explica que hay igualdad de condiciones en este medio, van cediendo, abriendo más su mente”.¡Essto noo lo tiene nadieeee!Muy relevante en la cultura picoteril ha sido buscar música “exclusiva”. Tiempo atrás, por ejemplo, el picó enviaba alguien a París o hasta al Congo a comprar acetatos. O los encargaban a personajes que viajaban y, como eran discos que no se podían conseguir aquí, el que quería oír esas canciones tenía que ir al picó que las tenía.Esos temas, si gustaban a la audiencia, se convertían en hits “exclusivos” y marcaban, porque el público asociaba el picó con la canción. Para que la competencia no supiera qué estaba sonando, se tachaba con pintura los títulos de los cortes, incluso pintaban todo el acetato, menos el exclusivo; se arrancaba el sello del disco que tuviera la información; se raspaba el Lp o más prácticas por el estilo, todo para mantener la “exclusividad”.Por eso, la gente bautizaba las canciones a su modo. Le daban un nombre falso diferente a su título original, los llamados “piconemas”, que aún se utilizan.Lo “exclusivo” en este mundo digital, obviamente se transformó, pero los picós y sus DJ siguen pegando éxitos: suenan sus propias producciones, temas con originales placas (esas locuciones de frases como “Esto no lo tiene nadie” o “Cuando tal suena, los demás se callan”), o canciones de LPs a los que les añaden “su toque” particular. Al respecto cuenta Anny:“En un mano a mano que tuve con la DJ Fairús Suárez, llevé un tema que se volvió un hit. Un nova, que es un estilo de canción africana en el que se sienten más las percusiones. Un africano suave que aquí les encanta. Lo puse y le metí mi innovación. Lo llamamos El Nova de La Pechy. Lo llevé al picó El Timbalero que me pedía que se lo vendiera, pero era un “exclusivo”. Hasta hace poco la única que lo tenía era yo. Luego, muchos empezaron a pedirme que les mostrara la canción. Les di el nombre, les enseñé la carátula y ya varios picós lo consiguieron. Hasta le dejaron el nombre que le pusimos.Todavía en muchos picós, a la carátula del disco le ponen una hoja en blanco para que nadie sepa de dónde salió la canción. Hablo de LP porque los uso bastante, y muchos otros también, desde que se disparó de nuevo hace como cinco años, los que los tenían guardados los sacaron. Tengo un amigo, el popular “Paco Rastrillo”, quien es el propio que me surte de música africana.Hay que rebuscar con los álbumes, porque hay discos por los que cobran hasta 2 millones de pesos. Está el que vale cien mil, o el que uno encuentra regalado. Lo que más busco y programo en el picó son los nova, también salsa y bastante champeta criolla. Lo último que he oído en los picós es que están poniendo otra vez reggae y merengues, cosa que ya no se hacía mucho, porque aquí más que todo se rota salsa y africano”.Anny dirige también Pickotera Radio, un proyecto web en el que ha trabajado junto al DJ Yardin Palacios. Juntos hacían un programa dedicado a la champeta y a sonidos africanos llamado El Show del Vacile en Sensación Estéreo FM, emisora comunitaria del municipio Malambo, pero por la pandemia la radio fue cerrada.Por eso, el año pasado en cuarentena, decidieron armar una emisora web y transmitir vía Facebook. Siguen con su espacio vacilador y otros programas como Miercoletos en el que llevan alguien que perrea, Jueves de Turbos, en los que invitan picoteros, o uno de salsa, Conga y Timbales, en el que La Pechy aparece como recalca una placa: “Dando fuete, paque respeteee".Barbie Perreo: la dura del piano SK5A Barbie Perreo le vuelan las manos. En vivo, se le multiplican. Es la dura del piano Casio SK5, ese teclado que desde hace décadas oímos en los picós dándole picante a la champeta y a la música africana. Es la que hace calentar la fiesta y propicia la euforia entre la gente.Llega a las casetas luciendo su cachucha bacana, y con virtuosismo y gozadera les saca chispas al teclado y a la batería. Tiene seguidores que se etiquetan como Barbicistas que riegan sus videos por redes y bailan hasta quedar sin caderas. Estefany Gómez, la “Barbie”, dueña de un largo recorrido, desde hace tres años es la DJ del picó El Solista.“A los 13 empecé a sentir la curiosidad por los picós, porque en barrio Montes, donde crecí, hacían muchas verbenas. Me intrigaban las placas, cuando vibraban las ventanas con los bajos. Siempre quise saber qué era, pero no me atrevía a salir lejos de mi casa. Hasta que me escapé y me encontré con El Skorpion, un aparato gigante, cajas y más cajas que retumbaban. El sonido, las luces, me hicieron pensar: Qué bacano, quisiera estar en este mundo, ser alguien importante en él.Vi al DJ Rata Piano, Rafael Pertuz, y me motivé. Quería ser como él. Lo conocí y me dijo que yo podía. Conocí también al DJ Yardin Palacios, que es samplista. Me guié mucho por su trabajo y por el de Ronald David De Moya, conocido como DJ Pulpo. Tomé de los tres lo que más me gustaba. Fueron mis inspiraciones, mis maestros y quienes me impulsaron. Aprendí con los CD de los tres. Dejaba de merendar y esperaba a que pasara el señor vendiendo los discos, los compraba, y en mi casa me dedicaba a hacer lo mismo que les veía, pegándole a las puertas, a la estufa, la nevera, hasta que conseguí coordinación.Ese día estaba el director de la emisora Sensación Estéreo y me invitó a ser parte de una recopilación que iba a publicar su radio, llamada Perreo pa´ los Barrios. La idea era que no tocara teclado de computador, sino un teclado Casio SK5 y batería electrónica, que es lo que se usa. Pues me puse a llorar, porque no sabía cómo iba a hacer eso. Él me consiguió los instrumentos al día siguiente y me dio una semana para ensayar. Así, aparecí en el Volumen 1 de Perreo pa Los Barrios. Empezaron a llamarme las emisoras como invitada, y me dediqué con pasión al SK5. A los 16 ya salía a tocar.Mi presentación oficial tocando un SK5 en un picó grande fue en el Gémini Súper Sensación de Soledad de Martín Cabarca. Tenía como 21 años. Me convocaron a ser parte de su equipo y viajé junto a ellos tocando por la Costa Caribe.Es que yo me retiré como 5 años después de la publicación de los discos de Sensación, porque había tanto machismo, que me hizo salir corriendo. Sucedió que hubo un evento con siete picós al que fui de espectadora con mi familia. El DJ Yardin Palacios me invitó a que me subiera con él, y como ya le tenía confianza lo hice. Una persona de un picó dijo que para haberme podido subir allí “me había tocado pagar un precio muy caro” y otras afirmaciones con connotación sexual. Cuando empecé a sentir esos juzgamientos me sentí muy mal y me espanté ¡Era una niña! El SK5 que me regalaron lo guardé en una bolsa negra, lo escondí entre mi ropa y en 5 años no lo toqué.Con el tiempo vi que ninguna mujer salía a tocar y retomé. Me buscaron de varios picós locales como invitada, me convocaron de Sincelejo y Cartagena, cogí fuerza y mi determinación fue: de aquí no me hace correr más nadie. En la actualidad la actitud de la gente es diferente. Antes sentía que me denigraban. Ahora soy DJ de El Solista, y tengo el respeto y cariño del público y compañeros.Claro que en general sigue habiendo estigmas hacia el medio picotero. A los que vivimos en este mundo, nos tratan de ofender llamándonos “coletos”. Ven a un tipo bailando champeta y dicen: ese es tronco´e coleto. Coleto para muchas personas es alguien ratero, vicioso, indeseable para la sociedad. Lo tachan a uno así. Pero esos a los que llaman “coletos” son los que uno ve aprendiendo la fiesta, los que no dejan de bailar toda la noche, los que siempre están alegres.Y yo recalco algo que se ha vuelto popular: “Cuando me llamen coleta, les voy a responder que soy la reina de la coletera”. Ahora la gente que se siente identificada conmigo, me ve y me dice: “Yo no soy coleto, yo soy amigo de la reina de la coletera”. Doy la cara por el público, ser coleto no es malo. Por ser coleta me he ganado la vida. Soy Barbie Perreo gracias a la coletera.Este año siento que lo que hago subió su impacto. Ya no tengo solo el SK5, sino además un teclado AKI para hacer los efectos de la batería. Me lo obsequió un seguidor de El Banco, Magdalena, y el dueño de El Solista, Armando Jinete, DJ Kataplán, me regaló una batería. Uso esos tres aparatos. Me encanta tocar champeta y música africana, de ella toco bastante los que llamamos “rastrillos”.En estos se maneja velocidad en el piano, se usa mucho el “repique”, que es cuando se ven esos movimientos rápidos de la mano. Rastrillos muy populares son por ejemplo, El Satanás o El Malambito. Esos temas no faltan, aunque esos tan famosos no me gusta tocarlos porque esos los toca cualquiera y a yo disfruto es de los retos.DJ Nessa: sangre nuevaYulieth Vanessa Olivo, conocida como DJ Nessa, tiene 22 años y le inyecta sangre fresca a la cultura picoteril. Debutó este año rotando música en LP en el picó El Gran Siboney con el apoyo de su padre, el picotero Mario Moreno. Ha ido creciendo detrás del turbo, afianzando su toque de aguja, dando nuevos bríos a la presencia femenina.La matrona del picó en los 70A Norma Zúñiga Pérez le dicen “La Vieja”, tiene 83 años y cuenta que fue la primera mujer que en Barranquilla que se armó de picó en 1971. Lo llamó El Son Africano y lo posicionó en el barrio Nueva Colombia.Nacida en María La Baja (Bolívar), arribó a la ciudad a inicios de los 60, y antes de incursionar en la cultura picoteril, trabajó en casetas y cantinas. Con oído afilado y devoción por la música africana, compradora fiel de los LP, maestra en poner a gozar al bailador, se convirtió en gestora de hits como Los Pepes o El Jiménez. Disparó su picó hacia lo alto, e incluso, llegó a alternar con pesos pesados de la música nacional como Diomedes Díaz y Rafael Orozco.“Siempre me ha gustado la música. Era bailadora de vallenato, de cumbia, de todo. En María La Baja se bailaba mucho Alejo Durán y también fandango, eso, y que soy de descendencia africana me dio el amor por la música. Yo saqué mi picó en 1971, en la misma fecha en la que apareció otro llamado El Timbalero.Como yo trabajaba en una tienda y necesitaba música, pues lo mandé hacer. Era una máquina de seis tubos. Me senté a pensar que vengo de África, que de allí eran los discos que ponía y que uno baila es al son de la música, por eso lo llamé El Son Africano. Luego de ese modelo, mandé hacer unas máquinas de 24 tubos, porque anteriormente en los picó se manejaban era amplificador de tubos. Más adelante, como a inicios de los 90 empezó a llegar una mala tubería de Phillips, y se fue acabando ese formato.Después aparecieron los transistores, pero como que no pegaron mucho. Fue quedando entonces un modelo de picó al que le llaman “fraccionado”, esos sistemas gigantes de sonido con mucha potencia, como más discotequeros, con luces y más cosas.Después ensayé una máquina que me hizo el señor Carlos López. Pero yo prendía el picó y no sentía brillo, sino puro golpe, por lo que mandé hacer una con medios y brillos, porque a mí me gusta que todo suene con brillo fino y golpe seco. Yo insistía, pero ya en ese tiempo, como desde 2000 en adelante, en Barranquilla, la cosa se fue apagando en materia de picó como el mío.Acabó porque se terminó la esencia de los acetatos, la gente dejó de utilizarlos y los picós como nosotros los usábamos se volvieron “obsoletos”. Algunos se deshicieron de ellos, pero yo lo guardé. Entonces resultaron imperando los picós de torre: torres gigantes compuestas por un sistema de parlantes fraccionados. De 2000 en adelante fueron años “fraccionados”. Hace un tiempo, como 2012 más o menos, la gente empezó a construir “turbos” que son como los “escaparates” de antes, pero adaptados con tecnología actual.Fui la primera mujer en un ámbito de puros hombres, porque, así como el hombre tira machete, la mujer también lo puede hacer. En el tiempo en que inicié ellos me felicitaban, decían: “esa es “La Vieja”, la dueña”, con mucho respeto. Creo que había más respeto que ahora que hay más mujeres que se han dedicado a picotear. Mi picó ganó fama, llegué a alternar con Diomedes Díaz, Rafael Orozco y Los Blanco de Venezuela en un evento que se llamó Acordeones de Carnaval en la 71 de Barranquilla. Como ellos eran vallenatos, pues yo mandaba salsa”.Los Pepes: El súper hit “exclusivo” de NormaNorma, amante de siempre de los LP, escarbadora en pilas de discos para conseguir joyas, se convirtió en gestora de hits “exclusivos” como Los Pepes. Una canción del cantante congolés de soukous Pierre Moutouari, llamada Aissa, que se pegó en su picó entre el 83 y 84.Cuentan que ese “piconema” surgió por el fallecido músico, el también congoleño Pépé Kallé, porque en el barrio y sectores vecinos, hubo un grupo de jóvenes, seguidores de El Son Africano a los que les decían así, que siempre que iban y pedían ese corte.“Uno para esto tiene que querer la música. Tengo un sinnúmero de discos. Yo compraba música aquí en Barranquilla en la famosa Calle 17, el dueño del local tenía un hermano que estaba en África y la mandaba de allí. Yo los reservaba y lo hacía prometer que lo nuevo era para mí. También iba a Cartagena a buscar LP. El álbum de Los Pepes lo compré en allí. Esa vez había ido a reparar el carro pero encontré un callejón y tremendo almacén de discos. Vi esa portada del tipo con los brazos abiertos y dije: bájame ese y pruébamelo. Ese día me traje cinco y dejé dos reservados, porque uno quiere tenerlos todos y que sea “exclusivo” de su picó. A esos éxitos, como los títulos vienen en inglés, francés u otros idiomas, la gente le pone nombres. El bailador siempre saca inventos. Por ejemplo tengo un disco en el que alguien llora, y le dicen El Llorón.Yo busqué mi técnica para poner a gozar al que baila y soy la que tengo el oído para el sonido. La prueba es que todavía están brincando esa música”
Paramore debutó en la escena musical estadounidense en 2004, pero no fue sino hasta 2007 que la agrupación explotó y pegó un saltó gigante al mainstream. Misery Business fue el primer hit de la banda integrada en ese entonces por Zac Farro, Jason Bynum, Josh Farro, Jeremy Davis y Hayley Williams, sin embargo, la canción llena de vergüenza total a su intérprete, ¿por qué?Para ver | ‘Call me by your name’: el video queer que proyecta a Lil Nas X como ícono LGBTIMisery Business fue estrenada el 15 de julio de 2007 como primer sencillo de Riot, el segundo disco de Paramore bajo el sello Fueled by Ramen, propiedad de Warner Music. Fue escrita principalmente por Hayley Williams y está basada en una historia de la vida real en la que una mujer manipuló a uno de sus amigos.Básicamente la composición se refiere al sentimiento de satisfacción que genera el hacer actos malos, hablándolo desde una perspectiva femenina, pero contiene líneas que no han envejecido bien y que más adelante explicaremos.La canción debutó con éxito moderado en listados de Estados Unidos, pero debido al aumento de descargas legales logró ingresar al top 30. Gracias a su popularidad en Norteamérica, mercados internacionales optaron por promocionar la canción en sus países y así volver a Paramore un fenómeno global.El video musical es divertido, no lo vamos a negar, pero muestra cómo una mujer pasa de ser el centro de atención de todos a ser la burla. En su tiempo fue el más programado en la cadena MTV y llevó a que la imagen de la banda fuera conocida ampliamente.En sus inicios, Hayley indicó que era la canción más honesta que había escrito en su vida, pero nueve años después reveló una carta en Tumblr donde hace una reflexión sobre la letra del tema. En el texto indica que “leí un par de comentarios sobre cómo no puedo ser feminista o si soy o no una "buena" feminista. Diré esto Misery Business no es un conjunto de letras con las que me identifico como una mujer de 26 años. No me he relacionado con ellas en mucho tiempo”.La cantante añadió que fue una canción escrita por una adolescente de 17 años que tenía una perspectiva diferente de la vida, “no estaba destinado a ser una gran declaración filosófica sobre nada. Era literalmente una página de mi diario sobre un momento singular que experimenté como estudiante de secundaria y esa es la parte divertida de crecer en una banda con algún grado de éxito. La gente todavía tiene mi diario; el pasado y el presente”.En su momento declaró que era bueno mostrar esa parte de ella, con lo bueno, lo malo y lo vergonzoso que puede llegar a ser. “Una cosa por la que estoy más agradecida que cualquier otra cosa es todo lo que mis experiencias, incluidos mis errores, me han moldeado y me han convertido en alguien de quien estoy más feliz de ser. En conclusión, soy una feminista orgullosa, así no sea perfecta”.Las criticas principales de algunos seguidores iban dirigidas a la línea de la canción que dice “una vez que has sido una p*ta, no eres nada más, lo siento, pero nunca cambiará”.Tres años después de esa carta, Hayley informó en medio de un concierto de Paramore en Nashville que no volverían a cantar Misery Business en un largo tiempo.No muchas bandas se pueden dar el lujo de negarse a cantar su más grande hit, pero es una decisión absolutamente respetable entendiendo los cambios que ha tenido la humanidad en el siglo XXI.Para ver | Colectivos de mujeres que cambian el panorama de la música.¡La música nos une!
Como muchas profesiones dentro del mundo de la música (y de todos los campos en general), los roadies tradicionalmente han sido hombres. Una de las pioneras femeninas en este oficio es la australiana Tana Douglas. Empezó en 1973 y a los 16 años su primer trabajo fue con una banda entonces emergente llamada AC/DC. Entre las bandas y artistas con las que ha trabajado se encuentran Whitesnake, Elton John, Ozzy Osbourne, INXS, Red Hot Chili Peppers, The Police, The Go-Go’s, entre muchas otras. Tras ser mencionada en muchos textos de otras personas, Doulgas decidió que era el momento de contar su versión de la historia y hace pocas semanas lanzó Loud: A Life in Rock’n’Roll by the World’s First Female Roadie, su primer libro, que reúne algunas historias destacadas en sus varias décadas de carrera. Aquí algunas de ellas.El susto en AC/DCDouglas se despertó una noche cuando escuchó que Bon Scott (segundo vocalista de AC/DC) no respiraba. “Le hice respiración boca a boca y lo mantuve vivo hasta que llegaron los paramédicos. Él sobrevivió y nunca hablamos de ello. Cuando eres joven crees que eres a prueba de balas". Scott falleció en 1980.El Beatle que le propuso matrimonio (bueno, algo así)Jon Lord, tecladista de Whitesnake, hizo una fiesta de cumpleaños para George Harrison. Cuando una stripper se puso a bailar She Loves You en la sala, Harrison se dirigió donde se encontró a Tana, quien estaba fumando. Ella encendió un cigarrillo y Harrison le dijo “Me casaría contigo mañana mismo si dejaras de fumar”. La chaqueta que le presó a Iggy PopTana cuenta que estaba tras bambalinas en un concierto de Iggy Pop. “Iggy sostuvo un espejo con tres líneas (de cocaína) y me dijo que quería que conociera a alguien. Un tipo se paró en la esquina y supuse que era el “dealer” de coca. Le dije a Iggy que tenía que subir al escenario. Hizo una línea y me entregó el espejo. Pensé, "Que se joda ese tipo (el de la esquina)", e inhalé ambas líneas. Entonces Iggy dijo: 'Quiero que conozcas a David Bowie' ".Iggy salió corriendo al escenario y ella escondió su amada chaqueta de cuero debajo de un monitor. "El espectáculo comenzó, Iggy agarró mi chaqueta de cuero, que había estado pidiendo prestada sin éxito, y se la puso para una canción. Luego se la quitó, la tiró a un lado y un ventilador lo agarró. Así es como Iggy Pop me hizo perder mi chaqueta de cuero característica. Tal vez fue una venganza porque inhalé la línea de Bowie".
Aquí estamos, como de costumbre, con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial con reseñas de discos colombianos (álbumes de estudio y EP) para que se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo a los mejores temas y álbumes nacionales en este especial con lo mejor del 2020 . En esta oportunidad les presentamos 7 enérgicas canciones de solistas femeninas para refrescar sus playlists.¿Quién lo diría? – Lala MoréLa cantautora colombiana que vivió mucho tiempo en Estados Unidos y Guatemala, presenta su segundo sencillo oficial en el que se enfoca en esos amores rosa que parece que serán para toda la vida. ¿Quién lo diría? es un tema inspirado en esos amores atemporales, esos que sin importar distancia, razones o personas, por algún motivo no podemos olvidar” refiere esta extraordinaria compositora y productora musical.Seré la fe - Naty BoteroLa cantautora ha tenido un cambio general en su vida desde la llega de sus mellizas Luna y Paloma, eso se ve reflejado al 100% en su nuevo lanzamiento. Seré la fé muestra una nueva y madura faceta de la artista, un tema esperanzador, con sonoridades tropicales, llenas del sabor caribe que hoy la rodea desde su hogar en Palomino.La Boca – FarinaEste sencillo es el abrebocas de lo que será el álbum en conjunto de la cantante paisa con el reggaetonero Arcángel. El video clip muestra que Farina ya está en un nivel de estrella demasiado alto en el que tiene una imagen y estilo consolidados.Negra del sur - Diana BurcoLa cantautora especializada en las músicas tradicionales de Colombia estrena un nuevo sencillo inspirado en la cumbia afro de Latinoamérica. El sencillo tiene algunas frases en inglés y viene con un poderoso solo de acordeón que muestra la riqueza de los sonidos de la costa caribe, elementos que Diana tiene bien estudiados desde hace un par de años. La nominada al Latin Grammy 2019 sigue sorprendiendo con cada estreno.Ni aunque te pongas mal – KristalLa violinista y cantante viene con un nuevo tema que es perreo puro para darle candela a los pies en la discoteca. Su nuevo lanzamiento está acompañado de un video clip con temática vaquera, grabado por Santaluna Studios en unas locaciones desérticas y con un styling potente y creativo.Estar bien - Soy EmiliaCon este sencillo, la cantante nominada al Latin Grammy 2020 muestra todos los temas que integran su más reciente EP expuesta que contiene los temas Hasta El Fin, Putita, Tuami (Acústico) y Estar Bien.Limbo – MilaMuy inspirada en los más recientes tracks de Dua Lipa, la cantante colombiana Camila Posada, cuyo nombre artístico es Mila, empezó a explorar y experimentar en su estudio por el puro placer de crear música. El resultado fue Limbo, un track que nos lleva por un viaje espacial y que por fortuna muestra elementos sonoros que no están tan presentes en los recientes lanzamientos latinoamericanos. BigBadBeats fue partner de Mila para que esta canción viera la luz.#LaMúsicaNosUne
Aquí estamos, como de costumbre, con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial con reseñas de discos colombianos (álbumes de estudio y EP) para que se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo a los mejores temas y álbumes nacionales en este especial con lo mejor del 2020 . En esta oportunidad les presentamos Canción Confinada de Marta Gómez.¿Quién está detrás? El trabajo de Marta Gómez entrelaza los distintos colores y timbres de la guitarra, así como lo armónico-melódico de sus canciones y sus letras con los principales ritmos folklóricos latinoamericanos. Nacida en Girardot, Cundinamarca, ha sido una nómada que ha podido estudiar y enamorarse de la música en distintas ciudades del mundo. Actualmente está radicada en Barcelona, España.¿A qué suena? La guitarra de Marta es protagonista de la musicalidad de este tema que también contiene elementos naturales. La canción hace parte de la campaña Sonidos desde tu ventana, proyecto musical que involucra esos elementos naturales que son agradables para el oído.¿De qué trata? Es una canción inspirada en las realidades sociales que se viven en el mundo a causa de la pandemia. Sobre esta composición Marta comenta que, “no estamos todos en el mismo barco, estamos en el mismo mar, pero unos están navegando sus aguas en cómodos yates, otros están en barcas de madera, y otros, otros muchos, otros demasiados, están nadando intentando mantenerse a flote, soñando con llegar a la orilla a alguna orilla que sea menos injusta que ese mar que los devora”.¿Sobre el video qué? El video, realizado desde el confinamiento trae imágenes de la naturaleza llenas de vida. Un río, flores y un barquito de papel cuentan esa exploración creativa y ese anhelo de la voz que no va a confinarse, de la lucha interna para superar los obstáculos de la incertidumbre.¿Cuándo escucharla? Este tema tiene una conexión profunda con el medio ambiente. Vale la pena darle play mientras está acostado sobre el pasto apreciando la belleza de las nubes y el cielo.Para ver | Ikandra, Junior Jein y otros artistas nacidos en Buenaventura, Valle del Cauca, hacen un llamado urgente al Gobierno Nacional para frenar la violencia en ese territorio¡La música nos une!
Aquí estamos, como de costumbre, con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial con reseñas de discos colombianos (álbumes de estudio y EP) para que se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo a los mejores temas y álbumes nacionales en este especial con lo mejor del 2020 . En esta oportunidad les presentamos Ella de la bonaverense Ikandra.ELLA - IKANDRA¿Quién está detrás? Luego de participar en el concurso de televisión A Otro Nivel, su imagen y voz se popularizó y ahora viene con toda para conquistar al país con temas originales. Nació en Buenaventura, pero su formación artística ha tenido como ciudad base a Cali. En 2020 presentó su tema Amarte Bien y ahora nos seduce con Ella, tema que hace parte de su disco debut Huellas del alma.¿De qué trata? Ella es un tema de la autoría de Ikandra, una canción llena de versos y frases inspiradas en la belleza femenina. Un viaje de amor intenso y profundo.¿A qué suena? El tema presenta un balance perfecto entre dos géneros que son muy populares en América Latina: la bachata y el bolero. Los sonidos fusionados hacen que la canción tome un valor mucho más romántico.¿Sobre el video qué? Ella viene acompañado por un video lyric que está disponible en Youtube. La buena noticia es que para 2021 la cantautora presentará un nuevo proyecto discográfico en el que dejará ver una nueva faceta de su música.¿Cuándo escucharla? Es de esas canciones que merece bailarse en las bodas. Una pieza maravillosa para escuchar abrazado de la persona que se ama desde la intimidad absoluta.Para ver | Ikandra, Junior Jein y otros artistas nacidos en Buenaventura, Valle del Cauca, hacen un llamado urgente al Gobierno Nacional para frenar la violencia en ese territorio¡La música nos une!
A una hora y cinco minutos del Centro Histórico de Bogotá queda ubicado Madrid, uno de los 116 municipios del departamento de Cundinamarca y el lugar que le dio a Karla las bases para crear su alter ego Kei Linch, presente y futuro del rap colombiano.Por Sebastián Peña | @sebasnewsMuchas veces el colegio es el inicio y el fin de los sueños de un artista. Tristemente la educación colombiana no tiene entre sus prioridades formar artistas y, por eso, muchos talentosos pelados dudan al momento de elegir el arte como su proyecto de vida. En el caso de Kei, el colegio oficialmente su primera tarima, pero ella sentía que pocos la tomaban en serio y que era como un adorno en las izadas de bandera y en eventos culturales, “nunca fui motivada por otras personas, pero eso me hizo dar cuenta que debía encontrar la motivación en mi”, agrega Kei.En el bachillerato Kei se alejó de muchas personas del colegio y refugió en las letras y la música. Aunque en su casa se escuchaba Los Panchos o Julio Jaramillo, se apasionó por el rap cuando descubrió la música de Tres Coronas y Canserbero, este último es tal vez la inspiración más grande de Kei por explorar y adentrarse en la composición.Kei tiene muchos tatuajes, pero el que más resalta está ubicado en su brazo izquierdo. Es la frase All We Need Is Love, mismo tatuaje que hizo icónico a Canserbero mientras estaba con vida. Para ella el rapero venezolano, por medio de sus creaciones, la ayudaron a encontrar ganas de vivir en una época de mucha oscuridad.Justo cuando empezaba a conectar profundamente con la figura artística de Tirone José González, nombre de pila de Canserbero, impactó en ella la noticia de su fallecimiento, “fue muy triste no tener la oportunidad de poder verlo en Hip Hop Al Parque porque no me dejaban, pero el hecho de interpretar sus canciones a mi manera me hizo encontrar un propósito con mi música.Cuando le preguntaban a Kei qué quería estudiar ella no respondía nada y no lo hacía porque no tenía claro lo que deseaba para su futuro, solo sabía que quería componer y cantar sus creaciones, pero no lo decía porque a veces recibía burlas por tener un sueño artístico. Su mamá quería que ella entrara a estudiar psicología a la universidad, pero Kei no quería invertirle tanto tiempo a algo que no la apasionaba.En medio de esa incertidumbre por no saber qué hacer, ingresó al SENA e hizo un tecnólogo en Recursos Humanos. Allí conoció personas que hacían rap y esto sirvió para que ella se decidiera definitivamente por la música.DE ANARKÍA A KEI LINCHNunca le ha gustado su nombre de pila, por eso, desde que empezó a escribir canciones nació en ella la necesidad de encontrar una especie de alias que englobara todo lo que ella representa músico. En esa primera etapa artística estaba leyendo sobre la anarquía y se sentía muy conectada con ese concepto. Con Anarkía pasaron muchas cosas, era el nombre que salía en los flyers de algunos eventos de rap y es la base de lo que es hoy en día.Para Kei llevar el nombre de ese movimiento como su sello artístico era una responsabilidad muy grande, así que hizo la tarea y empezó a crear su propio concepto en el que abarcara su discurso, forma de escribir, personalidad e interpretación. En esa búsqueda recordó que su abuela la llamaba Kalinchis y sintió que debía inclinarse por ahí.Fue así como llegó a K-Lynch para después evolucionar en Kei Linch, un nombre que ella siente único, íntimo y honesto.Aunque estamos en un momento donde la música, casi que por obligación, debe estar sí o sí en internet, Kei grabó su primer EP con pistas sacadas de Youtube y lo público en formato físico. Fueron 150 unidades, se vendieron todas y ella ni siquiera tiene una copia del recuerdo, “fue hecho en un momento crítico de mi vida en el que estaba encerrada en un cuadro depresivo super fuerte y lo que quise hacer fue barrer toda esa basura y recogerla en ese EP”, comenta Kei Linch. Ese proyecto se llamó Red & blue sad doll y para ella es un capítulo de su vida que ya es pasado.En 2020, justo en el corazón del primer encierro por la pandemia del coronavirus, Kei Linch se apuntó a participar de Caciques, un proyecto que tenía como fin encontrar al próximo gran talento del hip hop colombiano. A lo largo de los episodios mostró con carácter su potencial para las rimas y dejó claro que tiene todas las bases para ser líder del movimiento en Colombia. De paso, pone a Madrid, Cundinamarca, en el mapa el lugar donde están sus raíces y las personas que la ayudaron a creerse el cuento y empezar a hacerlo realidad.Contenido relacionado: Kei Linch, la primera ganadora de ‘Caciques’DE LA ESQUINA AL CIELOEste viernes 15 de enero se publicará la versión de estudio de De la Esquina al Cielo, una canción que de forma orgánica ha obtenido una acogida muy grande en Youtube y que merece estar en todas las plataformas. Esta es la primera sorpresa de Kei Linch en 2020, una deuda que tenía con el público que ha ido acercándose a su propuesta en los últimos años y que ya es una comunidad interesada en escuchar lo que la artista tiene por decir.Para ella este sencillo representa el camino que ha tenido que recorrer para cumplir sus metas, “desde el intro cuento que no ha sido fácil lo que he pasado y cuento la historia de mi vida, los obstáculos que he atravesado, además, es una manera de motivarme”, menciona Kei.MELANCOLÍA Y RESISTENCIAUna de las características que más resaltan de esta etapa de Kei Linch son los colores de su pelo, que tienen que ver con lo estético, pero que también viene ligado a un concepto. La artista explica que el rojo para ella simboliza la resistencia y el azul la melancolía, “me gusta llevar estos colores en la cabeza porque de eso estamos hechos las personas, también siento que me representa porque resistir desde la melancolía es algo que he vivido toda mi vida”, finaliza la artista.Para ver | Tres Coronas: el regreso de las leyendas del rap latino¡La música nos une!
Aquí estamos, como de costumbre, con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial completo con reseñas de discos colombianos (álbumes de estudio y EP) para que conozcan y se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo a los mejores temas y álbumes nacionales en este especial con lo mejor del 2020 .ANTÍDOTO - LUNALÉ¿Quién está detrás? Lunalé es uno de los actos independientes más representativos de Bucaramanga. Es compositora, realizadora audiovisual y una experta en tocar fibras con su voz. En 2019 estrenó su álbum debut La pena de estar sin ti y para 2021 va a estar lanzando más música que de crédito a la evolución que ha tenido como artista. Su primer lanzamiento del año es un tema compuesto en medio del primer pico del coronavirus.¿De qué trata? Antídoto es una canción escrita en mayo de 2020 y se creó para un concurso en el que el tema era recrear el amor en tiempos de coronavirus. Lunalé cuenta que es una creación con la que se siente muy identificada porque justamente se contagió de COVID-19 y esto le dio más sentido a su canción.¿A qué suena? La canción contó con la colaboración de Julián Bernal (synthes, guitarras, beat, captura de grabación y mezcla) y Felipe Acero (arreglo de voces, batería, bajo y captura de grabación). Para ella se usaron elementos caseros que le dan un toque más orgánico a la canción. La voz de Lunalé es la cereza del pastel para que Antídoto sea un deleite para el oído.¿Sobre el video qué? El clip muestra a Lunalé en medio de una sesión de grabación y en él también se muestran los sonidos usados: tapas de gaseosa, el cierre de la nevera, el agitar de un salero, entre otros. Este video nos permite ver a la cantante en su hábitat natural, el lugar que la hace feliz y realizada.¿Cuándo escucharla? Ya que es una canción romántica en tiempos de coronavirus, es propia para dedicarla para esas relaciones que se mantienen firmes en medio de estos tiempos de encierro preventivo.Para ver | Ovy On The Drums, Karol G y su eficaz relación productor-cantante¡La música nos une!
El feminismo y la equidad de género cada vez van ganando más espacio en la discusión sobre muchos temas, y por supuesto, la música no ha sido la excepción. Por eso la participación de mujeres en festivales y, en general, la cantidad de propuestas femeninas en la música cada vez nos llama más la atención. ¿Será que los festivales tienen un sesgo contra las mujeres? ¿Por qué cuando pensamos en actos de pop se nos ocurren las mujeres casi que inmediatamente, mientras que cuando hablamos de rock son mucho más los nombres masculinos los que llegan a nuestra cabeza? Por: Paula Ricciulli // @ricciup Tomemos, por ejemplo a Rock al Parque. Una mirada rápida a los carteles del festival en sus 25 años de historia nos muestra muy pocas mujeres solistas o en bandas frente a una cantidad abrumadora de proyectos masculinos. Y si una mirada rápida nos permite concluir la poca participación femenina en Rock al Parque, un estudio más detallado arroja la misma conclusión. El colectivo y festival Ruidosa, liderado por la cantante chilena Francisca Valenzuela, analizó la paridad de género en 66 festivales en la región realizados en 2016, 2017 y comienzos de 2018. Rock al Parque es uno de los festivales con menor participación de mujeres en el continente (3.6%). En su edición 2019, se jactó de ser un evento incluyente que rechaza el machismo por incluir a 22 grupos con mujeres en su cartel. Sin embargo, con 73 actos en total en el festival, aún no es una cifra para enorgullecerse. Mujeres y Rock al Parque: ¿por qué es una relación agridulce? El equipo de Ruidosa analizó los carteles de 66 festivales de Argentina, Colombia, Chile y México. En los últimos tres años, siete de cada diez actos en festivales de música han sido de hombres solistas o bandas de hombres. Además de Rock al Parque, Cosquín Rock (Argentina, 2.2% de participación de mujeres), Pal norte (México, 5.8%), Vive Latino (México, 5.9%), y Estéreo Picnic (Colombia, 7%) son otros de los festivales latinos que se rajan en equidad de género. ¿Cómo están los festivales latinos en participación femenina? Esto no es solamente en Latinoamérica, sino en festivales de todo el mundo. En Coachella, en los cerca de 20 años de historia del festival solo han cerrado cuatro mujeres o bandas con integrantes femeninas: Björk (dos veces), Portishead (con Beth Gibbons), Beyoncé y Ariana Grande. Lollapalooza en 2018 llamó la atención por incluir a solo 38 mujeres en un cartel de 183 actos. ¿Será que las mujeres son discriminadas en los festivales? Analizamos a 202 bandas que se inscribieron a la convocatoria distrital de Rock al Parque 2019 de todos los géneros musicales. De ellas, solo 24 (alrededor del 11%) tienen al menos una mujer entre sus integrantes. El problema entonces no parece ser que en Rock al Parque tenga un sesgo contra los proyectos de mujeres, sino que no hay tantos para elegir. ¿Por qué hay menos bandas de rock femeninas? Una teoría es que el origen de buena parte de los grandes festivales en el mundo ha sido tradicionalmente masculino. Estos eventos fueron símbolo en su momento del rock alternativo que se oponía a lo corporativo y frívolo (algo que representa muy bien el pop, un género históricamente dominado por mujeres), según opina Forrest Wickman en el portal Slate. La mujer se volvió sinónimo/instrumento de lo plástico, banal y corporativo, mientras que el hombre encarnaba el espíritu contestatario y rebelde. Culturalmente, le hemos atribuido al rock características “masculinas”, como rudeza, fortaleza, atrevimiento y agresividad, todo lo contrario al pop, mucho más “femenino”, sensible y emotivo. Por eso, no es de extrañar que (todavía) a muchos hombres heterosexuales les dé pena admitir públicamente que les gusta una canción de pop. Por eso, cuando pensamos en bandas de rock, solemos recordar principalmente en bandas de hombres. Por supuesto, ambos son estereotipos obsoletos, pero siguen teniendo vigencia. Buena parte de los subgéneros del rock (metal, punk, hardcore, entre otros) han sido hechos por hombres, así que suele haber más oferta de bandas masculinas en estos estilos. Shirley Manson, vocalista de Garbage, declaró alguna vez en Loudersound.com que “todo el juego del ‘rock’ fue diseñado y mantenido por el patriarcado. Así que, si las reglas son escritas por hombres, es difícil para las mujeres infiltrarse, porque las mujeres juegan un juego de hombres y no el propio. Aún sigue siendo difícil para las mujeres ser tenidas en cuenta como pensadoras y creadoras de la misma manera que los hombres”. Ella recuerda que, en ocasiones, cuando buscaba al abogado de la banda, se negaba a seguir sus instrucciones antes de confirmar con otro miembro (hombre) del grupo, aun cuando ella era la líder. ¿Dónde han quedado las mujeres artistas en los conciertos en Colombia? “Es innegable que hay estigmas que han marcado en el pasado el papel cultural de las mujeres o los hombres en la música y esto se ve reflejado en que no tengamos la misma proporción de propuestas femeninas y masculinas en el rock”, afirma Catalina Villegas, integrante de la banda de Medellín de rock alternativo Lilith. “Creo que se nos ha inculcado que es más normal tener una banda de rock de hombres”, cuenta la mexicana Daniela Villarreal, líder de The Warning, una de las bandas femeninas invitadas a Rock al Parque 2019. Ella agrega que ha sentido que no la toman en serio por ser mujer en algunas de sus presentaciones. Para Marcela Morales, del grupo de metal Ataque de Pánico, “hay una tendencia a subestimar a las bandas de mujeres porque precisamente ha sido un proceso largo para una mujer ganar espacio en una escena de hombres”. Sin embargo, estas mujeres reconocen que cada vez hay más propuestas femeninas. “La participación se está incrementando y veo que cada vez hay más mujeres en bandas, no solo como voces líderes, sino también como instrumentistas. De forma natural, los hombres han liderado en muchas propuestas, pero cada vez hay más chicas y la tendencia va a girar a un balance mayor”, opina la cantante e instrumentista Ana Jimena González (Brina Quoya). Para José Gandour, periodista y crítico musical director de Zona Girante, “la creación de bandas femeninas, en un número importante, ha sido un fenómeno reciente”. Sin embargo, José añade que, aun cuando existen cada vez más propuestas femeninas, “el panorama musical colombiano no ha tomado en serio el papel de la mujer en el medio. Gran parte de las propuestas colombianas que van a sonar internacionalmente en los próximos años van a ser hechas por mujeres. Nos estamos perdiendo una participación importante y renovadora en la música colombiana", opina José quien menciona Brina Quoya, Mabiland o Lianna, como algunos ejemplos de propuestas femeninas que se han destacado. ¿Qué hacer? En 2017 Rock al Parque puso en marcha una tarima dedicada solo a propuestas femeninas y actos como Nervosa, Mon Laferte, Salt Cathedral, Catfish, Lucrecia Dalt y la Santa Cecilia brillaron en el escenario. En ese año, la participación de mujeres se incrementó frente al 2016 (pasó de 15 a 32). Aunque la idea fue bien recibida por el público (la tarima se llenó), no tuvo efectos en el incremento de la participación femenina en el festival a largo plazo. Tras el positivo incremento de participación femenina en 2017, en 2018 se vino al piso con solo 14 mujeres dentro del cartel. A la tarima femenina, aunque fue una idea bienintencionada, tal vez le faltó mantenerse y consolidarse para lograr mejores resultados. A veces ese tipo de medidas resulta insuficiente si no hay un verdadero cambio estructural. En su momento, Cynthia Montaño, participante en Rock al Parque 2017, resaltó la importancia de esta iniciativa en una entrevista para Shock: “Primero, que incluyan sonoridades diferentes, porque eso indica que nuestra Colombia se reconoce como pluriétnica, multicultural y diversa. Lo segundo, me parece que para las mujeres es una ganancia muy grande, porque esto apoya a las mujeres en su trabajo y además genera equidad de género. Sin embargo, es importante que tanto mujeres y hombres compartamos un mismo gran escenario, comiéndonos el mismo público positivamente y ganándonos ese espacio”. (Andrea Echeverri de Aterciopelados, una de las mujeres destacadas en el rock nacional). En mayo en Argentina se presentó el proyecto de ley Mercedes Sosa, que exige al menos un 30 por ciento de participación femenina en festivales, ciclos y programaciones anuales de música en vivo y fue aprobado por el Senado. La discriminación positiva es como se conoce a las acciones encaminadas a favorecer a un grupo que históricamente ha sido menospreciado. Aunque a muchos les parece una buena idea para combatir desigualdades, a las mujeres entrevistadas por Shock les preocupa dar prioridad al género frente a la calidad de las propuestas. “Aunque creo que una medida así pueda ser pedagógica, me parece problemático que se privilegie el género de un proyecto por encima del talento”, opina Ana. “Siento que una cuota es como pedir permiso para participar, cuando estamos en un momento histórico en el que la atención se centra en nosotras”, agrega. Catalina, de Lilith, está de acuerdo. “Eso puede terminar llevando un mensaje equivocado a la audiencia de que estas agrupaciones solo tienen la posibilidad de estar en esos festivales por las cuotas mínimas y no porque su trabajo sea bueno”. Rita Indiana, una de las artistas femeninas de Rock al Parque 2019 opina: “Depende de nosotras. Tenemos que salir a buscárnosla con el machete en la boca y darle pa’ ya a los proyectos sin miedo. Siempre va a haber algún estúpido que te va a decir alguna estupidez o te va a tronchar el camino. Hay que aprender a lidiar con esa oposición y con la presión de que el mundo lo hicieron los varones y ellos están al mando todavía. Estamos en la lucha, pero eso está cambiando ya”. Tradicionalmente ha sido difícil para las mujeres abrirse paso en géneros más asociados a los hombres. Sin embargo, pese a la que la participación femenina ha sido baja, hemos roto estereotipos negativos y hoy las propuestas femeninas han logrado consolidarse y demostrar todo su talento. La invitación es también para nosotros: para revisar cuántas mujeres hay en nuestras playlists y conocerlas más. Aunque nos hace falta ver más proyectos de mujeres, ellas no quieren que su música se conozca solo por una cuota, sino porque de verdad es buena, sin importar el género.
Más allá de la tarima, Rock Al Parque se sigue sintiendo como un evento principalmente pensado por hombres y para hombres. Aunque en los últimos años las cosas han cambiado y hay iniciativas de parte del festival para cambiar las cosas, el ecosistema roquero sigue sin cambiar dinámicas de fondo. Por: Alejandra Gómez @bichemusical para Todopoderosa @todopoderosx* En nuestro tiempo de roles heredados hay instaurada una inercia social que nos lleva a ignorar la falta de diversidad en la mayoría de los carteles de festivales de música a los que asistimos. Una suerte de lente que somete nuestra visión a un encasillamiento de género en que todo lo vemos de una u otra forma sin ningún matiz y que nos impide notar ciertos comportamientos que asumimos y aceptamos como convencionales y no problemáticos. Si hay un cartel de festival curado intencionalmente con proyectos liderados por mujeres, sabemos de entrada que ese es el propósito, pero si vemos un cartel que no está diseñado para tener exclusivamente proyectos liderados por hombres, no lo notamos y asumimos que es lo “normal”. Lo normal queda aquí confinado a esas convenciones sociales que damos por ciertas y que se han naturalizado en nuestra comunidad, pero que es necesario someter al escrutinio público. Es muy probable que la cantidad de bandas masculinas de rock sea mucho mayor que las femeninas, pero eso no debería ser una excusa para mantener una industria musical de una participación mayormente masculina, sino que debería invitarnos a reflexionar por qué esas mujeres que estudian o se dedican a la música no lo extienden a una carrera profesional o no lo adoptan como una actividad económica principal en sus vidas. Se sabe que mantener una banda activa no es una tarea fácil ni en los escenarios ni detrás de ellos, pero sin duda hay retos mayores que enfrentamos las mujeres en la industria de la música. Eso sin entrar en los problemas mucho más profundos que enfrentan las demás personas que se identifican como mujeres o con las nuevas feminidades. A propósito de uno de los eventos musicales más emblemáticos de Bogotá, el Festival Rock Al Parque, que celebrará sus 25 años del 29 de junio al 1 de julio, me senté a repasar algunas de las estadísticas disponibles con la ayuda de su programador artístico Chucky García. De un total de 70 bandas que participarán en esta edición, 20 de ellas tienen integrantes mujeres o son lideradas por una mujer resultando en un 28.5% de participación femenina en las bandas invitadas o por convocatoria. Estarán también en el escenario dos artistas invitadas al show especial de cierre que juntará a la Orquesta Filarmónica de Bogotá –que cuenta con músicas mujeres entre sus integrantes–, con una banda base –que incluye a la bajista Juanita Carvajal–, e invitados especiales para que interpreten himnos icónicos del Festival. Este año participarán además cinco agrupaciones del proyecto CREA (Centros de Formación Artística, dirigidos a niños y jóvenes, y presentes en 20 sedes en 17 localidades de la ciudad) de la Alcaldía de Bogotá, de las cuales cuatro son lideradas por mujeres. De todas las bandas que presentaron audición para CREA, se notó una mayoría en la confirmación de bandas femeninas lo cual es gran paso para las bandas locales. Entre las invitadas internacionales está la compositora y escritora dominicana, Rita Indiana; la banda de garaje y surf japonesa The 5.6.7.8´s; la finlandesa Tarja; la argentina Eruca Sativa; los franceses Kap Bambino, la española Cristina Rosenvinge; y las hermanas mexicanas de The Warning (tres chicas que aprendieron a tocar con el videojuego Rock Band y de ahí pasaron a hacer un cover de Metallica que eventualmente las llevó al show de la norteamericana Ellen Degeneres y por medio del dinero recolectado en un crowdfunding terminaron estudiando música en Berklee). Por parte de las nacionales tendrán integrantes femeninas Estados Alterados, Curupira, Aguas Ardientes, y la banda de metal de Pasto Lucifera, liderada por Alejandra Blasfemia. También estarán Delta Y The Feedbacks, y Caravanchela. En los seis shows especiales de bandas bogotanas de la convocatoria pública de los estímulos de IDARTES, están Odio a Botero, Pedrina y Los Klaxon. Vea también: ¿Cómo están los festivales latinos en participación femenina? Se entiende que un festival realizado con fondos públicos deba tener entre sus intereses la mayor representatividad posible de la diversidad y que les sea más fácil tener unos lineamientos claros de las acciones que se deban emprender desde los gobiernos locales y nacionales. Sin embargo, muchas veces, favorablemente cada vez menos, nos vemos rodeadas de espacios de los cuales nos sentimos excluidas. Rock Al Parque, siendo un evento público, indudablemente logra mantener su línea curatorial clara y un balance de género en los escenarios muy positivo que no debería ser una sorpresa pues ser mujer no es un género musical como lo hacen creer algunos de los promotores del país. En el 2018 el festival fue anfitrión de 55 bandas entre distritales, nacionales e internacionales. De esas 55 bandas, 13 contaban con integrantes mujeres representando el 24% de la totalidad del cartel, una cifra que sin duda podría mejorar. En el conteo realizado por nuestra colega Daniela Trujillo de Todopoderosa y pluma del blog Non Serviam, el primer día tocó una banda con integrante femenina, el segundo día tres y el último día nueve. Esta diferencia en la cantidad de bandas por día puede ser el resultado de lo que sucede en el escenario ECO los lunes cuando se convierte en la tarima dedicada a los proyectos liderados por personas que se identifican como mujeres. Este hecho puede levantar algunas críticas debido a la llamada discriminación positiva, pero el hecho de que no lo comuniquen explícitamente y que mantengan la fidelidad en la programación artística, hace que la acción de programar este tipo de proyectos resulte más orgánica que impuesta aún siendo una medida un poco forzada. Será cuestión de tiempo y de educación colectiva dejar de implementar este tipo de acciones que de momento parecen a su vez excluyentes para pasar a la promoción de escenarios realmente balanceados de manera natural. Del 2018 cabe remarcar además la presencia de Liniker E Os Caramelows, la primera mujer trans en el festival y la participación del colectivo drag House of Tupamaras en la presentación de la banda rusa Pussy Riot. En cuanto al público, de las estadísticas disponibles en el libro de los Festivales Al Parque recopilado y publicado por IDARTES, el año pasado asistieron al festival Rock Al Parque 119.579 hombres y 61.252 mujeres. En comparación con lo otros festivales Al Parque del distrito, Rock Al Parque es uno de los festivales con menor asistencia de mujeres junto a Hip Hop Al Parque. Colombia y Salsa Al Parque son los que más se destacan por su amplía asistencia de mujeres, y esto se debe en gran medida a que estos dos eventos se entienden como espacios seguros, familiares y con unas instalaciones mucho más accesibles para la mayoría de ciudadanos, aunque la asistencia general sea mucho menor. Este año, el festival junto a Bogotá Abierta creó un espacio de conversación en línea que abría con la pregunta “¿Qué le cambiarías a Rock Al Parque para que más mujeres asistieran?”, notando que, de los 184.000 asistentes del 2018, solo el 34% eran mujeres. Esta cifra se ha mantenido más o menos igual desde el inicio del festival hace 25 años. De las más de 50 respuestas de usuarios hombres y mujeres, la mayoría hacen referencia a la creación de espacios seguros, baños más accesibles y limpios, y más mujeres trabajando en todos los frentes del festival desde las requisas y la producción técnica hasta los escenarios. Esto da cuenta que más allá de la tarima, Rock Al Parque se sigue sintiendo como un evento principalmente pensado por hombres y para hombres. Sin embargo, este tipo de iniciativas, como la consulta abierta en línea y la creciente inclusión de artistas femeninas en su programación, evidencian un cambio e interés en la búsqueda de representatividad para los diferentes sectores de la población. La idea de creación de espacios seguros tanto para mujeres, como para menores y personas en condición de discapacidad, serán cambios que tomarán un tiempo en pasar pero que deben iniciar de forma contundente desde la concepción y producción misma de los eventos tanto públicos como privados. La música y la cultura son bienes y derechos que deberían poder ser disfrutados por todos y no solo por unos cuantos. Es nuestra responsabilidad como promotores y agentes de la industria nacional empezar a cuestionarnos por qué sucede que nuestros eventos sean tan excluyentes, y empezar a educarnos abierta y pacientemente como sociedad para el diálogo y el cambio de estos escenarios. *Alejandra Gómez es la fundadora de Biche @bichemusical, productora de proyectos musicales enfocados en la cultura alternativa latina, y mánager de Frente Cumbiero. A veces hace apariciones en las tornamesas como ChontaDJ y es cofundadora del colectivo Todopoderosa para la diversidad de género en la industria de la música nacional. #LaMúsicaNosUne
Continúa el "beef" entre Drake y Kendrick Lamar: Drake compartió The Heart Part 6, este 5 de mayo, una referencia a la serie de sencillos en curso del ganador del Premio Pulitzer. "Y sabemos que te vas a caer 6 minutos después, así que en lugar de publicar mi dirección tienes mucho que abordar", escribió en Instagram. La canción de Drake responde a los dos sencillos que Lamar lanzó durante el fin de semana, “Meet the Grahams” el 3 de mayo y Not Like Us del 4 de mayo. En The Heart part 6, el rapero de Toronto niega las afirmaciones de Lamar en canciones anteriores que afirmaban que perseguía a mujeres menores de edad, una afirmación que ha atormentado al rapero durante mucho tiempo y recientemente resurgió con la disputa."Nunca he estado con ninguna menor de edad, pero ahora entiendo por qué este es el ángulo con el que realmente te metes", rapea. “Solo para que quede claro, me siento asqueado. Soy demasiado respetada. Si fuera jodidamente jovencita, prometo que ya me arrestaron. Soy demasiado famosa parr la mierda que acabas de sugerir, pero esa no es la lección. Claramente hay un mensaje más profundo. Cortes profundos que nunca sanaron y ahora se infectaron”.Después de que Lamar apuntó a los propios padres, hijo, guardia de seguridad y afiliados del sello discográfico de Drake, el rapero de Toronto ahora afirma que intencionalmente proporcionó información falsa a las personas con la esperanza de que Lamar la usara sin saberlo en un track. (“Aquello de quien obtienes tus historias, son todos payasos”, rapea Drake. “Conspiramos durante una semana y luego te dimos la información/Una hija de 11 años, apuesto a que la acepta. ) Drake continúa afirmando que las canciones de Lamar son “un trauma por tus propias confesiones” y afirma directamente “Nunca he estado con nadie menor de edad”.La canción anterior de Drake, "Family Matters", salió el pasado 3 de mayo. En ese momento, estaba respondiendo a las sucesivas “Euphoria” y “6:16 in LA” de Lamar. Todo este conflicto de meses comenzó con la canción de Lamar "Like That" en marzo.
No Esperes Demasiado del Fin del Mundo, considerada una de las mejores películas de 2023 por Vanity Fair, New York Magazine y Sight & Sound, ya se estrenó en MUBI. La película da un golpe feroz y cómicamente oscuro a la vida moderna. Angela (Ilinca Manolache), una asistente de producción sobrecargada y mal pagada, recibe la tarea de filmar un video de seguridad laboral para una corporación multinacional en Bucarest (Rumania). Cuando uno de los entrevistados hace una declaración que desencadena un escándalo, Angela tiene que reinventar la historia. Con apariciones de Nina Hoss, Uwe Boll y el alter ego de TikTok de Angela, Bobiță, esta sátira anárquica es un viaje salvaje e inolvidable a través de las indignidades vulgares del siglo XXI.Hablamos con la rumana Ilinca Manolache sobre lo que hace única a esta película. Esta es una película sumamente atrevida. ¿Qué es lo que más te gusta de ella?Hay muchas cosas pero principalmente el director Radu Jude, es un realizador que amo y con quien ya he trabajado en el pasado.Cuando leí el guion me sentí muy empoderada y sentí que toda la energía de la película estaba en las páginas, estaba en todo lado . Esa fue la razón para decir sí, absolutamente. La forma en la que Angela usa su celular en la película como una catarsis, ¿Crees que es problemático? ¿Cómo ves este TikTok en la película?Uso mucho mis plataformas de redes sociales. Bobita fue una creación mía durante la pandemia en Instagram y pienso que las redes sociales dan la oportunidad y TikTok principalmente, a voces marginalizadas de tener un escenario y creo que es extraordinario e invaluable, así no pienso que sea problemático. Me encanta TikTok, la uso y me inspira, y amo ser parte de comunidades que se forman ahí. Es una plataforma para voces que de otra forma no serían escuchadas. Esta es una "road movie" y por lo general este tipo de películas buscan una liberación. ¿Crees que esta película contradice eso?La búsqueda de Ángela es una búsqueda personal. Está tan llena de trabajo, cansada y el auto en el que está es como su ecosistema. Es una búsqueda interna, es una forma de cantar en su interior, de alguna manera. Todas esas horas en ese ecosistema significan algo, es su vida. Es una película con muchos temas: habla del exceso de trabajo, del capitalismo...¿Crees que hay algún mensaje en particular?Conecto mucho con la idea de una mujer sobrecargada de trabajo en esta sociedad capitalista que está en el fondo de la pirámide y aunque trabaja más que las personas de arriba ella no recibe nada a cambio mientras da su vida, su tiempo y su todo. Creo que también soy víctima de esta sociedad tóxica en la que vivimos y que está tan bien construida que no tenemos los medios para oponernos, porque si dices quiero parar, eres un paria y te condenas a ti mismo a la nada. Lo siento en mi vida también, la diferencia entre yo y ella es que tengo la oportunidad de desconectarme unos días pero en escencia soy parte de un sistema enorme y tóxico que está dominado por hombres blancos y poderosos que hacen perfectamente su trabajo. ¿Qué fue lo más retador de este personaje?Me gustó mucho este personaje porque es muy complejo, es como una bola de disco, icónico. Es perfecto para este tipo de personalidad que tiene Angela. Es muy educada, profunda, pero también puede permitirse ser vulgar. Amo eso porque tiene mucho de mí. Tengo la necesidad de hacer eso y me gusta mucho decir groserías para liberarme de esta energía tóxica que tengo a mí alrededor, principalmente dada por hombres. Además de las groserías, ¿Qué otro método usas para liberar tu energía negativa?Creo que es muy importante estar conciente de que estás sobrecargado de trabajo. De ahí depende de persona a persona. Creé a Bobita porque quería dejar una narrativa radical que critica esta dinámica de nuestra sociedad entre hombres y mujeres. Quería criticar el lenguaje de los hombres a las mujeres: sexualizarlas, dominarlas, humillarlas, quería hacer eso y mostrar que es un mecanismo de dominación que tiene que termianr y no va terminar si no trabajamos en esa dirección. ¿Por qué hay que ver No esperes demasiado del fin del mundo?Es una película muy moderna, única, tiene una energía única. Leí una descripción que me encantó: "Es Alicia en el país de las maravillas en metanfetaminas" y me encantó, proque tiene una energía punk. Es una energía sobre Buscarest y Rumania y la representación de una mujer en este contexto que nunca se había visto antes. me encanta este tipo de representación femenina en el cine que no es la típica. Es una actuación icónica para mí y me alegra haberla logrado.
Murió Bernard Hill, mejor conocido por sus papeles en Titanic (capitán Edward Smith) y El señor de los anillos (Rey Théoden). Hill tenía 79 años. Otros papeles en su carrera de décadas incluyeron la serie de televisión de la BBC de 1976 I, Claudius, una aparición en Gandhi de 1982, Shirley Valentine en 1989, The Scorpion King en 2002 y la película Valkyrie de Tom Cruise de 2008.Se suponía que Hill estaría en la Comic Con de Liverpool el sábado, pero tuvo que cancelar en el último minuto, dijo la convención en una publicación en X. Cuando se conoció la noticia de su muerte, los organizadores dijeron en la plataforma que estaban "desconsolados" en Hill's. muerte, y deseó a su familia "mucha fuerza".Bernard Hill nació en Blackley, Gran Mánchester (Reino Unido) y asistió a la Xaverian College, aunque en aquel momento era más conocida como Xaverian School, y luego al Manchester School of Theatre, junto a Richard Griffiths. Hizo su debut en el escenario en John, Paul, George, Ringo... and Bert, de Willy Russell, en 1974. En sus 5 décadas de carrera, participó en cerca de 40 producciones entre series de televisión y películas. En 1982 estuvo nominado a un premio BAFTA en la categoría de Mejor actor de televisión por su actuación en Boys from the Blackstuff, en donde interpretó a Yosser Hughes, un personaje que luchó (y a menudo fracasó) para hacer frente al desempleo en Liverpool.Su personaje y las frases de este se hicieron muy populares entre los críticos del gobierno de Margaret Thatcher, debido al elevado desempleo d ela época. Hill había trabajado antes en pequeños papeles para la televisión británica, donde destacó su aparición como el soldado romano Valerius Gratus en Yo, Claudio (1976).En 2005, recibió otra nominación en la misma categoría, por su papel en A Very Social Secretary. La película para televisión es una mirada satírica al ministro del Interior, David Blunkett, y su romance con la editora Kimberly Quinn."Desde Boys from the Blackstuff hasta Wolf Hall, The Responder y muchos más, nos sentimos realmente honrados de haber trabajado con Bernard en la BBC. Nuestros pensamientos están con sus seres queridos en este momento triste", dice Lindsay Salt, directora de BBC Drama.
Madonna cerró su gira con un concierto gratuito ante 1,6 millones de personas en la playa de Copacabana en Río de Janeiro. Fue la última noche de su gira retrospectiva, que marca sus cuatro décadas en el pop. Madonna comenzó su espectáculo con su canción de 1998 Nothing Really Matters e interpretó muchos de sus éxitos, incluidos Like a Virgin, Hung Up y Like a Prayer. También la acompañaron en el escenario los artistas brasileños Anitta y Pabilo Vittar.La agencia de turismo de Río dijo que 1,6 millones de personas asistieron al concierto en la famosa playa de la ciudad. Los Rolling Stones actuaron allí ante 1,2 millones de fans en 2006, y Rod Stewart dio allí el mayor concierto de rock gratuito de la historia en 1994, atrayendo a 4 millones de personas (aunque es posible que más de unos pocos hayan estado allí para el espectáculo anual de fuegos artificiales de Nochevieja). El anterior concierto en vivo más grande de Madonna fue de 130.000 fanáticos en París en 1987.El impacto del show en la economía brasileña El show de Madonna generó unos 293,4 millones de reales (cerca de 57 millones de dólares) en la economía de Río, según estimaciones del ayuntamiento. El valor es 30 veces mayor que los 10 millones invertidos por las autoridades públicas en patrocinio. Se estima que la ocupación hotelera en algunos barrios fue del 100%, según informó CNN Brasil. Es el doble de lo que generó Tyalor Swift con su Eras Tour, pero 15 veces menos que el Carnaval de Río. See stima que el turista brasileño promedio gasta 491 reales diarios, unos 98 dólares, mientras que los extranjeros alrededor de 562 reales o 110 dólares. Madonna en Río de Janeiro 2024: setlist Primer actoNothing Really MattersEverybodyInto the GrooveBurning UpOpen Your HeartHolidaySegundo actoLive to TellLike a PrayerTercer actoEroticaJustify My LoveHung UpBad GirlCuarto actoVogueHuman NatureCrazy for YouQuinto actoDie Another DayDon’t Tell MeMother and FatherExpress YourselfLa Isla BonitaDon’t Cry for Me ArgentinaSexto actoBedtime StoryRay of LightRainSéptimo actoBitch I’m MadonnaCelebration
Esta es la selección de nuevas canciones para la playlist Recarga LatinX. 14 canciones de artistas de Colombia, España, Puerto Rico y Argentina. Mucho trap, rap, soul, cumbia y hasta flamenco hecho en Colombia. Heavyweight - Eladio CarriónPrimer tema del nuevo EP de Eladio Carrión, Porque Puedo. Un trap calle con el estilo que él patentó en nuestro continente. Canta con su Heavyweight prendido como si estuviera recorriendo las calles del GTA.Demasiado Pa Mi- Esteban Rojas, FineSound MusicEsteban Rojas, de la escuela Cali Cartel, se libera de las cargas, y nos lleva con él al relajo. Perreo caleño motivacional.ORIGEN - PirloOtra canción de uno de los miembros de Cali Cartel. Esta vez, Pirlo rapea con su voz gruesa sobre un beat trapero y oscuro. Esto es el malianteo en su máximo esplendor.The Roof is on fire - TruenoAdvertencia: la canción dura muy poco, así que la van a tener que repetir. The Roof is on fire, el piso está caliente, samplea y evoca con un estilo totalmente nuevo a un clásico del rap dosmilero, Hot in here de Nelly. Canción de fiesta obligada.Fuck That - Lil Keren“Soy una berraca y lo que piensen ellos me la soba”. Lil Keren, de Cali, canta con crudeza y se proclama como la dueña del ghetto. La personalidad de Lil en un trap belicoso para desinflar la burbuja de los bandidos de palabra.No se puede negar- La Farmakos YokySazón y tumbao de Bogotá, el folclor del vecindario para los que no niegan el barrio.Tarde- D’AvilaCon una apuesta por el flamenco pop, D’Avila avisa que su música es para todos y que no hay que llorar.Con dinero y sin dinero - Fonseca, Grupo NicheFonseca, que tiene una larga y próspera carrera, lanzó un álbum de 11 canciones en las que explora su lado más tropical y, desde luego, tenía que colaborar por primera vez con una agrupación legendaria en el país, el Grupo Niche. El tema fue grabado en Cali y producido por José Aguirre.La Canoa se va- Cumbia starsQuinto tema del álbum recién estrenado por los Cumbia Stars, La cumbia une a Latinoamérica. En esta canción viajan al sur, como la cumbia, y colaboran con la chilena Pascuala Ilabaca y los argentinos de Fauna.Dónde estás? – AlizzzEl español Alizzz, mejor conocido por ser un productor visionario, estrenó álbum: Conducción temeraria, se llama y contiene nueve canciones. Dónde estas? es el sexto corte, un pop rock brillante, electrónico y colorido.Quiero To- La Pardo, Once SempaiDel EP Sin nombre de La Pardo, esta canción es una visita a la música de club. La caleña saltó del trap a una enérgica pista de baile con house y lo hizo con méritos.No One Noticed – The MaríasEl indie dulce de la banda puertorriqueña The Marías siempre suena bien. En No One Noticed, tema lanzado en un paquete doble junto con If Only, nos invitan a flotar. Bayside- DalexNacido en Estados Unidos, pero criado en Puerto Rico, Dalex está jugando con los beats del perreo, el trap y el dancehall como si fueran un videojuego. Una canción suave para la bahía.Facha - Benú, SaiTrap lujurioso. Colaboración de la nueva ola del trap y el reggaetón local, producido por Juan Sebastián Valencia Tafur y Jorge Enrique Márquez Robledo en la mezcla y masterización, bajo el sello de Toro Music GroupVean acá las canciones de la Recarga LatinX del 26 de abril.